Неоклассицизм во франции: Неоклассицизм во Франции – HiSoUR История культуры

Архитектура Франции XVIII века (рококо и неоклассицизм)

В конце XVII века начинающийся упадок абсолютистского строя приводит к разложению реалистического стиля. Детали оформления интерьеров становятся вычурными, манерными, широко используются зеркала, живописные панно на пастораль­ные темы. Планы помещений становятся еще более криволиней­ными, появляются коридоры, шлюзовые комнаты.

Такой стиль получил название рококо (от названия деко­ративного элемента в форме раковины).

Однако уже в середине XVIII века намечается отход от при­чудливых форм рококо в сторону большей строгости, простоты и ясности форм. Это было связано с идеологическим переломом, направленным против монархической системы и ее идеологичес­ких элементов.

После французской революции 1789 года значительно изме­нилась социальная и экономическая основа архитектуры. Вто­рая половина XVIII века и первая треть XIX века во Франции знаменует новый (второй) этап развития классицизма и его рас­пространение в странах Европы —

неоклассицизма. Классицизм второй половины XVIII века во многом развивал принцип ар­хитектуры предыдущего столетия. Однако новые буржуазно-ра- ционалистические идеи в архитектуре — простота и классичес­кая ясность форм понимаются как символ демократизации ис­кусства. Все чаще французский регулярный парк уступает место английскому пейзажному. Архитектура становится более «человеч­ной» и рациональной: так, в планировке зданий идет функцио­нальное разделение помещений. В градостроительстве впервые составляются планы для всего города.

После революции прекращается строительство крупных двор­цовых сооружений, и появляется новый тип небольшого, но комфортабельного городского дома — особняка для аристокра­тии и буржуазии — отель. Ярким примером постройки тако­го типа является Отель Малый Трианон в Версале(1762—1768гг.) архитектора Ж. А. Габриэля (рис.

56). Это небольшой двухэтаж­ный дом, расположенный в глубине парка. Простой в плане, с

 

большими гладкими поверхностями стен, дворец оживляется пластикой деталей: высокого подиума, цокольного этажа (со служебными помещениями) и балюстрадой сверху.

Еще одним представителем неоклассицизма является Ж.Ж. Суффло. Его парижский Пантеон (бывшая церковь Св. Же­невьевы), построенный в 1764—1781 годах, основан на кресто­вом плане. С главного фасада — это монументальная компози­ция из мощного коринфского ордера с богатым резным фрон­тоном и вертикального завершения из барабана с кольцевой колоннадой и высокого купола диаметром 20 м. Купол имеет тройную оболочку (рис. 57).

 

 

Развитие неоклассицизма завершилось появлением стиля ампир.

Узнать еще:

Неоклассицизм в архитектуре | Деловой квартал

Происхождение неоклассицизма

Неоклассицизм отчасти был реакцией на барокко и рококо, попыткой вернуть архитектуре классическую чистоту, утраченную барокко. Хотя термин «неоклассицизм» появился только в конце XIX в., сам стиль был широко распространен уже начиная с середины XVIII в. В основе неоклассицизма лежало сознательное исследование, и он развился под влиянием четырех факторов: археологии, книг, романтизма и конструктивной чистоты. Изучение античных зданий превратилось в настоящую археологическую лихорадку. Тома гравюр изображали романтичные развалины. Простота греческих строений способствовала появлению проектов, в которых украшения отсутствовали или были сокращены до минимума.

Фрагменты римских колонн

Эти фрагменты — примеры эклектичной римской архитектуры, которую воспроизводили неоклассические здания. Хотя в их основе лежит коринфский ордер, классический язык используется здесь весьма вольно: в капитель левой колонны введены скульптурные изображения женщин и оружия, на правой лошадь галопирует среди листьев аканта.

Арка Константина. Рим

Джованни Баттиста Пиранези, художник и архитектор XVIII в., опубликовав альбомы гравюр, сделал многие римские здания доступными вниманию широкой публики. На этой гравюре изображена полуразрушенная Арка Константина.

Трофей Октавиана Августа

Трофей Октавиана Августа (изображение доспехов и оружия) был распространенным римским декоративным мотивом. Он был подхвачен архитекторами 18 в. использовавшими его для вестибюлей. В этом контексте он напоминал о средневековом обычае размещения в залах оружия на случай нападения.

Фриз, колонны и антаблемент ионического ордера, использовались в храме на Илисе. Такой детальный разбор говорил о том, что каждый из элементов мог быть взят и использован отдельно. Ионический храм на Илисе — одно из греческих зданий, вдохновлявших архитекторов XVIII-XIX вв. Простой фасад храма с четырьмя колоннами повторен во множестве церквей по всей Европе.

Храм в Баальбеке. Ливан

Здесь видно обычное для археологических исследований того времени сочетание романтизма и аккуратности. Все детали в точности воспроизведены, но здание изображено заросшим растительностью.

Новый взгляд на ордер

Пять ордеров — основа классической архитектуры, и в течение веков многие архитекторы оставили собственные интерпретации ордеров. Раскопки в новых местах и тщательное повторное изучение известных строений дали новое понимание ордеров. Теперь можно было выбирать между греческой дорической колонной, не имевшей основания, и ее римской версией с основанием. Оба типа были подробно описаны и могли быть использованы как прототипы.

Некоторые архитекторы пытались расширить классический канон пяти ордеров и создать свой собственный, временами используя части различных образцов предшественников. Иногда даже создавался совершенно новый тип, призванный воплотить какую- либо идею.

Ворота Сайон-Хауз. Миддлсекс. Англия

Дорический ордер считался мужским и поэтому особенно подходящим для ворот и подъездов. В базе с четырьмя львиными когтями проявился полет фантазии архитектора. Такого нет у предшественников, и когти надо расценивать как шутку, возможно —
намек-предостережение незваным гостям.

Капитель, напоминающая Коринфскую с листьями и жимолостью, несет дорический фриз с традиционной буколикой (бычьими черепами), чередующимися с головами баранов и метопами.

Неоклассицизм Франции

Франция была одной из первых стран, где появился классицизм как реакция на вычурность барокко и рококо. Начиная с середины XVIII в., архитекторы проектировали здания, в которых использовался классический язык в деталях и украшениях. Французские теоретики подошли к классицизму в духе рационального исследования, и создали теории происхождения различных ордеров. Когда эти принципы были применены на практике, были созданы здания, отличающиеся от своих классических предшественников. Французы были, кроме того, пионерами нового подхода к археологическим раскопкам. Жан-Дени Леруа был первым археологом, опубликовавшим описание зданий античной Греции под романтичным названием «Руины красивейших памятников Греции».

Фасад малого Трианона. Версаль (1761-1764 гг.)

Этот фасад воплощал стремление архитектуры к простоте. Здесь оно подчеркнуто использованием сдержанного коринфского ордера, и украшенными простейшей лепниной окнами. Здание увенчано балюстрадой без скульптурных украшений.

Французские теоретики первыми объяснили происхождение ордера от хижины. В трудах, опубликованных в середине XVIII в., они приравняли бревна столбов к колоннам и предполагали, что декорации фризов произошли от соединений деревянных деталей.

Пантеон. Париж (начат в 1757 г.)

План имеет форму греческого креста, с четырьмя крыльями равной длины. Многие архитекторы XVIII в. считали, что греческий крест — наиболее совершенная форма храма.

На этом поперечном сечении ряды колонн обозначают нефы. Контрфорсы, поддерживающие пересечение проходов, уменьшены до минимальных размеров. Все это напоминает готическую церковь.
На разрезе купола видна его уникальная конструкция. Он представляет собой три купола. Средняя часть остается невидимой, но выполняет важную функцию, поддерживая малый купол.

Комеди-Франсез. Париж

Крыша портика служит также балконом. Это решение не имеет прецедентов в римской или греческой архитектуре и является примером французского рационализма, — нашедшего новое применение неиспользовавшемуся ранее пространству.
Эти окна нашли применение и во французских неоклассических проектах. В данном случае, окна расположены на фасаде и торцах здания.

Снаружи здание покрыто рустованным камнем. Фасад подчеркнут восьмиколонным дорическим портиком. Массивная простота здания типична для стиля французского неоклассицизма.

Английский неоклассицизм: вокабулярий неоклассического дома

Неоклассицизм был стилем интерпретаций старого. На смену изобретению новых форм пришло изобретение новых композиций, распределения массы и различных элементов. Вокабулярий классической архитектуры, использовавшийся в строениях Древнего Рима и Греции, был использован в новой интерпретации. Со времен античности уцелело очень мало жилых домов, поэтому в качестве образцов использовали элементы храмов, бань, других общественных зданий. Комбинируя их, создавали проекты, подходящие для жизни в английских городах и сельской местности. Ключевыми моментами считались пропорциональность и симметрия, но обилие опубликованных к тому времени источников позволяло сделать детали каждого дома индивидуальными и разнообразными.

Арабески были основаны на плавных природных формах, образующих узор. Они были лепными или в виде росписи на стене. Этот мотив часто использовался в английском неоклассицизме.

Виллы были симметричны в той степени, в которой это не противоречило практическим соображениям. Соблюдалась строгая симметрия здания и использование многочисленных мотивов — таких, как ионический портик, скульптуры и барельефы, взятых из храмовой архитектуры.

Помещения здесь расположены вокруг центрального холла и лестницы. Приподнятый потолок салона, однако, делал необходимым устройство мезонина. Эскизы потолков часто основывались на сохранившихся античных примерах, и геометрия играла здесь ключевую роль.

Роберт Адам. Интерьеры

Архитектор Роберт Адам (1728-1792 гг.) неразрывно связан с английским неоклассицизмом, его имя дало название одному из стилей декора интерьеров.
Его отличают совершенные пропорции и внимание к мельчайшим деталям, таким, как дверные ручки и вазы. Адама чаще переделывал уже существующие здания. Его гений заключался в создании помещений с правильными пропорциями, которые радовали глаз. Он называл свою концепцию «движением», описывая ее как «подъем и падение, движение вперед и отступление, с разнообразием форм в каждой части здания, с тем, чтобы максимально увеличить живописность композиции». Показанные здесь детали Сайон-Хауза в Миддлсексе показывают, как Адам добивался успеха в применении своего стиля.

Каждый элемент был тщательно продуман Адамом. Пьедестал украшен разнообразными мотивами: двумя фризами и гирляндами. Все эти элементы использовались и до него, но никогда в такой комбинации.

Сайон-Хауз

Роберт Адам переделал план старого дома в стиле короля Якова с тем, чтобы последовательно выстроить помещения, контрастные по форме. Место внутреннего дворика на новом плане должно было занять огромное круглое помещение. Оно предназначалось для бального зала, но не было построено.
Фигура умирающего гладиатора, расположенная между колоннами, отвлекает внимание от разных уровней пола и усиливает храмовую обстановку вестибюля.

Греческий стиль в Англии

Греческий стиль не копировал античные здания целиком, а брал отдельные элементы, которые использовал для создания новых типов зданий. Строения Греции стали широко известны после публикации результатов археологических раскопок. В Англии ключевой работой стали «Афинские древности» Джеймса Стюарта и Николаса Реветта (1762 г. ). В начале XIX в. усиливающаяся вера в превосходство греческого ордера побуждала архитекторов копировать его в точности, особенно при проектировании общественных зданий. Ордер придавал этим зданиям монументальность. Первым дорическим зданием, появившимся в Лондоне, стал театр в Ковент-Гарден, построенный Робертом Смерком. Но наиболее известным из английских зданий в греческом стиле стал, наверное, спроектированный тем же автором Британский музей.

Церковь Сент-Пэнкрас. Лондон (1819-1822 гг.)

Западный фасад церкви Сент-Пэнкрас представляет собой типичный пример греческого стиля. Ордер и отдельные части здания являются точной копией оригиналов.

Северный и южный выступы церкви внешне в точности повторяют портик с кариатидами афинского Эрехтейона. Внутри выступов расположены одинаковые ризницы.

Церковь Сент-Пэнкрас сочетает форму афинской Башни ветров с формой памятника Лисикрата. Деталь, повторяющая форму памятника, приподнята над зданием церкви и является основанием высокого шпиля.

Новые типы общественных зданий

Усиление экономической мощи Великобритании в конце XVIII-XIX вв. вызвало необходимость в новых общественных зданиях, которые бы отражали национальную гордость и достижения. Для этого отлично подошел классический стиль, сочетавший необходимую величественность и горделивость с монументальностью. Отдельные элементы греческих и римских зданий можно было легко адаптировать к британским условиям. Английские ратуши, музеи и университеты стали напоминать римские термы и храмы. Использование таких образцов, кроме всего прочего, подчеркивало связь между достижениями античных империй и современной Британии. Типы общественных неоклассических зданий, построенных с 1770 по 1850 г., отличаются максимальным разнообразием и разносторонностью.

Национальные музеи. Британский музей. Лондон (1823-1847 гг.)

В середине XVIII в. получила распространение концепция национального музея как хранилища достижений нации, и, в более широком смысле, ее культуры. На фасаде Британского музея расположена ионическая колоннада, основанная на колоннаде храма Афины Паллады в Приене. Двери имеют детальное сходство с входной дверью Эрехтейона в Афинах. Ее монументальные размеры подавляют посетителя и намеренно создают ощущение благоговейного ужаса.

Академические организации: фасад института Тейлора. Оксфорд (1841-1845 гг.)

Выдающийся аттик, разделенный термальными окнами заканчивался глубоким карнизом. Капители подражают храму Аполлона в Бассах. Колонны несут расположенные над антаблементом скульптуры.

Неоклассицизм в Соединенных Штатах Америки

Расцвет неоклассицизма в США, пришедшийся на 1780-1860-е гг. был тесно связан с политическим статусом молодой республики. Один из наиболее влиятельных президентов Соединенных Штатов, Томас Джефферсон (1743- 1826 гг.), сыграл важную роль в том, что неоклассицизм стал официальным стилем Федерации. Сам Джефферсон — архитектор-любитель. Его ранние проекты были результатом академических исследований и находились под сильным влиянием палладианства. После путешествий по Европе и знакомства с поразившими его трудами французских рационалистов. Джефферсон понял, что римские и греческие здания являются образцами для государственных и общественных зданий. Его проект Капитолия в Ричмонде стал первым в Америке общественным зданием, подражавшим храмовой архитектуре.

Капитолий. Вашингтон (1792-1817 гг.)

Строительство здания Капитолия в Вашингтоне, где размещается законодательная ветвь американской власти, было крупнейшим архитектурным заказом своего времени. Форма основного здания состоит из центральной ротонды, увенчанной более поздним впечатляющим куполом, и двух крыльев с фронтонами с гигантским ордером.

На плане несколько измененном при строительстве виден центральный корпус и крылья, в которых размещены разнообразные, хорошо спланированные помещения. включая полукруглые здания Сената и Палаты представителей.

После пожара 1814 г. Капитолий нуждался к перестройке. Этой возможностью воспользовались для создания двух новых «ордеров». Колонны у входа в Сенат имеют форму табачных листьев, в остальной части здания использована форма початка и листьев кукурузы.

Немецкий неоклассицизм

До 1871 г. германское государство не существовало как единое целое, а представляло собой группу независимых государств и княжеств, объединенных общим языком. Развитие неоклассицизма (1785-1850 гг.) было тесно связано с национальным объединением — процессом, начавшимся в Пруссии, как наиболее мощном из государств. Новое поколение архитекторов, находившееся под влиянием французских теоретиков, воспользовалось, прежде всего, греческим стилем, который, как казалось, сочетал эстетическую красоту с серьезным общественным предназначением. Как и в других странах, этот стиль особенно подошел общественным зданиям. Первым проектом в греческом стиле был памятник Фридриху Великому — человеку, посеявшему семена объединения немецкой нации. Первым зданием, построенным в этом стиле, были Бранденбургские ворота, ворота Берлина, столицы Пруссии, бывшие также зданием суда.

Пропилеи, послужившие образцом Бранденбургских ворот, представляли собой украшенный портиками вход в Акрополь. Здесь же находилось несколько помещений. Отсутствие базы придает греческому дорическому ордеру массивную торжественность и постоянство, особенно уместные в священных местах.

Бранденбургские ворота. Берлин (1789-1794 гг.)

Ворота, построенные у западного входа в город, копировали Пропилеи афинского Акрополя, ведущие в святилище. Бранденбургские ворота имеют шестиколонный портик с двойным рядом дорических колонн и флигелями по сторонам.

Одно из значительных различий деталей афинских и берлинских ворот — использование базы в дорическом ордере, Это придает воротам некоторую легкость, отсутствовавшую в греческом образце.

Один из самых знаменитых архитекторов Германии, Карл Фридрих Шинкель (1781-1841 гг.), стал ключевой фигурой в процессе поиска национального самосознания. Под влиянием движения романтиков, Шинкель отправился в путешествие по Италии и был покорен готической архитектурой и классическими образцами. Он считал, что эти два стиля объединяет конструктивная чистота, утерянная во времена Возрождения и барокко. Шинкель был уверен, что архитектура может играть большую роль — она может воплощать политические убеждения и выражать дух нации. Новый музей и Новый театр Шинкеля были построены в Берлине, городе, начинавшем доминировать на политической сцене Германии. Новые здания должны были привлечь внимание нации к культуре.

Новый театр. Берлин (1818-1828 гг.)

На эскизе показан массивный корпус Нового театра, с решетчатой структурой оконных проемов, характерной для стиля Шинкеля. Расположение трех основных помещений театра — центрального зала и концертного холла с одной стороны и зала репетиций с гримерными — с другой — отражено во внешнем виде здания.

Нижний фронтон фасада украшен сценами греческих трагедий. Сравните использование этого фронтона с использованием верхнего фронтона, ненужного с точки зрения конструкции здания.
Акротерий над входным фронтоном выполнен в виде музы, держащей в руке маску, — аллегорию греческого театра. Это пример того, как архитектор использовал древнегреческие мотивы для создания нового эффекта.

Смотрите также:

Захарычев Сергей

Автор статьи: главный редактор проекта, эксперт в области архитектуры и строительства.

Французский неоклассицизм и романтизм Музея Лувр

Параллельно Большой галерее музея Лувр находятся два больших зала, посвященные французскому неоклассицизму и романтизму. На плане эти залы обозначены как «монументальная живопись», тут представлены наиболее известные картины этого периода.

Зал Мольен (зал № 7.5) знаменит благодаря тому, что здесь выставлена эпическая работа Давида «Коронация Наполеона Бонапарта», где Наполеон I возводит себя на трон.

Сейчас уже сложно в это поверить, но Давид изначально задумывал эту картину как часть гораздо более обширной композиции.

Тут же можно увидеть чудесные женские портреты, например полотно Прюдона «Жозефина Богарне в парке» замок Мальмезон, напоминающее работы Леонарда да Винчи, а также несколько всемирно известных работ Энгра и автопортрет «Виже Лебрён с дочерью», придворной художницы Марии-Антуанетты.

Купить входные билеты в парижский Лувр

В зале Дарю (зал № 77) французский романтизм открывается весьма драматическим полотном Жерико «Плот Медузы», описывающим печально известный случай кораблекрушения у берегов Сенегала в 1816 году.

На картине изображены люди на плоту, которые в отчаянии смотрят на появившееся, на горизонте судно. Как писал один из выживших в своих мемуарах, «от состояния радости мы впали в скорбь и полное отчаяние».

Пятнадцать изображенных на полотне людей оказались единственными из 150 спасшихся на плоту матросов, кому удивительным образом удалось выжить, остальные погибли от убийств, жажды и каннибализма.

Силуэт мертвого мужчины, лежащего лицом вниз с протянутой рукой, была написана с человека, который позировал также и Делакруа, чья знаменитая картина «Свобода, ведущая народ на баррикады» висит в этом же зале.

Работа Делакруа по праву считается одним из главных символов Французской революции дошедших до наших дней, однако нетрудно заметить, что, судя по головным уборам, тут изображена революция не 1789-го, а 1830 года, которая возвела на престол «буржуазного монарха» Луи-Филиппа. Увидев в своё время это полотно, Луи-Филипп тут же дал указание убрать его подальше, дабы оно не внушало людям опасных идей неповиновения.

Зал сословий и картина Мона Лиза (Джоконда)

После пятилетних реставрационных работ Зал сословий (зал № 6), куда, как правило, попадают через зал, находящийся между залом Дарю и залом Мольен, снова служит местом для демонстрации удивительной по своей красоте картины итальянского художника Леонардо да Винчи «Мона Лиза», или «Джоконда», как её называют французы.

Учтите, что несколько мгновений созерцания этого шедевра могут оказаться для вас совсем не такими счастливыми, как вам бы хотелось, так как в ваших ушах будут постоянно звенеть просьбы охраны проходить дальше, а глаза будут ослеплять беспрерывные вспышки фотокамер туристов. Однако следует отметить, что все эти неудобства вскоре закончатся, так как многочисленная толпа почитателей искусства бесцеремонно вытолкнет вас в более спокойную Большую галерею.

Если же вы желаете посмотреть на этот шедевр в спокойной обстановке без толпы, постарайтесь попасть в число самых первых либо самых последних посетителей музея Лувр. А лучше всего посетить музей в те дни, когда он открыт допоздна, а именно в среду или пятницу вечером, приблизительно с 20.00 до 21.45.

Оказавшись в Зале сословий, следует также обратить внимание на большое полотно Паоло Веронезе «Брак в Кане Галилейской», которое когда-то находилось в трапезной расположенного на острове венецианского монастыря Сан Джорджо Маджоре. К большому сожалению, у вас будет очень мало шансов в спокойной обстановке насладиться остальными работами венецианских мастеров.

Больше фотографий французского неоклассицизма и романтизма Музея Лувр тут: Фотогалерея

Архитектура 17-19 века.Ампир-Энциклопедия

 Ампир, или «Стиль империи» (франц. Empire — империя от лат. imperium — командование, власть) — исторический художественный стиль, впервые сложившийся во Франции в начале XIX в., в период Первой Империи Наполеона Бонапарта. Хронологические рамки оригинального французского «Стиля Империи» узки, они ограничены, с одной стороны, концом правления Директории (1799; см. Директории стиль) или годом коронации Наполеона (1804), а с другой — началом реставрации Бурбонов (1814-1815).

    Тем не менее, в столь краткий исторический период французский Неоклассицизм, выросший на естественном интересе к античности и усиленный идеями Просвещения, гражданскими идеалами начала революции, успел переродиться в холодный, помпезный, напыщенный, искусственно насаждаемый императорской властью стиль. Его основные элементы, почерпнутые из античного искусства, уже содержались в Классицизме «стиля Людовика XVI» и были кристаллизованы, в «стиле Директории».

    Однако Ампир коренным образом отличается от Классицизма. Мягкую и светлую гармонию искусства периода Людовика XVI и демократическую строгость стиля Директории сменили парадный пафос и театральное великолепие «Стиля Первой Империи». Наполеон стремился к блеску и ореолу славы римских императоров. Если свободно возникший Классицизм был ориентирован на демократические Афины периода классики Века Перикла, то художникам французской Империи было строго указано брать за образец формы искусства Древнего Рима. Этому существенному различию не всегда придают должное значение, когда говорят о преемственности стилей и об «Ампире как о высшей стадии развития Классицизма». Подобное утверждение равносильно тому, как если бы мы сказали, что искусство Древнего Рима – высшая стадия искусства греческих Афин.

    Наполеоновский Ампир — стиль жесткий и холодный. П. Верле назвал его «затвердевшим стилем Людовика XVI». И. Грабарь писал, что «блестящее развитие Классицизма во Франции было прервано «холодной диктатурой Ампира». Ампир демонстрирует вырождение классицистических форм, выхолащивание их подлинного историко-культурного смысла, духовного содержания, но, вместе с этим, этот стиль своеобразно продолжает никогда не прерывавшуюся во Франции (в этом особенность развития французского искусства) классицистическую традицию. Ведь не случайно историк художественных стилей В. Курбатов подчеркивал, что «Появление стиля Ампир не было переворотом в последовательном развитии французских стилей, а видоизменением все тех же классических элементов, которые были известны во Франции со времен Людовика XIV или даже Франциска I». Примечательно и то, что ведущая роль в формировании нового стиля принадлежала не архитектору, как обычно, а живописцу -Ж.-Л. Давиду. Еще накануне революции этот художник в картинах «Клятва Горациев» (1784), «Брут» (1789) прославлял героические эпизоды из истории республиканского Рима, по мотивам книг Тита Ливия. Для работы над этими картинами, Давид заказал известному парижскому мебельщику Ж. Жакобу предметы обстановки по собственным рисункам, сделанным им с этрусских, как их тогда называли, ваз, найденных в раскопках Геркуланума и Помпеи в Италии. Давид участвовал в первой французской революции, затем, пережив тяжелый кризис, стал прославлять императора Наполеона так же, как до этого — идеалы свободы римской республики.

    Про художника говорили тогда, что в поисках своего героя он «сменил Цезаря на Брута». Слава художника превратила его в первого живописца Империи. Давид разрабатывал эскизы мебели, оформления интерьера, диктовал моду в одежде. В 1800 г. он написал портрет знаменитой парижской красавицы мадам Рекамье в тунике на античный манер, возлежащей на кушетке с плавно изогнутым изголовьем, выполненной Жакобом, и стоящим рядом торшером в «помпеянском стиле». С легкой руки Давида, эта картина положила начало моде на стиль «рекамье». В 1802 г. похожий портрет мадам Рекамье, как бы соревнуясь с Давидом, написал его ученик Ф. Жерар. Но сам император желал больше пышности и великолепия. Его придворными архитекторами стали Ш. Персье и П. Фонтен, ранее, в 1786-1792 гг., учившиеся в Италии, в Риме. Во Франции они оформляли интерьеры дворцов Мальмезон, Фонтенбло, Компъен, Лувр, Медон, Сен-Клу, Версаль, Тюилъри, построили Триумфальную арку на площади Карусель в Париже, наподобие древнеримских (1806-1808). В 1806-1836 гг. еще одна Триумфальная арка была возведена по проекту Ж.-Ф. Шальгрена. Скульптор А.-Д. Шодэ водрузил статую Бонапарта в образе Цезаря в римской тоге на вершину Вандомской колонны, другую статую, также работы Шодэ, император вез в обозе в Москву, чтобы установить ее в покоренном городе.  Но примечательно, что в стиле Ампир было создано относительно мало выдающихся произведений архитектуры, скульптуры и живописи.

    Исследователь архитектуры И. Грабарь отмечал, что Персье и Фонтен были слабыми архитекторами: «педантичными компиляторами, довольно надоедливыми, скучными и даже не слишком изобретательными в своих орнаментальных разводах». Но, вероятно, столь резкая оценка Грабаря объясняется не столько скудностью таланта этих мастеров, сколько ограниченностью стиля. Примитивность содержания и жесткость идеологических установлений сделали Ампир не художественным стилем в полном смысле этого слова, а стилем декорации и даже поверхностного камуфляжа. В своей угодливости придворные декораторы Наполеона доходили до абсурда. Так спальня императрицы Жозефины во дворце Мальмезон была превращена в некое подобие походной палатки римского центуриона, а одетые в «римские туники» женщины мерзли от холода в плохо отапливаемых парижских Салонах и в заснеженном Петербурге, во всем подражавшем французской столице. Воистину, говоря словами самого Наполеона, «от великого до смешного один шаг». В 1812 г. вышло в свет грандиозное издание «Собрание эскизов для украшения интерьера и всех видов обстановки». Авторами были Персье и Фонтен. В комментариях к своим проектам они подчеркивали «возможность использования самых разных стилей всех времен и народов», но на первом месте следовало ставить «величественный стиль римлян». Это уже была декларация эклектики. Не случайно парижский декоратор этого же времени Ж. Зюбер прославился обоями, имитировавшими деревянную обшивку стен в неоготическом стиле «трубадур».А его конкурент Ж. Дюфур выпускал «картинные обои» на мифологические темы с «итальянскими пейзажами и античными фигурами».

    Парадоксально, но Ампир, несмотря на свою нормативность и регламентированность, ограничивающую свободу мышления художника, был романтичен. Сам Наполеон восхищался «эпосом Оссиана» (стилизацией под шотландский эпос) наравне с Гомером. А картина Жерара «Оссиан, вызывающий призраков» (1801), исполненная по заказу Наполеона для дворца Мальмезон, вызвала шумный успех в Париже (см. оссианизм). После Египетского похода Наполеона (1798-1799), как бы вопреки его полному провалу, в Париже распространилась мода на «египетский стиль». В 1802-1813 гг. осуществлялось грандиозное 24-томное издание «Путешествие по Верхнему и Нижнему Египту» с гравюрами по рисункам, исполненным во время похода бароном Д.-В. Деноном. В 1809-1813 гг. вышло столь же грандиозное «Описание Египта» Ф. Жомара, также иллюстрированное рисунками Денона. Эти иллюстрации вместе с «образцовыми проектами» Персье и Фон-тена стали главным пособием для многих рисовальщиков-декораторов, орнамента-листов, лепщиков, резчиков, мебельщиков, ювелиров. Но основными декоративными мотивами стиля Ампир оставались все же атрибуты римской военной истории: легионерские знаки с орлами (см. аквила), связки копий, щитов и ликторских топоров (см. также арматура; трофеи; фасции). Любопытно, что вся эта мешанина из элементов римского и египетского искусства не переходила в открытую эклектику. Отчасти это объясняется тем, что, еще в период древнеримской империи, произведения искусства Египта вместе с древними культами Исиды и Гора попадали в Рим. Египетская экзотика была модной в среде римских патрициев, она проникала в жизнь Вечного Города.

    В начале XIX столетия эта связь стала еще более прочной и идейно обоснованной, поскольку формы искусства египетской империи времени Рамзесов и древнеримских императоров соединились в художественных амбициях французского узурпатора. Они сосуществовали целостно и органично в едином «пространстве» романтического мышления. Стиль Ампир во Франции начала XIX в. своеобразно продолжает традиции художественного Романтизма, начинавшегося еще в середине предыдущего столетия Неоготикой в Англии. Ампир продолжил обращение к истории, углубление в прошлое — не только в античность, но и в Древний Египет. Однако с методологической стороны Ампир нормативен и, следовательно, неромантичен. Поэтому эволюция художественных стилей в искусстве Франции — от Рококо, через Неоклассицизм, к Ампиру, слишком напоминает, как бы в обратном порядке, развитие, которое происходило в Италии XVI столетия: от Классицизма эпохи Возрождения к Маньеризму и Барокко. Характерное для Ампира сочетание «римских» и «египетских» мотивов, красного дерева и золоченой бронзы, а также бронзы патинированной, матово-черной, ассоциирующейся с базальтами Египта, можно видеть в произведениях прославленного парижского бронзовщика П.-Ф. Томира и его мастерской. С 1805 г. Томир был «придворным чеканщиком» Бонапарта, он изготавливал бронзовые детали мебели, светильники — бра, канделябры, треножники, вазы и корпуса часов. Во всех изделиях явственны отличия ампирной декорации от подлинного Классицизма.В классицистическом стиле объемная форма и декор связаны пластично, подвижно; они переходят друг в друга, меняя взаимное расположение и функции в общей композиции. В стиле Ампир композиция строится на контрасте чистого поля поверхности стены, мебели, сосуда и узких орнаментальных поясов, в строго отведенных местах, как правило, подчеркивающих конструктивные узлы и членения формы. Это противопоставление дополнительно усиливается необычной плотностью орнамента и контрастами цвета.

    Для Классицизма типичны мягкие и сложные красочные гармонии; для Ампира — яркие, режущие глаз красный, синий, белый — цвета наполеоновского флага! Стены затягивались ярким шелком, в орнаментах — круги, овалы, ромбы, пышные бордюры из дубовых ветвей, наполеоновские пчелы и звезды из золотой и серебряной парчи на алом, малиновом, синем или зеленом фоне (рис. 211, 216, 217). Таким образом, основными категориями формообразования в искусстве стиля Ампир стали историзм, нормативность, рационализм, декоративность, тектоничность, в поздних формах — открытый эклектизм. В знаменитом парижском особняке, построенном в 1804-1806 гг., для пасынка Наполеона, принца Е. Богарнэ и его сестры Гортензии, интерьеры оформлены в самых разных стилях, там соединяются «помпеянские», египетские, римские и даже «турецкие» мотивы, что создает общий «сибаритский характер ампирного интерьера». А в его Турецком будуаре «наполеоновский ориентализм доходит почти до кича… так под влиянием раннеромантических течений возникает эстетика историзма и эклектики». Возможно, именно эти разрушительные тенденции, независимо от политического поражения Наполеона, послужили причиной столь скорого перерождения Ампира в «стиль Карла X», открывший период собственно Историзма как эпохи «воссозданий»

    Характерна еще одна особенность Ампира: присущая ему регламентированность почти полностью исключила возникновение региональных течений и школ. Именно поэтому Ампиром правильно называть только искусство Франции начала XIX в., но в своей сути, Ампир не национален, а космополитичен (не интернационален, как, к примеру, Готика, а непримирим к народным традициям). Являясь выражением имперских притязаний Наполеона Бонапарта на мировое господство, этот стиль насильственно насаждался на чуждую ему почву завоеванных стран. Примечательно, что ни одна из побежденных Наполеоном стран, по существу, не приняла этого стиля. В Германии и Австрии своеобразной художественной оппозицией наполеоновскому нашествию стал стиль Бидермайер, хотя в нем отчасти и использовались ампирные формы. И только одна страна-победительница — Россия добровольно приняла «стиль Империи». На это были и свои внутренние причины: Россия становилась могущественной империей. Еще до начала Отечественной войны 1812 г. архитекторы Персье и Фонтен, с разрешения Наполеона, через французского посла в Петербурге, посылали российскому императору Александру I альбомы с видами «всего замечательного, что строилось в Париже». Русская аристократия подражала нравам парижских Салонов, как бы заранее капитулируя перед узурпатором. Настолько был силен гипноз французской моды. Сам Наполеон присылал Александру описания своего итальянского и египетского походов с гравюрами. Эти отношения были прерваны войной. Но уже в 1814 г. в Париже император Александр встретился с П. Фонтеном и, еще до вторичного вступления союзных армий, получил тринадцать альбомов с рисунками пером и акварелью — проектами оформления интерьеров и мебели. Эти альбомы сыграли существенную роль в распространении стиля «русского (петербургского) ампира». Во Франции они были опубликованы только в 1892 г. Персье и Фонтен, после поражения французской Империи, и сами стремились на русскую службу, но Александр предпочел им О. Монферрана, тогда никому неизвестного, будущего создателя грандиозного Исаакиевского собора в Петербурге.

    Таким образом, в Европе сложились две разновидности Ампира: французский и русский. «Русский ампир» (это определение правильней брать в кавычки) был мягче, свободнее, пластичнее французского. Он делится на две ветви: столичную и провинциальную. Создателем стиля петербургского ампира считается «русский итальянец» К. Росси, он и смягчил своим русско-итальянским вкусом излишнюю жесткость наполеоновского стиля, отчего этот стиль называют «итальянизирующим классицизмом». Другим видным архитектором этого же стиля был В. Стасов. Стиль итальянизирующего ампира в архитектуре Петербурга 1820-1830-х гг. следует отличать от более раннего стиля периода александровского классицизма, ориентированного на греческую архаику и французский Неоклассицизм 1760-х гг. Провинциальный «московский ампир» и стиль подмосковных дворянских усадеб отличался еще большим своеобразием, поэтому правильнее его называть не ампиром, а московским классицизмом. Последнюю фазу развития петербургского классицизма 1830—1840-х гг., в период царствования Николая I, иногда именуют «николаевским ампиром».

    В Англии стиль Ампир также не получил широкого распространения. «Английским ампиром» иногда условно называют «стиль Георга IV» (1820-1830), наступивший после «английского стиля регентства», или «ридженси». Временем второго «Британского ампира» считается викторианская эпоха 1830-1890-х гг. Другое, более редкое название Ампира — неоримский стиль. В период Второй Империи во Франции, годы правления императора Наполеона III (1852-1870), получил развитие помпезный и эклектичный стиль, несколько иронично называемый Вторым Ампиром. Династия Бонапартов сохранила свою эмблему — золотые пчелы на синем фоне (в отличие от лилий Бурбонов), они использовались художниками Ампира как декоративный мотив, но имели не римское и не египетское, а франкское происхождение, и восходили к эпохе Меровингов.

ВО ФРАНЦИИ, КОТОРАЯ В XVII в. СТАЛА РОДИНОЙ КЛАССИЦИЗМА, БАРОККО НЕ ПОЛУЧИЛО ШИРОКОГО

ТИПИЧНЫМ ПРИМЕРОМ АРХИТЕКТУРЫ РОКОКО ЯВЛЯЕТСЯ ОТЕЛЬ СУБИЗ В ПАРИЖЕ, ПОСТРОЕНЫЙ ДЛЯ ПРИНЦА ДЕ СУБИЗА В 1705—1709 ГГ. КАК И ДРУГИЕ ОСОБНЯКИ, ОН ОТГОРОЖЕН ОТ ПРИЛЕГАЮЩИХ К НЕМУ УЛИЦ ВЫСОКОЙ СТЕНОЙ С РОСКОШНЫМИ ВЪЕЗДНЫМИ ВОРОТАМИ. В ЭТОМ ОТЕЛЕ ВСЕ УГЛЫ ЗАКРУГЛЕНЫ, НЕТ НИ ОДНОЙ ПРЯМОЙ ЛИНИИ.

В ЭПОХУ РОКОКО БЫЛ СОЗДАН ТАКЖЕ ОДИН ИЗ САМЫХ КРАСИВЫХ ГОРОДСКИХ АНСАМБЛЕЙ ФРАНЦИИ—АНСАМБЛЬ ТРЕХ ПЛОЩАДЕЙ В ОГРОДЕ НАНСИ В ЛОТАРИНГИИ, ПОСТРОЕННЫЙ В 1752—1755ГГ. АВТОРОМ ЭТОГО ПРОЕКТА БЫЛ ЭМАНЮЭЛЬ ЭРЕ ДЕ КОРНИ.

КОРОЛЕВСКАЯ ПЛОЩАДЬ —ПРЕДСТАВЛЯЕТ СОБОЙ КАК БЫ ОГРОМНЫЙ ПАРАДНЫЙ ДВОР, ПОЧТИ ОВАЛЬНЫЙ. В ЦЕНТРЕ РАСПОЛОЖЕН КОННЫЙ МОНЫМЕНТ ГЕРЦОГА СТАНИСЛАВА

I.АНСАМБЛЬ В НАНСИ ХРОНОЛОГИЧЕСКИ ЗАВЕРШАЕТ ЭПОХУ

УСЛОВНОЕ СОБИРАТЕЛЬНОЕ НАЗВАНИЕ ПЕРИОДА В РАЗВИТИИ АРХИТЕКТУРЫ И ПРИКЛАДНОГО ИСКУССТВА ЕВРОПЕЙСКИХ СТРАН И США СЕРЕДИНЫ И ВТОРОЙ ПОЛОВИНЫ XIX в.,ОТЛИЧАЮЩЕГОСЯ НЕРЕДКО МЕХАНИЧЕСКИМ СОЕДИНЕНИЕМ ЭЛЕМЕНТОВ РАЗНЫХ СТИЛЕЙ.СМЕШЕНИЕ ФОРМ РАЗЛИЧНЫХ СТИЛЕЙ ПРИВЕЛО К НАРУШЕНИЮ СВЯЗИ МЕЖДУ ФУНКЦИЕЙ, КОНСТРУКЦИЕЙ И ОБЛИКОМ АРХИТЕКТУРЫ.

идейно-художественное направление и стиль в европейском искусстве второй половины XVIII—начала XIX в.; направление в европейском искусстве начала XX в., считающие классические традиции искусства античности , Возрождение и классицизма высшей художественной нормой, идеалом и недосягаемым образцом.

Важнейшую роль в архитектуре английского неоклассицизма сыграли два мастера—Уильям Чемберс и Роберт Адам.Этот стиль нередко называют просто «стилем Адама» в честь его творца.Интерьеры Адама еще при жизни мастера многие считали высшим достижением английской архитектуры того времени.Историю англ. Неоклассицизма XVIII в. завершают 2 архитектора: Джорж Дэнс Младший и сэр Джон Соун.

Джон Соун был главным архитектором здания Английского банка и посвятил его строительству значительную часть жизни и именно этот архитектор подвел своеобразный итог английскому неоклассицизму

МОДЕРН

МОДЕРН—СТИЛЬ В ЕВРОПЕЙСКОМ И АМЕРИКАНСКОМ ИСКУССТВЕ КОНЦА XIX—НАЧАЛА XX в.,ИСПОЛЬЗОВАВШИЙ НОВЫЕ ТЕХНИКО-КОНСТРУКТИВНЫЕ СРЕДСТВА,СВОБОДНУЮ ПЛАНИРОВКУ, СВОЕОБРАЗНЫЙ АРХИТЕКТУРНЫЙ ДЕКОР ДЛЯ СОЗДАНИЯ НЕОБЫЧНЫХ, ПОДЧЕРКНУТО ИНДИВИДУАЛИЗИРОВАННЫХ ЗДАНИЙ, ВСЕ ЭЛЕМЕНТЫ КОТОРЫХ ПОДЧИНЯЛИСЬ ЕДИНОМУ ОРНАМЕНТАЛЬНОМУ РИТМУ И ОБРАЗНО-СИМВОЛИЧЕСКОМУ ЗАМЫСЛУ.ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОЕ И ДЕКОРАТИВНО-ПРИКЛАДНОЕ ИСКУССТВО МОДЕРНА ОТЛИЧАЕТ ПОЭТИКА СИМВОЛИЗМА, ДЕКОРАТИВНЫЙ РИТМ ГИБКИХ, ТЕКУЧИХ ЛИНИЙ, СТИЛИЗОВАННЫЙ РАСТИТЕЛЬНЫЙ УЗОР.ДЛЯ НЕГО ХАРАКТЕРНЫ ПРОСТАЯ ВЫРАЗИТЕЛЬНОСТЬ ПЛАВНЫХ ЛИНИЙ, ЖИВОПИСНЫХ ЦВЕТОВЫХ РЕШЕНИЙ,ИСПОЛЬЗОВАНИЕ НОВЫХ МАТЕРИАЛОВ,ОСВОБОЖДЕНИЕ ОТ СИММЕТРИИ И КЛАССИЧЕСКИХ ФОРМ.

МОДЕРН

ИДЕОЛОГОМ НОВОГО СТИЛЯ В АРХИТЕКТУРЕ БЫЛ БЕЛЬГИЕЦ ван де ВЕЛДЕ,РАБОТАВШИЙ В ГЕРМАНИИ. В ТВОРЧЕСТВЕ ИСПАНСКОГО АРХИТЕКТОРА А.ГАУДИ (1852—1924) ДАЖЕ НЕСУЩИЕ КОНСТРУКЦИИ ИМЕЮТ СИЛУЭТ «ЛЬЮЩИХСЯ ЛИНИЙ» В СТИЛЕ МОДЕРН СТРОИЛИСЬ ГОРОДСКИЕ ОСОБНЯКИ И ЗАГОРОДНЫЕ ВИЛЛЫ.

ФУНКЦИОНАЛИЗМ

НАПРАВЛЕНИЕ В АРХИТЕКТУРЕ XX в.,УТВЕРЖДАЮЩЕЕ ГЛАВЕНСТВО ПРАКТИЧЕСКИХ ФУНКЦИЙ, ЖИЗНЕННЫХ ЧЕЛОВЕЧЕСКИХ ПОТРЕБНОСТЕЙ В ОПРЕДЕЛЕНИИ ПЛАНОВ И ФОРМ СООРУЖЕНИЙ. В БАУХАУЗЕ—ХУДОЖЕСТВЕННО-ПРОМЫШЛЕННОМ УЧИЛИЩЕ г.ВЕЙМАРА, КОТОРОЕ БЫЛО ОСНОВАНО АРХИТЕКТОРОМ В. ГРОПИУСОМ, ЗАРОЖДАЕТСЯ НОВОЕ ТЕЧЕНИЕ В АРХИТЕКТУРЕ— ФУНКЦИОНАЛИЗМ,ПРОВОЗГЛАСИВШИЙ ИДЕЮ СИНТЕЗА ИСКУССТВА И ТЕХНИКИ ОСНОВНОЙ ОСНОВОЙ СОВРЕМЕННОГО ФОРМООБРАЗОВАНИЯ. ФУНКЦИОНАЛИЗМ ТРЕБОВАЛ СТРОГОГО СООТВЕТСТВИЯ ЗДАНИЙ ПРОТЕКАЮЩИМ В НИХ ПРОИЗВОДСТВЕННЫМ И БЫТОВЫМ ПРОЦЕССАМ.

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

ИТАК ВЫ УЖЕ ДОЛЖНО БЫТЬ ПОНЯЛИ, ЧТО ФУНКЦИОНАЛЬНАЯ,

КОНСТРУКТИВНАЯ И ЭСТЕТИЧЕСКАЯ ОСОБЕННОСТИ АРХИТЕКТУРЫ ИЗМЕНЯЛИСЬ В ХОДЕ ИСТОРИЧЕСКОГО ПРОЦЕССА И ВОПЛОЩАЛИСЬ В АРХИТЕКТУРНЫХ СТИЛЯХ.

ИСТОРИЯ ПОКАЗЫВАЕТ НАМ ПОСТОЯННО РАЗВИВАЮЩУЮСЯ, ИЗМЕНЯЮЩУЮСЯ АРХИТЕКТУРУ В ПРОЦЕССЕ БОРЬБЫ НОВОГО СО СТАРЫМ, ИЗМЕНЕНИЯ ОБЩЕГО ХУДОЖЕСТВЕННОГО СТИЛЯ ПРИ НАЦИОНАЛЬНОМ СВОЕОБРАЗИИ АРХИТЕКТУРЫ КАЖДОЙ СТРАНЫ. ОДНАКО В КАЖДОМ ПЕРИОДЕ БЫЛИ УСТОЙЧИВЫЕ ПРИЗНАКИ, ОПРЕДЕЛЯЮЩИЕ СТИЛЬ. ОТРАЖАЮЩИЙ ОПРЕДЕЛЕННУЮ ЭПОХУ СТИЛЬ ОТМИРАЕТ С НЕЙ И НЕ МОЖЕТ БЫТЬ ПОЛНОСТЬЮ ВОСТАНОВЛЕН. 50

Неоклассицизм | Homy

Неоклассицизм – это эстетическое направление в искусстве и архитектуре, которое господствовало в Европе в конце XVIII – начале XIX века, и которому  присуще обращение к традициям искусства античности, искусства эпохи Возрождения или классицизма.

Общая характеристика стиля Неоклассицизм

Неоклассицизм, как эстетическое направление и архитектурный стиль, определяется обращением к античности, которое им было воспринято от предшествующего ему классицизма. Одним словом, неоклассицизм – это современное по тем временам завершение классицизма.

Отличительными чертами неоклассицизма являются изящность, легкость, а также прямолинейность. Неоклассицизм – это антитеза стилю модерн, который был слишком насыщен декоративными элементами.

Стиль Неоклассицизм в интерьере, фото

Основные черты стиля  Неоклассицизм:

• изящность, легкость, прямолинейность;
• опора на классику и античную ордерную систему;
• строгость пропорций, минимум декора, стремление к утонченной цветовой гамме;
• внедрение в архитектуру и декор египетских мотивов;
• соблюдение классических пропорций, стремление к уюту и гармонии;
• лёгкая, изящная мебель;
• цветовая гамма: светлые нежные оттенки: золотой, голубой, бежевый, коричневый;
• благородный, но не чрезмерный декор;
• уход от консервативности классицизма.

История стиля

Неоклассицизм

Неоклассицизм – направление Европейского искусства конца 18 – начала 19 века

Возник во второй половине XVIII века. Пришел на смену Рококо. Опора на строгость пропорций, минимум декора, стремление к утонченной цветовой гамме. Имел продолжение в начале XIX века в стиле Ампир, возникшем по объективным историческим причинам, отметающим все чрезмерно роскошное, излишнее украшательство, поддерживая свежие либеральные веяния и предвосхищая создание новой империи Наполеона. Совпал по времени с походом в Египет и характерен широким внедрением в архитектуру и декор египетских мотивов.

Наиболее выдающимися архитекторами неоклассицизма в Британии были Роберт Адам, Джон Нэш и Джон Соун. Хотя их работы и напоминали здания, строившиеся в Хельсинки, Санкт-Петербурге, Берлине, Париже и Риме, эти мастера прославились своим необычным и оригинальным подходом. Роберт Адам (1728–92) был одним из пионеров неоклассицизма в Великобритании, искавшим вдохновение в древних архитектурных ансамблях Рима, Помпей и Этрурии. Он занимался отделкой и дизайном интерьеров, привнося в них лёгкость и изящество. Адам уделял внимание каждой детали интерьера, от отделки потолка, каминов, дверей и даже дверных ручек до цвета стен и узора ковров. Он был не только архитектором, но и одним из первых интерьерных дизайнеров.

Один из первых архитекторов неоклассицизма во Франции был Клод Никола Леду (1736–1806), чьи работы, хотя и созданы под влиянием античности, были модернистскими в своём упрощении структуры. Подобный подход просматривается во многих зданиях неоклассицизма, построенных во Франции после того, как жизнь в стране вошла в спокойное русло после революции 1789 г.

В Германии самым знаменитым зодчим неоклассицизма считается Карл Фридрих Шинкель (1781 -1841), советник прусского короля по архитектуре. Свободные от излишних украшений, его здания, выполненные в греческом стиле, представляют собой творческую интерпретацию классицизма и функционально соответствуют поставленным перед архитектором задачам. Два типичных здания Шинкеля в Берлине — Новая караульня (1816) и Старый музей (1823–30).

Во Франции в рамках Неоклассицизма возникли стиль Людовика XVI, регентства, Директории и ампир; в Англии – стиль Адама, Хепплуайта и Шератона в мебельном деле.

Особенности стиля

Неоклассицизм

Хоть стиль неоклассицизм был создан на основе классицизма, он все-таки имеет ряд отличий от своего предшественника. Итак, отличительными чертами неоклассицизма являются изящность, легкость, а также прямолинейность. Следует также отметить, что неоклассицизм – это антитеза стилю модерн, который был слишком насыщен декоративными элементами и выглядел роскошно, но чуть вычурно. Классика – это опора нового стиля, получившего название неоклассицизм. А также неоклассицизм опирался на античную ордерную систему и в нем видно строгое соблюдение древнейшего правила, по которому, следует отметить, были построены египетские пирамиды, золотого сечения.

Стиль Неоклассицизм в интерьере, фото

Для него присуще обращение к античности, с его легкими, изящными прямыми линиями.  Характерные украшения – листья, раковины, архитектурные фронтоны.

Мебель в неоклассицизме лёгкая, изящная и с прямыми линиями. Для мебели очень характерны прямые формы, чуть зауженные к низу ножки. Отличительной чертой мебели, выполненной в стиле неоклассицизм, является легкость, великолепно сочетающаяся с нежными тонами и создающая гармоничную картину со всем декором комнаты. Следует отметить, что при наполнении помещений, выполненных в стиле неоклассицизм, выбирается только самое необходимое из мебели. Благодаря этому, не создается ощущения громоздкости и массивности, а, наоборот, помещение наполняется легкостью, утонченностью и атмосферой тепла и уюта. Следует отметить, что кажущаяся недостаточность предметов интерьера компенсируется их высокой функциональностью. Кроме того, все предметы интерьера легки при эксплуатации. Наиболее часто используемые предметы мебели в стиле неоклассицизм – это маленькие журнальные столики, кресла, диваны, буфеты со стеклянными и зеркальными витражами.  Великолепно вписываются в дизайн интерьера секретеры или бюро-цилиндры. Изготавливалась мебель из ценных пород дерева светлых тонов, лучше всего – благородное красное дерево с фарфоровыми вставками.

Стиль Неоклассицизм в интерьере, фото

Неоклассицизм – это торжественность и роскошь, а посредством стеклянных и зеркальных витражей создается визуальное ощущение величия и расширения пространства помещения. В интерьере почти всегда присутствуют огромные зеркала арочной формы, украшенные позолотой в виде цветочных гирлянд. Высокие зеркала, начинающиеся практически от пола, создавали иллюзию лабиринта, учитывая также и то, что в них отражались изысканное убранство комнат. При наполнении помещений мастера данного стиля старались отойти от массивного, перенасыщенного оформления предметов интерьера, стремясь отразить все те же античные формы, но более легко и непринужденно, порой просто в двухмерном виде или в слабовыраженном (неглубоком) рельефе, что придавало интерьеру в целом утонченный, изысканный вид.

Стиль Неоклассицизм в интерьере, фото

Стены в неоклассицизме либо окрашивались в пастельные тона, либо оклеивались обоями со строгим классическим рисунком. Интересно также использование ткани для отделки стен – в моде была отделка с драпировкой на манер римских и греческих одежд. Зеркальные и стеклянные витражи создают зрительное расширение пространства, роскошного и торжественного.

Стиль Неоклассицизм в интерьере, фото

Напольным покрытием в стиле неоклассицизм служит паркет из натурального дерева, создающий еще большее ощущение тепла, уюта и комфорта. Как и в стиле Ампир, паркет в стиле неоклассицизма – это не просто некое напольное покрытие, а настоящее произведение искусства. В нем используются редкие породы дерева. Это, прежде всего, дуб, палисандр, эбеновое дерево, красное дерево и многие другие. Их везли издалека. Допускался ковер на полу в качестве украшения.

Стиль Неоклассицизм в интерьере, фото

Лепнина служит декором высокого потолка, переносящая посетителей этого помещения на несколько столетий назад в роскошные залы дворцов, в которых проходили императорские приемы и балы.

В цветовой гамме неоклассицизма преобладают светлые нежные оттенки: золотой, голубой, бежевый, коричневый.  Для украшения углов, ручек, замков используется изящная бронзовая отделка. Широко используется древесина, предпочтительно красное дерево с фарфоровыми вставками.

Стиль Неоклассицизм в интерьере, фото

В дизайне штор стиля неоклассицизм основной деталью считается полукруглый ламбрекен, задрапированный складками, в сочетании с жабо (двумя выкроенными по косой кусками ткани со скошенными или ступенчатым нижним краем). Шторы шьют из тяжелых плотных шелковых тканей прямоугольной формы. Карнизы украшают строгой резьбой.

Стиль Неоклассицизм в интерьере, фото

Небольшие бронзовые скульптуры в качестве украшения – также примета неоклассицизма. Бронзовые изделия часто золотили, и их блеск перекликался с тусклым сиянием позолоченных рам, развешенных по стенам картины. Живопись предпочтительнее на античные и прочие монументальные сюжеты, например сцены сражений.

Поскольку античность открыла для нас такой материал, как мрамор, неоклассицизм тоже приветствует этот материал в интерьере. Конечно, не в виде мраморных колонн, как в древнегреческих храмах (хотя это скорее вопрос имеющегося пространства), а, скажем, мраморной скульптуры. Совершенно роскошный вариант – создание мраморного камина в гостиной, украшенного позолоченными фигурками из бронзы или каминными часами.

Стиль Неоклассицизм в интерьере, фото

А завершением всего интерьера в стиле неоклассицизм являются превосходные торшеры с великолепными абажурами. Следует отметить, что абажуры выполняются из великолепной ткани нежных пастельных цветов, благодаря чему помещение наполняется атмосферой тепла, уюта и благородной роскоши. Люстры для помещений в стиле неоклассицизм наиболее часто выполняются из хрусталя. Такие люстры создают ощущение торжественности и величия. А все вместе взятые предметы – это превосходный ансамбль, наполняющий помещение атмосферой тепла, уюта, благородной роскоши, превосходства, великолепия и торжественности.

Стиль Неоклассицизм в интерьере, фото

В интерьере в стиле неоклассицизм соблюдены все классические пропорции – мебель располагается вдоль стен, центр комнаты занимает приметная деталь, будь то журнальный столик или деревянная подставка для цветов. Любые растения удачно сочетаются с таким дизайном интерьера.

Стиль Неоклассицизм в интерьере, фото

В орнаменталистике неоклассицизма завиток снова становится мощным и развитым. Присущий барокко и рококо гребень исчезает, зато активно применяются различные скульптурные формы – акантовые листья, пальметы, лавровые венки, различные литые розетки и рельефы. Завиток вполне активно участвует в композиции рисунка, но замысловатость соединений, присущая ренессансу, барокко и рококо – отсутствует. Завиток иногда становится прямоугольным – созвучно меандру, а иногда меандр становится округлым, состоящим из ряда завитков – созвучно другим завиткам композиции. Рисунок неоклассицизма отличается четкостью и относительной простотой геометрии, наличием хорошей амплитуды толщин элементов, т. е. сочетания активных толстых и изящных тонких линий, включением в композицию большого количества рельефных скульптурных форм. Военная атрибутика почти не встречается. Постепенно тенденция развития простоты рисунка и ясности геометрических линий приводит к появлению ампира.

Заключение

Неоклассицизм – ностальгический взгляд в сторону классических, античных форм в архитектуре и дизайне – ставший популярным в 20 веке архитектурный стиль, который не теряет своей актуальности и в 21 веке. Неоклассика удобно ложится на традиционные квартиры в «старом фонде» или новые, современные апартаменты и дома, с высокими потолками, комнатами внушительных размеров и нередко широкими лестницами. В такое пространство прекрасно вписываются интерьеры в стиле неоклассицизма с их стремлением подчеркнуть достоинства классической, античной архитектуры – чистые линии, симметрия, простые формы, сдержанная геометрия, благородный, но не чрезмерный декор. В то же время, неоклассицизм – стремление использовать современные элементы и предметы интерьера, уход от пыльной консервативности классицизма.

Неоклассика в архитектуре и дизайне близка любителям минимализма и светлых пространств.

Похожие материалы:

Архитектура классицизма во Франции / Архитектура классицизма / История архитектуры / www.Arhitekto.ru

Архитектура классицизма

Классицизм был ведущим стилем прежде всего во Франции, где господствовал во всем художественном творчестве, хотя и возник позже, чем в Англии. Накануне Великой французской революции возникает стремление к суровой лапидарности форм, зодчие все чаще обращаются к мотивам греческой архаики, а также искусства Древнего Египта.

В середине XVIII века классовые противоречия во Франции продолжали углубляться. Третье сословие — буржуазия являлась активной движущей силой в происходивших социальных процессах. Так же как и в других странах, восходящий класс занят был разработкой своей идеологической системы. Эта система была связана с философией просвещения. Процессы, происходившие во французской культуре, и в частности архитектуре, были общими с теми, которые протекали в Италии. Отмечается всеобщее увлечение античностью. Усиливается интерес к древнегреческой архитектуре. Рококо вытесняется классицизмом. Французский конвент даже провозгласил классицизм стилем французской буржуазной революции. В области интерьера и связанного с ним прикладного искусства его иногда называют стилем Людовика XVI.

Первым этапом эволюции этого стиля был классицизм второй половины XVIII века. Начало французского классицизма связано со строительствам храма Св. Женевьевы в Париже (позже он получил название Пантеона).

Стремление использовать античные образцы было реализовано в начале XIX в., когда в Париже возникла большая часть крупных построек с ясностью ордерных членений и композиции в стиле классицизма, а их воздействие было усилено градостроительным решением. Они стали художественным завершением парижского диаметра, создали главные ориентиры на плане и в силуэте центра города и композиционно замкнули перспективы улиц. К античности больше всего приблизилась церковь Мадлен, строившаяся, начиная с 1764 г., по проекту П. Контана де Иври и завершенная архитектором П. Виньоном в период с 1806 по 1842 гг. в виде «греческого» храмового сооружения периптериального типа. Одновременно сооружаются колонна на Вандомской площади в подражание колонне Траяна в Риме и Триумфальная арка на площади Звезды, построенная в 1806—1836 гг. по проекту архитектора Ж.Ф. Шальгрена. Наподобие римских триумфальных арок она имеет скульптурное оформление (Марсельеза), выполненное скульптором Ф. Рюдом. Так, французский классицизм уже в самом начале своего развития стал стилем памятников, выражением представительности и императорского могущества Наполеона, что и нашло отражение в другом названии этого стиля — ампир.

Классицизм внес изменения в планировочную и пространственную систему города, прорезал нерегулярную средневековую структуру улиц величественным комплексом прямых проспектов и площадей, а на пересечениях их осей разместил архитектурные монументы. Рационализм мышления XVIII и XIX вв. проявился в стремлении к созданию единой градостроительной концепции, которое вылилось в 1793 г. в образование Парижской художественно-плановой комиссии. Закреплению доктрин классицизма способствовало создание в Париже Королевской академии живописи и скульптуры и Академии архитектуры, которые разработали свод законов композиции и рисунка, нормы изображения эмоций, систему жанров в живописи и пропорций в архитектуре. Ее студенты изучали памятники античной архитектуры непосредственно в Риме, а после окончания школы работали во многих европейских странах и вне континента. Мировоззрение классицизма проявляется уже в архитектуре восточного крыла Лувра (1667-1678 гг.), спроектированного К. Перро, одержавшим верх над проектом в стиле барокко, выполненным итальянцем Бернини. Подобным примером может служить и дворец Малый Трианон в Версальском парке.

Идеи классицизма творчески развивали, сохраняя при этом стилевую чистоту, Ш. Персье и П. Ф. Фонтэн, которые, будучи архитекторами императорского двора, наиболее стали видными представителями нового стиля. Они участвовали в перестройке Лувра, спроектировали арку Победы на площади Карусель (1806 г.) и многочисленные парадные интерьеры. Им удалось добиться единства решений целых улиц. Типичным примером таких решений стала улица Риволи в Париже.

Со временем классицизм перерождается в чистый академизм, теряет способность реагировать на возникновение новых функциональных задач и достижений техники XIX в. Примером может служить здание Парижской биржи (1808 г., А. Т. Броняр) или Дворец справедливости в Лионе (В. Бальтар).

С периодом зрелого классицизма связаны идеальные проекты зданий и городов, которые своей символикой простых геометрических форм без декора предвосхитили уже на переломе XVIII и XIX вв. эстетические принципы современной архитектуры. Прежде всего, это Е. Л. Булле — автор проекта мавзолея Ньютона (1784 г.) в виде пустотелого шара, Ж. Лекен — автор проектов идеальных сооружений на революционную тематику. Наиболее значительной личностью был К.-Н. Леду. «Наполеоновский ампир» эклектически использовал античные мотивы — римские, греческие или египетские — чтобы создать словарь республиканской династии — стиль, который ярче всего проявился в театральных интерьерах походных шатров Наполеона и в навеянных архитектурой Древнего Рима массивных сооружениях столицы (таких, как ул. Риволи и Триумфальная арка Персье и Фонтена на площади Карусель или Вандомская колонна, воздвигнутая Гондуэном в честь «Великой армии»).

Церковь Св. Женевьевы (Пантеон) в Париже. Суффло

Жак Анж Габриэль

Малый Трианон. Габриэль

Стиль империи — ампир в архитектуре

Теоретики французского неоклассицизма. Кордемуа

Жак Франсуа Блондель

Этьен Луи Булле

Жан-Николя-Луи Дюран

Анри Лабруст

Клод-Никола Леду

«Предшественник современной архитектуры» Леду

Стили в интерьерах французского классицизма

Классицизм в французской мебели

Стиль ампир в французской мебели

Франция XVIII и XIX веков — неоклассицизм

Обзор

Французская революция началась в 1789 году, когда граждане штурмовали тюрьму Бастилию в Париже. В течение нескольких лет Франция приняла и свергнула несколько конституций и казнила своего бывшего короля. Он оказался в состоянии войны с большей частью континента и пережил ужасное насилие дома во время правления террора. Наконец, в 1799 году успешный молодой генерал Наполеон Бонапарт захватил власть и в 1804 году провозгласил себя императором.Хотя он провел важные административные реформы, он был озабочен постоянной войной и своей героической, но неудачной попыткой объединить всю Европу путем завоевания. После поражения при Ватерлоо в 1815 году Наполеон был изгнан, а монархия Бурбонов была восстановлена ​​в лице Людовика XVIII.

С революцией французская живопись вернула свое моральное и политическое значение и приняла стиль, известный как неоклассицизм. Еще до 1789 года народный вкус начал отворачиваться от обезоруживающих беззаботных сюжетов рококо; По мере приближения революции художники все чаще искали благородные темы общественной добродетели и личных жертв из истории Древней Греции или Рима.Они рисовали сдержанно и дисциплинированно, используя строгую ясность неоклассического стиля, чтобы запечатлеть в своих предметах уверенность и моральную истину.

Неоклассицизм восторжествовал — и стал неразрывно связан с революцией — в творчестве Жака-Луи Давида, художника, который также играл активную роль в политике. Как виртуальный художественный диктатор, он участвовал в пропагандистских программах сначала радикальных революционных фракций, а затем и Наполеона. В молодости Давид работал в тонком стиле своего учителя Франсуа Буше, но в Италии он испытал влияние античной скульптуры и художников XVII века Караваджо и Пуссена, которые переняли их сильные цветовые контрасты, четкие тона и четкие контуры. .Давид придал своим героическим фигурам скульптурную массу и устроил из них фризы в выразительных композициях, призванных вдохновить его сограждан на благородные действия.

Среди многих художников, которые учились в большой студии Давида, был Жан-Огюст-Доминик Энгр. В отличие от своего учителя, Энгр не занимался политикой и большую часть юности провел в Италии, вернувшись во Францию ​​только после восстановления монархии. За свою долгую жизнь он стал рассматриваться как первосвященник неоклассицизма, стремясь к его совершенствованию после того, как молодые художники увлеклись романтизмом.Превосходный рисовальщик, Энгр настаивал на важности линии, хотя он, тем не менее, был блестящим мастером цвета. Математическая точность подталкивает его работу к формальной абстракции, несмотря на скрупулезный реализм ее поверхностей.

Жан-Огюст-Доминик Энгр , французский, 1780–1867, Маркотт д’Аржантей , 1810, холст, масло, Коллекция Сэмюэля Х. Кресса, 1952.2.24

Французский неоклассицизм | История искусства Unstuffed

НЕОКЛАССИЦИЗМ ВО ФРАНЦИИ
Ранние годы

В любой академии, будь то в семнадцатом, восемнадцатом или девятнадцатом веке, историческая живопись была наиболее возвышенной формой живописи из-за обозначенных «важных» тем, которыми занимались художники.С точки зрения иерархии жанров или предпочтительных и наиболее престижных форм живописи и скульптуры, исторические темы предпочитались сценам настоящего, жанровым сценам, пейзажам или портретам. Изображенная «история», будь то действительная, мифическая или религиозная, состояла из событий, которые доминирующая культура считала значимыми и которые, следовательно, рассматривались властями, как темы, подходящие для общественного потребления и общественного назидания. Художникам было труднее всего рисовать содержание исторической живописи, поскольку сложные композиции с множеством человеческих фигур были даны (или выбраны) для того, чтобы показать знания художника в области анатомии, диапазон академических художественных приемов и владение самой эрудированной историей.Такие интеллектуальные знания можно было получить только в художественных школах или академиях, где все ученики обучались в «официальном стиле», который на протяжении десятилетий во Франции был великой манерой барокко Николаса Пуссена (1594–1665). Хотя Пуссен провел свою карьеру в Риме, его почитали на своей родине, во Франции. Но к середине восемнадцатого века стиль барокко исчерпал себя. В архитектуре, внутреннем декоре и живописи по частным заказам барокко превратилось в мягкий и эротический стиль рококо, оставив «великий стиль» государству и его рекламе.

Николя Пуссен — Et in Arcadia ego (deuxième version (1637-38)

Для мыслителей эпохи Просвещения, таких как Дени Дидро, настало время для нового стиля, который лучше отражал бы потребности меняющегося общества. Нужна была художественная революция, чтобы положить конец величественной манере Пуссена и чувственности Франсуа Буше (1703-1770). В середине века Геркуланум и Помпеи, города, похороненные в результате давно забытого извержения вулкана Везувий в 79 году, были обнаружены в 1738 и 1748 годах.Эти города были курортными городами недалеко от Неаполя и в раннюю имперскую эпоху пользовались популярностью у зажиточных римлян. Замороженные во времени, были обнаружены великолепные виллы, обнаружившие необычные фрески, написанные провинциальными художниками. За исключением греческих ваз, до тех пор, пока эти города не были повторно обнаружены, не сохранилось никаких существенных примеров классической живописи. Внезапно линейный и простой подход к рисованию и чисто окрашенные области ярких цветов предоставили новый способ творчества молодому поколению художников, которые хотели оставить свой след в Академии и у новых покровителей.Линейный подход помпейских фресок и их яркие цвета, похожие на греческие вазы, были противоядием от ярких красочных живописных стилей, столь распространенных в рококо. Близость к простым композициям и сильным линиям Пуссена позволила легко ассимилировать картины Помпеи для художников, которые хотели быть радикальными, — перспектива, на реализацию которой потребовалось четыре десятилетия.

Классическая амфора с черной фигурой и ахиллом и играющими в кости Аяксом

Раскрытие (и разграбление) кусочка древней жизни, сохранившейся в своем первоначальном состоянии, оказало революционное влияние на изобразительное искусство, от рисунка до живописи, дизайна интерьера и архитектуры.Чистые резкие грани античного стиля рисования резко контрастировали — даже суровый упрек — с мягкими гранями убывающего стиля рококо — во всяком случае, это можно было бы понять в политическом контексте социальных волнений и наступления Французской революции. . Современная версия античного стиля была закодирована в середине восемнадцатого века как «простота и добродетель», в то время как стиль рококо кодировался как «коррумпированный и декадентский», классовое различие с политическим подтекстом. Результатом этих новых открытий в Италии стала международная адаптация классического искусства — того, что историк искусства Хью Хонор назвал «культом античности», разработанного, чтобы отразить потребности каждой страны, будь то Англия, Франция или Германия, вдохновленные этим « нео »« классицизм.Эти анахронические и политические прочтения, навязываемые классическому искусству как «добродетельному», счастливо игнорирующему мистические картины или сцены чистого удовольствия, были отфильтрованы только что влиятельным средним классом и буржуазной арт-публикой , стремящейся создать новую идентичность в противоположность аристократы.

Настенная живопись из Помпеи

Датируемый с 1760 по 1800 год, неоклассический период начинается с атмосферы ожидания, как будто эпоха ждет Мессию.Соавтор Энциклопедии , Dictionnaire Raisonné des Sciences, des Arts et des Métiers, Дени Дидро тосковал по художнику, который мог бы исправить эксцессы барокко и упадок рококо, но он не дожил до того, чтобы насладиться этим. работа художника, который нанес на эти старые стили coup de grâce , Жак-Луи Давид (1748-1825). Неоклассицизм — это больше, чем просто изменение художественного стиля или вкуса публики, стиль стал средством конформизма или бунта, эротического или политического, в зависимости от художника, о котором идет речь.Тот факт, что этот древний стиль оказался настолько гибким и противоречивым, объясняется его размещением во времени — посреди огромных экономических и социальных изменений с намеками на «возврат» к основам европейской культуры, чтобы новое общество могло основываться на старых ценностях. Неоклассицизм идеально подходил к новому «великому» стилю, который мог вытеснить барокко и вернуть новую серьезность в историческую живопись.

Тот факт, что философ и мыслитель, такой как Дидро, был также писателем-искусствоведом, переписывающимся с коронованными главами Европы, свидетельствует о возрастающей значимости искусства как средства передачи социальных идей.Ближе к концу своей карьеры Дидро отдавал предпочтение Жан-Батисту-Симеону Шардену (1699–1779), художнику, изображавшему спокойную и трезвую жизнь среднего класса. Тихая индустрия буржуазии резко контрастировала с роскошной и бесполезной жизнью французских аристократов, и, оглядываясь назад, мы можем увидеть политические изменения, если не откровенные политические заявления, на контрастах грандиозного барокко, декоративного рококо и строгой и тихой середины. классное искусство. Поскольку он был «новым», неоклассицизм стал средством создания художественного стиля, на который будут проецироваться возникающие социальные и культурные потребности.Вдохновленные классической древностью, художники рисовали с археологической точностью, основываясь на исторических исследованиях и реальных поездках в Италию. Неоклассический стиль был стилем интеллекта, искусством совершенствования природы и представления идеализированных человеческих форм и образцового человеческого поведения. Таким образом, неоклассицизм можно рассматривать как приложение теории эстетики, новое определение искусства как попытку переписать социальное существование и как текст, предлагающий новый мир улучшенного человеческого поведения.

Жан-Батист-Симеон Шарден Женщина чистит репу (1738)

Изначально неоклассицизм отражал интересы высшего класса, его страсть к коллекционированию редких и драгоценных предметов старины и его потребность представить облагороженный образ себя миру, все более разочаровывающемуся в потакании своим желаниям аристократии. Но именно аристократия стала первым и наиболее восторженным рынком для неоклассицизма. Рыночная ориентация неоклассицизма наиболее очевидна на ранних стадиях стиля с застывшим эротизмом Жозефа-Мари Вьена, но это увлечение эротизированной женщиной закончится на втором этапе неоклассицизма, и героические мужчины займут центральное место. как активные и благородные субъекты.Монументальность и строгие и серьезные цвета, сильные тени и театральные декорации, наполненные храбрыми людьми, занятыми добродетельными предприятиями, стали предпочтительным стилем в конце восемнадцатого века. Обращение Давида к неоклассицизму в Риме, как это видно в г. Клятва Горатти , 1785 г., привело к созданию стиля, который отвечал потребностям его короля, а также потребностям последовавшей революции. Древние корни неоклассицизма сделали его универсальным и подходящим для множества причин и целей.

****

На ранних стадиях неоклассицизм был периодом реакции на искусство античности. Как видно из искусства французского художника Жозефа-Мари Вьена (1716-1809) и швейцарской художницы Анжелики Кауфманн (1741-1807), работавшей в Англии, неоклассицизм, по сути, представляет собой реформу барокко с классической тематикой в ​​качестве основного предмета. содержание. Оба художника представили парад античных персонажей, в основном женщин, в привлекательных греко-римских платьях, занятых повседневными делами.Представляя неоклассицизм французам в Салоне 1763 года, Вьен представил античную версию рококо, что означает, что его работа линейна, вдохновлена ​​линейными рисунками греческих ваз Джона Флаксмана (1755-1826), но его содержание эротично, вдохновлено. по будуарным картинам Жана-Оноре Фрагонара (1732–1806). Возможно, именно в Англии связь между неоклассицизмом и Просвещением прослеживается наиболее отчетливо. В своей книге 2004 года « Геометрии тишины: три подхода к неоклассическому искусству», согласно Анне Оттани Кавина, Джон Флаксман следовал указаниям теоретика неоклассицизма Иоганна Иоахима Винкельмана (1717-1768), который сказал: «Пусть карандаш художника пропитается мудростью. В своих философских вызовах эпохе монархов Просвещение подчеркивало важность человеческого разума и индивидуального интеллекта. Но больше всего Просвещение ввело концепцию строгости в мышлении и логику в теории, сделав ее полностью философией среднего класса, ценившей индивидуальное человечество. Стремясь отдать дань уважения идеалам среднего класса, Кауфманн создал жанровые сцены из классической эпохи, одомашнивая и объединяя римскую добродетель и прославляя этику женщин.Покровителями этих художников были аристократы, которым нравилось идти в ногу с последними тенденциями в искусстве, но что интересно в случае с этими ранними неоклассическими художниками, так это то, что эти художники создавали истории повседневной жизни, а не серьезную историческую живопись, и что эти картины явно предназначались для домашнего, а не для государственного окружения.

К концу восемнадцатого века неоклассицизм станет серьезным, а историческая живопись перестроится, чтобы приспособиться к новой тенденции в предметной области.Искусство барокко было грандиозной формой пропаганды государственной власти, своего рода рекламным стилем. Неоклассицизм представит другую тему: мораль гражданской жизни, и художники будут искать более дидактическое содержание, чтобы научить художественную аудиторию, публику, граждан государства, как вести этическую жизнь. Окончательный разрыв от барокко к неоклассике произошел в искусстве Жака-Луи Давида, который был «преобразован» из величия старого стиля в строгость классического, когда его послала в Рим Французская академия.При этом искусство Давида уходило корнями в покровительство аристократического сословия, как и искусство Вьена и Кауфмана. Различие между первым и вторым этапами неоклассицизма заключалось в переходе к крупным историческим картинам, призванным объявить о появлении нового важного стиля. Как отмечалось в более раннем посте, произошел пробел в переоткрытии античного искусства и его признании, а также в полном развитии неоклассического стиля, который в конечном итоге произошел во Франции. Частично медленный переход к новому стилю во Франции был связан с непониманием родного французского стиля.

Согласно Колину Б. Бейли в его книге « Патриотический вкус: коллекционирование современного искусства в дореволюционном Париже », дореволюционные французские коллекционеры предпочитали фламандских и северных художников до 1780-х годов. Как писал Бейли, «К середине восемнадцатого века предпочтение парижских коллекционеров итальянским и северным мастерам впервые было поставлено под сомнение критиками и любителями , стремившимися продвигать французскую школу». Бейли отметил, что аббат Луи Гугено, который любил Грёза, «сетовал», что единственное место, где можно увидеть французскую живопись, было в салоне, проводимом раз в два года: «К стыду нашей нации и к удивлению иностранных посетителей, наши так- называемые любителями искусства, которых привлекает скорее необычное, чем по-настоящему красивое, делают неписанным законом изгнание работ современных художников, какими бы хорошими они ни были, из своих коллекций. Это важный момент, поскольку именно авантюрные покровители сделали неоклассицизм важным и принятым в Париже и Французской академии.

Таким образом, существует важная прелюдия к успеху Давида и его нового стиля, которая была результатом растущего требования, чтобы французское искусство было на переднем плане в Париже. Коллекционеры прислушались к призыву обратить серьезное внимание на живых французских художников. Жозеф-Гиацинт-Франсуа де Поль де Ригуад, граф де Водрей, принадлежавший к Древнему режиму, как указывал Бейли, был важным ранним сторонником Давида, хотя из-за предрассудков в истории искусства его обесценили из-за его связи с Элизабет Вьеге. -Лебрун.Но двух разрозненных художников связывает то, что они были живыми и важными французскими художниками, которых поддерживали новые покровители. Часто предполагают, что искусство рококо внезапно исчезло, как только неоклассицизм появился в поле зрения, но это не так. Как отметила Энн Л. Шредер в книге «Переоценка последних лет Фрагонара: биографы художника девятнадцатого века, рококо и французская революция», Фрагноар не впал в немилость, а продолжал процветать за счет частного рынка, который все еще имел вкус к рококо. art и был, по сути, близким соратником самого Давида.Как она отметила, стиль рококо никогда не угасал и пользовался популярностью до такой степени, что во времена Второй империи он, а не неоклассицизм, считался истинным национальным стилем Франции.

Жак Луи Давид. Клятва Горациев (1785)

Карьера и успех Давида, по сути, были основаны на дореволюционном стремлении продвигать «французское искусство». Самой важной силой, которая стояла за более широкими усилиями по представлению французского искусства публике, был Шарль-Клод Флао де ла Бийядери, граф д’Анживиллер, который был директором Bâtiments du Roi.Согласно Эндрю Макклеллану в своей книге 1994 года « Изобретая Лувр: искусство, политика и истоки современного музея в Париже восемнадцатого века», «» отвечал за реконструкцию Большой галереи Луврского дворца в «подходящее пространство». для публичного показа искусства ». Работая под рушащимся и нерешительным Людовиком XVI, де Водрей имел амбициозные планы относительно Лувра, даже «предвосхищая современный музей, в котором экспонируемым предметам позволено говорить сами за себя, де Водрей настаивал на минимальном украшении стен галереи и потолки.Даже новые рамки, заказанные для музея, отличались элегантной неоклассической сдержанностью ». Это был влиятельный человек, который будет поддерживать Жака Луи Давида — вряд ли можно приблизиться к трону Франции, чем аристократ, наполнявший Лувр работами ныне живущих художников.

В одном из первых современных искусствоведческих исследований неоклассицизма в 1967 году Роберт Розенблюм « Трансформации в искусстве конца восемнадцатого века», попытался разобраться во многих вариациях неоклассицизма.Для Франции во время перехода от монархии к революции и перехода к Империи то, что Розенблюм называл «неоклассическим стоиком», подходило стране, находящейся в смятении. Именно граф д’Анживиллер поручил Давиду создать грандиозную историческую картину, используя в качестве темы Римской республики, чтобы продемонстрировать лояльность королю. Дэвид выбрал сцену из рассказа, которая немного отличалась от запрошенной, но «клятва» патриарху, отцу, вождю племени, соответствовала параметрам просьб его покровителя. Oath удивила парижскую художественную публику не своей тематикой, а строгим классицизмом, откровением строгости по сравнению с широко любимым рококо. После шокирующего дебюта клятвы Давида Горатти в Салоне 1785 года неоклассицизм быстро стал излюбленным стилем французского салона. Как заявил Розенблюм, неоклассицизм «обращался к древности в поисках примеров благородного человеческого поведения, которое могло бы служить моральным образцом для современной аудитории. Это конкретное проявление неоклассицизма могло с одинаковой эффективностью служить как ancien régime , так и Революции и Империи.

Переходя от второго этапа как запасного и спартанского стиля строгости, третье состояние неоклассицизма было активировано динамическим, на службе Наполеона во Франции. Формально говоря, наполеоновский неоклассицизм был динамическим или диагональным изменением горизонталей стоической фазы. Сравнение между картиной Давида «Смерть Сократа » (1787 г.) и его «Перекрестком Наполеона » на Сен-Бернаре (1801 г.) показывает те же линейные эффекты, блочные цвета, сильные и глубокие оттенки и мелкую сценическую обстановку, связанную с рельефной скульптурой. и вазовая роспись.Работы Давида всегда напоминали живую картину или пантомиму, а его классический стиль, казалось, состоял из застывших поз, статичных и неестественных поз и откровенно театральных сцен. Позже, в начале девятнадцатого века, неоклассицизм смягчился из-за новых тенденций к прелюдии к романтизму, как это видно в работе Генри Фюзели Кошмар (1781) (Иоганн Генрих Фюссли), Анн-Луи Жироде (де Росси- Trioson) Сон Эндимиона (1791) и Жан-Огюста-Доминика Энгра Сон Оссиана (1813).

И, наконец, неоклассицизм снизился до финальной стадии слащавого, сентиментального, помпезного и пустого академического стиля, требуемого от своих учеников властью Академии. Даже Дэвид пал жертвой последних спазмов умирающего стиля, и он и его ученик Франсуа Жерар создали серию о жизни и любви Купидона и Психеи. Неоклассицизм, исчерпавший себя как средство передачи мощных идей, превратился в академический статус-кво, укрепивший установленные силы и превратившийся в ретроградный стиль, против которого будут бороться художников-авангардистов и художников.На пике своего развития неоклассицизм был доминирующим стилем искусства, сдержанным, прохладным и формальным, отмеченным моралистическими темами и идеально подходящим для новых форм правления после падения французской монархии. К тому времени, когда нация пережила травмы Революции, Империи и Реставрации, оптимизм Просвещения, заложенный в неоклассицизме, уступил место романтизму, драматическому стилю, который мог выразить эти травмы и разочарование.

Также прочтите: «Французский неоклассицизм: скульптура и архитектура» и «Французский неоклассицизм» и «Истоки неоклассицизма»

Также послушайте «Неоклассицизм» и «Жак Луи Давид»

Если вы нашли этот материал полезным, пожалуйста, отдайте должное
Dr.Жанна С. М. Виллетт и «История искусства без чучела». Спасибо.
[адрес электронной почты защищен]

1.2: Неоклассицизм и Французская революция

К середине 18 века произошел сдвиг в мышлении, известный как Просвещение. Мыслители Просвещения, в том числе Руссо, Дидро и Вольтер, под влиянием научных революций прошлого века, верили в то, что нужно пролить свет науки и разума на мир, чтобы поставить под сомнение традиционные способы мышления.Научная революция (основанная на эмпирических наблюдениях, а не на метафизике или духовности) создала впечатление, что Вселенная ведет себя согласно универсальным и неизменным законам. Это послужило моделью для рационального взгляда на человеческие институты, а также на природу.

Просвещение было периодом глубокого оптимизма, ощущения того, что с наукой и разумом — и последующим отказом от старых суеверий — люди и человеческое общество улучшатся.

Просвещение поощряло критику коррупции Людовика XVI и аристократии во Франции, что привело к началу Французской революции в 1789 году.В 1792 году Людовик XVI и его жена Мария Антуанетта были обезглавлены вместе с тысячами других аристократов, которые считались лояльными монархии.

В этот период искусство рококо осуждалось за аморальность и непристойность, и требовалось новое нравственное, поучительное искусство: неоклассицизм. Вопреки легкомысленной чувственности художников рококо, таких как Жан-Оноре Фрагонар и Франсуа Буше, неоклассики вдохновлялись художником Николя Пуссеном.В работах Пуссена преобладают ясность, логика и порядок, плюс он предпочитает линию цвету. Его работы послужили альтернативой господствующему стилю барокко 17 века. Пуссен был главным источником вдохновения для таких классически ориентированных художников, как Жак-Луи Давид, Жан-Огюст-Доминик Энгр и Поль Сезанн.

Рисунок \ (\ PageIndex {1} \): Et в Arcadia Ergo, Николас Пуссен, ок. 1630-е годы Пуссен пришел к определению неоклассического искусства.

Западный театр | искусство | Британника

Доклассическая древность

Несмотря на большое разнообразие стилей, форм, тем и функций, современный театр уходит корнями в основной импульс миметического воплощения экспрессии.Театр — это социальное искусство, основанное на исследовании циклов природы, перехода от рождения к смерти и сил, которые заставляют наше поведение.

Отсутствие документальных свидетельств не позволяет точно определить, как возник театр, хотя обычно считается, что он произошел от религиозных ритуалов. Трудно решить, в какой момент ритуал превратился в театр. Однако важные ключи к разгадке природы театра в доисторические времена можно найти, изучив множество моделей драмы и ритуалов, существующих сегодня во всем мире.

Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчас

Наиболее широко распространенная теория происхождения театра состоит в том, что он развился из ритуалов, созданных для символического разыгрывания природных явлений, тем самым сводя их к человеческому масштабу и делая неизвестное более доступным. Люди выражали себя посредством ритмических движений, используя какие-то украшения, чтобы увеличить выразительный диапазон тела. Самое раннее известное свидетельство этого — наскальные рисунки и гравюры в Les Trois Frères на юге Франции.Эти древние произведения искусства, относящиеся к периоду позднего палеолита (около 40–10 тыс. До н. Э.), Изображают полулюдей-полуживотных фигур в анимированных позах. Фигуры выглядят как танцоры с головами и шкурами животных, что предполагает раннее использование маски и костюма. Безусловно, маска была одним из самых мощных средств трансцендирования собственного существа или представления других планов существования, и во многих частях мира она по сей день обладает огромной силой и очарованием.

В рамках этих ритуалов природным элементам были даны личности, которые, в свою очередь, абстрагировались как духи и боги.Надев маски и двигаясь определенным образом, люди могли выдавать себя за этих божеств. Священные танцы исполнялись, чтобы повлиять на течение природы — чтобы принести дождь, способствовать хорошему урожаю или охоте, а также изгнать зло. Но одним из наиболее важных закономерностей было разыгрывание цикла времен года, драматизированного битвой, в которой зима уступила место весне. В этой церемонии участвовал годовой король, которого ритуально убили и заменил новый король. Сначала, вероятно, это было человеческое жертвоприношение умилостивления; позже убийство было инсценировано.В ходе дальнейшего развития этой темы, как части других ритуалов, два короля были сведены к единой фигуре, которая прошла через процесс многократной смерти и воскрешения. Эта интерпретация используется для объяснения имитационных сражений в таких народных традициях, как европейские пьесы о мумии, или множественных смертей и возрождений таких фигур, как лошадь Падстоу в Корнуолле, Англия.

Вторая теория предполагает, что театр развился из шаманских ритуалов, которые демонстрировали сверхъестественное присутствие публике, в противоположность его символическому изображению.В этом случае шаман как актер / священник мог впасть в транс и стать медиумом с потусторонним миром. Считалось, что шаман путешествует по духовному миру или действительно одержим духами. Одно из основных направлений шаманизма, которое практикуется и сегодня, — это изгнание злых духов; это часто может включать в себя транс-танцы, в которых шаман выполняет акробатические трюки, жонглирование или энергичные танцы в течение длительных периодов времени, требуя возможности и выносливости, которые обычно были бы невозможны.Хождение по огню, пожирание огня и другие акты очевидного самоистязания, совершаемые в трансе, воспринимаются как дальнейшие демонстрации сверхъестественного. Они представляют собой противоположный полюс иллюзионизма, в котором такие действия совершаются обманом. Иногда марионетки используются шаманами как проявление сверхъестественных сил при даче предсказаний или оракулов. Маски также являются важной частью шаманизма: считается, что, надевая маску, танцор становится одержимым представленным духом и берет на себя функции этого духа.Использование краски для тела и тщательно продуманных костюмов еще больше помогает в олицетворении духа или демона.

Эти ритуальные элементы дали начало архетипическому жанру, известному как игра демонов, примитивной танцевальной драме, в которой сила добра изгоняет силу зла. Игра с демонами все еще разыгрывается в различных обличьях в некоторых частях Азии. Интересный компонент, который также встречается в более позднем западном театре, — это использование клоунов — часто искаженных — для пародирования более серьезных фигур.

Шаманизм подчеркивает особые навыки, которые актеры традиционно развивали и которые отличают их от остального общества.Это также показывает, как актерские приемы могут помочь вывести воображение публики за пределы реального пространства, в котором происходит представление. Теория «поклонения природе» выражает идею о том, что маскировка — один из фундаментальных аспектов актерского искусства. Действительно, когда человек, обращающийся к собранию, изменяет манеру, голос или внешний вид выражения, событие становится скорее театральным, чем реальным. Это также соответствует определению театра Аристотелем как «имитации действия» — i.е., а не само действие. С другой стороны, шаманизм — это не имитация, а прямое проявление.

В культурах, где ритуальные элементы театра остались нетронутыми, — например, в Южной Индии и на Бали — постановки пьес и танцевальных драм приобрели ауру глубокого уважения и почти устрашающую власть над своей аудиторией. Однако там, где ритуал продолжался в пустой форме еще долгое время после того, как полное значение его содержания было утеряно, как в современных постановках пьес о муминге или коне Падстоу, он становится не более чем причудливым развлечением.Развитие западного театра находится между этими двумя крайностями и разделяется на два основных типа переживаний — трагедию и комедию.

В Древнем Египте религиозный ритуал переместился в более явно театральную форму. Пантеон богов с головами животных и рассказы о путешествии души после смерти в потусторонний мир послужили богатым материалом для церемоний и ритуалов. Считалось, что священники изображали божеств, надевая стилизованные маски и читая гимны и молитвы; резные изображения танцоров в масках, датированные 3500 годом до н. э., были найдены в Египте.

Так называемые Тексты пирамид составлены из фрагментов молитв, вырезанных на стенах царских гробниц Древнего царства ( ок. 2686– ок. 2160 до н. Э.). Самым важным из них был бог Осирис. Он был предметом так называемой «Абидосской страсти», ежегодного ритуала, проводившегося со времен Древнего царства примерно до 400 г. н.э. Пьеса о страсти в Абидосе изображает убийство Осириса и его последователей его братом Сетом, разыгрывание которого, очевидно, привело к множеству реальных смертей.Фигура Осириса, символически представленная в пьесе, затем разрывается на части Сетом, после чего его останки собираются его женой Исидой и сыном Хорусом, которые впоследствии возвращают его к жизни. Таким образом, пьеса следует схеме рождения, смерти и воскресения, а также повторяет цикл времен года.

Подобные ритуальные драмы были разыграны, чтобы обеспечить плодородие женщин, скота и урожая, а также наполнить дух общины и ее лидеров жизненной силой в новом году.Мифы, относящиеся к Осирису и Гору, были особенно важны, потому что фараон при жизни считался воплощением Гора, а после его смерти он считался Осирисом. К тому времени, когда греческий историк Геродот во время своего визита в Египет в 450 г. до н. Э. Увидел разыгрывание страсти Абидоса, он смог зафиксировать, что существовала также традиция популярной драмы, в которой использовались комические элементы (например, Гор, рожденный младенцем, но выросший до огромных размеров). размер и развивающийся ненасытный аппетит), хотя он по-прежнему ограничивался религиозными темами.

В 19 веке исследователи обнаружили еще один текст, сохранившийся на свитках папируса. Известная как Книга Мертвых (примерно с 1800 г. до н. Э.), Она очень похожа на ораторию. Хотя нет никаких доказательств того, что это действительно было выполнено, ритуал полон театральных элементов. В нем описывается путешествие души, принесенной после смерти богом с головой шакала Анубисом в Зал истины, где сердце мертвого человека сравнивается с пером. Если сердце, легкое добродетелью, не перевешивает перо, тогда душа предстает перед Осирисом и получает бессмертие.

Египетская Книга Мертвых: Анубис

Анубис взвешивает душу писца Ани из Египетской Книги Мертвых, ок. 1275 г. до н. Э.

Библиотека изображений Мэри Эванс / возрастные фотостоки

Движение неоклассицизма Обзор | TheArtStory

Психея, возрожденная поцелуем Купидона (1777)

Художник: Антонио Канова

Работа основана на мифологической истории Купидона и Психеи, рассказанной в латинском романе Золотой осел (ок. 180), написанном Луцием Апулеем .Венера, богиня любви, завидовала Психее, которой восхищались ее красотой, и послала своего сына Купидона, чтобы его стрелы заставили девушку выйти замуж за самого уродливого из мужчин. Вместо этого Купидон влюбился в нее, и, узнав, что эти двое были любовниками, Венера послала Психею, чтобы та принесла сосуд с «божественной красотой» из подземного мира. Хотя Психея получила указание не открывать сосуд, она сделала это только для того, чтобы погрузиться в сон мертвых, поскольку на самом деле сосуд содержал «сон глубочайшей тьмы». Эта скульптура изображает момент, когда Купидон воскрешает Психею поцелуем.Плавные линии лежащей формы Психеи перекликаются с драпировкой, частично покрывающей ее, и тающими объятиями Купидона. Названный в свое время «скульптором изящества и молодости», Канова создает здесь чувство героической и невинной любви, побеждающей смерть.

Новаторская скульптурная техника Кановы позволила ему передать эффект живой кожи, оперенных крыльев, реалистично складывающейся драпировки и грубого камня у основания. Отражая неоклассический научный подход, его изучение человеческой формы было тщательным, поскольку он использовал точные измерения и слепки жизни при подготовке к работе с мрамором.

В изображении Купидона он был вдохновлен римской картиной, которую он видел на раскопках Геркуланума. Тем не менее, несмотря на то, что эта работа прочно закреплена в неоклассицизме, акцент в этой работе на эмоциях и чувствах является прообразом последующего романтического движения.

У статуи есть ручка рядом с основанием, так как, как и многие работы Кановы, она должна была вращаться на основании, подчеркивая движение и ощущение работы. Это новаторское децентрализация единственной точки зрения было осуждено некоторыми критиками того времени, в том числе Карлом Людвигом Ферновым, который писал: «Наблюдатель тщетно пытается найти точку зрения».… чтобы свести каждый луч нежного выражения к одной центральной точке конвергенции ». Однако эта текучесть восприятия создавала более близкие отношения со зрителем.

Полковник Джон Кэмпбелл заказал скульптуру в 1787 году, и как ее обработку, так и ее Тема стала широко популярной среди более поздних художников, в том числе ведущего британского скульптора 19 ^-го -го века, Джона Гибсона, который учился у Кановы в Риме.

Как художники Французской революции приняли неоклассическое возрождение

Анн-Луи Жироде де Русси, «Эней и товарищи в Лацио» (около 1790-1793 гг.) Черными чернилами и отбеливанием белой гуашью на коричневой бумаге (21.4 x 16,3 см)

ПАРИЖ. На протяжении истории политические революции часто вызывали параллельные художественные революции, подталкивая художников к изобретению новых способов выражения, чтобы лучше взаимодействовать с изменившимися социальными реалиями. (Подумайте о русской революции, положившей начало социалистическому реализму, или промышленной революции, вызвавшей реакционное движение романтизма.) Но в случае Французской революции, вместо того, чтобы начать совершенно новое движение, многие художники выбрали возрождение. Революционное поколение: французские рисунки (1770-1815) из музея Фабра иллюстрирует, как, когда пастельная легкомыслие движения рококо вышла из моды, французские художники-повстанцы приняли повествовательный неоклассицизм в качестве своего преобладающего стиля, опираясь на древнегреческий и римский искусство для вдохновения.

Выставка, представленная в Музее Коньяк-Джей, представляет 80 рисунков революционной эпохи Музея Фабра в Монпелье, первоначально собранные художником и коллекционером Франсуа-Ксавье Фабром, учеником выдающегося художника-неоклассика Жака-Луи Давида.От карандашных набросков лежащих обнаженных до замысловатых сцен из греческой мифологии, эти ловкие рисунки удивительно завораживают. Возьмем, к примеру, картину Фабра «Обнаженный мужчина, схвативший каменный куб» (около 1787-1792 гг.), Изображающий молодого, желтого, сжимающегося обнаженного мужчины. Он одновременно холоден с академической точки зрения и символически интригует, раскрывая живой потенциал, присущий всем революционным надеждам.

Франсуа-Ксавье Фабр, «Голый мужчина хватает каменный куб» (около 1787-1792 гг.), Рисунок черным карандашом с белыми бликами на бумаге (58 x 44 см)

Но полностью развитая героическая фаза революционного неоклассического искусства, пожалуй, лучше всего иллюстрируется рисунками Давида, которые воплощают рациональные идеалы основных прав человека и нравственной нравственности, выдвинутые такими философами, как Дидро, Вольтер и Руссо, — идеалы, которые поддержала растущая Франция. буржуазия.Таким образом, искусство Давида, черпающее вдохновение в римской древности, отражает конец французской монархии-аристократии и отмену феодальной системы, хотя и выглядит невероятно грандиозно.

Следуя великому образцу Давида, искусство нарождающейся Французской республики захватило Древний Рим как образцы художественного воплощения добродетели и героизма. Мы, безусловно, видим это в наэлектризованном рисунке Жан-Франсуа-Пьера Пейрона «Этюд для молодых афинян и афинян, рисующих участки для передачи Минотавру» (около 1778 г.).Классическое возрождение Давида в сочетании с революционным рвением можно рассматривать как новое и отличительное из-за его упора на исторические знания о древнем искусстве и архитектуре. Это новое-старое знание было усилено раскопками 18-го века Геркуланума и Помпеи и исследованием древних памятников на греческих островах. Таким образом, с рождением республиканских патриотических идеалов многие художники были вдохновлены рисовать групповые сцены, основанные на морализаторских мифах греко-римской древности. Мы безошибочно видим это в рисунке Филиппа-Огюста Эннекена «Раскаяние Ореста» (около 1800 г.), основанном на греческом мифе об Оресте; в драматическом рисунке Анн-Луи Жироде де Русси «Эней и товарищи в Лацио» (около 1790–1793); и в «Венере, постоянно раздражаемой Телемахом, спрашивающей Юпитера о его кончине» (1780).

Франсуа-Ксавье Фабр, «Этюд античного стула, покрытого драпировкой» (1796), графит, усиленный белым мелом на коричневой бумаге (43,8 x 35,4 см)

Включая несколько удивительно контрастирующих дореволюционных рисунков, таких как «Этюд Давида после юного мученика Гвидо Каньяччи» (около 1775 г.) и безумно роскошный рисунок «Праздник галантности» Жана-Оноре Фрагонара «Пощечина» (1785 г.), выставка демонстрирует, как рококо ликующая расточительность была свергнута суровым неоклассицизмом, подчеркнувшим моральный климат последних лет режима монархии.Наиболее показательным в этом искусстве морали является божественное возмездие, изображенное Жан-Батистом Реньо на его рисунке «Потоп» (около 1789 г.), основанном на мифе о великом потопе.

Позже, противоречивые, глубоко безмятежные сцены, такие как «Этюд античного стула, покрытого драпировкой» Фабра (1796 г.), вдохновленный классическим античным искусством, передают более устойчивые надежды на новую Французскую республику, выросшую из головокружительных политико-социальных потрясений. .

Мир искусства ни в коем случае не пощадил этот потоп, поскольку некоторые королевские комиссии по проектам исчезли или были заброшены, поскольку некоторые художники предпочли изгнание революции.Для этих эмигрантов Италия была излюбленным местом отдыха, и многие из представленных здесь мелких рисунков кажутся вдохновленными рисунками эпохи Возрождения. Таким образом, сегодня они оказывают важную художественную услугу. Они обращают вспять тенденцию к импозантному грандиозному современному искусству и монументальному политическому искусству, в котором индивидуальная чувствительность вытесняется или разрушается напыщенными сенсациями. Как показывает рисунок Антуана-Лорана Кастельяна «Этюд облака» (около 1812–1818 гг.) В начале 19 века, даже пухлые облака могут указывать на дым горящей революции.

Антуан-Лоран Кастеллан, «Этюд с облаками» (около 1812–1818 гг.) Сепия, бумага (19,3 x 23 см)

Шарль Менье, «Мило Кротонский» (1795), бумага, черно-коричневая тушь, коричневые туши (44,5 x 33,7 см)

Революционное поколение: французские рисунки (1770-1815) из музея Фабра, , курированные Мишелем Илером и Роз-Мари Муссо, в Musée Cognacq-Jay (8, rue Elzévir, 75003 Paris), продолжается до 14 июля 2019 года.

Поддержка гипераллергии

Поскольку художественные сообщества во всем мире переживают время испытаний и перемен, доступная и независимая отчетность об этих событиях важна как никогда.

Пожалуйста, подумайте о поддержке нашей журналистики и помогите сделать наши независимые репортажи бесплатными и доступными для всех.

Стать участником

Неоклассицизм | Безграничная история искусства

Неоклассицизм

Неоклассицизм относится к направлениям в искусстве, черпающим вдохновение в «классическом» искусстве и культуре Древней Греции и Рима.

Цели обучения

Определение атрибутов неоклассицизма и некоторых его ключевых фигур

Основные выводы

Ключевые моменты

• Расцвет неоклассицизма совпал с эпохой Просвещения 18 века и продолжался до начала 19 века.
• С ростом популярности Гранд-тура стало модным собирать предметы старины в качестве сувениров, что распространило неоклассический стиль по Европе и Америке.
• Неоклассицизм охватил все виды искусства, включая живопись, скульптуру, декоративное искусство, театр, литературу, музыку и архитектуру.
• Вообще говоря, неоклассицизм стилистически определяется использованием прямых линий, минимальным использованием цвета, простотой формы и, конечно же, приверженностью классическим ценностям и методам.
• Рококо с его акцентом на асимметрию, яркие цвета и орнамент обычно считается прямой противоположностью неоклассическому стилю.

Ключевые термины

• Grand Tour : Традиционное турне по Европе, проводимое в основном состоятельными европейскими молодыми людьми из высшего сословия. Этот обычай процветал примерно с 1660 года до появления крупного железнодорожного транспорта в 1840-х годах.
• Просветление : Концепция духовности, философии и психологии, относящаяся к достижению ясности восприятия, разума и знания.
• Рококо : Стиль барочной архитектуры и декоративного искусства из Франции 18-го века со сложным орнаментом.

Классическое возрождение, также известное как неоклассицизм, относится к движениям в искусстве, черпающим вдохновение в «классическом» искусстве и культуре Древней Греции и Рима. Расцвет неоклассицизма совпал с эпохой Просвещения 18 века и продолжался до начала 19 века. Доминирующими стилями в 18 веке были барокко и рококо.Последний, с его акцентом на асимметрию, яркие цвета и орнамент, обычно считается прямой противоположностью неоклассическому стилю, основанному на порядке, симметрии и простоте. С ростом популярности Гранд-тура стало модным собирать предметы старины в качестве сувениров. Эта традиция коллекционирования заложила основу для многих великих коллекций произведений искусства и распространила классическое возрождение по всей Европе и Америке.

Неоклассицизм охватил все виды искусства, включая живопись, скульптуру, декоративное искусство, театр, литературу, музыку и архитектуру.Стиль обычно можно определить по использованию прямых линий, минимальному использованию цвета, простоте формы и, конечно же, его приверженности классическим ценностям и методам.

В музыке этот период ознаменовался расцветом классической музыки, а в живописи работы Жака-Луи Давида стали синонимом возрождения классики. Однако неоклассицизм наиболее сильно ощущался в архитектуре, скульптуре и декоративном искусстве, где классические модели в той же среде были довольно многочисленными и доступными.Скульптура, в частности, имела огромное количество древних моделей, по которым можно было учиться, однако большинство из них были римскими копиями греческих оригиналов.

Rinaldo Rinaldi, Chirone Insegna Ad Achille a Suonare La Cetra : Выполненная в классическом стиле с соблюдением классических тем, эта скульптура является типичным образцом неоклассического стиля.

Неоклассическая архитектура была создана по образцу классического стиля и, как и в случае с другими видами искусства, во многом была реакцией на бурный стиль рококо.Архитектура итальянского архитектора Андреа Палладио стала очень популярной в середине 18 века. Кроме того, археологические руины, обнаруженные в Помпеях и Геркулануме, внесли свой вклад во многие стилистические ценности неоклассического дизайна интерьера, основанного на заново открытых древнеримских открытиях.

Вилла Годи Вальмарана, Лонедо ди Луго, Венето, Италия : Вилла Годи была одной из первых работ Палладио. Его строгий фасад, арочные дверные проемы и минимальная симметрия отражают его приверженность классическим стилистическим ценностям.

Картины в неоклассическом стиле

Неоклассическая живопись, созданная мужчинами и женщинами, черпала вдохновение в классическом искусстве и культуре Древней Греции и Рима.

Цели обучения

Обсудить всеобъемлющие темы, присутствующие в неоклассической живописи

Основные выводы

Ключевые моменты

• Неоклассическая тематика основана на истории и общей культуре Древней Греции и Древнего Рима. Его часто называют реакцией на беззаботный и «легкомысленный» сюжет рококо.
• Неоклассическая живопись характеризуется использованием прямых линий, гладкой поверхности краски, изображением света, минимальным использованием цвета и четким четким определением форм.
• Работы Жака-Луи Давида обычно называют воплощением неоклассической живописи.
• Давид привлек в свою студию более 300 студентов, в том числе Жан-Огюст-Доминик Энгр, Мари-Гийемин Бенуа и Анжелик Монжес, последняя из которых пыталась продолжить неоклассическую традицию после смерти своего учителя.

Ключевые термины

• Просвещение : философское движение в Европе 17 и 18 веков. Эта эпоха, также известная как Эпоха разума, делала упор на рационализм.

Предпосылки и характеристики

Неоклассицизм — это термин, обозначающий движения в искусстве, которые черпают вдохновение в классическом искусстве и культуре Древней Греции и Рима. Расцвет неоклассицизма совпал с эпохой Просвещения 18 века и продолжался до начала 19 века.С появлением Гранд-тура — очень увлекательного путешествия по Европе, цель которого — познакомить молодых людей с расширенной культурой и людьми их мира — стало модным собирать предметы старины в качестве сувениров. Эта традиция заложила основы многих великих коллекций и обеспечила распространение неоклассического возрождения по Европе и Америке. Французский неоклассический стиль внесет большой вклад в монументализм Французской революции с акцентом как на добродетели, так и на патриотизме.

Неоклассическая живопись характеризуется использованием прямых линий, гладкой поверхности краски, скрывающей работу кисти, изображением света, минимальным использованием цвета и четким четким определением форм. Его предмет обычно относится либо к греко-римской истории, либо к другим культурным атрибутам, таким как аллегория и добродетель. Мягкость нанесения краски и беззаботный и «легкомысленный» сюжет, характеризующие живопись рококо, признаны противоположностью неоклассического стиля.Работы Жака-Луи Давида считаются воплощением неоклассической живописи. До успеха Давида многие художники сочетали аспекты романтизма с неопределенно неоклассическим стилем, но эти работы не находили отклика у публики. Обычно предмет неоклассической живописи состоял из изображения событий из истории, мифологических сцен, архитектуры и руин Древнего Рима.

Школа Давида

Неоклассическая живопись получила новый импульс с большим успехом Давида «Клятва Горациев » на Парижском салоне 1785 года.Картина была заказана королевским правительством и была создана в стиле, идеально сочетающем идеализированную структуру и драматический эффект. Картина вызвала бурю негодования, и было заявлено, что Давид идеально определил неоклассический вкус в своем стиле живописи. Таким образом, он стал типичным художником этого движения. В Клятва Горациев перспектива перпендикулярна картинной плоскости. Его определяет темная аркада за несколькими классическими героическими фигурами.Есть элемент театра или постановки, вызывающий величие оперы. Вскоре Давид стал ведущим французским художником и пользовался большим покровительством правительства. За свою долгую карьеру он привлек в свою студию более 300 студентов.

Жак Луи Давид. Клятва Горациев (1784) : Холст, масло. Музей Лувра, Париж.

Жан-Огюст-Доминик Энгр, художник-историк и портретист в стиле неоклассицизма, был одним из учеников Давида.Глубоко преданный классическим техникам, Энгр, как известно, считал себя консерватором стиля древних мастеров, хотя позже он писал предметы в романтическом стиле. Примеры его неоклассических работ включают картины Вергилия Чтения до Августа (1812), и Эдипа и Сфинкса (1864). И Давид, и Энгр использовали высокоорганизованные образы, прямые линии и четко определенные формы, которые были типичными для неоклассической живописи 18 века.

Вергилий за чтением Августа Жан-Огюст-Доминик Энгр (1812) : Холст, масло. Художественный музей Уолтерса.

В то время как традиции и правила, регулирующие Академию Франции, запрещали женщинам учиться с обнаженной натуры (необходимость для создания эффективной неоклассической живописи), Дэвид считал, что женщины способны создавать успешное искусство этого стиля, и приветствовал многих в качестве своих учеников. Среди наиболее успешных были Мари-Гийемин Бенуа, которая в конечном итоге получила заказы от семьи Бонапарт, и Анжелик Монжес, завоевавшая покровителей даже из России.

Автопортрет Мари-Гийемин Бенуа (1788) : На этом неизведанном холсте маслом Бенуа (тогда Леруль де ла Виль) рисует отрывок из знаменитой неоклассической картины Давида, на которой ослепленный генерал Юстиниана Велизарий просит милостыню. Ее возвращение к взору зрителя и классическая одежда демонстрируют ее уверенность в себе как художника и соответствие художественным веяниям.

Монгез наиболее известна как одна из немногих женщин, которые рисовали монументальные сюжеты, которые часто включали обнаженную мужскую натуру, за что на нее часто нападали враждебные критики.

Тесей и Пирифой, очищающие землю от разбойников, освобождают двух женщин из рук их похитителей Анжелик Монгес (1806) : Холст, масло. Эрмитаж, Санкт-Петербург, Россия.

Монжез и Антуан-Жан Гро, еще один ученик Давида, пытались продолжить неоклассическую традицию после смерти Давида в 1825 году, но безуспешно перед лицом растущей популярности романтизма.

Неоклассическая скульптура

Реакция на «легкомыслие» рококо. Неоклассическая скульптура изображает серьезные сюжеты, на которые оказало влияние древнегреческое и римское прошлое.

Цели обучения

Объясните, какие мотивы являются общими для неоклассической скульптуры

Основные выводы

Ключевые моменты

• Неоклассицизм возник во второй половине 18 века после раскопок руин Помпеи, что вызвало новый интерес к греко-римскому миру.
• Неоклассическая скульптура отличается симметрией, от натурального до монументального, и серьезным сюжетом.
• Сюжеты неоклассической скульптуры варьировались от мифологических фигур до героев прошлого и крупных современных персонажей.
• Неоклассическая скульптура могла передать свой предмет как идеализированный, так и более реалистичный.

Ключевые термины

• веризм : Древнеримская техника, в которой субъект изображается с «бородавками и всем остальным» реализмом.

Как и живопись, неоклассицизм проник в скульптуру во второй половине 18 века. В дополнение к идеалам Просвещения, раскопки руин в Помпеях начали возрождать интерес к классической культуре.В то время как скульптура в стиле рококо состояла из небольших асимметричных объектов, сосредоточенных на темах любви и веселья, неоклассическая скульптура приобрела монументальный размер в натуральную величину и сосредоточилась на темах героизма, патриотизма и добродетели.

В его гробнице прославлен философ эпохи Просвещения Вольтер почитается в истинно неоклассической форме. В стиле, навеянном древнеримским веризмом, он выглядит пожилым человеком, чтобы почтить его мудрость. Он носит современную блузку простого человека, чтобы передать его скромность, а его одежда издалека напоминает древнеримскую тогу.Как и у его древних предшественников, его выражение лица и язык тела наводят на мысль о серьезности ученого.

Могила Вольтера. : Пантеон, Париж.

Скульпторы-неоклассики извлекли выгоду из обилия древних моделей, хотя в большинстве случаев это были римские копии греческих бронз. Ведущие скульпторы неоклассицизма пользовались большим успехом при жизни. Одним из них был Жан-Антуан Удон, чьи работы были в основном портретами, очень часто в виде бюстов, которые не приносили в жертву идеализму сильное впечатление о личности натурщика.Его стиль стал более классическим по мере продолжения его долгой карьеры и представляет собой довольно плавный переход от очарования рококо к классическому достоинству. В отличие от некоторых скульпторов неоклассицизма, он не настаивал на том, чтобы его натурщики носили римскую одежду или были раздеты. Он изобразил большинство великих деятелей Просвещения и отправился в Америку, чтобы изготовить статую Джорджа Вашингтона, а также бюсты Томаса Джефферсона, Бенджамина Франклина и других светил новой республики. Его портретный бюст Вашингтона изображает первого президента Соединенных Штатов как сурового, но компетентного лидера, с влиянием римского веризма, очевидным в его морщинистом лбу, залысинах и двойном подбородке.

Бюст Джорджа Вашингтона — Жан-Антуан Гудон (ок. 1786)

Национальная портретная галерея, Вашингтон, округ Колумбия.

Итальянский художник Антонио Канова и датский художник Бертель Торвальдсен оба жили в Риме, и наряду с портретами создали множество амбициозных фигур и групп в натуральную величину. Оба представляют собой сильно идеализирующую тенденцию в неоклассической скульптуре.

Hebe Антонио Канова (1800–05). : Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.Петербург, Россия.

Канова отличается легкостью и грацией, а Торвальдсен — более суровым. Различие можно проиллюстрировать в книге Кановы Hebe (1800–05), контрапост которой почти имитирует живые танцевальные шаги, когда она готовится перелить нектар и амброзию из маленькой амфоры в чашу, а также в монументе Торвальдсена Копернику (1822-30). , чей объект сидит вертикально с циркулем и армиллярной сферой.

Памятник Копернику работы Бертеля Торвальдсена (1822–1830 гг.).: бронза. Варшава, Польша.

Неоклассическая архитектура

Неоклассическая архитектура обращается к классическому прошлому греко-римской эпохи, Возрождения и классицизированного барокко, чтобы передать новую эпоху, основанную на принципах Просвещения.

Цели обучения

Определите, что отличает неоклассическую архитектуру от других механизмов

Основные выводы

Ключевые моменты

• Неоклассическая архитектура была создана неоклассическим движением в середине 18 века.Он проявился в деталях как реакция на стиль натуралистического орнамента рококо и в его архитектурных формулах как следствие классицизирующих черт позднего барокко.
• Первая фаза неоклассицизма во Франции выражена в «стиле Людовика XVI» таких архитекторов, как Анж-Жак Габриэль (Пети-Трианон, 1762–68), а вторая фаза выражена в стиле Директории конца 18-го века.
• Неоклассическая архитектура подчеркивает ее плоские качества, а не скульптурные объемы.Выступы и углубления, а также их светотени более плоские, в то время как скульптурные барельефы более плоские и имеют тенденцию обрамляться фризами, таблицами или панелями.
• Такие сооружения, как Триумфальная арка, Пантеон в Париже и Чизвик-хаус в Лондоне, имеют элементы, передающие влияние древнегреческой и римской архитектуры, а также некоторые влияния периодов Возрождения и позднего барокко.

Неоклассическая архитектура, начавшаяся в середине 18 века, обращена к классическому прошлому греко-римской эпохи, эпохи Возрождения и классицизированного барокко, чтобы передать новую эпоху, основанную на принципах Просвещения.Это движение проявилось в деталях как реакция на стиль натуралистического орнамента рококо и в его архитектурных формулах как следствие некоторых классицизирующих черт позднего барокко. В чистом виде неоклассицизм — это стиль, в основе которого лежит архитектура классической Греции и Рима. По форме неоклассическая архитектура подчеркивает стену и сохраняет индивидуальность каждой из ее частей.

Первая фаза неоклассицизма во Франции выражается в стиле Людовика XVI таких архитекторов, как Анж-Жак Габриэль (Пти-Трианон, 1762–68).Анж-Жак Габриэль был главным архитектором в Версале, и его неоклассические проекты королевского дворца доминировали во французской архитектуре середины 18 века.

Анж-Жак Габриэль. Замок Малый Трианон. : Малый Трианон в парке Версаля демонстрирует неоклассический архитектурный стиль времен Людовика XVI.

После Французской революции вторая фаза неоклассицизма выразилась в стиле Директории конца 18 века. Стиль Директории отражал революционную веру в ценности республиканского Рима.Этот стиль был периодом декоративного искусства, моды и особенно дизайна мебели, совпадающим с постреволюционным Французским управлением (2 ноября 1795 г. — 10 ноября 1799 г.). Стиль использует неоклассические архитектурные формы, минимальную резьбу, плоские просторы из высокозернистого шпона и прикладную декоративную роспись. Стиль Директории в первую очередь был создан архитекторами и дизайнерами Шарлем Персье (1764–1838) и Пьером-Франсуа-Леонаром Фонтеном (1762–1853), которые работали над Триумфальной аркой в ​​Париже, которая считается символом французской неоклассической архитектуры.

Триумфальная арка : Триумфальная арка, хотя и была построена в начале 19 века, является символом французской неоклассической архитектуры, преобладавшей в период Директории.

Хотя неоклассическая архитектура использует тот же классический словарь, что и архитектура позднего барокко, она имеет тенденцию подчеркивать ее плоские качества, а не скульптурные объемы. Проекции, спады и их влияние на свет и тень более плоские. Скульптурные барельефы более плоские и, как правило, обрамлены фризами, таблицами или панелями.Его четко сформулированные индивидуальные черты изолированы, а не взаимопроникают, автономны и завершены сами по себе.

Даже сакральная архитектура была классифицирована в неоклассический период. Пантеон, расположенный в Латинском квартале Парижа, изначально был построен как церковь, посвященная святой Женевьеве и служившая помещением для реликвария, содержащего ее мощи. Однако во время Французской революции Пантеон был секуляризован и стал местом упокоения икон Просвещения, таких как Вольтер и Жан-Жак Руссо.Дизайнер Жак-Жермен Суффло намеревался объединить легкость и яркость готического собора с классическими принципами, но его роль в качестве мавзолея требовала блокирования больших готических окон. В 1780 году Суффло умер, и его заменил его ученик Жан-Батист Ронделет.

Жак-Жермен Суффло (оригинальный архитектор) и Жан-Батист Ронделе. Пантеон. : Начало 1758 г., завершение 1790 г.

Подобно римскому храму, в Пантеон можно попасть через портик, состоящий из трех рядов колонн (в данном случае коринфских), увенчанных классическим фронтоном.В стиле, более близком к древнегреческому, фронтон украшен рельефами по всему треугольному пространству. Под фронтоном надпись на антаблементе переводится как: «Великим людям, благодарная родина». С другой стороны, на купол больше повлияли предшественники эпохи Возрождения и барокко, такие как собор Святого Петра в Риме и собор Святого Павла в Лондоне.

В интеллектуальном плане неоклассицизм был симптомом желания вернуться к воспринимаемой «чистоте» искусства Рима.Движение также было вдохновлено более расплывчатым восприятием («идеалом») древнегреческого искусства и, в меньшей степени, классицизмом эпохи Возрождения 16 века, который также был источником академической архитектуры позднего барокко. Есть штамм анти-рококо, который можно обнаружить в некоторой европейской архитектуре начала 18 века. Этот штамм наиболее ярко представлен в палладианской архитектуре грузинской Британии и Ирландии.

Лорд Берлингтон. Chiswick House : на дизайн Chiswick House в Западном Лондоне повлияла внутренняя архитектура Палладио, особенно вилла Ротонда в Венеции.Ступенчатый купол и фасад храма явно находились под влиянием римского Пантеона.