Минимализм абстракция: Модерн Картины Абстракция Геометрический Рисунок Минимализм Картины – заказать на Ярмарке Мастеров – 6VEWBRU | Картины, Пермь
| + 1280×1024 — (2) обои абстракция, минимализм, 1280×1024 + 1280×800 — (2) обои абстракция, минимализм, 1280×800 + 1280×960 — (1) обои абстракция, минимализм, 1280×960 + 1440×900 — (2) обои абстракция, минимализм, 1440×900 + 1600×1200 — (6) обои абстракция, минимализм, 1600×1200 + 1680×1050 — (3) обои абстракция, минимализм, 1680×1050 + 1920×1080 — (15) обои абстракция, минимализм, 1920×1080 + 1920×1200 — (19) обои абстракция, минимализм, 1920×1200 + 2560×1440 — (1) обои абстракция, минимализм, 2560×1440 | + 2560×1600 — (2) обои абстракция, минимализм, 2560×1600 + 3200×1200 — (1) обои абстракция, минимализм, 3200×1200 + 3d графика — (12) обои абстракция, минимализм, 3d графика + божьи коровки — (1) обои абстракция, минимализм, божьи коровки + бренд — (5) обои абстракция, минимализм, бренд + готические — (3) обои абстракция, минимализм, готические + деревья — (4) обои абстракция, минимализм, деревья + еда — (1) обои абстракция, минимализм, еда + животные — (2) обои абстракция, минимализм, животные | + капли — (1) обои абстракция, минимализм, капли + космос — (1) обои абстракция, минимализм, космос + красивые — (5) обои абстракция, минимализм, красивые + листья — (1) обои абстракция, минимализм, листья + монстры — (3) обои абстракция, минимализм, монстры + мужчины — (1) обои абстракция, минимализм, мужчины + музыка — (2) обои абстракция, минимализм, музыка + насекомые — (2) обои абстракция, минимализм, насекомые + небо — (2) обои абстракция, минимализм, небо | + позитив — (1) обои абстракция, минимализм, позитив + предметы — (4) обои абстракция, минимализм, предметы + прикольные — (1) обои абстракция, минимализм, прикольные + природа — (1) обои абстракция, минимализм, природа + ретушь — (3) обои абстракция, минимализм, ретушь + рисунки — (27) обои абстракция, минимализм, рисунки + сердечки — (2) обои абстракция, минимализм, сердечки + текстуры — (1) обои абстракция, минимализм, текстуры + тигры — (1) обои абстракция, минимализм, тигры | + фразы — (6) обои абстракция, минимализм, фразы + фэнтези — (4) обои абстракция, минимализм, фэнтези + цветы — (2) обои абстракция, минимализм, цветы + черепа — (3) обои абстракция, минимализм, черепа + черно-белые — (3) обои абстракция, минимализм, черно-белые + шарики — (2) обои абстракция, минимализм, шарики + широкоформатные — (40) обои абстракция, минимализм, широкоформатные |
Минимализм и абстрактные рисунки Кандинского на потолке
Минимализм – многофункциональный и очень востребованный стиль в современном дизайне.
Его удобство заключается не только в максимальном сокращении задействованных предметов и аксессуаров, но и в его потрясающей способности адаптироваться к актуальным направлениям и тенденциям. При внешней строгости, скромности, неброскости общего оформления помещения стоит внедрить в проект металл, стекло, глянцевые поверхности – и готов ультрамодный хай-тек дизайн. Заменим стекло благородным деревом, добавим экзотические аксессуары, животные и растительный принты – встречайте дизайн в стиле этно. Сохраним общие приглушенные тона, добавив витиеватых элементов и глубоких тонов – и мы уже видим перед собой представителя романтично-прогрессивного Ар-деко.
Все эти трансформации достигаются при минимальном использовании скудного набора предметов и деталей, в то время, когда общее оформление помещения остается одним – строгие геометрические формы, пастельные, приглушенные цвета, ровные линии. Единственное, чтобы избежать ощущения бедности и обделенности, архитекторы уделяют повышенное внимание качеству исполнения ремонта – материалы должны соединять в себе широкую многофункциональность согласно духу минимализма: натуральность, безукоризненную отделку – никаких неровностей, трещин, складок.
Такой подход оправдается долгим сроком службы и возможностью последующих трансформаций, т.к. исходный набор предметов и традиционная цветовая гамма выступают каркасом для создания и изменения индивидуального интерьера с течением времени.
Отдельным подходом к созданию богатого минималистского интерьера может послужить внедрение в идеально ровное, простое помещение ярких абстрактных рисунков. И, часто, не только стена, но и потолок с нанесенным изображением может радикально изменить весь дух, всю сущность дизайна, добавить глубокий символизм и придать смысл всей архитектурной композиции. Мастер цвета и формы, глубокий символист и гений искусства, Василий Кандинский более ста лет назад показал, как внешняя простота может нести в себе сложную внутреннюю структуру и обладать глубоким эмоциональным воздействием на человека.
Творческий путь Василия Кандинского начался примерно сто лет назад в эпоху тотального пересмотра существующих ценностей, в бурный век декаданса, символизма и мистицизма, открытого протеста.
Сочетание света и цвета, особенно палитры заката с его богатыми контрастами оранжевого и синего постепенно трансформируются в мистические композиции. Кандинский стремится освободить скрытую энергию цвета из пут предметной конкретности, внести неточность контура и усилить восприятие цвета через отголоски впечатлений – цветовые пятна.
Красочные пятна Кандинского – не хаотичное скопление мазков, каждая картина имеет строгую композицию и заданный ритм движения. Цветовые пятна в мире Кандинского – это знаки, несущие собственные смыслы на языке мироздания. Помимо цветовых пятен Кандинский помогает зрителю понять суть композиции, вводя на полотно изображения предметов, исторически нагруженных многоплановым символизмом: всадник, крест, лодка, труба.
В своих работах Кандинский искал особый символический язык, способный описать энергию мира, аналогично поискам, параллельно предпринятым художниками-авангардистами Малевичем, Миро, Пикассо.
Эксперименты с пятнами продолжились в абстрактной живописи и в графическом дизайне. Пятно увеличивалось в размерах, сжималось, вытягивалось, но постоянно наталкивалось на геометрические фигуры. Язык случайных пятен так и остался неформализованным и нераскрытым. История беспредметной живописи продолжает осмыслять слияние света и цвета без предметных форм. Согласно Кандинскому, его цветовые пятна — это и есть музыка форм.
Именно параллель с музыкой и близкое знакомство с немецкими композиторами-новаторами подтолкнули Кандинского к следующему этапу своего творчества. Взаимодействие музыки и живописи, идеи композитора Скрябина и философа Соловьева о мессианской роли художника, предчувствие мирового кризиса, ведут к появлению идеи синтеза всех искусств, идеи так называемого «монументального искусства».
Такой же подход к искусству и архитектуре начал исповедовать и Кандинский. Именно эта теория привела художника в легендарный дом искусств «Баухауз» — объединенной под крылом Вальтера Гропиуса школы искусств и ремесел, флагмана рационализма и новаторства, определившего вектор развития архитектуры и дизайна на многие годы вперед. Именно постулаты школы – ограниченность цветов, геометрический абстракционизм, кричащая угловатость, ровные поверхности и нарочитое бунтарство подтолкнули Кандинского сменить свой экспрессионистский подход на строгий язык геометрических форм.
Самые известные произведений Баухауза в области архитектуры и дизайна (например, дом «Ам Хорн» в Веймаре) являют собой уже классические образцы функционализма. Абстрактные произведения Кандинского рождаются в синтезе с архитектурой интерьера. В Баухаузе Кандинский проектирует и создает собственный дом, где пытается сформировать особую, многоликую среду, расписав внутреннюю лестницу и стены, изготовив мебель. Яркая декоративность интерьера придавала ему сходство с крестьянским искусством.
Парадоксальным фактом является то, что, являясь лицом аскетизма и минимализма, в реальности Кандинский черпал вдохновение в народных верованиях и шаманских обрядах. В молодые годы, находясь в этнографической экспедиции по глубинкам России, Кандинский восторгался аляповатой пестротой крестьянских изб и буйству цвета в православных храмах.
Чувство растворения в цвете и живописи – основное стремление автора.
Кандинский, перерабатывая идею цвета, формы, гармонии искусств, вошел в историю мировой живописи как родоначальник абстракционизма, беспредметной живописи. Однако вся видимая беспредметность Кандинского по своей сути является высокодуховным носителем идеи гармонии пространства, раскрытия незримой сущности вещей, создания порядка из хаоса.Музыкальность его полотен не может не быть использованной в создании философского, ультра-эстетического интерьера. Цветовые пятна, переходы линий, столкновения форм – все это будет звучать постоянно в любом помещении, если в него введены элементы утонченного творчества.
Идея переноса композиций, навеянных творчеством Кандинского, на потолок (технология Soffitti del ‘Arte) – попытка переосмыслить ограниченное видение минимализма и ввести в него элементы глубокой символической составляющей. Все три направления работ автора (импрессии – мимолетные впечатления, импровизации – выход сиюминутных эмоций и чувств, и композиции – целые упорядоченные философские миры) прекрасно размещаются на потолочном пространстве и вносят многогранность и глубину в самый простой проект.
Художественная музыка Кандинского требует долгого и постоянного созерцания, потолок – идеальное место – большое пространство, открытость для взора. Погружение в композиции художника непременно создаст у зрителя ощущение движущегося пространства. Разные формы то приближаются, то отдаляются, сталкиваясь и разлетаясь прочь, звуча всеми тембрами оркестра природы, создавая эффект космической музыки. Все цвета и формы заранее наделены смыслом, голубой – флейта, синий – по мере затемнения переходит из диапазона виолончели в область органа, красный – скрипка, белый – цвет безмолвия, а черный – пустоты. Цвет присущ и всем геометрическим фигурам: прямой угол – красный, острый – желтый, а тупой – голубой.
Таким образом, поместив в интерьер звучащую живопись Кандинского, можно получить совершенно необыкновенное духовное пространство. Имея в посредниках великого мастера символизма, видевшего в искусстве пути познания и интерпретирования мира, самый простой и аскетичный интерьер преобразуется в богатый храм знаний, а его владелец получает возможность энергетического обновления и преодоления царства материального, в котором погрязли многие идеи и мысли.
Эффект слияния искусств может быть усилен использованием различных по свечению светодиодных подсветок потолка и применением светопрозрачных тканей Cerutti Aurora.
Интерес к цвету и абстрактной живописи начал бурно проявляться в эпоху романтизма и появления произведений Гете. Цветовой символизм широко описан в учениях Пифагора, и повсеместно использовался в эпоху средних веков и Возрождения, являясь важным элементом алхимии и изображения аллегорий.
Композитор Вагнер вводит в обиход термин «гезамткунстверк» — возврат от разрозненных искусств к первоначальному единому искусству. «Русский балет» Дягилева, произведения целой блистательной плеяды символистов Серебряного века, цветомузыка Скрябина, кинематограф Эйзенштейна и художественные работы абстракционистов – все это элементы одного течения, стремящегося к созданию высшей формы синтезируемого искусства, граничащего с мистикой и оккультизмом.
Подводя итог можно сказать, что Василий Кандинский, стал флагманом авангардистского искусства начала ХХ века.
Его творчество, пронизанное теориями русских и немецких новаторов, стало основополагающим в развитии культуры в целом. Для создания абстрактной росписи на потолке в коллекции фотосюжетов Черутти есть целый раздел, навеянный творчеством Кандинского и Малевича.
Минимализм в портретах — мое направление — Российское фото
Когда художник-график берет в руки камеру, то в итоге всегда получаются невероятные черно-белые фотографии, в которых главную роль играют линии, силуэты, свет и тени. Мария Буданова мастерски интегрировала свое художественное образование в фотографию. Потому ее работа Eyes и попала в Топ-20 лучших работ Family Russian Photo Award 2020. В нашем интервью с Марией: почему портрет — лучший жанр, что такое работа-загадка и как развивать свои навыки фотосъемки.
— Мария, расскажите немного о себе.
Как вы решили стать фотографом?
— Случилась довольно странная история, которая, как оказалось, решила мою судьбу! Еще в 15 лет на страничке одной социальной сети я увидела у друга одноклассницы фотоальбом, в который он загружал свои снимки различных предметов, сделанных на самый обычный фотоаппарат. И вдруг у меня словно что-то щелкнуло в голове! Появилось огромное желание попробовать поснимать — тем более что у дедушки было много старых камер, с помощью которых я и начала фиксировать абсолютно все, что меня окружало! Постепенно моя техника совершенствовалась, и в течение шести лет обучения в художественном институте вырабатывалось образное мышление, которое и дало весомый толчок в создании творческих работ.
— В каких жанрах вы работаете? Почему вы выбрали именно их?
— Несомненно, основной жанр — это портрет, однако я постоянно акцентирую внимание и на остальных видах съемки, так как фотография для меня бесконечна своими уникальными моментами! Портрет дает больше возможностей для передачи настроения и атмосферы снимка, ведь каждый человек — это герой со своей историей.
— Какие фотографы или творческие личности повлияли на ваше фототворчество?
— Безумно нравятся работы Noell Oszvald, Ziqian Liu, Gabriel Isak, Mirko Saviane, Ho Fan. По этим авторам можно сразу понять, к чему у меня лежит душа. Так как по специальности я художник-график, больше всего меня вдохновляют черно-белые оттенки: пятна, линии, силуэты и, конечно же, игра света и тени! Также всегда наблюдаю за авторами, в работах которых преобладает минимализм.
— А как бы вы описали свой стиль?
— Однажды мне сказали, что я снимаю не людей, а настроение. И на самом деле все мои работы — это определенная эмоция, состояние.
Конечно, каждый зритель видит свою историю в моих снимках, опираясь на собственный опыт, мировоззрение и ощущения, но это ведь и является задачей — создать работу-загадку, которую зритель уже будет обдумывать сам. Реализм, сюрреализм, минимализм, абстракция — любимые направления, с помощью которых экспериментирую без ограничений!
— Eyes — так называется ваша работа, попавшая в Топ-20 Family Russian Photo Award 2020. Как был сделан снимок?
— Данная работа была сделана во время съемочных дней в Элисте летом 2019 года. Веснушки модели мгновенно запали мне в душу и стали главной причиной для съемки именно детального уличного портрета.
— Какие еще работы вы отправляли на конкурс и по какому принципу вы их отбирали?
— Пара работ сняты в жанре портрета — одна в движении.
Остальные относятся к уличной фотографии, а вот здесь при съемке одной из них использовалась так любимая мной техника мультиэкспозиции. Во всех снимках есть общая черта — искреннее отражение такого прекрасного и уникального периода, как детство.
— Вы также уже на протяжении пяти лет участвуете в конкурсе 35AWARDS. Чем вас привлекает данная премия?
— Конечно же, премия заставляет развиваться, вырабатывает стремление к победе! Выбор работ для отправки, оценка, голосование, ожидание — все это безумно завораживает!
— А как вы развиваете свои навыки фотосъемки?
— Выработанная привычка постоянно просматривать различные фотосайты дает мне толчки для создания собственного стиля. Ежедневные щелчки затвора — самые лучшие звуки в мире!
— Есть ли у вас какие-то принципы в фотографии? Или девиз?
— «Пришла идея — сразу делай!» — любимый девиз, который, считаю, должен стать основным гимном для людей любой профессии!
Ткань Абстракция в стиле минимализм
Ткань Абстракция в стиле минимализм — закажи на #MarketShmarket.com любая ткань с любым принтом Код купона на скидку 10%: WWW
Действует до 24.08.2020 включительно
Укажите адрес электронной почты и мы отправим купон на скидку, чтобы он не потерялся.
option-select
Закажите любой принт на любом из 43 вариантов тканей 🔥
Цифровая печать по ткани от 1 метра
атлас-стрейч батист (100% хлопок) бифлекс матовый 220-230гр бифлекс матовый 260гр блэкаут вафельное полотно (хлопок) габардин деним (джинса) джерси милано интерлок (100% хлопок) искусственный шелк канвас саржевый капитоний (хлопок с утеплителем) кашкорсе костюмно-плательная стрейч креп-шифон стрейч кулирка (хлопок с лайкрой) кулирка спорт (пэ с лайкрой) курточная лен умягчённый мега-муслин (закончился, ожидаем в апреле) мембрана на флисе мембранная муслин в клеточку оксфорд 600D пальтовая плательно-блузочная стрейч плюш минки рибана (хлопок с лайкрой) рибана спорт сатин (хлопок, 150см) сатин (хлопок, 160см) сетка стрейч супер-хлопок термо-бифлекс фланель флис антипиллинг футер 2-нитка начёс (100 % хлопок) футер 2-нитка петля (хлопок с лайкрой) футер 3-нитка начес (80% хлопок) футер 3-нитка петля (80% хлопок) футер 3-нитка петля спорт хлопколён шитьё (хлопок с вышивкой) шифон
Обратный звонок
НаверхВключите в вашем браузере JavaScript!
×Архитектурный минимализм / Абстракция / Клуб владельцев техники Olympus
| Производитель | OLYMPUS CORPORATION |
| Модель | E-M1MarkII |
| Выдержка | 1/640 |
| Диафрагма | 7,1 |
| ISO | 200 |
| Фокусное расстояние | 10.0 mm |
| Модель объектива | LUMIX G VARIO 7-14/F4.0 |
Минимализм – HiSoUR История культуры
В изобразительном искусстве, музыке и других средах минимализм – это движение искусства, которое началось в западноевропейском искусстве после Второй мировой войны, наиболее сильно с изобразительным искусством США в 1960-х и начале 1970-х годов. Среди выдающихся художников, связанных с минимализмом, входят Дональд Джадд, Джон МакКракен, Агнес Мартин, Дэн Флавин, Роберт Моррис, Энн Труитт и Фрэнк Стелла. Он проистекает из редуктивных аспектов модернизма и часто интерпретируется как реакция против абстрактного экспрессионизма и мост на постминимальные практики искусства.
Термин, используемый в 20-м веке, в частности с 1960-х годов, описывает стиль, характеризующийся безличной строгостью, простой геометрической конфигурацией и промышленно обработанными материалами. Впервые он был использован Дэвидом Бурлюком в каталоге, посвященном выставке картин Джона Грэма в галерее Дуденсинг в Нью-Йорке в 1929 году. Бурлюк писал: «Минимализм берет свое название от минимума действующих средств. Минималистская живопись чисто реалистична: предмет самой картины ». Термин приобрел валюту в 1960-х годах. Счета и объяснения минимализма значительно варьировались, а также диапазон работ, к которому он был связан. Это включало монохромные картины Ив Кляйн, Роберта Раушенберга, Ад Рейнхардта, Фрэнка Стелла и Брайса Мардена и даже аспекты поп-арта и пост-живописца. Абстракция Как правило, прецедентами были представлены готовые матчи Марселя Дюшана, супрематические композиции Казимира Малевича и абстрактные экспрессионисты Барнетт Ньюман. Рациональные сетчатые картины Агнес Мартин также упоминались в связи с такими минималистскими художниками, как Сол Левитт.
Минимализм в музыке часто включает повторение и итерацию, например, композиции из La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass, Julius Eastman и John Adams. Термин минималистский часто разговорно относится ко всему, что является запасным или лишенным его основ. Соответственно, он был использован для описания пьес и романов Сэмюэля Беккета, фильмов Роберта Брессона, рассказов Раймонда Карвера и автомобильных проектов Колина Чепмена.
Минимальное искусство, минимализм в визуальном искусстве
Минимализм в визуальном искусстве, обычно называемый «минимальным искусством», «литералистическим искусством» и «ABC Art», появился в Нью-Йорке в начале 1960-х годов, когда новые и более старые художники перешли к геометрической абстракции; исследуя картину в случаях Фрэнка Стеллы, Кеннета Ноланда, Аль-Хелда, Эллсуорта Келли, Роберта Раймана и других; и скульптуры в произведениях различных художников, в том числе Дэвида Смита, Энтони Каро, Тони Смита, Сол Левитта, Карла Андре, Дэн Флавин, Дональда Джадда и других. Скульптура Джадда была продемонстрирована в 1964 году в Green Gallery в Манхэттене, как и первые флюоресцентные работы Флавина, в то время как другие ведущие галереи Манхэттена, такие как Галерея Лео Кастелли и Галерея Пасе, также начали демонстрировать художников, ориентированных на геометрическую абстракцию. Кроме того, были две семенные и влиятельные музейные выставки: «Первичные структуры: молодые американские и британские скульптуры», показанные с 27 апреля по 12 июня 1966 года в Еврейском музее в Нью-Йорке, организованные Куратором живописи и скульптуры музея, Кинастоном Макшином и Системным Живопись, в Музее Соломона Р. Гуггенхайма, куратор Лоуренса Дивайла, также в 1966 году, который продемонстрировал геометрическую абстракцию в мире американского искусства через Shaped canvas, Color Field и Hard-edge painting. После этих выставок и нескольких других появилось художественное движение, называемое минимальным искусством.
В более широком и общем смысле европейские корни минимализма встречаются в геометрических абстракциях художников, связанных с Баухаусом, в работах Казимира Малевича, Пьет Мондриана и других художников, связанных с движением Де Стидж, и русского конструктивистского движения, и в работе румынского скульптора Константина Бранкуши.
Во Франции с 1947 по 1948 год Ив Клейн задумал свою монотоновую симфонию (1949, формально «Монотон-тишину»), состоящую из одного 20-минутного продолжительного аккорда, за которым последовала 20-минутная тишина – прецедент для гуляющей музыки La Monte Young и Джон Кейдж 4’33 “. Клейн нарисовал монохромы еще в 1949 году и провел первую частную выставку этой работы в 1950 году, но его первым публичным показом стала публикация книги художника Ив: Пинтурс в ноябре 1954 года.
Минимальное искусство также частично вдохновлено картинами Барнетта Ньюмена, Ад Рейнхардта, Йозефа Альберса и произведений таких разных художников, как Пабло Пикассо, Марселя Дюшана, Джорджио Моранди и других. Минимализм был также реакцией на живописную субъективность абстрактного экспрессионизма, который доминировал в нью-йоркской школе в 1940-х и 1950-х годах.
Художник и критик Томас Лоусон отметил в своем эссе 1981 года «Артфорум» «Последний выход: живопись», минимализм не отверг утверждения Климента Гринберга о сокращении модернистской живописи до поверхности и материалов, так как он буквально воспринимает его заявления. По словам Лоусона, минимализм был результатом, хотя термин «минимализм» обычно не воспринимался художниками, связанными с ним, и многие практикующие искусства, обозначенные минималистскими критиками, не идентифицировали его как движение как таковое. Исключением из этого требования был сам Климент Гринберг; в своей записке 1978 года в своем эссе «Модернистская живопись» он отрекся от этой интерпретации того, что он сказал, написав:
Были некоторые дальнейшие конструкции того, что я написал, которые переходят в нелепость: что я рассматриваю плоскостность и включение плоскостности не только как предельные условия изобразительного искусства, но и как критерии эстетического качества в изобразительном искусстве; что чем дальше работа продвигает самоопределение искусства, тем лучше будет работа. Философ или историк искусства, который может представить, что я или любой другой, приходящий к эстетическим суждениям, таким образом читает ужасно больше в себе, чем в мою статью.
В отличие от более субъективных абстрактных экспрессионистов предыдущего десятилетия, за исключением Барнетта Ньюмена и Ад Рейнхардта; на минималистов повлияли также композиторы Джон Кейдж и Ламонт Янг, поэт Уильям Карлос Уильямс и ландшафтный архитектор Фредерик Лол Олмстед. Они очень четко заявили, что их искусство не касалось самовыражения, и в отличие от более субъективной философии предыдущего десятилетия о том, что искусство делает их «объективными». В общем, характеристики минимализма включали геометрические, часто кубические формы, очищенные от значительной метафоры, равноправие частей, повторение, нейтральные поверхности и промышленные материалы.
Роберт Моррис, теоретик и художник, написал трехчастное эссе «Заметки о скульптуре 1-3», первоначально опубликованное по трем статьям «Артформум» в 1966 году. В этих эссе Моррис попытался определить концептуальную структуру и формальные элементы для себя и который будет охватывать практику его современников. В этих эссе большое внимание уделено идее гештальта – «частей … связанных друг с другом таким образом, что они создают максимальную устойчивость к восприятию». Моррис позже описал искусство, представленное «отмеченным боковым распространением и не упорядоченными единицами или симметричными интервалами …» в «Заметках о скульптуре 4: Вне объектов», изначально опубликованной в Artforum, 1969, продолжая говорить, что «неопределенность договоренности частей является буквальным аспектом физического существования вещи ». Общий сдвиг в теории, в котором это эссе является выражением, предполагает переход к тому, что позже будет называться постминимализмом.
Одним из первых художников, конкретно связанных с минимализмом, был художник Фрэнк Стелла, четыре из которых ранние «черные картины» были включены в шоу 1959 года, 16 американцев, организованные Дороти Миллер в Музее современного искусства в Нью-Йорке. Ширина полос в черных картинах Фрэнка Стелласа часто определялась размерами пиломатериала, который он использовал для носилок, чтобы поддерживать холст, видимый на холсте, как глубину картины, если смотреть со стороны. Поэтому решения Стеллы о структурах на передней поверхности холста были не совсем субъективными, а предварительно обусловлены «заданной» особенностью физического построения носителя. В шоу-каталоге Карл Андре отметил: «Искусство исключает ненужное. Фрэнк Стелла счел нужным рисовать полоски. В его картине нет ничего другого». Эти редуктивные работы были резко контрастированы с заполненными энергией и, по-видимому, очень субъективными и эмоционально заряженными картинами Виллема де Кунинга или Франца Клайн и, с точки зрения прецедента среди предыдущих поколений абстрактных экспрессионистов, больше склонялись к менее строгим, часто мрачным , картины цветного поля Барнетта Ньюмена и Марка Ротко. Стелла сразу же обратила внимание на шоу MoMA, но другие художники, в том числе Кеннет Ноланд, Джин Дэвис, Роберт Мазервелл и Роберт Райман, также начали изучать полосы, монохромные и жесткие форматы с конца 50-х до 60-х годов.
Из-за тенденции в минимальном искусстве исключать иллюстрацию, иллюзию и фикцию в пользу буквального, было движение от живописного и к скульптурным проблемам. Дональд Джадд начинал как художник и заканчивался как создатель объектов. Его семантическое эссе «Конкретные объекты» (опубликованное в «Ежегоднике искусств» 8, 1965) было пробным камнем теории формирования минималистской эстетики. В этом эссе Джадд нашел отправную точку для новой территории для американского искусства и одновременного отказа от остаточных унаследованных европейских художественных ценностей. Он указал на доказательства этого развития в работах множества художников, действующих в Нью-Йорке в то время, в том числе Джаспер Джонс, Дэн Флавин и Ли Бонтекоу. «Предварительным» значением для Джадда была работа Джорджа Эрла Ортмана, который конкретизировал и перегонял формы живописи в тупые, жесткие, философски заряженные геометрии. Эти специфические объекты населяли пространство, которое затем не было удобно классифицировать как живопись или скульптура. То, что категориальная идентичность таких объектов подвергается сомнению, и что они избегали легкой связи с хорошо изнашиваемыми и слишком знакомыми конвенциями, была частью их ценности для Джадда.
Это движение подвергалось серьезной критике со стороны модернистских формалистов-искусствоведов и историков. Некоторые критики считали, что минимальное искусство представляет собой непонимание современной диалектики живописи и скульптуры, как это определено критиком Климентом Гринбергом, возможно, доминирующим американским критиком живописи в период, предшествующий 1960-м годам. Наиболее заметную критику минимализма дал Майкл Фрид, формалистский критик, который возражал против работы на основе ее «театральности». В «Искусстве и объективности» (опубликовано в «Artforum» в июне 1967 года) он заявил, что минимальное произведение искусства, особенно минимальная скульптура, было основано на взаимодействии с физикой зрителя. Он утверждал, что работа, подобная Роберту Моррису, трансформировала акт просмотра в какой-то спектакль, в котором было раскрыто искусство наблюдения за действиями и участие зрителя в работе. Фрид видел это смещение опыта зрителя от эстетического участия внутри, к событию вне произведения искусства, как к минимуму искусства. Очерк Фрид был немедленно оспорен постминималистом и земным художником Робертом Смитсоном в письме редактору в октябрьском выпуске Artforum. Смитсон заявил следующее: «То, что Фрид больше всего боится, – это сознание того, что он делает, а именно – самого театрального».
В дополнение к уже упомянутым Роберту Моррису, Фрэнку Стелле, Карлу Андре, Роберту Райману и Дональду Джадду, к числу других минимальных художников относятся: Роберт Мангольд, Ларри Белл, Дэн Флавин, Сол Левитт, Чарльз Хинман, Рональд Бладен, Пол Могенсен, Рональд Дэвис, Дэвид Новрос, Брайс Марден, Блинки Палермо, Агнес Мартин, Джо Бэр, Джон МакКракен, Ад Рейнхардт, Фред Сэндбек, Ричард Серра, Тони Смит, Патрисия Йохансон и Энн Труитт.
Ад Рейнхардт, фактически художник абстрактного экспрессионистического поколения, но тот, чьи редуктивные почти все черные картины, казалось, предвосхитили минимализм, имели это сказать о ценности редуктивного подхода к искусству:
Чем больше материала в нем, тем труднее произведение искусства, тем хуже. Больше меньше. Меньше – больше. Глаз – угроза для ясного зрения. Обман сам по себе неприличен. Искусство начинается с избавления от природы.
Замечание Рейнхардта прямо затрагивает и противоречит взгляду Ханса Хофмана на природу как на источник его собственных абстрактных картин экспрессионистов. В известном обмене между Хофманом и Джексоном Поллоком, как рассказал Ли Краснер в интервью Дороти Стриклер (1964-11-02) для Смитсоновского института архивов американского искусства. По словам Краснера:
Когда я привел Гофмана на встречу с Поллоком и посмотрел его работу, которая была до того, как мы переехали сюда, реакция Хофмана была одним из вопросов, которые он задал Джексону: «Вы работаете с природой?» Не было натюрмортов вокруг или моделей вокруг, и ответ Джексона был: «Я прирожден». И ответ Гофмана был: «Ах, но если вы будете наизусть, вы повторите себя». На что Джексон вообще не ответил. Встреча между Поллоком и Хофманом состоялась в 1942 году.
Минималистский дизайн и архитектура
Термин «минимализм» также используется для описания тенденции в дизайне и архитектуре, где субъект сводится к его необходимым элементам. Минималистские архитектурные дизайнеры сосредоточены на связи между двумя идеальными плоскостями, элегантным освещением и пустотами, оставленными удалением трехмерных фигур в архитектурном дизайне. [По словам кого?]
Минималистичный дизайн сильно зависит от традиционного японского дизайна и архитектуры. Работы художников De Stijl являются основной ссылкой: De Stijl расширил идеи выражения, тщательно организовывая основные элементы, такие как линии и плоскости. Что касается домашнего дизайна, более привлекательные «минималистические» проекты не являются поистине минималистскими, потому что они больше и используют более дорогие строительные материалы и отделки.
Есть наблюдатели, которые описывают появление минимализма как ответ на наглый и хаос городской жизни. В Японии, например, минималистская архитектура начала набирать обороты в 1980-х годах, когда ее города переживали быстрое расширение и быстро растущее население. Дизайн считался противоядием к «непреодолимому присутствию трафика, рекламы, смешавших строительных весов и наложения дорог». Хаотическая среда была связана не только с урбанизацией, индустриализацией и технологией, но и с японским опытом постоянно разрушать структуры из-за разрушений, вызванных Второй мировой войной и землетрясений, включая катастрофы, которые она влечет за собой, например, огонь. Следует отметить, что философия минималистского дизайна не прибыла в Японию через другую страну. Это уже часть японской культуры, основанная на философии Дзэн. Есть те, кто специально приписывает проектное движение духовности Японии и взгляду на природу.
Архитектор Людвиг Мис ван дер Роэ (1886-1969) принял девиз «Меньше – больше», чтобы описать его эстетику. Его тактика заключалась в организации необходимых компонентов здания, чтобы создать впечатление крайней простоты – он заручился каждым элементом и деталями, чтобы служить множеству визуальных и функциональных целей; например, проектирование пола, чтобы также служить в качестве радиатора, или массивный камин, чтобы также разместить ванную комнату. Дизайнер Бакминстер Фуллер (1895-1983) принял цель инженера «Делать больше с меньшими затратами», но его проблемы были ориентированы не только на эстетику, но и на технологию и технику.
Луис Барраган – пример современного минималистского дизайнера. [По мнению кого?] Другие современные архитекторы-минималисты включают Кадзуё Седжиму, Джона Поусона, Эдуардо Соуто де Моуру, Альваро Сизу Виейру, Тадао Андо, Альберто Кампо Баэзу, Йошио Танигути, Питера Цумтора, Хью Ньюэлла Якобсен, Винсент Ван Дуйсен, Клаудио Сильвестрин, Майкл Габеллини и Ричард Глюкман. [Страница необходима] [требуется проверка]
Минималистская архитектура и пространство
Минималистская архитектура стала популярной в конце 1980-х годов в Лондоне и Нью-Йорке, где архитекторы и модельеры работали вместе в бутиках, чтобы добиться простоты, используя белые элементы, холодное освещение, большое пространство с минимальными объектами и мебелью.
Концепции и элементы дизайна
Концепция минималистской архитектуры состоит в том, чтобы свести все до нужного качества и добиться простоты. Идея не полностью без орнамента, но все детали, детали и столярные изделия считаются сведенными до стадии, когда никто не может удалить что-либо еще для улучшения дизайна.
Соображения для «сущностей» – это свет, форма, деталь материала, пространство, место и состояние человека. Минималистские архитекторы не только учитывают физические качества здания. Они рассматривают духовное измерение и невидимость, слушая фигуру и обращая внимание на детали, людей, пространство, природу и материалы. Полагая, что это показывает абстрактное качество чего-то невидимого и помогает искать сущность этих невидимые качества, такие как естественный свет, небо, земля и воздух. Кроме того, они «открывают диалог» с окружающей средой, чтобы определить наиболее важные материалы для строительства и создать отношения между зданиями и объектами.
В минималистской архитектуре элементы дизайна стремятся передать сообщение простоты. Основные геометрические формы, элементы без украшения, простые материалы и повторения структур представляют ощущение порядка и необходимого качества. Движение естественного света в зданиях показывает простые и чистые пространства. В конце 19-го века, когда движение искусства и ремесел стало популярным в Великобритании, люди оценили отношение «правды к материалам» в отношении глубоких и врожденных характеристик материалов. Минималистские архитекторы смиренно «прислушиваются к фигуре», ищут сущность и простоту, заново открывая ценные качества в простых и распространенных материалах.
Влияния японской традиции
Идея простоты появляется во многих культурах, особенно в японской традиционной культуре философии Дзэн. Японцы манипулируют дзен-культурой в эстетические и дизайнерские элементы для своих зданий. Эта идея архитектуры повлияла на западное общество, особенно в Америке с середины 18 века. Более того, это вдохновило минималистскую архитектуру в XIX веке.
Дзен-концепции простоты передают идеи свободы и сущности жизни. Простота – это не только эстетическая ценность, но и нравственное восприятие, которое смотрит на природу истины и раскрывает внутренние качества и сущность материалов и предметов. Например, песчаный сад в храме Рёандзи демонстрирует понятия простоты и существенности из рассмотренного множества камней и огромного пустого пространства.
Японский эстетический принцип Ма относится к пустому или открытому пространству. Он удаляет все ненужные внутренние стены и открывает пространство. Пустота пространственного расположения сводит все до самого необходимого качества.
Японская эстетика Ваби-саби ценит качество простых и простых предметов. Он ценит отсутствие ненужных особенностей, сокровища жизни в тишине и стремится выявить врожденный характер материалов. Например, японское цветочное искусство, также известное как Икебана, имеет центральный принцип, позволяющий цветку выражать себя. Люди отрезают ветви, листья и цветки от растений и сохраняют только основную часть растения. Это передает идею существенного качества и врожденного характера в природе.
Тем не менее, далеко не просто пространственная концепция, Ма всегда присутствует во всех аспектах повседневной жизни Японии, поскольку она относится как к времени, так и к повседневным задачам.
Минималистские архитекторы и их работы
Японский архитектор-минималист Тадао Андо передает японский традиционный дух и свое собственное восприятие природы в своих работах. Его концептуальные концепции – это материалы, чистая геометрия и природа. Обычно он использует бетонную или натуральную древесину и основную структурную форму для достижения экономии и лучей света в космосе. Он также устанавливает диалог между сайтом и природой для создания отношений и порядка со зданиями. Произведения Андо и перевод японских эстетических принципов очень влияют на японскую архитектуру.
Другой японский архитектор-минималист Кадзуё Седжима работает самостоятельно и совместно с Райе Нишизава, как SANAA, создавая культовые японские минималистские здания. Взаимодействуя с созданием и воздействием на определенный жанр японского минимализма, тонкие интеллектуальные проекты Sejimas могут использовать белый цвет, тонкие строительные секции и прозрачные элементы для создания феноменального типа здания, часто связанного с минимализмом. Работы включают Новый музей (2010) Нью-Йорк, Малый дом (2000) Токио, Дом, окруженный сливными деревьями (2003) в Токио.
В Vitra Conference Pavilion, Weil am Rhein, 1993, концепции состоят в том, чтобы объединить отношения между строительством, движением человека, местом и природой. Который является одним из основных элементов идеологии минимализма, которые устанавливают диалог между зданием и сайтом. Здание использует простые формы круга и прямоугольника, чтобы противопоставить заполненное и пустое пространство интерьера и природы. В фойе есть большое ландшафтное окно, которое выходит наружу. Это обеспечивает простоту и тишину архитектуры и улучшает свет, ветер, время и природу в космосе.
Джон Поусон – британский минималистский архитектор; его проектные концепции – это душа, свет и порядок. Он считает, что, хотя и уменьшил беспорядок и упростил интерьер до точки, которая выходит за рамки идеи существенного качества, есть ощущение ясности и богатства простоты, а не пустоты. Материалы в его дизайне раскрывают восприятие пространства, поверхности и объема. Более того, он любит использовать натуральные материалы из-за их живости, чувства глубины и качества человека. Его привлекают также важные влияния японской философии дзен.
Calvin Klein Madison Avenue, Нью-Йорк, 1995-96, – это бутик, который передает идеи моды Кэлвина Кляйна. Концепции дизайна интерьера Джона Поусона для этого проекта заключаются в создании простых, мирных и упорядоченных пространственных механизмов. Он использовал каменные полы и белые стены для достижения простоты и гармонии пространства. Он также подчеркивает сокращение и устраняет визуальные искажения, такие как кондиционер и лампы для достижения чувства чистоты интерьера.
Альберто Кампо Баеза – испанский архитектор и описывает свою работу как важную архитектуру. Он ценит понятия света, идеи и пространства. Свет необходим и обеспечивает связь между жителями и зданием. Идеи должны соответствовать функции и контексту пространства, форм и конструкции. Пространство формируется минимальными геометрическими формами, чтобы избежать украшения, которое не является существенным.
Gasper House, Zahora, 1992 – это резиденция, в которой клиент хотел быть независимым. Высокие стены создают замкнутое пространство, а каменные полы, используемые в доме и во дворе, демонстрируют постоянство интерьера и экстерьера. Белый цвет стен показывает простоту и единство здания. Особенность структуры делает линии, чтобы сформировать непрерывно горизонтальный дом, поэтому естественный свет выступает горизонтально через здание.
Литературный минимализм
Литературный минимализм характеризуется экономикой со словами и фокусом на описании поверхности. Минималистские писатели избегают наречий и предпочитают позволять контексту диктовать смысл. Ожидается, что читатели будут играть активную роль в создании истории, «выбирать стороны» на основе косых намеков и инсинуаций, а не реагировать на направления от писателя.
Примерно 40-летняя криминальная критика писателей, таких как Джеймс М. Каин и Джим Томпсон, приобрели урезанный, вежливый прозаический стиль для значительного эффекта; некоторые классифицируют этот прозаический стиль как минимализм. [ласковые слова]
Еще одна линия литературного минимализма возникла в ответ на тенденцию метафикса 1960-х и начала 1970-х годов (Джон Барт, Роберт Ковер и Уильям Х. Гасс). Эти авторы также были свободны от прозы и сохраняли психологическую дистанцию от своего предмета.
Минималистские авторы или те, кто отождествляется с минимализмом в течение определенных периодов их карьерной карьеры, включают следующее: Раймонд Карвер, Энн Битти, Брет Истон Эллис, Чарльз Буковски, Эрнест Хемингуэй, К. Дж. Стивенс, Эми Хемпель, Бобби Энн Мейсон, Тобиас Вольф , Грейс Пэли, Сандра Сиснерос, Мэри Робисон, Фредерик Бартельм, Ричард Форд, Патрик Холланд, Кормак Маккарти и Алисия Эриан.
Американские поэты, такие как Стивен Крейн, Уильям Карлос Уильямс, ранний Эзра Паунд, Роберт Крили, Роберт Гренье и Арам Сароян, иногда отождествляются с их минималистским стилем. Термин «минимализм» также иногда ассоциируется с кратчайшим из поэтических жанров, хайку, который возник в Японии, но был одомашнен в английской литературе такими поэтами, как Ник Вирджилио, Раймонд Розелип и Джордж Швед.
Ирландский писатель Сэмюэл Беккет хорошо известен своими минималистскими пьесами и прозой, как и норвежский писатель Джон Фосс.
В своем романе «Легкая цепочка» Эван Дара включает 60-страничный раздел, написанный в стиле музыкального минимализма, в частности, вдохновленный композитором Стивом Райхом. Намереваясь представлять психологическое состояние (волнение) главного героя романа, последовательные строки текста этого раздела построены на повторяющихся и развивающихся фразах.
Минимальная музыка
Термин «минимальная музыка» был получен в 1970 году Майклом Ниманом из концепции минимализма, которая ранее применялась к изобразительному искусству. Точнее, именно в обзоре 1968 года в The Spectator Ниман впервые использовал этот термин, чтобы описать десятиминутную композицию фортепиано датским композитором Хеннинг Кристиансеном, а также несколько других неназванных пьес, которые сыграли Шарлотта Мурман и Нам Джун Паик на Институт современного искусства в Лондоне.
Минимализм в живописи | Artrue
Определение минимализма и характерные идеи для мастеров этого движения.
Белое на белом
Минимализм
Определение
Возникшее в Нью-Йорке в 1960-х годы, минимализм стал одним из основных направлений постмодернизма. Этот стиль характеризуется предельно простой формой, зачастую работы сводятся к изображению геометрических абстракций. Термин минимализм обычно применяется по отношению к трудам таких художников, как Карл Андре, Дэн Флавина, Дональда Джадда, Роберт Моррис, Тони Смит и др. Иногда этот аскетичный тип искусства ассоциируется с концептуализмом.
Разделение. Кеннет Ноланд.
Происхождение и история
Истоки минимализма видны в некоторых работах русского супрематиста Казимира Малевича, а также в трудах Марселя Дюшана и Фрэнка Стелла. Минималистские картины и скульптуры, как правило, состоят из точных и бескомпромиссных форм, с жесткими цветовыми переходами, используют холодную цветовую палитру или вовсе один или два оттенка.
Колесо
Не удивительно, что движение подвергалось резкой критике со стороны экспертов и историков в области искусства «театральность» и методы.
Зеленая клякса. Эльсуорт Келли.
Нео-минимализм
Неоминимализм представляет собой довольно расплывчатый художественный архитектурный, скульптурный, живописный и музыкальный стили конца 20-го — начала 21-го века. Его иногда называют «Неогео», «Неоконцептуализм», «Неофутуризм» и так далее. Современные художники, связанные с этим движением: Катарина Берджесс, Пол Кун, Кристофер Уиллард и некоторые другие.
Постминимализм
Постминимализм описывает попытки выйти за рамки идиомы минимализма во всех сферах искусства. Проще говоря, минимализм является довольно интеллектуальным стилем искусства, характеризующимся крайней простотой формы и преднамеренном отсутствии выразительного содержимого. Художники-минималисты были заинтересованы только в передаче чистой «идеи». В постминимализме (1970-е годы) фокус смещался от чистой идеи к форме ее передачи. Известными мастерами движения являются Том Фридман, Ева Хессе, Аниша Капура, Чарльз Рэй, Ричард Таттл, Ханна Вильке и другие.
Скульптура в олимпийском парке Лондона. Аниш Капура.
Заключение
Минимализм старается передать стремление к упрощению смысла и модели представления, с исключением ненужных и вторичных деталей. Такой подход в 1960–1970 годы был популярен как в изобразительном искусстве, так и в дизайне, архитектуре.
Скульптура Френка Стелла
Загрузка …Абстрактный экспрессионизм и минимализм | Введение в концепции искусства, SAC, ART100
Абстрактный экспрессионизм: что в имени?
Группа художников, известных как абстрактные экспрессионисты, появилась в Соединенных Штатах после Второй мировой войны. Как следует из этого термина, их работа характеризовалась очень абстрактными или необъективными образами, которые казались эмоционально наполненными личным смыслом. Художники, однако, отвергли этот смысл имени.
Они настаивали, что их предметы не были «абстрактными», а скорее примитивными образами, глубоко укоренившимися в коллективном бессознательном общества. Их картины не выражали простых эмоций. Они сообщали универсальные истины о человеческом состоянии. По этим причинам другой термин — Нью-Йоркская школа — предлагает более точное описание группы, поскольку, хотя некоторые в конечном итоге переехали, их отличительная эстетическая форма впервые обрела форму в Нью-Йорке.
Марк Ротко, Медленный вихрь на берегу моря, 1944, холст, масло, 191.4 x 215,2 см (MoMA)
Расцвет Нью-Йоркской школы отражает более широкий культурный контекст середины двадцатого века, особенно отход от Европы как центра интеллектуальных и художественных инноваций на Западе. Значимость абстрактного экспрессионизма во многом объясняется его статусом первого американского движения изобразительного искусства, получившего международное признание.
Искусство для мира в руинах
Barnett Newman написал:
Мы ощутили моральный кризис разрушенного мира, мира, разрушенного великой депрессией и ожесточенной мировой войной, и в то время было невозможно писать такие картины, которые мы делали: цветы, лежащие обнаженные тела и люди играют на виолончели.
Несмотря на то, что абстрактные экспрессионисты отличались индивидуальными стилями, они разделяли общие художественные и интеллектуальные интересы. Хотя это и не было явно политическим, большинство художников придерживались твердых убеждений, основанных на марксистских идеях социального и экономического равенства. Многие извлекли прямую выгоду из работы в Федеральном художественном проекте Управления прогресса работ. Там они нашли влияние в стилях регионализма американских художников, таких как Томас Харт Бентон, а также в социалистическом реализме мексиканских художников-монументалистов, включая Диего Риверу и Хосе Ороско.
Рост фашизма в Европе вызвал волну художников-иммигрантов в Соединенных Штатах в 1930-х годах, что дало американцам больший доступ к идеям и практике европейского модернизма. Они стремились пройти обучение в школе, основанной немецким художником Гансом Хоффманном, и у Йозефа Альберса, который покинул Баухаус в 1933 году, чтобы преподавать в экспериментальном колледже Блэк-Маунтин в Северной Каролине, а затем в Йельском университете. Это европейское присутствие прояснило формальные нововведения кубизма, а также психологический подтекст и автоматические техники рисования сюрреализма.
В то время как сюрреализм черпал вдохновение в теориях Зигмунда Фрейда, абстрактные экспрессионисты больше обращали внимание на швейцарского психолога Карла Юнга и его объяснения примитивных архетипов, которые были частью нашего коллективного человеческого опыта. Они также тяготели к экзистенциалистской философии, ставшей популярной благодаря таким европейским интеллектуалам, как Мартин Хайдеггер и Жан-Поль Сартр.
Учитывая зверства Второй мировой войны, экзистенциализм обратился к абстрактным экспрессионистам.Позиция Сартра о том, что действия человека могут придать жизни смысл, свидетельствует о важности творческого процесса художника. Из-за физической борьбы художника со своими материалами сама картина может в конечном итоге стать постоянным признаком существования человека. Каждый из художников, связанных с абстрактным экспрессионизмом, в конечном итоге разработал индивидуальный стиль, который можно легко узнать как свидетельство его художественной практики и вклада.
Как это выглядит?
Хотя абстрактный экспрессионизм послужил основой для скульптур Дэвида Смита и Аарона Сискинда, это движение наиболее тесно связано с живописью.Большинство картин абстрактного экспрессионизма крупномасштабны, включают в себя очень абстрактные или необъективные образы, не имеют четкого фокуса и демонстрируют видимые признаки рабочего процесса художника, но эти характеристики не совпадают во всех примерах.
Виллем де Кунинг, Женщина, I, 1950–52, холст, масло, 192,7 x 147,3 см (MoMA)
В случае « Woman I » Виллема де Кунинга видимые мазки кисти и густо нанесенный пигмент типичны для стиля абстрактного экспрессионизма «Живопись действия», также связанного с Джексоном Поллоком и Францем Клайном.Глядя на Woman I, , мы легко можем представить де Кунинга за работой, используя резкие рубящие жесты, добавляя капли краски для создания сильно застроенных поверхностей, которые можно было бы физически обработать и обработать его кистью и мастихином. Центральный образ Де Кунинга легко узнаваем, он отражает традицию обнаженной женщины на протяжении всей истории искусства. Де Кунинг родился в Нидерландах, в отличие от своих американских коллег, получил образование в европейских академических традициях. Хотя на протяжении всей своей карьеры он создал много необъективных работ, его ранний опыт может быть одним из факторов его частого возвращения к фигуре.
В отличие от динамичного внешнего вида искусства де Кунинга, Марк Ротко и Барнетт Ньюман служат примером того, что иногда называют стилем абстрактного экспрессионизма «Цветовое поле». Эти художники также создавали крупномасштабные, беспредметные образы, но их работам не хватает энергичности и жесткости, характерных для Action Painting.
Марк Ротко, Оранжевое и красное на красном, 1957, холст, масло, 174,9 x 168,5 см (Коллекция Филлипса, Вашингтон)
зрелые картины Ротко иллюстрируют эту тенденцию.Его тонко прорисованные прямоугольники кажутся парящими на их фоне. Для таких художников, как Ротко, эти изображения были предназначены для поощрения медитации и личных размышлений. Адольф Готтлиб в письме с Ротко и Ньюманом в 1943 году объяснил: «Мы предпочитаем простое выражение сложной мысли». — Письмо Марка Ротко и Адольфа Готлиба художественному редактору Эдварду Олдену Джуэллу, New York Times, 7 июня 1943 г.
Барнетта Ньюмана Vir Heroicus Sublimis иллюстрирует эту высокую цель.В этой картине Ньюман использовал «молнии», вертикальные линии, которые разделяют нарисованное поле фона, выполняя двойную функцию. Хотя они визуально подчеркивают пространство контрастного цвета вокруг себя, они образно отражают наше собственное присутствие как индивидуумов в нашем потенциально подавляющем окружении. Картина Ньюмана вызывает представление о Возвышенном в восемнадцатом веке, философскую концепцию, связанную с духовным пониманием места человечества среди великих сил вселенной.
Фрагмент Барнетта Ньюмана, Vir Heroicus Sublimis, 1950 год с посетителями в МоМА
Наследие абстрактного экспрессионизма
На протяжении 1950-х годов абстрактный экспрессионизм стал доминирующим влиянием на художников как в Соединенных Штатах, так и за рубежом. Правительство США восприняло его самобытный стиль как отражение американской демократии, индивидуализма и культурных достижений и активно продвигало международные выставки абстрактного экспрессионизма как формы политической пропаганды в годы холодной войны.Однако многим художникам было трудно воспроизвести эмоциональную аутентичность, заложенную в стилистических нововведениях де Кунинга и Поллока. Их работа казалась изученной и лишенной такой же жизненной силы, как пионеры первого поколения. Другие видели метафизический подтекст абстрактного экспрессионизма в противоречии с обществом, все более озабоченным потребительским менталитетом, подпитываемым экономическим успехом и распространением средств массовой информации. Такая реакция неизбежно приведет к появлению поп-музыки, минимализма и появлению ряда новых художественных разработок в середине двадцатого века.
Минимализм: реакция против абстрактного импрессионизма?
Обзор движения «Минимализм
» | TheArtStory
Краткое изложение минимализма
Минимализм возник в Нью-Йорке в начале 1960-х годов среди художников, которые сознательно отказывались от современного искусства, которое, по их мнению, стало устаревшим и академическим. Волна новых влияний и заново открытых стилей заставила молодых художников усомниться в традиционных границах между различными медиа.Новое искусство предпочитало прохладу «драматическому»: их скульптуры часто изготавливались из промышленных материалов и подчеркивали анонимность над выразительным избытком абстрактного экспрессионизма. Художники и скульпторы избегали явного символизма и эмоционального содержания, а вместо этого обращали внимание на материальность произведений. К концу 1970-х годов минимализм восторжествовал в Америке и Европе благодаря сочетанию сил, включая кураторов музеев, торговцев произведениями искусства и публикации, а также новых систем частного и государственного патронажа.А члены нового движения, постминимализма, уже оспаривали его авторитет и, таким образом, были свидетельством того, насколько важным стал сам минимализм.
Ключевые идеи и достижения
- Минималисты дистанцировались от абстрактных экспрессионистов, удаляя предложения биографии из своего творчества или, действительно, метафор любого рода. Это отрицание самовыражения в сочетании с интересом к созданию предметов, избегающих появления изобразительного искусства, привело к созданию гладких геометрических работ, которые целенаправленно и радикально избегают традиционной эстетической привлекательности.
- Эпоха постспутника возродила активный интерес к русскому конструктивизму. Конструктивистский подход привел к использованию модульных материалов и промышленных материалов вместо ремесленных методов традиционной скульптуры. Готовые модели Марселя Дюшана также были вдохновляющими примерами использования сборных материалов. Основываясь на этих источниках, минималисты создавали произведения, напоминающие фабричные товары, и перевернули традиционные определения искусства, смысл которых был привязан к повествованию или художнику.
- Использование готовых промышленных материалов и простых, часто повторяющихся геометрических форм вместе с акцентом на физическое пространство, занимаемое произведениями искусства, привело к созданию некоторых работ, которые заставили зрителя столкнуться с расположением и масштабом форм. Зрители также могли испытать такие качества, как вес, рост, гравитацию, маневренность или даже появление света как материального присутствия. Они часто сталкивались с произведениями искусства, которые требовали как физического, так и визуального отклика.
- Минималисты стремились разрушить традиционные представления о скульптуре и стереть различия между живописью и скульптурой. В частности, они отвергли формалистическую догму критика Клемента Гринберга, которая налагала ограничения на искусство живописи и привилегированных художников, которые, казалось, писали под его руководством. Более демократичная точка зрения минималистов была изложена в трудах и на выставках их лидеров Сола Левитта, Дональда Джадда и Роберта Морриса.
Обзор минимализма
Получив степень бакалавра в Принстоне, Фрэнк Стелла переехал в Нью-Йорк, где работал маляром, чтобы платить за квартиру.Он использовал коммерческую краску, купленную по доллару за галлон с помощью простых кистей для рисования, чтобы создать свою Black Paintings (1958-60), которая прославила его, когда ему было всего 23 года. Работы были основополагающими для развития минимализма, как он утверждал. «То, что вы видите, это то, что вы видите» — стало мантрой движения.
Сравнение минимализма и абстрактного экспрессионизма — видео и стенограмма урока
Абстрактный экспрессионизм
Добро пожаловать в мир Абстрактный экспрессионизм .Это движение сосредоточено на подсознательном акте творчества и личных отношениях между художником и холстом. Давайте просто уберем эту запутанную интеллектуальную ерунду с дороги. Так что это на самом деле означает? Что ж, целью абстрактного экспрессионизма было создание изображений, которые были посвящены исключительно эмоциям. Вот почему не изображены узнаваемые объекты. Не нужно маскировать эмоциональную природу живописи метафорами, скрытыми в реалистичных объектах.
В абстрактном экспрессионизме художники пытаются позволить своему подсознанию направлять картину, что является идеей грубых, выразительных мазков.Фактически, многие абстрактные экспрессионисты верят в картину «действие» , в которой краска капает, проливается или размазывается по холсту как способ уменьшить сознательный контроль. Для художников именно эти техники переносят эмоции художника на холст. На самом деле это означает, что физическое действие картины так же важно, как и готовый продукт. Это действительно важный аспект абстрактного экспрессионизма. Фактически, настолько важно, что я собираюсь повторить это еще раз: физическое действие рисования так же важно, как и готовый продукт.Хотите услышать это в третий раз? Нет, я так не думал.
Минимализм
Итак, как вы можете догадаться, абстрактный экспрессионизм вызвал настоящий переполох в художественном сообществе. Это было непохоже на то, что делали раньше, и действительно укрепило приверженность Америки абстрактному искусству. Абстрактный экспрессионизм повлиял на несколько стилей в течение следующих десятилетий. Некоторые основывались на идеях абстрактных экспрессионистов, а некоторые отвергали их.
Одним из движений, отвергающих абстрактный экспрессионизм, был Minimalism , движение, направленное на устранение всего лишнего, чтобы раскрыть самую основную сущность искусства.А теперь давайте посмотрим, что общего у этих двух стилей. Во-первых, это желание отбросить натуралистические представления, чтобы найти какой-то элемент истины. Кроме того, абстрактные экспрессионисты, такие как Марк Ротко, изучали сокращение рисунка до плоских цветов.
Хорошо, теперь, когда мы рассмотрели это, давайте разберемся, почему они разные. Один из ключей к пониманию современного искусства — помнить, что значение выходит за рамки визуальных аспектов.Так что, хотя между стилями может быть визуальное сходство, важно то, «почему». Почему минималисты склонны рисовать плоские сцены в один цвет? В то время как абстрактные экспрессионисты использовали личные эмоции, минималисты хотели полностью отказаться от своего искусства. Это большая разница. Абстрактные экспрессионисты вкладывают себя в свое искусство; Минималисты выходят из этого.
Пытаясь избавиться от лишнего, они поняли, что это касается и них самих.Картина должна быть чистой и незагрязненной личными эмоциями или субъективностью. Эта идея на самом деле очень легко воплотилась в скульптуре и архитектуре, что является одной из причин того, что минималистское искусство встречается в большем количестве средств массовой информации, чем абстрактный экспрессионизм, который обычно ограничивается живописью, за некоторыми исключениями. Для чего-то столь минималистичного этот стиль, несомненно, оказал большое влияние.
Краткое содержание урока
Современное искусство пережило взрывной рост после Второй мировой войны, когда появились новые идеи и стили, бросающие вызов нашему взгляду на искусство.
Первым крупным движением был абстрактный экспрессионизм , стилистически выразительный и сосредоточенный на подсознательном акте творчества и личных отношениях между художником и холстом. Это означало, что акт рисования был очень важен, поскольку именно так художник передает эмоции в произведение искусства. Этот стиль произвел настоящий фурор, и появилось много других движений, которые либо принимали, либо отвергали эти идеи.
Минимализм отверг идею о том, что художник должен заниматься своим искусством, и сосредоточился на том, чтобы убрать все лишнее из дизайна, оставив только самое объективное, честное изображение.Иногда бывает трудно ценить искусство, когда так много всего нужно для понимания плоского синего прямоугольника, но эй, иногда мы все могли бы быть просто немного более абстрактными.
Результаты обучения
После просмотра этого урока вы должны уметь:
- Определить абстрактный экспрессионизм
- Объясните действие картины
- Сопоставьте абстрактный экспрессионизм с минимализмом
Minimal Art — Минимализм и абстрактный экспрессионизм
Конец 19 века принес новые перспективы в художественном мире.Художники начали понимать, что искусство больше, чем зрение в безличном смысле, то есть больше, чем просто эстетическое. Изобразительное искусство может быть о чувствах; это может быть о художнике и его эмоциях, его суждения и их восприятие. Искусство могло бы быть инструментом для художников, чтобы выразить сами себя; холст можно было использовать для представления мыслей художников.
Для самовыражения через искусство, а также справиться с социальными изменениями, вызванными последствия войны, художники все больше увлекались абстрактный.Таким образом, в 20 веке абстрактное движение зародилось среди развитие экономического и художественного процветания Соединенных Штатов.
Среди абстрактного движения, Минимальный Возникает искусство. Какие проблемы минимальное искусство представляет для абстрактного Экспрессионизм? Как связаны эти два движения?
Чтобы понять связь между эти два движения, важно сначала пройти базовую информацию относительно каждого.
Что такое абстрактный экспрессионизм?
Абстрактный экспрессионизм возник в США примерно в 1947 году в результате сочетания сюрреализма и абстракционизма.Его язык был образным, и он установил тесную связь с неформальным искусством.
Примечание: Неофициальный Искусство, или Art Informel, — это « французское термин, описывающий множество подходов к абстрактной живописи 1940-х и 1950-е годы, которые объединяли импровизационную методологию и высокую жестикуляцию. техника ».
Его появление в значительной степени связано с значительные социальные, политические и экономические изменения, которые пережила Европа после Второй мировой войны, как объясняет искусствовед Рикардина Эстефания Оливейра.Послевоенная эпоха разделилась западноевропейские страны пытались оправиться от структурных и, главным образом, кризис идентичности, в то время как Соединенные Штаты процветали. Идея американца Мечта стала символом американской культуры. Это был идеал, основанный на экономическое процветание страны, которое затем уступило место хорошо поддерживаемой художественное творчество.
Фантазия свободы Американская мечта — отправная точка абстрактного экспрессионизма. Этот новый художественное движение воплотило смену парадигмы — Париж утратил титул воплощения современного искусства в Нью-Йорк.
Созданы абстрактные экспрессионисты свои работы, интерпретируя искусство как выражение и эмоции. Эти художники выражались через универсальные темы, однако не все они создавали их работы следуют тем же образцам. В то время как некоторые произведения искусства изображены красочные поля и абстрактные формы, другие передавали энергичные жесты и решительные шаги, такие как Джексон Поллок.
В статье «Американское действие Художники », Розенберг описывает акт живописи как более не подчиненный объект; в абстрактном экспрессионизме рисование идет рука об руку с душевное состояние художника или, другими словами, его эмоции.
С другой стороны, Гринберг верит в форму как на единственный действительный критерий оценки качества произведения Изобразительное искусство. В статье «Американский тип» Картина», Гринберг отмечает, что живопись не должна рассказывать историю, поскольку это цель театра и литературы. Гринберг верил в превосходство формы над содержание.
Таким образом, в Абстрактный экспрессионизм: экзистенциализм Розенберга и формализм Гринберга.
Примечание: Формализм описывает критическую позицию, что самый важный аспект произведения искусства его форма — способ его изготовления и его чисто визуальные аспекты — а не его повествовательное содержание или его отношение к видимому миру .
Самые известные художники
Джексон Поллок
Виллен де Кунинг
Марк Ротко
Метрополитен-музейРоберт Раушенберг
Музей современного искусства Сан-ФранцискоФранц Клайн
Музей современного искусстваЧто такое минимальное искусство?
В 1965 году Ричард Волльхейм изобрел название Minimal Art в своем эссе «Minimal Art», говоря о вид искусства, основанный на использовании основных и существенных элементов изобразительного искусства.Возникнув из ленд-арта (см. Примечание), минимальное искусство выражало презрение к фигуративное искусство и использовало меньшее количество элементов и цветов, что создается эффект безличности за счет использования промышленных материалов.
Примечание: Лэнд-арт, Искусство Земли — это художественное направление, возникшее в 1960-х и 1970-х годах, в основном связан с Великобританией и США. Ленд-арт — это искусство, которое создается непосредственно в ландшафте, лепя землю в земляные работы или делая структуры в ландшафте с использованием природных материалов, таких как камни или веточки.
Возвращение послеспутниковой эпохи Интерес к конструктивизму, русской художественной философии зародился в 1913 году. Конструктивизм «полностью отвергал миметическое изображение и был последовательным форма геометрического абстрактного искусства, которая характеризовалась высоким уровнем техническое и математическое совершенство. Основные формальные характеристики Конструктивистское искусство включало использование геометрических первичных форм, расположенных в пространство или поверхность в гармоничном порядке. Художники-конструктивисты отвергли яркое, красочные нёбо и экспериментировали с эффектами света и движение.”(1)
Такие как конструктивизм, реди-мейды Марселя Дюшана были также вдохновляющие примеры использования промышленных материалов.
Оба вышеупомянутых источника послужило источником вдохновения для минимального искусства. Минималисты создали упрощенные произведения с промышленными материалами.
В живописи минимальное искусство может быть определяется ограниченным числом элементов, часто характеризуемых монохроматические поверхности.
В скульптуре художники преобразили материалы, что делает их простым представлением.Это обмануло зрителя, который оказался в ловушке иллюзии, что камень — это больше, чем просто камень. (2)
Такие исполнители, как Роберт Моррис, Дональд Джадд, Сол Левитт и т. Д. Построили детали с геометрическими формами, повторяющимися в пространство, отвергая, таким образом, ценности композиции, но показывая реальность его материалы. В них представлены изделия из стали, дерева и стекла в самом необработанном виде. форма, без неявных значений, метафор или символизма.
Вышеупомянутая компания Роберта Морриса статья также передает, что минимальное искусство зависело от восприятия зрителя, учетные переменные, такие как пространство, размер и освещение.Как пишет The Art Story, «использование промышленных материалы и простые повторяющиеся геометрические формы вместе с акцентом размещенные на физическом пространстве, занимаемом произведением искусства, привели к появлению некоторых работ, которые заставляли зрителя противостоять расположению и масштабу форм. Зрителей также были приведены к опыту таких качеств, как вес, рост, сила тяжести, ловкость или даже появление света как материального присутствия. Они часто сталкивались с произведения искусства, которые требовали как физического, так и визуального отклика ».
По мнению Морриса, идеальное пространство работа будет пустой, потому что она не повлияет на восприятие скульптура.
Хотя художники-минималисты пытались создавать искусство, представляющее не что иное, как то, что на самом деле было коммодификация минималистского искусства посредством таких акций, как аукционы, разрушила его упрощенные идеи. Продам пару деревянных ящиков за миллионы долларов. не совсем близко к грубой, правдивой и болезненной реальности.
Самые известные художники
Дональд Джадд
Фонд ДжаддаЯёи Кусама
Aesthetica MagazineФрэнк Стелла
СреднийSol LeWitt
Pace GalleryРоберт Моррис
Как минималисты и их идеи отвечали на абстрактный экспрессионизм и отвергали его?
Minimal Art следует, во времени, Абстрактное экспрессионистское движение.Минималисты не полностью отвергли метод . operandi абстрактных экспрессионистов. Рикардина Э. Оливейра объясняет как на самом деле эти два движения были связаны в одной точке.
В начале 1960-х, когда В художественной сфере зародился минимализм, мы увидели формалистические идеалы Триумф Гринберга над экзистенциализмом Розенберга. Несколько художников, например Фрэнк Стелла, автор некоторых произведений абстрактного экспрессионизма. движение, начали создавать произведения, ориентированные на идею формализма.Там был, таким образом, эволюцией художественного производства, в которой абстрактный экспрессионизм стал ближе к формализму, присутствующему в минимальном искусстве. При переходе от Абстрактный экспрессионизм в минимальное искусство, мы видим, что художники включили идеал формы в своей работе и снял все эмоции и душевное состояние тех кто создает.
Тем не менее, справедливо констатировать, что Художники-минималисты отвергли абстрактный экспрессионизм за то, что он представлял: избыток, явный символизм и эмоциональное содержание.
Как минимализм бросил вызов идеям абстрактного экспрессионизма?
Художники-минималисты хотели удалить выражение и эмоции от произведений искусства полностью, что делает их устойчивыми к биографическому чтению — в отличие от абстрактного экспрессионизма, который по выражению и эмоциям, а автор работы сыграл большую роль в искусство.
Избегать основных форм и форм никаких метафор или символики произведения искусства были простыми, лишенными скрытых в смысле — они явно представляли то, чем были.
Минимальное искусство не предназначено для того, чтобы зритель заинтригован; Напротив, по словам Роберта Морриса, минимальное искусство было вопиющее «нет трансцендентным и духовным ценностям, героический масштаб, мучительные решения, историзация повествования, ценный артефакт, интеллектуальная структура, интересный визуальный опыт ». Художники-минималисты стремились к реальности. Некоторые минимальные художники даже стремились устранить разницу между живописью и скульптурой: Дональд Джадд утверждал, что его работы были «конкретными объектами, занимающими реальное пространство.” (3)
Заключительные записи
В то время как художники-минималисты не полностью отвергать абстрактный экспрессионизм, было много экспрессионистов идеалы, которые подверглись критике и сделали устаревшими художниками-минималистами. Некоторые абстрактные экспрессионисты приняли минимальное искусство; другие предпочли отвергнуть минимальное искусство или абстрактный экспрессионизм, не признающий ценности в соответствующем художественном движении.
История искусств может быть сложной, поэтому, если у вас есть вопросы, оставьте комментарий!
Минимализм | художественное движение | Britannica
Minimalism , главным образом американское движение в изобразительном искусстве и музыке, зародившееся в Нью-Йорке в конце 1960-х годов и характеризующееся чрезвычайной простотой формы и буквальным, объективным подходом.
Подробнее по этой теме
Западная живопись: Минимализм
Однако некоторым молодым американским скульпторам такие работы, как Каро, казались воплощением ограниченных «европейских» эстетических заповедей. Принимая …
Минимальное искусство, также называемое искусством ABC, является кульминацией редукционистских тенденций в современном искусстве, которые впервые проявились в композиции 1913 года русского художника Казимира Малевича, изображающей черный квадрат на белом фоне.Основные структуры скульпторов-минималистов Дональда Джадда, Карла Андре, Дэна Флавина, Тони Смита, Энтони Каро, Сола Левитта, Джона Маккракена, Крейга Кауфмана, Роберта Дюрана и Роберта Морриса, а также резкие картины Джека Янгермана, Элсворта Келли, Фрэнк Стелла, Кеннет Ноланд, Аль Хельд и Джин Дэвис выросли из неудовлетворенности этих художников живописью в стиле экшн, ветвью американского абстрактного экспрессионизма, основанной на интуитивном, спонтанном жесте, который доминировал в американском авангардном искусстве на протяжении большей части 1950-х годов.Минималисты, считавшие, что живопись в жанре экшн слишком личная и несущественная, придерживались точки зрения, согласно которой произведение искусства не должно относиться ни к чему другому, кроме самого себя. По этой причине они пытались избавить свои произведения от каких-либо вневизуальных ассоциаций. Использование резких граней, простой формы и линейного, а не живописного подхода было предназначено для того, чтобы подчеркнуть двухмерность и дать зрителю мгновенный чисто визуальный отклик. В поисках вдохновения они обратились к бесстрастным, тихим работам Барнетта Ньюмана и Эда Рейнхардта, представителей цветовой ветви абстрактной экспрессионистской живописи.
Покраска с твердой кромкой характеризуется большими, упрощенными, обычно геометрическими формами на общей плоской поверхности; четкие, острые как бритва контуры; и широкие области яркого немодулированного цвета, испачканные на незагрунтованном холсте. Он отличается от других типов геометрической абстракции тем, что отвергает как лирическую, так и математическую композицию, потому что даже в этой упрощенной области они являются средством личного выражения художника. Рисование с минимальными резкими краями — это анонимное построение простого объекта.
Минимальная скульптура состоит из чрезвычайно простых, монументальных геометрических форм, сделанных из стекловолокна, пластика, листового металла или алюминия, оставленных необработанными или полностью окрашенных в яркие промышленные цвета. Как и художники, скульпторы-минималисты пытались сделать свои работы абсолютно объективными, невыразительными и не имеющими отношения к референциям.
Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчасИскусство минимализма, наряду с музыкой Эрика Сати и эстетикой Джона Кейджа, оказало явное влияние на минималистскую музыку.Противодействуя сложному, интеллектуально изощренному стилю современной музыки, несколько композиторов начали сочинять в простом, буквальном стиле, создавая таким образом чрезвычайно простую и доступную музыку. Ла Монте Янг, например, составил ряд электронных «сред с непрерывной частотой», в которых он генерировал несколько звуков, а затем поддерживал их электронным способом, иногда в течение нескольких дней или недель. Янг очень мало добавил к этой текстуре и практически исключил вариации как метод развития.Как и Янг, Мортон Фельдман пытался устранить вариации. Его работы исследовали новаторские инструментальные тембры через медленно изменяющуюся последовательность несвязанных мягких звуков. Другая группа композиторов — Филип Гласс, Стив Райх, Корнелиус Кардью и Фредерик Ржевски — находилась под влиянием музыки Индии, Бали и Западной Африки. В своей повторяющейся музыке они использовали простые гармонические и мелодические паттерны.
И в музыке, и в изобразительном искусстве минимализм был попыткой исследовать основные элементы формы искусства.В минималистском изобразительном искусстве личные, жестовые элементы были удалены, чтобы раскрыть объективные, чисто визуальные элементы живописи и скульптуры. В минималистской музыке традиционная трактовка формы и развития была отвергнута в пользу исследования тембра и ритма — музыкальных элементов, в значительной степени незнакомых западным слушателям.
Искусство минимализма: «Что видишь, то и видишь».
В 1958 году молодой Фрэнк Стелла, только что окончивший Принстонский университет, переехал в Нью-Йорк.Там он погрузился в сцену абстрактного экспрессионизма, работая маляром, чтобы платить за квартиру. Тем не менее, именно работа Джаспера Джонса вдохновила его на создание его Black Paintings (1958-1960), которые он создал с использованием простой коммерческой краски и кистей, аналогичных материалам, которые он использовал в своей повседневной работе. Эти работы сделали его известным в возрасте 23 лет и сыграли важную роль в проложении пути к минимализму. Заявление Стеллы «То, что видишь, то и видишь» стало мантрой художественного движения минимализма.
Знаете кого-нибудь, кому эта статья будет интересна?
Что такое минимализм и минималистское искусство?
Искусство минимализма — одно из самых влиятельных в 1960-х годах, появившееся в Нью-Йорке среди ряда молодых художников, которые отходили от абстрактного экспрессионизма и предпочитали вместо этого гладкую геометрическую эстетику, которая проявлялась в минималистском стиле. Изобразительное искусство. Ранние европейские абстрактные движения сильно повлияли на американских создателей искусства минимализма.В тот период в Нью-Йорке демонстрировались работы голландских художников De Stijl, русских конструктивистов и представителей немецкого Баухауса. Каждая из этих групп была пионером радикальной абстракции и вдохновляла таких художников, как Дональд Джадд, Дэн Флавин и Роберт Моррис, на поиск новых направлений в своем искусстве.
Эти художники хотели создать искусство, которое относилось бы только к самому себе, давая зрителю мгновенный чисто визуальный отклик. Личные, жестовые элементы были удалены с целью раскрыть объективные, визуальные элементы искусства.
Ключевые даты: 1960-е и 1970-е
Ключевые регионы: США
Ключевые слова: абстрактная скульптура и живопись, геометрические формы, световые инсталляции, Нью-Йорк, Западное побережье
Ключевые художники: Дональд Джадд, Дэн Флавин, Карл Андре, Сол Левитт, Фрэнк Стелла, Агнес Мартин, Роберт Моррис, Мэри Корс, Джон Маккракен, Ларри Белл, Роберт Ирвин.
В этот период несколько художников опубликовали статьи, которые помогли сформировать и определить направление минималистского искусства.В статье Дональда Джадда «Конкретные объекты» 1965 года сделана попытка установить эстетику минимализма. Джадд отверг традиционные различия между формами искусства, чтобы охватить работы, которые не так легко было назвать живописью или скульптурой. «Заметки о скульптурах» Роберта Морриса 1966 года призывали к использованию простых форм, которые зритель мог бы уловить интуитивно, и утверждал, что интерпретация произведений искусства зависит от контекста и условий, в которых они были показаны. В 1967 году Сол Левитт опубликовал «Параграфы концептуального искусства», в которых важность идеи и процесса замысла и реализации произведений минималистского искусства была повышена над эстетическими особенностями.
Одним из главных событий, положивших начало искусству минимализма, была выставка 1966 года «Основные структуры» в Еврейском музее в Нью-Йорке. Это был первый американский музей, представивший этот стиль искусства, и выставка получила высокую оценку критиков за введение нового визуального лексикона в западный художественный канон. На выставке были представлены работы Дэна Флавина, Сола Левитта, Роберта Морриса, Карла Андре и Дональда Джадда, которые представили геометрические и формально редуктивные произведения искусства.
Фрэнк Стелла, название неизвестно, 1967.Фото любезно предоставлено Tate Modern- Sol LeWitt, Two Open Modular Cubes / Half-Off, 1972. Фото любезно предоставлено Tate Modern
- Дэн Флавин, Без названия (Ян и Рон Гринберг), 1972-73. Фото: Дэвид Хилд, любезно предоставлено Гуггенхаймом
Скульптура была чрезвычайно важной частью искусства минимализма и минимализма. Художников интересовало создание трехмерных геометрических форм в космосе с использованием промышленных материалов, таких как стекловолокно, фанера, пластик, листовой металл и алюминий.Скульптуры были размещены на полу, а не на пьедестале, и посетителям предлагалось изучить взаимосвязь между различными частями произведения искусства в повторении геометрических тел. Такие художники, как Дональд Джадд, Дэн Флавин, Сол Левитт, Роберт Моррис, Карл Андре, Энтони Каро и Тони Смит, экспериментировали с отношениями между материальностью и пространством в своих скульптурных композициях на основе сетки. Скульптуры, воплотившие этот новый минимализм на выставке «Основные конструкции» в 1966 году, включают рычага Карла Андре (1966), который состоял из 137 кирпичей, уложенных в линию вдоль пола, и скульптуру Сола Левитта Untitled (1966), открытую белый куб разделен на множество внутренних кубиков.
В живописи такие художники, как Фрэнк Стелла, Эллсуорт Келли, Агнес Мартин и Роберт Райман, создавали полностью самореференциальные полотна с «твердыми краями», резкими переходами между областями сплошных цветов, повторяющимися узорами и геометрическими формами. . В результате получилось плоское, двухмерное пространство, которое напрямую влияло на зрителей, которые могли испытать искусство в разрезе до его основного внешнего вида и фундаментального характера. Это очевидно в картинах Фрэнка Стеллы, например, в The Marriage of Reason and Squalor II (1959) или , название неизвестно (1967).Обе картины содержат одну вертикальную или горизонтальную неокрашенную линию в центре холста, смещенную по сравнению с другими белыми и черными линиями, которые делят холст на совершенно равные части. С помощью этого строго регулируемого рисунка Стелла попыталась вытеснить иллюзионистское пространство из картины.
Важным аспектом художественной тенденции минимализма было увлечение световыми инсталляциями. Художники начали использовать люминесцентные лампы, чтобы распределять пространство по цветовым зонам.Основное внимание в работе уделялось самому свету, а не форме световых трубок. В Нью-Йорке Дэн Флавин работал преимущественно с инсталляциями флуоресцентного света — сначала он создавал «иконы», комбинируя электрическое освещение с простыми прямоугольными конструкциями, а позже он начал работать с люминесцентными лампами любого имеющегося в продаже цвета. Между тем, на Западном побережье минималистское искусство в 1960-х и 1970-х годах развивалось быстрыми темпами в форме движения света и космоса. Художники движения были озабочены тем, как использование света и геометрических форм может повлиять на окружающую среду и восприятие зрителя.Художники, связанные с этой ветвью минимализма, — Мэри Корс, Джон Маккракен, Ларри Белл и Роберт Ирвин. Узнайте о повторном открытии светового искусства Мэри Корс после долгой карьеры работы под радаром и в тени ее сверстников-мужчин здесь, в серии «Потерянные (и найденные)» Артланда.
Минимализм FAQ
Что такое минимализм?
Созданный в Соединенных Штатах в 1960-х годах, искусство минимализма — это крайний тип абстрактного искусства, который обычно изображается с помощью упрощенных форм и резких граней, при этом раскрывая сущность используемых форм и материалов.Движение бросило вызов предвзятым представлениям о том, что такое искусство и чем оно могло бы быть. Искусство минимализма развенчало миф о том, что им должны наслаждаться только элитные классы.
Кто являются культовыми художниками движения минимализма?
Самыми знаковыми художниками-минималистами являются Дональд Джадд, Ларри Белл, Эллсуорт Келли, Фрэнк Стелла, Сол Левитт, Дэн Флавин и Агнес Мартин.
Когда началось движение минимализма?
Искусство минимализма зародилось в конце 1950-х годов, по-настоящему процветало в 1960–1970-х годах и зародилось в Соединенных Штатах.
Хотите узнать о других направлениях в искусстве?
Знаете кого-нибудь, кому эта статья будет интересна?
Лучше меньше, да лучше! Соберите здесь свое минимальное абстрактное искусство
Blog Home8 мая 2020 г.
Популярный афоризм Людвига Миса ван дер Роэ «Меньше значит лучше» не только лаконично передал суть зарождающегося минимализма, но и вдохновил движение, которое продолжает развиваться. в ряде эстетико-философских ответвлений, приверженных непримиримому упрощению форм.Возвращаясь к редуктивной абстракции русского конструктивизма и голландского де Стейла (или даже Моне, согласно Клементу Гринбергу), его современный прорыв произошел в 1959 году с выставкой Фрэнка Стеллы «Черные картины». Рисуя геометрические формы и линии только черным (на нейтральной белой основе), он расширил границы самого искусства, возведя на трон минимальное абстрактное искусство как наиболее возвышенное выражение модернистской радикальной самокритики. Минималисты шестидесятых годов ответили резкой враждебностью по отношению к чрезмерно аффективному и показному искусству абстрактных экспрессионистов, подчеркивавших богатство человеческого опыта.Обнаружив саму суть произведения искусства в объектах, минималисты заявили об автономности и самореферентности работы. Они отстаивали буквальное присутствие произведения искусства — без смущающих ссылок на сложные концепции, программы или идеологии, стоящие за ним — и подчеркивали немедленную реакцию зрителей на качества цвета, формы, пространства и материала. Восстановленный Адом Рейнхардтом, чьи полностью черные картины предвосхищали минимализм шестидесятых, «меньше значит больше» стало обозначать искусство, которое избавлялось от природы и отрицало художественное выражение (и идеи, лежащие в основе выражения), но которое подчеркивало окончательную оценку среды и форма.Минималистичное абстрактное искусство, вдохновленное вечными принципами простоты, баланса, симметрии, порядка, гармонии и целостности, остается широко популярным. Пожалуйста, прокрутите ниже нашу еженедельную подборку из десяти самых привлекательных минималистичных абстрактных картин.
Брент Халлард — Архитектурная бабочка (Одуванчик)
Очарование Халларда простыми формами и их совокупностью форм переходит в «Архитектурную бабочку» (Одуванчик), где он играет с неоднозначностью, изменяющейся между архитектурным интерьером и проектируемой формой.Это геометрическое произведение искусства опирается на форму и цвет для создания оптической иллюзии — манипулирование расположением объектов и цветов Халлард бросает вызов субъективному восприятию зрителя. Халлард — абстракционист, куратор и писатель австралийского происхождения, чьи работы на бумаге и алюминии исследуют минималистскую иконографию и монохромные выражения. В настоящее время он живет и работает в Байрон-Бей, Австралия.
Брент Халлард — Архитектурная бабочка (Одуванчик), 2016.Акрил на сотовом алюминии. 61 х 61 см.
Клэй Джонсон — То, что я слышал
Последнее от Джонсона, То, что я слышал, свидетельствует о его неизменной приверженности процессу, поскольку он позволяет своим работам проявляться в серии безудержных откликов. Он протягивает горизонтальные цветные полосы по поверхности, позволяя своему первоначальному выбору цвета направлять композицию вперед. По мере накопления нескольких слоев краски пески Джонсона проходят сквозь эти слои, указывая на то, что находится под ними. Его внутренние реакции приводят к появлению светящейся полированной поверхности со сложными цветовыми сочетаниями.Джонсон — американский художник-абстракционист, чьи редуктивистские композиции исследуют отношения между цветом, формой и текстурой. Он живет и работает в Ларами, Вайоминг.
Клей Джонсон — То, что я слышал, 2020. Холст, акрил. 121,92 x 121,92 см.
Элизабет Гурли — Subulo 1
Часть серии, вдохновленной ее пребыванием в Умбрии, Италия, subulo — это древнее этрусское название флейты, раскрывающее интерес Гурли к каменным скульптурам и другим этрусским артефактам.Однако за живым взаимодействием цвета и формы возникает вызывающее воспоминания повествование, которое исследует его — оно раскрывает то, как мы думаем о звуке, и особенно о музыке, и о том, как она транслируется в визуальной среде. Гурли — американская художница-абстракционистка, чьи работы возникают из прогрессивного процесса наслоения цвета, линий и форм, определяемых как внутренними эмоциональными состояниями, так и ее наблюдениями за природой и архитектурой. Она живет и работает в Честере, штат Коннектикут.
Элизабет Гурли — Subulo 1, 2013.Панно, графит, масло. 30,5 х 30,5 см.
Arvid Boecker — # 1198
Работа Бокера — это постоянное исследование цвета, который нарисован на его стандартном прямоугольном холсте, разделенном продольной линией на два цветовых поля. # 1198 иллюстрирует его скрупулезную приверженность созданию цветных слоев, нанесению до 40 слоев и удалению старых слоев, чтобы отголоски эрозии оставались видимыми. Этот длительный творческий процесс, в течение которого его картины созревают, по своей сути является медитативным, поскольку он одновременно размышляет о цвете и его эффектах.Бёкер — немецкий художник-абстракционист, чьи работы мобилизуют напряжение и гармонию, существующие между цветовыми отношениями, текстурами и процессами времени. Он живет и работает в Гейдельберге, Германия.
Арвид Бокер — № 1198, 2019. Холст, масло. 50 х 40 х 5,5 см.
Macyn Bolt — skipstep (aa)
skipstep (aa) превосходно отражает интерес Болта к парадоксу пространственного восприятия, существующему в абстрактной живописи. Вдохновленный техникой боксерских шагов, Болт обнаруживает, что иллюзорные качества абстрактной композиции влекут за собой аналогичную практику в восприятии и ожидании.Он пытается создать динамическое напряжение между передним планом / фоном, центром / краем и изнутри / снаружи, заимствуя из геометрического словаря архитектурных схем. Болт — американский художник-абстракционист. Используя визуальный язык, основанный на геометрической абстракции, он создает произведения искусства, в которых исследуется, как цвет и форма создают сдвиги в визуальном восприятии. Он живет и работает в Бруклине, штат Нью-Йорк, и северной части штата Пенсильвания.
Macyn Bolt — skipstep (aa), 2014. Холст, акрил.51 х 46 см.
Тилман — Без названия (257.11)
Вдохновленные конкретным искусством и минимализмом, знаменитые работы Тилмана на бумаге являются личным хранилищем его идей, порожденных его беспокойным зрительным умом. Используя мелок на пергаменте, он позволяет своей зрительной памяти переноситься на бумагу, раскрывая качество живописи и структуру поверхности. «Без названия» (257.11) подчеркивает необычное расположение пространства, создавая композицию формы и цвета, которая при взаимодействии со светом меняет порядок визуальной среды.Тильман — немецкий художник-абстракционист и куратор. Его работы включают в себя картины, застроенную среду, а также многослойные и многослойные настенные и напольные объекты. Он живет и работает в Нью-Йорке и Дольчеаква, Италия.
Тильман — Без названия (257.11), 2011. Мелок на пергаменте. 65 х 50 см.
Kim Uchiyama — Pulse
Pulse — это завораживающее акварельное произведение, передающее яркие полосы загадочного света. Учияма применяет насыщенный цвет для создания всеобъемлющего припева, в котором каждая полоса подчеркивает свой уникальный голос.Их точное расположение и нежные слои передают самые сокровенные чувства Учиямы, часто вдохновляемые светом или атмосферой определенного места. Учияма — американский художник-абстракционист, чьи работы используют цвет для создания света и формы, которые активируют метафизический потенциал живописного пространства. Она живет и работает в Нью-Йорке.
Ким Учияма — Пульс, 2018. Бумага Arches, акварель. 40,6 х 30,5 см.
Ксанда МакКагг — Смежный 5
Начальный материал, который объявляет о больших объемах работ МакКагг, Соседний 5 сделан с помощью карандашей и карандашей на бумаге и загрунтован левкасом, который передает яркость и пыл ее техники.Она создает тонкие отметки и обширные цветовые поля, также используя линии, чтобы подчеркнуть различные идеи. В «Смежном 5» МакКагг использует тонкие и грубоватые линии, чтобы выразить тонкую эволюцию своего основного эстетического словаря, основанного на неуловимом различии между восприятием и воображением. МакКагг — американский художник-абстракционист, который живет и работает в районе Челси в Нью-Йорке.
Ксанда МакКагг — Соседний 5, 2014. Бумага, карандаш и палочка для рисования.50,8 х 40,6 см.
Тенеш Уэббер — Без названия 6
Используя угольный карандаш на бумаге Стоунхендж, Уэббер воплощает свои идеи в рисунки, которые в конечном итоге превращаются в двух- и трехмерные объекты. Начиная с 2018 года, она продолжает работать над этими рисунками, создавая абстрактные изображения, которые развивают идеи сетки, глубины и тени, движения и застоя. Untitled 6 — ритмичная, интуитивно понятная композиция, излучающая безудержное напряжение между органичным и линейным в рамках ее минималистской чувственности.Уэббер — канадский фотограф-абстракционист, чья работа исследует и бросает вызов обычаям традиционной черно-белой фотографии. Она живет в Джерси-Сити, штат Нью-Джерси, и работает в Бушвике, Бруклин.
Тенеш Уэббер — Без названия 6, 2019 г. Угольный карандаш на бумаге Стоунхендж. 33 х 28 см.
Tom McGlynn — Survey 5
Часть продолжающейся серии Survey, Survey 5 относится не только к поведенческому тестированию, но и к проблеме того, как современные изображения сканируют.Эта интерпретационная головоломка ускользает от строгого обозначения и увлекает зрителя в созерцательные поиски рассеянного смысла. МакГлинн исследует, как знаки, логотипы, архитектурные узоры и другие современные визуальные узоры и формы могут вызвать остаточное значение, скрытое глубоко в нашем (не) сознании. Его (пост) минималистский подход подразумевает неявную сложность смысла.