Картины современных художников самоучек: 10 известных художников-самоучек и их великие картины

Содержание

10 известных художников-самоучек и их великие картины

Знаете ли вы, что не все великие художники имеют художественное образование? Рассказываю вам о 10 известных художниках-самоучках и их картинах.

У каждого из этих художников своя судьба и свой жизненный путь. Кто-то из них не могу получить образование из-за финансов, а для кого-то, это было принципиальной стороной вопроса, когда то образование, которое предлагалось, не нравилось своими правилами и академизмом.

Так или иначе, но и среди известных художников есть люди без диплома. И это не помешало им войти в историю живописи, написать интересные картины, разбогатеть или стать знаменитыми (некоторые еще при жизни).

Итак, перед вам список художников-самоучек, которые не умели рисовать и их картины.

Содержание

Винсент Ван Гог 1853-1890
Поль Гоген 1848-1903
Анри Руссо 1844-1910
Фрида Кало 1907-1954
Морис Утрилло 1883-1955
Анна (Бабушка) Мозес 1860-1961
Жан-Мишель Баския 1960-1988
Иван Генералич 1914-1992
Екатерина Медведева 1937
Пол Ледент 1952

Винсент Ван Гог 1853-1890

Всего 10 лет творческого пути из 37 лет жизни было у знаменитого нидерландского художника.

Его работы оказали огромное влияние на живопись ХХ века. Его картины находятся во всех знаменитых музеях мира, а также в самых дорогих коллекциях.

Всего он успел создать 2100 произведений, из которых более 800 – картины маслом.

Он писал в стиле постимпрессионизма, его любимыми темами были портреты, пейзажи, натюрморты и, конечно же, автопортреты.

Ван Гог прошел путь от помощника в лавке своих родственников и священника-миссионера, до величайшего художника. Он учился сам, зачастую выбирая краски и холсты, вместо еды.

Самая дорогая картина Винсента Ван Гога на сегодняшний день – «Портрет доктора Гаше», была продана за 82,2 млн долларов в 1990 году.

Таким образом, Ван Гог, без художественного образования, стал великим художником-самоучкой.

Поль Гоген 1848-1903

Современник Ван Гога, Гоген тоже был самоучкой. Работая в банке и получая хорошие деньги, он стал коллекционировать живопись современных художников.

Так, хобби его настолько увлекло, что он сам стал неплохо разбираться в живописи и даже попробовал писать картины.

В один момент он бросает семью и работу, и уезжает во Францию – писать картины и общаться с художниками.

В Париже он сталкивается с тем, что неизбежно ждет всех художников без работы – нехваткой денег. Из-за этого, он решает уехать на остров, на Таити, чтобы начать писать по-новому. И ему, хоть и не без труда, это удается.

Признание пришло к нему также, как и к Ван Гогу уже только после смерти. Его картины также считаются одними из самых дорогих в мире.

Анри Руссо 1844-1910

Французский художник, представлявший наивное искусство (примитивизм).

Родился в простой семье сантехника, работал на таможне. Многие исследователи считают, что именно отсутствие образования у Руссо помогло выработать ему свой собственный стиль.

Хочется также отметить, что его картины ценил Пабло Пикассо.

Его работа была скучна, и, поэтому, он к 40 годам стал рисовать. К 50 ушел на пенсию, чтобы полностью посвятить себя творчеству и живописи.

Его детский и примитивный стиль письма вызывал много критики со стороны профессионалов, но Руссо был так простодушен, что не обращал на это внимание.

За 4 года до смерти, он познакомился с немецким коллекционером, который помог ему продвинуться в живописи и в карьере. У него прошла персональная выставка, а Пикассо даже купил одну из его работ и устроил в его честь вечеринку со всеми знаковыми лицами.

После смерти его друзья и коллеги стали продвигать его работы, что привело к известности и ценности картин Руссо.

Фрида Кало 1907-1954

В детстве она получала уроки рисования от своего отца-фотографа, но не мечтала связать свою жизнь с искусством. Фрида Кало училась в лучшей школе Мехико, а после ее окончания, должна была пойти учиться на медика.

Но в 19 лет она попала в страшную аварию, после которой только чудом осталась жива.

Эта трагедия прикрепила ее на долгие месяцы к больничной койке. Чтобы хоть как-то порадовать дочь, отец принес ей краски и холст, чтобы девушка смогла порисовать. Но так как она лежала прикованная к кровати, все, что она могла видеть – это себя в зеркале напротив.

Так Фрида начала писать свои знаменитые автопортреты. Она была молода, ей хотелось жить и творчество, пусть и без образования, спасло ее.

Морис Утрилло 1883-1955

Французский художник-пейзажист, который обрел мировую известность. Его мать была натурщицей, позировала таким художникам, как Тулуз-Лотрек, Ренуар, Дега. Возможно, на его жизненный путь повлияло не только это, но и то, что его усыновил художественный критик из Испании, Микуэль Утрилло.

Морис был зависим от алкоголя, и чтобы отвлечься от своей пагубной привычки, занялся живописью.

Художник писал городские пейзажи, вдохновлялся своими современниками, подсматривал манеру письма у местных художников с Монмартра.

Его стиль можно охарактеризовать как постимпрессионистский и примитивистский. В свое время он также создавал декорации по заказу Сергея Дягилева к балету «Барабо».

До 30 лет он не был особо известен, его картины плохо продавались, и он довольствовался случайным заработком.

Позднее, его работы все-таки заметили, а к 40 годам он даже получил орден Почетного легиона от правительства Франции, который считается знаком высшего отличия за особые заслуги.

В дальнейшем, он продолжил свою художественную деятельность несмотря на то, что так никогда и не учился живописи профессионально.

Анна (Бабушка) Мозес 1860-1961

Американская художница-любительница, ставшая представительницей примитивизма в своей стране.

Анна Мозес была женой простого фермера и почти всю свою жизнь посвятила домашним хлопотам. Хотя она всегда любила рисовать для себя, впервые она занялась этим всерьез только в возрасте 67 лет.

К 80 годам ее рисунки стали появляться в галереях в Америке, так как чуть ранее один из них был замечен коллекционером.

Позднее, ее работы также были представлены на выставках в Европе и Японии.

В 1949 году тогдашний президент США Гарри Трумен вручил ей премию Национального Американского женского пресс-клуба.

Она любила писать сельские пейзажи и сцены из жизни, связанные с бытом. За почти 30 лет художественной деятельности Бабушка Мозес создала более 1500 полотен.

Самая ее дорогая картина была продана за 60 000 долларов, тогда как изначально художница продавала свои рисунки за 5 долларов.

Бабушка Мозес, несомненно, пример великого и знаменитого художника, который поздно начал рисовать, и несмотря на это у нее все получилось.

Жан-Мишель Баския 1960-1988

Еще один знаменитый художник-самоучка, чьи картины не только имеют свой уникальный стиль, но и стоят сотни миллионов долларов.

Жан-Мишель родился в небогатой семье, а начинал как уличный художник – рисовал граффити.

Позднее, он уехал от родителей, продавал открытки, рисовал, играл в группе. Вместе с другими современными художниками, он участвовал в коллективной выставке. После этого про него написали критики и это дало небольшой старт в международной карьере художника.

Его стиль – неоэкспрессионизм, был таким же современным, как и он сам. Это направление зародилось в конце 70-х годов ХХ века и стало реакцией на искусство европейского минимализма.

Его всегда тянуло к рисованию, он любил посещать музеи, общаться с другими художниками и творцами, а в 1982 году вообще познакомился с Энди Уорхолом и создал с ним много совместных работ.

Баския был плодотворным художником, мог написать до 20 картин за несколько недель, и, если не пагубная зависимость от наркотиков, он бы еще многое успел сделать. Хотя, для 27 лет и художника-самоучки он сделал, итак, не мало, учитывая, как и в какое время он жил.

Иван Генералич 1914-1992

Художник-самоучка из Хорватии, писавший сельские пейзажи в стиле примитивизма.

Однажды, его работы случайно заметил студент из академии Загреба, и предложил ему устроить выставку. Затем появился резонанс и признание, а потом и выставки в таких городах, как София, Париж, Баден-Баден, Сан-Пауло, Брюссель.

Екатерина Медведева 1937

Известная современная российская художница, живописец и график. Живет в Москве.

Пишет пейзажи, натюрморты, сцены из жизни.

Екатерина Ивановна, представитель наивного искусства и примитивизма.

Примечательно, что ее работы были показаны Марку Шагалу, который оценил их и подарил Екатерине альбом с дарственной надписью: «Катя Медведева – это чисто русский талант. Она также любит цвет, как и я».

Пол Ледент 1952

Бельгийский художник, начавший рисовать только к 37 годам. Сначала писал акварелью, но быстро перешел на масляную живопись, так как она больше подходила ему по характеру и способу самовыражения.

Основная тема его произведений – это пейзажи и времена года, а также красота человеческого тела.

Очень много участвовал в групповых выставках, затем у него стали проходить и персональные выставки.

Позднее он все же проходил курсы по рисованию, но только чтобы подтянуть технику и узнать что-то новое.

Как видите, не обязательно получать высшее образование, чтобы стать известным художником. Да и просто чтобы начать рисовать, диплом не нужен.

Нужно желание и материалы, а еще немного времени.

Надеюсь, моя статья вдохновила вас на творчество, и вы найдете немного времени, чтобы порисовать. А вот с хорошими и качественными материалами я вам помогу – переходите в мой интернет-магазин https://nyshop.pro/ и выбирайте краски, кисти и многое другое!

12 известных художников-самоучек, добившихся большого успеха

Интересно было бы узнать, как много среди моих читателей тех, кто хотел попробовать писать и всерьез заняться живописью, но остановился не из-за нехватки времени или нехватки фантазии, а из-за распространенного стереотипа о том, что достичь успеха в живописи можно лишь после долгих лет художественого образования?

Многие полагают, что художники-самоучки могут писать лишь в качестве хобби, но на успех, признание и богатство им рассчитывать не приходится.

Известные художники самоучки и их картины

Общаясь с многими людьми, я слышу это мнение в самых разных формах. Знаю даже многих художников, которые пишут, увлеченно и очень хорошо, но считают свои картины просто забавой лишь потому, что сами они не получили художественного образования.

Они почему-то полагают, что художник — это профессия, которая непременно должна быть подтверждена дипломом и оценками. И пока диплома нет, художником стать нельзя, хорошие картины писать нельзя, а даже если и написать работу «для себя», то уж о продаже её или выставлении на суд публики запрещено даже и думать.

Якобы, картины художников-самоучек сразу распознаются специалистами, как непрофессиональные, и вызовут только критику и насмешки.

Смело скажу — это все чепуха! Не потому, что я одна так считаю. А потому, что история знает десятки успешных художников-самоучек, чьи картины заняли достойное место в истории живописи!

Более того, некоторые из этих художников успели прославиться при жизни, а их творчество повлияло на всю мировую живопись. Причем есть среди них как художники прошлых веков, так и современные художники-самоучки.

Для примера расскажу вам только про некоторых из таких автодидактов.

1. Поль Гоген / Eugène Henri Paul Gauguin

Пожалуй, один из величайших художников-самоучек. Путь его в мир живописи начался с того, что он, работая брокером и зарабатывая хорошие деньги, начал приобретать картины художников-современников.

Это хобби увлекло его, он научился хорошо разбираться в живописи и в какой-то момент начал пробовать писать сам. Искусство увлекло его настолько, что он стал всё меньше времени уделять работе и все больше писать.

Картина «Шьющая женщина» написана Гогеном ещё в бытность его биржевым брокером

В какой-то момент Гоген принимает решение полностью посвятить себя творчеству, бросает семью и уезжает во Францию общаться с единомышленниками и работать. Здесь он начал писать действительно значимые полотна, но здесь же начались и его финансовые проблемы.

Общение с художественной элитой и работа совместно с другими художниками стали его единственной школой.

Наконец, Гоген решает полностью порвать с цивилизацией и слиться с природой, чтобы творить в райских, как он считал, условиях. Для этого он уплывает на острова Тихого Океана, сначала на Таити, затем на Маркизские острова.

Здесь он разочаровывается в простоте и дикости «тропического рая», постепенно сходит с ума и… пишет свои лучшие картины.

Картины Поля Гогена

Увы, но признание к Гогену пришло уже после его смерти. Через три года после его кончины, в 1906 году, в Париже была организована выставка его картин, которые были раскуплены полностью и позже вошли в самые дорогие коллекции мира. Его работа «Когда свадьба?» входит в рейтинг самых дорогих картин мира.

2. Джек Веттриано / Jack Vettriano (он же Джек Хогган)

История этого мастера — в некотором смысле противоположность предыдущей. Если Гоген умер в нищете, писав свои картины под гнетом непризнанности, то Хогган ещё при жизни успел заработать миллионы и превратиться в мецената только за счет своих картин.

При этом начал писать он в 21 год, когда подруга подарила ему набор акварельных красок. Новое дело так увлекло его, что он начал пробовать копировать работы известных мастеров в музеях. А затем начал писать картины на собственные сюжеты.

В итоге на первой его выставке все картины были раскуплены, а позднее его работа «Поющий дворецкий» стала сенсацией в мире искусства: её купили за $1,3 млн. Картины Хоггана покупают голливудские звезды и российские олигархи, хотя большинство художественных критиков считают их полной безвкусицей.

Картина Джека Веттриано

Большие доходы позволяют Джеку выплачивать стипендии для малообеспеченных одаренных студентов и заниматься благотворительностью. И все это — без академического образования — в 16 лет молодой Хогган начал работать шахтером, после чего нигде официально не учился.

3. Анри Руссо / Henri Julien Félix Rousseau

Один из самых известных представителей примитивизма в живописи, Руссо родился в семье сантехника, по окончании школы служил в армии, затем работал на таможне.

В это время он и начал писать, причем именно отсутствие образования позволило ему сформировать собственную технику, в которой богатство красок, яркие сюжеты и насыщенность полотна сочетаются с простотой и примитивностью самого изображения.

Картины Анри Руссо

Ещё при жизни художника его картины высоко оценили Пикассо, Гийом Апполинер и Гертруда Штейн.

4. Морис Утрилло / Maurice Utrillo

Ещё один француский художник-автодидакт, без художественного образования сумевший стать знаменитостью мирового масштаба. Его мать была натурщицей в художественных мастерских, она же подсказала ему основные принципы живописи.

Позже все его уроки заключались в наблюдении за тем, как пишут великие художники на Монмартре. Долгое время его картины не признавались серьезными критиками и он перебивался лишь случайными продажами своих работ простой публике.

Картина Мориса Утрилло

Но уже к 30 годам его работы стали замечать, в возрасте сорока лет он становится знаменитым, а в 42 получает Орден Почетного Легиона за вклад в искусство во Франции. После этого ещё 26 лет он творил и нисколько не беспокоился об отсутствии диплома о художественном образовании.

5. Морис де Вламинк / Maurice de Vlaminck

Французский художник-самоучка, все официальное образование которого закончилось в музыкальной школе — родители хотели видеть его виолончелистом. В подростковом возрасте начал писать картины, в 17 лет занимался самообразованием вместе с другом Анри Ригалоном, а в 30 продал свои первые картины.

Картина Мориса де Вламинка

До этого времени он умудрялся кормить себя и свою жену уроками игры на виолончели и выступлениями с музыкальными коллективами в различных ресторанах. С приходом славы полностью отдался живописи, а его картины, в стиле фовизм, в будущем серьезно повлияли на творчество импрессионистов XX века.

6. Аймо Катаяйнен /Aimo Katajainen

Финский современный художник, работы которого относят к жанру «наивного искусства». В картинах присутствует много синего цвета- ультрамарина, что в свою очередь очень успокаивает… Сюжеты картин спокойные и умиротворящие.

Картины Аймо Катаяйнен

Прежде чем стать художником, изучал финансовое дело, работал в клинике для реабилитации алкоголиков, но все это время писал в качестве хобби, пока его картины не начали продаваться и приносить хороший доход, достаточный для жизни.

7. Иван Генералич / Ivan Generalić

Хорватский художник-примитивист, сделавший имя картинами с сельским бытом. Стал знаменитым случайно, когда его картины заметил один из студентов Загребской академии и предложил ему провести выставку.

Картина Ивана Генералича

После того, как его персональные выставки прошли в Софии, Париже, Баден-Бадене, Сан-Пауло и Брюсселе, он стал одним из самых известных хорватских представителей примитивизма.

8. Анна Мозес / Anna Mary Robertson

Moses (она же Бабушка Мозес)

Известная американская художница, начавшая писать в 67 лет после смерти мужа, уже страдая артритом. Никакого художественного образования не имела, но её картину случайно заметил нью-йоркский коллекционер в окне дома.

Картина Анны Мозес

Он и предложил провести выставку её работ. Картины Бабушки Мозес быстро стали настолько популярными, что её выставки были проведены во многих европейских странах, а затем в Японии. В возрасте 89 лет Бабушка получила премию от президента США Гарри Трумена. Примечательно, что прожила художница 101 год!

9. Екатерина Медведева

Самый известный в России представитель современного наивного искусства, Екатерина Медведева не получила художественного образования, а писать начала, когда работала на полставки на почте. Сегодня она вошла в рейтинг 10000 лучших художников мира с 18 века.

Картина Екатерины Медведевой

10. Кирон Уильямс / Kieron Williamson

Английский вундеркинд-автодидакт, который начал писать в стиле импрессионизм в 5 лет, а в 8 впервые выставил свои картины на аукцион. В 13 лет он за полчаса продал на аукционе 33 свои картины за $235 тыс, а сегодня (ему уже 18) он — долларовый миллионер.

Картины Кирона Уильямса

Кирон пишет по 6 картин в неделю, а за его работами постоянно выстроена очередь. На образование у него просто не остаётся времени.

11. Пол Ледент / Pol Ledent

Бельгийский художник самоучка и творческая личность. Увлекся изобразительным искусством ближе к 40 годам. Судя по картинам, много экспериментирует. Изучал живопись самостоятельно …и сразу применял знания на практике.

Хоть Пол и брал несколько уроков по живописи, большую часть своего увлечения изучал сам. Учавствовал в выставках, пишет картины на заказ.

Картины Пола Ледента

По моим наблюдениям, пишут интересно и свободно именно творчески думающие люди, у которых незабита голова академическими художественными знаниями. И кстати, добиваются определенного успеха в арт нише не меньше художников-профессионалов . Просто такие люди не боятся смотреть на обычные вещи чуть-чуть шире.

12. Хорхе Масьел /

JORGE MACIEL

Бразильский автодидакт, современный талантливый художник- самоучка. У него получаются чудесные цветы и красочные натюрморты.

Картины Хорхе Масьел

Этот список художников самоучек можно продолжать очень долго. Можно сказать, что Ван Гог, один из влиятельнейших художников мира, не получил официального образования, учился эпизодически у разных мастеров и так и не научился писать человеческую фигуру (что, кстати, и сформировало его стиль).

Можно вспомнить Филиппа Малявина, Нико Пиросмани, Билла Трейлора и множество других имен: многие известные художники были самоучками, то есть, учились Самостоятельно!

Все они — подтверждение того факта, что для успеха в живописи специальное художественное образование иметь необязательно.

Да, с ним легче, но можно стать хорошим художником и без него. Ведь самообразование никто не отменял… Равно как и без таланта — об этом мы уже говорили в отдельной статье... Главное, иметь жгучее желание учиться самостоятельно и открывать все яркие грани живописи в практике.

Как видите, рисовать художники самоучки начали в разном возрасте, и часто, когда возраст переваливает за 40… и живут они во всех странах мира без огранечения!

Если вы все еще не рисуете, но проявляете к этому интерес, то загляните в раздел Мастер Классы, где сможете подобрать для себя подходящий видео урок.

Будьте решительнее и окунитесь в чудесный мир творчества и искусства!

Видео для размышления: Что произойдет с вами, если вы начнете рисовать красками: 8 вещей, которые изменят вашу жизнь

Друзья, чтобы статья не затерялась среди множества других статей в паутине интернета, сохраните ее в закладках. Так вы сможете вернуться к прочтению в любой момент.

Задавайте ваши вопросы внизу в комментариях, обычно, я отвечаю быстро на все вопросы

Двенадцать самых успешных художников-самоучек — Государственный музей изобразительных искусств Республики Ингушетия

Без сомнения, среди читающих эти строки немало людей, которые хотели писать картины для себя или всерьез заняться живописью. Но каждого останавливал страх неудачи, уверенность, что для этого нужно долго учиться, зависимость от мнения окружающих. Однако, многие из тех, кто вопреки всем этим страхам решил заняться живописью, добились успеха.

Свидетельством тому небольшое исследование Виктории Латки о 12-ти наиболее успешных художниках-самоучках.

Они почему-то полагают, что художник — это профессия, которая непременно должна быть подтверждена дипломом и оценками. И пока диплома нет, художником стать нельзя, хорошие картины писать нельзя, а даже если и написать работу «для себя», то уж о продаже её или выставлении на суд публики запрещено даже и думать.

Смело скажу — это все чепуха! Не потому, что я одна так считаю. А потому, что история знает десятки успешных художников-самоучек, чьи картины заняли достойное место в истории живописи!

Для примера расскажу вам только про некоторых из таких автодидактов.

1. Поль Гоген / Eugène Henri Paul Gauguin

В какой-то момент Гоген принимает решение полностью посвятить себя творчеству, бросает семью и уезжает во Францию общаться с единомышленниками и работать. Здесь он начал писать действительно значимые полотна, но здесь же начались и его финансовые проблемы.

Общение с художественной элитой и работа совместно с другими художниками стали его единственной школой.

2. Джек Веттриано / Jack Vettriano (он же Джек Хогган)

История этого мастера — в некотором смысле противоположность предыдущей. Если Гоген умер в нищете, писав свои картины под гнетом непризнанности, то Хогган ещё при жизни успел заработать миллионы и превратиться в мецената только за счет своих картин.

При этом начал писать он в 21 год, когда подруга подарила ему набор акварельных красок. Новое дело так увлекло его, что он начал пробовать копировать работы известных мастеров в музеях. А затем начал писать картины на собственные сюжеты. В итоге на первой его выставке все картины были раскуплены, а позднее его работа «Поющий дворецкий» стала сенсацией в мире искусства: её купили за $1,3 млн. Картины Хоггана покупают голливудские звезды и российские олигархи, хотя большинство художественных критиков считают их полной безвкусицей.

Большие доходы позволяют Джеку выплачивать стипендии для малообеспеченных одаренных студентов и заниматься благотворительностью. И все это — без академического образования — в 16 лет молодой Хогган начал работать шахтером, после чего нигде официально не учился.

3. Анри Руссо / Henri Julien Félix Rousseau

Один из самых известных представителей примитивизма в живописи, Руссо родился в семье сантехника, по окончании школы служил в армии, затем работал на таможне. В это время он и начал писать, причем именно отсутствие образования позволило ему сформировать собственную технику, в которой богатство красок, яркие сюжеты и насыщенность полотна сочетаются с простотой и примитивностью самого изображения.

Ещё при жизни художника его картины высоко оценили Пикассо, Гийом Апполинер и Гертруда Штейн.

4. Морис Утрилло / Maurice Utrillo

Ещё один француский художник-автодидакт, без художественного образования сумевший стать знаменитостью мирового масштаба. Его мать была натурщицей в художественных мастерских, она же подсказала ему основные принципы живописи. Позже все его уроки заключались в наблюдении за тем, как пишут великие художники на Монмартре. Долгое время его картины не признавались серьезными критиками и он перебивался лишь случайными продажами своих работ простой публике.

Но уже к 30 годам его работы стали замечать, в возрасте сорока лет он становится знаменитым, а в 42 получает Орден Почетного Легиона за вклад в искусство во Франции. После этого ещё 26 лет он творил и нисколько не беспокоился об отсутствии диплома о художественном образовании.

5. Морис де Вламинк / Maurice de Vlaminck

Французский художник-самоучка, все официальное образование которого закончилось в музыкальной школе — родители хотели видеть его виолончелистом. В подростковом возрасте начал писать картины, в 17 лет занимался самообразованием вместе с другом Анри Ригалоном, а в 30 продал свои первые картины.

До этого времени он умудрялся кормить себя и свою жену уроками игры на виолончели и выступлениями с музыкальными коллективами в различных ресторанах. С приходом славы полностью отдался живописи, а его картины, в стиле фовизм, в будущем серьезно повлияли на творчество импрессионистов XX века.

6. Аймо Катаяйнен /Aimo Katajainen

7. Иван Генералич / Ivan Generalić

8. Анна Мозес / Anna Mary Robertson Moses (она же

Бабушка Мозес)

Известная американская художница, начавшая писать в 67 лет после смерти мужа, уже страдая артритом. Никакого художественного образования не имела, но её картину случайно заметил нью-йоркский коллекционер в окне дома.

Примечательно, что прожила художница 101 год!

9. Екатерина Медведева

Самый известный в России представитель современного наивного искусства, Екатерина Медведева не получила художественного образования, а писать начала, когда работала на полставки на почте. Сегодня она вошла в рейтинг 10000 лучших художников мира с 18 века.

10. Кирон Уильямс / Kieron Williamson

Английский вундеркинд-автодидакт, который начал писать в стиле импрессионизм в 5 лет, а в 8 впервые выставил свои картины на аукцион. В 13 лет он за полчаса продал на аукционе 33 свои картины за $235 тыс, а сегодня (ему уже 18) он — долларовый миллионер.

11. Пол Ледент / Pol Ledent

Бельгийский художник самоучка и творческая личность. Увлекся изобразительным искусством ближе к 40 годам. Судя по картинам, много экспериментирует. Изучал живопись самостоятельно …и сразу применял знания на практике. Хоть Пол и брал несколько уроков по живописи, большую часть своего увлечения изучал сам. Участвовал в выставках, пишет картины на заказ.

По моим наблюдениям, пишут интересно и свободно именно творчески думающие люди, у которых не забита голова академическими художественными знаниями. И кстати, добиваются определенного успеха в арт нише не меньше художников-профессионалов. Просто такие люди не боятся смотреть на обычные вещи чуть-чуть шире.

12. Хорхе Масьел / JORGE MACIEL

Этот список художников самоучек можно продолжать очень долго. Можно сказать, что Ван Гог, один из влиятельнейших художников мира, не получил официального образования, учился эпизодически у разных мастеров и так и не научился писать человеческую фигуру (что, кстати, и сформировало его стиль). Можно вспомнить Филиппа Малявина, Нико Пиросмани, Билла Трейлора и множество других имен: многие известные художники были самоучками, то есть, учились Самостоятельно!

Да, с ним легче, но можно стать хорошим художником и без него. Ведь самообразование никто не отменял… Равно как и без таланта — об этом мы уже говорили в отдельной статье…

Главное, иметь жгучее желание учиться самостоятельно и открывать все яркие грани живописи в практике.

Как видите, рисовать художники самоучки начали в разном возрасте, и часто, когда возраст переваливает за 40… и живут они во всех странах мира без ограничения!

Пресс-служба Государственного музея изобразительных искусств Республики Ингушетия

Кирон Уильямсон, Винсент ван Гог, Поль Гоген, Анри Руссо, Анна Мозес

Кирон Уильямсон
Винсент ван Гог
Поль Гоген
Анри Руссо
Анна Мозес

Updated: 18.03.2020

Кирон Уильямсон

Юный гений Кирон Уильямсон (Kieron Williamson) покорил художественный небосклон еще в 8-летнем возрасте, когда он стал объектом внимания СМИ благодаря своим картинам. В 10 лет его называли «маленьким Моне», такими выразительными и глубокими получались пейзажи и акварели в характерной импрессионистской технике. С 17 лет Кирон считается признанным мастером, а его полотна стоят немалых денег. Кирону неоднократно устраивали персональные выставки, и работы всегда пользовались спросом. К примеру, на вернисаже 2010 г. 33 картины продали за 155 т. фунтов всего за полчаса.

Винсент ван Гог

Список талантливых самоучек был бы не полным без Винсента ван Гога (Vincent Willem van Gogh). Гениальный живописец не получил классического образования. Всю жизнь он учился урывками — сначала были уроки живописи в Королевской академии изящных искусств в Брюсселе, потом индивидуальные занятия с родственником А. Мауве (популярным в то время художником). Посещал ван Гог классы в Антверпенской Академии художеств и частной школе Фернана Кармоди в Париже, но дипломов и званий не был удостоен. Винсент постигал живопись самостоятельно, изучая различные направления, отовсюду черпая вдохновение и формируя уникальный, узнаваемый стиль. Он умел трудиться: исключительно жаль, что его феноменальная работоспособность и одаренность нашли почитателей только после преждевременной смерти в 1890 году.

Поль Гоген

«Собрат» Винсента по самообразованию — Поль Гоген (Eugène Henri Paul Gauguin), с которым у Ван Гога, к слову, были весьма непростые взаимоотношения. Винсент продавал картины и читал проповеди до того, как нашел свое истинное призвание, а Гоген был успешным брокером, хорошо зарабатывал и живописью увлекался вначале исключительно как коллекционер. Однако постепенно страсть к искусству захватила его полностью — он бросил семью (жену, 5 детей), уехал в Париж, чтобы учиться более серьезно. Вечная тяга к путешествиям и приключениям заставила Гогена искать сюжеты за океаном — на Мартинике, в Панаме и, наконец, Океании, где его дар достиг апогея. Лучшие творения Гогена написаны именно в Океании, под влиянием местной культуры и природы.

Анри Руссо

Один из самых известных представителей примитивизма Анри Руссо (Henri Julien Félix Rousseau) своим фирменным стилем как раз и обязан отсутствию образования: после окончания школы сын сантехника служил в армии и работал на таможне.

В свободное время он наведывался в Лувр, где делал копии шедевров известных мастеров. Руссо как самоучка создал свою оригинальную технику — довольно примитивные сюжеты он изображал очень ярко и экспрессивно. Общественность узнала его шедевры в 1886 г. на «Выставке независимых» — собрании мастеров, которым «официальная» живопись в лице парижской Академии изящных искусств никакой поддержки не оказывала. А признание у самых именитых мастеров: Поля Гогена, Камиля Писсарро (Camille Pissarro), Пабло Пикассо,— Анри Руссо получил, когда ему уже было более 40 лет.

Анна Мозес

Анна Мозес (Anna Mary Moses) «явила себя миру» на склоне лет (ее полотно совершенно случайно увидел в окне аптеки коллекционер из Нью-Йорка) — после смерти мужа она нашла в живописи утешение, несмотря на пораженные артритом руки. Художница-любительница стала одной из самых популярных представительниц американского примитивизма — ее персональные выставки проходили в 1940 гг.

не только в Штатах, но и в Европе и Японии, а в честь Анны Мозес даже назвали кратер на Венере. Если ее первые картины продавались по 5 долларов, то впоследствии они уходили за 8 000 $. За 30 лет художественной деятельности Бабушка Мозес (так ее ласково называли поклонники) написала более 1500 творений, прожив почти 100 лет. Больше всего Анна любила изображать пасторальные и бытовые сценки, писать сельские пейзажи, особенно зимние — простые, незамысловатые, но радующие глаз теплом и уютом.

Добавить фото

Вы можете отправить одновременно до 4 фотографий

Больше новостей

Фриц Климш — немецкий скульптор, который посвятил свою жизнь искусству и абсолютно не интересовался политикой

Эллинизм в искусстве — эпоха широкого распространения по миру греческих культурных традиций

Грант Вуд — истинный американский патриот и основоположник риджионализма

Картина «Опять двойка» Федора Павловича Решетникова — сюжет, знакомый каждому школьнику

Персональная выставка маленького гения: 11-летний вьетнамец презентует картины за 150 тысяч долларов

Диагноз Леонардо: гиперактивность, невнимательность и талант

Неизвестные факты об известных художниках прошлого

Русский классицизм — дитя Просвещения, отец ампира, друг романтизма

Микроскульптуры Уилларда Уигана: ученые в шоке, королева в восторге

Инкрустация — завораживающее искусство уникальных орнаментов

Йоко Оно, Джек Веттриано, Фрида Кало, Морис Утрилло, Екатерина Медведева

Джек Веттриано
Йоко Оно
Фрида Кало
Морис Утрилло
Екатерина Медведева

Updated: 19. 03.2020

Классическое художественное образование — прекрасная база и «стартовый капитал» живописца. Однако мировая культура знает немало мастеров, ставших популярными без какого-либо образования. Его отсутствие не помешало им добиться успеха, ведь если талант идет рука об руку с усидчивостью и упорством, из такого тандема обязательно получится нечто достойное. Вспомним на этом месте юную Акиане Крамарик. Мало того, даже эксперт в области живописи не всегда способен определить, есть ли у автора картины специальное образование (это касается как старых, так и современных мастеров).

Джек Веттриано

Известный английский художник-самоучка Джек Веттриано (Jack Vettriano, род. 17 ноября 1951 года в Метиле, Шотландия) — настоящий пример self-made мастера. Никакого художественного образования у Веттриано и в помине не было — сразу после школы, в 16 лет пошел в ученики к горному инженеру. Поскольку он с юности любил рисовать, начал посещал местные музеи, где и копировал картины известных мастеров.

Переломным моментом стал, казалось бы, банальный подарок — на 21 год подруга подарила ему набор акварельных красок. После этого Джек увлекся рисованием очень серьезно, постоянно совершенствовал стиль. Однако представить свои картины на суд широкой публике он рискнул уже в зрелом возрасте — в 37 лет (в 1988 г.) выставил несколько полотен в Шотландской королевской академии. Их фактически сразу выкупили, после чего Джек получил массу заказов.

Спустя 4 года Веттриано (это псевдоним, измененная фамилия матери) удостоился персональной выставки, после чего неоднократно выставлял свои полотна в Нью-Йорке, Эдинбурге, Лондоне, Гонконге. Его картины стоят сотни тысяч фунтов, а «Поющий дворецкий» ушел почти за миллион долларов, хотя многие критики неоднозначно относятся к его творчеству, полагая вульгарным, не представляющим художественной ценности.

Йоко Оно

Йоко Оно (Yoko Ono, род. 18 февраля 1933, Токио, Япония) нельзя назвать художницей в прямом смысле этого слова, однако она, несомненно, оставила яркий след в искусстве. Ее считают пионером концептуального искусства и одной из «прародительниц» перформанса.

Йоко родилась в образованной семье, увлекавшейся искусством и музыкой. Ее отец был профессиональным пианистом и с детства привил ей любовь к творчеству. Собственно, в Лондон Йоко приехала лишь для того, чтобы продвинуться в художественных начинаниях. Она организовывала спектакли и перформансы, а на одной из своих выставок встретила легендарного Джона Леннона, которого ее необычное творчество поразило и удивило.

Фрида Кало

Жизнь Фриды Кало (Frida Kahlo de Rivera) — знаменитой мексиканской художницы, — сплошная борьба, начиная от перенесенного в детстве полиомиелита и заканчивая страшной аварией, из-за которой она вынуждена была лежать месяцами в постели. Страдания закалили характер Фриды, а рисование стало способом забыть о боли и страданиях. Лежа в постели, покрытая шрамами и ранами, Фрида рисовала автопортреты, попросив у отца кисти, краски, мольберт и зеркало, которое прикрепили под балдахином.

Именно автопортретами больше всего и известна Фрида Кало, объединившая в своих картинах католические образы, личные переживания и мексиканские культурные традиции. Неординарное творчество Кало произвело фурор на выставке в Париже, где представляли мексиканское искусство.

С 40 годов XIX века картины Кало выставляются на крупных экспозициях. Ее личная выставка прошла в 1953 г. — к тому времени Фрида оказалась совсем прикована к постели, так что на открытие ее принесли на кровати. Умерла знаковая мексиканская художница год спустя, а на прощание с ней собрался весь цвет мексиканской элиты, включая президента страны.

Морис Утрилло

Известный французский пейзажист Морис Утрилло (фр. Maurice Utrillo; 25 декабря 1883, Париж — 5 ноября 1955, Дакс) вырос в артистической среде. Его мать, Сюзанн Валадон была натурщицей (позировала Ренуару и Моризо), а потом стала первой женщиной, принятой во французский Союз художников. В 8 лет Мориса усыновил Микуэль Утрилло — весьма известный писатель и критик из Испании. Так что вся обстановка и окружение предполагали развитие у Мориса художественного таланта.

Систематического образования он не получил, первые знания по искусству дала мать. Поскольку они жили на Монмартре, то у Утрилло была шикарная возможность наблюдать, как работали многочисленные художники. Больше всего Морису нравилось писать городские пейзажи. Несмотря на то что критики долго не признавали его способности, простой публике творения в стиле постимпрессионизма и примитивизма сразу пришлись по душе. Слава пришла к Утрилло уже в 1910-1920 гг., когда, наконец, и критики оценили душевные, проникновенные картины Мориса. А в 1929 г. его заслуги получили высокую оценку на правительственном уровне — Морис удостоился ордена Почетного Легиона.

Екатерина Медведева

Российская художница Екатерина Медведева, работающая в стиле примитивизма и наивного искусства, трудилась некогда на почте и ни о каком художественном образовании даже и думать не могла. Сейчас ее называют самым известным отечественным представителем примитивного искусства, она даже вошла в ТОП-10 000 художников за 4 столетия.

Картины Медведевой хвалил даже Шагал, когда ему их показал в 1982 г. журналист Норберт Кухинке. В 1981 г. выставку ее картин устроил Российский дом народного творчества, а в качестве приза Екатерина получила путевку в пансионат в Старой Ладоге, где она написала порядка 200 картин. Екатерина Медведева до сих пор живет и творит в Москве.

Добавить фото

Вы можете отправить одновременно до 4 фотографий

Больше новостей

Бартоломео Франческо Растрелли — гениальный итальянский зодчий, ставший величайшим мастером русского архитектурного искусства всех времен

Картина «Рыбаки в море» Уильяма Тёрнера — живописная поэма о столкновении человека и стихии

Картина «Демон поверженный» Михаила Александровича Врубеля — проклятье мастера

Пушкинский музей запустил онлайн курсы для любителей искусства

Картина «Портрет Екатерины II» Федора Рокотова — истинное величие мудрой владычицы

Антон Рафаэль Менгс — гениальный художник, неутомимый путешественник и многодетный отец

Картина «Портрет И. К. Айвазовского» Ивана Николаевича Крамского — образ мятежного духа мариниста

Картина «Охота на львов» Питера Пауля Рубенса — особая динамика упорядоченного хаоса

Макс Бекман, выставка «Фигуры в изгнании». Мадридский музей Тиссена-Борменисы

Пышечка Хильда: неунывающая королева пин-ап

Известные художники-самоучки

06 мая 2019

Знали ли вы, что многие именитые художники не имели полноценного художественного образования? Казалось бы, что могло объединить под одной крышей таких разных художников, как Поль Сезанн, Фрэнсис Бэкон, Фрида Кало, Анри Руссо, Марк Утрилло, Морис де Вламинк, Анри де Тулуз-Лотрек, Нико Пиросмани, Винсент Ван Гог? Одна эпоха, территория или, может, стиль живописи? Вовсе нет. В свое время совершенно по различным причинам им не удалось выучиться основам рисунка: кого-то не взяли, у кого-то не было средств, кто-то просто не хотел иметь профессионального образования.

Жан—Мишель Баскиа (1960-1988)

Жан-Мишель Баскиа. «Загадай мне загадку, Бэтмен». Акрил, масло, холст. 297х290 см. Частное собрание. 1987

Жан-Мишель Баскиа – художник, чей успех сопровождался наркотической зависимостью. Мечтавший быть услышанным, в своем творчестве он затрагивал актуальные проблемы современности: он получил международное признание как автор мощных и выразительных произведений, сталкивающих зрителя лоб в лоб с проблемами расизма, политического и социального неравенства. Уникальный во всех смыслах, Жан Мишель Баскиа рисовал на каждой поверхности, которая была перед ним. Он обладал нереальной производительностью – за три недели мог выдать 20 работ.

Сын таитянина и пуэрториканки, он дал искусству новую жизнь и стал первым чернокожим западным художником, показавшим современное искусство всему миру. «Он всегда был таким ярким, абсолютно невероятным умом. ..он рисовал и рисовал всю свою жизнь с трех или четырех лет», — сказал Жерар, отец художника, куратору Франклину Сирмансу в интервью при подготовке каталога 1992 года, который сопровождал первую крупную ретроспективу Жан-Мишеля в Музее Уитни.

В раннем возрасте Баския проявляет склонность к рисованию, часто используя бумагу, которую его отец приносит домой из бухгалтерской фирмы, где он работал, чтобы сделать рисунки, вдохновленные телевизионными мультфильмами. Его мать очень интересуется дизайном одежды и эскизами, и она часто рисует с Баскией.

Вместе с матерью будущий художник часто посещает Бруклинский музей, Музей Современного Искусства и Метрополитен-музей. На протяжении всего детства его мать продолжает поощрять интерес сына к искусству и подчеркивает важность образования. Впоследствии художник скажет: «Я бы сказал, что мама дала мне все самое необходимое. Искусство пришло от нее».

В сентябре 1968 года, в возрасте семи лет, Баския был сбит автомобилем во время игры на улице. Его рука была сломана, и он получил несколько внутренних травм. Пока он оправлялся от ран, мать принесла ему анатомическую книгу Грея, чтобы занять его. Эта книга окажет влияние на его будущее художественное мировоззрение.

После окончания частной школы Святой Анны в 1971 году Баския перешел по меньшей мере из пяти различных государственных школ. В конце концов, в 1976 году, в возрасте 15 лет, он попал в город-школу, приют для одаренных Нью-Йоркских детей, которые плохо реагировали на традиционное обучение.

Баския впервые достиг славы в составе SAMO, неофициального граффити-дуэта, который писал загадочные эпиграммы в культурном очаге Нижнего Ист-Сайда Манхэттена в конце 1970-х годов, где слились хип-хоп, панк и уличное искусство. К 1980-м годам его неоэкспрессионистские картины выставлялись в галереях и музеях по всему миру. Музей американского искусства Уитни провел ретроспективу своего искусства в 1992 году.

Его успешный творческий путь, сопровождаемый отсутствием формального образования, изменил представление о самой фигуре художника. Вскоре после его смерти в конце 1980-х «Нью-Йорк Таймс» отметила, что Баския был «самым известным из небольшого числа молодых чернокожих художников, достигших национального признания». В своем творчестве Баскиа объединил историю искусства, уличную культуру и личный опыт в одном полотне.

Анри Руссо (1844-1910)

Анри Руссо. «Сон». Холст, масло. 204х298 см. Музей современного искусства, Нью-Йорк. 1910

Родившийся в 1844 году во французском городе Лаваль, Руссо вел в основном ничем не примечательную жизнь. Более двух десятилетий он работал в Парижской таможенной службе, заработав себе полунасмешливое прозвище «Ле дуанье» (Таможенник). Почему он решил заняться живописью в возрасте около 40 остается неясным – возможно, ему просто хотелось скоротать скучные дни, которые он проводил на работе. К 49 годам Анри Руссо принимает решение уйти на пенсию, чтобы писать картины. В 1884 году он получил лицензию на изготовление копий картин в Лувре.

Семь лет его активной военной службы во Франции прошли без происшествий, но Руссо часто приукрашивал рассказы о своих военных подвигах. Одно из его сфабрикованных приключений состояло в том, что он помог остановить восстание против императора Максимилиана в Мексике, где он якобы был подвержен жизни в джунглях, которая служила впоследствии вдохновением при создании картин.

Руссо утверждал, что у него «нет другого учителя, кроме природы», хотя он признавал, что получил «некоторые советы» от двух известных академических художников, Феликса Огюста-Клемента и Жан-Леона Жерома. По существу, он был самоучкой и считается наивным или примитивным художником.

Авангард XX века признал ценность Руссо. К концу своей жизни художник выставлялся вместе с Ван Гогом и Полем Гогеном, Анри Матиссом и Андре Дереном, его работы были собраны Пабло Пикассо, который позже завещал несколько картин Руссо в Лувр.

Его самые известные картины изображают сцены джунглей. Анри Руссо вдохновляли иллюстрированные книги и ботанические сады в Париже, а также картины таксидермированных диких животных. Он также встречался с солдатами, которые пережили французскую экспедицию в Мексику и слушали их рассказы о субтропической стране, с которой они столкнулись. Критику Арсену Александру он рассказал о своих частых посещениях Ботанического сада: «Когда я захожу в стеклянные дома и вижу странные растения экзотических стран, мне кажется, что я погружаюсь в сон». Он также сильно полагался на щедрый альбом из 200 иллюстраций диких животных, опубликованных универмагом Galeries Lafayette.

Плоский, казалось бы, детский стиль Руссо вызывал много критики: люди часто были шокированы его работой, высмеивали ее. Его простодушие было крайним, и он не знал, что художники истеблишмента считают его необразованным. Он всегда тщетно стремился к общепринятому признанию. С 1886 года Анри Руссо регулярно выставлялся в Салоне независимых, и хотя его работы не занимали видного места, с годами они привлекали все большее внимание.

По сути самоучка, Руссо разработал стиль, который свидетельствовал о его недостаточной академической подготовке, с ее отсутствием правильных пропорций, одноточечной перспективы и использования острых, часто неестественных цветов. Такие особенности привели к работе, проникнутой чувством тайны и эксцентричности.

В 1906 году Руссо познакомился с Вильгельмом Ухде, немецким коллекционером и критиком, который сыграл важную роль в продвижении его работ в последние годы его жизни. Ухде организовал первую, хотя и неудачную, персональную выставку Руссо в 1908 году. В том же году Пабло Пикассо приобрел «Портрет женщины Руссо» (1895), который он нашел в магазине подержанных вещей. Чтобы отпраздновать свое приобретение, Пикассо устроил теперь уже легендарную вечеринку, вдохновившую многих гостей, включая Гертруду Стайн, на красочные письменные отчеты. Как почетный гость, Руссо сидел на троне, сымпровизированном из кресла, который был поставлен на ящик, и даже играл вальс, который он написал и назвал в честь своей первой жены.

Друзья и коллеги Руссо сыграли важную роль в продвижении его наследия сразу после его смерти. Художник Макс Вебер представил работу Руссо американской аудитории с Нью-Йоркской выставкой в 1910 году, а затем, в следующем году, состоялась мемориальная выставка, организованная Робером Делоне в Салоне Независимых.

Как и большинство художников, вскоре после его смерти, Анри Руссо стал чрезвычайно известным в мире искусства, его картины были востребованы коллекционерами, музеями и почитатели его творчества в целом. Большая часть работ, которые он создал, не продавалась во время его карьеры, но был большой спрос, который произошел вскоре после его смерти. Это не только вызвало рост цен на уже проданные произведения, но и создало больше шума вокруг его имени и наследия. Анри Руссо взялся за искусство как за страсть и как за хобби, и все же ему удалось подняться на вершину, и сегодня он известен как один из величайших наивных художников.

Винсент Ван Гог (1853-1890)

Винсент Ван Гог. «Звездная ночь». Холст, масло. 73х92 см. Музей современного искусства, Нью-Йорк. 1889

Судьба отмерила художнику короткий век – всего 37 лет. Путь от самоучки до мастера он прошел за десятилетие, в течение которого он написал более 1600 полотен. Винсент Виллем Ван Гог родился 30 марта 1853 года в деревушке Грот-Зюндерт в голландской провинции Брабант. Он был сыном протестантского священника Теодора Ван Гога. Позже его мать родила Тео, младшего брата и трех младших сестер. О раннем образовании Ван Гога известно немного, но мать всегда поощряла его желание рисовать.

Дядя Ван Гога был партнером в фирме «Гупиль и компания, арт-дилеры». Винсент поступил в фирму в возрасте шестнадцати лет и оставался там в течение шести лет. Он служил фирме сначала в Гааге, политическом центре Нидерландов, а затем в Лондоне. Позже в течение нескольких месяцев он работал в филиале фирмы в Париже. Будущий художник посещал выставки в Салоне и Лувре, сам начал пробовать силы в живописи, но разочаровался в этом занятии, заявив, что «у искусства нет худших врагов, чем торговцы картинами». В 19 лет Винсент влюбился в дочь квартирной хозяйки. Девушка отвергла рыжего поклонника. Он бросил престижную работу в художественном салоне и ударился в религию. Карьеру успешного парижского галериста сделает Тео, брат Винсента.

Из-за безалаберного отношения Ван Гога к работе, дяде пришлось уволить его в 1876 году. В тот год он вернулся в Англию, работал в маленькой школе в Рамсгейте и проповедовал. В начале 1877 года он работал клерком в книжном магазине в Дордрехте. Затем, убежденный, что служение должно быть его призванием, он поступил в религиозную семинарию в Брюсселе. Через три месяца он уехал, чтобы стать проповедником в бедном горнодобывающем районе Бельгии, Боринаже. Ван Гог демонстрировал необходимую преданность делу, даже раздавал свою одежду, но его странное поведение держало шахтеров на расстоянии. В июле 1879 года его снова уволили с работы. Этот период был темным для Ван Гога. Он хотел отдаться другим, но его постоянно отвергали.

В 1880 году, после долгих поисков души, Ван Гог решил посвятить свою жизнь искусству, профессии, которую он рассматривал как духовное призвание. В октябре 1880 года он посещал художественную школу в Брюсселе, где изучал основы перспективы и анатомии. С апреля по декабрь 1881 года он жил у своих родителей в Эттене, и продолжал работать над своим искусством. В это время он также учился в академической художественной школе в Гааге, где преподавал его родственник Антон Мауве.

.Винсент много работал, изучал жизнь города, особенно бедных кварталов. Добиваясь интересного и удивительного цвета в своих работах, он иногда прибегал к смешению на одном холсте различных техник письма — мела, пера, сепии, акварели. Большое влияние на художника оказало пособие Шарля Барга «Курс обучения рисунку». Он копировал все литографии пособия в 1880/1881 годах, а затем вновь в 1890 году, но уже только часть.

Спасаясь от депрессии, вызванной событиями в Патюраже, Ван Гог снова обратился к живописи, всерьёз задумался об учёбе и в 1880 году при поддержке брата Тео уехал в Брюссель, где начал посещать занятия в Королевской Академии изящных искусств. Однако через год Винсент бросил учёбу и вернулся к родителям. В этот период жизни он считал, что художнику вовсе не обязательно иметь талант, главное — много и усердно трудиться, поэтому он продолжил занятия самостоятельно.

Осенью 1885 года Ван Гог неожиданно покинул Дренте, потому как на него ополчился местный пастор, запретивший крестьянам позировать художнику и обвинивший его в аморальности. Винсент уехал в Антверпен, где снова начал посещать занятия живописью — на сей раз в живописном классе при Академии художеств. Вечерами же художник посещал частную школу, где рисовал обнажённых моделей. Однако уже в феврале 1886 Ван Гог уехал из Антверпена в Париж к брату Тео. Таким образом, Ван Гог не имел официального законченного художественного образования.

Фрида Кало (1907-1954)

Фрида Кало. «Две Фриды». Холст, масло. 173х173 см. Музей современного искусства, Мехико. 1939

Кало с раннего возраста увлекалась искусством, получая уроки рисования от друга своего отца-фотографа, печатника Фернандо Фернандеса. В 1925 году, она начала работать вне школы, чтобы помочь своей семье материально. После непродолжительного периода работы в качестве стенографистки, Фернандо дал ей оплачиваемую должность своего ученика-гравера. Он был впечатлен ее талантом, хотя в то время она не рассматривала искусство как карьеру.

В пятнадцатилетнем возрасте девушка поступила в государственную начальную школу – Препараторию, без сомнения, лучшее место для образования в Мехико. Фрида оказалась в числе 35 девочек среди 2000 учащихся. Фрида выбрала курс, который через 5 лет должен был привести ее в медицинскую школу.

Интересно, что в школе у нее проявились некоторые способности, но нет никаких свидетельств, что в годы учебы она проявляла интерес к искусству. В начальной школе она прошла обязательные курсы рисования и лепки (педагогом был Фиденсио Л.Наба, который учился в Париже и получил приз «Приз де Рома»). Вдобавок к этому ее привлекала идея зарабатывать на жизнь иллюстрациями в медицинских книгах, глядя на стеклянные слайды, а также на биологические образцы под микроскопом, она делала с них рисунки.

По сути, художница никогда не задумывалась о живописи, вплоть до аварии, случившейся в 1926 году. Приходя в себя после страшной автобусной аварии, Кало начала рисовать автопортреты на мольберте, который был закреплен над ее кроватью. Живопись стала для Кало способом исследовать вопросы самоидентичности. В ее ранних работах видно влияние европейских мастеров, в частности, мастеров Возрождения, таких как Сандро Боттичелли и Бронзино, а также влияние авангардных течений, таких как сюрреализм.

«Поскольку я была молода, — говорила она, — это несчастье в то время не носило характера трагедии; я чувствовала, что у меня достаточно энергии для другого, вместо того чтобы полностью погрузиться в лечение. И, не придавая этому большого значения, я начала заниматься живописью».

Искусствовед Фомирякова Анна

8 Известные художники-самоучки

Искусство

Джон Манн

25 мая 2018 г. , 16:44

Люди занимаются искусством с незапамятных времен, часто с небольшим образованием в материалах, методах или теории, однако понятие «художник-самоучка» — относительно новое явление. В конце концов, чтобы создавать искусство вне традиционных каналов, вам сначала нужно создать эти традиционные каналы, под которыми мы обычно подразумеваем установленные школы и академии, которые систематизируют художественное образование в виде определенных стандартов и практик. А на Западе эта история в значительной степени началась в 1635 году с Французской академии, которая радикально профессионализировала искусство.

В течение следующего столетия — или, по крайней мере, до тех пор, пока мыслители Просвещения 18-го века не представили индивидуализм и разум как вызов традициям и авторитету — академия смогла сохранить свою власть и практически не встречала восстаний. Но это был лишь вопрос времени, когда художники на Западе подвергли сомнению эти высокие институты, и 19-й век дал нам некоторые из самых ранних и наиболее заветных примеров художника-самоучки. Это эпоха, которая породила Анри Руссо, а вскоре после этого и Винсента Ван Гога. Последний получил очень мало формального образования, хотя у него был многолетний опыт работы в мире искусства; Руссо мог вообще ничего не получить.

Вне западного канона идея быть самоучкой может означать совсем другое. Действительно, в некоторых регионах мира художники, работающие вне какой-либо предписанной системы, считаются более продвинутыми, чем профессиональные художники, а правила и формальности, подразумеваемые последней категорией, вообще подавляют творчество. Джоанна Уильямс, почетный профессор искусства Индии и Юго-Восточной Азии Калифорнийского университета в Беркли, писала, что западная концепция художника-самоучки «звучала бы очень странно в Китае, где художник-любитель с высоким социальным статусом [ считался образцом «гения», превосходящего простого профессионала».

Последующие неподготовленные художники, все из последних 150 лет, преуспели в том, чтобы оставить свой след практически без руководства художественной школы.

Анри Руссо, Я: Портрет — Пейзаж, 1890. Фото с Викисклада.

Дорнак (Поль Марсан), Художник Анри Руссо в ателье сына , 1907 год. Фото с Викисклада.

Художник, выросший в эпоху французских импрессионистов и постимпрессионистов, Анри Руссо не имел формального образования этих художников. Он начал серьезно рисовать только в 1884 году, в возрасте 40 лет. Большую часть своей взрослой жизни он работал клерком, получив прозвище «Le Douanier» («таможенник») от критиков, которые стремились дискредитировать наивного, необразованный живописец. Тем не менее, ходят слухи, что нетребовательность труда Руссо (на самом деле он так и не дослужился до таможенного служащего) как раз и дала ему время заняться рисованием; когда у него не было бумаги, он ездил в Лувр, чтобы делать наброски из его коллекции.

У Руссо появились последователи, особенно среди художников, благодаря тому, что его сторонники считали прямотой и отсутствием претензий в его работах, качествами, которые нарушили академические стандарты. Руссо, наиболее известный своими яркими экзотическими пейзажами, создавал сказочные сцены с кристально чистыми очертаниями, и сюрреалисты полюбили его. Каспер Кениг, со-куратор выставки 2015 года «Тень авангарда: Руссо и забытые мастера» в Музее Фолькванг в Эссене, Германия, отметил, что гений Руссо заключался в его способности избегать ловушек академической композиции и натуралистическая прорисовка. «Руссо не интересовался ложной иллюзией, — заявил Кениг. «Речь шла об искусстве, а не об иллюзии — и это было радикально».

Авангард ХХ века признал ценность Руссо. К концу жизни он выставлялся вместе с Ван Гогом и Полем Гогеном; Анри Матисс и Андре Дерен, а его работы были собраны Пабло Пикассо, который позже завещал Лувру несколько картин Руссо.

Винсент Ван Гог

Пшеничное поле с кипарисами , начало сентября 1889 г.

«Ван Гог и времена года» в Национальной галерее Виктории

Винсент Ван Гог

Автопортрет в образе художника , 1887-1888

Музей Ван Гога

Один из самых влиятельных художников современности, Винсент Ван Гог был почти полностью самоучкой. Сложный, неразговорчивый характер, Ван Гог не имел аппетита к занятиям. Его с юных лет учили его мать и гувернантка его семьи, после того как его попытки получить образование вне дома потерпели неудачу. Сначала было неудачное пребывание в школе-интернате, затем несчастливые два года в промежуточной школе, прежде чем он начал работать помощником арт-дилера в возрасте 16 лет.

Когда Ван Гог, в конце концов, разочаровался в этом, он попытался поступить в семинарию, чтобы стать пастором, но провалил вступительный экзамен. Затем он провел (и также провалил) семестр в миссионерской школе, хотя все же получил работу миссионера в 1879 году. Когда его брат Тео увидел некоторые из его зарисовок своей обедневшей крестьянской общины, он умолял Винсента заняться искусством. , что привело к чрезвычайно короткой попытке поступить в брюссельскую Королевскую академию изящных искусств в 1880 году. коллеги, среди других влияний. Но в конечном итоге он разработал очень личный стиль, который подпитывал большой объем работы. В то время как поклонники Ван Гога быстро указывают на его эмоциональную суматоху как на аналог его своеобразного стиля, его закрученные, энергичные мазки и смелые, выразительные тона также являются отличительными чертами яростно независимого стиля, выкованного посредством самообразования.

Imogen Cunningham

Портрет Frida Kahlo , 1937

Чарльз А. Хартман изобразительный искусство

Frida Kahlo

Самопортрет на границе между Мексикой и Соединенными Штатами , 1932

«РАСКА. Революция: мексиканский модернизм, 1910–1950» в Художественном музее Филадельфии

Отец Фриды Кало, немецкий фотограф, признал художественный потенциал своей дочери, когда она была маленькой девочкой, обучая ее фотографии и привлекая своего друга, гравера, чтобы он дал ей неформальное обучение графическим искусствам. Когда она превзошла ожидания местного художника, он зашел так далеко, что дал ей оплачиваемую должность своего ученика по гравировке. Однако юная Кало нацелилась на медицинскую школу. К сожалению, и ее ученичество, и ее образование были прерваны, когда она стала жертвой почти смертельной автомобильной аварии в возрасте 18 лет.0003

Во время выздоровления прагматичная Кало подумывала о карьере медицинского иллюстратора, которая превратила бы ее художественное хобби в нечто большее. У нее был сделанный на заказ мольберт с зеркалом, чтобы она могла наблюдать за тем, как рисует, несмотря на свою ограниченную подвижность, что привело к автопортретам и наблюдению за собственной анатомией. Соответственно, по мере развития своего стиля Кало обнаружила, что ее привлекают не методы иллюстрации, а личное выражение. Она начала сочетать современные формальные приемы с мексиканскими народными традициями и народными католическими образами, созданными неподготовленными художниками.

Интерес Кало — как личный, так и интеллектуальный — к вопросам мексиканской идентичности привел ее к тому, что она стала носить местную одежду и изображать из себя мексиканско-немецкую метису, что отражено в многочисленных автопортретах, которые она создала в течение своей жизни. Однако ее методы и народное искусство, которое она лелеяла, также были тесно связаны с ее пониманием того, что представляет собой авангардное искусство, а именно сопротивление и альтернатива академическому художественному обучению, которое можно было найти в местных художественных практиках.

Билл Трейлор в Монтгомери, 1946 год. Фото Горация Перри. Предоставлено коллекцией Совета штата Алабама по искусству.

Написав о художнике-самоучке Билле Трейлоре в 2013 году, New York Times искусствовед Роберта Смит нарисовала несколько мрачную картину: «Талант Билла Трейлора внезапно проявился в 1939 году, когда ему было 85 лет, и ему оставалось жить 10 лет». Рожденный в рабстве на плантации в Алабаме в 1854 году, Трейлор не получил формального образования ни в чем, не говоря уже о объятиях мира искусства, в котором он никогда не ожидал обитать. Даже после освобождения в конце Гражданской войны он был вынужден оставаться издольщиком на юге Джима Кроу. Он переехал на другую ферму только в 1935 потому что, как он выразился, «Мои белые люди умерли, и мои дети рассеялись».

Вынужденный уйти на пенсию из-за ревматоидного артрита, Трейлор к 1930-м годам стал бездомным и спал в задней комнате похоронного бюро. Не имея средств к существованию, он начал создавать небольшие рисунки и картины из любых материалов, которые мог раздобыть. Когда молодой художник по имени Чарльз Шеннон случайно наткнулся на работы Трейлора в 1939 году, он снабдил его свежими материалами, оценкой и поддержкой — топливом для Трейлора, который стал невероятно плодовитым, заполняя изображение за изображением упрощенными фигурами людей, мест и другие символы, связанные с его личным опытом. Совокупность работ, которые он создал бы в ограниченное время с крайне ограниченными средствами, прославилась своей новаторской, неискушенной эстетикой, а также художественным окном, которое она создала в строгости черной жизни на Юге в эпоху Реконструкции.

Обнаруженная в возрасте 78 лет, Анна Мэри Робертсон «Бабушка» Мозес всю свою жизнь занималась искусством, хотя формального образования не получила. Домработница из маленького городка, ставшая домохозяйкой, она была, согласно ее некрологу New York Times от 1961 года, «примитивной самоучкой, которая в детстве начала рисовать то, что она называла бараньими пейзажами, выжимая виноградный сок». или лимонный сок, чтобы получить цвета». В молодости она копировала сцены с изображений, созданных американской гравюрной фирмой Currier and Ives. По мере того как ее семья развивалась, искусство Моисея становилось все более домашним или, по крайней мере, тем, что можно было бы назвать декоративным: нарисованная сцена на каминной доске ее семьи; вышитые изображения из пряжи; большие одеяла; куклы для внучек.

На самом деле, если бы у Мозес не развился артрит в более поздние годы, она, возможно, не переключилась бы со своих швейных игл обратно на более легкую кисть ее юности. Тем не менее, она стала чрезвычайно плодовитой и, как говорят, создала более 1500 работ, представляющих простоту ушедшей эпохи в прямых, ярких и реалистичных образах. Ее восхождение к славе произошло, когда коллекционер произведений искусства нашел несколько ее работ в витрине аптеки, играя скромный фон для выпечки и джемов, которые она также делала для продажи.

На следующий год, в 1939 году, три из этих картин были включены в выставку Музея современного искусства «Современные неизвестные американские художники», а всего через год после этого Мозес провела собственную успешную персональную выставку. К моменту своей смерти в 1961 году она стала бабушкой-самоучкой американского народного искусства и была удостоена двух почетных докторских степеней, в том числе (как это ни парадоксально) в колледже искусства и дизайна.

Генри Дарджер

В Макколлс-Ран-Коллер-Джанкшн Вивиан спасает задыхающихся детей от феномена ужасной формы , 1910-1970

«Генри Дарже» в Музее современного искусства в Париже, Париж (2015)

Дэвид Берглунд

Портрет Генри Дарже

«Анри Дарже» в Музее Moderne de la Ville de Paris, Paris (2015)

С 1930 года до своей смерти в 1973 году смотритель чикагской больницы Генри Дарджер проводил большую часть своего досуга в своей квартире, кропотливо и с любовью сочиняя и иллюстрируя то, что станет его величайшим произведением. Состоит из 15 145 страниц и сотен иллюстраций, In the Realms of the Unreal рассказывает историю девочек Вивиан: маленьких принцесс из христианской нации, которые помогают организовать восстание против системы рабства, навязанной империей зла.

Работая смесью акварели и коллажа из популярных журналов и раскрасок, он одержимо изображал деяния своих героинь, чьи действия перемежаются трагическими страданиями и пытками от рук их эксплуататоров. В его фантастическом повествовании девушки Вивиан напоминают ужасные истории ранних католических святых, но изображаются как персонажи комиксов или молодые девушки из рекламных изображений.

Даргер не получил формального художественного образования; на его стиль визуально повлияла популярная культура, а тематически — его проблемное воспитание. Отправленный в католический приют в возрасте 8 лет и помещенный в 13 лет в Иллинойсский приют для слабоумных детей, Дарджер назвал себя художником и «защитником детей». Когда он скончался в возрасте 81 года, оба обозначения были высечены на его надгробии. Несмотря ни на что, Дарджер создал современную эпопею и прославился своим врожденным талантом, своим часто преступным сюжетом и упорной решимостью следовать своему видению.

Yoko Ono

Cut Piece (1964) в исполнении Йоко Оно в New Works of Yoko Ono, Carnegie Recital Hall, New York, 21 марта 1965 , 1964 -1965

«Yoko Ono: One Woman Show, 1960 -1971» в Музее современного искусства, Нью-Йорк (2015)

В то время как музыкальный отец Йоко Оно обеспечил, чтобы его дочь получила классическое обучение игре на фортепиано, она не получила никакой опеки в изобразительном искусстве. После окончания средней школы Оно подала заявку на изучение философии в Гакусюин, престижный частный университет в Токио. Через два года она бросила школу, чтобы присоединиться к своей семье, которая переехала в Нью-Йорк. Она поступила в Колледж Сары Лоуренс в 1950-х годов, чтобы развивать свой значительный талант в области музыкальной композиции, что дало ей возможность приехать в город и пообщаться с артистами в то время, когда поэты, художники, музыканты, хореографы и другие исполнители лихорадочно сотрудничали в мультимедийных, междисциплинарных работах. искусства.

Записавшись на курс экспериментальной композиции Джона Кейджа в Новой школе социальных исследований, Оно обнаружила, что ее музыкального образования более чем достаточно, чтобы рекомендовать ее местному авангардному сообществу, в которое входили композитор-поэт Ла Монте Янг, художник-концептуалист Джордж Брехт и перформансист Аллан Капроу.

Это была среда, в которой Оно процветало. Несмотря на отсутствие формального художественного образования (или, возможно, из-за него), в работах Оно ловко синтезируется широкий спектр визуальных компонентов и теоретических идей, особенно в ее перформансах. И хотя ее художественная и музыкальная карьера, безусловно, получила значительный импульс, когда она вышла замуж за одного из самых известных музыкантов мира в 1969 году, Оно никогда не нуждалась в его помощи, равно как и формальное обучение в художественной академии, чтобы стать новаторской и всемирно известной самодеятельностью. преподавал художник.

Портрет Торнтона Дайал. Фото Стивена Питкина/Pitkin Studio. Предоставлено Фондом Souls Grown Deep.

Торнтон Дайал родился в 1928 году в семье обедневших чернокожих издольщиков в Алабаме. Он не ходил в нормальную школу, пока ему не исполнилось 13 лет, и даже тогда ему было стыдно, что его поместили во второй класс. Крупный для своего возраста и приученный к тяжелому физическому труду, Дайал начал пропускать школу, чтобы работать и зарабатывать деньги. В своей взрослой жизни он работал на заводе по производству вагонов, пока он не закрылся в 19 году.В 81 год он начал заниматься искусством как хобби.

Этот ранний опыт ручного труда лег в основу самообучения Дайала материалам и техникам, которые он развернул в полуфигуративных, полуабстрактных работах, которые позже развились в большие, часто монументальные ансамбли, которые можно считать произведение с традицией южного бриколажа. «Мое искусство — свидетельство моей свободы», — сказал Дайал в интервью в середине 1990-х. «Когда я начинаю любое произведение искусства, я могу взять все, что захочу. Я начинаю с того, что соответствует моей идее, с вещей, которые я найду где угодно».

Дайал был проницательным диагностом систематических болезней, которые он видел в американском обществе. Темы расизма, сексизма и бедности регулярно всплывают в его работах в материалах, напоминающих о суровых условиях жизни, и в названиях, отсылающих к политическим событиям, историческим местам и христианским писаниям. Его помнят за его формальную изобретательность и эмоциональную силу его ярких, иногда возвышающихся форм, которые вытягивали повседневные предметы из его жизни на свою орбиту и превращали их в нечто экстраординарное.

Джон Манн

Что такое искусство самоучка и что значит быть художником-самоучкой?

Определения, исторические факты и художники этого жанра

Пишу много биографий художников. На прошлой неделе трое художников, которые попросили меня написать для них, назвали себя художниками-самоучками. После некоторого обсуждения мы пришли к выводу, что на самом деле они не «самоучки», и выбрали более подходящий способ описать их и их искусство. В последние годы я заметил увеличение количества художников, которые называют себя «самоучками», не зная этого термина в полной мере. Вот почему я подумал, что пришло время написать эту статью «Что такое искусство-самоучка и что значит быть художником-самоучкой?»

В этой статье вы найдете информацию об искусстве самоучки и различных подмножествах этого жанра.

Определения искусства-самоучки и художников

Краткое описание искусства-самоучки, найденное в бесплатном словаре thefreedictionary.com, представляет собой «жанр искусства и уличных конструкций, созданных неподготовленными художниками, которые не признают себя художниками».

Согласно Американскому музею народного искусства, folkartmuseum.org, «в течение последних двадцати лет термин «самоучка» чаще используется для обозначения этих художников, чье вдохновение приходит неожиданными путями и нетрадиционными местами, давая голос людям, которые могут находиться вне общественного русла».

Художественный музей Weatherspoon Weatherspoon.uncg.edu сообщает: «Независимо от того, называется ли этот жанр искусством аутсайдеров, визионерством или, точнее, искусством самоучки, он остается одним из самых интригующих в современном искусстве. Каждый художник исследует идиосинкразическую реальность, чтобы создавать работы, полные творческой и визуальной силы, работы, которые стоят рядом с каноном мейнстримного мира искусства».

Джордж Джейкобс: искусство самоучек, self-taughtart.com — ведущая галерея в жанре самоучек, расположенная в Уинстон-Салеме, Северная Каролина. Он предлагает более длинное описание: «Искусство самообучения относится к искусству, созданному вне канона истории искусства. Наверное, все художники в той или иной степени самоучки. Но в контексте терминологии «самоучка» кажется наиболее подходящим из часто используемых зонтичных терминов, описывающих масштабы такого искусства. Народное искусство и искусство аутсайдеров также использовались как общие термины для этой области. На мой взгляд, эти термины лучше описывают стили самоучки. Есть много действительных прилагательных для этого искусства. Отсутствие в настоящее время консенсуса в отношении терминологии в этой области в основном свидетельствует о масштабах и разнообразии художественного творчества, которое в последнее время было и продолжает открываться, сохраняться, каталогизироваться, выставляться и собираться».

Согласно галерее Филлис Кинд Галерея phylliskindgallery.com, лидеру в жанре художников-самоучек, «термин «искусство-самоучка» просто относится к любому объекту или набору объектов в двух или трех измерениях, которые изначально не предназначались. быть искусством, но создано для другой цели, будь то утилитарной или духовной, общественной или частной. Термины «фолк-арт» и «ар-брют» являются подмножествами этого явления».

Подмножества искусства самоучки

Народное искусство

Сфера американского народного искусства была впервые определена на рубеже двадцатого века в Соединенных Штатах коллекционерами, профессиональными художниками, критиками, дилерами и кураторами в поисках подлинное американское искусство. Основным стимулом для продажи этих предметов является сильное возбуждение, создаваемое некоторыми очень богатыми и незаурядными дамами (например, аббатство Олдрич Рокфеллер), которые гоняются за развалинами простых людей в Америке как за своими родителями. приобретали импрессионистов из Европы.

Искусство аутсайдеров

Искусство аутсайдеров стало успешной категорией арт-маркетинга; ежегодная ярмарка Outsider Art Fair проводится в Нью-Йорке с 1993 года, и есть как минимум два регулярно издаваемых журнала, посвященных этой теме. Этот термин иногда неправильно применяют в качестве универсального маркетингового ярлыка для искусства, созданного людьми, которые не относятся к господствующему «миру искусства» или «системе художественных галерей», независимо от их обстоятельств или содержания их работы.

Эмма Уэлш написала информативную статью «Художники-аутсайдеры, которые проложили свой собственный путь» на Invaluable.com, онлайн-рынке изобразительного искусства, антиквариата и предметов коллекционирования. В нем она заявляет: «В последние годы основной интерес к искусству аутсайдеров возрос. Многие музеи посвятили этому движению выставки, в том числе «Между мирами: искусство Билла Трейлора» в Смитсоновском музее американского искусства и Outliers and American Vanguard Art. в LACMA, позволяя этим художникам и их захватывающим историям сиять. Рыночный спрос на работы художников-аутсайдеров также подчеркивает их историческую значимость, и в январе 2019 г.Работа художника Генри Дарджера продана на Christie’s за 684 500 долларов. По мере того, как все больше культурных учреждений проливают новый свет на аутсайдерское искусство, на первый план выходит большее внимание к традиционно упускаемому из виду движению». Вы можете прочитать всю ее статью на сайте invaluable.com/blog

Art Brut

Под эгидой Outsider Art is Art Brut — это французский термин, означающий «сырое искусство» или «грубое искусство», чаще всего ассоциируемый с французским художником Жаном Дюбюффе для описания искусства, созданного вне границ официальной культуры. Определение Дюбюффе Art Brut включало искусство заключенных, одиночек, психически больных и других маргинализированных людей, а также созданное, не задумываясь о подражании или представлении, — искусство тех, кто находится за пределами установленной художественной сцены, таких как пациенты психиатрических больниц и дети.

Также в этой категории «Внешнее искусство» находится новое изобретение. Возникающим аналогом Neuve Invention в американском английском является Liminal Art, о котором я расскажу в следующей статье.

Примитивное искусство

Примитивное искусство — это еще один термин, который часто применяется к искусству теми, кто не имеет формального образования. Это включает в себя невинную картинку, использующую линейный формат (плоское, одномерное пространство), изображающий сцены и людей с отсутствием погоды в небе и тенями вокруг форм. Исторически сложилось так, что это чаще применяется к работам из определенных культур, которые были признаны западными академическими кругами социально или технологически «примитивными», такими как искусство коренных американцев, африканцев к югу от Сахары или искусства островов Тихого океана, также классифицируемое племенным искусством.

Наивное искусство

Наивное искусство — это любая форма изобразительного искусства, созданная человеком, которому не хватает формального образования и подготовки, которые проходят профессиональные художники (в анатомии, истории искусства, технике, перспективе, способах видения). В отличие от народного искусства, наивное искусство не обязательно свидетельствует об особом культурном контексте или традиции. Наивное искусство признано и часто имитируется за его детскую простоту. Наивное искусство часто рассматривается как искусство аутсайдеров, не имеющее формального (или небольшого) образования или степени. Хотя это было верно до двадцатого века, сейчас существуют академии наивного искусства. Наивное искусство в настоящее время является полностью признанным художественным жанром, представленным в художественных галереях по всему миру.

Народное искусство

Этот термин относится к работе художника, находящегося под влиянием определенной культуры. Например, группа из 27 афроамериканских художников-самоучек, живущих на юге, собрала выставку из более чем 60 картин, рисунков, скульптур и ассамбляжей, исследующих афроамериканскую идентичность и культуру.

Некоторые известные художники-самоучки

Анри Руссо (1844-1919 гг.)10) наиболее известен своими яркими экзотическими пейзажами и сказочными сценами. Он никогда не получал формального художественного образования и не начинал рисовать, пока ему не исполнилось 40 лет. Большую часть своей взрослой жизни он работал клерком. Однако он часто бывал в Лувре и во время этих визитов делал много зарисовок.

Жан-Мишель Баския (1960–1988) бросил среднюю школу Эдварда Р. Мерроу в десятом классе, а затем поступил в City-As-School, альтернативную среднюю школу на Манхэттене, где учатся многие творческие ученики, не справившиеся с обычным обучением. В 19В 76 году Баския и его друг Эл Диас начали рисовать граффити на зданиях в Нижнем Манхэттене, работая под псевдонимом SAMO.

Джеймс Кастл (1899–1977) родился глухим и всю жизнь провел в своем загородном доме в Айдахо. Он был известен своими конструкциями из картона и ниток и картинами, которые он рисовал смесью слюны и сажи.

Бабушка Моисея (1860 – 1961), известная народная художница и первобытная художница. Начав серьезно заниматься живописью в возрасте 78 лет, ее часто приводят в пример человека, успешно начавшего карьеру в искусстве в преклонном возрасте.

Гораций Пиппин (22 февраля 1888 — 6 июля 1946) был афроамериканским художником-самоучкой. Несправедливость рабства и американской сегрегации занимает видное место во многих его работах. Его картина «Джон Браун, идущий на повешение» (1942) находится в коллекции Пенсильванской академии изящных искусств в Филадельфии. Пиппин так объяснял свой творческий процесс: «Картины, которые я уже нарисовал, приходят мне в голову, и если для меня это стоящая картина, я пишу ее».

Другие художники в этом жанре: Билл Трейлор, который начал рисовать только в 84 года, родился рабом в Алабаме. Юджин фон Брюнхенхейн (1910–1983), пекарь, сфотографировавший свою жену в образе кинозвезды из собственных фантазий и соорудивший троны из куриных костей. Марино Аурити (1891–1980) был художником-самоучкой итальянского происхождения.

Источники для этой статьи: Wikipedia.com, в дополнение к упомянутым выше веб-сайтам со ссылками на их веб-сайты.

Итак, вы художник, назвавший себя «самоучкой»? Относятся ли они к какой-либо из этих категорий? Если нет, возможно, вы могли бы выбрать более точный жанр для своего искусства.

Художников-аутсайдеров называют «аутсайдерами» — новый термин, предложенный на выставке «Аутсайдеры и искусство американского авангарда» в Национальной художественной галерее, которая состоялась в 2018 году. На выставке были представлены работы художников-аутсайдеров и художников-мейнстримов, продвигавших их, а также имитируя чужие художественные стили. В нем было представлено 250 работ более 80 художников. Позже в том же году выставка отправилась в Высокий художественный музей в Атланте и Художественный музей округа Лос-Анджелес.

12 художников-аутсайдеров, которые доказывают, что вам не нужно ходить в художественную школу

Марселина Морфин

18 октября 2016 г.

Искусство аутсайдеров — термин искусствоведа Роджера Кардинала, описывающий искусство, существующее вне «типичной» культуры; в прошлом в него входили художники, которые могли страдать психическим заболеванием. Однако с годами этот термин распространился на искусство, созданное художниками без формального образования, а также стало синонимом народного искусства и арт-брют. Мы рассказываем о 12 художниках, которые доказывают, что не нужно идти в художественную школу, чтобы создать что-то выдающееся.

Саймон Родиа, американец итало-американского происхождения, переехал в Соединенные Штаты в 1895 году и с течением времени подрабатывал случайными заработками. Он поселился на некоторое время в Окленде с женой и детьми; однако в конце концов они развелись, и после нескольких пит-стопов он оказался в Уоттсе, где начал свое единственное произведение искусства, Nuestro Pueblo, более известное как Watts Towers. Хотя этот масштабный проект, состоящий из башен и скульптур (всего 17), так и не был полностью завершен, Родиа работал над своим шедевром 33 года, используя найденные объекты, металлические предметы и стальную арматуру. Всю работу он делал сам, без каких-либо причудливых инструментов или формального художественного образования.

Известный как один из первых художников-аутсайдеров, Адольф Вёльфли родился в Берне, Швейцария, и получил душераздирающее воспитание; его отец был алкоголиком, который бросил семью, а Вёльфли стал сиротой в молодом возрасте (от восьми до десяти в зависимости от источника), когда умерла его мать. Некоторое время он находился в тюрьме, а позже провел большую часть своей взрослой жизни в психиатрической больнице, где создавал очень подробные и замысловатые рисунки, многие из которых были сделаны цветными карандашами. Эти рисунки вместе с текстом, коллажами и музыкальными композициями превратились в произведение на тысячи страниц. Чтобы лично увидеть его искусство, посетите Музей изящных искусств в Берне.

Британская художница-аутсайдер Мэдж Гилл начала заниматься искусством только после серии драматических событий. Именно после того, как ее единственная дочь умерла при рождении, а сама Мэдж была близка к смерти, потеряв левый глаз, она начала рисовать черно-белые рисунки. Мэдж была известна как художник-медиум — ее тетя познакомила ее со спиритизмом в начале 1900-х годов — поскольку у нее был духовный проводник, Мирнирест, который помогал ей в ее искусстве после ее выздоровления. На ее рисунках изображены женщины в причудливых одеждах. На протяжении всей своей жизни она также работала в других средствах массовой информации, включая письмо, вязание и ткачество. При жизни она редко показывала свои работы, потому что, согласно источникам, считала, что они принадлежат ее духовному наставнику; поэтому большая часть мира познакомилась с ее творчеством после ее смерти. Ознакомьтесь с некоторыми из ее работ здесь.

В 1943 году в Колумбусе, штат Огайо, Джудит Скотт вместе со своей близнецом Джойс появились на свет. Джудит родилась с синдромом Дауна и потеряла слух в младенчестве, хотя диагноз не был поставлен, пока ей не исполнилось около семи лет. В возрасте семи лет ее отправили в лечебницу, и она не имела контактов с семьей в течение 35 лет, пока сестра не разыскала ее и не стала ее опекуном. Джудит переехала в Калифорнию и поступила в Creative Art Center в Окленде — центре, который предоставляет студии для художников с ограниченными возможностями. Большинство средств массовой информации не интересовало Джудит; то есть до тех пор, пока она не посетила урок искусства волокна. Джудит начала делать скульптуры, как маленькие, так и большие, используя любой материал, который она могла найти, создав за свою жизнь более 200 работ. Ее работы можно найти в крупных музеях, таких как MoMA в Нью-Йорке, и в частных коллекциях по всему миру.

Родившийся в Чикаго в 1892 году, Генри Дарджер был тихим человеком, работавшим сторожем в больнице. Каждый день он ходил на работу, а когда возвращался домой ночью, он работал над рукописью, известной как «История девочек Вивиан, в том, что известно как царства нереального Гландеко-ангелинийской войны. Буря, вызванная Восстание детей-рабов, более известное как «В царствах нереального». Обнаружен после его смерти в 19 г.73, это невероятное произведение искусства содержало более 15 000 страниц, которые включали красочные рисунки и акварельные картины, изображающие все, от очаровательных интерьеров и пейзажей с детьми разного пола до тревожных изображений пыток и смерти. Вы можете найти его работы в таких музеях, как Американский народный музей в Нью-Йорке и Intuit: Центр интуитивного и аутсайдерского искусства в Чикаго.

Джозеф Йоакум родился в штате Миссури в 1889 году.– по крайней мере, так свидетельствуют записи, поскольку Йоакум сказал, что родился в Аризоне. Он был афроамериканцем, французом и коренным американцем по происхождению и присоединился к цирку Грейт Уоллес, когда ему было всего девять лет. В молодости он участвовал в нескольких других цирках, в том числе у братьев Ринглинг, прежде чем его призвали в армию. Специализируясь на пейзажах, этот художник-самоучка создал множество рисунков и картин, все из которых плавные, органичные, часто с использованием ярких цветов. Когда он начал заниматься искусством в более позднем возрасте, признание пришло к концу его жизни, включая персональную выставку в музее Уитни в Нью-Йорке.

Хелен Мартинс была южноафриканской художницей, известной своим Совиным домом. Родившаяся в 1897 году, Мартиньш какое-то время работала учителем, вышла замуж, а затем развелась, когда муж ушел от нее к другой женщине. Вскоре после этого она вернулась в свой родной город Нье Бетесда, где заботилась о своих родителях, пока они не умерли, после чего она начала отгораживаться от мира. Ее творческие способности забурлили, и она начала преобразовывать свой дом и сад с помощью разноцветных кусочков стекла, зеркал и сотен цементных скульптур, превращая помещения в эклектичные произведения искусства. Сегодня Дом Совы, как известно, является музеем и национальным памятником.

Родившийся на территории современной Литвы, Фридрих Шредер-Зонненштерн в глазах многих людей является одним из самых важных художников-аутсайдеров. В детстве он часто попадал в неприятности и провел некоторое время в исправительных школах и приюте, где ему поставили диагноз шизофрения. После освобождения он стал врачом-шарлатаном, известным как профессор доктор Элиот Гнасс фон Зонненштерн. Его жизнь, безусловно, была красочной, и его произведения искусства, которые он начал создавать в конце 50-х годов, были столь же фантастическими. Его работы имеют сюрреалистический характер с существами-полулюдьми-полумонстрами, иногда с преувеличенными чертами. Действительно, его работы демонстрировались на выставках сюрреалистов в Европе и США. Найдите некоторые из его работ здесь.

Анна Земанкова родилась на территории современной Чехии в 1908 году и в детстве любила заниматься искусством. Ее отец, однако, не считал это подходящей профессией, поэтому, когда она стала старше, Анна пошла в школу, чтобы стать зубным техником. Несмотря на то, что у нее была карьера, она никогда не отказывалась от искусства, создавая свои цветочные и ботанические произведения каждое утро перед тем, как пойти на работу. Вначале она в основном рисовала, но со временем она все больше и больше экспериментировала, например, комбинируя текстильные техники и коллаж в своих работах, которые она называла «бриколажем». и был включен в выставку аутсайдерского искусства в Лондоне.

Ли Годи была очаровательной и яркой женщиной, которая жила на улицах Чикаго в течение трех десятилетий. Никто не знает, как она стала бездомной, но одно можно сказать точно, она жила своей жизнью. Часто описываемая как «непредсказуемая», Ли называла себя «французским импрессионистом», носила эклектичную одежду и создавала интригующие произведения искусства, некоторые из которых она создавала, сидя на ступенях Чикагского института искусств. Кроме того, она не стала бы продавать свое искусство кому попало; она продавала его только тем, кто ей нравился. Она делала рисунки и картины, но, вероятно, наиболее известна своими автопортретами. Ее автопортреты представляли собой черно-белые фотографии, которые она делала в фотобудке, а затем украшала их красками, карандашами и даже гримом. Сегодня ее работы находятся в частных коллекциях и известных учреждениях, таких как Художественный институт Чикаго.

Родившийся в Висконсине в 1910 году, Юджин фон Брюнхенхейн был художником-самоучкой, который работал в различных медиа, включая, помимо прочего, фотографию, рисунок и скульптуру. За последние несколько десятилетий его работы были в центре внимания, а его работы были включены в многочисленные групповые выставки в США и за рубежом. Некоторые из его фирменных работ включают фотографии, которые он сделал со своей женой, напоминающие девушек в стиле пин-ап, и его яркие картины, которые имеют почти психоделическое качество с различными формами, сливающимися друг с другом. Он также создавал скульптуры из выброшенных куриных и индюшачьих костей. Как и в случае с большинством художников из этого списка, работы фон Брюнхенхейна оставались непризнанными на протяжении большей части его жизни.

Бабушка Мозес, настоящее имя которой Анна Мэри Робертсон Мозес, никогда не ходила в художественную школу и до позднего возраста даже не начинала создавать свои любимые произведения искусства. Родившаяся в 1860 году в северной части штата Нью-Йорк, бабушка Мозес начала рисовать в середине-конце 70-х годов и впервые получила признание в возрасте 80 лет. Народная художница, ее картины известны своими простыми, но живописными пейзажами фермерской жизни и сельской местности. часто ярких цветов. Бабушка Мозес прожила невероятно долгую жизнь — 101 год, создав за три десятилетия более 1500 картин, часть из которых находится в художественных музеях, частных коллекциях и даже Белом доме.

Очарование самоучки | В Смитсоновском институте

Роджер Кэтлин

Музеи Корреспондент

В начале пути указывали флюгеры. Обыскивая антикварные магазины в 1970-х годах, Маргарет З. Робсон купила деревенские амбарные верхушки ручной работы вместе с другими кусочками Америки ручной работы.

Робсон была «очень привязана к американскому демократическому эксперименту, поэтому [она] купила флюгеры, приманки для уток и стеганые одеяла», — говорит ее сын Дуг Робсон, унаследовавший интересы своей матери. «Со временем коллекционирование превратилось во что-то более интересное и радикальное».

Его мать тянуло к людям, стоящим за искусством, известным и неизвестным, и благодаря коллекционированию помогла другим лучше узнать о корифеях того, что когда-то называлось народным искусством, затем искусством аутсайдеров, а теперь считается самоучкой.

Всего за несколько десятилетий Маргарет З. Робсон собрала одну из самых значительных коллекций такого искусства в стране, относящуюся к началу 20 века. После ее смерти в 2016 году 93 работы были переданы в дар Смитсоновскому музею американского искусства (SAAM) в Вашингтоне, округ Колумбия, который уже зарекомендовал себя как ведущий центр этой уникальной и захватывающей отрасли американского искусства.

Автопортрет,

Paradise Garden

Мы созданы из историй: художники-самоучки в семейной коллекции Робсонов

Переделывая историю американского искусства, чтобы охватить художников, которые слишком долго были исключены, Мы сделаны из историй ярко отражает силу искусства, чтобы показать нам мир глазами другого.

Жанр самоучки

Только что открывшаяся в этом месяце книга «Мы созданы из историй: художники-самоучки в семейной коллекции Робсонов» включает основные моменты этого подарка, а также 32 обещанные работы из коллекции Дуга Робсона и крупную работу, которую он переданы музею в этом году.

В целом, «это один из самых значительных подарков в этом районе программе самообучения в SAAM в истории музея», — говорит Лесли Амбергер, куратор отдела народного творчества и самоучек в музее, организовавшая выставку.

Без названия (Пьяница в кресле)

Истории дальновидных художников

На выставке представлены сорок три художника, в том числе некоторые из самых известных имен в этой области, от Говарда Финстера, чьи характерные картины, украшенные декларациями и проповедями, украшали обложки альбомов R.E.M. и «Говорящие головы» в 1980-х годах Генри Дарджеру, чьи большие участки детей на войне, обнаруженные незадолго до его смерти в 1973 году в Чикаго, произвели сенсацию.

В число старейших художников выставки входят Билл Трейлор, родившийся в рабстве около 1853 года, который начал заниматься искусством в возрасте 86 лет и стал героем крупной выставки в SAAM в 2018 году, и Уильям Эдмондсон, который вырезал камень и стал первым афроамериканцем и первый художник-самоучка, у которого была персональная выставка в нью-йоркском Музее современного искусства в 1937.

Многие менее известные имена привлекают внимание и новое внимание. «Одиннадцать из них, мы на самом деле не знаем их личности», — говорит Умбергер. Самый загадочный из них получил название Philadelphia Wireman после того, как его работа — около тысячи небольших связок проволоки, ленты, отражателей и других отходов — была найдена в куче в переулке. «Сокровища мусора с улиц Филадельфии», — называет их Амбергер.

И все же есть что-то притягательное в их туго закрученных формах. «Большинство из них размером с ладонь, и они очень талисманы», — говорит она. «Кажется, они связаны с африканскими связками духов — защитными амулетами, сделанными из материалов или предметов, которые имели какое-то значение или значение для их создателя».

Untitled

Их приписывают афроамериканцу, частично из района, в котором они обнаружены. И Блэк-арт составляет значительную часть коллекции, так как по определению он был самоучкой и исходил из стремления к самовыражению исключенных из академий.

Сбор самоучки

Родившаяся в Миннесоте, Маргарет Зюльке была успешной бизнес-леди в Чикаго, прежде чем она занялась политикой во время президентской гонки Джона Ф. Кеннеди, затем вышла замуж за адвоката Джона Эдвина Робсона, который работал в разных штатах Вашингтона. администрации на протяжении многих лет.

Пара подбирала антиквариат тут и там, но не начинала увлекаться искусством и невоспетыми художниками за работами до конца 80-х, когда жила в Атланте. Их первым произведением был рисунок Трейлора, за которым последовали резные фигурки Улисса С. Дэвиса. По словам Дуга Робсона, его резьба основана как на американских фигурах, таких как Джордж Вашингтон и дядя Сэм, так и на африканских элементах. «Это было похоже на важный мост в коллекционировании».

Uncle Sam

Самовыражение за пределами мейнстрима

Это было в то время, когда искусство-самоучка привлекало внимание в мире искусства. В 1970 году Смитсоновский музей американского искусства приобрел тщательно продуманную картину Джеймса Хэмптона «9».0017 Трон Третьего Неба Генеральной Ассамблеи Наций , который художник сделал из алюминиевой фольги в вагоне постоянного тока, открыв дверь для дальнейших чудесных произведений самоучки в музее. В миле отсюда Художественная галерея Коркоран представила свою новаторскую выставку «Народное искусство чернокожих в Америке, 1930-80» в 1982 году, выставку, которая, вероятно, повлияла на коллекционирование Робсона.

Работая с кураторами, галеристами, владельцами антикварных магазинов и «сборщиками», коллекции пары росли с годами, особенно после того, как Маргарет Робсон овдовела в 2002 году.

«В последние пару десятилетий жизни моей матери искусство стало смыслом ее существования. Это то, что заряжало ее энергией и на чем она сосредоточила свою энергию», — говорит Робсон.

Untitled (JS 39)

Истории художников

Робсон, возможно, также помогла расширить границы этого жанра благодаря своей поддержке Центра искусств творческого роста в Окленде, штат Калифорния, который поощряет работу людей с ограниченными возможностями развития. Маргарет Робсон была одной из первых, кто купил сильно обернутые тканевые скульптуры Джудит Скотт, которая родилась глухой и страдала синдромом Дауна. Признание работ Скотта выросло настолько, что после ее смерти в 2005 году они были представлены на выставке 2014 года в Бруклинском музее и включены в Венецианскую биеннале в 2017 году. Маргарет Робсон «была очень вовлечена во множество способов, которыми многие коллекционеры «Это не так», — говорит Робсон, — «Ее работа в сфере защиты интересов помогла сделать это искусство более заметным в этой стране».

Робсон тоже увлекся нейродивергентным искусством из Арт-центра творческого роста. «Дэн Миллер был первой вещью, которую я купил у них в 90-х, — говорит он. «Два маленьких карандашных рисунка, выполненных с такой силой, что выглядели как проволока».

Это поразительная, почти 12 футов в длину, безымянная абстракция 2016 года от Миллера, которая является недавним подарком Робсона SAAM. Такая работа, по его словам, «показывает вам, что такое творчество может исходить из мест, которые мы даже не рассматриваем».

Для обоих поколений Робсонов искусство было тем, чем они окружали себя дома. Робсон вспоминает квартиру своей матери в Чикаго в конце ее жизни, где «скульптура Джудит Скотт висела в ее спальне — она просыпалась с ней каждое утро. Прекрасная купальня для птиц Уильяма Эдмундсона стояла прямо посреди ее квартиры. Она использовала его как мягкий плацдарм для своей почты».0003

«Она жила своим искусством. Она не хотела его хранить. Она хотела насладиться этим. Она хотела, чтобы люди наслаждались этим. Здесь шипы Альберта Мерца, людям это нравилось».

Мерц, бывший высекальщик из Мичигана, раскрасил сотни старых железнодорожных костров в яркие цвета, в горошек и на лицах. На выставке безымянная работа 1980 года стоит в углу. «Это всегда вызывало реакцию у людей, потому что они такие веселые и причудливые», — говорит Робсон. «Дети любили их, они всегда хотели подойти и поиграть с ними».

Робсон говорит, что когда его мать умерла в 2014 году в возрасте 82 лет, это было немного неожиданно. «У нее на самом деле не было четкого плана, что делать с коллекцией, но она говорила мне, только так, как могла моя мать: «Тебе придется иметь с этим дело когда-нибудь», что было где-то в между подарком и угрозой, я полагаю.

Без названия (Ванна для птиц с фигурками),

Спортивный обозреватель, освещающий теннис для таких изданий, как USA Today , Робсон говорит, что он не был полностью готов к этому вызову, «но когда я это сделал, я также был очень вдохновлен тем, что оставила моя мать, что своего рода катализатором моего собственного коллекционирования. путешествие.»

Пожертвование Смитсоновскому институту казалось естественным, говорит он, «здесь прошла часть моего детства. Это одно из крупнейших художественных учреждений, которое на раннем этапе придало этому виду искусства известность и сделало его частью американской истории. И мне нравится, что это бесплатно».

Он также предоставит серию симпозиумов Маргарет З. Робсон, которая состоится 7 октября этого года, под названием «Мы созданы из историй: самосознание и опыт в искусстве».

Выставка «Мы сделаны из историй: художники-самоучки в семейной коллекции Робсонов» продолжается в Смитсоновском музее американского искусства в Вашингтоне, округ Колумбия, до 26 марта 2023 года. Мы сделаны из историй: личность и опыт в искусстве / The Margaret Z. Robson Symposium Series» состоится 7 октября 2022 года. Регистрация открывается 7 сентября

Рекомендуемые видео

Marta Chrostowska, свежее искусство художника-самоучки

Marta Chrostowska — молодая художница-самоучка, которая достигла большой зрелости в своих работах.

Дело не в ее технике, а в чувствах, которые можно передать в каждой из ее картин.

Она родилась в Польше, но живет в Соединенном Королевстве и начала работать в основном маслом, акварелью и пером. Ее работа позволяет ей постоянно исследовать новые техники, предлагая зрителю увидеть искусство по-разному.

Ее искусство в основном сосредоточено на поведении людей, которое отражено в различных изображениях клоунов, шутов и масок, а также на китайской, японской культуре и астрологии. Не так давно она начала экспериментировать с абстрактной живописью, выходя за рамки стандартной формы холста.

Она считает, что настоящему художественному таланту нельзя научиться, его можно одарить.

Y Вы художник-самоучка, а это значит, что у вас нет мастеров, которые изменили бы ваш способ творчества, и что у вас есть собственная способность развивать вдохновение жизни в своих работах. Что это вдохновение делает для вас?

Да, действительно. Я из очень артистичной семьи. В детстве на меня повлияла творческая атмосфера, которая всегда присутствовала в доме моей семьи в Польше. Мои родители художники, такие же, как дедушки и бабушки и дяди. Я думаю, что я просто родился таким, с творческим потенциалом в моих генах. Мне никогда не хотелось заниматься искусством, оно уже было во мне. И вот откуда приходит вдохновение.

Мое образование связано с индустрией туризма и маркетинга. Я получил степень бакалавра в Международный туристический менеджмент с испанским языком, по которому я получил награду за свою общую работу. В декабре прошлого года я получил степень магистра в области цифрового маркетинга.

https://www.martachrostowska.co.uk

Я думаю, что вы ловите мгновения, которые предлагает человек, и вы преображаете их своим волшебным способом видеть жизнь. Как вы развиваете эти моменты?

Да, неприятные мгновения, которые затрагивают не только меня, но и всех нас. Развитие идет изнутри меня и обусловлено сильным самовыражением. Я вижу людей, которые лгут, манипулируют, как токсичных личностей, которые слишком слабы, чтобы противостоять своему истинному я, и я отражаю их через свое искусство как образы различных клоунов, шутников и шутов. На мой стиль также частично повлияла цифра 9.0203 Карнавал в Венеции который я наношу на лица в масках без рта.

Я вижу ваши работы, и они разные, но в каждой я чувствую глубину. Что вы хотите выразить этой глубиной?

В процессе творчества я активно использую свои эмоции. Я хочу, чтобы каждое мое произведение искусства имело смысл. Я не люблю создавать «пустое искусство». Через свои работы я в основном выражаю свои внутренние чувства по отношению к людям, которых я знаю или знал. Клоуны, шутники и шутники кому-то могут показаться «страшными» или «неприятными», но это идея того, как я отражаю человеческое поведение в своих работах. Эти произведения искусства изображают людей, которые прячут свое истинное «я» за масками, которые носят каждый день, притворяясь кем-то другим, кем они не являются, и да, такое поведение действительно неприятно.

Я считаю себя честным и очень прямым человеком. Я не терплю людей, которые носят вводящие в заблуждение маски, которые скрывают, кто мы есть на самом деле. Смысл этого типа искусства, который я делаю, состоит в том, чтобы выделить токсичное поведение и высвободить то, что я чувствую внутри. Отвращение ко всем этим нечестным, манипулирующим личностям, которые нас окружают, тратят наше время и силы впустую.

Джокеры, клоуны и этот фантастический мир героев фильмов и комиксов. Почему?

Я создаю, чтобы выразить то, что я чувствую. Для погружения в мой мир. Забыть реальность. Я черпаю столько вдохновения из фантастических фильмов. Мои любимые персонажи, которыми я вдохновляюсь, это Злая Королева из Белоснежка, Малефисента, Дейенерис Таргариен, Серсея Ланнистер, Джокер и многие другие. Мной движут темные персонажи — в основном дамы и джокеры. А также фэнтезийный мир Алисы в стране чудес и многие другие фильмы. Основываясь на этом ощущении кино, которое превращается в вдохновение, я создаю своих собственных персонажей. Их можно увидеть в моем разделе рисования «Существа».

Я всегда жил в своем воображаемом мире, который мне кажется самым лучшим из возможных. Свободный от токсичных людей и всего того негатива, который нас окружает. На мой взгляд, я просто свободен.

Готовы ли люди к вашему творчеству?

Некоторые да, некоторые нет. Многим из моих предыдущих покупателей понравился смысл моего искусства, и они нашли его очень интригующим. Некоторые люди никогда не повесят в своем доме клоуна или шутника. Этот тип темного искусства, которым я занимаюсь, в основном понимают люди, которые имеют схожий опыт и знают, откуда я родом и что я пытаюсь сказать через свои работы, или те, кого привлекает визуальное восприятие.

Я получаю множество вопросов о том, почему мое искусство. В основном, почему так темно, и комментирует: «Вы должны делать красивые вещи, такие как цветы…», но что такого особенного в цветах? Какое сообщение они могут передать?

Я всегда спрашиваю у приглашенных художников, что значит искусство?

Искусство есть выражение внутренних чувств и воображения.

Современное искусство дает много новых художников, но не все из них добиваются успеха. Как вы думаете, что должно быть у артиста, чтобы покорить сердце публики?

Я знаю нескольких очень талантливых друзей, которые перестали преследовать свои мечты, потому что потеряли веру и мотивацию. Получение художественной карьеры — чрезвычайно долгий процесс, который может занять годы или даже десятилетия. И не гарантировано, некоторые художники просто сдаются. Важен не только художественный талант, но и сильная мотивация, вера и страсть. Если вы просто любите то, что делаете, и делаете это постоянно, люди в конце концов увидят вас. По моему собственному опыту, у меня было много сомнений в том, достаточно ли я хорош и смогу ли я это сделать. Даже сегодня это все еще происходит, но на следующий день я просыпаюсь мотивированным и полным идей и энергии для творчества. Искусство — часть меня, и я никогда не остановлюсь. Шаг за шагом я расту как художник, и появляется больше возможностей, как это интервью.

Стать успешным художником также очень сильно зависит от людей, которых вы знаете, и от вашей сети. Не менее важен маркетинг и то, как вы представлены публике. Это ключевые факторы, которые может взять на себя лидер.

Если бы вы могли встретиться с художником прошлого, кого бы вы выбрали?

Определенно Леонардо да Винчи . Я в восторге от рассказов о его прошлом и всех тайнах, которые окружают его и его работы до наших дней. Говорят, что его картины не так просты, как может показаться, и это меня больше всего интригует. Многие источники утверждают, что Да Винчи кодировал свое искусство и рисовал секретные символы или сообщения в произведениях искусства, которые до сих пор остаются загадкой. Есть много теорий, представленных рядом профессионалов, но пока ничего не известно.

Марта Хростовска, 2030 год. Какой ты себя видишь?

Как признанный художник, зарабатывающий на жизнь своим искусством. Несмотря на то, что в арт-индустрии существует чрезвычайно высокая конкуренция, и так трудно получить там свое имя, в глубине души я знаю, что добьюсь успеха в карьере своей мечты. Это моя мечта с детства. Всю свою жизнь я сильно посвятил творчеству, благодаря чему мой талант и работа в конечном итоге были оценены и замечены. Эти ежедневные шаги самоотверженности и напряженной работы явно привели меня к ранним достижениям в карьере, которые я намерен развивать дальше. Я не вижу себя идущим в другом направлении, кроме искусства.

Образование

Университет Мидлсекса, Англия (Major) 2018 — 2019
— Цифровой маркетинг MSC (Различие)

Университет Чжзеджян, Китай
— Исследование «Программа интенсивного языка» и бизнес -курс 0303030303030303.

Культура в Китае

Университет Миддлсекса, Англия (специальность)
— Международное управление туризмом BA с испанским (различием, 2013 — 2017
Лучшее общее выступление года)

Universitat Politècnica de València, Испания — Erasmus 2016 — 2016
— Ba Tourrism и Jampage (Irasmus 2015
— Ba Tourrism и Jampange (Irasmus 2015
— итальянский)

Трудовой стаж

Самозанятый – Лондон, Англия0382

Visual Artist

— Управляет веб -сайтом, содержащим Art

— Управляет учетными записями в социальных сетях (Instagram, Facebook)

— создает искусство на ежедневной/еженедельной основе

— Собрание клиентов

Фонд Portait 1. Февраль 2020 г. – настоящее время

Благотворительная организация, принадлежащая известной портретистке Басии Гамильтон под патронажем Его Королевского Высочества герцога Кентского.

Manages and runs charity’s social media accounts, organizes art competitions for children and helps with artwork exhibitions

Group Exhibitions

Polish Social and Cultural Association POSK – Hammersmith, London 2020

Collections

Частная коллекция – Маленькая Венеция, Лондон
Частная коллекция – Портман-сквер, Лондон
Частная коллекция – Home House, Mayfair, Лондон
Частная коллекция – The Polish Hearth Club, Южный Кенсингтон, Лондон
Частная коллекция – Сент-Джонс Вуд, Лондон
Частная коллекция – Swiss Cottage, Лондон
Частная коллекция – Hendon Central, Лондон
Частная коллекция – Бирмингем
Частная коллекция – Котсуолдс

Награды

Художественный конкурс The Foreign Few 2020

Приз за второе место

Международный фестиваль моды и искусства FLAME 2019

Награда за лучший огненный художник

Художники-самоучки | Публикации Дэвиса

Дом
Самые последние
Уголок куратора
Художники-самоучки

Уголок куратора

академический Азиатское искусство Китайский модернизм пейзаж Лимнер миниатюрное искусство морской пейзаж художник-самоучка женщины-художники

Карл Коул, опубликовано 23 апреля 2018 г.

Недавно я изучал безумно прекрасное искусство современной художницы Кармен Картинесс Джонсон (я писал о ней еще в феврале) и заметил, что в заявлении ее художника прямо сказано, что она «самоучка». Теперь, за исключением полутора лет в школе художественного музея в Чикаго, я по существу художник-самоучка. Но, в отличие от Джонсона, мои работы не выставляются в музеях. Вы понимаете, к чему я клоню?

Я написал биографии сотен художников — о том, где они учились, у кого учились и кто на них повлиял. И все же мне кажется, что словосочетание «самоучка» часто вызывает в воображении некоторых искусствоведов (особенно имеющих докторскую степень) образы «визионерского искусства».

С начала 1900-х годов то, что когда-то считалось наивным искусством самоучек, было переоценено тем, чем оно является на самом деле: искусством, которое отвечает внутреннему видению, которое часто богаче и выразительнее, чем работы художников, следующих академическим путем. . Это особенно повлияло на многих известных художников дадаизма, сюрреализма и абстракции. Я лично решил преуменьшить значение формального образования и подчеркнуть, что вдохновляло художников и как у них была врожденная способность выражать это в будущих биографиях художников. Как насчет этого?

Сколько музейных стен было бы заметно голыми без творчества художников-самоучек? Представляю вашему вниманию работы художников, представленных в крупных музеях, все с «громкими именами», которые по сути были художниками-самоучками.

Сара Гудридж (1788–1853, США), Сара Солсбери Таппан, ок. 1830. Акварель на слоновой кости, 3 7/16″ x 2 11/16″ (8,7 x 6,8 см). © Художественный музей Вустера, 2018. (WAM-380)

Когда Сара Гудридж (1788–1853) росла на ферме в Темплтоне, штат Массачусетс, в конце 1700-х — начале 1800-х годов, те немногие права, которые были предоставлены женщинам, не включали посещение ограниченного числа художественных школ. в США в то время. Женщин, проявивших способности к рисованию в раннем возрасте, в основном обучали родственники-мужчины, если они оказывались художниками. Гудридж отточила свои навыки рисования, когда переехала в Бостон, чтобы проводить время с жившим там братом. Хотя она, возможно, брала уроки в Бостоне, в основном она была самоучкой. Портретная миниатюра была профессией, в которой женщинам было легче преуспеть, потому что работа могла выполняться дома. В Бостоне она познакомилась с художником Великого Манера Гилбертом Стюартом (1755–1828), чьи работы, возможно, повлияли на ее собственный стиль.

Гудридж открыл студию в Бостоне в 1820 году и стал одним из самых плодовитых портретистов-миниатюристов первой половины 1800-х годов. По сравнению с ее современными художниками-миниатюристами, фигуры Гудридж демонстрируют более основательное моделирование и пристальное внимание к физическим деталям. В то время, когда был написан этот портрет женщины из элитной семьи Вустера, Гудридж создавала целых две картины в неделю и могла поддерживать свою семью своим искусством.

Уинслоу Гомер (1836–1910, США), Ветер (Попутный ветер), 1873–1876. Холст, масло, 24 ¼ дюйма x 38 3/16 дюйма (61,5 x 97 см). © 2018 Национальная художественная галерея, Вашингтон, округ Колумбия. (NGA-P0230)

Уинслоу Гомер (1836–1910) безусловно — после Томаса Икинса (1844–1916) — один из величайших американских реалистов 1800-х годов. Гомер родился в Бостоне, и его родители поощряли его рисовать в раннем возрасте. Рисование стало основным источником его дохода в течение первых двух десятилетий его жизни. Он оттачивал это мастерство, внимательно наблюдая за повседневной жизнью. Этот жанр стал одной из его сильных сторон как иллюстратора, когда в 1855 году его нанял бостонский литограф Джон Баффорд (1810–1870) (соперник Карриера и Айвза). его художественное мастерство.

В 1859 году он стал внештатным иллюстратором в Нью-Йорке для ряда публикаций и служил военным «корреспондентом» еженедельника Harper’s во время Гражданской войны (1860–1865). Во время той войны он все больше и больше концентрировался на живописи. Он перевел многие из своих зарисовок времен Гражданской войны в картины после 1866 года, когда провел год во Франции. Хотя в то время во Франции зарождался импрессионизм, Гомера больше привлекало движение реализма, особенно художников Барбизона, которые делали упор на живопись на открытом воздухе и визуальную реальность. Его также тронули работы голландских художников-пейзажистов в стиле барокко, работы которых он видел в Лувре.

Еще в 1873 году Гомер увлекся рисованием океанских и других водоемов после посещения Глостера, штат Массачусетс, где он нарисовал эту сцену акварелью. Как и голландские художники-маринисты в стиле барокко, Гомер провел множество этюдов волн и света на воде на открытом воздухе, чтобы создать свои морские работы, которые всегда были полностью написаны в студии. Для эффектов яркого солнечного света и глубокой тени Гомер использовал традиционный академический метод полутонов и теней, используя черный и белый цвета, добавленные к локальному цвету.

Роберт Мазервелл (1915–1991, США), Элегия Испанской Республике № 34, 1953–1954. Холст, масло, 80 х 100 дюймов (203,2 х 254 см). Художественная галерея Олбрайт-Нокс, Буффало, Нью-Йорк. © 2018 Estate of Robert Motherwell, Лицензия VAGA, Нью-Йорк.

(АК-453мовг)

Абстрактный экспрессионизм был первым движением местного модернистского искусства в США. Он расцвел после примерно двадцатилетнего периода правления реализма, особенно соцреализма. Большое влияние на это движение оказали художники-эмигранты из Европы во время Второй мировой войны (1939–1945), многие из которых имели опыт сюрреализма и дадаизма.

Сюрреалистическая эстетика «автоматического творчества» или превосходства подсознания в творчестве была одним из мотивирующих факторов среди абстрактных экспрессионистов. Абстрактных экспрессионистов также привлекало любое европейское движение, выступавшее за полную абстракцию, в том числе Де Стиль и русские движения супрематизма и конструктивизма.

Роберт Мазервелл (1915–1991) был самым молодым представителем «первого поколения» абстрактных экспрессионистов. Его раннее образование было в области ИСТОРИИ ИСКУССТВ, литературы и философии в Стэнфордском университете в Калифорнии. Как художник он был в основном самоучкой, за исключением краткого формального обучения у швейцарского сюрреалиста Курта Зелигмана (1900–1962) в Нью-Йорке в 1941 году. Там он встретил ряд других сюрреалистов, и на него больше всего повлияла идея их эстетики, основанной на интуитивных, иррациональных и случайных аспектах создания произведения искусства.

Мазервелл написал свою первую версию Элегия Испанской Республике в 1948 году. Это была его глубокая реакция на поражение Испанской Республики фашистами в 1930-х годах. За свою жизнь он написал более 150 вариантов этой темы. В отличие от яркой палитры других его картин, 9В серии 0017 Elegy преобладали черно-белые цвета. Подобно картине Пикассо (1881–1973) Герника , серия Мазервелла Элегия приравнивала черный цвет к смерти, а белый к жизни. К 1960-м серия стала монументальной по масштабу, почти фресковой. Небрежные формы художник задумал символизировать вселенскую трагедию. Эта конкретная версия связана с отношением Мазервелла к Корейской войне (1950–1953 гг. ).

Wong Wucius (род. 1936, Китай), Towards Enlightenment B (Green), 1991. Цветная офсетная литография на бумаге, 30 дюймов x 21 5/8 дюйма (76,2 x 54,9 см). Художественный музей Филадельфии. © 2018 Вуциус Вонг. (PMA-5258)

Художники независимого или прогрессивного склада ума явно не приветствовались в Китае Мао Цзэдуна (1893–1976). После образования Китайской Республики в 1948 году многие китайские художники переняли западные художественные стили, но это было отменено, когда к власти пришли коммунисты, которые выступили за то, чтобы китайские художники следовали «революционному реализму». Это западный эквивалент соцреализма, стиль, который призван поднимать настроение в повседневной жизни, сногсшибательно ударяя по голове.

«Культурная революция» (1966–1976) должна была привести общество в соответствие с «прогрессивными» идеями Мао, но закончилась преследованием многих известных художников. «Провал» коммунизма в конце 1980-х годов, наряду с началом диалога с Китаем Дэн Сяопином (1904–1997) в 1978 году, породил бум китайской экономики в 1990-х годах. Художники все больше отворачивались от политического контекста и экспериментировали с традиционными сюжетами и формами, часто в реалистической эстетике. Однако все чаще модернистские интерпретации традиционного китайского искусства становились нормой.

Вонг Уциус (1936 г.р.) родился в провинции Гуандун и переехал с семьей в Гонконг в 1938 г. Сначала он изучал литературу, но постепенно выбрал профессию художника. дополнил свою работу известным каллиграфом Луи Шоу-кваном (1919–1975) в возрасте 14 лет. В круг его учителей входили многие художники, которые были пионерами в изучении западного модернизма в рамках традиционных китайских тем, таких как почитаемый пейзаж.

К просветлению — это продолжающаяся серия, в которой Вонг сочетает традиционный буддийский поиск нирваны, всегда связанный с пейзажной живописью, с современным интересом к абстрактному дизайну, которому он научился у таких художников, как Зао Воу-ки (1921–2013), который находились под влиянием поздних пейзажей Сезанна (1839–1906).

10 известных художников-самоучек и их великие картины

12 известных художников-самоучек, добившихся большого успеха

1. Поль Гоген / Eugène Henri Paul Gauguin

2. Джек Веттриано / Jack Vettriano (он же Джек Хогган)

3. Анри Руссо / Henri Julien Félix Rousseau

4. Морис Утрилло / Maurice Utrillo

5. Морис де Вламинк / Maurice de Vlaminck

6. Аймо Катаяйнен /Aimo Katajainen

7. Иван Генералич / Ivan Generalić

8. Анна Мозес / Anna Mary Robertson

9. Екатерина Медведева

10. Кирон Уильямс / Kieron Williamson

11. Пол Ледент / Pol Ledent

12. Хорхе Масьел /

Двенадцать самых успешных художников-самоучек — Государственный музей изобразительных искусств Республики Ингушетия

Кирон Уильямсон, Винсент ван Гог, Поль Гоген, Анри Руссо, Анна Мозес

Кирон Уильямсон

Винсент ван Гог

Поль Гоген

Анри Руссо

Анна Мозес

Больше новостей

Йоко Оно, Джек Веттриано, Фрида Кало, Морис Утрилло, Екатерина Медведева

Джек Веттриано

Йоко Оно

Фрида Кало

Морис Утрилло

Екатерина Медведева

Больше новостей

Известные художники-самоучки

Теги

Рекомендуем почитать

8 Известные художники-самоучки

Что такое искусство самоучка и что значит быть художником-самоучкой?

Определения, исторические факты и художники этого жанра

Определения искусства-самоучки и художников

Подмножества искусства самоучки

Народное искусство

Искусство аутсайдеров

Art Brut

Примитивное искусство

Наивное искусство

Народное искусство

Некоторые известные художники-самоучки

12 художников-аутсайдеров, которые доказывают, что вам не нужно ходить в художественную школу

Очарование самоучки | В Смитсоновском институте

Мы созданы из историй: художники-самоучки в семейной коллекции Робсонов

Жанр самоучки

Истории дальновидных художников

Сбор самоучки

Самовыражение за пределами мейнстрима

Истории художников

Marta Chrostowska, свежее искусство художника-самоучки

Художники-самоучки | Публикации Дэвиса

Добавить комментарий Отменить ответ