Искусство инсталляция: что такое инсталляция подробно, виды, особенности, примеры инсталляционных произведений, история возникновения. Стили и художники, благодаря которым появилась инсталляция

Инсталляция: история возникновения и развитие новых визуальных практик

Эпоха постмодерна подарила миру не только всеобщий отказ от старых академических норм, разочарование в канонических художественных практиках, но и стала полем для образования новых художественных жанров, течений и видов искусства.

Инсталляция как жанр искусства зарождается в 60-х годах прошлого столетия. Именно тогда появляются первые предпосылки к осознанию нового метода выражения художественных практик: появляется концептуальное искусство, которое выходит за рамки галерей и становиться достоянием улиц. Многие исследователи отмечают то, что в творчестве дадаистов, Дюшана и Татлина уже можно вычленить отдельные вариации на тему инсталляции.

Марсель Дюшан «Фонтан» 1917 год

Однако, на становление жанра инсталляции более всего повлияла абстрактная живопись, точнее сказать, мировоззрение которое пропагандировали абстракционисты: отсутствие каких-либо границ и рамок, смежность искусств и переход из одного состояния в другое. Инсталляция начинает взаимодействовать с театром, музыкой, дизайном и многими другими сферами, не ограничиваясь только художественными практиками.

Джексон Поллок и его «шаманская» манера писать картины Джексон Поллок «Осенний ритм №30»

Так в ХХ столетии три главных вида искусства: архитектура, живопись и скульптура – переосмысливаются, становятся смежными и во всех художественных сферах наблюдается симбиоз искусств.

Становление инсталляции как жанра искусства можно разделить на три этапа:

1. 1. Начало ХХ столетия – зарождение и становление;
   2. Середина ХХ века – формирование основных постулатов и принципов художественной инсталляции;
   3. Девяностые годы прошлого столетия – становление современной инсталляции.

1

Аллан Капроу: инсталляция – все пространство города

Первый кто осмыслил инсталляцию как художественную практику.

Одним из первых художников, которые осознанно подходили к созданию инсталляции как художественного объекта, был Аллан Капроу. Сам художник обозначал свои работы как инвайронмент, что переводиться как «окружающая среда». В его творчестве инсталляция выступает как способ взаимодействия с публикой, нередко для создания его произведений привлекалась публика: простые прохожие или специально обученные актеры. Одной из особенностей творчества художника было то, что он воспринимал окружающее его пространство как трехмерный объект творчества.

Аллан Капроу «Ярд» 1961 год

И каждый «участник», точнее, любой человек мог повлиять на произведение искусства, стать его соавтором, просто присутствуя в пространстве. Капроу говорил, что главное в его творчестве – это возможность формирования у зрителя критического мышления.

Этот язык основан на ассоциативном и эмоциональном восприятии. Благодаря различным пластическим, ритмическим, композиционным, цветовым сочетаниям объект или информация, транслируемые конкретным визуальным образом, вызывают определенные эмоциональные переживания или особый отклик; этот язык основан на историческом и социокультурном.

А.Ю Демшина — Искусствовед

2

Нам Джун Пайк: пионер видеоарта

Первый кто начал работать с видео в своей художественной практике.

Нам Джун Пайк первооткрыватель видео-арта. Для его творчества характерно использование различных медиа, симбиоз скульптуры, перформанса, театра, музыки. Использование подобного «инструментария» позволило Нам Джун Пайку создавать визуальный образ, в котором отражались глобальные процессы. Он неоднократно обращался в своем творчестве к вечным вопросам: времени, природы, памяти, политики и многих других вещей, которые требуют комплексного изучения. Нам Джун Пайк совмещал в своих инсталляциях современные технологии и классические визуальные практики.

 

Лейтмотивом его творческих поисков было — созерцание, в знаковой работе художник размещает статую Будды перед включенным/выключенным телевизором. Тем самым ставит вопрос, кто кого созерцает Будда современность или современность Будду?

3

Йозеф Бойс: художник-шаман

Первый кто использовал личный опыт в создании инсталляций.

Йозеф Бойс ключевая фигура для формирования современного искусства. Родился художник в Германии в семье католического священника.  В юности Бойс увлекался точными науками и готовился стать врачом. Но после того, как его призвали в армию — его мировоззрение меняется. Во многом на него повлияла авиакатастрофа, которую он пережил во время службы. Именно трагический личный опыт помогает понять Бойсу его истинное призвание. После катастрофы Бойс начинает занимается художественными практиками, создает первые инсталляции, которые всегда дополняет перформативными аспектами.

Все его инсталляции говорят о возврате к корням и архаике, поиску первичной энергии, которая может существовать только в природе. Художник использовал в своих работах мед, жир и войлок как формы архаичного мира. В его работах органика старого мира противопоставлялась неорганике современного.

Инсталляция «Сибирская симфония, часть 1»

Несмотря на то, что все его работы отчасти это мистификация, его «шаманские действия» всегда говорят на остросоциальные и политические темы. Художник был активистом и выступал против загрязнения планеты, многие его перформансы и инсталляции говорят о воздействии человека на климат.

Инсталляция «Койот: я люблю Америку и Америка любит меня»

В своей последней инсталляции «7000 дубов» Бойс хотел высадить 7 тысяч дубов по всему миру, которые символизировали бы сплоченность человечества перед лицом экологических изменений. К сожалению, этот проект остался незаконченным из-за смерти художника.

Наше мнение:

Современное искусство пестрит огромным количеством всевозможных жанров и течений. Симбиоз искусств порождает новые визуальные практики, которые изучают мир, его переосмысление и дает толчок к развитию новых видов искусства.

Женя Лаптий — Редактор FaqInDecor

01.03.2019

Читайте далее

Подписка на нашу рассылку исцеляет от всех известных науке заболеваний,
открывает чакры и создает постоянный канал связи с космосом.

ИНСТАЛЛЯЦИЯ — ИСКУССТВО

Р. Раушенберг.Кеннеди 1994

Инсталляция (англ. installation — установка, размещение, монтаж) — форма современного искусства, представляющая собой пространственную композицию, созданную из различных элементов.

Инсталляция широко распространена в постмодернистской культуре, берет свои истоки из авангарда начала ХХ столетия. Ее основоположниками были Марсель Дюшан и сюрреалисты. Художники разных направлений создавали инсталляции, среди них можно назвать: Роберта Раушенберга, Джима Дайна, Илью Кабакова, Йозефа Бойса, Янниса Кунеллиса и многих других.

Йозеф Бойс.» Призыв к альтернативе» с 13 сентября по 18 ноября 2012.

Главная цель инсталляции — создание в определенном объеме особого художественно-смыслового пространства, построенного на неординарном сочетании тривиальных вещей, выявляющего в них новые смысловые значения и чувственные качества, скрытые от обыденного восприятия. Вещь, освобождаясь от своего утилитаризма, приобретает символический характер, а преобразованная среда и смена контекстов придают пространству иную смысловую нагрузку и значимость.

Эдвард Кинхольц Инсталляция №14

Развитие научно-технического прогресса, возможности видеотехники, компьютерные технологии помогли развиться новым видам инсталляций, в том числе видеоинсталляции.

Виды инсталляций

•Инсталляцию можно охарактеризовать как самоценную символическую декорацию, создаваемую в определенное время под определенным названием. Важно, что зритель не созерцает инсталляцию со стороны, как картину, а оказывается внутри неё.
•Некоторые инсталляции приближаются к скульптуре, но отличаются от последней тем, что их не ваяют, а монтируют из разнородных материалов часто промышленного происхождения.

Мастера инсталляции :

•Йозеф Бойс
•Роберт Раушенберг
•Джозеф Кошут
•Валерий Кошляков
•Эдвард Кинхольц
•Илья Кабаков
•Массимо Таккон (Massimo Taccon)
•Владимир Тарасов
•Чэнь Чжэнь

Искусство быть рядом / Музей-заповедник «Царицыно»

27 марта (суббота), 12:00 – 14:00
Детский мастер-класс от Маяны Насыбулловой «Приручи материю»
Место проведения: Виноградная оранжерея

Регистрация

Мастер-класс для смешанной группы по формовке и отливке гипсовых рельефов. Под руководством молодого скульптора участники научатся работать с гипсовыми слепками и попробуют сделать копии декоративных элементов архитектурного ансамбля музея «Царицыно». Простая в исполнении техника позволяет «приручить» произведения известных архитекторов и создать копии, которые можно впоследствии раскрасить.

Аудитория: смешанная (инклюзивная) группа, дети 8+
Мастер-класс ведется в сопровождении тьютора и координатора.

3 апреля (суббота), 12:00 – 14:00
Детский мастер-класс от Владимира Селезнева «Я и другие Я»
Место проведения — Виноградная оранжерея

Регистрация

Мастер-класс для смешанной группы по созданию эскизов для интерактивных объектов. Участникам предлагается нарисовать человеческое лицо – это может быть портрет друга, соседа, любого человека, либо собственного альтер-эго или воображаемый ответ на вопрос «А если бы ты жил на Марсе, то как бы ты выглядел?». Из нарисованных на картоне портретов вырезаются отдельные детали, с которыми можно играть как с конструктором и попробовать примерить к портрету другие глаза, уши или усы, создавая разные неповторимые варианты лиц.

Аудитория: дети 6+, подростки 12+, смешанная (инклюзивная) группа.
Мастер-класс ведется в сопровождении тьютора и координатора.

10 апреля (суббота), 16:00 – 18:00
Показ фильма «Тактики в/месте» и дискуссия
Место проведения — зал «Арзамас»

Регистрация

Просмотр социально-художественного фильма художницы Надежды Ишкиняевой и танцхудожницы Юлии Быленок о практиках заботы в проектах сопровождаемого проживания, которые постепенно появляются в России. Авторский комментарий к идее и истории создания фильма даст Надежда Ишкиняева, а специалист антрополог Анна Алтухова расскажет о перспективах внедрения таких проектов.

Аудитория: 18+, дискуссия ориентирована как на широкую, так и на профессиональную аудиторию.

18 апреля (воскресенье) 16:00 – 18:00
Авторская экскурсия и артист-ток от Александра Морозова
Место проведения — маршрут по территории парка «Царицыно», Оперный дом, анфилады Большого дворца, площадка экспонирования аудиоинсталляции «Баррикады тишины».

Регистрация

Современный композитор Рэймонд Мюррей Шафер предложил идею акустической экологии — возможности слышать окружающую среду как музыкальную композицию. Художник Александр Морозов отказался от доминанты видения и предложил в инсталляции «Баррикады тишины» исследовать акустический ландшафт музея-заповедника «Царицыно». Во время звуковой прогулки группа повторит авторский маршрут художника и проделает ряд упражнений по «прочистке ушей» – переключению внимания с видимого на слышимое для осознания звуковой среды.

Аудитория: 16+, смешанная (инклюзивная) группа

13 мая (четверг) 15:00 – 18:00
Круглый стол «Проект «Искусство быть» в 2020-2021 годах» и презентация каталога
Место проведения – Баженовский зал, Большой дворец

Регистрация

Круглый стол смешанного формата (доклады онлайн и оффлайн), подводящий итоги двухлетней работы инклюзивного выставочного проекта «Искусство быть». Среди докладчиков – представители Фонда Потанина, музейных площадок, принимавших у себя проект, привлеченные специалисты и художники, команда проекта.

Комплект подвесного унитаза S777662 Sanitana POP ART с сидением slim (микролифт) + инсталляция OLI и панелью управления slim белая

Поп-Арт (сокращение от popular art — популярное искусство) — направление в изобразительном искусстве Западной Европы и США конца 1950—1960-х годов. Поп-арт был таким «живым» и понятным всем, что стал частью массовой культуры буквально сразу же. Он брал своей простотой, незамысловатостью и необычностью, что позволило ему стремительно завоевать настоящую народную любовь и признание. Направление продолжает быть популярным по сегодняшний день.

 

В комплект входит:

• S10078751000000 Sanitana POP ART — Чаша
• TN80001962600000 Sanitana POP ART — Сиденье крышка
• 300572mSL01 — инсталляция + панель управления

Керамическая сантехника Sanitana относится к изделиям из санфарфора.

Продукция SANITANA соответствует стандарту BS 3402: 1969 Это самый высокий класс в сантехнической керамике. Индивидуальная проверка качества каждого изделия исключает возможность попадания бракованного товара покупателю — каждое изделие проходит проверку на вакуумном стенде, предназначенном для выявления пустот и микротрещин. Для производства изделий используется высококачественная глина белых сортов VITREOUS CHINA (VC). Из нее, в том числе, производятся различные фарфоровые изделия, ближайшее от фабрики место ее добычи — Великобритания.

При производстве санфарфора используется белая глина, в которую добавляют полевой шпат и кварц. Именно поэтому отличительной особенностью санфарфора является более плотная структура, которая делает раковины и унитазы более прочными по сравнению с изделиями из санфаянса.

Обжиг санфарфора проходит в несколько этапов, сначала при высокой температуре обжигают высохшее изделие без глазури. При этом материал приобретает прочность, и его можно глазуровать. А затем изделие обжигают уже стандартным способом.

Более плотная структура способствует меньшему поглощению влаги, коэффициент водопоглощения у санфарфора в 10 раз ниже, чем у санфаянса.

Кроме того, изделия из санфарфора за счет гладкой поверхности не впитывает запахи и хорошо отмывается от грязи, а так же в большей степени защищены от образования микротрещин, в которых непреодолимо скапливаться бактерии, вызывающие неприятный запах, от которого можно избавится только заменив изделие на новое.

Оцените преимущества выбора в пользу подвесной сантехники из санфаянса Sanitana.
 
Свобода уборки помещения – заботиться о гигиене всего туалета легче легкого. Эстетичный минимализм – шланги, бачок, подвесной системы скрыты от глаз. Низкий уровень шума – слив и набор воды за стеной менее слышны за счет повышенной звукоизоляции. Единый дизайн поверхности пола подвесной унитаз не разрушит не стандартную композицию ванной.

Инсталляция как искусство

Скачать pdf-файл

При выполнении работ по оснащению объектов культуры технологическим оборудованием компания Asia Music творчески подходит к каждому из проектов. Это тот самый случай, когда инсталляция становится не только техническим процессом, но, и, своего рода, искусством. Внимание к мельчайшим деталям и работа команды талантливых людей – это та движущая сила, которая много лет удерживает компанию на первых позициях. Вот некоторые из творческих решений, успешно реализованных Asia Music в значимых объектах.

Сохранение культурного наследия Бурятского академического театра оперы и балета…

Здание театра, построенное в 1954г. по проекту архитектора А.Н. Федорова, принято на государственную охрану как памятник архитектуры. Главной задачей Asia Music было оснастить зал оборудованием, воссоздав первоначальный замысел архитектора по стилевому решению. В результате, по техническому оснащению театр может конкурировать с престижными сценами столицы, при этом сохранен исконный облик памятника архитектуры.

Одной трудностей стало сохранение оформления зала лепниной, в то же время, система озвучивания должна была соответствовать требованиям государственных норм. В итоге, достигнутая в зале равномерность звучания на американских массивах SLS Audio составила +/-1дБ, что в два раза лучше международных стандартов.

Для воссоздания замысла архитектора, инженерами и дизайнерами Asia Music был разработан дизайн кресел, полностью идентичный креслам, сделанным более полувека назад, лишь сиденья стали откидывающимися, более удобными, со звукопоглощающими характеристиками.

Новый антрактно-раздвижной занавес, благодаря кропотливой работе специалистов Asia Music с точностью воспроизводит занавес первоначальный, храня традиции и культурное наследие театра, а также отвечает требованиям противопожарной безопасности.

Реализация полета актеров над зрителями в Русском драматическом театре им. Бестужева…

Когда Asia Music приступила к выполнению проекта реконструкции театра, первым шагом стало знакомство с историей, особенностями репертуара и пожеланиями творческого коллектива. Килограммы офисной бумаги и километры чертежей, неизмеримое в цифрах количество профессионализма и энтузиазма — все пошло в работу, чтобы воплотить несколько уникальных для России технических решений.

Механика сцены – один из самых сложных разделов. Сотни нюансов и деталей, все то, что позже сложится в оригинальную сценографию спектакля, о которой пишут монографии десятки театроведов, и, которая невозможна без слаженно работающих механизмов, невидимых и непонятных зрителю.

Изюминкой проекта стала радиоуправляемая каретка (полетное устройство), которая перемещает актеров над зрителями по периметру зала. На момент монтажа это был первый и единственный механизм такого рода, установленный в российских театрах. Неудивительно, что это стало поводом для гордости Asia Music.

Создание художественного занавеса для Академического театра танца «Гжель», г. Москва…

К оснащению Театра «Гжель» специалисты Asia Music также подошли с творческим азартом. Так, например, при разработке занавеса, дизайнерами компании было создано порядка пятидесяти эскизов, чтобы выбрать тот самый, наилучшим образом перекликающийся с роскошными костюмами артистов театра, и выгодным образом подчеркивающий уникальный внутренний мир хореографических образов.

Чтобы технически успешно выполнить творческий проект, нужна команда профессионалов, предусматривающих каждую деталь. Инсталляционный департамент Asia Music состоит из инженеров, умеющих предложить решение самых сложных задач, дизайнеров, воплощающих в жизнь самые смелые идеи, а также опытных монтажников, настоящих мастеров своего дела.

Заместитель директора по работе с госзаказами – Мария Есипова, +7(902)5-666-333

www.asiamusic.ru

ЦСИ ЗАРЯ — ГОСТЬ / МУЛЬТИМЕДИЙНАЯ ИНСТАЛЛЯЦИЯ ДМИТРИЯ МОРОЗОВА / ::VTOL::

ГОСТЬ / МУЛЬТИМЕДИЙНАЯ ИНСТАЛЛЯЦИЯ ДМИТРИЯ МОРОЗОВА / ::vtol::

5 ОКТЯБРЯ – 4 НОЯБРЯ / МАЛЫЙ ВЫСТАВОЧНЫЙ ЗАЛ

ВЕРНИСАЖ: 5 ОКТЯБРЯ / 17:00 / 18+ *

ЛЕКЦИЯ ДМИТРИЯ МОРОЗОВА: 5 ОКТЯБРЯ / 17:30 / КИНОЗАЛ

5 октября в Центре современного искусства «Заря» откроется мультимедийная инсталляция «Гость» одного из самых известных в мире российских художников в области научного искусства Дмитрия Морозова, более известного под псевдонимом ::vtol::.

Работы Дмитрия обращены к звуку, свету, сообществам, интернету и всем возможностям освоения мира, которые доступны человеку. Во Владивостоке художник представит составную кинетическую, электромагнитную и звуковую инсталляцию, посвящённую Сихотэ-Алинскому метеориту, упавшему на Дальнем Востоке в 1947 г. По задумке, циклическая система моделирует момент «прибытия» метеоритов на землю – практически неуловимую и редчайшую ситуацию.

«Главным импульсом и вдохновением, побудившим меня на создание этой работы, стало попадание в мою геологическую коллекцию нескольких индивидуальных фрагментов уникального по ряду причин Сихотэ-Алинского метеорита: это самый крупный в новейшей истории железный метеорит; свидетелем его падения было множество людей, в том числе художник Пётр Медведев, работавший на пленэре во время падения и зафиксировавший свои впечатления на картине, впоследствии ставшей в СССР популярной. Это самый изученный из когда-либо падавших на землю объектов, однако мелкие осколки и индивидуальные фрагменты до сих пор находят на месте падения.

Невероятная притягательность этих «гостей» из космоса моментально побудила меня приступить к проработке художественного исследования, вовлекающего наиболее интересные для меня тренды в технологическом искусстве: естественный и искусственный̆ электромагнетизм, работа со звуком, роботизированные автоматические системы, геология и астрофизика. При этом каждая из этих тем – это не только средство достижения целостного художественного образа, но и самостоятельный мощный медиум, формирующий синергию отдельных элементов работы. Реализация проекта заключается не только в создании собственно объекта, но в и путешествие с ним в поселок Метеоритный, находящийся рядом с местом падения в горах Сихотэ-Алиня.

Кульминация проекта – установка действующей инсталляции в один из кратеров, оставшихся после падения туда фрагмента метеорита. Это своеобразный способ воссоздать момент падения непосредственно на месте приземления космического осколка. Подобное путешествие уместно назвать паломничеством/исследованием, совмещенным со съемкой небольшого документального фильма, посвящённого всему процессу», – рассказал Дмитрий.

Дмитрий Морозов (р. 1986, Москва) воплощает свои художественные идеи в технологических жанрах: робототехнике, звуковом искусстве, научном искусстве, исследует темы хаоса и самоорганизации систем, анализируя социальные, биологические, физические явления, занимается разработкой и созданием экспериментальных музыкальных инструментов и модульных синтезаторов. Участник основного проекта 4-й Московской биеннале современного искусства, фестивалей Архстояние, Ночь Новых Медия, CTM/Transmediale (Германия) и Ars Electronica (Австрия), выставок на ведущих площадках современного искусства: ГЦСИ (персональная выставка «Интерфейс происходящего» до 29 сентября 2019), ММОМА, Манеж, Государственный Эрмитаж, Laboratoria Art&Science Space, Электромузей, Политехнический Музей, Garage, ZKM (Германия), Ars Electronica (Австрия), Boulder Museum of Contemporary Art (США), National Contemporary Art Museum of Taiwan (Taiwan), участник групповой выставки «Открытие, Открытие» в ЦСК «Хлебозавод» (Владивосток). Лауреат премии Сергея Курёхина (2013), Премии Cube (Франция, 2014), почетные упоминания премии VIDA 16.0 (Испания, 2014), Ars Electronica (Австрия, 2015, 2017).

Работа создана на средства гранта NOVA ART, полученного в рамках конкурса NOVA ART CONTEST.

* Обращаем ваше внимание, что выставка имеет возрастной ценз 0+, но несовершеннолетние даже в присутствии родителей на вернисаж не допускаются. Спасибо за понимание.

ВХОД СВОБОДНЫЙ

Скандальная инсталляция «Моя кровать» выставлена на торги Christie’s — Культура

ЛОНДОН, 1 июля. /Корр. ИТАР-ТАСС Алан Бадов/. Одно из самых спорных произведений современного искусства — инсталляция «Моя кровать» британской художницы Трейси Эмин — будет выставлено на продажу на торгах аукционного дома Christie’s в британской столице. Оценочная стоимость составляет £800 тыс. — £1,2 млн ($1,37-$2,05 млн).

Среди топ-лотов — произведения Энди Уорхола, Герхарда Рихтера, а также работа Фрэнсиса Бэкона — эскиз к портрету другого знаменитого художника — Люсьена Фрейда. Однако наибольшее внимание привлекает к себе произведение Трейси Эмин.

Инсталляция «Моя кровать» представляет собой неряшливую, неубранную постель, вокруг которой разбросан различный бытовой мусор. Считается, что произведение отражает новую, современную эстетику, превращающую внешне безобразные вещи в предмет искусства.

По словам Трейси Эмин, она хотела бы, чтобы ее работу приобрел один из британских музеев, прежде всего Галерея Тейт. Однако художница сознает, что у британских галерей недостаточно средств, чтобы купить ее произведение. Поэтому эксперты предсказывают, что инсталляция достанется иностранному покупателю.

В 1999 году «Моя кровать» Трейси Эмин была номинирована на самую престижную в Великобритании награду в области современного искусства — премию Тернера. Инсталляция вызвала скандал и бурные споры критиков о ее художественных достоинствах.

В конечном счете в 1999 году премия Тернера была присуждена видеофильму кинорежиссера Стива Маккуина, который в нынешнем году стал лауреатом премии «Оскар» за фильм «12 лет рабства» (12 Years a Slave, 2013). При этом наибольшее внимание прессы и критики привлекла работа Трейси Эмин, которая стала мировой знаменитостью.

Эмин является одной из ведущих представительниц группы «Молодые британские художники» наряду с Дэмьеном Херстом, другим скандально известным мастером, который считается одним из самых дорогих из ныне живущих художников в мире.

«Моя кровать» является «программным произведением» этого направления наряду с инсталляцией Дэмьена Херста «Физическая невозможность смерти в сознании живущего», которая представляет собой законсервированную в формальдегиде тушу акулы.

С творчеством «Молодых британских художников» российские зрители смогут познакомиться в сентябре, когда в московском фонде культуры «Екатерина» откроется выставка-ретроспектива их работ.

«Моя кровать» Трейси Эмин была куплена за £150 тыс. ($256 тыс.) знаменитым британским коллекционером, покровителем «Молодых британских художников», Чарльзом Саатчи. Одно время эта инсталляция была установлена в отдельной комнате в доме самого Саатчи.

Нынешний владелец произведения искусства заявляет, что поступления от ее продажи пойдут на покрытие расходов Галереи Саатчи, которая таким образом сможет оставаться бесплатной для посещения.

Что такое инсталляция? | История и лучшие художественные инсталляции с 2013 года

Heartbeat от Charles Pétillon

Как и большинство движений, составляющих современное искусство, искусство инсталляции проявляет интерес к инновациям. Хотя практика погружения похожа на скульптуру и связана с рядом современных художественных жанров, она предлагает уникальный способ познакомиться с искусством. Чтобы понять значение такого движения, важно понять, что делает его таким особенным, от его отличительных качеств до его художественных влияний.

Здесь мы исследуем авангардное движение, уделяя особое внимание способам творческого вовлечения аудитории и создания новых впечатлений.

Что такое искусство инсталляции?

Искусство инсталляции — это современное движение, характеризующееся захватывающими, грандиозными произведениями искусства. Обычно художники-инсталляторы создают эти предметы для определенных мест, что позволяет им умело преобразовать любое пространство в индивидуальную интерактивную среду.

Plexus 35 от Габриэля Доу

Характеристики

Иммерсивный

Ключевым атрибутом инсталляционного искусства является его способность физически взаимодействовать со зрителем. В то время как все художественные среды имеют возможность вовлекать людей, большинство из них не полностью погружают их в интерактивный опыт.

Помимо облегчения диалога между наблюдателями и произведениями искусства, эта уникальная характеристика предлагает людям взглянуть на искусство с новой и иной точки зрения — буквально!

Лес чисел Эммануэль Муро

Большой

Учитывая их интерактивный характер, большинство произведений инсталляционного искусства имеют большой размер.Их значительный рост позволяет зрителям полностью погрузиться в любую необычную среду. Во многих случаях он даже позволяет им сидеть, стоять или ходить по нему — отличительная способность, которую обычно не найти в более традиционных формах искусства.

The Urchins от Choi + Shine Architects

Для конкретного объекта

В отличие от скульптур, картин и подобных предметов, инсталляции обычно планируются с учетом определенных мест — от комнат в галереях и музеях до открытых пространств.Учитывая стратегический характер их дизайна и уникальность окружающей среды, произведения искусства, ориентированные на конкретную территорию, гарантируют уникальную эстетику и впечатления.

Spiral Jetty, Роберт Смитсон, 1938–1973 (перенесено из en.wikipedia в Commons) [общественное достояние или CC BY-SA 2.5], через Wikimedia Commons

Влияния

Как и многие современные жанры, искусство инсталляции уходит корнями в несколько различных движений, а именно, дадаизм, концептуализм и перформанс.

Дада

Подобно Дада, авангардному движению, появившемуся в начале 20 века, инсталляции часто демонстрируют экспериментальный подход к искусству. В частности, включение смешанной техники и акцента на трехмерность в инсталляции, несомненно, навеяно двумя основными элементами Дада: готовыми мейдами и сборками.

Концептуализм

Вдохновленные дадаистами, художники-концептуалисты считают, что идея произведения искусства важнее его эстетики.Это чувство присутствует и в инсталляционном искусстве: известные современные художники, такие как Ай Вэй Вэй и Дэмиен Херст, используют свои знаменитые инсталляции как средство передачи сообщений зрителям. «Как человек я родился, чтобы высказывать свое мнение», — объясняет Ай Вэй Вэй. «Высказывая свое мнение, я понимаю, кто я».

Искусство перформанса

Хотя перформанс — практика, выполняемая перед аудиторией — может показаться непохожим на инсталляцию, форму изобразительного искусства, эти два движения связаны одной ключевой характеристикой: творческим и концептуальным использованием пространства.В обоих случаях художники находят новаторские и изобретательные способы переосмысления и переосмысления повседневной среды.

Теперь, когда мы знаем, что такое искусство инсталляции, давайте взглянем на лучшие художественные инсталляции каждого года с 2013 года и познакомимся с лучшими художниками по инсталляции в этой области.

9 художественных инсталляций, которые поразят вас

Любите вы современное искусство или нет, нет никаких сомнений в визуальном воздействии художественных инсталляций.Но что они собой представляют и что делает их такими особенными?

СВЯЗАННЫЕ: 15 НЕВЕРОЯТНЫХ ХУДОЖЕСТВЕННЫХ РАБОТ, СДЕЛАННЫХ ИЗ МУСОРА

Какова цель инсталляции?

Арт-инсталляция — это относительно новый жанр современного искусства. Обычно это работы художников-постмодернистов, но не всегда.

Эти виды искусства могут быть постоянными или временными.

По своему назначению они, как правило, используются как альтернатива более традиционным произведениям искусства.В этом отношении зрители могут входить, перемещаться и взаимодействовать с ним так, как это невозможно с картинами и скульптурами.

Кто начал арт-инсталляцию?

Художественные инсталляции стали известны примерно в 1970-х годах. Многие приписывают начало этому жанру искусства работ Марселя Дюшана и Курта Швиттерса ‘ Мерца примерно того времени.

Но следует отметить, что философия, лежащая в основе этого жанра художественных работ, использовалась в прошлом.Одним из ярких примеров является захватывающий опыт тематических парков, таких как Диснейленд.

Источник: Matthew Mohr Studios

В чем разница между скульптурой и инсталляцией?

Большинство обывателей, позаимствовав фразу, могут на самом деле счесть эти две вещи похожими. Но на самом деле их можно рассматривать как противоположность друг другу.

«Скульптуры предназначены для [просмотра] извне как замкнутого набора форм, тогда как инсталляции часто окутывают зрителя или пользователя в пространстве произведения.»- hafilahamin.blogspot.com.

10 Примеры умопомрачительных установок

Теперь, когда вы понимаете, что они из себя представляют, вот несколько отличных примеров, которые поразят вас.

1. Невероятный

GaiaMotherTree от Эрнесто Нето

Художник Эрнесто Нето создал свое GaiaMotherTree , чтобы «[исследовать] конструкции социального пространства и природного мира, приглашая к физическому взаимодействию и сенсорному опыту.Зрителям предлагается изучить строение внутри и снаружи.

Поистине вдохновляет.

2.

Охота на троллей Томаса Дамбо — это довольно круто Источник: Иден, Джанин и Джим / Flickr

Томас Дамбо Охота на троллей — забавный взгляд на концепцию художественной инсталляции. Он состоит из примерно шести «подлых» троллей, расположенных вокруг дендрария Мортон в Иллинойсе летом 2018 года.

3.

Небоскреб (Брюгге-Кит) от StudioKCA Источник: J.М. Мюллер / Wikimedia Commons

Эта 38-футовая (11,5 м) инсталляция «Кит» от StudioKCA впечатляет. Он полностью сделан из пластиковых отходов и был установлен в рамках Триеннале в Брюгге в 2018 году.

4.

Narcissus Garden от Яёи Кусамы версия 2005 года. Источник: brewbooks / Flickr

«Сад нарциссов» от Яёи Кусама — это старая инсталляция, которая была впервые представлена ​​в 1966 году. Она была разработана, чтобы прокомментировать тщеславие и коммерциализацию современного искусства.

Его последняя версия в 2018 году была установлена ​​на заброшенной военной базе США в Форт-Тилден.

5.

Лес чисел Эммануэль Моуро Источник: Эммануэль Моуро

Национальный центр искусств в Токио недавно принял Лес чисел от Эммануэль Муро по случаю их 10-летия. Он занимал площадь 2000 м2, и состоял из более чем 60 000 номеров в 100 различных цветах.

6.

РУБИКОН Джейсона Декайрса Тейлора

«Рубикон» — это художественная инсталляция с изюминкой — она ​​полностью погружена под воду. Museo Atlantico, расположенный в первом в мире музее современного подводного искусства, состоит из гиперреалистичных статуй людей.

7.

Hollow от Кэти Патерсон и Целлер и Мойе Источник: Кэти Патерсон

«Пустота» — это великолепная интерактивная художественная инсталляция, разработанная Кэти Патерсон и Целлер и Мойе.Древесина, состоящая из более чем 10 000 видов деревьев, разрезана на доски и нанесена на стены, пол и потолок, наподобие сталактита и сталагмита.

8.

Плавучие пирсы от Христо Источник: Христо

Плавучие пирсы по Христо — одно из его величайших произведений «ленд-арта». Инсталляция состояла из серии плавающих желтых дорожек, по которым посетители могли пройти по воде в Сульцано, Италия.

9.

Tili Wiru Tjuta Nyakutjaku Брюса Манро

Дизайн британского художника Bruce Munro , Tili Wiru Тьюта Ньякутяку — еще одна забавная художественная инсталляция. Установленный в Улуру, Австралия, «глядя на множество красивых огней» демонстрировался до 2017 года.

Умер знаменитый французский художник в возрасте 76 лет — ARTnews.com

Кристиан Болтански, художник, чьи инсталляции о потере, памяти и травмах продвинули его на передний план французского современного искусства, умер в возрасте 76 лет.Его давняя галерея Marian Goodman, которая представляла его вместе с берлинским Kewenig, объявила о его смерти в сообщении на своем веб-сайте в среду.

В инсталляциях

Болтански часто говорится о смерти, особенно в связи с Холокостом, Второй мировой войной и длительными последствиями этих событий для Европы, в частности для Франции, где он родился. Временами эти холодные работы свидетельствовали о некотором родстве с собственной сложной биографией Болтански. Они одновременно чувствуют себя глубоко личными и отстраненными.

Статьи по Теме

Частично отражая внутренние потрясения, с которыми художник столкнулся в своем детстве в 1940-х и 1950-х годах и будучи взрослым, его искусство задается вопросом, как и могут ли предметы помочь нам вернуть то, что было навсегда отнято у нас. Как сказал Болтански в интервью 2020 года для Brooklyn Rail , «я сентиментальный минималист».

Многие из самых известных работ Болтански основаны на его огромном архиве готовых фотографий еврейских детей, сделанных в годы до и во время Второй мировой войны.Он часто повторно фотографировал и увеличивал эти изображения, в результате чего изображения выглядели размытыми, а затем располагал их в виде сеток. В некоторых случаях им давали небольшие рамки и прикрепляли гигантские фонари.

Написание Les Archives (1987), инсталляции сотен этих изображений, которые появились на Documenta 8 в Касселе, Германия, в 1987 году, New York Times Критик Роберта Смит сказала: «Это было как будто преследующее лицо Анна Франк, столь всем известная, распалась, и мы видели небольшую часть из сотен тысяч потерянных детей, которые ее лицо должно было символизировать.Ее интерпретация обычна: многие предполагают, что работа Болтански оплакивает миллионы, потерянные во время Холокоста. Тем не менее, как писала критик Нэнси Мармер в книге Art in America в 1989 году, изображения могут быть готовы к более широкому использованию в качестве замены для « всех тех, кто когда-либо умирал слишком молодыми».

Некоторые критики Болтански назвали такие произведения, как Les Archives , эксплуататорскими, потому что им не хватает конкретики, даже если они претендуют на то, чтобы говорить правду — никогда нельзя быть полностью уверенным, были ли изображенные люди на самом деле жертвами Холокоста.Таким образом, работу Болтански иногда сравнивают с работой Ансельма Кифера, картины которого, написанные в послевоенной Германии, обвиняли в спекуляции на той же трагедии. «В период, когда мы видели больше, чем его доля искусства, которое можно ошибочно принять за« саму жизнь », — написала Смит в своем обзоре, — кажется разумным спросить, эксплуатирует ли Болтански сенсационность своего предмета».

Инсталляция Болтански Воспоминания считалась принудительным трудом во время Второй мировой войны. Оливер Дитце / picture-alliance / dpa / AP Images

Кристиан Болтански родился 6 сентября 1944 года в Париже. Отсюда его биография становится немного туманной, отчасти потому, что художник сделал полное и точное понимание ранней части своей жизни практически невозможным. Как отметил в обзоре 1991 года критик New York Times Майкл Киммельман, многие ошибочно утверждали, что день рождения Болтански совпал с освобождением Парижа. На самом деле это произошло несколькими неделями ранее, но это не изменило того факта, что художник в конечном итоге вырос в стране, потрясенной ужасами войны.

До своего рождения отец Болтански, еврей, в течение полутора лет в 1940-х годах прятался под половицами дома своей семьи в Париже. Болтански вырос, слыша рассказы о том тревожном времени, а также новости о других друзьях семьи, переживших концентрационные лагеря. Вначале травма от рассказа таких историй проникала в его искусство. Его первые картины, написанные в 13 лет, были основаны на картинах резни, которые появились в книгах, подаренных ему при Причастии. (Болтански был воспитан католиком.)

Болтански начинал как художник, но впоследствии уничтожил многие из своих ранних работ. Однако до своих инсталляций на основе фотографий он работал в режимах, которые не поддаются четкой классификации. В начале своей карьеры он сосредоточился на своей собственной жизни, создавая работы, в которых истина настолько искажена, что она стала казаться правдоподобной.

Он разработал целый проект, основанный на несчастном случае, которого на самом деле не произошло; Болтански тщательно задокументировал это и утверждал в своей работе, что это его убило.Он также создал «воссозданный» альбом песен, которые он якобы слышал в детстве, и поместил предметы, которые, как он утверждал, были сувенирами его юности, в формы для печенья, которые позже стали неотъемлемой частью его творчества. «Я вспомнил столько выдуманных воспоминаний о моем детстве, что теперь у меня нет настоящих», — сказал он однажды.

В 1970 году Болтански провел свою грандиозную выставку, персональную презентацию в Музее современного искусства в Париже, где он продемонстрировал бритвы, хирургические инструменты и другие «глупо жестокие орудия пыток», как он однажды вспомнил.Илеана Соннабенд, которая в то время входила в число лучших галеристов мира, увидела шоу и сразилась с Болтански. В 80-х Мэриан Гудман также начал его показывать, и примерно в то же время его рынок начал быстро расти.

За последние несколько десятилетий работы Болтански стали менее холодными. В 2008 году он начал текущий проект под названием « Les archives du coeur » («Архив сердца»), в котором он просил посетителей галереи присылать записи собственного сердцебиения. «Меня интересует то, что я называю« маленькой памятью », эмоциональное воспоминание, повседневное знание, противоположное воспоминанию с большой буквы, которое сохранилось в учебниках истории», — сказал он однажды.

Кучи одежды снова появились во многих работах Болтански. НИКОЛАС МЕССЯС / СИПА через AP

Его искусство становилось все более масштабным и амбициозным. В 2010 году в Большом дворце Парижа для работы под названием Personnes он заказал гигантскую механическую клешню, которая собирала и опускала использованную одежду, собранную в 55-тонном холме. Вокруг этого холма одежды были расставлены сетки из одежды. Когда позже в том же году работа была повторно представлена ​​в Оружейной палате на Парк-авеню в Нью-Йорке, он сказал Art in America , что гора представляет собой нагромождение безымянных тел — «Вы не можете себе представить этих людей», — сказал он, — в то время как сетка части были там, где эти люди были «живы».”

А в 2011 году, когда он представлял Францию ​​на Венецианской биеннале, он показал работу под названием «Колесо фортуны », в которой движущаяся петля с изображениями младенцев пересекает огромное пространство, заполненное трубами. Периодически цикл останавливался, звучал сигнал тревоги, и одно из изображений проецировалось на большой экран.

В течение своей карьеры Болтански был участником множества персональных выставок, проводимых по всему миру. Его последняя ретроспектива была показана в 2019 году в Центре Помпиду в Париже.Его работы были представлены в двух изданиях Венецианской биеннале и Documenta. В музее Ногучи в Квинсе, штат Нью-Йорк, в настоящее время демонстрируется версия La Forêt des Murmures , специфическая для сайта инсталляция, созданная Болтански в Тешиме, Япония, в 2016 году, с набором медных колокольчиков, призванных напоминать положение звезд. в небе ночью родился художник.

Болтански всегда остро осознавал свою смертность, и это послужило основой для одной из его самых необычных работ, видео-фрагмента под названием The Life of C.B. , строительство которого началось в 2011 году. Коллекционер Дэвид Уолш заказал его для своего Музея старого и нового искусства в Тасмании. Работа представляет собой круглосуточную подписку студии Болтански, а художник получает 2500 долларов в месяц до самой смерти. С его кончиной в среду этот проект официально завершился.

Французский художник Кристиан Болтански, переживший влияние Холокоста, скончался на 76-м году жизни

ПАРИЖ (AFP). Кристиан Болтански, один из ведущих современных художников Франции, чьи мультимедийные работы исследовали значение смертности и памяти, скончался в возрасте 76 лет, сообщил в воскресенье AFP бывший директор музея.

«Он был болен. Он был частным человеком, который скрывал вещи столько, сколько мог », — сказал Бернар Блистен, бывший директор музея Помпиду, в котором в прошлом году проходила выставка работ Болтански.

Болтански, о смерти которого в парижской больнице Кочин впервые сообщила газета Le Monde, часто смешивал банальные повседневные предметы с фотографиями, видео и скульптурами, а иногда создавал монументальные инсталляции.

Его самоописанные работы по «наивному психоанализу» включают записанные сердцебиения тысяч людей на отдаленном японском острове, движущуюся дорожку с изображениями сотен детей и стопки коробок для печенья с именами умерших людей.

Болтански попал в заголовки газет в 2010 году, когда он согласился предложить австралийскому коллекционеру 24-часовые видеозаписи своей студии в Париже до конца своей жизни в обмен на регулярные платежи.

Получите ежедневное издание The Times of Israel по электронной почте и никогда не пропустите наши главные новости

Регистрируясь, вы соглашаетесь с условиями

Окончательная цена, уплаченная коллекционером Дэвидом Уолшем, заработавшим состояние на азартных играх, должна была определяться количеством времени, которое прожил Болтански.

Согласно жуткой сделке, если бы Болтанкси прожил более восьми лет, то Уолш заплатил бы больше, чем они оценивали стоимость работы.

«Он заверил меня, что я умру до истечения восьми лет, потому что он никогда не проигрывает. Он, наверное, прав », — сказал тогда Болтански AFP. «Я не очень хорошо о себе забочусь. Но я постараюсь выжить ».

Уолш сказал New York Times, что надеется, что Болтанкси умрет в своей студии.

Блистене назвал уход художника «большой потерей».

«Больше всего он любил передачу между людьми их историями, их воспоминаниями. Он останется одним из величайших рассказчиков своего времени. Он был невероятным изобретателем », — сказал он AFP.

Отмеченные Холокостом

Болтански, сын обращенного еврейского врача украинского происхождения и французской католички, родился 6 сентября 1944 года, когда Европа шаталась от нацистского холокоста.

Во время немецкой оккупации Франции во время Второй мировой войны мать Болтански, заболевшая полиомиелитом, спрятала его отца под половицами своей квартиры и сделала вид, что пара развелась.

Детство Болтански сопровождалось рассказами о друзьях семьи, переживших Холокост, и эта тема впоследствии сильно повлияла на его творчество.

Воспитанный страхом разлуки, он много лет спал в одной спальне со своими родителями и двумя братьями.

Описывая себя France Culture как «чрезвычайно странного… очень необычного» ребенка, он бросил школу в 13 лет, не имея возможности выражать свои мысли.

Он нашел свое призвание, экспериментируя с глиной и красками, и вскоре начал создавать огромные холсты.

Свою первую выставку он провел в мае 1968 года, когда ему было 23 года, но, сделав около 200 работ, он навсегда отказался от кисти и сосредоточился на новых формах искусства, начиная с короткометражных фильмов.

Отсчет секунд

В 1968 году он опубликовал свою первую книгу, в которой подробно описал воспоминания своего детства с 1944 по 1950 год.

Его большой международный прорыв произошел в 1971 году с выходом «Альбома семьи D», первой из серии работ, в которых использовались лоскутные рисунки, состоящие из фотографий людей.

В «Описях» он описал клад, спрятанный в нижних ящиках анонимных людей.

На этом фото из файла, сделанном 26 июня 2014 года, французский художник Кристиан Болтански позирует перед работой английского художника Ричарда Лонга во время презентации выставки «В пути» в Сантьяго-де-Компостела (Miguel RIOPA / AFP)

После смерти родителей в середине 80-х его творчество потемнело.

В «Персоне» в 2010 году он подарил посетителям Большого дворца в Париже огромные груды одежды и выключил отопление в огромном здании — размышление о нацистских лагерях смерти.

На выставке в галерее Мэриан Гудман в Париже в 2015 году были представлены голограммы, на которых он изображал себя в молодости и старике, со словами «прибытие» и «отъезд» на стенах, а также часы, отсчитывающие количество секунд. его жизни.

Мы были женаты на современной художнице Аннет Мессагер. Пара решила не заводить детей.

Ты серьезный. Мы ценим это!

Нам очень приятно, что вы прочитали статей X Times of Israel за последний месяц.

Вот почему мы приходим на работу каждый день — чтобы предоставить таким взыскательным читателям, как вы, обязательные к прочтению материалы об Израиле и еврейском мире.

Итак, теперь у нас есть запрос . В отличие от других новостных агентств, у нас нет платного доступа. Но поскольку журналистика, которую мы делаем, стоит дорого, мы приглашаем читателей, для которых The Times of Israel стала важной, поддержать нашу работу, присоединившись к The Times of Israel Community .

Всего за 6 долларов в месяц вы можете поддержать нашу качественную журналистику, наслаждаясь The Times of Israel AD-FREE , а также получая доступ к эксклюзивному контенту, доступному только для членов сообщества Times of Israel.

Присоединяйтесь к нашему сообществу Присоединяйтесь к нашему сообществу Уже участник? Войдите, чтобы больше не видеть это

Красочная наружная инсталляция скульптора Евы Левитт в Массачусетсе воспевает силу наблюдения за искусством в природе — см. Изображения здесь

Одна из лучших особенностей летних художественных выставок — это то, что многие из них предлагают возможность провести время на свежем воздухе.

Одно из самых захватывающих шоу в сезоне для такого рода побега — чтобы увидеть прекрасные произведения искусства в еще более красивой обстановке — это выставка Института Кларка «Земля / работа», которая приглашает посетителей на обширную территорию музея в Беркшире в Уильямстаун, Массачусетс.

Выставка, отмечает музей, подчеркивает «благоговение перед природой и желание еще больше оживить окружающие тропы, пастбища и леса» собственности и объединяет смелые, красочные инсталляции шести современных женщин-художников: Келли Акаши, Наири Баграмян, Дженни С. Джонс, Аналия Сабан, Хэге Ян и Ева Левитт. Все художники планировали свои работы в соответствии с местами, которые они выбрали вручную, каждый из которых разбросан по огромному кампусу Кларка площадью 140 акров.Работы также были спланированы с учетом меняющегося ландшафта и посетителей, надеющихся сбежать в сельские дебри Беркшира.

«Земля / работа », по данным музея , «подчеркивает баланс между хрупкостью и стойкостью, который проявляется как природой, так и течением времени, предлагая при этом свежие впечатления при каждом посещении». Работы были задуманы отчасти как способ помочь посетителям снова войти в мир после долгого года изоляции и мягко побуждают их снова заняться такими темами, как комфорт природы и сообщества.

Одна из самых ярких работ на выставке — это, пожалуй, Resin Towers (2020) , Евы Левитт, которые были собраны нью-йоркским художником из высоких кусков красочного пластика таких оттенков, как флуоресцентный оранжевый, желтый и светлый. цвета морской волны и отлиты слоями из прозрачной смолы. Вместе части создают узор из расширяющихся и сужающихся сфер по мере того, как зритель приближается к работам или удаляется дальше, в зависимости от того, где они стоят. Работа также была запланирована так, чтобы взаимодействовать с отдельными элементами ландшафта (включая небо, лес, траву и свет) и временем дня, меняясь с течением времени и, кажется, все быстрее и быстрее, когда зрители приближаются к нему, как будто «Позови их вниз с холма и пригласи посетителей на свой сайт.”

Работы, во многом воспевающие «чистоту оттенков на фоне постоянно меняющегося ландшафта», по словам музея, будут выставлены до 17 октября. См. Изображения выставки ниже.

Ева Левитт, «Башни из смолы» (2020). Фото любезно предоставлено художником и VI, VII, Осло. Фото: Томас Кларк.

Крупный план одной из «Смоляных башен» Левитта (2020 год. Фотография любезно предоставлена ​​художником и VI, VII, Осло. Фото: Томас Кларк.

)

LeWitt с ее работами. Фото любезно предоставлено Евой Левитт.

Крупный план одной из «Смоляных башен» Левитта (2020 год. Фотография любезно предоставлена ​​художником и VI, VII, Осло. Фото: Томас Кларк.

)

Одна из «Смоляных башен» Левитта (2020 г. Фото любезно предоставлено художником и VI, VII, Осло. Фото: Томас Кларк.

Ева Левитт, «Башни из смолы» (2020). Фото любезно предоставлено художником и VI, VII, Осло. Фото: Томас Кларк.

Ева Левитт, «Башни из смолы» (2020). Фото любезно предоставлено художником и VI, VII, Осло. Фото: Томас Кларк.

Следите за новостями Artnet в Facebook:

Хотите опередить мир искусства? Подпишитесь на нашу рассылку, чтобы получать последние новости, откровенные интервью и острые критические моменты, которые продвигают разговор.

Искусство разрушения Майкла Лэнди

КОЛЧЕСТЕР, Англия — Майкл Лэнди — британский художник, наиболее известный благодаря проекту, в котором он систематически инвентаризировал все 7 227 своих личных вещей. Потом их систематически уничтожали.

В этом году исполняется 20 лет той инсталляции-перформанса «Break Down», которая принесла Лэнди международную известность как «Человек, который все разрушил». Нечасто, что о концептуальных произведениях искусства, которые больше не существуют физически, все еще говорят два десятилетия спустя.

Но выставка, посвященная 20-летию «Break Down», а также новая инсталляция Лэнди, представленная в Firstsite, галерее на юге Англии, показывают, что художник по-прежнему остается дальновидным критиком потребительства. Выставка, названная «Добро пожаловать в Эссекс Майкла Лэнди» в честь округа, окружающего галерею, где вырос художник, продлится до 5 сентября.

«Сейчас хорошее время для его работ, чтобы получить новую экспозицию», — сказал Джулиан Сталлабрасс, профессор современного искусства в Институте Курто в Лондоне и автор книги «High Art Lite: The Rise and Fall of Young British Art».»

« Майкл, я думаю, всегда был одним из самых интересных художников Y.B.A. группировка », — сказал Сталлабрасс, имея в виду поколение молодых британских художников, которое вдохновляло сцену современного искусства в 1990-х и начале 2000-х годов. «Не только из-за его антикоммерческой позиции — или, скорее, из-за того, что его работы часто касались коммерции и ее последствий, — но из-за его долгих размышлений о социальном классе».

«Break Down» был произведен лондонской некоммерческой организацией ArtAngel в заброшенном универмаге на Оксфорд-стрит, в то время самом оживленном торговом районе Европы.Там Лэнди провел две недели, отвечая за сложное предприятие по переработке отходов, перепрофилированное для разрушения, измельчения и гранулирования всего, что у него было, включая полный архив его произведений искусства, его коллекцию пластинок и его Saab 900 Turbo.

В конце процесса, свидетелями которого стали около 50 000 посетителей, у него остались шесть тонн упакованных в мешки отходов. Он был закопан на свалке в Эссексе, куда сбрасывается большая часть лондонского мусора.

«Консьюмеризм стал идеологией №1 нашего времени, — сказал 58-летний Лэнди во время недавней экскурсии по юбилейной выставке.«В итоге у нас остается все это», — добавил он. «Я хотел разобрать это».

Подобно Дэмиену Херсту, Трейси Эмин, Грейсону Перри и другим Y.B.A., Лэнди происходил из рабочего класса. Он учился в престижной художественной школе Goldsmiths в Лондоне в конце 1980-х годов, до того, как введение платы за обучение в высших учебных заведениях начало отговаривать многих студентов из малообеспеченных семей.

В отличие от Херста, Эмина и Перри, чьи внушительно оцененные работы регулярно выставлялись на международных художественных ярмарках и аукционах, Лэнди никогда не добивался коммерческого успеха.Самая высокая цена, заплаченная за его работы на аукционе, остается 36 000 долларов, выставленных в 2002 году за его скульптуру «Прилавок Костермонгера».

Но в 1997 году галерея Тейт приобрела его «Scrapheap Services», инсталляцию размером с комнату, в которой вымышленная компания, занимающаяся «чисткой людей», подметает человеческий мусор и пропускает его через измельчитель. Продажа работы дала Лэнди определенную финансовую безопасность.

«Это был первый раз, когда, говоря материально, я был впереди в своей жизни», — сказал Лэнди, который отпраздновал свой успех, купив костюм Savile Row и Saab, который стал частью «Break Down.

Но возникли сомнения. «Это то, к чему я стремился? У меня есть машина Saab и костюм Ричарда Джеймса. Что все это значит? » Лэнди вспомнил, как спрашивал себя. «Мне пришла в голову идея уничтожить все свое мирское имущество».

ArtAngel уже воплотил в жизнь известные художественные проекты, такие как «Дом» Рэйчел Уайтред (1993) и «Cremaster 4» Мэтью Барни (1994), и Лэнди сказал, что сотрудничество с его со-режиссером Джеймсом Лингвудом имело решающее значение для создания «Break Down» » случаться.На планирование ушло три года. Перечисление его имущества заняло целый год.

«Оксфорд-стрит была пропавшим ингредиентом», — сказал Лэнди, вспоминая пустой магазин C&A, который он использовал для уничтожения всего своего имущества. «Сюда люди приходят, чтобы потреблять новые вещи».

«Люди были рассержены, люди смущены. У них был большой выбор потребителей, но это был мой », — добавил он. «Я чувствовал, что являюсь свидетелем собственной смерти».

Лэнди и ArtAngel договорились, что ничего из этого не станет товаром.«Речь шла о полном стирании имущества из его жизни», — сказал Лингвуд. Художник снова стал человеком, у которого ничего не было и были какие-то долги.

«У него была крыша над головой. Мы купили ему одежду. Вероятно, его друг дал ему немного денег. Он пошел домой к Джиллиан », — добавил Лингвуд, имея в виду художницу Джиллиан Уэринг, которая сейчас является женой Лэнди.

Возможно, неудивительно, что Лэнди не создавал никаких произведений искусства в течение года после «Break Down».

Затем, в 2002 году, он вернулся к рисованию — среде, которой он увлекался в детстве.Он сделал серию из 12 тщательно выполненных гравюр сорняков, «маленьких вещей, которые растут в трещинах на улице» для Paragon Press, специализированного издателя гравюр.

«Это аллегория возрождения», — сказал Чарльз Бут-Клибборн, основатель издательства, описывая офорты Лэнди «Питание». «Они были похожи на портреты лондонцев», — добавил он. «Эти растения существуют в городских условиях, где растениям трудно выжить. Но они действительно процветают, и он праздновал их ».

В последние годы Landy вернулась к крупномасштабным установкам.В 2010 году он создал гигантский мусорный бак из металла и плексигласа для неудавшихся произведений искусства в галерее Южного Лондона. А в 2018 году, после того, что он расценил как саморазрушительное голосование Великобритании за выход из Европейского Союза, он создал «Open for Business», «киоск Brexit», где продавались «100% британские товары», такие как украшенные Union Jack. кружки и презервативы на первой Рижской биеннале в Латвии.

Уроженец Лэнди Эссекс включал два из пяти округов Великобритании с наибольшим количеством голосов за Брексит на референдуме 2016 года.С тех пор, как в 1980-х годах Тэтчер, когда графство стало оплотом консерватизма рабочего класса, оно стало жертвой в британской массовой культуре уничижительных карикатур на персонажей из Эссекса и Девушек из Эссекса, изображающих его жителей дерзкими, необразованными и материалистичными.

Помимо того, что Лэнди оглядывается на «Разрушение» в Колчестере, Лэнди исследует эти стереотипы в трехкомнатной инсталляции об Эссексе, месте, которое художник назвал «Самым непонятым графством Англии».

Шоу включает в себя аэрофотосъемку местных свалок, баннеры с заголовками таблоидов на тему Эссекса и заполненные мусором мусорные баки с телевизорами, показывающими интервью и комедии с участием Эссекса.Он разделил местных посетителей на галерею в Колчестере, историческом университетском городе, который когда-то был столицей римской Британии.

Стивен Каллели, 60 лет, учитель на пенсии, не был впечатлен. «Это не бросает нам вызов. Мы можем посмеяться над этим », — сказал он после посещения выставки в этом месяце.

Тем не менее, 9-летняя Стелла Кларк была заинтригована дисплеем «Break Down», особенно стеной, на которой воспроизводился фрагмент из инвентаря Лэнди, например, s «C542: единственный синий носок Sainsbury из хлопка и полиэстера.».

«Он сделал очень странную вещь, — сказал Кларк. «Может, он говорил, что все это ему не нужно».

Лэнди тоже увлекался искусством в детстве. Когда ему было 15, его работа с грифельной доской была включена в эпизод «Vision On», образовательного телешоу BBC, в котором детей приглашали прислать картины и рисунки. Тем не менее, когда он попросил вернуть кусок, BBC сообщила ему, что он не может быть возвращен.

«Они всегда разрушали работу», — сказал Лэнди. «Это было началом.»

Огромная иммерсивная арт-инсталляция скоро откроется в Скоттсдейле

СКОТТСДЕЙЛ, Аризона — Огромная арт-инсталляция с некоторыми из самых известных работ художника Винсента Ван Гога направляется в Скоттсдейл, штат Аризона, где обещает погрузить людей в их произведения. .

В течение нескольких месяцев в социальных сетях появлялись видеоролики и реклама, рекламирующая инсталляцию и ее «секретное» местоположение, которое недавно было объявлено Lighthouse Artspace в Старом городе Скоттсдейла, на углу 5-й авеню и Скоттсдейл-роуд.

МАЙКЛ БРОСИЛОВ

Майкл Бросилоу / иммерсивный Ван Гог

Названный иммерсивный Ван Гог , люди окажутся посреди большой комнаты, окруженной массивными движущимися проекциями работ Ван Гога, в том числе «Звездная ночь», «Подсолнухи», «Спальня. »и« Едоки картофеля », в то время как музыка и звуки играют на заднем плане.

По данным сайта выставки, он состоит из 500 000 кубических футов проекций, 60 600 кадров видео и 90 миллионов отдельных пикселей.

«Прогуляйтесь по завораживающим движущимся изображениям, подчеркивающим мазки кисти, детали и цвет — поистине освещая разум гения», — говорится на веб-сайте.

МАЙКЛ БРОСИЛОВ

Майкл Бросилоу / Immersive Van Gogh

Первоначально открытие запланировано на июль, но открытие было перенесено на 26 августа 2021 года и должно быть здесь до 28 ноября 2021 года. Билеты стоят 30-50 долларов США и могут быть приобретены на https: /tickets.vangoghphx.com.

Расширенные возможности доступны за 60 или 100 долларов и включают памятный плакат, шнурок, арендованную подушку и приоритетный доступ.

По сообщениям, билеты на концерты в Торонто, Канада, были распроданы; Чикаго, Сан-Франциско и Нью-Йорк. Другие визиты включают Детройт, Даллас, Хьюстон и Орландо.

«Мы создали уникальную и увлекательную постановку, в которой жители и гости Феникса могут буквально окружить себя работами Винсента Ван Гога, одного из величайших художников, которые когда-либо жили», — заявила продюсер Светлана Дворецкая в своем заявлении.