Изображение скульптуры человека в истории скульптуры: Изображение фигуры человека в истории искусства
Изображение фигуры человека в истории искусства
Цели:
- Познакомить учащихся с представлениями о красоте человека в истории искусства.
- Воспитывать нравственно-эстетическое отношение к миру и любовь к искусству.
- Развивать творческую и познавательную активность.
Оборудование и материалы: подбор иллюстраций и репродукций произведений искусства различных жанров и периодов с изображениями фигуры человека, презентация, видеоролик «Красота женщины сквозь века»
ХОД УРОКА
«Человек – мера всех вещей»
Протагор
Человек всегда был и остается главной темой в
искусстве. Представление о красоте человека, о
наиболее существенном в его облике и его
действиях менялись в истории
искусства.Произведения пластических искусств
как уникальные документы истории в ярких и
зримых образах доносят до нас представления о
красоте человека, существовавшие в различные
исторические эпохи.
Какие же были представления о красоте человека и его тела? Вы любите путешествовать? Давайте на сегодняшнем уроке совершим экскурсию по страницам истории, по страницам цивилизаций и увидим, как оценивалась красота человека в разные периоды истории.
Посмотрите внимательно на название нашей темы. Как вы думаете, о чем пойдет речь? С чего логичнее всего начать характеризовать способы изображения человека в истории искусства?
Учащиеся высказывают свое мнение.
Итак, мы пришли к выводу, что начинать экскурсию следует с первых дней жизни древнейших людей.
Представьте себе, что мы оказались в музее изобразительного искусства и рассматриваем экспозицию «Человек – мера всех вещей».
Я буду вашим экскурсоводом, ну, а вы – внимательными слушателями. Очень часто посетители не рассчитывают на свою память и записывают услышанное в блокноты.
Попробуем учесть этот полезный опыт, вместо
блокнотов у вас в руках будут тетради, куда вы по
ходу экскурсии будете заносить услышанный
материал.
В конце урока, возможно, у меня
возникнут к вам вопросы об услышанном и я
посмотрю ваши записи.
Готовы? В путь!
Посмотрите внимательно на стенд «Палеолитические Венеры». На ней изображены небольшие фигурки женщин, найденные археологами при раскопках. Опишите их.
Проверка выполнения задания
Итак, мы увидели, что эти небольшие скульптурки демонстрируют как мастерство исполнения, так и примитивность.
В учебнике по истории мировой художественной
культуры мы можем прочитать об этом так:
«Мастерство в том, как цельно и сильно
почувствована пластика объемов тела: в этом
смысле фигурки выразительны и, при своих малых
размерах, даже монументальны. Но в них нет
проблеска духовности. Нет даже лица – лицо не
интересовало, вероятно, просто не осознавалось
как предмет, достойный изображения.
«Палеолитическая Венера», с ее вздутым животом
громадными мешками грудей, – сосуд плодородия и
ничего сверх того».
(Дмитриева, Н А., Виноградова, II. А. Искусство древнего мира. – М. 1989. – С. 15.)
Вопрос: – Почему древний художник изобразил женскую фигуру таким образом?
Учащиеся высказывают свое мнение.
Действительно, фигуры этих женщин сложно назвать эталоном красоты сегодняшнего дня, но в те далекие времена человек создавал эти фигурки не с целью передать женскую красоту, а воплотить в материале силу женского начала, способность к деторождению и кормлению. Именно поэтому многие найденные фигурки изображают женщин с большой грудью, бедрами и беременным животом. Очевидно, что для людей того времени женщина была чем-то сродни божеству, которое несет в себе вечную жизнь и процветание.
Как же менялись представления о красоте человека дальше и какие правила изображения человека стали появляться? Мы входим в зал «Древнеегипетские рельефы и изображения человека»
Вопрос: – Как вы считаете, древнеегипетский художник стремится изобразить конкретный образ или обобщенный? – Что в изображении фигуры человека вам кажется неестественным?
Учащиеся высказывают свое мнение.
(Плечи развернуты в фас, а голова и ноги в профиль.)
Однако такое положение фигуры не умаляет выразительности, дает возможность рассмотреть ее с разных точек зрения способствует целостному восприятию индивидуализированного образа, получению наиболее полной информации об изображенном.
Существовал определенный Канон – свод правил и законов, которыми должен был руководствоваться художник при построении рисунка, – регламентировал в древнем Египте своеобразный критерий красоты.
Вопрос: – Как вы думаете, согласно канону, кого древнеегипетский художник должен был изображать наиболее старательно и строго по правилам?
Учащиеся высказывают свое мнение.
Идеалом красоты, верхом совершенства в древнем
Египте был фараон. Его изображали строго по
канонам, чтобы показать все величие и
богоизбранность фараона – ведь правитель
считался сыном богов и приравнивался им.
Продолжаем нашу экскурсию. Перед вами произведения искусства уже другой эпохи.
Вопрос: – Где и когда они были созданы?
Учащиеся высказывают свое мнение.
Ученые выделяют три периода в истории греческого искусства:
1) архаика, или древний период, – примерно с 600 до
480 года до н.э.;
2) классика, или период расцвета, – с 480 по 323 годы
до н.э. – год смерти Александра Македонского;
э.;Античное искусство Греции и Рима показывает красоту физически совершенного человека.
Вопрос: – Вспомните уроки истории и ответьте: «Какими принципами руководствовались художники при изображении человека?»
Учащиеся отвечают.
В искусстве Древней Греции сложился образ идеально прекрасного и гармонически развитого человека гражданина, доблестного воина и патриота, в котором красота атлетически тренированного тела сочетается с нравственной чистотой и духовным богатством.
Это нашло отражение в скульптуре, живописи и декоративном искусстве. Греческие мастера изучали строение человеческого тела, соразмерность его пропорций, пластику движений, особенно во время Олимпийских игр.
Перед вами знаменитая скульптура древнегреческого скульптора Мирона «Дискобол».
Обратите внимание: скульптор придает большое
значение пропорциональным соотношениям частей
фигуры спортсмена все в ней соразмерно и
гармонично.
Мирон развивает мотив движения… Человеческое тело принимает у него такую позу: дискобол держит в руке диск, другая рука согнута у колена. Все тело его в эту минуту уподобляется согнутому луку.
Пройдемте дальше. Наша следующая экспозиция посвящена скульптору Праксителю, который подарил миру статую Афродиты Книдской, богини любви и красоты. В Древней Греции красота человеческого тела была гарантом красоты души.
Фрина была моделью и подругой Праксителя.
Именно она послужила моделью для статуи Афродиты
Книдской. За это ее обвинили в кощунстве и
богохульстве. Потому что знавшие Фрину
улыбались, глядя на статую Афродиты, а видевшие
статую благоговейно смотрели на Фрину.
Паломники, преклоняясь перед Афродитой, шептали
« как прекрасна твоя божественная красота о
Фрина» а вслух восклицали « Афродита, прекрасная
Афродита». За это Гетера Фрина была обвинена в
кощунстве. Когда ее защитнику на судебном
процессе Гипериду не хватило слов, чтобы
ответить на обвинения и он обнажил грудь Фрины,
воскликнув «Вот, посмотрите! Может ли девушка со
столь прекрасным телом кощунствовать и лгать
нам? Ее душа столь же прекрасна, как и совершенное
ее тело!» По преданию судьи, ослепленные ее
красотой, прекратили процесс.
Проследуем в зал под названием «Искусство Древнего Рима».
Наследником художественной культуры эллинизма стал Древний Рим. Скульптурный портрет этого времени отличался точной характеристикой и жизненным правдоподобием образов.
Перед нами римская статуя – Статуя Октавиана Августа, обращающегося с речью к войскам.
Изображение Амура, сына богини Венеры (Афродиты), напоминало о божественном происхождении императора – ее потомка. Это идеализированный памятник могущественному правителю. Тщедушный и болезненный первый римский император Октавиан изображается атлетически сложенным, «богоподобным человеком».
Вопрос. – Взгляните на статую рядом с Октавианом Августом. Что вы видите в глазах этого человека?
Учащиеся высказывают свое мнение.
Если Древнюю Грецию мы назовем миром эстетов,
отДревний Рим это мир воинов, мир завоевателей.
Здесь нет места красоте тела, мы видим нечто
другое В глазах воина – завоевателя мы увидим и
память сражений, через которые прошел римлянин, и
боль потери товарищей, близких.
Мы переходим в зал «Эпоха Возрождения»
Духовная и физическая красота человека – главная тема творчества великого итальянского художника и скульптора эпохи Возрождения Микеланджело. На вопрос «Как вам удается создавать такие великолепные статуи?» он ответил фразой «Я беру глыбу мрамора и отсекаю от нее все лишнее». Его «Давид»– величественный и прекрасный юноша, исполненный беспредельной отваги, решимости, благородства. Он спокоен, однако чувствуется его готовность приложить все усилия для борьбы со злом, для победы справедливости. Это подлинный монумент героической личности, человеку, духовно и физически совершенному.
Микеланджело ваяет свою скульптуру из мрамора.
Большая глыба камня имела дефекты, в ней были
трещины, и никто не верил в то, что из этой громады
можно что-либо сделать. Но художник взялся за
работу тщательно продумал будущий пластический
образ, и смог «извлечь» из мраморного монолита
великий немеркнущий образ.
Вопрос: – «Давид» – известный библейский герой, каким подвигом он себя прославил?
Как вы думаете, почему для осуществления своего замысла Микеланджело обратился к древним образам?
Учащиеся обсуждают и отвечают на вопросы.
Обратимся к книге об искусстве этого периода. В ней мы можем прочитать следующее: «Согласно библейской легенде юный Давид (тогда всего лишь пастух, впоследствии мудрый правитель) убил великана Голиафа, сразив его камнем, пущенным из пращи. Микеланджело создал статую для своей родной Флоренции ибо Давид защитил свой народ и справедливо им правил: так великий скульптор своим искусством хотел утвердить тот идеал гражданственности, в котором он видел спасение униженной родины».
Вопрос: – Какая скульптура вам понравилась больше всего? Почему?
Каждая эпоха находит адекватные историческому
времени художественные формы отражения своих
представлений о красоте.
Эпоха итальянского Возрождения наряду со скульптурными образами подарила миру множество живописных произведений. Перед вами две работы выдающихся мастеров того времени: Джорджоне и Леонардо да Винчи.
Написанная Дкорджоне в первые годы ХУI столетия «Юдифь» утверждает идеал Высокого Возрождения, который нашел выражение в картине через внутреннюю раскрепощенность композиции, размеренность изобразительных форм, красоту и утонченность женского образа, певучесть линии красочных сочетаний.
«Она прекрасна и необычна – Юдифь Джорджоне, – пишет искусствовед А. Варшавский. – Освободить родной город от нависшей над ним грозной опасности вызывалась красавица Юдифь. С предводителя вражеских войск Олоферна возвращается она в отчий дом.
Враги дрогнули, они побегут, когда на городской
стене будет выставлена голова Олоферна, и вечно
будуг славить подвиг юной вдовы, ее
самопожертнование, ее удачливую удаль
сограждане, те, кого спасла она от чужеземного
ига, может быть, от смерти.
Уже все позади. Уже все свершилось. И задумчиво глядит на отрубленную голову вражеского полководца Юдифь. Что проносится перед ее внутренним взором?
Может быть, одной из сильнейших сторон гения Джорджоне было умение в спокойствии выразить непокой.
Говорят, легенда о Юдифи пользовалась особой любовью в Венеции. Ее образ стал своего рода символом любви к отечеству, самопожертнования».
«Мона Лиза» считается самой известной картиной Леонардо. Мы можем видеть её в Париже, в Лувре. Ряды длинных галерей, на стенах – драгоценные свидетельства творческого гения человека; каждый этюд, каждая картина – кладезь исторического прошлого, живые свидетельства немногих избранных.
Картина – всего лишь 30 дюймов в высоту, и Мона
Лиза изображена сидящей на низком складном
стуле; её тело повёрнуто влево, правая рука
покоится на левом предплечье. Лицо обращено к
зрителю слегка под углом, тогда как карие глаза
смотрят прямо на вас.
На заднем плане – фантастический пейзаж с холмами и горами, тёплых и мягких тонов, над ним постепенно светлеющее небо. Две колонны по краям пейзажа закрывает нынешняя рама картины. В этом полотне прекрасны все детали, но внимание прежде всего захватывает лицо.
Картину невозможно описать словами: чем дольше вы смотрите на неё, тем больше возрастает её воздействие на вас, и вы начинаете чувствовать то удивительное очарование, которое покоряло стольких людей на протяжении веков. Более того, Леонардо добился интересного эффекта: с какого бы угла комнаты вы не смотрели на Мону Лизу она будет как будто преследовать вас своим взглядом.
Человек всегда был и остается главной темой в искусстве. Представления о красоте человека, об отношении его к богу, о наиболее существенном в его облике и его действиях менялись в истории искусства.
– Давайте посмотрим как!
ОБРАЩЕНИЕ К ВИДЕОРОЛИКУ.
(показ изображений женщин на протяжении развития живописи)
– Вы наверняка уже видели, какие то
произведения, а какие-то для вас откроются только
сейчас.
.
Наша экскурсия подходит к концу. Давайте я
просмотрю ваши записи.
(Учитель просматривает тетради нескольких
учеников)
А теперь постарайтесь ответить на мои вопросы
– Что объединяет все эти произведения?
– Какое у вас сложилосьпредставление о красоте
человека?
– Как вы понимаете значение выражения «духовная
красота»?
– Какое из указанных произведений произвело на
вас наибольшее впечатление?
Ученики отвечают.
Подведение итогов занятия.
Да, Человек – главная тема в искусстве. Каждая историческая эпоха выражает понимание красоты по-своему, но в этом разнообразии, безусловно, есть что-то общее.
При подготовке были использованы следующие источники:
1. Дмитриева Н А., Виноградова II.А. Искусство
древнего мира. – М. 1989. – С. 15.)
2. Сахаров А.Н., Кочегаров К.А. Основы духовно-нравственной
культуры народов России.
– М.: ООО «ТИД «Русское
слово – РС», 2011.
3. Гусева О.М. Поурочные разработки по
изобразительному искусству : 7 класс. – М.: ВАКО,
2012. – С.7.
4. Вигасин А.А. История древнего мира 5 класс:
– М. Просвещение 2009.
5. DVD-диск «Всемирная история живописи»,
коллекция ВВС.
От составителя | Электронные издания
Скульптура (лат. sculptura, от sculpo – высекаю, вырезаю), ваяние, пластика (греч. plastike, от plasso — леплю), вид искусства, основанный на принципе объемного, физически трехмерного изображения предмета. Как правило, объект изображения в скульптуре – человек, реже – животные (анималистический жанр), еще реже – природа (пейзаж) и вещи (натюрморт).
Различают две основные разновидности скульптуры: круглую скульптуру, которая свободно размещается в пространстве, и рельеф, где изображение располагается на плоскости, образующей его фон. К произведениям круглой скульптуры, обычно требующей кругового обзора, относятся: статуя (фигура в рост), группа (две или несколько фигур, составляющих единое целое), статуэтка (фигура, значительно меньшая натуральной величины), торс (изображение человеческого туловища), бюст (погрудное изображение человека) и т.
д. Формы рельефа варьируются в зависимости от его назначения и положения на архитектурной плоскости [фриз, фронтонная композиция, плафон и т.д.]. По высоте и глубине изображения рельефы подразделяются на низкие (барельеф), высокие (горельеф), углубленные и контррельефы.
По содержанию и функциям скульптура делится на монументально-декоративную, станковую, скульптуру малых форм. Монументально-декоративная скульптура рассчитана на конкретное архитектурно-пространственное или природное окружение. Она носит ярко выраженный общественный характер, адресуется к массам зрителей, размещается прежде всего в общественных местах – на улицах и площадях города, в парках, на фасадах и в интерьерах общественных сооружений. Монументально-декоративная скульптура призвана конкретизировать архитектурный образ, дополнять выразительность архитектурных форм новыми оттенками.
История монументальной скульптуры в России насчитывает около 300 лет. Прекрасные творения скульпторов XVIII-XX веков в изобилии украсили площади и общественные здания обеих столиц.
В Сибири же скульптура как средство монументальной пропаганды и как способ организации конкретного архитектурного пространства значительного развития не получила. В Омске интересные опыты использования монументальной скульптуры в убранстве общественных и административных зданий появились только в начале XX века: фигура Крылатого гения над главным подъездом театра Драмы, четыре аллегорические женские фигуры на фронтоне бывшего Управления Омской железной дороги, атлант и кариатида на здании бывшего филиала Русско-Азиатской компании (ныне здания мэрии), автором которых принято считать Ф. Винклера.
Однако, в целом традиции монументальной скульптуры в нашем городе не имели глубоких корней и многие десятилетия не давали ярких имен. Только в 60-е годы XX века здесь сложилось сообщество скульпторов, чьи творения в дальнейшем украсили улицы и здания Омска. Среди них – Ф. Бугаенко, Н. Бабаева, Д. Манжос, Ю. Овчинников, А. Цымбал и другие.
В конце 90-х годов прошлого века вся Сибирь удивилась нешаблонным скульптурам, созданным Александром Капраловым и Сергеем Норышевым.
Их персонажи моментально стали местом паломничества горожан и гостей Омска, заняли свое место в семейных фотоальбомах. Омские скульпторы стали первыми за Уралом, кто нашел альтернативу мраморным и гранитным бюстам вождей, выполненным по канонам советского монументального искусства.
К 300-летию Омска планируется кардинально обновить жилищный фонд, реконструировать дома первых массовых серий, построить новые микрорайоны, расширить магистрали. Между тем проблема создания оригинального облика города не менее важна, чем дороги, коммуникации и жилье. По мнению многих омских художников, чтобы написать во всех красках портрет города, сегодня недостаточно застроить его современными высотками, соорудить новые мосты и реанимировать набережную. Необходимы детали, способные внести яркие мазки в это полотно. Городская скульптура, не только оживляющая серый и безликий пейзаж, но и создающая настроение, — один из способов разнообразить панораму улиц и площадей родного города.
Наше библиографическое пособие будет интересно всем, кому небезразлична тема скульптурного украшения Омска: его улиц, площадей, парков.
Оно расскажет о памятниках и памятных знаках, появившихся в городе за последние два десятилетия (90-е годы XX в. – начало XXI в.), а также об их создателях – скульпторах, архитекторах, дизайнерах.
Информация по теме представлена в четырех разделах. Первый раздел — «Искусство людных площадей», познакомит с разнообразием нетрадиционной, «нешаблонной» городской скульптуры, произведениях, позволивших в свое время заговорить об Омске как о «продвинутом» городе. Второй раздел библиографического указателя — «В камне и металле…», представит памятники и памятные знаки выдающимся историческим деятелям, мастерам культуры и искусства, имена которых связаны с нашим городом. В третьем разделе — «Памятник — от слова «память» собрана информация о монументах, памятных знаках и мемориальных комплексах, увековечивающих память о трагических событиях в истории страны, Омского региона и нашего города.
Внутри разделов информация о памятниках и памятных знаках расположена в прямой хронологии их установки, открытия, а об авторах – в алфавите их фамилий.
Фактографические сведения о каждом скульптурном произведении или авторе сопровождаются списком литературы.
В указателе нашли отражение издания (преимущественно, альбомы, каталоги, справочники) и публикации из периодических изданий, хранящиеся в едином фонде ЦСМБ г. Омска за период с 1994 по 2007 год.
Библиографический указатель включает указатель названий скульптурных произведений и именной указатель.
Литература
- Калашникова, В. Городские «обереги» / Валерия Калашникова // Аргументы и факты. – 2007. – 28 нояб.-4 дек. (№ 48). – Прил.: с.8. – («АиФ» в Омске).
- Шихатов, И. Кто автор атланта и кариатиды? / Иван Шихатов // Третья столица. – 2007. – 26 апр. (№ 24). – С. 22.
- Давыдова, С. Оправа без алмаза / Светлана Давыдова // Российская газета. – 2007. – 15 февр. – С. 10.
- Иголкин, В. Монументальный дифицит / Владимир Иголкин // Российская газета. – 2006. – 7 сент. – С. 10.
- Кожевникова, Т. Если хочется обнять… скульптуру или О том, почему на постаменте оказались огурец, клавиатура и козел / Татьяна Кожевникова // Омск.
– 2006. – № 5 (июнь). – С. 30-33. - Дубонос, О. Долгая дорога Винклера / Оксана Дубонос // Четверг. – 2005. – 22 сент. (№ 38). – С. 18.
- Коников, Б. [Скульптура] / Б. Коников // «Мир оставляю вам…» : Василй Трохимчук (1949 — 1998) : скульптура : [каталог] / Главное управление культуры и искусства Администрации Омской области, Омский областной музей изобразительных искусств им. М.А. Врубеля, Омская организация Союза художников России, Омская государственная областная научная библиотека им. А. С. Пушкина. – Омск, 1999. – С. 5-6.
– 2006. – № 5 (июнь). – С. 30-33.
Работа со скульптурой (обучение в Гетти)
О скульптуре в западном искусстве
Художник Адольф «Эд» Рейнхардт (американец, 1913–1967 гг.) у картины». Несмотря на веру Рейнхардта в превосходство живописи над скульптурой, трехмерные произведения искусства выдержали испытание временем — в прямом и переносном смысле. Материалы, используемые для изготовления скульптуры, такие как камень и бронза, позволяют создавать прочные памятники, способные противостоять внешним воздействиям.
Более того, такие материалы, как бронза, очень дороги; памятники из бронзы могут утвердить процветание и власть общества или правительства в коллективном сознании будущих поколений.
Победоносный юноша , греческий, 300–100 гг. до н.э. Художники классической Греции достигли высокой степени натурализма в скульптуре человеческого тела. Однако этот натурализм сильно идеализирован, подчеркивая почти неестественное совершенство человеческого тела. | ||
Поскольку скульптура часто занимает пространство почти так же, как люди занимают пространство, мы можем отождествлять себя со скульптурой иначе, чем с живописью. В отличие от живописи, которая традиционно представляет собой иллюзию трехмерного пространства на плоской поверхности, скульптура фактически обитает в пространстве, разделяемом зрителем.
Скульптура также тактильна — к ней можно было прикоснуться, ощутить различные фактуры и формы. Наконец, созерцание скульптуры — это динамическая деятельность: работа меняется по мере того, как зритель перемещается в пространстве и времени.
Ранние формы скульптуры
Скульптура использовалась как форма человеческого самовыражения с доисторических времен. Самые ранние известные произведения скульптуры датируются примерно 32 000 г. до н.э. Ранний человек создавал предметы утилитарного назначения, украшенные скульптурными формами. Древние народы также создавали небольшие фигурки животных и людей, вырезанные из кости, слоновой кости или камня, для возможных духовных или религиозных целей.
Традиции резьбы и литья зародились у древних цивилизаций Средиземноморья. Культуры Египта и Месопотамии часто создавали скульптуры монументального масштаба. Эти скульптуры были связаны с религиозной жизнью или служили постоянным памятником власти правителей. В Древней Греции и Риме человеческая форма была доминирующим предметом в скульптуре, а художники классической Греции достигли высокой степени натурализма в скульптуре человеческой формы.
Из жестких архаичных мужских фигур, известных как kouroi , шестой век до н.э. до натурализма классической Греции и Рима человеческая форма считалась наиболее уважаемым предметом искусства.
Человеческая форма и ее скульптурная эволюция
Изображение человеческой формы проявляется на протяжении всей истории западного искусства. Жесткие и удлиненные фигурные формы готического стиля, которые были популярны в 12-14 веках (см. «Готическое искусство» в Хронологии истории искусств Метрополитен-музея), уступили место в эпоху Возрождения возрождению античного искусства. Греческий и римский натурализм и предмет. Микеланджело заимствует у древнего мира свою знаменитую скульптуру Давида, вырезая человеческую форму в позе контрапоста, изображая человека в расслабленной, естественной позе на одной опорной ноге.
Художники последующего периода барокко продолжали изображать человеческую форму, часто составляя свои работы с использованием нескольких фигур в очень динамичных композициях.
Человеческие формы изображались спиралевидными и закручивающимися вокруг пустого центрального вихря или выходящими в окружающее пространство. Движение и энергия этих человеческих форм дали зрителям несколько углов обзора, например, как показано ниже, в скульптуре 9.0021 Плутон, похищающий Просперину Жирардона.
Неоклассическая скульптура
В 18 веке открытие и интерес к древним археологическим памятникам, таким как Геркуланум и Помпеи, пробудили новый интерес к искусству Древней Греции и Рима. Неоклассицизм возник из желания придать изобразительному искусству большую серьезность и моральную приверженность — добродетели, которые, как считается, олицетворяют древние идеалы.
Белый мрамор, напоминающий античную скульптуру, стал излюбленным материалом неоклассического скульптора. В XVIII веке было распространено, хотя и ошибочно, мнение, что люди, жившие в древности, предпочитали этот эстетически чистый материал для своих скульптурных произведений. Фактически, классическая мраморная скульптура обычно была покрыта яркой краской, которая из-за выветривания в значительной степени исчезла с раскопанных произведений.
Бронза также часто использовалась в древние времена для крупномасштабной скульптуры. Хотя несколько примеров классической бронзовой скульптуры были известны в 18 веке, подавляющее большинство древних работ в этой среде было переплавлено для более практического применения после падения Рима. Большинство скульптур, поступивших в великие коллекции Европы, были сделаны из мрамора; поэтому у людей, живших в 18 веке, мрамор в первую очередь ассоциировался с древним миром.
Современная и современная скульптура
Во второй половине 19 века и начале 20 века движение под названием модернизм отошло от неоклассического стиля. В это время скульпторы проявляли меньший интерес к натурализму и больше внимания уделяли стилизации, форме и контрастным качествам поверхности материала, как видно здесь Голова с рогами , видно здесь. Художники уделяли больше внимания психологическому реализму, чем физическому реализму. Позже интерес художников к психологическому вылился в более абстрактно стилизованную скульптуру (как в работах Генри Мура и Альберто Джакометти).
Gandydancer’s Dream , Марк ди Суверо, 1987–1988 Предоставлено Марком ди Суверо и Spacetime C.C. Подарок Фрэн и Рэя Старков Многие элементы этой кинетической скульптуры можно привести в движение от легкого прикосновения или легкого ветерка. | ||
В конце 20-го века многие художники продолжали работать в традиционных медиа, но начали исследовать абстракцию или упрощение формы и устранять реалистичные детали. Некоторые художники сняли свои скульптуры с традиционных пьедесталов и вместо этого повесили работы на провода или кабели, чтобы обеспечить движение и создавать кинетические скульптуры. Другие скульпторы начали исследовать новые материалы, используя найденные или выброшенные предметы для создания того, что сейчас называется сборкой.
В середине века некоторые скульпторы организовывали строительство своих работ с помощью подъемных кранов, чтобы собирать крупномасштабные скульптуры из дерева, камня и металла. Другие художники, ставя идею или концепцию произведения искусства выше самого объекта, применяли более невмешательный подход в своей работе и создавали рисунки и эскизы для произведений искусства, которые затем изготавливались другими.
В последнее время художники стирают границы между различными художественными средствами, смешивая скульптурные материалы со звуком, светом, видеопроекцией и двухмерными изображениями для создания трехмерной среды. Эта форма искусства, известная как искусство инсталляции, выходит за рамки традиционного просмотра скульптуры. Художники-инсталляторы изменяют то, как мы взаимодействуем с конкретным пространством, создавая захватывающий мультисенсорный опыт, в котором может участвовать зритель.
Очень краткая история скульптуры
Статуэтка Löwenmensch
Статуэтка из слоновой кости эпохи палеолита, датируемая примерно 35 000 г.
до н.э., является одной из древнейших когда-либо обнаруженных скульптур. Обнаруженный в пещере в Холенштайн-Штадель, Германия, в 1939 году, он был вырезан из бивня мамонта. Он называется Löwenmensch (по-немецки «человек-лев»), имеет рост около 12 дюймов и изображает человеческую фигуру с кошачьим лицом. Было подсчитано, что резьба с использованием примитивных кремневых инструментов, вероятно, заняла более 350 часов. Поскольку племена того времени жили на грани пропитания, то, что на изготовление этой статуэтки ушло столько времени, можно предположить, что это был чрезвычайно важный артефакт. Возможно, он предназначался для использования в шаманских ритуалах, для защиты племени или для обеспечения «хорошей охоты».
Касса Уникальное искусство Сэма
Египетская скульптура
Большой Сфинкс в Египте, вероятно, одна из самых известных скульптур в мире. В отличие от статуэтки Lowenmensch, у Сфинкса вместо этого голова человека на теле льва.
Первоначально вырезанный из известняковой породы, Сфинкс имеет размеры 65 футов в высоту и 240 футов в длину. С тех пор он был восстановлен с использованием каменных блоков. Некоторые историки считают, что это голова фараона Хафры. Хотя обычно считается, что он датируется примерно 2500 г. до н.э., свидетельства водной эрозии предполагают, что он мог быть намного старше.
В древнегреческом искусстве почти нет различия между священным и светским. Считалось, что греческие боги имеют человеческую форму, поэтому человеческая форма считалась самым важным предметом в греческом искусстве. В скульптуре ранние греки очень близко следовали египетскому формату, вырезая очень жесткие, блочные фигуры из камня. В раннеклассический период 4-го и 5-го веков до нашей эры и при переходе к эллинистическому периоду скульпторы начали отходить от жесткой модели с египетским влиянием. Скульптура стала приобретать гораздо более реалистичный, естественный вид, с мрамором или бронзой, а не с камнем, излюбленным материалом.
И предмет, хотя и изображающий большее чувство силы и энергии, стал гораздо менее ограниченным богами и дворянами. Например, мальчик Критиос, высеченный из мрамора, является одним из самых ранних сохранившихся образцов греческой скульптуры того периода. Поскольку бронза имела ценность «лома», сохранилось несколько бронзовых экземпляров этого периода. Используя технику, включающую ультрафиолетовый свет, также совсем недавно стало известно, что большая часть греческой скульптуры, по-видимому, обычно окрашивалась в яркие цвета.
До 325 г. н.э. Римская империя была в значительной степени политеистической. Скульптурные работы, как правило, предназначались для почитания различных богов или представителей знати. Затем, в 325 году нашей эры, император Константин сделал христианство официальной религией, и мы начинаем видеть сдвиг в тематике популярной скульптуры. Гигантские статуи стали менее распространенными, и портретная живопись стала доминировать в области римской скульптуры.
Эпоха готики распространилась на религиозные скульптуры периода раннего средневековья, а фигуры на церквях стали более сложными. Выдающиеся библейские персонажи были изображены в очень горельефных скульптурах, которые часто располагались отдельно вокруг церкви.
Ренессанс скульптурыК началу 15 века эпоха Возрождения положила начало эклектичному изучению гуманитарных наук, включая естествознание, астрономию и математику. Художники начали пересматривать продуманное и достойное совершенство классических времен. Изобретение печатного станка распространило эти идеи, и художники стали проявлять больший интерес к научному подходу к действительности.
Рабочее название/художник: Pieta (Vesperbild) Отдел: Средневековое искусство Культура/Период/Местоположение: HB/TOA Код даты: 07 Дата работы: 1400 фотография mma, цифровой файл DT4948.tif ретушировано пленкой и средствами массовой информации (jnc) 3_25_10 Мастера эпохи Возрождения, в том числе Донателло, Микеланджело, Рафаэль и Леонардо да Винчи, были подставными лицами того времени.
Донателло был итальянским скульптором, работавшим во Флоренции в середине 15 века. Леонардо да Винчи был учеником Донателло. А один из самых известных художников всех времен, Микеланджело, родился в 1475 году. Гениальный и настоящий «человек эпохи Возрождения», одной из первых скульптур Микеланджело была «Мадонна с младенцем», завершенная, когда ему было всего 16 лет.
В 1497 году ему было поручено вырезать Пьету. Изображение Девы Марии, скорбящей о теле своего умершего сына. Закончили, когда ему было всего 24 года. Это единственное произведение искусства, которое Микеланджело когда-либо подписывал. После того, как его открыли, он услышал, как зрители отдают должное другим. Поэтому он пробрался в церковь посреди ночи, чтобы сделать последнее дополнение к своему шедевру. На ленте на груди Богородицы написано: «Это сделал Микеланджело Буонарроти, флорентиец».
XIX и XX века В 19 и 20 веках мир искусства отражал стремительные изменения, вызванные промышленной революцией.
Вместо того чтобы сосредоточиться на идеальной анатомии, деталях и повествовании, художники стали уделять больше внимания тому, что они воспринимали «под поверхностью». Личное выражение и стиль приобрели большее значение в создании более правдивого изображения реальности.
Огюст Роден — один из самых известных скульпторов того времени, которого считают отцом современной скульптуры.
Огюст Роден — один из самых известных скульпторов того времени и считается отцом современной скульптуры.
МодернизмВо время модернистского движения начала 20 века возникло множество направлений в искусстве. Кубизм, дадаизм, сюрреализм, поп-арт, минимализм и футуризм возникли в этот период.
Марсель Дюшан был одним из художников того времени, который бросил вызов представлению о том, что такое искусство на самом деле. Дюшан был частью движения Дада, реакции на Первую мировую войну, которая была по существу «против всего». 19 лет Дюшана17 выставка под названием « Фонтан » прекрасно иллюстрирует пессимизм, раздражение и абсурдность движения.