Дизайнеры и их работы: Знаменитые дизайнеры | Знаменитые архитекторы и дизайнеры

Charles & Ray Eames. Чарльз и Рэй Эймс | Знаменитые архитекторы и дизайнеры

Философия Эймс (Eames) заключена в процессе творчества, пути, когда для достижения результата нужно пройти через годы проб и ошибок. Уходя от времени, когда мебель была тяжёлой и сложной в исполнении, когда каркас непременно нуждался в декорировании и обивке, Эймс дали свежий воздух для дыхания мирового дизайна.

 

Чарльз Эймс (Charles Ormand Eames) (1907-1978 гг.) и его жена Рэй Эймс (Ray Eames) (1912-1988 гг.) не только разработали некоторые из наиболее примечательных предметов мебели XX века, они также применяли свои таланты к созданию изобретательных детских игрушек, паззлов, фильмов, выставок и таких культовых лос-анджелесских зданий, как Eames House и Entenza House в Калифорнии.

 

Последнее, чего ожидал владелец, когда в 1941 году сдавал скромную квартиру на Авеню Стратмор в лос-анджелесском пригороде Вествуд молодожёнам Эймс, так это того, что из запасной спальни они сделают мастерскую.

Едва Чарльз и Рей переехали, как установили в этой комнате самодельный формовочный пресс, в который они помещали древесину и клей, прихваченные Чарльзом с MGM movies, где он работал архитектором.

 

На этой машине Эймс изготовили свой первый продукт, запущенный в массовое производство, — шину из клееной фанеры на ногу, изготовленную по слепку, сделанному с ноги самого Чарльза. Через год ВМС США заказали 5 000 экземпляров, и мастерская переехала из дома в арендованное помещение рядом с бульваром Санта-Моника.

 

Комбинация фантастического дизайна и изобретательности, которая побудила Чарльза и Рей Эймс создать массовый продукт в запасной комнате собственной квартиры, характеризует их работу в последующие четыре десятилетия.

 

Вместе они не только проектировали часть самой влиятельной и инновационной мебели конца XX столетия, но через их фильмы, преподавание, писательство и совместную жизнь в доме, который они спроектировали в Pacific Palisades (Калифорния), они определили открытый, органический, эмоционально выразительный подход к дизайну и образу жизни.

 

И Чарльз, и Рэй были младшими из двух детей в семьях среднего класса, и одарёнными студентами со способностями к искусству. А в остальном их истории очень разные.

 

Чарльз Орманд Эймс рос в Сан-Луисе (Миссури), где его отец, фотограф-любитель, работал в области безопасности на железных дорогах. Когда Чарльзу исполнилось восемь, его отец был ранен при ограблении, он был вынужден уволиться, работал журналистом и умер четыре года спустя. Чарльз помогал поддерживать семью, подрабатывал лаборантом в Laclede Steel Company, где он получил азы машиностроения и архитектуры, что в дальнейшем сказалось на выборе профессии. Школьный ежегодник описал его как «человека с идеалами, достаточно храброго, чтобы защищать их, и способного соответствовать им». 

 

После средней школы он выиграл в конкурсе на обучение архитектуре в Вашингтонском университете в Сан-Луисе. После двух лет обучения, он оставил университет. Многие утверждают, что Чарльз был отчислен за «слишком современный» подход к архитектуре, в частности за увлечение архитектурной концепцией Фрэнка Ллойда Райта. Скорее всего, это преувеличение, во время обучения Эймс работал архитектором на Trueblood and Graf, это отнимало много времени и не могло не сказаться на учебном процессе. 

 

В университете Чарльз Эймс встретил Кэтрин Вёрманн (Catherine Dewey Woermann), на которой и женился в 1929 году. Её отец заплатил за их медовый месяц в Европе, где они увидели работы Ле Корбюзье, Мис ван дер Роэ и Вальтера Гропиуса.

 

Вернувшись в Сан-Луис, Чарльз открыл архитектурное бюро (совместно с Чарльзом Греем и Уолтером Паули, Charles Gray and Walter Pauley), которое очень быстро закрылось.

 

Вскоре он попал под благотворное и очень сильное влияние финского архитектора Элила Сааринена (Eliel Saarinen), который предложил ему вместе изучать архитектуру и дизайн в Академии Cranbrook.

 

В 1938 году Чарльз вместе с женой и дочерью переехал в город Лючия, штат Мичиган, для дальнейшего изучения архитектуры в академии художеств Cranbrook, где впоследствии он станет учителем и руководителем промышленного дизайна департамента.  

 

Там Чарльз ещё больше сблизился с Элилом и особенно с его сыном Ееро (Eero), вместе с которым выиграл в 1940 году конкурс нью-йоркского Музея современного искусства (MoMA) в номинации «органический дизайн». Именно тогда Эймс и разработал собственный метод производства клееной многослойной древесины.

 

В 1941 году Чарльз и Кэтрин развелись, и он женился на своей коллеге по Cranbrook — Рэй-Бернис Александре Кайзер. Затем он переехал с ней в Лос-Анджелес, Калифорния, где они будут работать и жить всю жизнь. По дороге они подобрали перекати-поле, которое всё ещё свисает с потолка в их доме.

 

Рэй Эймс (полное имя — Рэй-Бернис Александра Кайзер, Ray-Bernice Alexandra Kaiser) родилась в Сакраменто (Калифорния) в творческой семье. Её отец был театральным продюсером, переквалифицировавшимся в страхового агента, и вместе с матерью поощрял её тягу к искусству. После смерти отца в 1929 году Рэй и её мать переехали в Нью-Йорк, чтобы быть ближе к брату, кадету в академии Вест-Пойнт. Рэй изучала абстрактную живопись под руководством Ганса Хоффмана (Hans Hofmann). Когда её мать умерла в 1940, Рэй переехала в Кранбрук (штат Мичиган) и поступила там в Академию искусств, где и встретилась с Чарльзом.

 

В Лос-Анджелесе Чарльз устроился на работу в MGM movies, а Рэй делала обложки для калифорнийского журнала об искусстве и архитектуре. По ночам они ставили эксперименты над фанерой в своей квартире. Заказ ВМС США («шины») позволил Эймс арендовать офис на бульваре Санта-Моники и собрать группу единомышленников, включая Гарри Бертойя (Harry Bertoya), создавшего дизайн обручальных колец для Рэй и Чарльза, и для Грегори Эйна (Gregory Ain). Продолжая свои эксперименты, они придумывали скульптуры, стулья, ширмы, столы и даже игрушечных животных из фанеры. Американская компания-производитель мебели Германа Миллера (Herman Miller) решила запустить некоторые из этих вещей в производство. Фанера от Эймс совмещала изящную органичную эстетику с любовью к материалам и технической изобретательностью.

 

Эти качества были также отчётливо заметны в шоу-руме, который они проектировали для Германа Миллера в 1949 году и в проектах Case Study Houses — дешёвом объекте жилищного строительства, спонсируемом журналом Arts&Architecture.

 

Дом Эймс был описан историком дизайна Патом Кирхэмом (Pat Kirkham) как  «композиция в стиле Мондриана на лос-анджелесском лугу». Дом Эймс (также известный как Case Study House №. 8, расположенный на бульваре  North Chautauqua, 203, в  Pacific Palisades, пригороде Лос-Анджелеса, Калифорния) является вехой архитектуры середины XX века. Он был построен в 1949 году семьёй Эймс и стал их домом и мастерской на всю жизнь.

 

Многие из современных икон архитектуры изображают из себя абсолют, пустынное пространство, не используемое человеком — картинка с выставки, кадр из кинофильма. Eames House другой — он яркий и внутри и снаружи, интерьер наполнен тёплыми, умными и полезными вещами — тысячи книг, произведений искусства, артефактов и всяческих «штучек» со всего мира.

Это дом людей, которые сами были интересны и интересовались всем. 

 

За основу  был принят проект дома Case Study, разработанный Эймс и Ееро Саариненом в 1945 году для Германа Миллера — дом для молодой семьи, одновременно уютный, функциональный и динамичный — гармоничный дом для жизни, работы и развлечений. Конструктивно дом состоит из стандартизированных блоков, которые могут быть собраны небольшой бригадой строителей в кратчайшие сроки. Этот проект был специально разработан для дешёвого и быстрого строительства: пятеро рабочих за 16 часов могли возвести стальной каркас, и ещё один рабочий за три дня настилал крышу.

 

Основные конструктивные элементы дома — сталь и стекло, высота — 17 футов (5,1 метра), длина  — 200 футов (60 метров). Членение фасада строго геометрическое, в духе картин Мондриана, состоит из ярких цветных панелей, перемежающихся с обильным витражным остеклением. Дом Эймс — один из 25 воплощений проекта Case Study — самый успешный, как в качестве объекта архитектуры, так и в функциональности жилой площади.

 

В настоящее время Eames House используется как студия, которая продолжает заниматься реализацией работ семьи Эймс. В 2006 году дом внесён в реестр Национальных Исторических Мест и охраняется законом.

 

Неудивительно, что дом и его содержание воплощали подход Чарльза и Рэй к дизайну и их концепцию «хороший жизни», воспевающую красоту как простых вещей, так и роскошных. Фанера со времён их медового месяца соседствовала с картиной Роберта Мадервелла. Игрушки, маски и другие фольклорные сувениры, приобретённые в путешествиях, лежали на столах рядом с камнями, пуговицами и кусками обложек их любимых книг. Британские архитекторы Питер и Элисон Смитсон (Peter & Alison Smithson) описали дом как «упаковку для культурного подарка». Это смешение продуктов массового производства и образцов фольклора постоянно появлялось и в фильмах Эймс, и в их графических проектах.

 

 

Eames Lounge Chair Wood (LCW) — это прорыв семьи Эймс. Этот маленький фанерный стул стал одним из символов «человечности» в мировом промышленном дизайне. Стул этот был результатом работы семьи Эймс в экспериментах по пластике фанеры. Это было время Второй Мировой войны — проблемы с деньгами, проблемы с материалами, проблемы с производством. Чарльз Эймс всегда был настоящим промышленным дизайнером. Середина  XX века — время беспокойства идеалистов о массовом производстве «правильных» вещей. Этот стул — «перековка меча на орало» — ведь к его реализации привел успешный проект по созданию фанерной шины для компенсации при ранениях и переломах. Ещё ранее, в 1940 году, Чарльз Эймс и Ееро Сааринен участвовали в конкурсе Музея Современного Искусства  — «Естественные мебельные решения» (Organic Furniture Competition) и выиграли этот конкурс. Конкурс был создан для изучения естественной эволюции мебели в быстро меняющемся потребительском мире. Несмотря на победу, из-за производственных проблем реализация их проекта была отложена. Потом началась война. Этот вынужденный перерыв позволил Эймсу совершенствовать метод деформирования фанеры и прийти к оптимальным решениям.

 

Изначально Эймс двигало стремление создать доступную, удобную, органичную мебель, применимую для массового производства. Однако, фанера  — сложный материал, склонный к непрограммируемой деформации и растрескиванию. Без метода проб и ошибок в работе с таким материалом не обойтись. Время цельнолитых конструкций на тот момент ещё не пришло, и Чарльз Эймс решил довольствоваться классическим разделением спинки и сидения стула. Результатом стал удобный, практичный и современный по форме стул. Одной из конструктивных особенностей стула стала гибкая система фиксирования спинки, основанная на конструкции с применением резины — система «shock mounts», в дальнейшем неоднократно используемая. Это был один из первых примеров стула с регулируемой спинкой.

 

Даже если считать, что Eames Lounge Chair Wood был временным компромиссом в отношении технологии производства, значение его для промышленного дизайна огромно. Сами Эймс неоднократно использовали его мотив  —  столовый стул (Dining Chair Wood (DCW) – такой же, как LCW, но с более узким сидением и длинными ножками; Lounge Chair Metal (LCM) и Dining Chair Metal (DCM) , а также LCW и DCW, установленные на металлической раме. Стул выпускается в трёх фактурах: ясень, орех и вишня и двух цветах — красный и чёрный. Официальные производители — Герман Миллер и Vitra. Все остальные — подделка. 

 

В нём нет ничего лишнего, но это не минимализм. Eames Lounge Chair Wood — настоящий, душевный стул для всего и для всех. Этот стул по прежнему является иконой для всего мира дизайна.

 

После экспериментов с фанерой Эймс сосредоточились на столь же активных опытах с другими материалами, создавая мебель из стекловолокна, пластмассы, алюминия, а также кожи и  дорогой фанеры (Lounge Chair, 1956 год). Этот стул-шезлонг стал иконой 1960-х и 1970-х годов — никакой честолюбивый руководитель не мог считаться таковым, пока в его  офисе не было этого предмета — но Чарльз всегда выражал предпочтение своим ранним, менее дорогим работам из фанеры.

 

Eames Lounge Chair — серийное имя  Eames 670 — самый респектабельный проект супругов Эймс для элитарного рынка. Впервые был выпущен в 1956 году. На самом деле это два предмета – собственно кресло и оттоманка к нему. Изготовлен из формованной фанеры и кожи, является постоянным экспонатом Нью-Йоркского Музея Современного Искусства. Кресло состоит из трёх изогнутых фанерных корпусов — резервуаров, изготовленных из тонких слоёв деревянного шпона, формованных при помощи температуры и давления. 

 

Lounge Chair пропорционален — подушки спинки кресла, сидения и сидения оттоманки примерно одного объёма. Проектируя этот «комплекс», Эймс прошли длинный путь экспериментов, начиная от знаменитого фанерного стула Eames Lounge Chair Wood (LCW). Для амортизации комплекса соединений спинка — сидение использовали резиновые шайбы, вмонтированные в корпус кресла. При использовании они обеспечивали невиданный до этого комфорт и адаптацию кресла под тело. Это был один из явных плюсов, но также и минус — при рассыхании резины или излишнем весе пользователя возникали проблемы, которые могли быть решены только полным демонтажом травмированных деталей.

 

Другое творческое использование материалов — в подушках сидений. Отказавшись от стандартного крепления обивки на гвоздях, Эймс применили соединение на молнии вокруг внешнего края. Сейчас это обычная практика для креплений обивки мягкой мебели, для 1956 года — Революция.

 

Внутренняя поддержка внешнего края корпусов с фанерным основанием — скрытые ролики и кольца. Такого рода крепления и амортизаторы позволили избавиться от стандартных болтовых соединений. 

 

Презентация Eames Lounge Chair состоялась на Эн-би-си в телепрограмме Арлин Фрэнсис «Домашняя страница» в 1956 году. Первые рекламные проспекты отображали универсальность Eames Lounge Chair  — кресло было показано в викторианской гостиной, на фоне американского псевдоготического дома и в поле у стога сена. Реклама снабжалась уведомлением потребителей об опасности подделок (ход Германа Миллера). Кресло стало символом современного дизайна, с момента первого выхода производство не прекращалось — сначала в США его выпускал Герман Миллер, потом, для европейского рынка — Vitra. Сразу же после молниеносного успеха многие дизайнеры и производители начали копировать Eames Lounge Chair, некоторые образцы были полными копиями, другие можно характеризовать как «под влиянием».

 

Совсем недавно китайский рынок, да и некоторые европейские компании начали делать прямую копию Eames Lounge Chair, тем не менее «брендом» являются только копии от Германа Миллера и Vitra. 

 

Eames Lounge Chair нравится по многим причинам — с одной стороны это классика, но это по-новому комфортная «классика», это натуральные материалы высочайшего качества, а некоторые считают его достойным из-за респектабельной цены — не менее $ 3200, в зависимости от используемой древесины и кожи. Цена на аукционе за коллекционный Eames Lounge Chair из бразильского палисандра — $ 7000.

 

Сотрудничество с компанией Herman Miller продолжалось и распространилось на  его европейского партнёра — Vitra. Эймс также начали длительные отношения с IBM, для которых они делали фильмы и проектировали выставки. Творчеству Эймс способствовало время. Они не испытывали дефицита корпоративных партнёров в расширяющейся американской послевоенной экономике. Одновременно существовал и большой выбор материалов и процессов производства, поэтому демократическое представление Эймс о дизайне вызвало общественный интерес в эру растущего богатства. В пятидесятые их мебель выставлялась на шоу Good Design, выставках, благодаря которым нью-йоркский Музей Дизайна (MoMA) стремился повысить общественную осведомлённость в области дизайна.

 

Мебель Эймс, особенно изящные и практичные офисные стулья, такие как Lounge Chair и Aluminium Series, теперь кажется синонимом корпоративной Америки середины XX столетия, но Чарльз и Рэй были столь же успешны в популяризации забытого тогда фольклора не только в США, но и в Индии.

 

Ещё одно замечательное произведение Эймс — «Слон», достигший легендарного статуса у коллекционеров и ставший позже визитной карточкой Vitra. Два прототипа «Слона» были разработаны в 1945 году и оба были продемонстрированы на выставке Музей Современного Искусства в Нью-Йорке. Рэй и Чарльз были очарованы слонами, огромное число фотографий слонов находится в их «индийской коллекции». «Слон» был задуман не только как игрушка для детей, но и как сложный скульптурный объект, который может быть представлен в любой среде, оживить любую ситуацию. К сожалению, «Слон» так никогда и не пошёл в серийное производство, были выпущены только ограниченные серии для коллекционеров.

 

Работа оставалась центром их жизни — с рабочими днями с 9 утра до 10 вечера и поваром под рукой, чтобы не пришлось покидать студию ради еды — до самой смерти Чарльза от сердечного приступа в 1978 году. Рэй упорно трудилась, чтобы закончить все незаконченные проекты, но, завершив их, не искала новые.

 

Она посвятила оставшуюся часть жизни продвижению их идей через беседы и писательство. Рэй Эймс умерла от рака 21 августа 1988, ровно день в день через десять лет после смерти Чарльза. 

 

Ресурсы о Чарльзе и Рэй Эймс:

 

http://www.eamesgallery.com/

 

http://www. architonic.com/cat/1/8101094/1

 

О Доме Эймс:

 

http://www.eamesfoundation.org/

 

http://housing.totalarch.com/eames_house

 

Дом-студия Эймс. Eames House. Case Study House №. 8. 1949 г.
Plywood Elephant. 1945. Производится Vitra	Wire Chair DKR. 1951. Производится Herman Miller
Soft Pad Chaise ES 106. 1968. Производится Vitra	Conference / Meeting Table. 1950. Производится Herman Miller
Eames Lounge Chair. 1956. Производится Herman Miller	Children’s Stool. Производится Vitra
EDU Desk Unit. 1950. Производится Herman Miller	Sofa Compact. 1954. Производится Herman Miller
Eames Lounge Chair Wood (LCW). 1940. Создан Эймс совместно с Ееро Саариненом (Eero Saarinen). Стал прототипом для серии стульев, в том числе Eames Molded Dining Chair (DCW). 1946. Производится Herman Miller	La Chaise. 1948. Производится Vitra
Organic Chair Highback. 1940. Создан Эймс совместно с Ееро Саариненом (Eero Saarinen). Производится Vitra	Adjustable Jig. 1945
Wire Chair DKR. 1951. Производится Herman Miller	Eames Plastic Armchair PA. 1950. Производится Vitra
Eames Plastic Armchair RA. 1950. Производится Vitra	Eames Storage Unit 420. 1950. Производится Herman Miller
Molded Lounge Chair (LCM). 1946. Производится Herman Miller	Lobby Chair ES 104. 1960. Производится Vitra

Топ-10 дизайнеров интерьера и их работы — Дизайн на vc.

ru

1. Жан Луи Денио — дизайнер с мировым именем, входит в рейтинг лучших современных дизайнеров по мнению мировых изданий о дизайне и интерьере. В его портфолио сьют Коко Шанель в парижском отеле “Ритц”, дом Карлайл, квартира и бутик модельера Michel Klein, веранда Выставочного зала Трампа, работа над интерьером отеля “Nolinski”, которым управляет сеть Evok.

17 806 просмотров

Его проекты сочетают в себе элегантный шик и спокойную роскошь, а в палитре цветов доминирует золото, шоколад, беж, какао и бирюза. Симметричность линий, баланс и гармония форм, симбиоз текстур, таких как хрусталь, бронза, кожа, шелк, мрамор, малахит — характерные “изюминки” интерьеров Жана Луи Денио.

Сайт дизайнера: Jean Louis Deniot

Интерьеры отеля Nolinski в Париже

2. Карло Рампацци — дизайнер и архитектор из Швейцарии, известный нестандартным подходом к оформлению интерьеров: игра на контрастах, объединение необычных форм и красок, смешение разных стилей.

Рампацци создает оригинальную, запоминающуюся мебель, которая наилучшим образом вписывается в антураж его проектов и дополняет идеи в стиле “нео-максимализма”. Обустройство отеля Carlton в Сент-Морице, создание интерьера обувного бутика Berluti в Париже, проект Il Piacere di Abitare с Алессандро Мендини принадлежит авторству Карло Рампацци. Сам дизайнер считает, что его идеальным клиентом является Алиса в стране чудес.

Сайт: Carlo Rampazzi

Резиденция в Бейруте

3. Мартин Лоренс-Буллард — “голливудский дизайнер”, клиентами которого являются Кристина Агилера, Оззи Осборн, Элтон Джон, Шер, Эдвард Нортон и многие другие звёзды мировой известности.

Буллард отдаёт предпочтение эклектическому стилю, его интерьеры наполнены оттенками, орнаментами и отличаются соединением разных культур и эпох в одном проекте. Дизайнер создает особый колорит, работая с тканями и разрабатывая новые решения непосредственно под заказчика, что делает каждый его проект неповторимым и непохожим. В портфолио коммерческих интерьеров отели Chateau Gutsch в Люцерне, The Prospect Hollywood и Hotel Californian, спа-комплексы Casa Laguna и Sands Hotel & Spa, также со всеми объектами можно ознакомиться на сайте Martyn Lawrence Bullard Design

Отель California в Санта-Барбаре

4. Кристофер Холл — новозеландский проектировщик, обольщенный архитектурой и колоритом Стамбула, воплощает свои интерьеры с королевским размахом. В отделке дизайнер отдает предпочтение бронзе, мрамору, элитным сортам древесины, сочным однотонным расцветкам тканей, малахиту, а в его проектах сочетается традиционная роскошь Востока и минималистичная практичность Запада. Кристоферу Холлу принадлежит оформление дворца принца Фейсала бен Саттама и дома губернатора Саудовской Аравии в Медине, а также создание интерьеров в домах королевской четы в Лондоне и Эр-Рияде. Сайт дизайнера: Christopfer Hall

Интерьер дворца принца Саудовской Аравии

5. Келли Хоппен — известный британский дизайнер, чьи заслуги отмечены II Орденом Британской Империи. Создает элегантные и драматические интерьеры в стилистике “нейтральной роскоши”. Особенностями ее работ считается использование монохромной палитры красок, в основе которой натуральные цвета: бежевый, песочный, жемчужный, слоновой кости, оливковый. Однако, любимый цвет дизайнера — тауп, смесь серого и коричневого — без его использования не обходится ни один проект. Келли Хоппен утверждает, что ее дизайн “опирается на решетчатую схему и симметрию — на выстроенный и упорядоченный линейный мир”, при этом ей “нравится порой всё перевернуть, взорвав застывшую форму различными асимметричными элементами”.

Почитателями дизайна Келли Хоппен и её клиентами являются королевская семья, Элтон Джон, чета Бекхэмов, Хиллари Клинтон, Дональд Трамп. Коммерческие проекты дизайнера: номера комплекса One Shenzhen Bay в Китае и Lux Hotel Resort в Республике Маврикий, круизный корабль Celebrity Cruise, а также первая работа Келли Хоппен в Украине — интерьер для элитного киевского жилого комплекса Linden Luxury Residence. Резиденция позиционируется как “единственный строящийся дом с жилым пространством в правительственном квартале столицы”. Узнать больше о работах Хоппен можно на сайте Kelly Hoppen

Интерьеры элитной резиденции Linden Luxury Residences в Киеве

6. Классические арабески, вязь и кружево, барочные завитки — характерные мотивы интерьеров дизайнера-голландца Марселя Вандерса. Проекты Вандерса провокационные, уникальные, отчасти даже фантазийные и сказочные.

Отель Mondrian в Майями выполнен дизайнером в стилистике сказки “Спящая красавица”: белоснежный вестибюль, люстры-колокола, шатры под открытым небом, винтовые лестницы — интерьер передаёт ощущение легкости, пышности и роскоши. В его работах объединяются ультрасовременные технологии, эксцентричность и концептуальность. В портфолио Вандерса частная резиденция Taipei, дизайн для жилых комплексов Hyde и Oh! Больше проектов дизайнера размещено на его сайте: Marcel Wanders

Отель Mondrian South Beach

7. Филипп Старк — один из самых востребованных дизайнеров современности. Многие дизайнерские модели мебели лишены претенциозности и запущены в массовое производство, поскольку дизайнер не считает свои творения элитарными. “Если вы думаете, что я всю жизнь проведу, работая на горстку людей, – спасибо, я лучше посплю. Поэтому всю жизнь я убиваю дизайн, вернее, уничтожаю эту его элитарность”.

Идея каждого дизайна построена на ассоциациях, лёгкости и скрытом смысле в деталях интерьера. В дизайне Старка часто используются плавные, удлиненные архетипические формы, которые можно назвать прямым подражанием стилю Сальвадора Дали. Интерьеры отеля Sanderson в Лондоне сочетают барокко и современность, отличаются разнообразными деталями: барные стулья с нарисованными глазами, цветочные горшки с галстуками-бабочками, диван в форме губ. Palazzina Grassi — отель в сердце Венеции, дизайн в котором выполнен Филиппом Старком и отличается “хрустальностью” и легкостью, ощущением зеркальности пространства.

Сайт дизайнера: STARCK

Интерьер отеля Palazzina Grassi Venezia

8. Патриция Уркиола в своих интерьерах добивается присутствия коммуникативной составляющей, которая создает баланс и связь между предметами дизайна и их пользователями.

Характерными особенностями стиля Патриции являются ажурность, “воздушность” мебели, эксперименты с материалами, фактурами, использование двух основных цветов: белого и чёрного. Ее интерьеры максимально комфортны для жизнедеятельности, однако имеют и художественное пространство. Одними из самых успешных проектов Патриции считаются интерьеры отеля Mandarin Oriental Hotel в Барселоне и частной резиденции Патриции Морозо — арт-директора бренда Moroso.

Сайт: Patricia Urquiola

Mandarin Oriental Hotel в Барселоне

9. Тони Инграо — дизайнер, чьи проектные бюджеты начинаются с семизначных сумм. Интерьеры выполнены исключительно из натуральных материалов, предпочтение отдается элитным сортам дерева и фрактальной смоле. Работает в разных стилях в зависимости от архитектуры: от рустичного до арт-деко.

Компания Инграо известна частными жилыми проектами в США, Израиле, Монако, Франции и Саудовской Аравии. Одним из самых знаковых проектов является интерьер для нью-йоркского отеля Baccarat: огромные окна, роскошные виды на Манхэттен, натуральные материалы, изысканная мебель.

Сайт дизайнера: Ingrao Inc

Интерьеры отеля Baccarat в Нью-Йорке

10. Карен Хаус — основательница бренда Taylor Howes. Дизайн Карен отличается использованием тонких линий, деталей, изысканных сочетаний и благородной палитры цветов. В ее проектах соединяется сдержанный гламур и интересная концепция.

Большая часть заказов Taylor Howes — частные резиденции, расположенные в самых престижных районах Лондона, а также в США, Европе и на Ближнем Востоке. “Park Crescent” — резиденция в форме полумесяца, продукт дизайна компании Карен Хаус, является одной из самых престижных в Лондоне.

Сайт: Taylor Howes

Park Crescent в Лондоне

35 известных графических дизайнеров, которых вам нужно знать

Мы любим графический дизайн. И мы предполагаем, раз вы здесь, вы тоже любите графический дизайн. Это означает, что мы все тоже любим графических дизайнеров — в конце концов, именно они создают дизайн. Хотя мы считаем, что все дизайнеры, независимо от того, на каком этапе своей карьеры они находятся, должны быть отмечены, есть некоторые известные дизайнеры, которых должен знать каждый!

Мы спросили жителей Шиллингтона, наших студентов, выпускников и преподавателей об их любимых дизайнерах — прошлых или настоящих — и составили этот удобный список. Мы вышли за рамки обычного списка сильных ударов: есть победители наград, члены Зала славы, носители Олимпийского огня, дудлеры Google, Черные пантеры, мастера по изготовлению бумаги и многое другое. Итак, если вы ищете вдохновения или просто хотите удивиться, тогда читайте!

Карьера Гейл Андерсон очень впечатляющая — она работала в Rolling Stone, The Boston Globe, Random House и в настоящее время является партнером Anderson Newton Design. Кроме того, она также преподает в Школе визуальных искусств, публикуется в журнале Imprint and Uppercase и является соавтором множества книг, в том числе The Typographic Universe, American Typeplay и New Modernist Type. Настоящий центр дизайна, ее работы на протяжении многих лет остаются впечатляющими и, безусловно, достойны внимания. Мы не единственные, кто так считает — Андерсон также получил множество наград от крупных организаций, включая AIGA и Клуб директоров шрифтов, и это только две. Первый из них наградил ее медалью за заслуги перед жизнью в 2008 году. Ее работы также находятся в постоянных коллекциях нью-йоркского Музея дизайна Купера Хьюитта, Библиотеки Конгресса и Архива дизайна Милтона Глейзера. Она также самопровозглашенная накопительница с коллекциями солонок и перечниц, крышек от бутылок, мексиканских крестов и чугунных игрушек.

Hey Studio и ее креативный директор Вероника Фуэрте находятся в авангарде барселонского и мирового дизайна с момента своего основания в 2007 году. В течение последних 14 лет Фуэрте создает прекрасные работы, которые стали частью ее дома. город. В каталонской столице даже заклеймили Рождество! Фуэрте и ее команда в Hey работают над художественным оформлением, брендингом, упаковкой, кампанией, иллюстрацией, печатью, типографикой и цифровыми технологиями. Они также работали с глобальными брендами, такими как Uniqlo и Huawei, а также с независимыми небольшими барселонскими брендами, такими как Caravelle и мадридская Hola Coffee. В довершение всего, Хей открыл магазин в Готическом квартале Барселоны в 2019 году..

Если вы не знаете его имени, вы наверняка видели некоторые из работ Родриго Коррала — он разработал более 500 обложек для книг от «Ошибки в наших звездах» Джона Грина до «Расшифровки» JAY Z. Коррал живет в Нью-Йорке и является одним из самых плодовитых дизайнеров книжных обложек последнего времени, создавая обложки для книг, получивших Пулитцеровскую премию, и гигантов американской и международной литературы. Помимо обложек своих книг, Коррал также является креативным директором Farrar, Straus & Giruoux и руководит собственной одноименной студией. Он читает лекции в своей альма-матер, Школе визуальных искусств и других колледжах по всей Америке.

Эмори Дуглас наиболее известен своей работой в качестве министра культуры Американской партии черных пантер в период с 1967 по 1980 год. В течение этих тринадцати лет он курировал художественное руководство газеты организации «Черная пантера». Его невероятные знания в области дизайна, производства, печати и иллюстраций помогли распространить информацию о BPP и сыграли важную роль в ее успехе — поиске новых способов распространения информации. Помимо газеты, он также выпускал газеты, которые были расклеены по всему району залива, где проживали Дуглас и его партия, а также в Америке, снова распространяя информацию о Пантерах и вербовав новых членов. Работа Дугласа стала такой же революционной, как и сама организация — он использовал иллюстрации, надписи, коллажи и карикатуры для создания запоминающихся работ, которые действительно выдержали испытание временем.

Теа Аглоу — креативный директор творческой лаборатории Google в Сиднее, поэтому вы можете себе представить, что ее работа тесно связана с цифровыми технологиями. Работа Теа в Creative Lab Google в основном связана с работой с культурными организациями, такими как Сиднейская биеннале, Британский музей и Adelaide Fringe, для проведения цифровых экспериментов. Работая с продюсерами, разработчиками и коллегами-дизайнерами, она стремится создавать работы, которые интригуют и учат других. Еще в 2018 году компания Deloitte признала Чай одним из австралийских лидеров #OUT50 LGBTQ. Она также является автором сборника «Громко и гордо», в котором собраны невероятные, изменяющие мир выступления сообщества ЛГБТК+ и его союзников.

Мы не знаем многих известных графических дизайнеров, чья работа началась на новоселье. Но еще в 2009 году импровизированная установка мела Даны Танамачи на вечеринке в Бруклине привела к комиссии Google, возрождению тенденции меловых надписей и процветающей карьере Танамачи. Индивидуальная типографика и иллюстрация стали названием игры, и вскоре она открыла собственную специализированную студию, работающую с редакционными, лайфстайл-брендами, продуктами питания и модными брендами. С тех пор она работала в огромном количестве различных компаний по всему миру, включая, помимо прочего, Nike, Penguin и Instagram. Она также создавала обложки для O, HOW и культового журнала TIME.

Люк Чойс проработал в индустрии дизайна 15 лет, начав работать в ведущих агентствах Лондона, Сиднея и Нью-Йорка. Тем не менее, желая полностью погрузиться в свой собственный стиль и создать что-то, что он действительно может назвать своим, он основал Velvet Spectrum в 2014 году. Choice всегда был большим поклонником комиксов и мультфильмов, и это видно по его работам. Его портфолио полно подробных рассказов, переплетающихся с инновационными, красочными иллюстрациями и творениями. Мечтательные вещи. Choice и Velvet Spectrum создали проекты для American Express, Samsung и Adobe Max.

Типографика — это название игры для венесуэльского дизайнера Изабель Урбины Пенья. Она руководит собственной студией в Бруклине, которая занимается надписями, обложками книг и дизайном, дизайном шрифтов и брендингом. Список ее клиентов также впечатляет. Сюда входят The New York Times, BuzzFeed, Refinery29, Нью-Йоркское историческое общество и другие. Пенья любит работать над проектами, имеющими положительное социальное значение, и постоянно работает над тем, чтобы сделать индустрию дизайна более доступной и инклюзивной. Раньше она вела Yes, Equal, базу данных женщин в творческих сферах, которая сейчас заархивирована.

Зипэн Чжу, также известный как Мистер Дэззл, художник, дизайнер и владелец студии DAZZLE Studio и компании по производству товаров для дома и одежды DAZZLE Supply. Работая над брендингом, цифровыми технологиями, анимацией, иллюстрацией, окружающей средой, печатью и упаковкой, Zhu — это чудо дизайна. Он создал вариативные шрифты для Adidas, банки для пива Eliqs ‘Love Spectrum и брендинг для антирасистской, трансфеминистской инициативы Towards Utopia, которая предоставляет искусство, образование и ресурсы. Он также был гостем первого эпизода Pathfinder, собственного подкаста Шиллингтона о дизайне.

Лорен Хом, проживающая в Детройте, но родом из Калифорнии, начала свою удивительную карьеру совершенно незапланированно, когда получала степень по рекламе. Первоначально взяв на себя несколько увлеченных проектов, Хом вскоре превратила свою практику в полноценную и полностью процветающую внештатную практику. Вы наверняка видели работу Лорен, но она работала в Кулинарном институте, Washingtonian, Chobani и многих других, а также создавала шрифты, которыми можно поделиться. Хом также проводит фантастический бесплатный еженедельный конкурс #HOMwork, который она запустила и проводит с 2017 года.0003

Синдисо Ниони — многопрофильный дизайнер из Булавайо (Зимбабве), а также иллюстратор, уличный художник и активист. Ниони работал иллюстратором и арт-директором в рекламной индустрии Южной Африки, а также подрабатывал художником-постером R!OT. Под этим видом его работы публиковались как в Южной Африке, так и за рубежом в США, Великобритании, Испании, Хорватии, Германии и Мексике. Ниони также участвовала в жюри и консультативных комиссиях по дизайну в Африке и была представителем континента на 50-м Всемирном коммуникационном дне дизайна Icograda в 2013 году.

Креативная Шона Х из Нью-Йорка работает в цифровом, пространственном и динамическом направлениях. Это означает, что ее зажигательные, яркие работы за последние несколько лет украсили множество различных пространств. С экранами, автомобилями, досками для серфинга и даже гигантским анимированным рекламным щитом для Samsung на всемирно известной Таймс-сквер в Нью-Йорке работа X никогда не уклоняется от работы. Помимо Samsung, она также работала в Adidas, Dr Martens, OKCupid, Squarespace и Музее пиццы. С таким бесспорно впечатляющим составом вы определенно видели работу X где-то за последние несколько лет, будь он фанатом пиццы или нет.

Родившийся в Барселоне и живущий в Бруклине Алекс Трочут, безусловно, известный графический дизайнер, который заслуживает того, чтобы быть в этом списке. В своей работе, которая включает в себя дизайн, типографику и иллюстрацию, он любит смешивать стили и жанры, часто вдохновляясь одновременно поп-культурой, уличной культурой, модой и музыкой. Это явно окупается, он работал с гигантами спортивной одежды Nike и Adidas, газетами The Guardian и The New York Times и международными компаниями по производству напитков Coca Cola и Pepsi. Помимо своей более корпоративной работы, Трочут также работал с некоторыми из крупнейших групп мира. А именно The Rolling Stones, Arcade Fire и Vampire Weekend, для которых он разработал визуальный язык.

Лучший графический дизайнер и арт-директор Габби Лорд — это имя, которое, мы уверены, вы узнаете — если не за ее удивительную работу, то определенно за ее совершенно фантастический информационный бюллетень OMGLORD. В последнем она еженедельно делится своими мыслями о дизайне и творчестве, а также делится некоторыми полезными ресурсами для своих творческих коллег. В своей дизайнерской работе, которая сосредоточена преимущественно на брендинге, она стремится создавать демократичные и стратегические ответы на брифы, решая проблемы способами, которые вы никогда не ожидаете. Помимо своей дизайнерской практики и информационного бюллетеня, Лорд также основала и курирует Broads Down Under, базу данных женщин и небинарных людей в индустрии дизайна Австралии, которая способствует представительству и равным возможностям.

Британский дизайнер, арт-директор, иллюстратор и художник Кейт Моросс управляет собственной студией Studio Moross с 2012 года. Моросс и студия в основном занимаются музыкальными проектами, создавая плакаты для ежегодного фестиваля Parklife в Манчестере, художественные для подкаста Spotify Renegades: Born in the USA, организованного Бараком Обамой и Родом Стюартом, а также постановку, мерч и постеры для камбэк-тура Spice Girls 2019. Другими словами, влияние Моросса на то, как выглядит музыкальный мир в последние годы, было ОГРОМНЫМ. Помимо дизайнерской работы, Моросс также снял музыкальные клипы для Jessie Ware, Simian Mobile Disco и других. Интересно, что они также пронесли Олимпийский огонь через Льюишем, Южный Лондон, перед лондонскими Олимпийскими играми 2012 года.

Лета Соберайски — дизайнер из Нью-Йорка, которая создает свои уникальные работы, сочетая традиционный графический дизайн с фотографией, искусством и стилем. Управляя дизайн-студией вместе со своим мужем и соавтором Уэйдом Джеффри, Соберайски работает в самых разных областях — от брендинга и арт-директорства до инсталляций и видео. Она работала с самыми разными клиентами, такими как Tate Britain в Лондоне, AIGA Eye on Design Conference и модными домами Gucci и Comme Des Garçons. Ее уникальный стиль и процессы означают, что ее работы выделяются и мгновенно узнаваемы.

Несмотря на то, что в свое время Аарон Дуглас был известен как художник, многие работы, созданные Аароном Дугласом, теперь будут считаться графическим дизайном. Ключевой игрок в движении Гарлемского Возрождения, Дуглас умело смешал понятия ар-деко и ар-нуво с коннотациями африканских масок и танцев. Однако в своем иллюстративном стиле он оторвался от этих традиций и четко передал свое африканское наследие, в конечном итоге разработав отчетливо африканский и афроамериканский стиль дизайна. Дуглас также был постоянным участником ночной жизни Черного Гарлема, что вдохновило его на творчество и привело к его фрескам, украшающим стены многих заведений Гарлема. Его лучше всего помнят по его иллюстрациям к «Новому негритянскому движению» Алана Локка и эпической поэме Джеймса Уэлдона Джонсона «Божий тромбом», а также по его фрескам «Аспекты негритянской жизни» для филиала Нью-Йоркской публичной библиотеки на 135-й улице.

Родом из Колумбии, но сейчас живущий и занимающийся дизайном в Тасмании, Джо Рока является креативным директором For The People, брендингового агентства со студиями в Сиднее, Перте и Тасмании. Они также выиграли студию года AGDA в 2019 году! Джо стремится создавать впечатляющие дизайнерские работы, а не шумиху, понимая, какое влияние дизайн может оказать на некоммерческие организации. Она пришла к этому пониманию, работая над ребрендингом Сиднейского приюта для кошек и собак, который ловко отражает всех животных прошлого, настоящего и будущего, которые проходят через приют, в логотипе и брендинге. Это 3000 животных в год — для сравнения.

Луиза Фили управляет собственной студией дизайна с 1989 года, так что она была в игре некоторое время — она даже была наставником Даны Танамачи, о которой мы говорили выше! Фили и ее студия занимаются брендингом и упаковкой продуктов питания и ресторанов. В список ее клиентов входят Маркус Самуэльссон, известный как Red Rooster, варенье Sarabeth’s, пиццерия Juliana’s Pizza, а также Mermaid Inn и Oyster Bar. До того, как открыть свою студию, Фили также в течение 11 лет была арт-директором Pantheon Books. В Pantheon она разработала обложки для колоссальных 2000 книг. Она также написала и стала соавтором многих книг по типографике на английском и итальянском языках. И, конечно же, такая карьера, как у Фили, не обходится без бесчисленных наград — она является членом Зала славы арт-директоров, имеет награды за жизненные достижения от AIGA и шрифтовых директоров и получила премию Фредерика В. Гуди за Превосходство в типографике.

Стены, упаковка, автомобили, обувь, одежда, книги, журналы, галереи и люди — все они были затронуты дизайном Тимоти Гудмана. Ведущий графический дизайнер, иллюстратор и художник-монументалист Гудман работал с клиентами по всему миру, включая Airbnb, Google и Netflix. Помимо этого, он также написал книгу под названием «Художественная мастерская Sharpie», выпустил линию футболок для Uniqlo и является соавтором пяти сторонних проектов, в том числе «Build Kindness Not Walls» и «Friends With Secrets». Мы уверены, что вы где-то встречали его работы — будь то стена, вышеупомянутые футболки или даже бутылка вина от Aldi.

Покойный японский графический дизайнер Икко Танака создал уникальный стиль графического дизайна. В своей работе он объединил модернистские принципы и японские традиции, создав невероятное количество работ для компаний по всему миру. На протяжении всей своей карьеры он работал с Mazda, Issey Miyake, Hanae Mori и создавал плакаты для культурных учреждений как в своей стране, так и для японских культурных мероприятий по всему миру. Он также был первым креативным директором японской розничной компании Muji, известной своим минималистским подходом к товарам для дома и потребительским товарам без логотипов. Ему приписывают разработку концепции вместе с консультантом по маркетингу Казуко Койке и дизайнером интерьеров Такаси Сугимо.

Родившийся и выросший в «Большом яблоке», Джон Контино уже много лет является одним из основных дизайнеров и брендинговых сообществ. Запуск и креативное руководство собственной брендинговой студией CONTINO. Студия выпускала работы для телевидения, уличной одежды и спорта — недавно они впервые за 30 лет переделали логотип Chicago White Sox. Кроме того, Contino также ведет подкаст The Nose Knows, который описывается как «лекарство от обычного подкаста о дизайне». Он также опубликовал свою первую книгу «Бренд вручную» в 2018 году и проводит Contino Workshop, мастер-класс по написанию букв вручную.

Паула Шер, возможно, один из самых влиятельных дизайнеров всех времен, и это имя вам определенно знакомо. Работая в нью-йоркском офисе Pentagram в течение последних 30 лет, Шер была знакома в индустрии с момента ее новаторской работы в The Public Theater в середине 90-х. Ее дизайнерское наследие широко распространено в ее родном городе, США и мире. Среди клиентов она работала с Microsoft, Shake Shack, Музеем современного искусства, Институтом Сандэнс, New York City Ballet, New York City Ballet. Ботанический сад, Мемориальный музей Холокоста в США и Департамент парков и зон отдыха Нью-Йорка. На самом деле ее наследие настолько велико, что она работала в Комиссии по общественному дизайну города Нью-Йорка с 2006 по 2015 год.0003

Австралийский дизайнер Кития Паласкас любит привносить ремесло в свои работы. Используя техники ручной работы и традиционные ремесленные методы, которые она переосмысливает на современный лад, она создает реквизит, инсталляции, контент, иллюстрации и мастер-классы, которые доставляют истинное наслаждение для глаз. Упаковка для шоколада, обложки для альбомов, самоделки, пиньяты и витрины — все это сделано вручную из картона, войлока и других материалов ярких, смелых цветов. Паласкас также очень увлечена тем, что делится своей любовью к культуре ручной работы, особенно в наш цифровой век — она даже опубликовала книгу о ремеслах под названием Piñata Party.

Крейг Олдхэм — британский дизайнер, работающий под вывеской The Office of Craig Oldham. Компания Oldham, гордо проживающая на Севере и базирующаяся в Манчестере, работала в сфере кино, телевидения, искусства, розничной торговли и образования, и это лишь некоторые из них. Некоторые из его более крупных проектов включали работу с футбольным клубом «Манчестер Сити», зоопарком Честера, Creative Review и ребрендингом Brit Awards с иконой моды Вивьен Вествуд. Он также является креативным директором издательства Rough Trade books и опубликовал свою собственную книгу под названием In Loveing ​​Memory of Work, визуальный отчет о забастовке горняков Великобритании в 1919 году.80-е годы.

Ноэми Ле Коз — австралийский дизайнер, которая, по ее словам, стремится превратить удовольствие в функциональность. Ей нравится добавлять в работу ощущение игры, в результате чего получается великолепное портфолио, которое, за неимением лучшего слова, доставляет удовольствие. Ее работа с такими брендами, как Casper, Billie и Smalls, направлена ​​на то, чтобы довести основное сообщение до его самой ясной и свежей визуальной формы, чего она определенно добивается каждый раз. Помимо своей независимой практики, Ле Коз вместе со своим мужем Джереми является половиной творческой студии Little Troop и ранее работала в Pentagram, RoAndCo Studio, Hugo & Marie, Partners & Spade, Google Creative Lab и Apple.

Еще одно имя, которое, как мы знаем, вы уже слышали, — покойный Сол Басс — легенда в мире дизайна. Он наиболее известен своей работой в киноиндустрии, создавая плакаты и названия фильмов для некоторых из крупнейших режиссеров и фильмов в истории. Два самых известных плаката Басса — это «Головокружение» Альфреда Хичкока и «Сияние» Стэнли Кубрика, созданные с разницей в 20 лет в 1960 и 1980 годах соответственно. И то, и другое до сих пор хорошо помнят и ценят. Помимо своей работы в кино, Басс также был плодовитым дизайнером логотипов, создавшим некоторые из самых широко известных логотипов в американской истории, включая United Airlines, AT&T и Geffen Records.

Панк-дизайнер. Джейми Рид познакомился с Малкольмом Маклареном, наиболее известным как менеджер Sex Pistols, во время учебы в Кройдонской художественной школе в Южном Лондоне, а остальное уже история. Эстетика Рида продолжала формировать британскую панк-сцену в период ее расцвета в 1970-х и 80-х годах. Взяв поп и националистические изображения и объединив их с надписями в стиле записки о выкупе, он создал свою самую известную работу, в частности, обложку песни Sex Pistols «Боже, храни королеву». За последние 50 лет анархист Рейд сохранил свою роль как в дизайне, так и в политике, издавая журналы, объединяющие две его страсти воедино. Его работы можно найти в постоянных коллекциях Тейт и Виктории и Альберта в Лондоне и МоМА в Нью-Йорке.

Луис Пинто — мексиканский графический дизайнер и иллюстратор, живущий и работающий в Гватемале. На его сверхвыразительные и красочные работы повлияли народные сказки, повседневная жизнь, графические романы, история искусства и поп-культура. Этот смешанный набор влияний прекрасно дополняется экспериментами Пинто и использованием различных средств — вместе они создают прекрасное портфолио работ. Он разработал и проиллюстрировал для Google Doodles, Little White Lies, Easyjet, Culture Trip и множество других замечательных клиентов.

Бесспорная королева цвета Мораг Майерскоу — британский дизайнер и художник, возглавляющая свою студию Studio Myerscough. Работу Майерскоу можно охарактеризовать выразительным использованием цвета, часто с использованием неона и других ярких цветов, а также разумным использованием узора. Работая как в 2D, так и в 3D, работы Майерско всегда идеально воплощают ее мантру: «сделай счастливыми тех, кто рядом, и тех, кто далеко придет». Ее инсталляции появились в городах по всему миру, от Лас-Вегаса до Лидса и от Манчестера до Мехико.

Начав свою карьеру в качестве наборщика книг, канадский дизайнер Мариан Бантьес постоянно развивала и совершенствовала свою практику с тех пор, как присоединилась к миру фриланса в 2003 году. формы букв и декоративный дизайн появились в публикациях и на плакатах по всему миру. Несмотря на органичность и плавность для невооруженного глаза, работы Бантьес также имеют основную структуру и формальность, которые позволяют ее работам иметь расцвет, которым они стали известны. Именно это смешение формальности и расцвета сделало творчество Бантьеса таким влиятельным, каким оно является сегодня.

Основатель и креативный директор &Walsh, невероятная Джессика Уолш руководит одной из самых известных в мире студий — одной из 36 студий, возглавляемых женщинами в Америке. Трудно смотреть на последние десять лет графического дизайна, не глядя на Джессику Уолш. Еще в 2010 году Стефан Загмайстер нанял ее в свою студию, которая тогда называлась Sagmeister Inc. Два года спустя, в возрасте 25 лет, Уолш помогал вести шоу, став партнером, и появилась компания Sagmeister & Walsh. Семь лет спустя она основала компанию &Walsh, и с тех пор их продукция неуклонно растет. Уолш даже нанял выпускницу школы Шиллингтон Мельбурн Стефани Халованик в свою команду в &Walsh. Уолш также является основателем Ladies, Wine & Design, сообщества женщин-творцов с 273 отделениями по всему миру на шести континентах (единственным недостающим является Антарктида).

Австрийский графический дизайнер Штефан Загмайстер наиболее известен своими работами в музыкальной индустрии. Он разработал обложки альбомов для некоторых из самых популярных групп всех времен, включая The Rolling Stones, Лу Рида, JAY Z и Aerosmith. Он получил две премии «Грэмми» за работу с Talking Heads и Брайаном Ино в 2005 и 2010 годах соответственно. Он руководил Sagmeister Inc. с 1993 по 2011 год, прежде чем сделать вышеупомянутую Джессику Уолш партнером и сформировать компанию Sagmeister & Walsh, которой они управляли вместе до 2019 года.. В прошлом году австрийская национальная газета Die Presse назвала его австрийцем года.

Unknown Pleasures, альбом Joy Division, для которого Питер Сэвилл разработал обложку, возможно, является одним из самых воспроизводимых произведений графического дизайна за всю историю. Его наносили на футболки, пляжные полотенца, тарелки и всю коллекцию Raf Simons. Его также пародировали как сцену из «Симпсонов» и как донер-кебаб, но имитация — самая искренняя форма лести, верно? Однако все это не должно умалять значимости Сэвилла. Его работа над дизайном для Manchester’s Factory Records сформировала эру как дизайна, так и музыки. Работы Сэвилла были представлены на собственной выставке в лондонском Музее дизайна в 2003 году. 0003

Майкл Бейрут, еще один из тяжеловесов Pentagram, является партнером фирмы в Нью-Йорке с 1990 года. На протяжении всей своей карьеры он работал в самых разных областях — например, он разработал навигационную и экологическую графику для The New York. Times Building, бренд и упаковка Saks Fifth Avenue, изменила дизайн The Atlantic Magazine и разработала логотип для президентской кампании Хилари Клинтон в 2016 году. Другими словами, трудно передвигаться по Нью-Йорку, не наткнувшись на один из дизайнов Бейрута. Помимо дизайна, Бейрут также является лектором, критиком дизайна, пишет статьи для New York Times и соучредителем онлайн-журнала Design Observer.

Очевидно, что существует множество дизайнеров — известных и не очень, — которые создают действительно вдохновляющие работы, но эти 35 определенно являются хорошим началом. Хотите пойти по их стопам и начать заниматься дизайном самостоятельно? Курс графического дизайна Шиллингтона — идеальный способ начать карьеру графического дизайнера.

11 известных графических дизайнеров и художников, за которыми стоит следить в 2022 году

Область графического дизайна никогда не выглядела лучше. Каждый день художники со всего мира приносят что-то новое и уникальное, обогащая наше коллективное дизайнерское сознание своей работой.

Чем занимается художник-график? Это довольно просто. Дизайнеров, иллюстраторов и типографов можно назвать художниками, когда они создают визуально и концептуально захватывающее изображение, которое передает сильное сообщение, используя только буквы, иллюстрацию и разумное использование цветов.

Многие легендарные дизайнеры внесли значительный вклад в эту отрасль. Сэр Джонатан Айв, Роб Янофф (создатель логотипа Apple) и Массимо Виньелли (создатель вывесок NY Subway) — лишь некоторые из них.

Большая часть их искусства часто ограничена офлайн-пространствами, которые не так сразу видны нам. Если вы ищете микроанализ таких классических произведений графического дизайна, вы можете прочитать наш пост в блоге о лучших книгах по графическому дизайну, которые можно найти для них.

Вы:

• Ищете что-то более современное, например, знаменитые графические дизайнеры, украшающие вашу ежедневную ленту своим фантастическим искусством и вдохновением?
• Коллега-дизайнер хочет вдохновиться работами известного дизайнера?
• Поклонник графического дизайна, желающий увидеть различные способы выражения визуальной коммуникации?

Если это так, вы находитесь в правильном месте! В этой статье мы рассмотрим одиннадцать известных графических дизайнеров и художников со всего мира. Мы также рассмотрим различные примеры в индустрии графического дизайна, использующие другой стиль дизайна.

Мы расскажем немного об их биографии, их сотрудничестве с другими артистами. Мы также дадим некоторые сведения о том, с какими клиентами они работали, и более подробно рассмотрим их стиль дизайна.

От современных дизайнеров до дизайнеров типографики, каждый найдет что-то для себя, независимо от того, какой стиль дизайна вы предпочитаете. Без дальнейших церемоний, давайте погрузимся прямо в! Вот некоторые из лучших графических дизайнеров, которым вы должны следовать прямо сейчас.

Сан-Франциско. СФ. «Город» Нила Секретарио

Если вы из тех, кто увязает в своей типографике, то Нил Секретарио — именно тот графический дизайнер, которого стоит изучить.

Он художник-левша и графический дизайнер. Нил создавал произведения искусства для клиентов по всему миру. Он рисовал логотипы, нестандартные буквы и шрифты для Sony Pictures, YouTube Red, Conde Nast, GQ Germany, Intercom, Lionsgate, Mikimoto, Penguin Random House и Schweppes Europe.

В этом графическом примере мы видим слова Сан-Франциско и Калифорния на белом фоне. Для обоих слов этот известный графический дизайнер выбрал светло-коричневый цвет. Однако он решил сместить акцент на «Сан-Франциско».

Поэтому он использовал жирные буквы и больший размер шрифта. Слово «Калифорния» не выделено жирным шрифтом и имеет блеклую цветовую заливку.

В этой конкретной работе дизайнер-фрилансер из Атланты еще раз продемонстрировал игривую часть своего стиля типографики. Сами буквы как будто плывут. Они дают вам ощущение Сан-Франциско, даже если вы видите только название города и ничего больше.

С профилем, изобилующим утонченным и элегантным шрифтом, вы обязательно найдете вдохновение для типографики, подписавшись на его профиль в Instagram.

Графический дизайн Майка Перри

Это канал, который представляет собой абсолютный взрыв цвета, наполненный психоделической анимацией, которая оставит неизгладимое впечатление. Вы можете узнать графический стиль Перри по анимации титульного листа популярного ситкома Comedy Central «Широкий город».

Перри известен своим щедрым использованием цветов. Вы можете увидеть каждую комбинацию цветов в его удивительных проектах. Цвета, и особенно смелые и яркие цвета, — это то, как Перри выражает себя в своих работах.

В этом конкретном графическом дизайне мы можем видеть, как он «трансформировал» Солнце в человеческую форму, идущую по природе и улыбающуюся.

Цвета, использованные в этом изделии, хорошо сочетаются друг с другом. На заднем плане мы видим зеленые листья, контрастирующие с желто-оранжевым солнцем на среднем плане. Эта игра цветов была сделана специально, чтобы привлечь все внимание к главному герою.

«Доброе утро. Сегодня другой день. Я тебя люблю. Всего хорошего. Оставайтесь в безопасности», — говорится в описании этого поста в Instagram, который был опубликован во время пандемии.

С помощью этого графического дизайна Перри присоединился к своему сообществу дизайнеров, чтобы передать миру положительную энергию и дать людям надежду в трудные времена.

С его руками во всем, от анимации до скульптур, графических романов, книг и паблик-арт-инсталляций, открывающих возможности для его многочисленных международных выставок, за этим стоит следить в ближайшем будущем.

Предоставлено Лорен Хом

Лорен Хом — дизайнер из Детройта и художник по ручным надписям. Сначала она начала рисовать от руки как хобби, а затем превратила его в процветающий внештатный бизнес.

Хом — автор книги «Daily Dishonesty» и создатель удивительно причудливой и красочной типографики, которая идеально впишется в вашу ленту Instagram в любой день. Среди ее клиентов — журнал TIME, Google, Facebook, Airbnb, Microsoft, YouTube, MailChimp и Starbucks.

Все эти бренды имели удовольствие работать с этим фантастическим дизайнером и художником по типографике, используя ее типографский опыт в некоторых из своих кампаний.

Как видно из примера графического дизайна, выбранного из ее работ, она любит сочетать разные шрифты и цвета. Если вы хотите узнать больше о том, как художники-типографы могут помочь вам сформировать ваш бренд или фирменный стиль, Хомс — это тот, кому стоит следовать.

Еще одна причина, по которой вы должны следить за этим талантливым графическим дизайнером, заключается в том, что она всегда делится бесплатными ресурсами в своем блоге и с удовольствием делится тем, чему научилась на своих онлайн-курсах.

Если вам интересно, какие инструменты она использует для создания этой завораживающей графики и как она развивает свой бизнес в качестве внештатного художника, вы можете заглянуть на ее веб-сайт.

Будучи дизайнером-фрилансером, она также любит напрямую общаться со своей целеустремленной аудиторией через свои IGTV, делясь наставническими байтами о том, как начать работу в этой области, и о своем опыте в этой отрасли.

Ее девиз: «Усердно работай, часто перекусывай». В 2023 году она планирует расширить свой набор творческих навыков и изучить, как пересекаются кулинарное и графическое искусство.

Предоставлено Pavlov Visuals

Мы в Vectornator, как векторном программном обеспечении, считаем Pavlov Visuals одним из лучших графических дизайнеров. За художественным названием Pavlov Visuals стоит художник Райан Дин Спрэг.

Pavlov Visuals основали Райан и его брат, оба музыканты. Потребность в сильном брендинге и первоклассном дизайне своей музыки подтолкнула этот дуэт к тому, чтобы начать учиться дизайну.

Райан больше, чем дизайнер обложек альбомов. Работа Pavlov Visuals варьируется от создания иконок до логотипов и дизайна упаковки. Их современные работы с векторной графикой варьируются от сложной типографики до первых полос газет и даже их уникального подхода к постерам фильмов.

В настоящее время Pavlov Visuals помогает другим художникам во всем мире создавать свою индивидуальность. Среди их клиентов — Sony Music, Rebook, Billboard, The Hollywood Reporter, Billboard и Coors.

Как и в примере, который мы показываем здесь, вы можете почувствовать влияние ар-деко на их работы. Сочетание пастельных тонов со смелым черным, чтобы подчеркнуть пантеру, работает очень хорошо.

Сочетание круглых форм с прямыми линиями и кривыми. Это сочетание передает ощущение баланса и «организованного» беспорядка одновременно.

Если вы ищете стильные и современные векторные работы, эта учетная запись для вас. У нас нет ничего, кроме любви к векторному дизайну, и эта группа дизайнеров обязательна.

UTAH by Sam Larson

Этот выдающийся художник-график живет в Юте, что довольно очевидно в большинстве его работ. Даже когда он не упоминает название ЮТА в своих работах, вы можете ясно увидеть элементы, вдохновленные этим особым местом.

Вы видите горы, восход солнца, растения и логотипы Университета штата Юта, которые также называются Агги штата Юта.

Ларсон работает штатным графическим дизайнером-фрилансером. Он использует тщательно подобранные цветовые палитры для создания дизайнов на природную тематику, которые выделяются из вашей ленты. Как упоминалось ранее, вы можете довольно ясно видеть, откуда берется его вдохновение.

Его отношение к дизайну редко меняется. Использование животных в его проектах присутствует почти всегда. В большинстве его дизайнов вы заметите простой фон и несколько небольших иллюстраций, «размещенных» организованно, что делает их похожими на наклейки.

В примере, который мы здесь показываем, мы видим уникальный базовый цвет, который делает все его иллюстрации яркими. Что нам больше всего нравится в этой конкретной работе по графическому дизайну, так это использование однолинейных рисунков.

Этот художник-график черпает вдохновение из американского Запада, пиццы и автомобильных поездок. Итак, для этого полностью американского произведения искусства, вдохновленного ностальгией, это профиль, которому вы хотите следовать.

Mad Moon by Velvet Spectrum

Дизайн-студия Velvet Spectrum базируется в Портленде и возглавляется дуэтом Luke Choice и Morgan Reid Choice.

Основатель и художник Люк Чойс имеет более чем 15-летний опыт работы в творческой индустрии. Он хорошо известен своим опытом в области 3D-дизайна и типографского дизайна.

Этот австралийский графический дизайнер известен своими красочными творениями, которые выглядят так, будто вот-вот исчезнут с экрана. И это цель этого художника. Он любит создавать сказочную обстановку, которая, кажется, приглашает вас в совершенно новое измерение, полное счастья и ярких красок.

Выразительная типографика является визуальной идентификацией этих художников, поскольку их стиль графического дизайна нельзя спутать ни с кем другим.

Их работы бескомпромиссно красочны и охватывают множество аспектов дизайна, иллюстрации и типографики с этой безошибочно узнаваемой уникальной эстетикой.

Пример, который вы видите здесь, — это дизайн логотипа Mad Moon для сценариста, режиссера и продюсера @davidlestermooney. Благодаря независимым проектам и сотрудничеству с такими компаниями, как Nike, это идеальное место для сочетания цвета и причудливости.

Тодд Дэвида Швена

Канал, сочетающий в себе завораживающую анимацию с повседневной фотографией и случайными юмористическими кадрами.

Dschwen — студия дизайна, которая сотрудничает с брендами и агентствами по всему миру. Их дизайн не только великолепен, но и забавен. Хотите разнообразить свой день или вечер? Просто взгляните на их веб-сайт, наполненный красивыми гифками и визуальными эффектами, или пролистайте их ленту в Instagram.

Единственная плохая вещь в их ленте в Instagram заключается в том, что она заставляет вас хотеть видеть больше от них и желать, чтобы они чаще публиковали сообщения в своем профиле в Instagram. Стиль дизайна во всех их работах игривый и яркий. Они часто используют очаровательных персонажей, таких как Пикачу и Миньоны.

Пример дизайна Дэвида — еще один из его удивительных дизайнов, которые вызывают у вас улыбку и мотивируют заниматься спортом и получать от этого удовольствие.

Студия Дэвида Швена собрала дизайнеров, которые регулярно создают веселые дизайны, не боятся экспериментировать с яркими цветами и обязательно вызовут у вас улыбку. Нажмите, чтобы просмотреть его со звуком!

Предоставлено Стефаном Загмайстером

Ни один список не будет полным без упоминания мощного дуэта Загмайстера и Уолша. Стефан тщательно курировал свою страницу в Instagram, чтобы отражать разнообразные работы художников со всего мира.

Этот австрийский графический дизайнер живет в Нью-Йорке. Там он основал свою компанию Sagmeister Inc. в 1993 году.

Целью компании было создание дизайна для музыкальной индустрии. На данный момент Стефан разработал обложки альбомов для таких известных групп и музыкантов, как OK Go, The Rolling Stones, Jay Z, Aerosmith, Talking Heads и Брайан Ино.

Он также является автором «Вещей, которым я научился в своей жизни» и «Книги о красоте», двух книг по графическому дизайну, которые вы должны иметь в своем списке для чтения по графическому дизайну!

С 2011 по 2019 год Стефан сотрудничал с Джессикой Уолш под названием Sagmeister & Walsh Inc. , занимаясь дизайном для известных клиентов.

По словам Уолша , дуэт распался в 2019 году, потому что Загмайстер начал больше сосредотачиваться на некоммерческой работе.

Это побудило Уолш основать собственную компанию &Walsh. В настоящее время Стефан занимается некоммерческой деятельностью для своей компании Sagmeister Inc., а Джессика занимается брендингом и рекламой в своей компании &Walsh.

В отличие от работы его партнера, лента Загмейстера заметно минималистична и использует более нейтральные цвета в дизайне.

У него культовый стиль, который производит сильное впечатление на зрителей. Ему всегда нравится мыслить нестандартно, и мы можем видеть это в каждой работе, которую он создал до сих пор.

Графический дизайн Джессики Уолш

Другая половина Sagmeister & Walsh, Джессика, возможно, является одним из самых узнаваемых имен в индустрии дизайна сегодня. После того, как Стефан Загмайстер ушел от коммерческой работы, теперь она полностью взяла на себя ответственность за свое креативное агентство и (это был смелый шаг) была переименована в &Walsh.

Этот современный американский графический дизайнер, арт-директор и иллюстратор вдохновляет многих. Она также является педагогом, поскольку преподавала в Школе визуальных искусств (SVA).

Пример, который мы взяли из ее портфолио, был опубликован в марте 2020 года, сразу после начала пандемии.

Надпись «Продезинфицируй меня, детка, еще раз», прикрепленная к бутылочке, призывает к постоянной дезинфекции рук и поверхностей. Он также передает название песни Бритни Спирс «… Еще раз» в сочетании с поп-артом.

Портфолио этого знаменитого графического дизайнера представляет собой сокровищницу предыдущих и текущих работ, с частыми обновлениями, которые можно с нетерпением ждать. Работая с такими знаменитостями, как Jay-Z и Levi’s, ее работы в значительной степени вдохновлены ярким стилем ретро 1950-х годов.

Неважно, ищете ли вы вдохновение для дизайна обложки книги, дизайна плаката, обложки альбома или обложки книги. Джессика Уэлш всегда демонстрирует свои современные дизайнерские навыки.

Обложка книги Лотты Ниеминен

Лотта Ниеминен — современный графический дизайнер, иллюстратор и арт-директор. Родом из Финляндии, Лотта основала собственную студию в 2012 году в Нью-Йорке.

Студия Lotta Nieminen создает визуальные решения для клиентов в различных областях. Студия также работает в качестве креативного партнера, помогая своим клиентам с брендингом и воплощая в жизнь их уникальные визуальные образы.

Лотта была номинирована на список Forbes «30 моложе 30» и несколько других наград, в том числе на премию «Молодые стрелки клуба арт-директоров» и «Новый визуальный художник» журнала Print. Практически во всех ее работах чувствуется влияние ее нордических корней. Однако в своих проектах она любит играть с яркими цветами.

В этом примере мы можем видеть, как она играет с разными цветами для этого повара на обложке книги. Этот отмеченный наградами графический дизайнер также иллюстрировал интерактивные книги рецептов для детей. На данный момент она проиллюстрировала серию из четырех книг «Повар в книге».

Фон, который вы видите в этом примере, также взят с одной из внутренних страниц, проиллюстрированных ею.

Выставка Леты Соберайски

Художница из Нью-Йорка Лета Соберайски известна своими уникальными и причудливыми проектами. Она сочетает традиционные элементы графического дизайна со стилем, искусством и фотографией, как мы видим на этом примере.

Сочетание смелых, ярких цветов с модой и смелым желтым фоном привлекает внимание. Несмотря на то, что в этом примере использовано много цветов, все цвета хорошо сочетаются друг с другом.

Контраст между черными и белыми частями и смелыми цветами очень силен. Вы увидите такие комбинации практически на всех работах этого художника.

Изображение, которое мы взяли в качестве примера, взято с их выставки Токио 2020 года в Calm and Punk Gallery.

Они сопроводили его таким описанием: «Музыка для ваших глаз — это улавливать радугу и играть на ней, как на пианино, и танцевать от рассвета до заката под звуки биения собственного сердца».

В октябре 2016 года Лета вместе со своим мужем и соавтором Уэйдом Джеффри основала дизайн-студию. Их проекты варьируются от художественного направления до инсталляций. Их провокационный дизайн очень отличается от всех других художников, которых мы упоминали выше.

Просто взгляните на ее веб-сайт или в ленту Instagram, и мы заверяем вас, что вам будет трудно оторвать взгляд от этих удивительных дизайнов.

Среди клиентов, с которыми работала Лета, — Adobe, Bloomberg, Google, Gucci, IBM, The New York Times, Renault и Tate Modern.

Как и Лотта Ниеминен, Лета также была отмечена среди других наград клубом арт-директоров Young Guns 15.

Если вы хотите сломать монотонность своей ленты Instagram, чтобы взаимодействовать с контентом за пределами вашего пузыря социальных сетей, то эти 11 профилей дизайна обязательно помогут с новыми идеями и вдохновением каждый день.

Кроме того, вы сможете узнать много советов по дизайну, следя за их работой и процессом проектирования.