Оп арт в интерьере: Оп-арт в дизайне
Оп-арт в дизайне
Оптическое искусство или оп-арт – художественное течение, эстетической основой которого стали оптические иллюзии, сложные геометрические структуры, выполненные в черно-белых или пестрых и контрастных цветах. Появившись в 1960-х годах, во времена «психоделической революции», оно стало очень популярным в массовой культуре и его приемы вошли в рекламу и дизайн. Сегодня дополненная иконография оп-арта вновь становится актуальном трендом в дизайне, но уже благодаря другой революции – цифровой.
Визуальные искажения, нарушения перспектив, иллюзии объема, гипнотические абстракции – довольно экстремальные приемы в интерьерном и мебельном дизайне, но благодаря своей эффектности и провокационности, в силу своей способности привлекать внимание, иногда даже шокировать, их охотно используют именитые дизайнеры и престижные бренды.
Отголоски ее стиля в моде
РАСШИРЕННОЕ ПРОСТРАНСТВО
Им же принадлежит коврик с оригинальной ступенчатой структурой, которая будто предлагает зрителю выход в другой, виртуальный мир.
0001pt; text-align: justify; line-height: 150%;»>
Математическая трехмерная модель стала прообразом ковра, созданного испанской компанией VONDOM.
Коллекция глиняных ваз от парижского бренда ROCHE BOBOIS расписана вручную черно-белым линейным узором, создающим иллюзию объемной динамической фигуры. Стиль явно вдохновлен творчеством художницы
Подобный образ стал основой великолепной декоративной панели от итальянского бренда LIGNIS®. Деревянная панель изготовлена методом инкрустации, каждый цвет – отдельная порода дерева, вырезана лазером и подогнана к другой породе.
Целая стена – портал в параллельное, гипнотическое измерение. Разработанные французской компанией MOUSTACHE, панорамные обои создают экстерьер в интерьере.
Капля воды, упавшая на пол, излучает концентрические волны в домашнем пространстве, описывая круги с различными оттенками синего и светло-голубого. Ковер из синтетического волокна представлен итальянской компанией BESANA MOQUETTE.
МАГИЯ ГЕОМЕТРИИ
0001pt; text-align: justify; line-height: 150%;»>
Коллекция Disco Gufram итальянского бренда
Необычного оптического эффекта добились дизайнеры Паоло Улиан (Paolo Ulian) и Морено Ратти (Moreno Ratti), создав для ROCHE BOBOIS серию декоративных ваз. Ритмическое мерцание линий блока из каррарского мрамора, в зависимости от угла зрения, то скрывает, то выявляет классическую форму вазы.
Дизайнер Патрисия Уркиола (Patricia Urquiola) разработала для итальянской компании CC-TAPIS оригинальные ковры с узором геометрических абстракций и простых объемов. Мягкие пастельные тона в живой подвижности хроматических переливов включают в интерьер что-то «не из мира сего», напоминают некий организм, попавший к нам из виртуальных миров.
Рисунок текстиля из стекловолокна итальянской фирмы MOMENTI построен на игре света и тени, за счет чего объемный орнамент будто переливается и не дает глазу сфокусироваться.
0001pt; text-align: justify; line-height: 150%;»>
Эта же компания разработала авторский принт с четкими, выпуклыми фигурами, образующими красочную кристаллическую решетку.
Панорамные обои, созданные дизайнером Каримом Рашидом для бренда MIRAGE, – очень впечатляющая работа! Две уходящие вглубь перспективы, образованные пестрым средоточием множества небольших плоскостей, нагружают реальное пространство ирреальным.
Обои для фасадов, покрытые дигитальными арабесками, – инновационное решение в архитектуре, предложенное архитектором Джованни Пагани (Giovanni Pagani) и реализованное известным брендом WALL&DECÒ.
Мерцающая сфера, мерно выступающая из глубины черной поверхности ковра, – очаровательная находка японского дизайнера Юми Эндо (Yumi Endo), спроектировавшего эту вещь для бренда NOW CARPETS.
ТЕКУЧИЙ ПОЛ
Еще одно произведение упомянутого Карима Рашида – ковер, созданный им для VONDOM.
Криволинейная, текучая структура, словно растекшаяся по полу галлюцинация, в дополнение углублена концентрическими кругами.
Этот пол был сделан брендом CASACERAMICA для своего нового выставочного зала. Идея состояла в том, чтобы немного шокировать зрителя, создать нечто эффектное, что дало бы повод больше говорить об этом месте.
ОШИБОЧКА ВЫШЛА
В современной цифровой визуализации существуют ошибки, называемые багами, которые дали жизнь определенной эстетике, в среде дизайнеров и художников известной как глитч. Из андеграунда глитч постепенно проникает на рынок, поэтому все чаще мелькает в коллекциях известных брендов.
BOCA DO LOBO создали ковер с «разрушенным», расплывшимся изображением, иронично столкнув античную кариатиду с образами оп-арта и глитч-деформациями.
У итальянской компании GLAMORA есть обои с криво «прогрузившейся» картинкой, прекрасно подчеркивающие современный интерьер.
Текст: Денис Миронов
волшебство оптической иллюзии в вашем интерьере
Направление оп-арта зародилось в 50-е годы в рамках геометрической абстракции и активно распространилось к 60-м годам, постепенно став одной из интеллектуальных альтернатив масс-медийному поп-арту. Оптическое искусство (оп-арт — сокращённый вариант от англ.
optical art) — яркое художественное течение второй половины XX века, которое использует различные оптические иллюзии, особенности восприятия плоских и пространственных фигур.
На фото: журнальный столик Tonin Casa Volup, дизайнерские стулья Connubia L’eau.
На фото: кухня Lago 280, модульная система LagoLinea.
Опираясь на определённые психологические особенности человеческого восприятия, оп-арт использует некоторые зрительные иллюзии, которые можно воспроизвести и в интерьере. В качестве средств образной выразительности здесь фигурирует цвет и геометрия: линии, кривые, спирали, наложение или совмещение разных орнаментов, которые создают эффект движения.
На фото: модульная система Lago LagoLinea, настенная закрытая полка Lago Punto.
На фото: дизайнерская консоль Cattelan Italia Tour, буфет Cattelan Italia Labyrinth.
Этот стиль сочетает в себе как четкую математику, так и образное мышление, при этом отлично вписываясь в наш век технического прогресса.
На фото: стеллаж Cattelan Italia DNA, журнальный столик Cattelan Italia Yo-yo с вращающейся столешницей.
На фото: комод Bizzotto Diamond и кухня Bizzotto.
Мебель в стиле оп-арт отличается использованием тканей с геометрическими рисунками, абстрактными орнаментами, яркими и насыщенными контрастами. В современных интерьерах часто встречаются ковры или обои с приемами оптического искусства.
На фото: журнальные столики Alberta.
На фото: книжный шкаф Alivar DIAPASON, стеллажи Tonin Casa Onda.
При помощи введения ритмично повторяющихся элементов, резких контрастов, конфигураций в виде спиралей, пересечений, эффекта «зеркала» и прозрачных предметов, создается среда, в которой возникает высокая степень иллюзии. Такой прием поможет создать атмосферу чудесного зазеркалья, как в сказке «Алиса в стране чудес».
На фото: предметы мебели бренда Kartell.
Оп-арт может быть черно-белым или цветным, в зависимости от настроения. Правильные фигуры приобретают сюрреалистические формы, а необычные фигуры становятся еще более футуристическими.
На фото: необыкновенные кресла Moroso.
На фото: буфет Boca Do Lobo Diamond, консоль Boca Do Lobo Newton.
В апреле 62-го, после полета Юрия Гагарина в космос, мир изменился навсегда. Дизайнеры стали чаще обыгрывать космическую тему в интерьерах, создавать футуристические вещи, мебель и предметы декора «нестандартной» формы, напоминающие обстановку космического корабля. Космическая тема интерьеров также может попадать под направление оптического искусства.
На фото: журнальный стол Tonin Casa Pavones и банкетка Vondom Lava.
На фото: мебель брендов Domingo Salotti, Tonin Casa.
Чтобы достичь внешних оптических эффектов, оп-арт часто использует материалы с отражающей поверхностью. Добавьте в интерьер больше зеркал или мебели с зеркальным покрытием, чтобы расширить пространство, сделать его светлее и интереснее.
На фото: зеркала Costantini Pietro Park Lane, Porada Dodekàgono, Tonin Casa Kolonaky.
На фото: настенный шкаф Porada Pit Stop, зеркала Porada Flag, зеркальные столики Casamilano Bollywood.
С помощью оп-арта можно визуально «раздвинуть» помещение, скрыть выступающие углы, или выделить какую-либо зону в интерьере. Данный стиль продолжает существовать как интересный способ разбавить тусклую обстановку и добавить в жизнь элемент фантастики. Однако, украшая свое жилище или офис в стиле оп-арт, следует помнить о чувстве меры и о том, что приемы оптического искусства чаще всего все же носят шутливую форму.
Стиль интерьера Оп-арт | Prointerior.info
Стиль оп-арт: в интерьере царят иллюзии. Хотите почувствовать себя Алисой из страны чудес, очутиться в зазеркалье? Смело выбирайте оп-арт и не жалуйтесь, когда от обилия оптических иллюзий кружится голова! Это направление не подходит любителям стандартных решений. Оп-арт — это стиль эксцентриков, оригиналов, ярких, неординарных людей.
Эксперименты продолжаются?
Многие религиозные учения говорят, что мир иллюзорен, и все предметы вокруг нас выглядят иначе. Ученые отнеслись к этому скептически, но в XIX веке впервые было доказано, что сигналы, поступающие в мозг от зрительных рецепторов, искажаются.
Для науки открытие стало новым шагом в борьбе с глазными болезнями, для искусства — источником вдохновения. Оп-арт — это сокращенная версия английского словосочетания «оптические иллюзии».
Одноименное направление в дизайне возникло в ХХ веке в недрах абстракционизма, достигло уровня самостоятельного стиля и продолжает развиваться сегодня. Основоположником оп-арта называют французского художника и скульптора Виктора Вазарели. Его не устраивали футуризм, экспрессионизм, кубизм, сюрреализм — в их канонах Васарели видел ограничения для своего воображения. Чтобы выйти на другой уровень, он решил создать новое направление и работать с оптическими иллюзиями. Опыты Вазарели увенчались успехом, принесли художнику известность и нашли поддержку у творческих людей. Оп-арт дал толчок развитию еще более причудливых направлений, в том числе гигантизму — визитной карточке американского искусства.
Чтобы кардинально изменить внутреннее пространство помещений и заставить мозг иначе воспринимать знакомые предметы, дизайнеры: комнаты движутся;
— экспериментируйте с простыми геометрическими формами, похожими узорами и декоративными элементами;
– не ограничивайте цветовую палитру, используйте яркие цветовые пятна и контрастные решения;
– предпочтение отдается светильникам, с помощью которых можно изменять яркость освещения, и материалам отделки со светоотражающими поверхностями (пластик, металл, стекло).
На выставках художников, творящих в стиле оп-арт, у посетителей часто возникает состояние, похожее на опьянение, начинается головокружение, обмороки. Это вполне нормально, ведь в организме человека есть защитные механизмы от необычных для мозга сигналов.
Как избежать проблем со здоровьем, если вы хотите оформить свой дом, квартиру, офис в стиле оп-арт? Разместите в комнате несколько предметов, сделанных по ее канонам. Вы чувствуете себя нормально? Тогда есть смысл продолжать!
Многолико и тяготеет к минимализму
Оп-арт позволяет экспериментировать с пространством разных зон помещений, визуально уменьшая или увеличивая его.
Внутри направления есть свои подполя, в основе которых лежит их разделение-инструменты, наиболее активно используемые дизайнерами при работе с пространством. Если ставка сделана на цветовые решения — это будет один вид оп-арта, на свет — другой.
Для создания самых достоверных иллюзий в XXI веке профессионалы используют:
– сложные геометрические фигуры;
– трехмерные изображения, нанесенные на потолок;
– графические стеновые панели;
– Обои с муаровым и концентрическим узором;
– ковры насыщенных цветов;
– мебель необычных форм и размеров;
– зеркало фальшивой винды.
У стиля много лиц, но есть и ограничения. В таком интерьере нет места цветочным узорам, мелким предметам декора, большому количеству мебели. Оп-арт тяготеет к минимализму.
Эффект слияния приветствуется!
Направление, где правят бал иллюзии, стало вызовом для традиционных подходов к работе с цветом и пространством. Эффект фьюжн считается неприемлемым во многих стилях, а в оп-арте наоборот: приветствуется. Стены могут визуально сливаться с потолком или плавно переходить в него, мебель-растворяться на фоне пола. Прозрачные столы, стулья, полки, настольные лампы и зеркала в стеклянных рамах только усиливают ощущение иной реальности, помогают иначе взглянуть на привычные вещи.
Для оформления комнаты в стиле оп-арт не нужны дорогие отделочные материалы и эксклюзивные предметы декора, главное руководствоваться чувством меры и найти свою точку отсчета для изменений.
Вас также может заинтересовать:
Adirondackavant-gardeRenaissance
Знакомство с художниками, возглавившими Op Art Movement, Strankella18 Ретроспектива «Эксперимент»
в Художественном музее НГУ Форт-Лодердейл. Фото Стивена БрукаДвижение оп-арт возникло в 1960-х годах, отражая контркультуру того времени в ее объятиях визуальных трюков, графических форм и ярких цветов.
Распространившись по Европе и Америке, этот стиль, название которого является сокращением от «оптическое искусство», оказал влияние на рекламу, моду и дизайн интерьера, прежде чем исчезнуть в начале 70-х.
Однако оп-арт оставался значимым для художников и ученых, интересующихся природой восприятия. И сегодня наблюдается возрождение интереса со стороны коллекционеров и дизайнеров интерьеров.
Оп-художники играли с принципами восприятия, манипулируя линиями, формами, узорами и цветом, чтобы создать иллюзию глубины и движения. Они использовали и развивали методы, разработанные прошлыми движениями, от импрессионизма до абстрактного экспрессионизма, для создания ярких визуальных впечатлений.
Все художники Оп были сосредоточены на разрыве между тем, что есть, и тем, что мы воспринимаем. Однако у каждого был свой подход к проблеме и уникальный визуальный стиль. Здесь мы обсуждаем семь известных имен в движении и их индивидуальные подходы к его проблемам.
Йозеф Альберс
Interim , 1942, из серии «Графическая тектоника» Ни один художник не внес большего вклада в наше понимание цвета, чем художник, писатель и педагог немецкого происхождения Йозеф Альберс (1888–1976). В Баухаузе Альберс преподавал, возможно, первый курс, посвященный изучению того, как различные оттенки взаимодействуют друг с другом.
«Чтобы эффективно использовать цвет, необходимо признать, что цвет постоянно обманывает», — писал он в The Interaction of Color , сборник его 30-летних исследований в области теории цвета в Баухаузе, Колледже Блэк-Маунтин и Школе искусств Йельского университета, где он возглавлял отдел дизайна.
Альберс отверг представление о том, что цвета можно понять исключительно по их физическим свойствам. Вместо этого он подчеркивал их непостоянный, соблазнительный характер и необходимость наблюдения за их поведением в различных контекстах. «Если кто-то произносит «красный» — название цвета — и его слушают пятьдесят человек, можно ожидать, что в их сознании будет пятьдесят красных», — писал он. «И можно быть уверенным, что все эти красные будут очень разными».
SP, 1967 г., из серии «Посвящение площади» Работы Альберса – исследования цветовосприятия. Картины «Посвящение квадрату» — его самая культовая серия, начатая в 1950 году и продолжающаяся более 25 лет, — исследуют перцептивные мутации, возникающие при сопоставлении цветов во вложенных друг в друга квадратах.
Простота этих композиций обманчива, поскольку они демонстрируют, как можно создать иллюзию объемности и остаточных образов, используя полностью плоские формы. Альберс нарисовал почти тысячу «посвящений», и его отношение к цвету как к изменяющемуся магическому элементу имело решающее значение для развития движения оп-арта.
Бриджит Райли
Без названия , 1973Великолепные абстракции британской художницы Бриджит Райли кажутся далекими от естественных форм. Однако Райли утверждает, что черпает свое вдохновение в основном из природы, которую она определяет как «динамизм визуальных сил — скорее событие, чем видимость».
Действительно, динамизм характеризует ее работы, в которых исследуется, как простые геометрические формы могут создавать иллюзию движения.
Про Сирень , 2007 Рожденная в 1931 году, Райли впервые привлекла внимание всего мира в 1965 году, когда вместе с такими выдающимися личностями, как Виктор Вазарели и Фрэнк Стелла, она была представлена на выставке «Чуткий глаз» в Нью-Йоркском музее современного искусства.
На обложке каталога была изображена одна из ее картин, Current (1964), состоящая из волнистых черных и белых линий, которые, кажется, вибрируют, двигаясь от верха холста к низу.
С 1970-х Райли экспериментирует с цветом, создавая такие работы, как Nataraja (1993 г.), состоящий из столбцов ярких диагональных полос, которые, кажется, ритмично пульсируют. Вдохнув жизнь, движение и энергию в плоские геометрические формы, она помогла первооткрывателю кинетического искусства.
Виктор Вазарели
Акриловый куб с трафаретной печатью, 1970-е годы Франко-венгерский художник Виктор Вазарели (1906–1997), которого многие считают дедушкой оп-арта, создал сногсшибательные геометрические абстракции, которые играют с восприятием зрителем глубины, перспективы и движения. . Классический пример — 19.37 Zebra , который состоит из волнистых черных и белых полос, которые с помощью оптического обмана напоминают форму титульного животного. Работу часто называют самой ранней картиной в стиле оп-арт.
Такие иллюзии были более чем приятными трюками для Вазарели, который настаивал на том, что «чистая форма и чистый цвет могут обозначать мир». Он хотел «демократизировать» искусство, производя работы большими тиражами по разумным ценам, которые были бы понятны вне национальных и культурных границ. В 19В 60-х годах он разработал азбуку plastique , или азбуку изобразительного искусства, состоящую из элементарных визуальных строительных блоков, которые можно было использовать в бесконечных комбинациях для создания оригинальных композиций. Используя этот универсальный визуальный словарь и убрав тематические отсылки, он стремился создать то, что он назвал «планетарным фольклором».
Воплощая исключительную веру Вазарели в то, что искусство должно выполнять социальную функцию, доступную для всех, эти инновации, возможно, могут быть его величайшим вкладом в искусство 20-го века.
Хесус Рафаэль Сото
Sotomagie , 1967 Венесуэльский художник-оператор и скульптор Хесус Рафаэль Сото (1923–2007), пожалуй, наиболее известен своими иммерсивными инсталляциями, которые реагируют на окружающую среду и физически поглощают зрителя в динамике.
сенсорный опыт.
Исследование космоса занимает центральное место в работе Сото. Это видно в его ранних картинах 1950-х годов, которые создают иллюзию движения за счет простых композиций и ограниченной палитры. В тот же период он интегрировал промышленные материалы, такие как нейлон и сталь, в линейные конструкции, которые были отчасти живописью, отчасти скульптурой.
Mirroire d’Artiste , 2005Но самые грандиозные и загадочные творения Рафаэля Сото — это его «Pénétrables». Эти геометрические скульптуры, состоящие из тысяч длинных прозрачных или цветных пластиковых нитей, подвешенных к потолку или отдельно стоящих стальных или ПВХ-рамах, играют с восприятием пространства, приглашая зрителей стать участниками, двигаясь внутри и сквозь них.
Полосы некоторых установок были частично окрашены, образуя формы, если смотреть на них с расстояния. 9Например, 0109 Houston Penetrable (2014) в Музее изящных искусств в Хьюстоне, кажется, держит плавающий желтый эллипс.
За свою карьеру Рафаэль Сото создал 25 «Пенетраблей». Каждая из них еще больше стирала грань между реальностью и иллюзией и превращала зрителей не просто в зрителей, а в неотъемлемую часть самого произведения искусства.
Ричард Анушкевич
Moonbow , 1967«Мне интересно, — сказал однажды Ричард Анушкевич (1930–2020), — сделать что-то романтическое из очень, очень механистической геометрии». Анушкевич стремился достичь этой романтики с помощью работ, сочетающих яркие цвета в геометрических конфигурациях. Эффекты восприятия, которые он создал, помогли определить движение американского оп-арта.
Анушкевич изучал теорию цвета в Йельском университете у Джозефа Альберса, и подход Альберса оказал на него большое влияние. «Изображение в моей работе всегда определялось тем, что я хотел, чтобы цвет делал», — объяснил Анушкевич в каталоге 1974 года. «Функция цвета становится моим предметом, а ее исполнение — моей картиной».
Rainbow Squared Blue , 2019 Он ушел от своего наставника, однако в пульсирующих, иллюзорных качествах, которыми он наделил свою работу.
Одна из его самых известных картин, Deep Magenta Square (1978), хотя и похож по композиции на серию Альберса «Посвящение квадрату», отчетливо представляет собой оп-арт в том, как бороздки, окружающие центральный квадрат, кажутся вибрирующими и отскакивают от холста.
Всю свою карьеру Анушкевич посвятил изучению оптических эффектов посредством манипулирования линиями и цветом, создавая впечатляющие и неподвластные времени произведения искусства. «Работа с основными идеями всегда будет захватывающей, — сказал он в 1977 году. — И если цвет или форма визуально интересны в каком-то глубоком смысле, они останутся такими и через 10 или 20 лет».
Carlos Cruz-Diez
Physichromie DDC 1 , 1981 Для венесуэльского художника Карлоса Круза-Диеса (1923–2019) цвет был ослепительным, преходящим эффектом, который он пытался запечатлеть на холсте и в световых инсталляциях. Яркие композиции, которые он создал за свою семидесятилетнюю карьеру, сделали его одним из величайших послевоенных художников Латинской Америки и ведущей фигурой в движении оп-арта.
«Я не делаю ни картин, ни скульптур. Я создаю платформы для событий», — сказал однажды Круз-Диз. «Это платформы, на которых цвет создается, растворяется, генерируется в бесконечное мгновение. В нем нет ни прошлого, ни будущего. В нем есть представление о настоящем моменте, как и в жизни».
Опираясь на хроматические исследования сэра Исаака Ньютона, Джорджа Сера и Йозефа Альберса, он создал поразительные картины, состоящие из линий контрастных оттенков, которые кажутся мерцающими. Он назвал эти работы физихромии .
Индукционная хроматика с двойной частотой , 2019 Позднее в своей карьере Круз-Диз переключил свои исследования с рисования на свет. Его «хромосатурации» — это иммерсивные среды, состоящие из трех камер, каждая из которых залита разноцветным светом, дезориентирующим посетителей и изменяющим их восприятие. Он также перенес свои хроматические иллюзии в общественные места, такие как пол, который он создал в международном аэропорту Симона Боливара недалеко от Каракаса, и пешеходный переход возле Музея Брод в Лос-Анджелесе.
Круз-Диз также был успешным графическим дизайнером, работая на клиентов-художников, таких как Рой Лихтенштейн и Роберт Раушенберг. Во всех этих средах его работа была одинаково смелой и захватывающей, привлекая внимание зрителя, его тело и разум.
Фрэнк Стелла
Six Mile Bottom , 1970Когда абстрактный экспрессионизм с его дикими жестами был на пике своего развития, Фрэнк Стелла произвел фурор своей приглушенной и четкой серией «Черные картины» (1959).), составленный из толстых полос черной краски, чередующихся с тонкими линиями необработанного холста.
Стелла, родившийся в 1936 году, является культовой фигурой в послевоенном американском искусстве, а его знаменитая шутка «Что видишь, то и видишь» стала определять дух минимализма. Его использование смелых, пульсирующих цветовых полос и его участие в выставке MoMA 1965 года «Отзывчивый глаз» закрепили его место в движении оп-арта.
С самого начала целью Стеллы было создание максимального визуального эффекта без символического значения.