Необычные художники и их картины: 20 самых странных картин в мировой живописи
20 самых странных картин в мировой живописи
Есть произведения искусства, которые словно бьют зрителя по голове, ошарашивая и изумляя. Другие затягивают в раздумья и в поиски смысловых слоев, тайной символики. Некоторые картины овеяны тайнами и мистическими загадками, а другие удивляют непомерной ценой.
Мы тщательно просмотрели все главные достижения в мировой живописи и выбрали из них два десятка самых странных картин. Сальвадора Дали, чьи работы полностью попадают под формат этого материала и первыми приходят на ум, не включили в эту подборку намеренно.
Понятно, что «странность» — это довольно субъективное понятие и для каждого есть свои удивительные картины, выбивающиеся из ряда прочих произведений искусства. Мы будем рады, если вы поделитесь ими в комментариях и расскажете о них немного.
«Крик»
Эдвард Мунк. 1893, картон, масло, темпера, пастель.
Национальная галерея, Осло.
«Крик» считается знаковым событием экспрессионизма и одной из самых известных картин в мире.
Существуют две трактовки изображенного: это сам герой охвачен ужасом и безмолвно кричит, прижимая руки к ушам; или же герой закрывает уши от звучащего вокруг крика мира и природы. Мунк написал четыре варианта «Крика», и есть версия, что картина эта — плод маниакально-депрессивного психоза, от которого страдал художник. После курса лечения в клинике Мунк не возвращался к работе над полотном.
«Я шел по тропинке с двумя друзьями. Солнце садилось — неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и оперся о забор — я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-черным фьордом и городом. Мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу», — говорил Эдвард Мунк об истории создания картины.
«Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?»
Поль Гоген. 1897-1898, холст, масло.
Музей изящных искусств, Бостон.
По указанию самого Гогена картину следует читать справа налево — три основные группы фигур иллюстрируют вопросы, поставленные в названии.
Три женщины с ребенком представляют начало жизни; средняя группа символизирует ежедневное существование зрелости; в заключительной группе, по замыслу художника, «старая женщина, приближающаяся к смерти, кажется примирившейся и предавшейся своим размышлениям», у ее ног «странная белая птица… представляет бесполезность слов».
Глубоко философская картина постимпрессиониста Поля Гогена была написана им на Таити, куда тот сбежал от Парижа. По завершении работы он хотел даже покончить жизнь самоубийством: «Я верю, что это полотно превосходит все мои предыдущие и что я никогда не создам что-то лучше или даже похожее». Он прожил еще пять лет, так и получилось.
«Герника»
Пабло Пикассо. 1937, холст, масло.
Музей королевы Софии, Мадрид
«Герника» представляет сцены смерти, насилия, зверства, страдания и беспомощности, без указания их непосредственных причин, но они очевидны. Рассказывают, что в 1940 году Пабло Пикассо вызвали в гестапо в Париже.
Речь сразу зашла о картине. «Это сделали вы?» — «Нет, это сделали вы».
Огромное полотно-фреска «Герника», написанная Пикассо в 1937 году, рассказывает о налете добровольческого подразделения люфтваффе на город Герника, в результате которого шеститысячный город был полностью уничтожен. Картина была написана буквально за месяц — первые дни работы над картиной Пикассо работал по 10-12 часов, и уже в первых набросках можно было увидеть главную идею. Это одна из лучших иллюстраций кошмара фашизма, а также человеческой жестокости и горя.
«Портрет четы Арнольфини»
Ян ван Эйк. 1434, дерево, масло.
Лондонская национальная галерея, Лондон.
Знаменитая картина целиком и полностью наполнена символами, аллегориями и разнообразными отсылками — вплоть до подписи «Ян ван Эйк был здесь», превратившей картину не просто в произведение искусства, а в исторический документ, подтверждающий реальность события, на котором присутствовал художник.
Портрет предположительно Джованни ди Николао Арнольфини и его жены является одним из наиболее сложных произведений западной школы живописи Северного Возрождения.
В России в последние несколько лет картина обрела большую популярность благодаря портретному сходству Арнольфини с Владимиром Путиным.
«Демон сидящий»
Михаил Врубель. 1890, холст, масло.
Государственная Третьяковская галерея, Москва.
Картина Михаила Врубеля удивляет образом демона. Его печальный вид совсем не похож на общечеловеческие представления о том, как должен выглядеть злой дух.
Это образ силы человеческого духа, внутренней борьбы, сомнений. Трагически сцепив руки, Демон сидит в окружении цветов, устремив свой взгляд вдаль. Композиция подчеркивает стесненность его фигуры, будто бы зажатой между верхней и нижней перекладинами рамы.
Сам художник говорил о самой известной своей картине: «Демон — дух не столько злобный, сколько страдающий и скорбный, при всем этом дух властный, величавый».
«Апофеоз войны»
Василий Верещагин. 1871, холст, масло.
Государственная Третьяковская галерея, Москва.
Метафора войны в картине передана автором так точно и глубоко, что за каждым черепом, лежащим в этой куче, начинаешь видеть людей, их судьбы и судьбы тех, кто этих людей больше никогда не увидит. Сам Верещагин с сарказмом называл полотно «натюрмортом» — на нем изображена «мертвая природа». Всe детали картины, в том числе желтый колорит, символизируют смерть и опустошение. Ясное синее небо подчеркивает мертвенность картины. Идею «Апофеоза войны» выражают также шрамы от сабель и дыры от пуль на черепах.
Верещагин — один из главных российских художников-баталистов, но он рисовал войны и сражения не потому, что видел в них красоту и величие. Наоборот, художник пытался передать людям свое негативное отношение к войне.
Однажды Верещагин в пылу эмоций воскликнул: «Больше батальных картин писать не буду — баста! Я слишком близко к сердцу принимаю то, что пишу, выплакиваю (буквально) горе каждого раненого и убитого». Вероятно, результатом этого возгласа стала страшная и завораживающая картина «Апофеоз войны».
«Американская готика»
Грант Вуд. 1930, масло. 74×62 см.
Чикагский институт искусств, Чикаго.
Картина с мрачными образами отца и дочери переполнена деталями, которые указывают на суровость, пуританство и ретроградство изображенных людей. Сердитые лица, вилы прямо посередине картины, старомодная даже по меркам 1930 года одежда, швы на одежде фермера, повторяющие форму вил, как символ угрозы, которая адресована всем, кто посягнет. Полотно насыщено мрачными подробностями, которые заставляют ежиться от неуюта.
«Американская готика» — один из самых узнаваемых образов в американском искусстве XX века, известнейший художественный мем XX и XXI столетий.
Интересно, что судьи конкурса в Чикагском институте искусств восприняли «Готику» как «юмористическую валентинку», а жители штата Айова страшно обиделись на Вуда за то, что тот изобразил их в столь неприятном свете.
«Влюбленные»
Рене Магритт. 1928, холст, масло.
Картина «Влюбленные» («Любовники») существует в двух вариантах. На одном полотне мужчина и женщина, чьи головы укутаны белой тканью, целуются, а на другом — «смотрят» на зрителя. Картина удивляет и завораживает.
Двумя фигурами без лиц Магритт передал идею о слепоте любви. О слепоте во всех смыслах: влюбленные никого не видят, не видим их истинных лиц и мы, а кроме того, влюбленные — загадка даже друг для друга. Но при этой кажущейся понятности, мы все равно продолжаем смотреть на магриттовских влюбленных и думать о них.
Едва ли не все картины Магритта — это ребусы, которые полностью разгадать невозможно, так как они ставят вопросы о самой сути бытия. Магритт все время говорит об обманчивости видимого, о его скрытой таинственности, которую мы обычно не замечаем.
«Прогулка»
Марк Шагал. 1917, холст, масло.
Государственная Третьяковская галерея.
«Прогулка» — это автопортрет художника с супругой Беллой. Его любимая парит в небе и того гляди утащит в полет и Шагала, стоящего на земле непрочно, будто касаясь ее только носками туфель.
Обычно до крайности серьезный в своей живописи Марк Шагал написал восхитительный манифест собственного счастья, наполненный аллегориями и любовью.
«Сад земных наслаждений»
Иероним Босх. 1500-1510, дерево, масло.
Прадо, Испания.
«Сад земных наслаждений» — самый известный триптих Иеронима Босха, получивший свое название по теме центральной части, посвящен греху сладострастия.
Картина насыщена фантастическими фигурами, сооружениями, образами чудовищ, словно обретшими плоть галлюцинациями — всем тем, что можно назвать адскими карикатурами реальности, на которую автор смотрит испытующим, чрезвычайно острым взглядом.
Некоторые ученые хотели видеть в триптихе изображение жизни человека сквозь призму тщеты земной любви, другие — торжество сладострастия. Однако простодушие и некоторая отстраненность, с которыми трактовались отдельные фигуры на картине, а также благосклонное отношение к этому произведению церковных властей заставляют сомневаться, что содержанием его могло быть прославление телесных наслаждений.
На сегодняшний день ни одно из имеющихся толкований картины не признано единственно верным.
«Три возраста женщины»Густав Климт. 1905, холст, масло.
Национальная галерея современного искусства, Рим.
Эта работа Климта одновременно передает ощущение и радости, и печали. В ней тремя фигурами написана история жизни женщины: беззаботность, умиротворение и отчаяние.
Молодой женский образ органично вплетен в орнамент жизни, образ старой женщины выделяется из него. Контраст между стилизованным изображением молодой женщины и натуралистическим образом старухи приобретает символический смысл: первая фаза жизни несет с собой бесконечные возможности и метаморфозы, последняя — постоянство и конфликт с реальностью.
Полотно не отпускает, забирается в душу и заставляет думать о глубине послания художника, равно как и о глубине и неизбежности жизни.
«Семья»
Эгон Шиле. 1918, холст, масло.
Галерея «Бельведер», Вена.
Шиле был учеником Климта, но, как и всякий отличный ученик, он не копировал своего учителя, а искал новое. Шиле куда более трагичный, странный и пугающий, нежели Густав Климт. В его работах много того, что можно было бы назвать порнографией, разнообразных перверсий, натурализма и при этом щемящего отчаяния.
«Семья» — его последняя работа, в которой отчаяние доведено до абсолюта, несмотря на то что это наименее странно выглядящая его картина. Художник нарисовал ее перед самой смертью, в 28 лет, после того как от испанки умерла его беременная жена Эдит. На полотне изображен сам автор, его жена и их так и не рожденный ребенок.
«Две Фриды»
Фрида Кало. 1939.
История трудной жизни мексиканской художницы Фриды Кало стала широко известна после выхода фильма «Фрида» с Сальмой Хайек в главной роли. Кало писала в основном автопортреты и объясняла это просто: «Я пишу себя, потому что много времени провожу в одиночестве и потому что являюсь той темой, которую знаю лучше всего».
Ни на одном автопортрете Фрида Кало не улыбается: серьезное, даже скорбное лицо, сросшиеся густые брови, чуть заметные усики над плотно сжатыми губами. Идеи художницы зашифрованы в деталях, фоне, фигурах, появляющихся рядом с изображением автора на полотнах. Символика Кало опирается на национальные традиции и тесно связана с индейской мифологией доиспанского периода.
В одной из своих лучших картин «Две Фриды» она выразила мужское и женское начала, соединенные в ней единой кровеносной системой и демонстрирующие ее целостность.
«Мост Ватерлоо. Эффект тумана»
Клод Моне. 1899, холст, масло.
Государственный музей Эрмитаж, Санкт-Петербург.
При рассмотрении картины с близкого расстояния зритель не видит ничего, кроме полотна, на который нанесены частые густые масляные мазки. Вся магия произведения раскрывается, когда мы постепенно начинаем отодвигаться от полотна на большее расстояние.
Сначала перед нами проявляются непонятные полуокружности, проходящие через середину картины, затем мы видим явные очертания лодок, а если мы отойдем приблизительно на два метра, то перед нами возникнут и выстроятся в логическую цепочку все связующие произведения.
«Номер 5, 1948»
Джексон Поллок. 1948, фибролит, масло.
Странность этой картины в том, что полотно американского лидера абстрактного экспрессионизма, которое он нарисовал, разливая краску по разложенному на полу куску фибролита, — одна из самых дорогих картин в мире. В 2006 году на аукционе Sotheby’s за нее заплатили 140 миллионов долларов. Дэвид Гиффен, кинопродюсер и коллекционер, продал ее мексиканскому финансисту Дэвиду Мартинесу.
«Я продолжаю отходить от обычных инструментов художника, таких как мольберт, палитра и кисти. Я предпочитаю палочки, совки, ножи и льющуюся краску или смесь краски с песком, битым стеклом или чем-то еще. Когда я внутри живописи, я не осознаю, что я делаю. Понимание приходит позже. У меня нет страха перед изменениями или разрушением образа, поскольку картина живет своей собственной жизнью. Я просто помогаю ей выйти наружу. Но, если я теряю контакт с картиной, получается грязь и беспорядок. Если же нет, то это чистая гармония, легкость того, как ты берешь и отдаешь».
«Мужчина и женщина перед кучей экскрементов»
Жоан Миро. 1935, медь, масло.
Фонд Жоана Миро, Испания.
Хорошее название. И кто бы мог подумать, что эта работа говорит нам об ужасах гражданских войн.
Картина была сделана на листе меди за неделю между 15 и 22 октября 1935 года. По словам Миро, это результат попытки изобразить трагедию Гражданской войны в Испании, картина о периоде беспокойства. На полотне изображены фигуры мужчины и женщины, тянущиеся друг к другу в объятия, но при этом не движущиеся. Увеличенные половые органы и зловещие цвета были описаны автором как «полные отвращения и гадливой сексуальности».
«Эрозия»
Яцек Йерка.
Польский неосюрреалист известен по всему миру благодаря своим удивительным картинам, в которых объединяются реальности, создающие все новые. Трудно рассматривать его предельно детальные и в какой-то степени умилительные работы по одной, но таков формат нашего материала. Рекомендуем ознакомиться подробнее.
«Руки противятся ему»
Билл Стоунхэм. 1972.
Эту работу, конечно, нельзя причислить к шедеврам мировой живописи, но то, что она странная, — это факт.
Вокруг картины с мальчиком, куклой и ладошками, прижатыми к стеклу, ходят легенды. От «из-за этой картины умирают» до «дети на ней живые». Выглядит картина и впрямь жутковато, что порождает у людей со слабой психикой массу страхов и домыслов.
Художник же уверял, что на картине изображен он сам в возрасте пяти лет, что дверь — представление разделительной линии между реальным миром и миром снов, а кукла — проводник, который сможет провести мальчика через этот мир. Руки представляют альтернативные жизни или возможности.
Картина обрела известность в феврале 2000 года, когда была выставлена на продажу на eBay с предысторией, рассказывающей, что картина — «с привидениями». «Руки противятся ему» купил за 1025 долларов Ким Смит, который затем был просто завален письмами с жуткими историями и требованиями сжечь картину.
Источник: adme.
Самые необычные художники и стили рисования — Статьи — В мире
Картины, созданные не просто руками…
Все мы знаем, что для создания картины необходим холст, кисти и краска. Но что если мы скажем вам, что ни кисти, ни краски не обязательны для создания картин? Сегодня художником можно стать и не владея искусством живописи, и не зная ни одной техники рисования!
Кто стал родителем абстракционизма?
Пол Джексон Поллок (Paul Jackson Pollock) — это известный американский художник, который считается первым абстрактным экспрессионистом. Начинал он, как и многие художники-новаторы, с традиционного стиля, но, становясь опытнее и мудрее, отошел в другую сторону. Он создал собственную технику рисования под названием «dripping». Суть этой техники в том, что краска может спокойно стекать с кисти или течь по холсту, пока не высохнет и не получится итоговое изображение — так и создается картина.
Это настоящая абстракция, здесь нет скрытых знаков или аллегорий, но при этом картины художника — недешевое удовольствие. Так, его картина «Номер 5» была продана за целых 140 миллионов долларов в 2006 году на аукционе.
А уже в 2015 году другая картина художника под названием «Номер 17А» была продана за 200 миллионов!
Художник-самолет
Таринан фон Анхальт (Tarinan von Anhalt) — современная американская художница, которая тоже очень любит создавать абстракции. Вот только кистями она не пользуется: вместо них ей помогает двигатель самолета. Художник бросает краску в огромный холст, а порывы ветра от двигателся укладывают краску очень необычным образом. Кстати, популярны не только картины в технике джет-арт, но и билеты на шоу по тому, как они создаются.
Избавляемся от жвачки
Бен Уилсон (Ben Wilson) — еще один необычный художник. Он создает картины и без краски, и без холста, и без кисти.
Все, что ему требуется для творчества, — это жевательная резинка и маленькая лопатка с иглой, которая помогает создавать детали. Где художник берет столько жвачки? Прямо на улицах города!
Пыль — это новая краска
Да, вам не показалось: пыль — это тоже материал для искусства. Художница Джудит Браун (Judith Braun) использует только угольную пыль и свои пальцы для создания огромных черно-белых полотен. Кстати, она не ограничивается абстракцией: среди ее работ много потрясающих пейзажей.
Поцелуй — это искусство
Натали Айриш (Natalie Irish) — это еще одна очень необычная художница. Она создает свои картины и вовсе без рук! Для ее картин нужны…губы! И яркая помада.
Натали с помощью поцелуев создает и абстракции, и потрясающие портреты известных личностей. Кто бы мог подумать, что губам подвластно настоящее искусство!
Самые необычные и шокирующие художники мира
Человек тянется к творчеству испокон веков..jpg)
Начиная с наскальных рисунков мамонтов и богов, глиняных сосудов с росписью, настенных фресок, заканчивая шедеврами современного искусства, которыми мы имеем возможность восторгаться каждый день. Все живописцы в поиске неординарного стараются привнести в стиль что-то уникальное и разнообразное. Кто-то уделяет внимание мельчайшим деталям, кто-то ищет новые оттенки и сюжеты, но есть ряд необычных художников, решивших удивить мир не только при помощи кисти.Художник, что рисует дождь
Несколько лет назад 30-летний авангардист Леандро Гранато стал настоящим достоянием Аргентины. Художник изобрел довольно необычную технику нанесения краски на холст – посредством слезного канала. Еще с детства парень умел набирать воду в нос и тут же выпрыскивать ее через глаза.
Когда вдохновение исчерпало свои ресурсы, Леандро решил попробовать именно такую технику рисования. И не прогадал. Его картины стоят от 2000 долларов и крайне быстро раскупаются. Интересно, для того, чтобы создать одну такую картину, Гранато использует по 800 мл краски для каждой глазницы.
Аргентинец даже разработал специальную безвредную краску для глаз, которая, как утверждают врачи, никак не влияет на состояние здоровья художника.
Два пальца в рот и все пройдет
Милли Браун уже много лет живет под девизом «любое искусство имеет право на существование». А все потому, что способ написания картин художницы совершенно не вмещается в рамки принятого.
Девушка, как бы некрасиво это ни звучало, рисует рвотой. Милли глотает соевое подкрашенное молоко со специальными интервалами, а потом вызывает тошноту. Краска, естественно, выходит наружу, создавая «особые рисунки». Как ни странно, роботы художницы все больше набирают популярность, а среди ее преданных фанов можно встретить даже саму мисс эпатаж — Леди Гагу.
Картины грудью четвертого размера
Экстравагантностью также прославилась американская искусница Кира Эйн Вайзерджи. Творить полотна минимум по 1000 долларов каждое ей помогает ее выдающаяся грудь. Девушка стала новатором в такой технике и уже имеет десятки последовательниц по всему миру.
Сама Кира объясняет столь странный подход к живописи тем, что грудь позволяет наносить краску под совершенно разными углами и легче приводит в исполнения все задумки художницы.
«Пенис-арт»
Еще один мастер, использующий свое тело как инструмент живописи и заработка, — австралиец Тим Патч . Кистью для эпатажного художника служит его достоинство. Сам Тим без лишней скромности просит называть его «Прикассо» ( от английского «prick» — «член») и позиционирует свое творчество первым в истории «пенис-артом». Кроме техники нанесения, австралиец прославился тем, что во время работы на нем надет только котелок обязательно серебристого или розового цвета.
Нигерийское наследие и слоновий навоз
Английский творец Крис Офили является одним из самых ярких почитателей нигерийской культуры. Все его картины прямо-таки пропитаны духом Африки, нигерийской культурой, сексом и слоновьими экскрементами. Вместо краски Офили использует именно навоз. Конечно, дабы избежать запахов, мух и испорченных картин, сырье проходит особенную химическую обработку, но факт остается фактом.
«Блюз, написанный кровью»
Бразильский живописец Виниций Кесада зашел еще дальше и шокировал публику собранием картин «Блюз, написанный кровью». Последнее причем в прямом смысле слова. Для создания этих шедевров художнику требовалось три цвета: красный, желтый и синий. Первый автор решил добывать из собственных вен.
Каждые два месяца Кесада отправляется в больницу, где врачи берут у него 480 миллилитров крови для создания шедевров. Когда же поклонники предлагают гению свою кровушку вместо краски, он отправляет их в пункты приему крови для больных, так как считает, что донорство важнее искусства.
Подводное искусство
Киевлянин Олег Небесный один из немногих художников в мире, решивших совместить два своих любимых хобби: дайвинг и рисование. Олег рисует картины на глубине от 2 до 20 метров и объясняет это тем, что всю красоту подводного мира может уловить только глаз и только момент. На создание своих работ у художника уходит только 40 минут. Перед началом на холст наноситься водостойкий клей (так краска не смывается с полотна).
Кроме прочего, цвета на глубине кажутся совсем другими. И коричневый на поверхности может стать даже алым.
Олег Небесный настолько любит то, чем занимается, что даже открыл школу подводного рисования и делится со всеми желающими секретом необычайно красивых полотен, написанных на дне морском. Он вместе с российским художником Денисом Лотаревым попал в Книгу рекордов Гинесса, как авторы самой большой картины под водой.
Прах и живопись
Все моральные табу перешагнула Вал Томпсон. Женщина рисует красивые полотна, добавляя в краску прах кремированных людей. Ее картины расходятся тысячами, а заказчики оставляют восторженные отзывы на сайтах. Первая робота Вал была создана для соседки Анны Кири после смерти ее мужа Джона. На полотне был изображен пустынный райский пляж, на котором Джон больше всего любил проводить время. Картина произвела такой фурор, что Вал даже открыла свою собственную фирму «Пепел для искусства».
Картины с душой и телом
То, что мы считаем настоящей напастью, Элисон Кортсон умудрилась использовать в качестве материала для своего творчества.
38-летняя американка рисует свои картины самой обычной пылью. Интересно, что материал Элисон собирает из пылесосов, полок и чуланов самих заказчиков. Художница говорит, что выбрала такой странный материал из-за того, что домашняя пыль состоит на 70% из кожи обитателей дома. Поэтому смело можно заявлять, что ее картины не только с душой, но и с телом.
Произведения менструального искусства
Просим сильно впечатлительных читателей пропустить последний пункт нашего экскурса в нетрадиционное искусство. Гавайская художница Лани Белосо страдает распространенным среди женщин недугом меноррагией, другими словами обильной менструацией и решила именно этот феномен использовать в своих картинках. Как она пришла к такому неизвестно. Сначала «художница» просто садилась над холстом, а кровь сама рисовала некие образы. Позже Лани стала собирать материал каждый месяц и рисовать из него картины. Так девушка создала 13 полотен в хронологическом порядке, как бы показывая обществу, сколько крови она теряет за год.
Самое страшное — это далеко не весь список людей, решивших отойти от принятых канонов. Так что если вы вдруг художник и решили внести и свою лепту в развитие искусства, боюсь, вам придется не сладко в поиске оригинальных идей.
Врубеля, Куинджи, Лисицкого, Малевича, Родченко и других.
«Если долго всматриваться в бездну — бездна начнет всматриваться в тебя», — сказал Ницше. Если долго всматриваться в эти картины, то начинает немного кружиться голова. Окунемся в легкое безумие русского искусства.
«Адам и Ева» Баранова-Россине (1912)
Адам и Ева. 1912. Музей Тиссен-Борнемисса
Владимир Баранов-Россине жил и трудился в Париже, после Февральской революции вернулся в Россию, но в 1925 году предпочел снова уехать во Францию. Погиб он в Освенциме. Тема Адама и Евы — одна из его любимых, художник возвращался к ней несколько раз. Во всех вариантах картины внимание приковывает солнце в центре — недавно сотворенное, столь же юное и горячее, как и перволюди.
«Русский XX век I» Булатова (1990)
Русский XX век I. 1991. МАГМА
Эрик Булатов — один из главных русских художников второй половины ХХ века и создателей постмодернистского стиля соц-арт («социалистического» варианта поп-арта). Его серия «Русский ХХ век», к которой принадлежит эта картина, изображает идиллический родной пейзаж, над которым угрожающе нависает римская цифра «ХХ». В этой картине символ века превращается в лучи прожектора — то ли тюремного, то ли кинематографического.
«Жемчужина» Врубеля (1904)
Жемчужина. 1904. ГТГ
Картина Михаила Врубеля, для которой «позировала» перламутровая раковина, подаренная Максимилианом Волошиным, стала не рисунком океанского организма, а изображением целой галактики, огромного мира, где нашлось место даже для морских принцесс. Врубель удивительно умел сочетать синий и зеленый — цвета вроде бы безмятежные — таким образом, что на душе становится неспокойно. Симптом гениальности человека, закончившего жизнь в лечебнице для умалишенных.
«Динамическая спираль. Возрастающая энергия красного пространства» Инфанте (1964)
Динамическая спираль. Возрастающая энергия красного пространства. 1964. ГТГ
Франсиско Инфанте-Арана — русский художник с испанской фамилией, доставшейся от отца-эмигранта. В 1960-е годы — звезда советского нонконформизма, один из лидеров кинетического искусства. Мотив спирали будет повторяться в его творчестве многие годы — в следующий период это будут уже не картины на плоскости, а трехмерные композиции, еще более завораживающие благодаря мобиле, в том числе зеркальным.
«Ночь на Днепре» Куинджи (1882)
Ночь на Днепре. 1882. ГТГ
Пейзаж Архипа Куинджи был написан в ту эпоху, когда в живописи царили реалистичность да академизм. Понятно, почему необычное полотно произвело такой эффект тогда — удивительно, что оно продолжает это делать и в наши дни, когда зритель так пресыщен. Говорят, с годами краски в «Ночи на Днепре» все больше и больше темнеют — однако луна и река продолжают все также светиться.
«Проун» Лисицкого (1922–1923)
Проун. 1922–1923. Стеделийк ван Аббе-Музеум
Эль Лисицкий — один из столпов русского авангарда, мастер супрематизма. Следование открытиям Малевича заметно и в этом «проуне» (аббревиатура от «проект утверждения нового»), этим словом собственного изобретения Лисицкий называл свой личный вариант супрематических композиций, в котором геометрические тела становятся трехмерными.
Читайте также:
«Шар улетел» Лучишкина (1926)
Шар улетел. 1926. ГТГ
На картине наивного абсурдиста Сергея Лучишкина — уже городские джунгли, хотя вокруг еще 1920-е годы. С одной стороны, здесь трагедия ребенка, потерявшего воздушный шарик. Но картину ругали за еще больший пессимизм: в одном из окон домов, сходящихся в давящей перспективе, виден повесившийся человек.
Автопортрет Малевича (ОК. 1910)
Автопортрет. Ок. 1910. ГТГ
Создатель «Черного квадрата» рисовал людей реалистично, редко — предпочитал превращать человеческие фигуры в наборы конусов и кубов.
Но когда рисовал — выходило мощно. Лучше всего получались, разумеется, собственные портреты. Этот автопортрет эффектен немигающим взглядом пристальных глаз, подсмотренным автором чуть ли не у Спаса «Ярое Око».
«Восстание» Редько (1925)
Восстание. 1925. ГТГ
Самое странное изображение Ленина в Третьяковской галерее написано полузабытым Климентом Редько. Вождь, который умер за год до создания полотна (его смерть и подтолкнула художника) изображен здесь будто какой-то гигантский регулировщик на городской площади. При этом композиционная схема ромба в квадрате отсылает к иконе Богородицы «Неопалимая купина», а колорит ассоциируется и с революцией, и с адским пламенем.
«Танец. Беспредметная композиция» Родченко (1915)
Танец. Беспредметная композиция. 1915. ГМИИ
До того как выработать свой фирменный авангардный стиль, Александр Родченко увлекался другими направлениями, модными в европейском искусстве того времени. На этом раннем полотне, оказавшемся в Отделе личных коллекций ГМИИ вместе с другим наследием Родченко и его любимой Варвары Степановой, — некая посткубистская абстракция, больше французская по духу, чем русская.
«Формула весны и действующие силы» Филонова (1927–1928)
Формула весны и действующие силы. 1927–1928. ГРМ
Среди картин Павла Филонова трудно выбрать негипнотическую. Сначала возникает вопрос о его душевном здоровье, но полотна с коммунистами и трудовыми подвигами, написанные ради хлеба насущного, доказывают, что мастер четко осознавал, что пишет. Как и другие художники начала ХХ века, он имел собственную художественную идеологию: филоновская называлась «аналитическое искусство» — формы в его картинах росли по принципу органики, как прорастающее зерно.
«Феномен» Челищева (1936–1938)
Феномен. 1936–1938. ГТГ
Мистический сюрреалист Павел Челищев посвятил эту картину, написанную в эмиграции, изображению ада. Себя художник изобразил в левой части полотна за работой; среди других обитателей того света — Петр Великий в образе младенца, играющего в мяч, и писательница Гертруда Стайн, которая сидит у пещеры и вяжет покрывало Изиды. Еще он написал «Чистилище», которое под названием «Игра в прятки» показывают в Нью-Йорке.
А вот «Рай» написать не успел.
«Новая планета» Юона (1921)
Новая планета. 1921. ГТГ
Константин Юон вошел в историю русского искусства мирными пейзажами в импрессионистском духе. Тем сильнее поражает его картина, посвященная, как говорят, Октябрьской революции. Впрочем, она вполне в духе его серии еще 1900-х годов «Сотворение мира», где художник увлекается космической темой.
Самые необычные художники мира и их картины. Самые необычные и шокирующие художники мира. «Рождение Венеры», Сандро Ботичелли
Когда человеку по каким-то причинам не хочется в творчестве опираться на традиционные способы создания картин, то начинаются эксперименты. Когда его не устраивает «реализм» в работах, когда работы Леонардо и Буше кажутся скучными и неинтересными, рождается новый взгляд на искусство. Когда для него игра с прошлым превращается в способ заглянуть в будущее, появляется другое искусство. Правда иногда подобные стремления переходят и границу, превращаясь в нечто далекое от искусства и тогда главное удивить оригинальностью.
Итак, необычные художники, необычные способы создания картин и необычные картины.
О художественной ценности говорить не буду. Каждый из перечисленных авторов называет себя художником, творцом. Каждый из зрителей сам для себя определят, что искусство, а что нет, как и ту грань, за которой уже и эпатажа нет, а есть непонятно что.
Ред Хонг (Red Hong)
Автор, покоривший меня необычным взглядом на самые обычные предметы или не совсем предметы. Для нее творчество не ограничивается красками и кистью, ведь куда интересней дать волю фантазии и позволить ей вылиться в нечто интересное и живое. А фантазия такая штука, что может привести к идее использовать вместо кисти кофейную чашку или баскетбольный мяч, а можно вообще обойтись носками.
«Когда я впервые посетила Шанхай, я наткнулась на старый переулок, где на торчащих из окон домов бамбуковых палках развивалось белье. Это было невероятно красивое зрелище! Удивительная вещь — такие традиции в современном шумном мегаполисе.
Это вдохновило меня создать нечто необычное из привычных для всех вещей в своем родном районе»
Carne Griffiths
А что если вместе с привычными красками воспользоваться и необычными? Нет, не волшебными, а вполне себе обычными почти красками, особенно если капнуть ими на белое платье. Что если как краску использовать чай или бренди, а может быть виски или водку? А получатся в итоге воздушные, без черных пятен, полные легких линий работы, привлекающие странно притягательным симбиозом человеческого и природного.
Виниций Кесада (Vinicius Quesada)
Как там говорят — Кровь есть жизнь?: Тогда художник Виниций Кесада (Vinicius Quesada) вложил в свои работы жизнь в прямом смысле, потому что рисует он своей собственной кровью. Картины странно притягательны своими оттенками красного.
Джордан Иглз (Jordan Eagles)
Работы этого художника, использующего так же кровь, правда уже не свою, а взятую на бойне, удивляют еще больше.
Джордан Иглз (Jordan Eagles) создает нечто пугающе привлекательное, особенно когда знаешь, из чего и как он создает свои работы. Используя разные техники, он превращает кровь саму по себе в объект искусства.
Джордан МакКензи
Еще дальше пошел Джордан МакКензи, который творит тоже жидкостью из человеческого тела. Для своих работ он использует холст, руки и свой… член. Все до удивительного просто — выплеск спермы на полотно, немного технической обработки и картина готова. От такого творчества одно удовольствие и ни тебе тошнотворного запаха крови, кистей для рисования и даже чашки с кофе не надо.
Милли Браун (Millie Brown)
Милли Браун тоже извергает из себя жидкости, но вот они уже не совсем естественного происхождения.
Элизабетта Рогаи (Elisabetta Rogai)
А вот Элизабетта Рогаи (Elisabetta Rogai) создает свои работы из изысканного материала — белого и красного вина. Это, казалось бы, должно ограничивать ее цветовую палитру, но вот работам ее это совершенно не мешает.
Джудит Браун (Judith Braun)
Написать картину без рук будет проблематично, но что если сами руки станут кистью и будут творить. Что выйдет если пальцы станут орудием, а обычная угольная пыль расцветет многообразием форм и видов? А выйдут работы художницы Джудит Браун, которые странным образом совмещают в себя абстрактные и конкретные образы.
Дуг Лэндис (Doug Landis)
А можно рисовать и без рук, как Дуг Лэндис (Doug Landis). После того как его парализовало он стал рисовать держа карандаш во рту! И остается только позавидовать его силе духа.
Тим Пэтч (Tim Patch)
Знакомьтесь, Тим Пэтч, он же Prickasso, он же художник-пенисист. Почему пенисист? А потому что рисует он именно им.
Ани Кей
Еще один человек считает, что может создавать произведение искусства не пользуясь традиционными кисточками или карандашами, да и руки ему не нужны.
Он тоже сторонник идеи, что рисовать руками скучно. Ани Кей решил рисовать языком.
Натали Айриш (Natalie Irish)
Поцелуй, как оказывается много мы не знаем о нем. Ведь поцелуем можно творить, вкладывая в создаваемое свою любовь. Собственно, этим и занимается художница Натали Айриш — она рисует поцелуями и губной помадой.
Кира Эйн Варзеджи (Kira Ayn Varszegi)
Руками можно, пенисом можно, губами можно, а чем грудь не инструмент, подумала Кира Эйн Варзеджи и начала творить. Она рисует грудью, но будучи ограничена формой самой груди, создает абстрактные образы, в отличии от того же Патча, который умудряется даже портреты создавать. Но у Киры все впереди! Удачи ей на этом трудном поприще искусства.
Stephen Murmer.
Не отстает от них и Stephen Murmer, который рисует ягодицами.
Намазал пятую точку краской, присел на холст и готово! А если чего-то не хватает, то можно последовать примеру все того же Патча.
А можно вообще рисовать сразу и тем и другим. Как говорится — дешево и сердито, хотя насчет дешево я погорячилась — картины сии имеют немалую цену.
Мартин фон Островски (Martin von Ostrowski)
«Художник имеет право использовать материалы с наличием частицы автора, дабы показать или доказать, что он является частью органического мира. В сперме сохраняются мои гены, которые играют важную роль для воспроизведения человеческого существа вместе с женской яйцеклеткой. А в моих фекалиях есть микроорганизмы, что живут в симбиозе с переваренной пищей. Так и художник является частью большого комплекса неисчислимого органического мира, и чтобы не потеряться в нем он должен оставить ощутимый след в создаваемом искусстве».
А в итоге можно нарисовать себя
или известных личностей
или вот такие портреты, используя для создания сперму.
P/S/ менее «удивительные» работы у него тоже есть.
Крис Офили (Chris Ofili)
Можно и не так оригинально.
Можно вместо человеческих использовать и выделения животных. Вот понравится тебе цвет у слоновьего выделения и бери, используй, никто и слова поперек не скажет. Тем более оно дает такой простор в выборе оттенков коричневого. На что собственно и повелся Крис Офили.
Марк Куинн
Человеческой кровью можно рисовать, но из нее можно и скульптуры делать. Замороженные. Да еще и из своей. На один такой портрет уходит около 4 литров крови, если не больше.
Вал Томпсон
Но рисовать можно не только кровью и всяким выделениями. Рисовать можно самим человеком, точнее тем, что от него осталось после смерти. Пеплом, например, как делает это Вал Томпсон. Из пепла уже делали искусственные бриллианты, теперь еще рисовать можно, всего-то и нужно, что смешать его с красками.
Сян Чен
Рисовать можно всем, главное что бы глаза не боялись, а руки делали. Но иногда орудием для творца становится и сам глаз, в прямом смысле слова.
Художник Сян Чен рисует глазами, используя специальное приспособление.
Продолжение следует…
Рисовать ножом, жевательной резинкой, скотчем, гвоздями или рыболовными крючками, словами и лентами, бактериями… нет преграды человеческой фантазии.
Человека постоянно тянет к творчеству. Люди рисовали еще с доисторических времен, изображая на скалах фигурки животных и богов. Сегодня мы имеем возможность восторгаться картинами самых талантливых художников, которых породила цивилизация.
Кто-то из них искусно передает игру света или воды, кто-то уделяет внимание деталям, а чьи-то картины просто дарят настроение. Но люди ищут и находят возможность творить картины не только с помощью кисти. На свете есть немало удивительных художников, использующих необычные техники в своем творчестве.
Человек, который пишет пенисом.
Австралиец Тим Патч имеет свою кисть всегда под рукой. Ведь в этом качестве выступает его пенис. Сам себя художник в шутку называет Pricasso.
Нет никакого сомнения, что такой псевдоним великий художник одобрил бы, ведь и Пикассо обожал шокирующие эксперименты. Для оформления фона картины Прикассо использует свою попу. Ведь рисование главным инструментом заняло бы довольно много времени. Картины, написанные пенисом, постоянно появляются на различных секс-выставках. При этом сам художник наглядно показывает посетителям, как он создает свои картины. Самое смешное, что полотна выходят действительно неплохими, учитывая необычный инструмент для их создания.
Художник, использующий рвоту.
Художник Милли Браун создает то, что некоторые люди смело называют искусством. Женщина пьет окрашенное цветом молоко, а затем извергает жидкость обратно на белый холст или даже на свое платье. Она освоила искусство регургитации, благодаря чему научилась с помощью мышц выталкивать наружу содержимое своего желудка. Этот талант позволяет Браун создавать образцы актуального искусства. Казалось бы, что тут сложного? Пей, да извергай жидкость на холст.
Между тем абстрактные полотна Браун стоят тысячи долларов. Самая известная картина, «Nexis Vomitus» была создана в акустическом сопровождении двух оперных певиц. Эта картина стоит 2400 долларов и несложно найти в Интернете видео создания полотна. Только вот просмотр этой техники живописи может сам по себе вызывать неприятные позывы.
Рисование баскетбольным мячом.
Китаянка Хонг Ю решила создать портрет своего кумира, баскетболиста Яо Мина. Он недавно закончил свою звездную карьеру в «Хьюстон Рокетс». Но чем лучше всего нарисовать баскетболиста? Конечно же, мячом! Девушка обожает рисование, но выбирает для воплощения своего таланта необычные предметы. На этот раз ее кистью стал баскетбольный мяч. Она макала его в краску и оставляла следы на холсте. Постепенно на бумаге проявился образ знаменитого игрока. Ролик о такой необычной технике получил более 400 тысяч просмотров на YouTube. Сама же художница родилась и выросла на Борнео, пожила в Австралии и Голландии, а сейчас проживает в Шанхае.
Кровь человека в качестве краски. Виниций Кесада живет в Бразилии. Сам себя он называет личным художником. Кесада обожает шокировать своими картинами. Он создал необычную серию под названием «Блюз, написанный кровью». Необычным является то, что эти картины нарисованы человеческой кровью и мочой. На апокалиптических картинах бразильца можно увидеть властных гейш, курящих сигареты обезьян и других необычные образы. Для своих картин Кесада использует три цвета — красный, желтый и синий. Больше всего в картинах именно красного, но для него используется собственная кровь художника. Правда он может выделять для этого только около 450 миллилитров каждые 2 месяца. Чужой же крови Кесада принципиально не использует, не желая причинять кому-либо вреда.
Подводные художества.
Целая группа украинских художников создают свои полотна под водой. Для этого они погружаются с аквалангами в воды Черного моря. Там у них есть около 40 минут для творческой работы. За это время им удается в весьма сложных условиях положить на полотна краски.
В результате картины получаются практически такими же, как и написанные в естественных условиях. Правда перед началом рисования креативные дайверы покрывают свои полотна водонепроницаемым клеем. Работают художники на глубинах от 2 до 20 метров. Они говорят, что свет в воде рассеивается и падает на камни и кораллы. В итоге подводный мир выглядит настолько прекрасным, что вдохновляет на творчество. Человечески глаз лучше способен уловить эту красоту, чем камера. Но художникам надо учитывать, что с глубиной цвета теряются. Так что нанесенный под водой на полотно коричневый цвет может превратиться на поверхности в красный.
Рисование грудью. Американская художница Кира Айн Варзеджи рисует свои картины грудью размером 38DD. Техника в данном случае не так оригинальна, как сам инструмент. Кира просто макая свою грудь в масляную красу, а затем прижимает ее к холсту. В процессе рисования это повторяется раз за разом, просто используются различные цветовые комбинации. Рисование продолжается до тех пор, пока художнице не понравится ее работа. Кира утверждает, что секрет популярности ее картин кроется в особом смешивании цветов. Правда, стоит все же поблагодарить и природу, подарившую такую шикарную грудь. Художница говорит, что целью ее творчества являются эмоции ее зрителей, а также приведение жилых помещений в красивый вид. Да и такие картины неизменно вызывают улыбку у людей. Для достижения таких целей Кира научилась использовать различные инструменты — от разнообразных кистей до игрушек, овощей и различных частей тела. Тем, кто считает эти картины смешными, стоит рассказать, что Кира является признанным художником. Большая часть ее творчества продается на eBay, где каждая работа оценивается в сотни долларов. Кира утверждает, что ее картины разошлись по всему миру. В каждом американском штате можно найти столь необычно созданные работы.
Художник, рисующий языком. Говорят, что художники должны страдать за свое искусство. В результате они вынуждены одеваться в грязное белье, а питаться вообще непонятно чем. Но всех художников-мучеников превзошел Ани Кей. Дело в том, что он пишет свои картины собственным языком. Следствием этого являются сопутствующие постоянные головные боли, спазмы и тошнота. Когда Ани решил писать картины необычным способом, то сперва он выбрал в качестве инструмента нос. Но оказалось, что этот метод был уже опробован другими художниками. Первые попытки использовать язык обернулись серьезными болями в голове и теле из-за острых испарений от краски. Этот учители рисования смог уже создать 20 акварельных картин. Его гордостью стало полотно шириной в 2,5 метра, копирующее «Тайную вечерю» Леонардо да Винчи. Работа над этой картиной заняла 5 месяцев. Художник строит галерею в своем доме, расположенном в индийском Керале. Тело уже привыкло к необычной методике, теперь работа над картиной занимает около 4 дней.
Рисование мертвыми муравьями. Для картины «Портрет с пистолетом» художник Крис Трумэн использовал необычную среду. Автор создал свою работу с помощью мертвых муравьев. Ему понадобилось сразу 200 тысяч этих трудолюбивых насекомых. В результате на свет появилась картина в коричневых тонах, где был изображен маленький брат Трумэна с винтовкой в руках. Как ни странно, но художник заявил, что его работа является плодом любви. Именно такое противоречивое чувство он испытывал, убивая муравьев, необходимых для картины. Ради искусства Трумэну пришлось делать то, что он ненавидел. Картина в результате стал не только объектом живописи, но и воплощением геноцида муравьев. Ее обладатель несомненно выделится в современном обществе. А оценочная стоимость картины составляет 35 тысяч долларов.
Художник, использующий собственные глаза. Этот странный метод освоил Сян Чен из китайской провинции Хунань. Этот художник и артист каллиграфии научился держать под своим веком длинные, метровые кисти. Именно туда он вводит металлический торец инструмента для рисования. В результате он пишет и рисует именно глазом. Свои необычные способности Чен выявил, когда ему исполнилось 16 лет. Однажды он пришел домой со стройки и обнаружил, что оба его глаза были забиты песком. Но сам он от этого не чувствовал ни боли, ни дискомфорта. Чен попробовал потыкать в свой глаз, но все, что он почувствовал — небольшой зуд. Китаец использует свои глаза не только для рисования, но и для игры на пианино. Интересно, но врачи констатируют, что его органы зрения ничем не отличаются от обычных.
Художник, рисующий человеческим пеплом. Многие художники при создании своих полотен пользуются помощью друзей или членов семьи. Но лишь немногие используют близких людей в качестве материала для своих картин. Этические каноны буквально взорвала Вал Томпсон. Она смешивает пепел, оставшийся после кремации людей, с красками. Таким образом ее необычный ингредиент добавляет текстуру на холст. Эти уникальные картины позволили художнице сделать хорошую карьеру. А предложил ей заняться таким творчеством собственный брат. Первая картина Вал была создана для Анны Кири, недавно потерявшей мужа Джона. Его прах пошел на создание полотна с живописным пляжем. Результат настолько понравился заказчице, что Вал создала еще три подобных картины, а потом открыла даже свой уникальный бизнес «Пепел для искусства».
Какие-то произведения искусства словно бьют зрителя по голове, ошарашивая и изумляя. Какие-то — затягивают в раздумья и в поиски смысловых слоев, тайной символики. Некоторые картины овеяны тайнами и мистическими загадками, а некоторые — удивляют непомерной ценой.
«Странность» — это довольно субъективное понятие, и для каждого есть свои удивительные картины, выбивающиеся из ряда прочих произведений искусства.Эдвард Мунк «Крик»
1893, картон, масло, темпера, пастель. 91×73,5 см
Национальная галерея, Осло
«Крик» считается знаковым событием экспрессионизма и одной из самых известных картин в мире.
«Я шёл по тропинке с двумя друзьями — солнце садилось — неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и оперся о забор — я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-черным фиордом и городом — мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу», говорил Эдвард Мунк об истории создания картины.
Существуют две трактовки изображенного: это сам герой охвачен ужасом и безмолвно кричит, прижимая руки к ушам; или же герой закрывает уши от звучащего вокруг крика мира и природы. Мунк написал 4 версии «Крика», и есть версия, что картина эта — плод маниакально-депрессивного психоза, от которого страдал художник. После курса лечения в клинике Мунк не возвращался к работе над полотном.
Поль Гоген «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?»
1897-1898, холст, масло. 139,1×374,6 см
Музей изящных искусств, Бостон
Глубоко философская картина постимпрессиониста Поля Гогена была написана им на Таити, куда тот сбежал от Парижа. По завершении работы он хотел даже покончить жизнь самоубийством, потому что «Я верю, что это полотно не только превосходит все мои предыдущие, и что я никогда не создам что-то лучше или даже похожее». Он прожил еще 5 лет, так и получилось.
По указанию самого Гогена картину следует читать справа налево — три основные группы фигур иллюстрируют вопросы, поставленные в названии. Три женщины с ребёнком представляют начало жизни; средняя группа символизирует ежедневное существование зрелости; в заключительной группе, по замыслу художника, «старая женщина, приближающаяся к смерти, кажется примирившейся и предавшейся своим размышлениям», у ее ног «странная белая птица… представляет бесполезность слов».
Пабло Пикассо «Герника»
1937, холст, масло. 349×776 см
Музей королевы Софии, Мадрид
Огромное полотно-фреска «Герника», написанная Пикассо в 1937 году, рассказывает о налете добровольческого подразделения люфтваффе на город Герника, в результате которого шеститысячный город был полностью уничтожен. Картина была написана буквально за месяц — первые дни работы над картиной Пикассо работал по 10-12 часов и уже в первых набросках можно было увидеть главную идею. Это одна из лучших иллюстраций кошмара фашизма, а также человеческой жестокости и горя.
«Герника» представляет сцены смерти, насилия, зверства, страдания и беспомощности, без указания их непосредственных причин, но они очевидны. Рассказывают, что в 1940 году Пабло Пикассо вызвали в гестапо в Париже. Речь сразу зашла о картине. «Это сделали вы?» — «Нет, это сделали вы».
Ян ван Эйк «Портрет четы Арнольфини»
1434, дерево, масло. 81.8×59.7 см
Лондонская национальная галерея, Лондон
Портрет предположительно Джованни ди Николао Арнольфини и его жены является одним из наиболее сложных произведений западной школы живописи Северного Возрождения.
Знаменитая картина целиком и полностью наполнена символами, аллегориями и разнообразными отсылками — вплоть до подписи «Ян ван Эйк был здесь», что превратило ее не просто в произведение искусства, а в исторический документ, подтверждающий реально происходившее событие, на котором присутствовал художник.
В России последних лет картина обрела большую популярность благодаря портретному сходству Арнольфини с Владимиром Путиным.
Михаил Врубель «Демон сидящий»
1890, холст, масло. 114×211 см
Третьяковская галерея, Москва
Картина Михаила Врубеля удивляет образом демона. Печальный длинноволосый парень совсем не похож на общечеловеческие представления о том, как должен выглядеть злой дух. Сам художник говорил о самой известной своей картине: «Демон — дух не столько злобный, сколько страдающий и скорбный, при всем этом дух властный, величавый». Это образ силы человеческого духа, внутренней борьбы, сомнений. Трагически сцепив руки, Демон сидит с печальными, направленными вдаль огромными глазами, в окружении цветов. Композиция подчёркивает стеснённость фигуры демона, будто бы зажатого между верхней и нижней перекладинами рамы.
Василий Верещагин «Апофеоз войны»
1871, холст, масло. 127×197 см
Государственная Третьяковская галерея, Москва
Верещагин — один из главных российских художников-баталистов, но он рисовал войны и сражения не потому что любил их. Наоборот, он пытался передать людям свое негативное отношение к войне. Однажды Верещагин в пылу эмоций воскликнул: «Больше батальных картин писать не буду — баста! Я слишком близко к сердцу принимаю то, что пишу, выплакиваю (буквально) горе каждого раненого и убитого». Вероятно, результатом этого возгласа стала страшная и завораживающая картина «Апофеоз войны», на которой изображено поле, вороны и гора человеческих черепов.
Картина написана так глубоко и эмоционально, что за каждым черепом, лежащим в этой куче, начинаешь видеть людей, их судьбы и судьбы тех, кто этих людей больше не увидит. Сам же Верещагин с печальным сарказмом называл полотно «натюрмортом» — на нем изображена «мертвая природа».
Всe детали картины, в том числе жёлтый колорит, символизируют смерть и опустошение. Ясное синее небо подчёркивает мёртвенность картины. Идею «Апофеоза войны» выражают также шрамы от сабель и дыры от пуль на черепах.
Грант Вуд «Американская готика»
1930, масло. 74×62 см
Чикагский институт искусств, Чикаго
«Американская готика»- один из самых узнаваемых образов в американском искусстве XX века, известнейший художественный мем XX и XXI столетий.
Картина с мрачными отцом и дочерью переполнена деталями, которые указывают на суровость, пуританство и ретроградство изображенных людей. Сердитые лица, вилы прямо по середине картины, старомодная даже по меркам 1930 года одежда, выставленный локоть, швы на одежде фермера, повторяющие форму вил, а значит и угрозу, которая адресована всем, кто посягнет. Все эти детали можно разглядывать бесконечно и ежиться от неуюта.
Интересно, что судьи конкурса в Чикагском институте искусств восприняли «Готику» как «юмористическую валентинку», а жители штата Айова страшно обиделись на Вуда за то, что тот изобразил их в столь неприятном свете.
Рене Магритт «Влюбленные»
1928, холст, масло
Картина «Влюбленные» («Любовники») существует в двух вариантах. На одном мужчина и женщина, чьи головы укутаны белой тканью, целуются, а на другом — «смотрят» на зрителя. Картина удивляет и завораживает. Двумя фигурами без лиц Магритт передал идею о слепоте любви. О слепоте во всех смыслах: влюбленные никого не видят, не видим их истинных лиц и мы, а кроме того, влюбленные — загадка даже друг для друга. Но при этой кажущейся понятности, мы все равно продолжаем смотреть на магриттовских влюбленных и думать о них.
Едва ли не все картины Магритта — это ребусы, которые полностью разгадать невозможно, так как они ставят вопросы о самой сути бытия. Магритт всё время говорит об обманчивости видимого, о его скрытой таинственности, которую мы обычно не замечаем.
Марк Шагал «Прогулка»
1917, холст, масло
Государственная Третьяковская Галерея
Обычно до крайности серьезный в своей живописи Марк Шагал написал восхитительный манифест собственного счастья, наполненный аллегориями и любовью. «Прогулка» — это автопортрет с супругой Беллой. Его любимая парит в небе и того гляди утащит в полет и Шагала, стоящего на земле непрочно, будто касаясь ее только носками туфель. В другой руке у Шагала синица — он счастлив, у него есть и синица в руках (вероятно, его живопись), и журавль в небе.
Иероним Босх «Сад земных наслаждений»
1500-1510, дерево, масло. 389×220 см
Прадо, Испания
«Сад земных наслаждений» — самый известный триптих Иеронима Босха, получивший своё название по теме центральной части, посвящён греху сладострастия. На сегодняшний день ни одно из имеющихся толкований картины не признано единственно верным.
Непреходящее очарование и одновременно странность триптиха заключается в том, как художник выражает главную идею через множество деталей. Картина переполнена прозрачными фигурками, фантастическими сооружениями, чудовищами, обретшими плоть галлюцинациями, адскими карикатурами реальности, на которую он смотрит испытующим, чрезвычайно острым взглядом. Некоторые учёные хотели видеть в триптихе изображение жизни человека сквозь призму её тщеты и образы земной любви, другие — торжество сладострастия. Однако простодушие и некоторая отстранённость, с которыми трактованы отдельные фигурки, а также благосклонное отношение к этому произведению со стороны церковных властей заставляют сомневаться, что содержанием его могло быть прославление телесных наслаждений.
Густав Климт «Три возраста женщины»
1905, холст, масло. 180×180 см
Национальная галерея современного искусства, Рим
«Три возраста женщины» одновременно и радостна, и печальна. В ней тремя фигурами написана история жизни женщины: беззаботность, умиротворение и отчаяние. Молодая женщина органично вплетена в орнамент жизни, старая — выделяется из нее. Контраст между стилизованным изображением молодой женщины и натуралистическим образом старухи приобретает символический смысл: первая фаза жизни несёт с собой бесконечные возможности и метаморфозы, последняя — неизменное постоянство и конфликт с реальностью.
Полотно не отпускает, забирается в душу и заставляет думать о глубине послания художника, равно как и о глубине и неизбежности жизни.
Эгон Шиле «Семья»
1918, холст, масло. 152.5×162.5 см
Галерея «Бельведер», Вена
Шиле был учеником Климта, но, как и всякий отличный ученик, он не копировал своего учителя, а искал новое. Шиле куда более трагичный, странный и пугающий, нежели Густав Климт. В его работах много того, что можно было бы назвать порнографией, разнообразных перверсий, натурализма и при этом щемящего отчаяния.
«Семья» — его последняя работа, в которой отчаяние доведено до абсолюта, несмотря на то, что это — наименее странно выглядящая его картина. Он нарисовал ее перед самой смертью, после того, как от испанки умерла его беременная жена Эдит. Он умер в 28 лет спустя всего три дня после Эдит, успев нарисовать ее, себя и их так и нерожденного ребенка.
Фрида Кало «Две Фриды»
История трудной жизни мексиканской художницы Фриды Кало стала широко известна после выхода фильма «Фрида» с Сальмой Хайек в главной роли. Кало писала в основном автопортреты и объясняла это просто: «Я пишу себя, потому что много времени провожу в одиночестве и потому что являюсь той темой, которую знаю лучше всего».
Ни на одном автопортрете Фрида Кало не улыбается: серьезное, даже скорбное лицо, сросшиеся густые брови, чуть заметные усики над плотно сжатыми губами. Идеи её картин зашифрованы в деталях, фоне, фигурах, появляющихся рядом с Фридой. Символика Кало опирается на национальные традиции и тесно связана с индейской мифологией доиспанского периода.
В одной из лучших картин — «Две Фриды» — она выразила мужское и женское начало, соединенные в ней единой кровеносной системой, демонстрирующие ее целостность.
Клод Моне «Мост Ватерлоо. Эффект тумана»
1899, холст, масло
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
При рассмотрении картины с близкого расстояния зритель не видит ничего кроме полотна, на который нанесены частые густые масляные мазки. Вся магия произведения раскрывается, когда мы постепенно начинаем отодвигаться от полотна на большее расстояние. Сначала перед нами начинают проявляться непонятные полуокружности, проходящие через середину картины, затем, мы видим явные очертания лодок и, отойдя на расстояние приблизительно двух метров, перед нами резко прорисовываются и выстраиваются в логическую цепочку все связующие произведения.
Джексон Поллок «Номер 5, 1948»
1948, фибролит, масло. 240×120 см
Странность этой картины в том, что полотно американского лидера абстрактного экспрессионизма, которое он нарисовал, разливая краску по разложенному на полу куску фибролита — самая дорогая картина в мире. В 2006 году на аукционе Сотбис за нее заплатили 140 миллионов долларов. Дэвид Гиффен, кинопродюсер и коллекционер, продал её мексиканскому финансисту Дэвиду Мартинесу.
«Я продолжаю отходить от обычных инструментов художника, таких, как мольберт, палитра и кисти. Я предпочитаю палочки, совки, ножи и льющуюся краску или смесь краски с песком, битым стеклом или чем-то ещё. Когда я внутри живописи, я не осознаю, что я делаю. Понимание приходит позже. У меня нет страха перед изменениями или разрушением образа, поскольку картина живёт своей собственной жизнью. Я просто помогаю ей выйти наружу. Но если я теряю контакт с картиной, получается грязь и беспорядок. Если же нет, то это чистая гармония, легкость того, как ты берешь и отдаешь».
Жоан Миро «Мужчина и женщина перед кучей экскрементов»
1935, медь, масло, 23×32 см
Фонд Жоана Миро, Испания
Хорошее название. И кто бы мог подумать, что это картина говорит нам об ужасах гражданских войн.
Картина была сделана на листе меди за неделю между 15 и 22 октября 1935 года. По словам Миро, это результат попытки изобразить трагедию Гражданской войны в Испании. Миро говорил, что это картина о периоде беспокойства. На картине изображены мужчина и женщина, тянущиеся друг к другу в объятья, но не движущиеся. Увеличенные половые органы и зловещие цвета были описаны как «полные отвращения и гадливой сексуальности».
Яцек Йерка «Эрозия»
Польский неосюрреалист известен по всему миру благодаря своим удивительным картинам, в которых объединяются реальности, создавая новые. Трудно рассматривать его предельно детальные и в какой-то степени умилительные работы по одной, но таков формат нашего материала, и нам пришлось выбрать одну — для иллюстрации его фантазии и мастерства. Рекомендуем ознакомиться .
Билл Стоунхэм «Руки противятся ему»
Эту работу, конечно, нельзя причислить к шедеврам мировой живописи, но то, что она странная — это факт.
Вокруг картины с мальчиком, куклой и ладошками, прижатыми к стеклу, ходят легенды. От «из-за этой картины умирают» до «дети на ней живые». Выглядит картина и впрямь жутковато, что порождает у людей со слабой психикой массу страхов и домыслов.
Художник же уверял, что на картине изображен он сам в возрасте пяти лет, что дверь — представление разделительной линии между реальным миром и миром снов, а кукла — проводник, который сможет провести мальчика через этот мир. Руки представляют альтернативные жизни или возможности.
Картина обрела известность в феврале 2000 года, когда она была выставлена на продажу на eBay с предысторией, рассказывающей, что картина — «с привидениями». «Руки противятся ему» купил за 1025 долларов Ким Смит, который затем был просто завален письмами с жуткими историями и требованиями сжечь картину.
Мир полон творческих людей и с каждым днём появляются сотни новых картин, пишутся новые песни. Конечно, в мире искусства, не обходится без оплошностей, но есть такие шедевры настоящих мастеров, которые просто захватывают дух! Их работы мы вам сегодня и покажем.
Дополненная карандашом реальность
Фотохудожник Бен Хейн (Ben Heine) продолжил работу над своим проектом, который представляет собой смесь карандашных рисунков и фотографии. Сначала он делает от руки набросок карандашом на бумаге. Затем фотографирует рисунок на фоне реального объекта и дорабатывает получившееся изображение в фотошопе, добавляя контраст и насыщенность. В результате получается волшебство!
Иллюстрации Алисы Макаровой
Алиса Макарова — талантливая художница из Санкт-Петербурга. В век, когда большинство изображений создается при помощи компьютера, интерес нашей соотечественницы к традиционным формам живописи вызывает уважение. Один из последних ее проектов — триптих «Vulpes Vulpes», на котором можно увидеть очаровательных огненно-рыжих лисиц. Красота, да и только!
Изящная гравировка
Художники по дереву Поль Роден и Валерия Лу объявили о создании новой гравюры под названием «Моль». Кропотливая работа и изящное мастерство авторов не оставляют равнодушными даже самых упертых скептиков. Гравюра будет представлена на предстоящей выставке в Бруклине 7 ноября.
Рисунки шариковой ручкой
Наверное, каждый хоть раз на лекциях вместо того, чтобы записывать слова преподавателя, рисовал в тетрадке различные фигурки. Была ли художница Сара Эстеж (Sarah Esteje) в числе таких студентов неизвестно. Но то, что ее рисунки шариковой ручкой впечатляют — неоспоримый факт! Сара просто доказала, что совсем не нужно иметь каких-то особенных материалов для того, чтобы создать что-то действительно интересное.
Сюрреалистические миры Артема Чебохи
Российский художник Артем Чебоха создает невероятные миры, где существует лишь море, небо и бесконечная гармония. Для своих новых работ художник выбрал очень поэтичные образы — странник, путешествующий по неизведанным местам и киты, кружащие в облаках-волнах, — полет фантазии у этого мастера просто безграничный.
Точечные портреты
Кто-то задумывается над техникой мазка, кто-то над контрастом света и тени, ну а художник Пабло Руис Хурадо (Pablo Jurado Ruiz) рисует точками! Художник развил идеи жанра пуантилизма, присущий еще авторам эпохи неоимпрессионизма, и создал свой собственный стиль, где детали решают абсолютно все. Тысячи касаний к бумаге в результате создают реалистичные портреты, которые так и хочется разглядывать.
Картины из дискет
В эпоху, когда многие вещи и технологии устаревают со скоростью проходящего мимо экспресса, довольно часто приходится избавляться от ненужного хлама. Однако, как оказалось, не все так печально, и из старых предметов можно сделать очень даже современное произведение искусства. Английский художник Ник Гентри (Nick Gentry) собрал у друзей квадратные дискеты, взял баночку краски, да и нарисовал на них потрясающие портреты. Получилось очень красиво!
На грани реализма и сюрреализма
Берлинский художник Хардинг Мейер (Harding Meyer) очень любит рисовать портреты, но дабы не стать очередным гиперреалистом, он решил поэкспериментировать и создал серию портретов на грани реальности и сюрреализма. Эти работы позволяют взглянуть на человеческое лицо как на нечто большее, чем просто «сухой портрет», выделяя его основу — образ. В результате таких поисков работы Хардинга заметила Галерея современного искусства в Мюнхене, которая будет выставлять работы художника уже 7 ноября.
Картины пальцем на Ipad
Многие современные художники экспериментируют с материалами для создания картин, однако японец Сейкоу Ямаока (Seikou Yamaoka) переплюнул их всех, взяв в качестве полотна свой Ipad. Он просто установил приложение ArtStudio и принялся не просто рисовать, а воспроизводить самые известные шедевры искусства. Причем делает он это не какими-то специальными кистями, а пальцем, что вызывает восхищение даже у людей, далеких от мира искусства.
«Деревянная» живопись
Используя все, от чернил до чая, художница по дереву Мэнди Цзун (Mandy Tsung) создала по-настоящему завораживающие картины, наполненные страстью и энергией. В качестве основной тематики она выбрала загадочный образ женщины и ее положение в современном мире.
Гиперреалист
Каждый раз, когда вы находите работы художников-гиперреалистов, то невольно задаете себе вопрос: «Зачем они всем этим занимаются?» У каждого из них свой ответ на это и порою довольно противоречивая философия. Но художник Дино Томик говорит прямо: «Я просто очень люблю свою семью». День и ночь он рисовал и пытался не упустить ни одной детали из портрета своих родных. На один такой рисунок у него уходило как минимум 70 часов работы. Говорить о том, что родители были в восторге, значит ничего не сказать.
Портреты из солдатиков
18 октября в лондонской галерее Opera Gallery стартовала выставка работ Джо Блэка (Joe Black) под названием «Ways of Seeing». Для создания своих картин художник использовал не только краски, но и самые необычные материалы — болты, нагрудные значки и многое другое. Однако основным материалом послужили….игрушечные солдатики! Самыми интересными экспонатами экспозиции можно назвать портреты Барака Обамы, Маргарет Тэтчер и Мао Цзэдуна.
Чувственные портреты маслом
Корейская художница Ли Рим (Lee Rim) еще пару дней назад была не так известна, однако ее новые картины «Девушки в краске» вызвали широкий отклик и резонанс в мире искусства. Ли говорит: «Главной темой моей работы являются человеческие эмоции и психологическое состояние. Даже при том, что мы живем в различных средах, в определенный момент времени мы чувствуем то же самое, когда мы смотрим на объект.» Возможно именно поэтому, смотря на ее работы, хочется понять эту девушку и проникнуться ее мыслями.
Искусство может не только вдохновлять, но и очаровывать или даже пугать. Создавая необычные художники воплощают самые потаенные образы, и иногда они оказываются весьма странными. Впрочем, у таких творений практически всегда находится множество поклонников.
Каковы же самые необычные картины мира, кто создает их и о чем они могут рассказать?
«Руки сопротивляются ему»
Эта жутковатая картина начинает свою историю в 1972 году. Именно тогда из Калифорнии, нашел у себя в архиве старую фотографию. На ней были изображены дети: сам Билл и его сестра, которая погибла в возрасте четырех лет. Художника удивило, что фотография была сделана в доме, который семейство приобрело уже после гибели девочки. Мистический случай вдохновил Билла на создание этой необычной картины.
Когда полотно было представлено искусствоведу, тот вскоре скончался. Трудно сказать, можно ли это назвать случайным совпадением, ведь и актер Джон Марли, купивший картину, в скором времени умер. Полотно было потеряно, а потом нашлось на свалке. Маленькая дочка новых владельцев картины сразу же стала замечать странное — она уверяла, что нарисованные дети дерутся или приходят к двери в ее комнату. Отец семейства поставил в помещении с картиной камеру, которая должна была бы реагировать на движение, и она сработала, но каждый раз на пленке оставались лишь помехи. Когда в начале нового тысячелетия полотно выставили на интернет-аукцион, пользователи начали жаловаться на плохое самочувствие после его просмотра. Тем не менее его купили. Ким Смит, владелец небольшой художественной галереи, решил приобрести что-нибудь необычное в качестве экспоната.
История картины не заканчивается — исходящее от нее зло теперь отмечают посетители выставки.
«Плачущий мальчик»
Упоминая необычные картины известных художников, нельзя не назвать и эту. О «проклятом» полотне под названием «Плачущий мальчик» знает весь мир. Для создания использовал собственного сына в качестве натурщика. Мальчик не мог плакать просто так, и отец специально расстраивал его, пугая зажженными спичками. Однажды ребенок крикнул отцу: «Гори ты сам!», и проклятие оказалось действенным — малыш вскоре умер от пневмонии, а его отец заживо сгорел в доме. Внимание к картине было привлечено в 1985 году, когда по всей Северной Англии начали случаться пожары. В жилых домах погибали люди, и только простая репродукция с изображением плачущего ребенка оставалась цела. Дурная слава преследует картину и сейчас — повесить ее у себя многие просто не рискуют. Еще более необычно то, что местонахождение оригинала остается неизвестным.
«Крик»
Необычные картины постоянно привлекают к себе внимание общественности и даже вызывают попытки повторить шедевр. Одним из таких полотен, ставшим культовым в современной культуре, является «Крик» Мунка. Это загадочное, мистическое изображение, которое кому-то кажется фантазией психически больного, кому-то — предсказанием экологической катастрофы, а кому-то и вовсе абсурдным портретом мумии. Так или иначе, атмосфера полотна притягивает к себе и не позволяет сохранить равнодушие. Необычные картины нередко бывают полны деталей, а «Крик», напротив, подчеркнуто прост — в нем использованы два основных оттенка, да и прорисовка облика центрального персонажа упрощена до примитивизма. Но именно такой деформированный мир и делает произведение особенно притягательным.
Необычна и его история — работу не раз похищали. Тем не менее она сохранена и пребывает в музее, вдохновляя кинорежиссеров на создание эмоциональных лент, а художников — на поиски не менее выразительных сюжетов, чем этот.
«Герника»
Кисти Пикассо принадлежат весьма необычные картины, но одна из них особенно запоминается. Экспрессивная «Герника» была создана как личный протест против нацистских действий в одноименном городе. Она полна личных переживаний художника. Каждый элемент картины полон глубокого символизма: фигуры бегут прочь от огня, бык топчет воина, поза которого напоминает распятие, у ног — раздавленные цветы и голубка, череп и сломанный меч. в стиле газетной иллюстрации впечатляет и сильно воздействует на эмоции зрителя.
«Мона Лиза»
Создавая необычные картины своими руками, Леонардо да Винчи сохранил собственное имя в вечности. Его полотна не забыты вот уже шестое столетие. Самое главное из них — «Джоконда», или «Мона Лиза». Удивительно, но в дневниках гения нет никаких записей о работе над этим портретом. Не менее необычно и количество версий о том, кто же там изображен. Некоторые считают, что это идеальный женский образ или мать художника, кто-то видит в нем автопортрет, а кто-то — ученика да Винчи. По «официальному» мнению, Мона Лиза была женой флорентийского купца. Как бы ни было на самом деле, портрет действительно необычен. Губы девушки изгибает едва заметная улыбка, а ее глаза потрясающи — кажется, будто это картина смотрит на мир, а не зрители вглядываются в нее. Как и многие другие необычные картины мира, «Джоконда» выполнена в особенной технике: тончайшими слоями краски с мельчайшими мазками, настолько неуловимыми, что ни микроскоп, ни рентген не могут определить следы работы художника. Кажется, что девушка на картине живая, а легкий дымчатый свет, который ее окружает, — настоящий.
«Искушение святого Антония»
Конечно же, самые необычные картины мира нельзя изучить, не ознакомившись с творчеством Сальвадора Дали. С его удивительной работой «Искушение святого Антония» связана следующая история. В момент создания шел конкурс по выбору актера для экранизации Ги де Мопассана «Милый друг». Победитель и должен был создать образ искушаемого святого. Происходящее вдохновило художника тем, использовался и его любимыми мастерами, например, Босхом. Он создал триптих на эту тему. Похожую работу изобразил и Сезанн. Необычность в том, что святой Антоний — не просто праведник, увидевший греховное видение. Это отчаявшаяся фигура человека, столкнувшаяся с грехами в виде животных на тонких паучьих лапах — если он поддастся искушениям, ножки пауков подломятся и уничтожат его под собой.
«Ночной дозор»
Необычные картины художников нередко пропадают или оказываются в центре мистических событий. С «Ночным дозором» Рембрандта ничего подобного не случалось, но загадок с полотном все равно связано множество.
Сюжет очевиден лишь на первый взгляд — ополченцы собираются в поход, взяв с собой оружие, каждый герой полон патриотизма и эмоций, у всех есть индивидуальность и характер. И сразу же появляются вопросы. Кто же эта маленькая, похожая на светлого ангела девочка в военной толпе? Символический талисман отряда или способ уравновесить композицию? Но важно даже не это. Раньше размер картины был другим — заказчикам она не понравилась, и они обрезали полотно. Его разместили в зале для пиршеств и собраний, где холст покрывался копотью на протяжении десятков лет. Теперь невозможно узнать, какими были некоторые цвета. Копоть от сальных свечей не может удалить и самая тщательная реставрация, поэтому о некоторых деталях зрителю остается только догадываться.
К счастью, сейчас шедевр в безопасности. И хотя бы его современный вид тщательно охраняется. Ему посвящен отдельный зал, чем могут похвастаться далеко не все знаменитые необычные картины.
«Подсолнухи»
Завершить список, в который вошли самые известные необычные картины мира, стоит Ван Гогом. Его произведения наполнены глубокой эмоциональностью и скрывают за собой трагичную историю непризнанного при жизни гения. Одной из самых запоминающихся картин является полотно «Подсолнухи», в котором сконцентрированы характерные для художника оттенки и мазки.
Но интересно оно не только поэтому. Дело в том, что полотно постоянно копируют, и количество достаточно успешно проданных копий превышает те, которыми могут похвастаться другие необычные картины. При этом, несмотря на такую популярность, картина все еще остается уникальной. И по-настоящему не удалась никому, кроме Ван Гога.
5 самых необычных современных художников
30.12.2019
Хонг Йи, художница, которая не любит кисти
Для своих творческих работ китайская художница использует самые необычные материалы: пятна кофе, носки, свечи или книги.
Пятнами кофе Хонг Йи нарисовала портрет известного тайваньского певца Джей Чоу.
В Китае есть традиция сушить бельё на длинных палках. Именно это вдохновило художницу на создание картины из носков. Носки были скреплены между собой булавками, в итоге получился портрет китайского кинорежиссёра Чжана Имоу.
Хонг Йи рисовала баскетбольным мячом, создавала картину воском от свечей, а также вырезала портрет ипользуя для этого книги.
Ани Кей, вместо кисти — язык
Художник из Индии создаёт свои картины с помощью языка. Таким способом он создал тысячи своих картин. Ани смешивает краски прямо во рту, а затем вместо рисования кистями облизывает холст. На картину он тратит три-четыре дня. Ани Кей нарисовал языком репродукцию известной картины Леонардо Да Винчи «Тайная вечеря».
Олег Небесный, картины под водой
Киевлянин Олег Небесный совместил два своих хобби — дайвинг и рисование. Художник создаёт свои полотна под водой. Олег Небесный открыл свою художественную школу в Киеве «Art Gallery Catran». Там учат рисовать под водой.
Карен Эланд, она не пьёт пиво… она им рисует
Эта американская художница создаёт свои картины используя вместо красок пиво. Раньше Карен использовала кофе для своих картин, но сейчас макает кисточку в пивной бокал!
Лоренцо Дюран, вместо холста — гербарий
Художник из испании Лоренцо Дюран создаёт свои картины с помощью засушёных листьев. Он собирает их, сушит, а затем вырезает на них произведения искусства. Вы только посмотрите какая красота!
Самые необычные художники
Человека постоянно тянет к творчеству. Люди рисовали еще с доисторических времен, изображая на скалах фигурки животных и богов. Сегодня мы имеем возможность восторгаться картинами самых талантливых художников, которых породила цивилизация.
Кто-то из них искусно передает игру света или воды, кто-то уделяет внимание деталям, а чьи-то картины просто дарят настроение. Но люди ищут и находят возможность творить картины не только с помощью кисти. На свете есть немало удивительных художников, использующих необычные техники в своем творчестве.
Человек, который пишет пенисом. Австралиец Тим Патч имеет свою кисть всегда под рукой. Ведь в этом качестве выступает его пенис. Сам себя художник в шутку называет Pricasso. Нет никакого сомнения, что такой псевдоним великий художник одобрил бы, ведь и Пикассо обожал шокирующие эксперименты. Для оформления фона картины Прикассо использует свою попу. Ведь рисование главным инструментом заняло бы довольно много времени. Картины, написанные пенисом, постоянно появляются на различных секс-выставках. При этом сам художник наглядно показывает посетителям, как он создает свои картины. Самое смешное, что полотна выходят действительно неплохими, учитывая необычный инструмент для их создания.
Художник, использующий рвоту. Художник Милли Браун создает то, что некоторые люди смело называют искусством. Женщина пьет окрашенное цветом молоко, а затем извергает жидкость обратно на белый холст или даже на свое платье. Она освоила искусство регургитации, благодаря чему научилась с помощью мышц выталкивать наружу содержимое своего желудка. Этот талант позволяет Браун создавать образцы актуального искусства. Казалось бы, что тут сложного? Пей, да извергай жидкость на холст. Между тем абстрактные полотна Браун стоят тысячи долларов. Самая известная картина, «Nexis Vomitus» была создана в акустическом сопровождении двух оперных певиц. Эта картина стоит 2400 долларов и несложно найти в Интернете видео создания полотна. Только вот просмотр этой техники живописи может сам по себе вызывать неприятные позывы.
Рисование баскетбольным мячом. Китаянка Хонг Ю решила создать портрет своего кумира, баскетболиста Яо Мина. Он недавно закончил свою звездную карьеру в «Хьюстон Рокетс». Но чем лучше всего нарисовать баскетболиста? Конечно же, мячом! Девушка обожает рисование, но выбирает для воплощения своего таланта необычные предметы. На этот раз ее кистью стал баскетбольный мяч. Она макала его в краску и оставляла следы на холсте. Постепенно на бумаге проявился образ знаменитого игрока. Ролик о такой необычной технике получил более 400 тысяч просмотров на YouTube. Сама же художница родилась и выросла на Борнео, пожила в Австралии и Голландии, а сейчас проживает в Шанхае.
Кровь человека в качестве краски. Виниций Кесада живет в Бразилии. Сам себя он называет личным художником. Кесада обожает шокировать своими картинами. Он создал необычную серию под названием «Блюз, написанный кровью». Необычным является то, что эти картины нарисованы человеческой кровью и мочой. На апокалиптических картинах бразильца можно увидеть властных гейш, курящих сигареты обезьян и других необычные образы. Для своих картин Кесада использует три цвета — красный, желтый и синий. Больше всего в картинах именно красного, но для него используется собственная кровь художника. Правда он может выделять для этого только около 450 миллилитров каждые 2 месяца. Чужой же крови Кесада принципиально не использует, не желая причинять кому-либо вреда.
Подводные художества. Целая группа украинских художников создают свои полотна под водой. Для этого они погружаются с аквалангами в воды Черного моря. Там у них есть около 40 минут для творческой работы. За это время им удается в весьма сложных условиях положить на полотна краски. В результате картины получаются практически такими же, как и написанные в естественных условиях. Правда перед началом рисования креативные дайверы покрывают свои полотна водонепроницаемым клеем. Работают художники на глубинах от 2 до 20 метров. Они говорят, что свет в воде рассеивается и падает на камни и кораллы. В итоге подводный мир выглядит настолько прекрасным, что вдохновляет на творчество. Человечески глаз лучше способен уловить эту красоту, чем камера. Но художникам надо учитывать, что с глубиной цвета теряются. Так что нанесенный под водой на полотно коричневый цвет может превратиться на поверхности в красный.
Рисование грудью. Американская художница Кира Айн Варзеджи рисует свои картины грудью размером 38DD. Техника в данном случае не так оригинальна, как сам инструмент. Кира просто макая свою грудь в масляную красу, а затем прижимает ее к холсту. В процессе рисования это повторяется раз за разом, просто используются различные цветовые комбинации. Рисование продолжается до тех пор, пока художнице не понравится ее работа. Кира утверждает, что секрет популярности ее картин кроется в особом смешивании цветов. Правда, стоит все же поблагодарить и природу, подарившую такую шикарную грудь. Художница говорит, что целью ее творчества являются эмоции ее зрителей, а также приведение жилых помещений в красивый вид. Да и такие картины неизменно вызывают улыбку у людей. Для достижения таких целей Кира научилась использовать различные инструменты — от разнообразных кистей до игрушек, овощей и различных частей тела. Тем, кто считает эти картины смешными, стоит рассказать, что Кира является признанным художником. Большая часть ее творчества продается на eBay, где каждая работа оценивается в сотни долларов. Кира утверждает, что ее картины разошлись по всему миру. В каждом американском штате можно найти столь необычно созданные работы.
Художник, рисующий языком. Говорят, что художники должны страдать за свое искусство. В результате они вынуждены одеваться в грязное белье, а питаться вообще непонятно чем. Но всех художников-мучеников превзошел Ани Кей. Дело в том, что он пишет свои картины собственным языком. Следствием этого являются сопутствующие постоянные головные боли, спазмы и тошнота. Когда Ани решил писать картины необычным способом, то сперва он выбрал в качестве инструмента нос. Но оказалось, что этот метод был уже опробован другими художниками. Первые попытки использовать язык обернулись серьезными болями в голове и теле из-за острых испарений от краски. Этот учители рисования смог уже создать 20 акварельных картин. Его гордостью стало полотно шириной в 2,5 метра, копирующее «Тайную вечерю» Леонардо да Винчи. Работа над этой картиной заняла 5 месяцев. Художник строит галерею в своем доме, расположенном в индийском Керале. Тело уже привыкло к необычной методике, теперь работа над картиной занимает около 4 дней.
Рисование мертвыми муравьями. Для картины «Портрет с пистолетом» художник Крис Трумэн использовал необычную среду. Автор создал свою работу с помощью мертвых муравьев. Ему понадобилось сразу 200 тысяч этих трудолюбивых насекомых. В результате на свет появилась картина в коричневых тонах, где был изображен маленький брат Трумэна с винтовкой в руках. Как ни странно, но художник заявил, что его работа является плодом любви. Именно такое противоречивое чувство он испытывал, убивая муравьев, необходимых для картины. Ради искусства Трумэну пришлось делать то, что он ненавидел. Картина в результате стал не только объектом живописи, но и воплощением геноцида муравьев. Ее обладатель несомненно выделится в современном обществе. А оценочная стоимость картины составляет 35 тысяч долларов.
Художник, использующий собственные глаза. Этот странный метод освоил Сян Чен из китайской провинции Хунань. Этот художник и артист каллиграфии научился держать под своим веком длинные, метровые кисти. Именно туда он вводит металлический торец инструмента для рисования. В результате он пишет и рисует именно глазом. Свои необычные способности Чен выявил, когда ему исполнилось 16 лет. Однажды он пришел домой со стройки и обнаружил, что оба его глаза были забиты песком. Но сам он от этого не чувствовал ни боли, ни дискомфорта. Чен попробовал потыкать в свой глаз, но все, что он почувствовал — небольшой зуд. Китаец использует свои глаза не только для рисования, но и для игры на пианино. Интересно, но врачи констатируют, что его органы зрения ничем не отличаются от обычных.
Художник, рисующий человеческим пеплом. Многие художники при создании своих полотен пользуются помощью друзей или членов семьи. Но лишь немногие используют близких людей в качестве материала для своих картин. Этические каноны буквально взорвала Вал Томпсон. Она смешивает пепел, оставшийся после кремации людей, с красками. Таким образом ее необычный ингредиент добавляет текстуру на холст. Эти уникальные картины позволили художнице сделать хорошую карьеру. А предложил ей заняться таким творчеством собственный брат. Первая картина Вал была создана для Анны Кири, недавно потерявшей мужа Джона. Его прах пошел на создание полотна с живописным пляжем. Результат настолько понравился заказчице, что Вал создала еще три подобных картины, а потом открыла даже свой уникальный бизнес «Пепел для искусства».
Шесть странных и замечательных привычек художников
От празднования двух дней рождения Колдера до странных гипнагогических методов Дали мы обращаем внимание на шесть необычных тенденций художников
Художник и его эксцентричность — печально известная связь. Можно даже сказать, что своеобразные привычки являются важным элементом творческого поиска — нарушая общественные нормы, художник осознает свою автономию и, как таковой, может создавать искусство, которое совершенно уникально.Возьмем, к примеру, Александра Колдера, пионера ставшего теперь универсальным «мобиля», кинетическое искусство которого — достигнутое путем длительных экспериментов с концепциями невесомости и гравитации — представляет собой любопытный баланс подвижных сегментов. Необычные методы Колдера включали «зарисовку» проволокой (в его кармане всегда была катушка для таких моментов вдохновения), а также празднование двух дней рождения с интервалом в один месяц; Зарегистрировавшись как родившийся 22 июля, мать Колдера настаивала на том, что чиновники мэрии совершили ошибку и что он действительно родился 22 августа.Как сообщается, художник, пытаясь выжить из запутанной ситуации, с удовольствием отпраздновал и то, и другое. Сегодня, когда ему исполнилось бы 118 лет, мы проливаем свет на шесть других странных и замечательных тенденций художников.
Сальвадор Дали Фотография Вилли Риццо Сальвадор Дали
Знаменитый сюрреалист Сальвадор Дали был очарован пересечением бессознательного и реальности, однажды заявив, что его работы были «нарисованными вручную фотографиями снов».Сновидения были настолько важны для своего искусства, что Дали изобрел тактику, которая позволила ему получить доступ к этому гипнагогическому царству: чтобы вздремнуть, он держал ключ над металлической пластиной, и, как только наступал сон, раздавался лязг упавший ключ разбудил его, давая ему как необходимый ему микро отдых, так и возможность немедленно записывать визуальные эффекты, полученные на грани бессознательного.
Грант Вуд
Художник Грант Вуд стоял в авангарде американского регионализма, движения, возникшего во время Великой депрессии и сосредоточенного на реалистичных изображениях сельской местности Среднего Запада Америки.Наиболее известен своей оригинальной и часто пародируемой работой « American Gothic » (1930), в которой в главной роли изображены зловещий фермер с длинным лицом и его столь же мрачная жена или дочь, поэтому неудивительно, что сам Вуд не был лишен странной эксцентричности. Почти десять лет он проживал на чердаке каретного двора похоронного бюро — его жилище, когда рисовал American Gothic — где, как говорят, он заменил входную дверь крышкой гроба, оснащенной циферблатом, который можно было настроить так, чтобы посетители могли позволить посетителям знать его местонахождение, будь то «В», «За городом», «Принимая ванну» или «Устроив вечеринку».
Фрэнсис Бэкон
Известный художник Фрэнсис Бэкон был известен своей привычкой: вставая рано и рисуя по несколько часов в день, он затем с полудня до самого утра предавался выпивке, обеду и общению. часы утра. «Мне часто нравится работать с похмельем […], потому что мой разум полон энергии, и я могу очень ясно мыслить», — сказал он. Но хотя все знают, что Бэкон был ненасытным гедонистом, менее хорошо задокументирована его борьба с бессонницей: художник полагался на таблетки, чтобы уснуть, и в довольно необычной попытке вылечить свое беспокойство читал и перечитывал классические поваренные книги, чтобы успокоиться. усыпить его.
Анри Матисс
Когда в 1941 году у Анри Матисса обнаружили рак, он был вынужден изменить свои методы работы, сделав его почти инвалидом из-за многочисленных операций, которые ему пришлось перенести. терпеть. Но позволил ли он этому замедлить себя? Ни капли. Вместо этого он начал работать с вырезами из бумаги, которые, как ему показалось, легче обрабатывать, чем рисовать. В 1949 году, проектируя Часовню Розария в Вансе, он обнаружил, что плохо прикован к постели, и его квартира с высокими потолками в Hôtel Régina в Симье, которая по размеру была сопоставима с часовней, была преобразована в то, что он назвал «фабрикой».Лежа в своей постели, он вырезал различные фигуры, прежде чем выкрикивать инструкции своим помощникам, которые расставляли их по комнате, позволяя ему представить свой план для священного пространства. Возможно, это скорее признак новаторства, чем необычности, но тем не менее странный и замечательный.
Энди Уорхол
Энди Уорхол был одержимым коллекционером, его четырехэтажный особняк был настоящим кладезем безделушек и барахла, но он также использовал это принуждение в художественном творчестве при создании своего знаменитого произведения Time. Капсулы , крупнейшие из его произведений, сформировавших привычку.Он создал свою первую капсулу в 1974 году, когда, переехав в новую студию, он решил, что складывание ежедневного притока материала в картонные коробки — это самая эффективная система хранения документов. С тех пор и до своей смерти в 1987 году Уорхол заполнил 610 коробок, содержащих все, от фотографий, писем и рождественских открыток до мумифицированной ступни, праздничного торта Кэролайн Кеннеди и немецкой книги 17-го века по борьбе. Он использовал одну коробку за раз, набивая ее до краев, прежде чем заклеить скотчем, пометить ее датой или названием и поместить в свой архив.Полученная в результате сокровищница впоследствии предложила увлекательное посмертное представление о повседневной работе прославленного короля поп-арта.
Гилберт и Джордж
Художники из Восточного Лондона Гилберт и Джордж годами следовали единому распорядку. Они встают каждый день в 6:30 утра, каждый в строгом, сшитом на заказ костюме. Они ходят в одни и те же заведения на обед и ужин и меняют свой заказ еды только раз в три месяца.Известный своими «живыми скульптурами» и ярко раскрашенными произведениями искусства, основанными на фотографиях, дуэт выстраивает привычное поведение и, соответственно, ему следует, чтобы максимизировать время для более творческих занятий; По сообщениям, они посещают супермаркет лишь несколько раз в год, чтобы запастись предметами первой необходимости.
9 художников, которые использовали необычные материалы, чтобы доказать свою точку зрения
Вы когда-нибудь бродили по портретной галерее семнадцатого века и, сколько бы вы ни пытались оценить нюансы выражения лиц королев и графов, вы просто не могли не отключиться после пары десятков?
Это не ваша вина — даже самое глубокое произведение искусства могло исчезнуть в череде почти идентичных произведений.Не верите мне? Попробуйте повесить Мона Лиза в центре художественной галереи эпохи Возрождения в Лувре и никому не рассказывать, что это Мона Лиза , и я готов поспорить, что орды туристов, кишащие картиной, немедленно исчезнут. Если, конечно, никто не знает, как выглядит Mona Lisa .
Дело в том, что контраст — лучший способ произвести фурор. А что создает больший контраст, чем размещение в музее того, что ему не место, чем диковиннее, тем лучше? Марсель Дюшан мог поставить точку в вопросе «что вообще такое искусство?» разговор, но этот мяч все еще катится, даже как снежный ком, если хотите.
Вот наш совет всем начинающим художникам, которые беспокоятся о том, чтобы потеряться в шуме рынка современного искусства: используйте действительно очень странные материалы, такие как армейские ботинки, сырные квадраты или мертвую рыбу, и люди будут вынуждены вас заметить , и, возможно, даже подумайте о том, что вы пытаетесь донести.
Но, конечно, на самом деле не используйте армейские ботинки, сырные квадраты или мертвую рыбу — как вы увидите ниже, кто-то уже вас опередил, так что вам придется придумывать свои собственные странные материалы.Удачи!
Без названия № 19 (1977).
После масштабного опроса, проведенного в прошлом году в Музее современного искусства Чикаго, выдающаяся афроамериканская художница Ховардена Пинделл вернулась в мир искусства.
Пинделл получила стипендию Гуггенхайма еще до того, как вы, вероятно, даже родились (1987), так что можно сказать, что она довольно устоявшаяся. Ее работы, которые хранятся в десятках музеев, включая MoMA, MET и Национальную галерею США, варьируются от образных до абстрактных и концептуальных.
Она также работала практически со всеми материалами, которые вы только можете себе представить, и с некоторыми из них, о которых вы, вероятно, даже не догадывались, например, с блестками, тальком и духами. Чтобы «усилить эффект присутствия» своих абстрактных картин, Пинделл распыляла на них духи. Но не ходите нюхать по Нижнему Ист-Сайду, вы должны знать, что, к сожалению, никаких следов оригинальных ароматов не сохранилось за десятилетия.
Тилбуг Сан (2017).
Вестгейт (2013 г.).
Если вас впечатлила работа выдающегося деятеля Art X Lagos, Сайруса Кабиру из Найроби, подождите, пока вы не услышите, что он … подождите … самоучка.Практика Кабиру варьируется от скульптуры до перформансов и документальных фильмов, а в своей самой известной серии C-Stunners он даже балуется очками.
Сделанные из найденных материалов, таких как выброшенные городские фрагменты и устаревшие технологии, эти поразительные футуристические произведения — то, что, как я предполагаю, могло бы произойти, если бы Джон Гальяно и SpaceX объединились в кампании в СМИ по сбору денег для обучения студентов с низким доходом программированию. Согласно Art X Lagos, они олицетворяют «уверенность и отношение молодого поколения кенийцев, осведомленных в глобальном масштабе» — так что, по сути, одно и то же.
Макияж (2011).
Синди Хинант наиболее известна своими работами по анализу поп-культуры, включая ультраретушированные фотографии таких людей, как Майли Сайрус, Кардашьян и Бритни Спирс (на ее веб-сайте есть ссылка на сайт britneyspearswithoutmakeup.com, что и соответствует URL-адресу предлагает).
По сравнению с таблоидными кадрами знаменитостей, загадочно сопоставленных по строгим сеткам или почти выцветшим изображениям жесткого порно, эти матовые, бледно-оранжевые и розовые минималистичные композиции кажутся относительно приглушенными.Но есть нюанс: как следует из названия, холсты испачканы не краской, а гримом, напоминая засохшие селфи Ким К. и, напротив, Бритни Спирс без макияжа.
Сетка знаменитостей (украденное секс-видео) (2013).
И если лица знаменитостей станут чистым холстом в этой параллели, что это говорит о людях из плоти и крови под загруженным медиа-изображением? Превращается ли Ким К. из Ким, человека, в Ким, бренд с несколькими (хорошо, 25) слоями тонального крема с убийственным контуром в придачу? Является ли созданный ею публичный имидж произведением искусства, учитывая объем кропотливой заботы, вложенной в него?
Cream Cup (2017).
В великих традициях мировой культуры или, по крайней мере, западной культуры со времен Евы и запретного плода, Стефани Сарли сравнивает плод с человеческими гениталиями в простых, но сочных (извините за каламбур) и провокационных фотографиях и видео. Настолько провокационно, что Instagram трижды отключал ее аккаунт в течение одного месяца после того, как ее серия Fruit Fingering стала вирусной.
Сериал представляет собой совершенно новый взгляд на порно с едой. Ведущая французская писательница и блогер Анжес Жар окрестила ее «изобретателем фруктового порно» (вы можете перевести это сами).Ее работа посвящена очарованию общества и внутреннему отвращению к женскому телу, подавляющему отклику (как увлечению, так и троллингу), свидетельствующему о масштабах этой темы в нашем культурном воображении. О, и еще она делает отличные мемы.
«Обрезанные и необрезанные».
Инсталляция Театр исчезновения , MOCA Лос-Анджелес, 22 октября 2017 — 13 мая 2018.
Проведя пару минут в Театре исчезновения , вас не должно удивлять, что Вильяр Рохас родом из на той же земле, что и Хорхе Луис Борхес, знаменитый аргентинский писатель, чье творчество проходит границу между магическим реализмом и прямым абсурдом.Несмотря на все очевидные различия, у этих двух художников есть пара общих черт: велики шансы, что вы вообще не получите их работы, но вы, черт возьми, останетесь заинтригованными.
Выдуманная постчеловеческая апокалиптическая сцена, Театр исчезновения , созданный по всему миру в 2017 и 2018 годах: Метрополитен в Нью-Йорке, Кунстхаус Брегенц в Австрии, Национальная обсерватория Афин и MOCA в Лос-Анджелесе. Тускло освещенное обширное пространство инсталляции было заполнено странными «артефактами», которые выглядели заброшенными.В знак очевидного кивка Дэмиену Херсту зловещие стеклянные витрины украшали иммерсивную выставку. Внутри ящиков, при температуре -10 градусов, можно было найти все, что можно было вытащить прямо из археологических раскопок или вытащить из Мексиканского залива, неофициально известного как самый мрачный пляж в мире. Мир).
Инсталляция Театр исчезновения , MOCA Лос-Анджелес, 22 октября 2017 г. — 13 мая 2018 г.
Мертвых вещей было много, от скелетов и мертвой рыбы до гниющих фруктов, заплесневелого хлеба, крабовых клешней и окаменелых корней деревьев.Хотя, к сожалению, никаких этикеток на стенах не было видно, они бы явно включали в себя самый причудливый ассортимент материалов — от грязи до старых теннисных туфель и вышеупомянутой мертвой рыбы — что совсем не похоже на простое, скучное «масло на холсте» », Которые большинство людей ожидают найти днем в музее.
Объект (1936 г.).
Когда вы слышите имя Мерет Оппенгейм, вам, вероятно, приходит на ум одно из двух изображений: пушистая чашка (, объект ) или гладкая обнаженная кожа, позирующая за удобно размещенным колесом печатного станка ( Erotique voilée Man Ray).
Man Ray, Erotique voilée (1933).
Одна из ключевых фигур сюрреалистического движения межвоенного периода. Оппенгейм использовал — как вы уже догадались — неожиданные материалы, чтобы исследовать связи между домашним хозяйством и женской сексуальностью. Но если первое, что приходит в голову, когда вы видите чашку из меха, — это не феминизм, не волнуйтесь, вы не одиноки. Перефразируя «Смерть автора» Роланда Барта, вы вполне можете взять произведение искусства и дать волю своему воображению, а это значит, что вы можете выбирать, относится ли объект Object к сексуализации женщин. при патриархате — или мокрый латте.
Meat Joy (1964), серебряный принт. Фото Эла Гиза с выступления в церкви Джадсон, 16-18 ноября 1964 года, Нью-Йорк.
В своей самой известной работе, Meat Joy , эта американская художница-феминистка сняла очень содержательный мягкий порно-сет к фильму The Supremes «Куда делась наша любовь». И нет, мясистый — это не эвфемизм: исполнители, четыре мужчины и четыре женщины, буквально катались по полу (и друг на друге), покрытые сырым мясом, сосисками и рыбой.
В отличие от жуткого постапокалипсиса Вильяра Рохаса, эта сцена должна была помочь каждому освободиться от табу и ограничений общества и дать волю своим внутренним животным.Очевидно, это было задолго до того, как веганство стало популярным. Это сработало? Я имею в виду … ты будь судьей. Я скажу, что во время оригинального парижского перформанса мужчина из аудитории вскочил и попытался ввести в заблуждение артиста, так что что-то определенно произошло.
«Художники — не художники» — это первая фраза и единственная фраза, которую вы увидите, когда посетите целевую страницу theartguys.com. Подмигнуть, подмигнуть, подтолкнуть, подтолкнуть. Как нехудожники в этом творческом дуэте, они классифицируют свои работы, используя явно нехудожественные термины: вместо «скульптура», «товары, дурачки, материя» (кстати, нельзя ли все искусство классифицировать как материю? видеоарт, который больше связан с энергетикой … физики, пожалуйста, взвесьте.).
Одно из их самых знаковых произведений относится к категории «материи»: Cheese Grid , которое, как вы будете шокированы, состоит из 576 ломтиков желтого американского сыра, разложенных на полу в 24-х 24 сетка. Я даже не буду пытаться расшифровать это для вас.
Missa (1992-2012).
Замените ломтики сыра на армейские ботинки, и вы получите Missa канадского художника Доминика Блейна. Если быть точным, Missa на самом деле состоит из 100 армейских ботинок, подвешенных на металлической решетке с мононитью.Результат? 100 очень жутких теней, отбрасываемых на пол под ботинками, а также тревожное чувство неизвестности. Будь то булавка, ручка или бомба, что-то обязательно вот-вот упадет.
Текст Катя Лопатко
Изображения через Art in America Magazine, Art X Lagos, Phaidon, Berlin Art Link, @stephanie_sarley, Riot Material, Artsy, Dazed Digital, The Art Guys, Dominique Blain
10 самых странных произведений искусства | Искусство и дизайн
Сальвадор Дали, Lobster Telephone (1936)
Сюрреалистическое движение 1920-х и 30-х годов считало, что революции начинаются во сне.Вдохновленные отчасти отцом психоанализа Зигмундом Фрейдом, они решили создавать искусство из бессознательного. «Телефон омара» Дали — это культовый пример одного из самых захватывающих открытий, «сюрреалистический объект», готовая вещь или комбинация вещей, которые каким-то навязчивым, необъяснимым образом обращаются к художнику. Для Дали телефоны — зловещие посыльные из «Запредельного», а лобстер — сексуальный. С телефоном для омаров вы можете позвонить в мечту.
Дэмиен Херст, Физическая невозможность смерти в сознании живого человека (1991)
Сюрреалистический объект продолжает жить, как акула, сохраненная в формальдегиде и, кажется, безжалостно плывущая через белое пространство художественной галереи.Есть только одно слово для обозначения зубастой тигровой акулы Дэмиена Херста, которая зияет, когда кажется, что она скользит к вам, поскольку этому экземпляру естествознания создается иллюзия движения благодаря преломляющим перспективам стеклянной витрины: сюрреалистично. Постепенно сморщиваясь и разлагаясь, акула стала еще более причудливой сюрреалистической.
Колосс Константина (4 век)
Большой и причудливый… бюст императора Константина 4 века в Риме. Фотография: Eye Ubiquitous / RexГигантские останки статуи императора Константина, хранящиеся в Римском Капитолийском музее, веками не давали покоя художникам.В XVIII веке Генри Фузели изобразил художника, «пораженного» странным зрелищем огромной мраморной руки Константина. В 1950-х годах художник Роберт Раушенберг сфотографировал своего спутника Сая Твомбли, стоящего у тех же гигантских реликвий. Размер этой статуи затмевает разум; его фрагменты совершенно сюрреалистичны.
Жоан Миро, Объект (1936)
Каталонский провидец Хуан Миро создал типичный сюрреалистический объект, объединив причудливые сокровища пирата, включая попугая, женскую ногу в чулках, карту, шляпу и качающийся мяч.Его созвездие образов снов, встречающихся в повседневной жизни, создает ощущение волшебства и тайны, открывающее разум.
Роберт Раушенберг, Вензель (1955-59)
Фаршированная… Скульптура Роберта Раушенберга 1963 года Вензель. Фотография: Moderna Museet / Prallan AllstenКогда Роберт Раушенберг нашел чучело козла во время рыскания по свалкам Нью-Йорка и антикварным магазинам, он с трудом мог игнорировать сексуальный заряд его фаллических рогов и мифологические ассоциации: в Древней Греции сатиры с козленогими ногами преследовали нимф по всему миру. склоны холмов; в христианском искусстве козел сам дьявол.Раузенберг завершил эту работу, проткнув козу через шину, как в каком-то космическом половом акте. В результате получился один из самых странных и запоминающихся из всех реди-мейдов.
Мерет Оппенгейм, моя медсестра (1936)
Сюрреалистка Мерет Оппенгейм умела представлять интересные вещи из окружающего нас мира. Например, она известна тем, что покрыла чашку и блюдце мехом, чтобы создать образ орального удовольствия. Секс и еда так же смешаны в «Моя няня». Оппенгейм представляет пару белых туфель на высоком каблуке, скрученных и преподнесенных на серебряном блюде, как восхитительное блюдо для фетишиста.
Джорджо де Кирико, «Песнь любви» (1914)
Вероятно, первые сюрреалистические объекты появились на картинах, изображающих меланхоличные современные пространства и загадочные реликвии, которые Джорджо де Кирико создавал накануне Первой мировой войны. В «Песне любви» резиновая перчатка неуместно висит рядом с мраморной головой. Поэт Гийом Аполлинер, придумавший слово «сюрреалистический», записал, как де Кирико вышел и купил именно эту резиновую перчатку. Другими словами, это не только нарисованная фантазия, но и сюрреалистический объект из реального мира.
Макс Клингер, Перчатка (1881-1898)
Диковинный… гравюра из серии Макса Клингера 1881 года «Перчатка»В этой удивительной серии гравюр конца XIX века мужчина — художник — видит, что женщина уронила перчатку. В серии все более и более диковинных фантазий он вкладывает свою страсть и тоску по неизвестной женщине в интенсивные отношения с ее перчаткой. Шедевр Клингера доказывает, что многие сюрреалистические идеи, включая его культ навязчивых объектов, были предвкушены в эпоху декаданса fin de siècle.
Роберт Мэпплторп, Луиза Буржуа (1982)
На этой очаровательной фотографии многозначительно улыбающийся Луи Буржуа держит поистине сюрреалистический объект, одну из ее вызывающе-плотских скульптур, фаллическая форма которой ярко подчеркнута черно-белой фотографией Мэпплторпа. В своей долгой творческой жизни Буржуа напрямую связала эпоху сюрреализма с нашим временем. Эта картина передает сюрреалистический заряд женщины и ее работ.
Марсель Дюшан, «Перед сломанной рукой» (1915)
До того, как сюрреалисты были одержимы предметами, которые они нашли на парижских блошиных рынках, Марсель Дюшан «выбрал» свои реди-мейды.Разница между реди-мейдом Дюшана и сюрреалистическим объектом — это разница между хитрой иронией Дюшана и экстатическими навязчивыми идеями Дали. Однако объекты Дюшана вызывают те же иррациональные силы, которые должны были вырисовываться в сюрреализме. Этот готовый продукт 1915 года состоит из лопаты для снега и надписи, предупреждающей о неизбежной травме: Чья рука вот-вот сломается? Это моё? Эта лопата — юмористическое предзнаменование.
10 самых криминальных художников в истории
10 самых сексуальных произведений искусства
10 самых шокирующих произведений перформанса
Полное руководство по различным средам искусства — ARTDEX
«Работающий руками, головой и сердцем — художник» — Св.Франциск Ассизский
На протяжении всей истории искусства люди использовали различные материалы для самовыражения. Художники всегда выбирали концепции и техники, соответствующие их навыкам и художественному выражению. Этот квест начался с пигментированного порошка, который использовался для рисования на стенах пещеры Альтамира, и прошел долгий путь к внедрению современных технологий в создание искусства.
Наш полный справочник по художественным средствам проинформирует вас о различных художественных материалах, которые люди использовали в течение долгого времени.Это также укажет на то, на чем вы должны сосредоточиться при определении идеального носителя для вашего изобразительного искусства. Следующая статья поможет вам выбрать художественную среду, которая вам больше всего подходит, независимо от того, начинаете ли вы художественную карьеру, выбираете художественную школу или хотите заново изобрести свой художественный стиль.
Фрагмент из «Идеализированного портрета дамы» (1480 г.), яичная темпера на панно из тополя, работы САНДРО БОТИЧЕЛЛИ (1445-1510) | Источник: artyfactory.comРазличные типы традиционной живописи и стилей рисования
Из-за большого разнообразия техник рисования и стилей рисования, средства рисования и инструменты рисования требуют отдельного раздела в любом исчерпывающем руководстве по различным средствам искусства.Есть множество поверхностей, на которых можно рисовать и рисовать.
Темпера
Темпера — это термин, обозначающий краску, смешанную со связующими материалами, такими как яичный желток, и описывает стиль рисования и художественную среду. Благодаря этому материалу темпера быстро сохнет и является долговечной художественной средой, о чем свидетельствуют работы темперы, датируемые I веком нашей эры
.Масляная живопись
Это традиционная художественная техника, которая начала признаваться в качестве художественной среды в Европе 15 века.Масляные краски, как следует из названия, обычно содержат льняное масло, благодаря которому они сохнут медленнее, чем другие. Продолжительное время высыхания является преимуществом использования масляной живописи в качестве художественной среды. Он предлагает художникам возможность изменить некоторые сегменты своей работы или нарисовать другую сцену в целом, добавив еще один слой краски на холст.
Акриловая краска
Что касается времени высыхания, акриловые краски сохнут быстрее, чем масляные краски, и после высыхания они становятся водостойкими.Однако вы можете растворить акриловую краску водой перед тем, как нанести ее на холст, чтобы добиться эффекта гуаши или акварели. Рисование акрилом позволяет художникам добавлять слои или текстуры к своим произведениям, повышая глянцевитость и придавая им глубину. Или они могут добавить воду, чтобы добиться матового эффекта на своих картинах.
Акварель
Использование акварельной краски в качестве художественного средства может быть сложной задачей для начинающих в мире искусства. Многие художники любят акварель из-за кажущейся бесконечной цветовой палитры.После того, как вы нанесете их на бумагу, вы мало что сможете сделать, чтобы изменить результат. Однако акварель придает картинам полупрозрачность и идеально подходит для фиксации смены света.
Древесный уголь
Это один из старейших художественных средств рисования. Угольные палочки сделаны из порошкообразного органического материала, связанного воском или жевательной резинкой. Углем можно делать бледные линии или сильные, выразительные. Этот художественный материал легко стирается, поэтому рекомендуется наносить фиксирующие средства на рисунки углем, чтобы обеспечить долговечность произведениям искусства.
Пастель
Эти художественные среды состоят из красочного пигмента, аналогичного масляным краскам, и связующего материала. Использование пастели в рисовании и живописи стало популярным в 18 веке. Художники могут использовать комбинацию разных пастелей в зависимости от желаемого эффекта. Например, мягкая пастель отлично подходит для смешивания, в то время как вы используете твердую пастель для создания резких контуров или наброска более крупной композиции. Существуют также панастели, современная версия этой художественной среды, наносимая мягкой губкой.Вы можете работать с масляной пастелью, которая обеспечивает интенсивность цвета, или с водорастворимой пастелью, если вам нужны более тонкие слои полупрозрачных цветов, которые легко смешиваются.
Мел
Вот еще один органический материал, который художники использовали для рисования с эпохи палеолита. Художественный мел обычно бывает трех вариантов: черный, белый и сангина, в зависимости от материала. Черные мелки содержат мягкий черный камень, белые — из известняка, а сангина — красную охру.Изначально мел использовался для рисования, но в эпоху Возрождения стал независимым художественным средством.
Карандаши графитовые
Они использовались в качестве художественного средства с XVII века во Франции. Вы можете использовать графит для рисования, обводки или штриховки. Существуют графитовые карандаши различной твердости, которые можно использовать для создания изобразительного искусства. Это удобный художественный носитель, потому что он позволяет переделывать вашу работу, стирая части рисунка или всю работу.
Карандаши цветные
В детстве все использовали цветные карандаши для рисования и раскрашивания, делая первые попытки проявить себя творчески. Цветные карандаши прошли долгий путь от детской игрушки до профессионального художественного средства. Они завоевали значительное внимание и уважение в мире современного искусства благодаря многочисленным преимуществам, которые они предлагают. Рисунки цветных карандашей выразительны, глубоки и люминесцентны. В то же время эта художественная среда дает художникам возможность создавать фотографически реалистичные произведения искусства.
Перо и чернила
Это также знакомый художественный носитель, где вы используете перо для обводки и добавления цвета в художественные формы, такие как рисунок пером, рукописные надписи и каллиграфия. Вы можете выбирать между различными типами ручек, такими как графические ручки, перьевые ручки или ручки для рисования, в зависимости от того, что вы хотите с ними делать. Чернила — мощное, но неумолимое средство для рисования, поэтому вам действительно нужно овладеть навыками рисования чернилами, прежде чем вы начнете с ними творить. Что делает рисунки, выполненные пером и тушью, такими выразительными, так это соотношение пустых и заполненных чернилами пространств на бумаге.
Сейчас мы собираемся двигаться дальше и исследовать, какие другие виды художественной среды художники использовали на протяжении всей истории для выражения своих идей и эмоций.
Уникальные формы непрерывности в космосе Умберто Боччони (1912-1913) под разными углами, через zbrushcentral.com | Источник: antheamissy.comЭволюция трехмерного искусства
Наиболее распространенное определение трехмерного произведения искусства — это произведение искусства, которое можно наблюдать по высоте, ширине и глубине.С незапамятных времен люди создавали скульптуры с использованием различных концепций, техник и художественных материалов. Инсталляции, перформанс и декоративное искусство также попадают в эту категорию вместе со скульптурой, которая является воплощением трехмерного искусства.
Самым древним произведением трехмерного искусства является скульптура Венеры Берехат Рам. Эта вырезанная из камня фигура датируется 230000 лет до нашей эры. Он представляет собой символ женского плодородия и является одним из множества подобных фигурок, разбросанных по Европе.Считается, что эти первые образцы доисторических скульптур играли важную роль в ритуалах и церемониях.
Три стандартных типа скульптур, которые признает мир искусства:
- Отдельно стоящая скульптура, на которую можно смотреть с любой стороны и под любым углом, обходя ее.
- Барельеф — это когда форма вырезана так, что она немного выделяется на фоне исходного материала.
- Горельефные формы вырезаны, чтобы выделяться на фоне.
Самыми традиционными художественными средами, используемыми для создания трехмерных произведений искусства, были дерево и камень. В настоящее время вы можете использовать современные материалы, такие как стекло, пенопласт и пластик, чтобы превратить их в настоящее произведение искусства. Художники используют множество техник для создания трехмерной интерпретации своего художественного видения.
Резьба — вырезание кусков материала, обычно дерева или камня, до получения желаемой формы.
Литье — заливка жидкой художественной среды, такой как железо, в специально разработанные формы для создания частей большой скульптуры.
Моделирование — манипулирование и преобразование мягких художественных материалов, таких как глина или гипс, и их затвердевание до нужной формы. Современные художники также используют различные методы моделирования для создания фантастических произведений искусства из стекла.
Строительство — это творческий процесс, в котором художники собирают скульптуру, комбинируя различные материалы и используя клей, проволоку или сварку, чтобы удерживать элементы вместе.
Новое время принесло современные вариации трехмерного искусства.Например, стекло стало важным художественным средством, используемым в скульптуре, инсталляции и декоративном искусстве. Концепции и приемы, используемые при создании художественных изделий из стекла, определяют их тип. Многие художественные формы из стекла включают использование методов горячего стекла, таких как выдувное стекло, скульптурное стекло и литое стекло. Как видно из названия, художники работают с горячим стеклом, придавая ему форму, выдувая или отливая в формы.
Творческий процесс теплого стекла включает нагревание стекла в духовке или печи. Два доминирующих метода изменения формы теплого стекла — это опадание и сплавление.
Вы также можете работать с холодным стеклом для создания произведений искусства. Стекло можно шлифовать, полировать или выгравировать, чтобы добиться желаемого эффекта. Существует также техника травления, которую вы можете применить в искусстве стекла, чтобы изменить текстуру стекла. Вы можете добиться этого с помощью пескоструйной обработки или кислотного травления.
Еще одна из этих современных версий — искусство инсталляции, где художники комбинируют аудиовизуальные эффекты и различные материалы для решения важных проблем, которые их волнуют. Художественные инсталляции могут быть сосредоточены, например, на политике, правах человека или окружающей среде.Самым распространенным является искусство световых инсталляций, где свет и скульптура сочетаются для создания великолепного художественного эффекта.
Артисты, занимающиеся исполнительским искусством, используют свои тела или тела других участников как идеальное средство выражения своих основных ценностей и передачи своего уникального сообщения аудитории.
Слева: Пабло Пикассо — Макет для гитары, 1912 г. / Справа: Макет для гитары на выставке скульптур Пикассо в МоМА | Источник: widewalls.chТехники смешанной техники и нетрадиционное художественное выражение
Искусство продолжает развиваться, принося на сцену многочисленные авангардные художественные движения.Художники, которые хотят выделиться, ищут нетрадиционные художественные среды, которые выражают их эстетические принципы и бросают вызов глубоко укоренившимся определениям изобразительного искусства.
Искусство смешанной техники основано на идее, что вы можете использовать все и вся для создания удивительного произведения искусства. Пикассо и Брак первыми использовали различные материалы и предметы повседневного обихода для создания инстинктивных коллажей как удивительных примеров искусства смешанной техники.
- Коллажи — это произведения искусства, которые вы создаете, комбинируя различные материалы, такие как бумага, ткань, вырезки из газет и предметы повседневного обихода, для создания уникальных произведений искусства.Вы даже можете создать цифровой коллаж из произведений искусства в Интернете.
- Assemblage — это трехмерная версия искусства смешанной техники, созданная путем размещения различных объектов и материалов на определенной поверхности. Художники, такие как Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг, восприняли это как антиэстетический подход к созданию искусства сборки, которое стало широко использоваться в 1950-х и 1960-х годах.
- Найденные предметы — это форма смешанной техники, в которой художники используют повседневные предметы и превращают их в произведения искусства, помещая их в определенную художественную концепцию.
- Измененные книги Техника включает физическое изменение книги и использование ее в качестве средства художественного творчества. Вы можете вырезать страницы из книги, чтобы изменить ее, или можете использовать вырезанные страницы как материал для отдельных иллюстраций.
- Художественный дневник представляет собой способ обогатить ваши записи о различных событиях, воспоминаниях и мыслях, добавив к ним художественного акцента. Вы можете использовать широкий спектр художественных концепций и техник в журнале смешанного искусства или вы можете активизировать свою игру и начать со смешанного ведения журнала, также называемого нежелательным журналом.Эта версия ведения художественного журнала включает в себя различные предметы, такие как открытки, билеты на концерты, ленту васи, декоративную бумагу или изображения из журналов. Вы можете использовать различные переработанные предметы в качестве подсказок художественного журнала. Вы можете начать с ведения журнала о цифровом искусстве, если вы страстный поклонник цифровых технологий и изучаете широкие возможности применения технологий в создании искусства.
Фотография как искусство
С момента своего изобретения фотография оказала значительное влияние на то, как люди воспринимают историю и повседневную жизнь.Эта мощная среда сохранила некоторые захватывающие моменты времени, чтобы отметить периоды революционных социальных изменений.
Развитие технологий предоставило людям множество возможностей для выражения своих художественных принципов с помощью фотографии. Художники имеют возможность повлиять на окончательную презентацию, выбирая различные камеры, объективы или пленки и задавая параметры кадрирования и времени, прежде чем они сделают снимок. Фотографическое оборудование и методы, используемые в творческом процессе, во многом зависят от предмета, тона и оригинального впечатления, которое художник хочет достичь своей работой.Например, художники-портретисты, которые сосредотачиваются на съемке отдельных объектов, выберут большие камеры с малой глубиной резкости, чтобы сохранить фокус на объекте. Пейзажные фотографы выберут совершенно противоположную камеру и технику.
То же самое касается работы с черным и белым, а не с цветами. Черно-белая фотография оставляет неизгладимое впечатление, выделяя линии, текстуру и тон.
- Документальная фотография направлена на то, чтобы запечатлеть важные моменты истории или повседневной жизни, которые будут точно изображать эпоху.Этот вид фотографии тесно связан с фотожурналистикой и играет важную роль в освещении острых социальных проблем.
- Пейзаж возникла из пейзажной живописи. Здесь фотографы сосредотачиваются на окружающей среде, фотографируют природные и городские окрестности и используют методы кадрирования и кадрирования для создания необычных композиций.
- Портретная фотография существует с момента изобретения дагерротипа. Этот стиль художественной фотографии заменил портретную живопись как более быстрый и доступный способ запечатлеть чье-то изображение.Технический прогресс позволил художественным фотографам выйти на улицу и использовать естественное окружение и свет для создания завораживающих портретов.
- Фотография обнаженной натуры восходит к изобретению этой художественной среды, и фотографы обнаженной натуры изначально хотели пробудить классический идеал красоты, представив своих объектов в образе нимф или древних героев. В отличие от этого, обнаженные авангардисты представляли человеческое тело как независимую сущность, свободную от всех условностей искусства.
- Цифровая фотография появилась вместе с развитием цифровых технологий, предлагая множество новых возможностей для создания фантастических произведений искусства.Теперь фотографы могут создавать, редактировать и ретушировать свои работы с помощью передовых программ и приложений.
Художник Рефик Анадол использует большие коллекции данных и алгоритмы машинного обучения для создания завораживающих и динамичных инсталляций. | Автор Wired на YouTube
Передовые технологии позволяют создавать необычные художественные материалы
Это время беспрецедентного прогресса в цифровых технологиях. Идея использования новых компьютерных технологий в создании искусства появилась в шестидесятых годах, когда появились первые образцы цифрового искусства.Позже некоторые энтузиасты техники и искусства начали использовать цифровые технологии в своих художественных инсталляциях. Но революционным событием, открывшим новые миры для цифровых художников, стало появление и рост Интернета в девяностые годы. Это позволило художникам создать свое искусство и представить его мировой аудитории с помощью различных платформ социальных сетей.
В настоящее время на сцене современного искусства наблюдается бум художников, которые включают инновации цифровых технологий в свои художественные инсталляции, чтобы выразить свою озабоченность по поводу важных вопросов.Некоторые художники используют лазеры для создания фантастических мультимедийных проектов, представляющих идеальное сочетание света и звука. Другие используют 3D-принтеры для воплощения своих художественных идей и создания незабываемых художественных представлений. Таким образом, передовые технологии заново изобретают художественную сцену, вводя необычные художественные среды в качестве средств художественного выражения.
Заключительные слова
Мы составили это полное руководство по различным средствам, которые вы можете использовать при создании своего искусства, чтобы представить краткий обзор различных средств искусства на протяжении всей истории искусства.Мы также сосредоточились на важных вопросах, на которые вам нужно ответить, прежде чем вы начнете поиск идеального носителя для ваших работ. Делаете ли вы свои первые шаги в мире искусства или являетесь опытным художником, ищущим новое художественное выражение, вам нужно мудро выбирать среду.
Материалы, которые вы будете использовать для создания произведений искусства, должны отражать вашу уникальную идею и оригинальное послание, которое вы хотите передать миру. Кроме того, убедитесь, что вы используете материалы, с которыми вам нравится работать, потому что создание искусства должно приносить радость и удовлетворение художнику, а не заставлять его постоянно бороться.Имея это в виду, вы можете выбрать художественную среду, которая будет соответствовать вашей художественной идентичности.
8 самых необычных произведений искусства, найденных на SOFA
Фотография Льва | © Бенита Джингерелла
Выставка скульптурных объектов, функционального искусства и дизайна, или сокращенно SOFA, прошла в минувшие выходные на военно-морском пирсе Чикаго. В настоящее время Expo является самой продолжительной ежегодной выставкой в Чикаго. Тысячи художников и галерей со всего мира приезжают, чтобы показать свои последние творения. Вот некоторые из наиболее необычных и уникальных произведений искусства, найденных в рамках The Culture Trip.
Фото туфель на шпильке | © Benita Gingerella
Эти туфли на шпильке — работа двух художников из Восточного Лондона, Марианы Фантич и Доминика Янга. Туфли на шпильке вместе с другой обувью и скульптурами являются частью их последней серии под названием Darwinian Voodoo . Фантич и Янг черпали вдохновение из противоречия смешения теории эволюции Дарвина с вуду и другими сверхъестественными практиками.
Фото ожерелий | © Benita Gingerella
Издалека эти ожерелья выглядят так, как будто они сделаны из только что собранных цветов и листьев; однако на самом деле они сделаны из резины.Голландская художница Аннемике Броенинк создает эти ожерелья с 2004 года и во многом вдохновлена традиционными кружевными ожерельями и украшениями, которые носили в 17 веке.
Фотография Льва | © Бенита Джингерелла
Эта голова льва-чучела входит в серию под названием Urban Heard . Художница из Чикаго Кортни Тиммерманс создала эту и остальные головы таксидермии, представленные в сериале, полностью из пуль для пневматических винтовок. Использование этого необычного материала придает головам пиксельный вид, если смотреть с близкого расстояния.
Фотография направленного полевого цветка | © Бенита Джингерелла
Художник по стеклу Престон Синглетари и художник по керамике Харлан Реано объединились, чтобы создать эти фигурки на основе фигур Кочити, которые существовали в конце 1800-х — начале 1900-х годов. Singletary и Reano намеренно сделали фигуры супергеройскими, как их вдохновляли герои комиксов.
Фотография мебели из бумаги и воздуха | © Benita Gingerella
Эти семь надувных предметов мебели являются частью серии Paper + Air, созданной студентами института Pratt.Целью этой серии было создание нескольких предметов мебели, которые можно было бы легко транспортировать, устанавливать и изменять в зависимости от среды, в которой была размещена мебель.
Фотография женщины Honky Tonk, мачо-мачо | © Бенита Джингерелла
Донна Розенталь создает платья из необычного материала — текста. Журналы, комиксы, атласы и газеты — лишь малая часть того, что она использует для создания мини-одежды. Розенталь говорит, что через свое искусство она изучает гендерные роли, социальное положение и культурные нормы.
Фотография бижутерии из переработанной бумаги | © Benita Gingerella
Жанна Сивяноя — художница, создавшая эти красивые и изящные украшения. Syvänoja раскладывает бумагу из книг, карт, каталогов и словарей один за другим, образуя замысловатые формы. Затем бумага закрепляется на металлической проволоке, чтобы сохранить форму.
Фотография Turquoise Diner | © Бенита Джингерелла
Стекло принимает форму сложных архитектурных конструкций в этой серии, созданной художницей из Нью-Мексико Эмили Брок.Брок использует различные методы обжига стекла для создания замысловатых стеклянных скульптур, изображающих посетителей, библиотеки и кафе — обычные места, которые люди посещают ежедневно.
Художественные медиа: что происходит, когда художники экспериментируют с необычными материалами
Дэмиен Херст, Физическая невозможность смерти в сознании живого человека , 2170 x 5420 x 1800 мм, 1991.
Стекло, окрашенная сталь, силикон, моноволокно , акула и раствор формальдегида.
Тори Кэмпбелл
Art Media
Наблюдатели за искусством часто сосредотачивают свое внимание на предмете, изображенном в художественных произведениях, но часто художественные медиа, используемые для создания произведений, столь же, если не более, важны, как сам предмет.Хотя мы обычно думаем о художниках, работающих красками, чернилами или глиной; художники также экспериментировали с такими странными и нетрадиционными художественными средствами, как жевательная резинка, слоновий навоз и человеческая кровь. Взгляните вместе с нами на некоторые из наиболее удивительных материалов, которые художники создавали на протяжении долгого времени.
Знаете кого-нибудь, кому эта статья будет интересна?
Обгоревший пластик
Альберто Бурри, Неро Пластика (черный пластик), 1963Вдохновленный тем, как Жан Дюбюффе использовал грязь, песок и органические материалы; Итальянский художник Альберто Бурри начал экспериментировать с искусством, находясь в лагере для военнопленных времен Второй мировой войны в Техасе.Таким образом, он работал с найденными материалами, такими как мешковина, каменноугольная смола и масло, чтобы отточить свой художественный стиль. Хотя эта практика возникла из-за необходимости, эта практика стала его фирменным стилем и завершилась его культовой серией Combustioni Plastica , состоящей из тщательно обожженных листов пластика. Используя пылающий факел в качестве кисти и лист пластика в качестве холста, Бурри создает постмодернистские предметы, которые свисают с потолка и неразрывно добавляют свет и прозрачность в свои медиа.
Meat
Zhang Huan, My New York , Performance, Музей Уитни, Нью-Йорк, 2002 г. © Zhang HuanМясо как художественные СМИ проникло в массовую культуру в 2010 году, когда Леди Гага надела платье из сырой говядины на MTV Video Music Награды, но за несколько лет до выступления художник Чжан Хуань гулял по улицам Нью-Йорка в выпуклом мясном костюме.Его работа « Мой Нью-Йорк, » противопоставила его опыту иммигранта в городе, его отношению к буддийской традиции и животному миру человека. Еще раньше Кэрол Шнеманн, артистка и влиятельная фигура в движении Джадсон Черч, поставила хореографию и поставила Meat Joy в 1964 году. В пьесе изображены восемь мужчин и женщин, хаотично извивающихся на полу, кусая сырого цыпленка, рыбу, колбасу и т. Д. и обрезки мясоперерабатывающего мусора. Мгновенный шок для ее аудитории, Meat Joy исследовал отношения к телу и сексуальности через грубую плоть и намеки на эротические обряды.
Smoke & Soot
Jiri Georg Dokoupil, Pusteblumen , 2004.Сажа на холсте, 80 x 130 см
Чехословацкий художник Иржи Георг Докупил на протяжении своей карьеры работал с множеством художественных медиа, экспериментируя с такими материалами, как молоко и мыло. Никогда не относящийся к особому стилю или средствам массовой информации, Докупил, как известно, основывается на сюрреалистической практике окуривания, используя дым и сажу в своем искусстве. Впервые представленная в 1936 году на Международной выставке сюрреалистов в Лондоне, картина художника-сюрреалиста Вольфганга Паалена «, продиктованная свечой» была создана с использованием дыма от свечи, поднесенной к холсту.Работы Докупила с дымом и сажей являются продолжением этой сюрреалистической техники, которая была изучена и расширена в таких произведениях, как его Pusteblumen 2004 года, где он мастерски «нарисовал» сцену сада сажей.
Dead Animals
Damien Hirst, Away from the Flock , 960 × 1490 × 510 мм, 1994.Стекло, нержавеющая сталь, плексиглас, акриловая краска, баранина и раствор формальдегида
В некотором смысле знаменитость в мире искусства; В самых знаковых произведениях художника, коллекционера и предпринимателя Дэмиена Херста мертвые животные используются в качестве основного средства массовой информации.В его работе 1991 года « Физическая невозможность смерти в сознании живущего», , заказанной британским коллекционером произведений искусства Чарльзом Саатчи, использовалась мертвая 14-футовая (4,3 м) тигровая акула в резервуаре с формальдегидом, чтобы сообщить о миссии его работы. В серию входили и другие мертвые животные в резервуарах с формальдегидом, иногда частично расчлененные; включая овец, коров, птиц и даже зебру. Работы подверглись пристальному вниманию общественности в 2016 году, когда исследование показало, что высокие уровни паров формальдегида просачивались из его предметов на протяжении их выставки 2012 года в Тейт Модерн.Хотя эти утверждения оспариваются, это один небольшой пример логистических и юридических проблем, с которыми могут столкнуться художники при использовании странных или спорных художественных средств массовой информации.
Слоновий навоз
Крис Офили, Пресвятая Дева Мария , 96 × 72 дюйма, 1996.Акрил, масло, полиэфирная смола, бумажный коллаж, блеск, значки для карт и слоновий навоз на холсте
Другой художник, которому не привыкать Споры вокруг их неортодоксального выбора художественных СМИ вызывает Крис Офили. Офили — художник, создавший в 1996 году «Пресвятая Дева Мария», — массивное произведение высотой 8 футов, созданное из смешанных художественных материалов, включая порнографический коллаж и слоновий навоз.Грубо говоря, картина буквально «сделана из дерьма» — или, скорее, слоновий навоз, который Офили привез с собой в Лондон после проживания в Зимбабве, что позволило этой работе стать символом всего, что консервативные мыслители считали оскорбительным в современном искусстве. Работа путешествовала по миру в конце 1990-х в рамках шоу Чарльза Саатчи Sensation и глубоко расстраивала католиков везде, где бывала — до такой степени, что была испачкана белой краской человеком, который посчитал работу «кощунственной».Известно, что тогдашний мэр Нью-Йорка Руди Джулиани попытался, но не смог запретить работу и лишить выставку Бруклинского музея ее гранта из-за своего отвращения к произведению.
«В Первой поправке нет ничего, что поддерживает ужасные и отвратительные проекты!»
Руди Гилиани
Кровь
Марк Куинн, Self, 1991 , Скульптура, Кровь (художник), нержавеющая сталь, плексиглас и холодильное оборудование, 208x63x63 см, 1991.Вдохновленный реализмом и реалистичностью воплощения жизни, Марк Куинн использует эту технику совершенно по-новому, используя кровь в качестве избранного художественного средства. В своей скульптурной серии « Self » Куинн использует десять пинт своей крови для создания автопортрета, который одновременно является его изображением и буквально его частью. Привлеченный к медиуму, поскольку кровь является сущностью жизни, материалом, имеющим глубокую символическую и истинную функцию, Куинн также использовал кровь животных и плаценту для создания своих предметов.Его предстоящая работа « Наша кровь», , которую планируется открыть в качестве паблик-арта на ступенях Нью-Йоркской публичной библиотеки в июне 2021 года, включает кровь более 10 000 пожертвований. Предназначенный для иллюстрации уравновешивающей силы крови и того, что мы все едины как человечество, Куинн стремится собрать деньги и повысить осведомленность о правах беженцев с помощью этой амбициозной работы. Узнайте больше о Our Blood , посмотрев видео ниже.
Порнографические журналы
Джонатан Йео, Буш , коллаж на доске, 103 см x 70 см, 2007 г.Один из ведущих художников-фигураторов в мире, Джонатан Йео создает свои портреты из художественных средств массовой информации, которые обычно не встречаются в галереях и музеях: порнографические журналы. Тщательно собирая фрагменты плоти и гениталий, Йео создает коллажные портреты, которые издалека могут показаться совершенно нормальными, но далеко не так близко. Его произведение Bush , координирующее его медиа с его предметами, является прекрасным примером того, как выбранные им художественные медиа могут подшучивать и провоцировать людей, которых он изображает.Учитывая пуританские взгляды бывшего президента США Джорджа Буша на секс и человеческую сексуальность, Йео в своей работе может пролить свет на лицемерие правых политических сил.
Жевательная резинка
Дэн Колен, Без названия (Жевательная резинка) Жевательная резинка на холсте без грунтовки, 12 × 18 дюймов, 2011 г.Жевательная резинка: символ детского фантастического чуда и восторженной игривости художника, который, как известно, использовал субстанция как художественное медиа. Дэн Колен начал делать «картины» из жевательной резинки в 2006 году, открыв эру исследований в области материалов и среды, в отличие от его предыдущей тенденции к репрезентативной тематике.В первую очередь озабоченный тем, чтобы руководствоваться своими художественными средствами массовой информации, а не манипулировать ими сам, Колен размышлял об этой технике как о потере контроля и волнении от отпускания, комментируя, что его картины приняли «неизбежные формы — почти как предназначенные формы», как если бы у них есть своя собственная жизнь.
Кассеты
Грегор Хильдебрандт, Coming By Hazard , Installation View, 2015.Очарованный событием, когда он вырезал кассету и носил ее с собой в течение дня, принеся песню физически. его карманный художник Грегор Хильдебрандт внес это вдохновение в свое художественное творчество.Определяется художественными медиа, окружающими музыкальные артефакты, такие как кассеты и винилы; Работы Хильдебрандта буквально включают песни, фильмы или стихи в изобразительное искусство. Переназначая материалы, которые часто встречаются на гаражных распродажах и в кучах мусора, Хильдебрандт покупает свои художественные медиа на eBay большими партиями, визуально отображая то, что записано в аудио — точно так же, как бороздки на виниловой пластинке.
Лотерейные билеты
Лорен Уос и Эндрю Экстром, Автомобиль мечты, Выброшенные лотерейные билеты на сумму 39000 долларов, картон, дерево, литой пластик и сталь, 2008 г.Выгуливая собаку Банана, художники Лорен Уос и Адам Экстром заметили выброшенные разноцветные бумажки; Лотерейные билеты. Поэтический подтекст несбывшихся мечтаний или несбывшихся надежд, которые сопровождали эти выброшенные билеты, не был утерян для художников, и их вдохновение для создания серии Ghost of a Dream родилось. Собирая тонны билетов, они также проводили исследования, чтобы выяснить, что люди покупают, когда выигрывают в лотерею. Они обнаружили, что часто первое, что делают победители, — это покупают машину.Таким образом, Уэс и Экстром намеревались создать полномасштабный Hummer h4, первую часть трилогии мечты, которая также включала Dream Vacation и Dream Home, первые три вещи, приобретенные с выигрышем в лотерею . Dream Car , сделанный из лотерейных билетов на сумму 39 000 долларов, отражающих розничную стоимость нового автомобиля в 2008 году, представляет собой крупномасштабную инсталляцию, которая размышляет о деньгах, потраченных на мечты, и рискованном поведении, которое сопровождает эти цели.
Адам Экстром и Лорен Уош, Цена счастья , Выброшенные лотерейные билеты и деньги загробного мира на панели с УФ-покрытием, 430×880 см, 2011 г.Предоставлено Davidson Contemporary, Нью-Йорк и Galerie Paris, Пекин
Соответствующие источники, чтобы узнать больше
Узнайте у галереи Тейт о том, что такое художественная среда
Прочтите сами о спорах вокруг формальдегида Дэмиена Херста
Вы узнали о среде текстильное искусство? Взгляните на работы десяти самых любимых художников по текстилю
Подробнее
10 Bizarre Works of Art
Удивительно, что в наши дни мы считаем искусством.Кажется, что любой, у кого есть бензопила, детский набор для рисования или садовый сарай, может создать великое произведение искусства. Но очевидно, что для превращения обыденных предметов в современное искусство нужно кое-что еще — искаженный разум.
1. Миры тела — доктор Гюнтер фон Хагенс
Источник изображения: timesofisrael.com/Немецкий анатом доктор Гюнтер фон Хагенс стал всемирно известным благодаря своей способности превращать настоящие человеческие тела в статуи. Он делает это с помощью изобретенной им техники, которую он называет «пластинацией».Процедура включает в себя введение жидкого пластикового раствора в мертвое тело добровольца, после чего раствор затвердевает, полностью сохраняя трупы. Хотя фон Хагенс изначально планировал использовать свои пластифицированные тела только для изучения анатомии, с годами его «скульптуры» становились все более художественными. Совсем недавно была использована новая техника нарезки тела для создания тонких, как пластина, поперечных сечений тел. Первая выставка небных тел фон Хагенса состоялась в 1995 году в Японии.Два года спустя он открыл выставку «Миры тела». Последующие выставки Body Worlds объехали весь мир, собрав более 26 миллионов посетителей и вызвав возмущение некоторых религиозных групп.
С самого начала фон Хагенс и его работа были в центре этических, духовных и юридических дебатов. В 2002 году он провел вскрытие в прямом эфире британского телевидения, несмотря на то, что инспектор анатомии Ее Величества предупредил, что это будет считаться преступным деянием. Говорят, что из-за противоречивого характера его работы он работает в секретной лаборатории, вход в которую скрыт подвижной лестницей.
2. Скульптура из пыли — Роджер Хайорнс
Роджер Хайорнс, номинант на Премию Тернера 2009 года (для молодых британских художников), является экспертом в «необычных средах». Эта скульптура из пыли (или пол, нуждающийся в серьезной уборке пылесосом, как некоторые ее называют) была создана из распыленных остатков реактивного двигателя, хотя это могло быть именно так. На выставке в лондонской галерее современного искусства Тейт также представлены скульптуры, созданные путем сплавления коровьего мозга с пластиком и металлом.
3.«Сарай-лодка» — Саймон Старлинг
Это сарай, это лодка, это сарай-лодка-сарай. Или это всего лишь несколько деревянных досок, из которых сделаны две разные вещи. Саймон Старлинг сказал, что когда он нашел сарай, на его стороне была педаль, и это вдохновило его превратить его в лодку. Затем он превратил его обратно в сарай для своей инсталляции в галерее Тейт Модерн. Хотя это могло показаться зрелищной тратой времени, на самом деле в 2005 году Старлинг получил премию Тернера в размере 25000 фунтов стерлингов.Получив приз, он сказал, что ему «очень повезло», с чем все согласились. Конечно, Старлинг — не единственный человек, способный использовать дерево для изготовления чего-либо. Плотники, например, очень искусны в этом, равно как и лодочники, и мой отец.
4. Самые маленькие скульптуры в мире — Уиллард Уиган
Уиллард Уиган, скульптор с дислексией из Бирмингема, Англия, известен своими самыми маленькими скульптурами в мире. Большинство его скульптур настолько малы, что их приходится устанавливать на головку булавки или в игольное ушко, чтобы он не потерял их.Уиган недавно создал миниатюрную скульптуру семьи Обамы, но его самая известная работа — это копия Давида Микеланджело, вырезанная из цельной песчинки.
5. Физическая невозможность смерти в сознании живого человека — Дэмиен Херст
Дэмиен Херст — один из самых неоднозначных британских художников прошлого века. Хотя некоторые были шокированы его мертвыми животными в формальдегиде, самой известной из которых является его маринованная акула под названием «Физическая невозможность смерти в сознании живого человека», многие британские художники находят его работы безвкусными и лишенными воображения.Херста также критикуют за то, что он «коммерческий художник».
Большая часть его ценных произведений искусства создается командой учеников. Можно утверждать, что маринованная акула впечатляет просто тем, что она акула, и что творческое решение засолить ее и положить в коробку было таким же простым и скучным, как создание рамок для существующего произведения искусства. Другие сохранившиеся животные Херста гораздо менее впечатляющие и ни в коем случае не такие запоминающиеся.
6. Vanitas: платье из плоти для анорексика-альбиноса
Это платье из плоти (буквально «платье из мяса») было создано монреальской художницей Яной Стербак и выставлено в Национальной галерее Канады, вызвав много споров.Говорят, что это был комментарий к телесному тщеславию и напоминание о том, что, как бы мы ни старались украсить свое тело, все мы не более чем мясо, свисающее с костей.
канадских застрявших были возмущены тем, что платье из плотной ткани могло считаться искусством, и 200 из них были настолько недовольны, что отправили по почте остатки еды в Национальную галерею в знак протеста против выставки.
7. «Моя кровать» — Трейси Эмин
Неубранная кровать Трейси Эмин была названа одним из самых позорных произведений искусства в истории.Украшенный окурками, пустыми бутылками, испачканными простынями и любопытной игрушечной собачкой — это результат нервного срыва и показывает интимные подробности личной жизни художников. Те, кому не повезло спать вместе с Трейси Эмин, с тех пор также были увековечены, их имена были написаны на стенах палатки под названием «Все, с кем я когда-либо спал». В палатке числится более 100 бывших любовников.
8. «Фонтан» — Марсель Дюшан
Это наверное самый известный писсуар в мире.Возможно, задуманное скорее как заявление, чем как произведение искусства, это выставочное произведение вызвало споры на арт-сцене Нью-Йорка и спровоцировало споры о том, что можно считать искусством. Первоначально «созданный» в 1917 году, он был представлен на открытую выставку под псевдонимом R, Mutt. Выставка была организована Обществом независимых художников, членом которого был Дюшан. Ранее они обещали выставить любые представленные произведения искусства, но решили не выставлять «Фонтан» на том основании, что это «не искусство».
Дюшан в знак протеста ушел в отставку со своего поста в совете общества. Когда он взял на себя ответственность за скульптуру писсуара, разгорелись споры о том, что такое искусство. Оригинал был утерян, но Дюшан заказал копию в 1960 году, в результате чего проблема снова всплыла на поверхность. Вопрос о том, что можно считать искусством, был одним из самых устойчивых и до сих пор вызывает споры.
9. «Art Eggcident» — Хенк Хофстра
Голландский художник Хенк Хофстра несет ответственность за создание этого странного произведения искусства в Леувардене, Нидерланды, и за ужасный каламбур, которым он известен.Несколько больших яиц (каждое 100 футов шириной) были разбросаны по Заиланду, одной из крупнейших городских площадей в Нидерландах, в течение шести месяцев в течение шести месяцев в течение 2008 года. Хотя никто, кажется, не понимает, что Хофстра пытается сказать этой инсталляцией (возможно, он делает пункт о глобальном потеплении), это, безусловно, забавное и увлекательное использование пустого пространства.
10. «Big Rig Jig» — Майк Росс
Построенная из двух выброшенных 18-колесных танкеров, Big Rig Jig представляет собой смотровую башню и скульптуру.