Кока кола арт: Coca-Cola объявляет конкурс на арт-объект из отходов с призовым фондом 500 тысяч рублей

История поп-арта в предметах и продуктах • Arzamas

21 сентября 2018Искусство, История

Зачем Энди Уорхол рисовал банки с супом Campbell, а Роберт Раушенберг — кока-колу? В издательстве Ad Marginem в серии «Основы искусства» вышла книга Флавии Фриджери «Поп-арт». Arzamas публикует главу «Поп-арт и рынок»

«Устав от аскетичности абстрактного экспрессионизма, молодые художники обратились к таким приземленным вещам, как кока-кола, мороженое, гамбургеры, супермаркеты, вывески „ЕДА“. Их глаза изголодались, они жаждали эмоций…»

 

Роберт Индиана. 1963 год

Джаспер Джонс. Окрашенная бронза. 1960 год © Jasper Johns / Museum Ludwig, Köln

Центральное место в сюжетном репертуаре поп-арта принадлежит всевозмож­ным продуктам и товарам — от кусков торта до сломанных игрушек. Размыш­ляя над пестрым изобилием упаковок и над экономическими стратегиями, стоящими за их разработкой, поп-артисты заостряли внимание как на неотра­зимом очаровании дизайна товаров, так и на темных сторонах потребления.

Джаспер Джонс одним из первых использовал готовый товар в качестве пред­мета художественного копирования, создав «Окрашенную бронзу» (1960) — аккуратную бронзовую репродукцию двух банок пива Ballantine. Эта работа обязана своим появлением реплике другого художника, Виллема де Кунинга, в адрес Джонса. Говоря о Джонсе и его влиятельном дилере Лео Кастелли, де Кунинг однажды бросил: «Если сунуть этому сукину сыну пару банок из-под пива, он и их продаст». Джонс, узнав об этих словах, решил отнестись к ним серьезно и отлил в бронзе две пивные банки, которые Кастелли действительно с успехом продал. По этому эпизоду можно судить не только о соперничестве между находившимся на закате славы абстрактным экспрессионизмом и зарождавшимся поп-артом, к которому имел отношение Джонс, но и о воз­раставшем интересе художников к коммерческой культуре.

Уорхол считал кока-колу эталоном общедоступного товара в поп-мире и эмблемой потребления:

«Что замечательно в нашей стране, так это то, что Америка положила начало традиции, по которой самые богатые потребители покупают, в принципе, то же самое, что и бедные. Ты смотришь телевизор и видишь кока-колу, и ты знаешь, что президент пьет кока-колу, Лиз Тейлор пьет кока-колу и, представь себе, ты тоже можешь пить кока-колу».

Главное в этих словах — указание на демократичность кока-колы, одной и той же для любого потребителя, независимо от его расы, пола и социального стату­са. Другие товары, рассматриваемые в этой главе, тоже банальны настолько, что кажутся не заслуживающими интереса, и в то же время самой своей повсе­местностью интересны для художников, которые отозвались на них множест­вом восхищенных или вдумчиво-критичных реплик.

Суп Campbell: день за днем двадцать лет

Энди Уорхол. Банки супа Campbell. 1962 год © Andy Warhol / MoMA

Одной из эмблем творчества Уорхола стала банка супа Campbell — товар, кото­рый имеется в каждом доме и в любом супермаркете, а потому, как и кока-кола, уравнивает друг с другом всех своих потребителей. Свой интерес к этому сюжету Уорхол объяснял обыкновенной привычкой: «Просто одно время я ел суп Campbell постоянно. У меня в течение, наверное, лет двадцати каждый день был один и тот же ланч: день за днем одно и то же». Многократные повторы, которым он подверг суповую банку, кажутся под стать этой двадцатилетней череде одинаковых ланчей.

Первыми в его большой серии двумерных реплик ходовых консервов стали «Банки супа Campbell» (1962) — тридцать два небольших холста, первоначально выставленные в галерее Ferus в Лос-Анджелесе. Демонстрация откровенно рутинной магазинной продукции в качестве искусства вызвала полярные реакции — от заинтригованного замешательства до возмущения и насмешек. Одна из соседних галерей сочла остроумным выставить в своей витрине банки настоящего супа Campbell с ценниками в 60 центов. Картины Уорхола поку­пались неохотно, и его галерист в конце концов решил продать их все сразу со скидкой. Так они и стали единым и неделимым произведением, ныне находящимся в собрании нью-йоркского Музея современного искусства.

Кока-колонизация

1 / 2

Роберт Раушенберг.  Кока-кола: план. 1958 год© Robert Rauschenberg / MoCA

2 / 2

Юсио Синохара. Кока-кола: план. 1964 год© 篠原有司男 / 富山県立近代美術館

Для Уорхола кока-кола была товаром, символизирующим всеобщее равенство в потребительском мире. Однако многие другие художники усматривали в ней характерное проявление капиталистического империализма. Красная этикетка, распространенная рынком по всей планете, стала визуальной неизбежностью, и это не могло не навести поп-артистов на мысль о скрывающейся за ней претензии на мировое господство.

Роберт Раушенберг, один из признанных родоначальников поп-арта, представил знаменитый бренд как культурную и социальную икону Америки в работе «Кока-кола: план» (1958). Победоносная роль товара, поставляемого всюду, выражена здесь крыльями, прикрепленными к конструкции с тремя бутылками кока-колы. Явно отсылающие к прославленной греческой статуе Нике Самофракийской (около 200–190 до н. э.), эти крылья с изрядной долей иронии затмевают исторический памятник «светочем современности».

Если Раушенберг, пусть иронически, прославлял кока-колу, а следовательно, и Америку, то японский художник Юсио Синохара едко посмеялся над ними обеими, создав свой «Кока-кола: план» (1964). Он познакомился с американ­ским поп-артом по публикации в журнале Art International за январь 1963 года и немедленно решил создать новое направление, названное им «имитативным искусством». Уже в сентябре того же года в токийской галерее Naiqua были выставлены его пародии на знаменитые поп-произведения, в том числе размноженные реплики работы Раушенберга. Синохара предпринял остроум­ную попытку развенчать американский поп-арт его же средствами — показать, что произведения поп-артистов, особенно тех из них, которые охотно исполь­зуют репродукцию и тиражирование, не застрахованы от выхода в тираж и сами. Взяв на вооружение подход американских художников к коммерческим продуктам вроде кока-колы, японский художник ощутимо пошатнул ориги­нальность произведений Раушенберга и, шире, всего поп-арта в целом.

Его имитация искусства, и так уже имитативного в силу своих сюжетов, предста­вила кока-колу — «триумфальное знамя» Америки — как обычный одноразо­вый и легко воспроизводимый товар.

Иcтория игрушек

1 / 3

Криста Дихганс. Рождество — Нью-Йорк. 1967 год© Christa Dichgans / Contemporary Fine Arts, Berlin

2 / 3

Эрро. Продовольственный пейзаж. 1964 год© Erró / Moderna Museet

3 / 3

Дерек Бошьер. Особая К. 1961 год© Derek Boshier / The Mayor Gallery

Немецкая художница Криста Дихганс, увлеченная потребительскими товарами не столько как образами, сколько как особого рода вещами, создала ряд инте­ресных произведений на тему игрушек — в частности, «Рождество — Нью-Йорк» (1967). Поселившись в начале 1960-х годов в Нью-Йорке, Дихганс испы­тала большое впечатление от «гор старых игрушек», увиденных ею в центрах Армии спасения  Армия спасения — международная благотворительная организация, основанная в 1865 году в Великобритании для оказания помощи нуждающимся.

. Поскольку у нее самой был маленький сын, она имела и непосредственный опыт разбора игрушек, сваленных в беспорядке. В картине «Рождество — Нью-Йорк», входящей в серию, которую Дихганс посвятила этой теме, речь идет о рождественской лихорадке подарков, но вместо новых игру­шек, ожидающих распаковки, мы видим кучу потрепанных медведей, кукол, лошадок на колесах и т. п. Возможно, когда-то они были желанными подарка­ми, но теперь явно утратили весь свой коммерческий и эмоциональный престиж.

Исландский художник Эрро (Гудмундер Гудмундсон), с конца 1950-х годов живущий и работающий в Париже, критиковал потребительские привычки, связанные с американским образом жизни и символизируемые изобилием супермаркетов. Во Франции Эрро быстро вошел в контакт с местными худож­никами, которые стремились придать новую актуальность фигуративной живо­писи, обращаясь в поиске сюжетов к повседневности и, в частности, к обществу потребления. В полотне Эрро «Продовольственный пейзаж» (1964), с которого на зрителя обрушивается пестрая лавина всевозможных пищевых продуктов, читается откровенный сарказм в адрес мании приобретательства, порождаемой американской идеологией консюмеризма.

В этом море еды потребителю пред­ла­гается и навязывается всё — от щедрых сырных тарелок до плиток шоколада и тортов, нарезанных на куски.

Обнажая логику потребления, заставляющую людей покупать уже не в силу необходимости, а во власти неотразимого соблазна рекламы, такие картины, как «Продовольственный пейзаж» и почти современная ему «Особая К» английского художника Дерека Бошьера (1961), указывали на неуклонно растущую мощь экономико-политического влияния США. Бошьер, заимство­вав культовую красную букву «К» из фирменного стиля бренда сухих завтраков Kellogg’s, представил ее в виде космической ракеты, несущейся вверх. В резуль­тате буква стала намеком на соперничество США и СССР за контроль над кос­мосом и символом ненасытной власти, жаждущей подчинить себе всё — как на Земле, так и за ее пределами. В одном из первых обзоров творчества Бошьера Ричард Смит писал:

«Некоторые его сквозные темы подпадают под рубрику американизма. В этикетку спичек „Слава Англии“ или в кубинский флаг вторгаются звезды и полосы, рядом с английским „Юнион Джеком“ стоят две бутылки пепси-колы. Приветствуется ли этот американизм, осуждается или просто принимается как данность, неясно, как неясно и значение космических сюжетов, появляющихся у Бошьера. По-видимому, он не склонен прославлять современную технику. Возможно, речь даже не идет о космическом соперничестве: космонавты явно важны, но и другие герои приобретают в космосе Бошьера не меньшее значение».

Если Уорхол с воодушевлением изображал самые популярные американские товары вроде супа Campbell, то европейские художники — Дихганс, Эрро, Бошьер и другие — относились к обществу потребления гораздо более критично. Промежуточное положение между двумя этими позициями занимает имеющий ныне культовый статус «Магазин» Класа Олденбурга.

Как в настоящем магазине

Клас Олденбург. Магазин: витрина с пирожными. 1962 год © Claes Oldenburg / MoMA; The Sidney and Harriet Janis Collection

Олденбург открыл свой «Магазин» 1 декабря 1961 года в доме 107 по 2-й Восточной улице Нью-Йорка. Описывая основные характеристики этого проекта в тексте, который читается и как художественный манифест, и как обычная программа действий, он писал:

«„Магазин“, или „Мой магазин“, или Ray-Gun Mfg. Co., находящийся в доме 107 по 2-й Восточной улице Нью-Йорка, имеет 80 футов в высоту и около 10 футов в ширину. В переднем помещении я планирую создать обстановку типичного магазина, нарисовав и разместив (развесив, поставив, положив) там предметы, имеющие форму и вид популярных товаров, как это делается в настоящих магазинах, в их оконных витри­нах и рекламах на близлежащей территории».

Вскоре «Магазин» стал центром деятельности Олденбурга: он работал не толь­ко как пункт продажи предметов, созданных художником, но и как мастерская, где производились эти «как бы товары». Блюда с едой, торты, предметы одеж­ды… — при всем своем разнообразии все они размывали границу между банальными повседневными вещами и ценными произве­дениями искусства. В «тортах» и других работах Олденбурга чувствуется рука скульптора и живо­писца, не позволяющая усомниться в их художественном статусе: сделанный из пропитанного гипсом холста, каждый предмет после просушки раскраши­вался в раскованной манере, не лишенной сходства как с любительскими натюрмортами, так и с жестуальной эстетикой абстрактного экспрессионизма.

Олденбург подчеркивал антимузейный, а значит, хотя прямо он об этом и не говорил, подрывной характер «Магазина», который в конечном счете лишь инсценировал магазинную торговлю, а на самом деле обнажал истинную суть музея. Там можно было что-то купить, но цены были абсурдными. Хлеб, ветчина, сласти и другие «продукты» стоили намного дороже их реальных аналогов и тем самым позволяли наивным покупателям почувствовать, что они приобретают произведения искусства. Имитируя общераспространенную еду, Олденбург, таким образом, направлял критику в направлении, противопо­лож­ном тому, которому следовал Эрро, рисуя пестрые горы продуктов, — не на об­щество потребления, а на систему искусства. Но обоим художникам еда служи­ла способом выявления и подрыва потребительских привычек.

Торт, торт, торт

Уэйн Тибо. Торты. 1963 год © Wayne Thiebaud / National Gallery of Art

Калифорнийский живописец Уэйн Тибо, тоже любивший изображать пищевые продукты, смотрел на них — например, в картине «Торты» (1963) — глазами счастливого потребителя. Простые по композиции и обыденные по сюжету, его натюрморты представляют товары во всей их соблазнительной красоте. В отли­чие от грубых изделий Олденбурга, торты Тибо желанны. Их яркие пастозные краски не менее аппетитны для глаз зрителя, чем воздушное тесто и густой крем реальных кондитерских изделий. Говоря о своем увлечении темой еды, Тибо признавался:

«У еды есть один аспект, который мне особенно интересен. Еда — это своего рода ритуальное подношение в том смысле, что ее готовят так, как будто бы речь идет о чем-то большем, чем просто еда: украшают ее, пытаются придать ей необычный вид. В этом есть связь с нашим жела­нием получить больше, чем у нас есть. Или узнать больше, чем мы зна­ем».

Внимание к ритуальному значению, которое придается еде, позво­лило Тибо проницательно взглянуть на потребление и на стратегии соблазна, используе­мые для продвижения продукции коммерческими дизайнерами. Он сам, поддаваясь этому соблазну, восхищался «велико­лепными, прекрасными, как игрушки» тортами, по-детски радовался краскам и формам продуктов, являя собой образ типичного американца. Помимо тортов, он посвятил множество картин хот-догам, сэндвичам и мороженому. Его картины 1960–1962 годов достаточно полно зафик­сировали тогдашний ассортимент общественного питания США. В 1961 году Тибо привез несколько своих работ в Нью-Йорк, а год спустя пред­ставил их на обозрение публики. Красота живописи не поме­шала искушенным зрителям усмотреть в них социальный критицизм, и Тибо вскоре был признан основателем «школы тортов» и одним из ведущих представителей поп-арта.

Жизнь с поп-культурой

1 / 2

На выставке Герхарда Рихтера и Конрада Люга «Жизнь с поп-культурой. Презентация капиталистического реализма». 1963 годeiskellerberg.tv

2 / 2

К. П. Бремер. «Девушка 25. Чувство между пальцами…». 1968 год© K. P. Brehmer / Walker Art Center

Самопровозглашенными лидерами немецкого поп-арта стали в начале 1960-х годов Герхард Рихтер, Конрад Люг и Зигмар Польке. «Поп-арт не является американским изобретением, — заявляли они. — Мы не должны видеть в нем импортный товар. <…> Это искусство способно дать в нашей стране органичные и самостоятельные всходы». Подобно многим художникам, работавшим в поп-стилистике за пределами Америки, Рихтер, Люг и Польке стремились утвер­дить свою независимость от властных заокеанских авторитетов. И все же выставка Рихтера и Люга «Жизнь с поп-культурой. Презентация капита­листического реализма» (1963) имела много общего с «Магазином» Олден­бурга.

Расположившись на территории мебельного магазина в Дюссельдорфе, художники концептуально переосмыслили его пространство и устроили в нем свои пародийные гостиные и спальни. В центре экспозиции сами Рихтер и Люг, одетые в безупречные костюмы, сидели, соответственно, на диване и в кресле, а эти предметы мебели были установлены на белых пьедесталах, как подобает скульптурам. Перед этими живыми статуями стоял телевизор, по которому шли новости об отставке канцлера ФРГ Конрада Аденауэра. На «экономическое чудо», свершившееся в Германии при Аденауэре, и направлялась критика Рихтера и Люга. Подрыв потребительских норм, приличествующих мебель­ному магазину, привел к принудительному закрытию выставки через два часа после ее начала, и тем не менее она ознаменовала зарождение «капиталисти­ческого реализма» — немецкого варианта поп-арта, занявшего четкую позицию в отношении общества, экономики и политики.

Куратор и дилер Рене Блок, взявшийся за продвижение нового направления, в 1964 году открыл в Западном Берлине свою галерею и наряду с проведением выставок начал выпуск эстампов представляемых им художников. Один из них, дипломированный гравер и графический дизайнер К.  П. Бремер, направил свой опыт на сатирическое обыгрывание стратегий рекламы, примером которого служит его работа «Девушка 25. Чувство между пальцами…», включенная в изданное галереей Рене Блока портфолио «Графика капиталистического реализма» (1968). В верхней части листа девушка в чувственной позе курит сигару, имеющую откровенно фаллический подтекст, а внизу к бумаге прикле­ены четыре пакетика с семенами цветов и овощей. Неестественные цвета, в которые окрашена фотография девушки, обращают внимание на то, насколь­ко обманчив привлекательный вид лука, моркови, огурцов и хризантем, изображенных на пакетиках: они слишком яркие, чтобы быть реальными, и их истинная функция — обещание чудес на домашней грядке. Как и многие другие представители поп-арта, Бремер указал на стремительно растущую власть рекламы — одну из определяющих тенденций 1960-х годов.

Культ чистоты

Томас Байрле. Аякс. 1966 год © Thomas Bayrle / Museum für Moderne Kunst Frankfurt am Main

Еще один немецкий художник — Томас Байрле, не связанный с движением капиталистического реализма — в 1966 году создал конструкцию под назва­нием «Аякс», тоже вступившую в критически ориентированный диалог с рек­ламой. Отсылающая к упаковке одноименного чистящего порошка, эта работа саркастически отразила двойственную одержимость чистотой, которая охва­тила послевоенную Германию: культ чистого дома совпал со стремлением очиститься от нацистского прошлого. Обе эти тенденции в нерасторжимом единстве воплощают бесчисленные хозяйки, заполняющие поверхность «Аякса» Байрле.

микрорубрики

Ежедневные короткие материалы, которые мы выпускали последние три года

Архив

Арт-объект – «Экран Футбола с Coca-Cola» — LEDGO Digital Light

Компания Coca-Cola при поддержке правительства Москвы создала уникальный арт-объект – «Экран Футбола с Coca-Cola» в Парке Горького, посвящённый ЧМ-2018, и предоставила возможность сотням тысяч болельщиков поделиться тем, как они отмечают главный футбольный праздник планеты.

Единственная в своём роде платформа позволяет болельщикам поделиться эмоциями и разделить со всем городом радость и гордость от проведения в России первого мундиаля. Разместить свою фотографию можно тремя способами: сделав фото на стенде активаций Coca-Cola на Фестивале болельщиков FIFA, через приложение «ВКонтакте» «Футбольный праздник с Coca-Cola», а также прямо в Парке Горького. Популярные музыканты, исполнители гимна Coca-Cola к чемпионату мира Баста и Джейсон Деруло будут активно призывать всех поучаствовать в активации и продемонстрировать свою готовность к футбольному празднику.

В кинетическом арт-объекте объединены движение семиметровой скульптуры-экрана, видеоизображение и интерактивный подиум. Подиум представляет собой макет футбольного стадиона, а светодиодный экран состоит из 18 колец, 17 из которых вращаются со скоростью два оборота в час, и напоминает летящий над стадионом мяч. Каждое кольцо экрана было изготовлено индивидуально, максимально тонко и с минимальным сечением, что обеспечивает эффект лёгкости всей конструкции.

Арт-объект создавался молодыми московскими архитекторами Михаилом Бейлиным и Даниилом Никишиным из архитектурной группы Citizenstudio и был вдохновлён такими произведениями как «мобили» Александра Колдера, а также скульптурами Наума Габо. Главным прообразом послужила Солнечная система – орбиты, по которым движутся планеты. Сферический объект совмещает в себе ассоциации как с летящим футбольным мячом, так и с движущейся по орбите планетой, так как чемпионат мира – событие планетарного масштаба. Музыкальное сопровождение для инсталляции было написано популярным диджеем Кариной Истоминой.

Видеопанели были разработаны и изготовлены компанией LEDGO.

«Зелёные бутылки кока-колы» Энди Уорхола

Зелёные бутылки кока-колы — Энди Уорхол. 1962

   Свой творческий путь Энди Уорхол начал как рекламный оформитель – он создал удачную рекламу обувной компании. Но настоящий поворот в его творческих представлениях совершили вот эти зелёные бутылки «Кока-Колы», созданные в 1962 году.

   Уорхол вдруг сделал для себя удивительное открытие – предметом искусства может быть всё, что угодно. Зерном своей картины он сделал известный рекламный бренд. Более того, культуру массового потребления он возвёл до искусства. Тем самым, Уорхол сместил парадигмы восприятия эстетических ценностей – он сделал ставку на массовость, а не на элитарность, как это было до него. Его зритель не ищет свежий взгляд, новую палитру, технику, изысканные мазки – всё изображённое на картине просто и понятно. Так родилось направление поп-арт, иными словами популярное, все доступное и от того всем понятное искусство.

   Сам художник неподдельно восхищался тем, что Америка, страна, в которой он жил, явилась прародительницей массового потребления — «Кока-Колу» пьёт и Лиз Тейлер, и сам президент, и обычный человек. Этот же принцип он переносил и на искусство: то, что понятно «высокому» зрителю, должно быть понятно и «простому смертному».

   Все пьют Колу! Именно это фраза однажды ляжет в одну из грандиозных рекламных акций, проводимых компанией, которая выпускает напиток, на волне конкуренции с другим известным брендом, «Пэпси».

   Между тем, стоит вспомнить, что изящные линии бутылки «Кока-Колы» вдохновляли некоторых художников и до Уорхола. В частности, «Кока-Колу» можно встретить на полотнах Сальвадора Дали и Марисоля Эскобара. Однако их «Кола» не стала каким-то символическим элементом культуры, в то время как картину Уорхола ставят в число тех картин, что стоят у истоков «поп-арта». Это некий символ поколения, символ послевоенной Америки.

   К бутылке «Колы» Уорхол обращался не раз в своём творчестве, рисуя её то поодиночке, то группой в различных цветовых интерпретациях. Пожалуй, в этом есть некая ирония: бутылка «Кока-Колы», которая стоила во времена Уорхола около 10 центов, сегодня в изображении мастера уходит с молотка за десятки миллионов долларов. Такая «Кола» доступна далеко не всем, а лишь единицам, которые в подавляющем числе желают оставаться инкогнито!

   Со временем, «Зелёные бутылки «Кока-Колы» стали фирменной визитной карточкой Уорхола, наряду с банками супа «Кэмпбелл», разноцветной Мерлин Монро и ровными рядами однодолларовых купюр.

Vintage Coca Cola Plush Stuffed Bear Collectibles Art & Collectibles aloli.ru

Оставить отзыв

Добавить отзыв

Адрес: 182302, Псковская область, Пустошкинский район, п/о Заречье, д. Холюны
Телефоны: 89113834038; +7(81142) 2-12-49; факс 2-10-68 Телефон регистратуры: 2-19-90
Координаты для навигатора: долгота: 29°10’34» в.д. (29.17611) широта: 56°25’22.82″ с.ш. (56.423006)

Как добратся поездом из Москвы: с Рижского вокзала поездом Москва — Великие Луки, далее рейсовым автобусом до турбазы, либо такси. Большие группы встречает на жд. вокзале автобус турбазы. Расписание автобусов здесь

Как добратся автомобилем из Москвы: По трассе М9 Москва — Рига нужно доехать до г. Пустошка, это примерно 550 км, далее повернуть на Псков и по трассе M20 Киев — Петербург проехать до турбазы (18 км). Турбаза будет расположена перед мостом через реку Великая, с правой стороны.

Как добратся автомобилем из Санкт-Петербурга: По трассе М20 Санкт-Петербург — Киев, нужно проехать примерно 435 км, до поселка Холюны, далее по трассе в километре от поселка, дорога будет пересекать реку Великая, проехав мост, с левой стороны по ходу движения будет въезд на турбазу.

 

 

Схема базы отдыха «Алоль»   (нажмите сюда для увеличения)

Наши реквизиты:   Учреждение отдыха и оздоровления «Алоль» Юр. Адрес: 182302 Псковская область, Пустошкинский район, д. Холюны   ИНН 6019002997 КПП 601901001 ОГРН 1026002944142 ОКПО 24140680 ОКВЕД 6330.1 ОКАТО 58250804040 р/счет 40703810151140150357 Банк: Псковское Отделение №8630 ПАО Сбербанк г. Псков к/с 30101810300000000602 БИК 045805602   Тел. (81142)2-19-90,2-10-68 т/факс (81142)2-10-68   Email: [email protected]   Директор УО и О «Алоль» Людмила Петровна Ломако. Действует на основании Устава

 

The ideal letter illustrations and correspondence type s available today that will help companies reach out to prospective clients from around the world. With the current technological innovation, all these correspondence writing companies are able to make a letter for nearly every business requirement. Here Are a Few of the best and most Common letter college essay editing services examples that you Ought to Look for Whenever You’re in the process of Pick the Best letter

Арт-постер «Патент на дизайн бутылки «Coca-Cola», 1937»

Объект мечты Арт-постер «Патент на дизайн бутылки «Coca-Cola», 1937» OM-896521362_1818 https://inlavka.ru/upload/resize_cache/iblock/20a/08e/795_465_1/image.jpeg Четкая геометрическая форма — гармония прямоугольного постера в современных интерьерах, насыщенных цифровой техникой и модными гаджетами. Контрастная черно-белая рама внушает изображению особую выразительность и наверняка сочетается с любыми интерьерными палитрами. Грациозные постеры не претендуют на центральное расположение. В зависимости от планировки, они незаменимы для узких пространств, простенков между дверьми или окнами, для торца длинного коридора и посреди предметов мебели. Изображение защищено стеклопластиком, стойким к микроцарапинам и помутнению.

Материал товара: полистирол, пластик, дизайнерская бумага

2022-07-27T05:21:36+03:00 2800

Индивидуальное изготовление

Описание

Четкая геометрическая форма — гармония прямоугольного постера в современных интерьерах, насыщенных цифровой техникой и модными гаджетами. Контрастная черно-белая рама внушает изображению особую выразительность и наверняка сочетается с любыми интерьерными палитрами. Грациозные постеры не претендуют на центральное расположение. В зависимости от планировки, они незаменимы для узких пространств, простенков между дверьми или окнами, для торца длинного коридора и посреди предметов мебели. Изображение защищено стеклопластиком, стойким к микроцарапинам и помутнению.

Материал товара: полистирол, пластик, дизайнерская бумага

Характеристики

• Артикул: OM-896521362_1818
• Цвет товара: разноцветный
• Стиль: Классический / Прованс / Современный
• Материал: бумага / пластик / полистирол
• Комната: Гостиная / Детская / Кабинет / Спальня / Столовая
• Размер товара (ДхГхВ): 46 х 2 х 66
• Страна производства: Россия
• Страна бренда: Россия
• Длительность производства: 13 дней
• Гарантия: 12 месяцев
• Вес упаковки: 1. 2
• ВЕС: 1
• Наличие: Производство

Энди Уорхол: король поп-арта

Теперь поговорим про творчество Уорхола — как он пришел к своему стилю, зачем перерисовывает логотипы компаний и размножает изображения, и что это все вообще значит.

Что важно знать об Уорхоле как о художнике 👇

✍️ Очень хорошо умел рисовать. Вопреки распространенному мнению, Уорхол был виртуозным графиком. В его работах нет ничего лишнего, только чистые цвета.

❓ Сначала искал свой стиль. Его перерисованные комиксы напоминали не типографскую печать, как у Лихтенштейна, а скорее Лотрека. Однажды Уорхол показал критикам две картины с бутылкой «Кока-Колы»: первая экспрессионистская, с потеками, а вторая — в точности как на рекламном плакате. Один из критиков сказал: первую выброси, а вторая то, что нужно.

⭕️ Стремился к безличности и анонимности. Для этого включал музыку, отключал сознание и действовал интуитивно — но не как Поллок, который вводил себя в особое состояние и создавал некий образ, а наоборот, чтобы голова оставалась совершенно пустой.

⬜️ Его работы холодны и бесстрастны: никаких эмоций, нет узнаваемой руки художника. Это качество удивительным образом объединяет рекламу и иконопись.

🍟 Рисовал не продукты, а этикетки — не предмет, а символ предмета. Получается изображение не реального, а вечного. За этой легкомысленностью скрываются серьезные мысли: о смерти, о том, что остается после человека.

💥 Затрагивал темы смерти: катастрофы, несчастные случаи. У него есть портреты Элизабет Тейлор во время болезни и Жаклин Кеннеди после похорон мужа. Тиражирование этих работ притупляет эмоциональное отношение к ним: вместо реальной трагедии перед нами просто образ.

👤 С помощью приема «размножить и раскрасить» преодолевал личные проблемы. Уорхол признавался: «Я боюсь смотреть в зеркало, вдруг я там ничего не увижу?» Эпатажная одежда, поиски себя, многочисленные автопортреты — все это совмещало желание нивелировать, убрать себя — и в то же время сохранить.

🏭 Мечтал создать конвейер для творчества. Его «Фабрика» была воплощением этой мечты. Уорхол считал, что художник не пророк и не гений-визионер, а простой рабочий в обществе потребления.

🎥 В какой-то момент начал снимать кино. Делал «статичные фильмы» или «живые картины»: много минут, а то и часов на экране показано какое-то обычное непрекращающееся действие — или, например, ночной небоскреб. Иногда это была не полноценная съемка, а закольцованный монтаж. Принципиально снимал непрофессионалов: они не умеют играть, а значит, всегда настоящие.

Изображения банки супа, кока-колы и гамбургера

Предыдущая статья Следующая статья

Возвращение легендарного поп-арта в Россию: полномасштабная выставка Энди Уорхола в Москве

В здании Новой Третьяковки проходит выставка короля поп-арта Энди Уорхола. Экспозиция включает в себя самые известные работы, посвященные Мэрилин Монро, банкам супа, кока-коле и многому другому. Посетители смогут познакомиться с художественным языком, на котором разговаривал Уорхол, расширивший границы поп-арта в искусстве.

©Алена Козлова / Журналист Online

В XX веке поп-артисты кардинально изменили взгляд на художника. Они решили перестать говорить с публикой на заумном и непонятном языке, перейдя к более простому, начали ценили простоту и прагматизм. В их понимании повседневность тоже могла стать искусством, а индустрия — шедевром. Поп-арт всегда представлялся как нечто яркое, сочное, кричащее, наполненное язвительной иронией. Те люди, которые не понимали это искусство, не раз задавались вопросом: есть ли какой-то смысл в этих кричащих картинах? На этот вопрос и ответил Энди Уорхол, один из символов поп-арта. В своих работах он осмыслил и визуализировал такие сложные философские понятия, как жизнь, смерть, слава. Именно он увидел в обычной рекламе искусство, которое бросил в массовую культуру.

Полномасштабная выставка в здании Новой Третьяковки охватывает все периоды жизни художника, начиная с первых графических зарисовок и заканчивая произведениями, созданными на «Фабрике», его личном творческом пространстве, куда сходилась вся богема Нью-Йорка. Приходя на выставку, зрители могут познакомиться не только со знаменитейшими работами Уорхола, но и с его жизнью, с событиями, в рамках которых он создавал свои картины. 

© Алена Козлова / Журналист Online

© Алена Козлова / Журналист Onlin

© Алена Козлова / Журналист Onlin

© Алена Козлова / Журналист Onlin

© Алена Козлова / Журналист Onlin

Работы Уорхола — это вызов прошлой эпохе, их ценностям и идеалам в сфере искусства. Он видел утонченность в предметах повседневного быта, например, в банках томатного супа. Художник, изображая их, экспериментировал с рекламными образами, изображая лицо того общества, зацикленного на массовом производстве. Или, например, возьмем скульптуру «Кока-кола». С первого взгляда будет сложно понять тайный смысл этого произведения, но сам Уорхол очень глубоко осмысливал этот популярнейший продукт. Кока-кола — символ того, чего смогла добиться Америка, то есть создания демократии. Именно в Соединенных Штатах этот напиток пьют и президент, и бомж, и приезжающая королева Англии. Уорхол разговаривал со зрителями скрытым языком, оставляя им пищу для собственного размышления.

Художник, часто общавшись с различными звездами, неоднократно задавался вопросом: почему кинозвезды так популярны? Что нужно сделать для того, чтобы прославиться? Размышляя над этим, Уорхол создал знаменитейшее изображение Мэрилин Монро в различных интерпретациях: от насыщенных красок до черно-белых. Через разделение картины на невзрачные и цветные части художник стремился показать яркую жизнь и быструю смерть великой актрисы. В ее изображениях нет ничего человеческого, лишь детали, которые делают образ Мэрилин узнаваемым: родинка, прическа, яркие голубые тени. Уорхол первым увидел черты бессознательного поведения потребителя в массовой культуре и считал, что кинозвезды популярны не потому, что они талантливы, а потому, что знамениты.

© Алена Козлова / Журналист Online

© Алена Козлова / Журналист Online

© Алена Козлова / Журналист Online

© Алена Козлова / Журналист Online

© Алена Козлова / Журналист Online

Энди Уорхол был, действительно, необычной, яркой, неординарной фигурой в истории поп-арта. На многие значимые вечеринки в Нью-Йорке он отсылал своих двойников, было даже непонятно, где же находился настоящий художник. Пробуя себя в разных образах, Уорхол переодевался в женщину, и эти изображения также представлены на выставке. Почему он создает настолько клишированный образ девушки, но сам остается в мужской рубашке? На этот вопрос каждый зритель даст самостоятельный ответ. Уорхол зачастую в своих работах использует прием недосказанности, многое остается лишь на размышления созерцателей его творчества. Выставка своей красочностью, яркостью и интерактивностью даст лишь возможность попытаться понять его личность, его посыл в своих произведениях.

Тиражирование работ Уорхола продолжается и после его смерти, благодаря идеям художника появились различные предметы с изображениями его произведений: от платьев на показе модных домов до кружек и блокнотов. Его работами вдохновлялись многие другие авторы картин, например Бэнкси. На самой выставке есть возможность снять видеопортрет в стиле Энди Уорхола. Если вы будете на выставке, обязательно попробуйте это сделать и попробуйте осмыслить, почему ваше изображение именно такое, какое оно представлено.

Нашумевшая московская выставка «Я, Энди Уорхол» стала одним из важнейших событий года в области искусства. Конечно же, не обошлось и без скандала: после открытия выставки многие СМИ начали писать, что в здании Новой Третьяковки представлены не оригиналы, а репродукции. История, связанная с оригинальностью работ, вызвала общественный резонанс. Кажется, что неразбериха случилась из-за стиля самого Уорхола, который не раз самостоятельно копировал свои работы. Тиражность произведений — это своеобразные размышления Уорхола на тему широкого общества потребления, в котором заводы штампуют одни и те же вещи в огромном количестве. Таким образом, можно сказать, что тиражность — это основной оригинальный художественный метод Уорхола, что еще раз доказывает неповторимость его творческого стиля.

История Энди Уорхола не может не поражать своей искренностью и сказочность, ведь это рассказ о мальчике, которому из провинциальной семьи эмигрантов удалось стать кумиром многих поколений художников. Он стремился изменить взгляд на художника как на творца произведений искусства, видя его как пророка, изобличавшего проблемы современности. Уорхол говорил на ярком и простом языке, вкладывая туда сакральный смысл. Его произведения точно не смогут оставить вас равнодушными, видеть искусство в обыденном — основной посыл этой знаменитой и нашумевшей выставки.

26.07.2021

«Любые изменения в поведении питомца — повод задуматься» Зоопсихолог Вера Кострамичева — о профессии, расстройствах домашних животных и ошибках хозяев

26.07.2021

Работа, ставшая хобби Анна Кинаш — о лайфстайл журналистике и работе в VOGUE

26.07.2021

“Небо нас всегда любит и принимает” Парашютистка Наталья Белоусова поделилась с «Журналистом Online» впечатлениями от полета в воздухе

26.12.2020

Китай: Новый год как ностальгия по родине Чтобы почувствовать вкус китайского Нового года, нужно собраться всей семьей за одним столом

известных художников, которые работали с Coca-Cola

На протяжении всей своей истории компания Coca-Cola улавливала дух времени с помощью своего рекламного искусства. Начиная с первых рекламных календарей, выпущенных в 1890-х годах, компания связала себя с популярным дизайном и стилем жизни той эпохи, которую представляет искусство.

Компания Coca-Cola использовала работы лучших художников того времени, в том числе ведущих художников Золотого века иллюстрации Америки.Их работа для компании является примером классического общеамериканского имиджа, который они помогли создать в первой половине 20 века. Знаменитые иллюстраторы создавали картины для The Coca-Cola Company с рубежа веков до 1960-х, когда их художественная форма была заменена фотографией в рекламе компании.

Большая часть работ художников, работающих от имени The Coca-Cola Company, прекрасно отражена в недавней книге Криса Х.Бейер (Collectors Press, Inc.). Богато иллюстрированная история отражает убедительное использование Компанией «сияющих, жизнерадостных и свежих» молодых женщин, всегда одетых по последней моде, в рекламе Coca-Cola с конца 1800-х годов. Подавляющее большинство рекламных плакатов и календарей компании изображали этих красивых женщин, которые стали синонимом самой узнаваемой торговой марки в мире.

В своей книге, первой художественной книге, которую компания Coca-Cola лицензировала для публикации, Бейер пишет: «Одним из наиболее постоянных направлений рекламы компании было изображение привлекательных молодых женщин, которые убеждают свою аудиторию насладиться бокалом вина. «Вкусная» и «Освежающая» кока-кола.«

Впервые подпись художника использовалась компанией The Coca-Cola Company на работе Гамильтона Кинга, выдающегося художника на рубеже веков. Кинг иллюстрировал прекрасных «Девочек из Кока-Колы» для календарей с 1910 по 1913 год. Его работы также появляются на подносах.

В течение следующей четверти века Компания использовала множество иллюстраторов, некоторые из которых подписывали свои работы. Но большинство этого не сделали. Анонимные мастера создали роскошные иллюстрации с глубокими цветами, которые украсили календари и другие рекламные изделия.

В середине 1920-х годов компания The Coca-Cola Company начала работать с молодым иллюстратором, который стал синонимом Coca-Cola и Санта-Клауса. Его звали Хэддон Х. Сандблом.

Хэддон Х. Сундблом (1899–1976)

Картины Хэддона Сандблома с Санта-Клаусом для праздничных кампаний Coca-Cola помогли создать портрет Санта-Клауса в виде круглого веселого старика в красно-белом костюме.Эта картина с изображением мальчика-спрайта была написана в 1949 году.

Сундблом, получивший образование в Институте искусств Чикаго и Американской академии искусств, разработал яркий стиль, в котором изображались здоровые, здоровые и счастливые люди. Эти оптимистичные и жизнерадостные образы стали привычными и утешительными иконами в темные дни Великой депрессии.

Сандблом не только работал на The Coca-Cola Company, но также создал персонажа «Человек-квакер» для Quaker Oats Company и работал на Packard, Nabisco и Colgate-Palmolive.

Сундблом создал своего первого Санта-Клауса для The Coca-Cola Company в 1931 году, используя в качестве модели бывшего продавца по имени Лью Прентисс, а позже — самого себя. Его Санта был пухленьким и дружелюбным с блестящими глазами. Сандблом продолжал рисовать Санту для праздничных кампаний более 30 лет. К тому времени Sundblom Santa превратился в прочное американское учреждение и навсегда закрепил за святым Ником образ пухлого и веселого, одетого в красное и белое.

Более 40 оригинальных картин Санта-Клауса, написанных маслом Сундбломом, сохранились в архивах компании Coca-Cola в Атланте.Среди других известных иллюстраторов, которые создавали работы для Coca-Cola:

Норман Роквелл (1894-1978)

Написанная в 1935 году, «Out Fishin» — самая известная работа Нормана Роквелла для Coca-Cola.

Норман Роквелл родился в Нью-Йорке и рано решил стать художником и обучался в Нью-Йоркской школе искусств, Национальной академии дизайна и Лиге студентов-художников.

В период с 1928 по 1935 год Роквелл нарисовал шесть различных иллюстраций, которые использовались в календарях Coca-Cola, подносах, плакатах и ​​в одной рекламе Saturday Evening Post.

Его самой известной иллюстрацией к Coca-Cola была, пожалуй, «Out Fishin» 1935 года, на которой изображен мальчик, похожий на Тома Сойера, сидящего на пне, ловящего рыбу, в компании своей собаки и бутылки Coca-Cola.

Северная Каролина Уайет (1882-1945)

Н.С. Уайет, отец художника Эндрю Уайета, получил заказ на создание этой работы для календаря, посвященного 50-летию Coca-Cola.

Ньюэлл Коньерс Уайет, один из ведущих иллюстраторов Америки и отец художника Эндрю Уайета, получил заказ на создание иллюстраций для компании Coca-Cola, включая журнальную рекламу, календари и плакаты.Плакаты включают серию иллюстраций, посвященных лесной и транспортной отраслям, для образовательной серии «Наша Америка». Уайет был нанят для создания календаря 50-летия Компании в 1936 году.

Его иллюстрация была классической: она изображена на берегу Новой Англии с бородатым старым моряком, опирающимся на свою лодку, а рядом стоит маленькая девочка, обе с бутылками кока-колы.

Гил Эльвгрен (1914-1980)

Гил Элвгрен, известный своими очаровательными девушками, был учеником Хэддона Сандблома.Картина написана в 1955 году.

Эльвгрен, ученица Хаддона Сандблома, возможно, больше всего известен тем, что рисует девушек в стиле пин-ап. Его стиль был настолько похож на стиль Сандблома, что он мог закончить картины, начатые его учителем.

«Эльвгрен, вероятно, уступает только самому Сандблуму в том, что его художественные образы отождествляются с Кока-Колой», — сказал сын Эльвгрена Дрейк The Coca-Cola Collectors News в 1999 году. Дрейк Элвгрен и соавтор Макс Аллен Коллинз опубликовали 200-страничную книгу о Гиле Эльвгрене под названием Elvgren: His Life & Art (Collectors Press, Inc.), который включает в себя многие из его рекламных объявлений для Coca-Cola и документальные фотографии сеансов моделирования для этих объявлений.

Фредрик Мизен (1888-1964)

Фредрик Мизен проиллюстрировал первый рекламный щит Coca-Cola в 1925 году. «Величайшая пауза на Земле» была представлена ​​в 1940 году. Эта причудливая картина была написана Мизеном в 1931 году и изображает нескольких медведей Йеллоустона, наслаждающихся прохладой.

Мизен родился в Чикаго и известен не только своими коммерческими иллюстрациями, но и картинами коренных американцев.Он проиллюстрировал первый рекламный щит Coca-Cola в 1925 году и подготовил работы для множества журналов, включая Colliers и Saturday Evening Post. Он также создал картины, которые компания Coca-Cola использовала в газетной и журнальной рекламе. Одной из самых известных его работ для The Coca-Cola Company была иллюстрация медведей, пьющих кока-колу в Йеллоустонском национальном парке.

Фредерик Стэнли (1892-1967)

Фредерик Стэнли, который служил солдатом в Первой мировой войне, написал это в 1952 году.

Стэнли родился в Вермонте и никогда не обучался искусству. После службы солдатом в Первой мировой войне он продал четыре картины в Нью-Йорке и провел остаток своей карьеры в качестве успешного коммерческого художника. Компания Coca-Cola была одной из 28 компаний, использовавших его навыки иллюстратора.

Народное искусство на заказ

В течение многих лет народные художники использовали Кока-Колу в качестве предмета для своих произведений искусства из-за ее популярности.Во время Олимпийских игр 1996 года в Атланте Компания организовала выставку Coca-Cola Olympic Salute to Folk Art, на которой были представлены работы народных художников из 54 стран, которые использовали местные материалы для создания контурных бутылок Coca-Cola. Эти трехмерные скульптуры варьировались от двух до 12 футов в высоту.

Джим Харрисон | Искусство Coca-Cola Джима Харрисона

Детали

10 дюймов x 10 дюймов 136 страниц 72 цветных иллюстрации ISBN 978-1-61117-726-8 Твердый переплет, 39 долларов.99 Coca-Cola — настоящий американский оригинал и один из самых узнаваемых и популярных американских продуктов в мире. В книге «Искусство Coca-Cola» Джима Харрисона художник прослеживает свою давнюю любовь к торговой марке Coca-Cola, которая началась в его детстве в сельской местности Южной Каролины. Харрисон любил пить сладкий и шипучий напиток, но его также привлекла торговая марка Coca-Cola, которая была нанесена на здания и вывески в его родном городе. После многих лет восхищения работой местного художника-вывески Дж.Дж. Корнфорт, Харрисон подошел к семидесятилетнему мальчику по поводу летней работы. В течение нескольких лет Корнфорт обучал Харрисона этому ремеслу. Когда летом 1952 года молодой художник поднялся на эшафот, чтобы нарисовать свою первую вывеску Coca-Cola, он мало знал, что начинает карьеру в качестве одного из выдающихся художников-пейзажистов Америки. В 1975 году Харрисон создал картину деревенского магазина с выцветшей вывеской Coca-Cola, которую он и Корнфорт нарисовали двадцатью годами ранее. Картина под названием «Исчезающая Америка» была предложена в качестве одного из первых коллекционных принтов Coca-Cola ограниченным тиражом за 40 долларов в Frame House Gallery.Все 1500 копий были быстро распроданы, благодаря чему он стал центром внимания всей страны благодаря сети издателя, насчитывающей 600 дилеров. Вскоре Харрисон стал бесспорным лидером сельского искусства Америки: эта и многие другие его гравюры оценивались до 3000 процентов от их первоначальной стоимости. С момента заключения лицензионных отношений с компанией Coca-Cola в 1995 году Харрисон продолжил разработку печатных изданий ограниченным тиражом, в том числе своего популярного ежегодного календаря Coca-Cola. Неудивительно, что Харрисон стал страстным коллекционером старых вывесок Coca-Cola.В его студии множество таких вещей, которые служат источником вдохновения для новых произведений искусства.

Энди Уорхол | Зеленые бутылки кока-колы

Не отображается

Дата
1962

Классификация
Картины

Средний
Холст, акрил, трафарет, графитный карандаш

Размеры
Общие: 82 3/4 × 57 1/8 дюйма(210,2 × 145,1 см)

Регистрационный номер
68,25

Кредитная линия
Музей американского искусства Уитни, Нью-Йорк; покупка на средства от Друзей Музея американского искусства Уитни

Права и воспроизведение
© Фонд Энди Уорхола для визуальных искусств, Inc. / Лицензия Общества прав художников (ARS), Нью-Йорк

Зеленые бутылки от кока-колы был создан в год, когда Энди Уорхол разработал свою новаторскую технику шелкографии, которая позволила ему создавать свои картины с помощью механического процесса, параллельного его использованию предметов массовой культуры.Здесь изображение одной бутылки Coca-Cola повторяется правильными рядами, семь в высоту на шестнадцать в ширину, над логотипом компании. Повторяющиеся изображения и стандартизованный формат вызывают вид механического воспроизведения, но черные контуры, вероятно, были нанесены вручную с одного резного деревянного блока на зеленые области, напечатанные в виде сетки. Это порождает тонкие различия в образце работы; Каждый флакон отличается ровностью зеленого подмалевка и четкостью штампованного профиля.Бутылки также часто слегка наклонены, нарушая общую регулярность сетки и делая их одновременно ручной и индивидуализированной, обтекаемой и серийно производимой. В своей невозмутимой и ироничной манере Уорхол сразу же критиковал и прославлял кумиров потребления и поверхностные ценности американской послевоенной культуры, насыщенной средствами массовой информации. «Кока-кола — это кока-кола, — объяснил он, — и никакие деньги не принесут вам кока-колы лучше, чем та, которую пьет бомж на углу».

Сильдо Мейрелеш, проект Coca-Cola 1970

Когда бразильский художник Сильдо Мейрелеш выпустил в Рио-де-Жанейро свою книгу Insertions into Ideological Circuits: Coca-Cola Project 1970 (Tate T12328), он искал форму, которая могла бы одновременно захватить опыт жизни под диктатурой и противодействие ее гнетущим ограничениям.Мейрелеш разработал вставок в идеологические схемы: проект Coca-Cola , чтобы максимизировать эффект при минимизации собственного риска быть идентифицированным; работа заключалась в изменении многоразовых бутылок кока-колы, добавляя вопросы, слоганы или иллюстрации белым шрифтом, имитирующим надписи бренда на бутылке. Выше изображены три примера этих бутылок, каждый с разными тайными посланиями. На бутылке слева написано «Янки, идите домой!»; тот, что посередине, помеченная диаграмма коктейля Молотова; справа — более философский вопрос: «Где находится произведение искусства?» Несмотря на предложенные драматические провокации, эти модификации тонкие — практически невидимые, когда бутылка пуста; затем разборчиво при заполненииМейрелеш создал более 1000 таких бутылок, выпуская их обратно в обращение, чтобы передавать их бесчисленному количеству людей по кольцевому маршруту между заводом по розливу Coca-Cola и рынком.

Мейрелеш разработал это циркулирующее произведение искусства из-за политического климата, в котором он работал. Несколькими годами ранее, 31 марта 1964 года, Бразильские вооруженные силы свергнули демократически избранного президента Жоао Гуларта в результате государственного переворота , положив начало периоду военной диктатуры, который продлился до 1985 года.К 1968 году новый режим консолидировал власть и ограничил границы допустимого выражения своего мнения печально известным Ato Institucional № 5 (Институциональный закон № 5), который отменил политические и гражданские права и даже санкционировал пытки. Художники, живущие под этой постоянной угрозой насильственной цензуры — но даже без сомнительных преимуществ конкретных указаний относительно того, что может и что не будет терпимо военным режимом — должны были разработать новые стратегии создания социально значимого искусства.Для Мейрелеш это означало буквально передать произведение искусства в руки публики.

Это пересечение готовой скульптуры, политической необходимости и участия публики поднимает множество вопросов для исследования перформанса в галерее Тейт. Критики и ученые, как правило, сосредотачиваются на потенциале произведения для героического вмешательства, на том, как бутылки тихо и в условиях ужасающих репрессий, тем не менее, умудрялись публично выразить оппозицию режиму. Мы могли бы назвать это подходом «сообщение на бутылке» к Вложениям в идеологические схемы: проект Coca-Cola .Куратор и критик Оквуи Энвезор представил красноречивый пример этой точки зрения в 2008 году: « Insertions , таким образом, действовали на уровне социальной инфильтрации идеологических контуров государства … и контуров потребления, контролируемых глобальным капиталом и американским империализмом … возвращение публичного царства, которое было подчинено двум силам ». Бутылка кока-колы символизировала двойное порабощение, навязанное бразильскому населению. Во-первых, модель правления с помощью диктатуры сверху вниз находит формальное отражение в системе распределения бутылок — каждая бутылка наполняется одним и тем же содержимым в одной точке происхождения.Во-вторых, эти материалы несут послание о капиталистической гегемонии. Coca-Cola — американский продукт, тесно связанный с американской культурой, которая указала на глобальные цели США в Бразилии и их поддержку государственного переворота . Как выразился Мейрелеш, «контейнер всегда несет в себе идеологию». Перспектива «послания на бутылке» понимает Вставки в идеологические схемы: проект Coca-Cola как вмешательство в схему потребления, способную нарушить нормальную деятельность, выявив скрытые факты или отношения.В условиях жестких репрессий бутылка действовала как громкий призыв, предупреждая ее владельца о необходимости действовать.

Рассматривая таким образом вставок в идеологические схемы: проект Coca-Cola , трудно представить, какую ценность эти три бутылки, выставленные в галерее Тейт, могут представить посетителям музея, помимо их способности указывать на далекое расстояние. место и время. Действительно, Энвезор предположил, что в музее проект предлагает только «каркас художественного прошлого».Это подозрение преследовало многие произведения, основанные на времени, которые зависят от действия в данный момент. Стоит отметить, что такая критика здесь предъявляется в отношении набора объектов, а не продолжительного действия, но все же остается вопрос: если бы мы не были «там», как мы могли бы действительно испытать произведение? Задавая этот вопрос о проекте Мейрелеш, вы открываете его для более поздней аудитории, но также развивает более чуткое понимание того, как он функционировал в своем первоначальном контексте. Представление о том, что бутылка с надписью может спровоцировать психический разрыв и вызвать политическое несогласие, может показаться уже задействованным языком представления, поскольку это зависит от действия объекта.Такое представление, однако, похоже, основано на представлении о том, что бразильцы не знали о своем подчинении до того, как бутылка рассказала им об этом, и что, более того, контекст, в котором оказались произведение и аудитория, можно было идентифицировать как единое целое. вещь — неизменна и одинаково переживается всеми субъектами идеологического контура.

Дискурс перформанса, однако, подчеркивает, что контекст не может восприниматься как должное таким образом, но постоянно создается людьми, их историями и их взаимодействием с окружающим миром.Философ Дж.Л. Остин назвал эту меняющуюся почву «перформативной». Перформативность описывает, как языковые события, влияющие на реальности (а не их описание), коренятся в социальных кодах и контекстах, в которых они участвуют. Сказать «да» влечет за собой брак только тогда, когда контекст, в котором оно произносится, наделяет эту фразу этой силой. Точно так же фраза «Янки, идите домой!» Будет встречена согласием только в том случае, если предъявитель бутылки уже почувствовал потребность в инакомыслии.

Проект

Мейрелеш участвовал в этой перформативной сфере, сделав композицию художественного произведения, а также смысл и эффект продуктом приема.Каждая встреча с бутылкой создает уникальный опыт; каждый из этих случаев был неповторим, потому что он был (и есть) в одном моменте с одним человеком. Каким бы соблазнительным это ни казалось, невозможно сказать, прервал ли Вставки в идеологические схемы: проект Coca-Cola нисходящий поток информации — вероятно, иногда это было, а иногда нет. Никакое произведение искусства не обладает гарантированной эффективностью; понять перформативность — значит признать эту реальность.

Но тогда на карту поставлена ​​идеология никогда не в бутылке .Скорее, исследуемый идеологический контур существовал между людьми. Вставки в идеологические контуры: Проект Coca-Cola , таким образом, был не о послании, а о контуре. Производительность была не тем, что произошло, когда бутылки предположительно изменили мнение людей, а тем, что произошло, когда люди взаимодействовали с бутылками, чтобы сформулировать свое собственное ощущение социальной реальности — это то, что открывает работу для будущих примеров восприятия. Бутылки побудили собеседников занять определенную позицию в отношении предложенных ими лозунгов.В то же время удобная формальная и концептуальная простота кругового обращения бутылок означала, что люди должны были представить себя в сети властных отношений. Перформативность бутылок состояла в том, чтобы просить потребителей сформулировать свою позицию в рассредоточенном социальном поле, противостоять своему собственному ощущению социальной реальности в разговоре с бутылками и знать, что другие люди будут делать то же самое.

Осмысление вставок в идеологические контуры: проект Coca-Cola с точки зрения производительности влечет за собой смещение акцента с сообщения, которое предположительно заключалось в самой работе или в самой работе, на способы, которыми объект, как в обращении, так и в процессе его распространения, прослеживается коллективная ситуация, передающая ее в человеческом масштабе через расчетный способ распространения.Работа Мейрелеш показывает нам, что идеологические схемы — мнения, привычки и предположения, которые мы рефлексивно используем, — воспроизводятся ежедневно. Эта тонкая переориентация не только открывает новые способы понимания исторической деятельности произведения, но и предлагает нынешним зрителям инструмент и метафору для понимания нашей собственной позиции в более широких кругах обмена и смысла.

Что Энди Уорхол на самом деле думал о Coca-Cola | арт

Закройте обложку, прежде чем нанести удар (Coca-Cola) (1962) Энди Уорхола.От Энди Уорхола Giant Sized

Новая реклама Coke Super Bowl могла бы сосредоточиться на ее инклюзивной стороне, но Энди также видел в этом способ выделиться

Энди Уорхол почти так же известен своими словами, как и тем, что рисовал. В своей книге 1975 года «Философия Энди Уорхола: от А до Б и обратно» он писал: «Вы можете смотреть телевизор и видеть кока-колу, и вы знаете, что президент пьет кока-колу, Лиз Тейлор пьет кока-колу и просто думаю, ты тоже можешь пить кока-колу.Кока-кола — это кока-кола, и никакие деньги не принесут вам лучшей кока-колы, чем ту, которую пьет бомж на углу. Вся кока-кола такая же, и вся кока-кола хороша. Лиз Тейлор знает это, президент знает это, бездельник знает это, и вы это знаете ».

Похоже, компания Coca-Cola тоже это знает. Его реклама Суперкубка для воскресной игры, кажется, сосредоточена на концепции Энди о равенстве безалкогольных напитков, с милым, всеобъемлющим обращением к каждой расе и вероисповеданию в Америке. «Он пьет кока-колу, а она пьет кока-колу, даже если они не согласны, — говорится в рекламе, — и хотя бутылки похожи друг на друга, вы не такие, как я.”

Это сладкое чувство, но, возможно, слишком сладкое на вкус Уорхола. Энди любил Coca-Cola отчасти потому, что она позволяла ему выделиться среди других в мире искусства: абстрактных экспрессионистов.

«Поп-артисты создавали образы, которые любой, идущий по Бродвею, мог бы распознать за доли секунды, — однажды заметил Уорхол, — комиксы, столы для пикника, мужские брюки, знаменитостей, занавески для душа, холодильники, бутылки из-под колы — все великие современные вещи, которые Абстрактные экспрессионисты так старались не замечать вообще.”

Coca Cola (1) (1961) Энди Уорхола. От Энди Уорхола Гигант Размер

Действительно, бутылка кока-колы была, возможно, самым ранним произведением Уорхола в поп-иконографии, как мы объясняем в Энди Уорхоле «Гигантский размер».

«В 1961 году, после различных попыток скопировать рекламу в газетах и ​​комиксах, Уорхол нашел своего первого коммерческого кумира: тотемную бутылку кока-колы с ее фирменным курсивом», — пишет Дэвид Далтон. «Изображенная в графическом стиле газетных объявлений, бутылка кока-колы была американской иконой, настолько символической, что она могла — как Микки Маус — стоять сама по себе для США.”

Однако искусство колы Вахола было не таким совершенным и единообразным, как сам напиток. «По какой-то причине бутылка из-под кока-колы не находила отклика в нужной поп-искре, — пишет Далтон, — возможно, из-за ее монохромной окраски, слепой формы или повсеместного присутствия. В любом случае, именно с его первых картин Кэмпбелла «Банки супа», написанных в период с декабря 1961 по март 1962 года, Уорхол сосредоточился на своей великой работе ».

Энди Уорхол Гигант Размер

Этими более поздними картинами он по-настоящему выделил себя из абстракционистов, рисуя повседневные знаки отличия и сокращая разрыв между высоким и низким искусством.И хотя он, возможно, отличился банками Кэмпбелла, на самом деле все началось с колы.

Чтобы узнать больше о жизни, работе и мировоззрении Уорхола, получите книгу Энди Уорхола «Гигантский размер» здесь.

The American Icon at 100 — High Museum of Art

The Coca-Cola Bottle: An American Icon at 100 исследует культовый дизайн и творческое наследие бутылки Coca-Cola. На выставке, представленной к столетию бутылки, представлено более 100 предметов, в том числе более 15 произведений искусства Энди Уорхола и более 40 фотографий, вдохновленных бутылкой или изображающих ее.Посетители будут иметь возможность увидеть оригинальные дизайнерские иллюстрации, исторические артефакты и век экспериментов с бутылкой Coca-Cola, которая с момента ее создания в 1915 году привлекала множество поколений и миллиарды людей во всем мире и вдохновляла многих художников. Такие фотографы, как Уокер Эванс и Уильям Кристенберри задокументировали универсальное присутствие бутылки кока-колы в культурном ландшафте Америки 20-го века. Бутылка Coca-Cola также помогла Уорхолу новаторски перейти к его революционному стилю поп-арта.

Выставка, организованная Высшей школой в сотрудничестве с The Coca-Cola Company, будет представлена ​​на двух этажах крыла Anne Cox Chambers при Высшей школе. Когда посетители входят в выставочную галерею в вестибюле первого этажа, они сталкиваются с более чем 500 современными бутылками с трехмерной печатью, подвешенными к потолку, которые отсылают к культовому дизайну бутылки Coca-Cola. Экспозиции второго этажа будут состоять из трех основных частей: раздел, посвященный истории дизайна бутылки, раздел поп-арта с более чем 15 работами Уорхола и раздел фотографии, включающий работы из постоянной коллекции High.

Дизайн бутылки

«Бутылка, которую человек может распознать, даже если почувствует ее в темноте, и имеет такую ​​форму, что даже если она разбита, человек может с первого взгляда определить, что это было». — Краткое описание дизайна, The Coca-Cola Company, 1915

Столетие назад в маленьком городке Терре-Хот, штат Индиана, родилась контурная бутылка Coca-Cola. Рост числа брендов-подражателей привел к тому, что уже успешная компания Coca-Cola
начала искать новую эксклюзивную упаковку, которая поможет потребителям безошибочно идентифицировать подлинный продукт Coca-Cola.К 1915 году компания
Coca-Cola обратилась к нескольким производителям бутылок с призывом разработать новый и особый дизайн бутылки.

Сотрудники компании Root Glass Company в конечном итоге придумали дизайн, который полностью отвечал первоначальному требованию компании Coca-Cola: бутылка узнаваема, даже если она разбита или ощущается в темноте. Дизайнеры черпали вдохновение в ингредиентах, которые, по их мнению, были в продукте, и включили ребристую выпуклую форму стручка какао в оригинальный дизайн бутылки.Бутылка была запатентована 16 ноября 1915 года, и вскоре после этого The Root Glass Company получила контракт на дизайн.

За последние 100 лет бутылка Coca-Cola сохранила свою фирменную форму. Благодаря изменениям в технологии и материалах, от первых экспериментов с пластиковой бутылкой в ​​конце 1960-х годов до первой алюминиевой версии бутылки в 2005 году, контурная форма остается культовым символом бренда.

POP Art Энди Уорхола

«Что замечательно в этой стране, так это то, что Америка положила начало традиции, согласно которой самые богатые потребители покупают по сути то же самое, что и самые бедные.Вы можете смотреть телевизор и смотреть кока-колу, и вы знаете, что президент пьет кока-колу, Лиз Тейлор пьет кока-колу, и только подумайте, вы тоже можете пить кока-колу ». — Энди Уорхол, 1975

Энди Уорхол (американец, 1928–1987) был связан с американским движением поп-арт, которое в свое время было радикальным в плане внедрения в искусство массовых коммерческих образов, таких как бренд Coca-Cola. Уорхол родился и вырос в Питтсбурге, штат Пенсильвания, учился в Технологическом институте Карнеги, а затем переехал в Нью-Йорк.Там он зарекомендовал себя как коммерческий художник, его иллюстрации часто появляются в журналах, газетах и ​​витринах магазинов. К началу 1960-х Уорхол создавал работы, основанные на изображениях из таблоидов и рекламных объявлений, вручную копируя эти изображения таким образом, чтобы с холста стиралось какое-либо ощущение причастности художника. Вскоре он почти исключительно заимствовал фотографические изображения из средств массовой информации и печатал их с помощью помощников в своей обширной студии, известной как The Factory.Эти массовые произведения бросали вызов традиционным представлениям об уникальности того или иного произведения искусства и роли авторства в его создании. К концу 1960-х Уорхол обратил свое внимание на другие формы медиа, включая экспериментальные фильмы. Достигнутый им статус знаменитости показал, что художник может стать таким же культовым, как и созданные им работы.

Галерея поп-культуры │ Мир Coca-Cola

Посмотрите, как поклонники Coca ‑ Cola сделали бренд иконой популярной культуры.Сейчас на выставке It’s the Real Thing рассказывает историю культовой кампании Coca-Cola, которая дебютировала в 1969 году. Кампания представила новый фотографический стиль для бренда, в котором реальные люди делятся откровенными моментами с друзьями, а также обновлен фирменный стиль. в котором собраны самые известные элементы бренда Coca-Cola, известного и любимого сегодня во всем мире. На выставке It’s the Real Thing вы узнаете, что послужило причиной волнистой кривой динамической ленты, посмотрите знаменитую рекламу «Hilltop», которая вдохновила мир петь в идеальной гармонии, и сможете вспомнить с помощью рекламы и историй « настоящая вещь »к 50-летию кампании.

В галерее вы также увидите более дюжины оригинальных картин с изображением Кока-Колы, написанных несколькими художниками, такими как Хаддон Сандблом, автор Sprite Boy и Coca-Cola Santa. До 1931 года не существовало последовательного изображения Санта-Клауса. Все изменилось в 1931 году, когда Coca ‑ Cola поручила иллюстратору из Мичигана Хэддону Сандблому разработать рекламные изображения Санта-Клауса. Вдохновленный знаменитым стихотворением Клемента К. Мура «Это была ночь перед Рождеством», Сандблом создал популярный образ теплого, дружелюбного и человечного Санты, который мы все знаем сегодня.

Мы приглашаем вас сделать снимок сидя на диване из набора American Idol Season 4, который представляет собой настоящий диван, на котором шоу использовалось для интервьюирования участников. Дизайн дивана украшен графическими элементами, вдохновленными динамической лентой Coca-Cola. Вы также можете услышать печально известную историю New Coke и общественный резонанс, который вернул первоначальную формулу.

Выразите свое восхищение Coca-Cola с помощью интерактивного опыта под названием «My Coke Art». My Coke Art включает в себя три киоска с сенсорным экраном, которые включают набор графических элементов, которые можно комбинировать и изменять различными способами, что позволяет создавать свои собственные произведения искусства на основе культовой бутылки Coca-Cola.Готовые работы затем можно отправить по электронной почте, и они будут отображаться на больших мониторах в галерее, чтобы другие могли им насладиться.