Особенности стиля поп арт: арт — история возникновения стиля, особенности, фотографии, примеры проектов с фото

арт — история возникновения стиля, особенности, фотографии, примеры проектов с фото

Popular art – в переводе с английского «популярное искусство», а слово pop означает ещё и «резкий хлопок». Поэтому термин «поп-арт» имеет двойное значение: «искусство в массы» и нечто шокирующее. Такое сочетание было вполне в духе своего времени – как стиль, поп-арт оформился в Америке в 50-60-е годы XX-го века.

Поп-арт – это своеобразный протест против абстрактного искусства, безликого минимализма, пресного конструктивизма, ставших популярными ранее. Прародителями поп-арта стали художники-иллюстраторы, комиксисты, мультипликаторы, фотографы и рекламщики. Сменился контекст, масштабы изображений, цвет и способы отображения. Производственные дефекты: неравномерное распределение красок, типографское зерно, ошибки цвета при печати стали непременным атрибутом нового стиля. На первый план вышла техника отображения, смысл отошёл на второй.

Поп-арт поменял местами внешнее и внутреннее.

Энди Уорхол

Стиль поп-арт не содержит заумных концептуальных идей, он адресован к обывателю, к народным массам в той же степени, как адресованы к ним средства массовой информации. Недаром расцвет поп-арта совпал с повсеместным распространением телевидения, глянцевых журналов и началом эпохи массового потребления. Глянцевость и гламур – ещё одна неотъемлемая черта этого стиля. Часто в интерьерах поп-арт используются гладкие глянцевые поверхности.

Узнаваемые картинки с обложек периодических изданий, фото знаковых мировых событий и звёзд экрана, популярные герои кино, мультфильмов и телешоу – всё это образы поп-арта. При этом они как будто воспроизводятся на печатном станке или сходят с конвейера – картинки тиражируются и располагаются в один ряд, детали орнамента образуют полотно из разноцветных повторяющихся элементов. Эти рисунки и элементы орнамента часто расположены на плитке, крепящейся на стену. Конечно же, используются большие постеры и картины.

Классическим произведением, «иконой» поп-арта является шелкография Энди Уорхола «Диптих Мэрилин», включающая 50 изображений Мэрилин Монро со знаменитой фотографии актрисы 1953 года. Элементы этой и других работ художника часто встречаются в интерьерах поп-арт.

Материалы, используемые в поп-арте – крашеный металл, стекло, текстиль, дерматин и, конечно же, разноцветный пластик – получивший широкое распространение именно в 60-е годы. Массовое производство из пластмассы, как нового материала, пресса, телевидение, американские небоскрёбы в сочетании с неоновыми огнями реклам, противостояние мировых держав и, конечно же, покорение космоса и научная фантастика – вот что вдохновляло первопроходцев этого стиля! Неудивительно, что деревянная мебель в поп-арте встречается редко. Пластик, стекло, гладкие обтекаемые формы, минимум деталей, максимум цвета – вот что такое настоящий поп-арт.

Поп-арт невероятно пёстр и ярок, умудряется сочетать несочетаемое и часто балансирует на грани безвкусицы и вульгарности, но никогда эту грань не переступает. В самой противоречивости поп-арта есть изюминка, она всегда неожиданно уместна. Поп-арт – стиль, который способен удивлять. Он моментально захватывает зрителя, цепляет его внимание. Знакомые образы притягивают взгляд, приводят в лёгкое замешательство, завораживают. Насыщенные цвета и необычные формы наполняют пространство энергией, а повторяющиеся элементы дизайна задают ритм современной жизни.

Однако не следует думать, что поп-арт – это непременно что-то «кричащее», навязчивое и раздражающее, вроде пресловутой «попсы» или рекламы по телевизору. Интерьер поп-арт может быть выполнен в достаточно спокойных, пастельных тонах, при этом нисколько не изменяя традициям стиля.

Поп-арт позволяет дать волю воображению, непрерывно экспериментируя. Каждый интерьер в стиле поп-арт – неповторимая авторская работа. Поп-арт – стиль демократичный, в нём светильники в стиле минимализм или хай-тек могут соседствовать с мебелью в стиле арт-нуво или арт-деко. И наоборот. Но, поскольку решающее значение имеют цвет и форма, дизайнеру необходимо позаботиться о правильном их сочетании.

———————-

Если вы профессионально занимаетесь дизайном интерьера, читайте также:

Как правильно построить отношения с клиентом

28 способов найти заказчика

Как составить договор на дизайн-проект интерьера

Самопрезентация дизайнера

Поп арт стиль в живописи: история художники картины

Поп-арт – это направление в искусстве, основанное на объектах массовой культуры и направленное на развлечения, коммерцию, а не на поиск глубинного смысла, философию и духовность. Ведущую роль в развитии направления играли: реклама, мода, тренды, иконы стиля, различные средства популяризации и коммерческого продвижения. Поп-арт был реакцией на серьезность абстракционизма и других стилей искусства 20 века. Стиль называют одним из ответвлений искусства авангарда.

История развития стиля

Это было одно из наиболее значимых и влиятельных художественных движений в живописи и других направлениях искусства 20 века, характеризуется специфическим выбором тем и методов, взятых из массовой популярной культуры. Стиль нацелен на широкую аудиторию, поскольку использует популярные образы. Благодаря доступности и простоте, поп-арт имел популярность.

Движение было основано в 1950-х годах, пиком популярности стали 1960-е. Родина поп-арта – Великобритания, но наибольшего развития движение достигло в США, где столицей этого культурного направления стал Нью-Йорк. Основателями и наиболее известными творцами в стиле поп-арт были Энди Уорхол и Джаспер Джонс.

Независимая группа

Первые шаги нового стиля в живописи были связаны с деятельностью «Независимой группы» художников и архитекторов, основанной в 1952 году в Лондоне. Они первыми применили современные технологии для создания полотен с ведущими мотивами массовой и городской народной культуры. Основой для изучения стали американская культура. Пионеры стиля Э.Паолоцци и Р.Гамильтон изучали психологические влияния массовой культуры, ее смысл, лингвистическое содержание. В первую очередь, интересовали методы промышленной рекламы, современные технологии изготовления рекламы, техника создания коллажей.

Это – завтра

В 1956 году состоялась выставка «Это – завтра». Живописцы представили на суд общественности картины в стиле поп-арт, на которых были изображены звезды Голливуда, кадры из известных кинофильмов с увеличением. Именно после выставки к течению присоединились многие выпускники школы искусств, которых вдохновил новый стиль.

США

В США стиль развился и популяризировался. Здесь большое внимание уделяли эстетизации банального – упаковки, товаров массового потребления. Суть американского поп-арта: предметы, которые потребляют люди, делают представителей разных социальных слоев равными между собой. Таким образом, поп-арт – искусство социального равенства.

Как термин

Термин, используемый для определения стиля, появился в 1955-1957 годах, благодаря Л.Эллоуэю – британскому критику. Самого автора понятия удивлял факт, что термин начали использовать для определения целого культурного движения. Сам Эллоуэй имел в виду продукты, имеющие коммерческое назначение, принадлежащие к элементам средств массовой информации.

Художники

Наиболее известные представители направления:

Кит Гаринг

Художник из Нью-Йорка, известен карикатурами. На его работы оказало влияние искусство граффити.

Дэвид Хокни

Считается одним из наиболее известных английских художников 20 века. Хокни был одним из лидеров развития поп-арта в Великобритании.

Джаспер Джонс

Известен картинами с изображением американского флага. Одна из известнейших работ – «Числа в цвете».

Рой Лихтенштейн

Один из известных создателей комиксов.

Уэйн Тибо

Прославился, благодаря картинам с изображением тортов, пирожных, игрушек.

Энди Уорхол

Наиболее знаменитый творец в стиле поп-арт. Узнаваем, благодаря использованию повторяющихся портретов и ярких оттенков в работах.

Особенности работ в стиле поп-арт

Используются изображения и значки, которые популярны в современном мире. Это портреты знаменитостей, звезд кино и музыки, предметов – например, безалкогольных напитков, комиксов, а также любые другие эмблемы и изделия, которые пользуются популярностью в коммерческом мире.

• В живописи используются яркие цвета, технику создания коллажей, объединяют в одном изображении несколько логически невзаимосвязанных объектов.
• Поп-арт полотна трудно не заметить в интерьере – они станут ярким акцентом в помещении, оформленном в современном стиле. Стиль поп-арт подразумевает использование различных текстур.
• Картина может включать надписи, слоганы, девизы – она напоминает рекламный плакат.
• Для создания работ применялись техники фотопечати, комбинирования с реальными предметами, проектирование.
• Эстетические идеалы были заимствованы из массовой культуры, популяризированной средствами массовой информации.
• Приемы художники заимствовали из промышленной рекламы.

Стиль неоднократно подвергался критике. В 1962 году в Музее современного искусства в Нью-Йорке провели симпозиум по поп-арту. Известный критик Х.Крамер настаивал на том, что необходимо противостоять развитию поп-арта, поскольку он популяризирует банальность, вульгарность, безвкусицу. По мнению критика, поп-арт – обычная реклама, которую пытаются облачить в форму искусства.

По мнению другого критика – С.Куница – поп-арт является продуктом пропаганды, а нацелен на формирование конформистского общества, преследующего сугубо потребительские цели. Вся символика и слоганы, по мнению Куница, превращали рекламные плакаты в псевдо искусство.

Смотрите это видео на YouTube

Цель поп-арта, которую вкладывали в свои работы художники – вернуться к реальности, от которой отступили абстракционисты. Главным звеном творчества стал предмет, связанный с индустриальной культурой, кинематографом, печатными изданиями, телевидением.

Значение стиля в искусстве

Поп-арт является не только направлением в живописи – это философское течение, которое исследует особенности влияния массовой культуры. Стиль стал интеллектуальной формой искусства второй половины 20 века.

Стиль развился в других направлениях современного искусства. Ведущие деятели поп-арта оказали существенное влияние на моду – в одежде и интерьере. Э.Уорхол, Р.Лихтенштейн, К.Харинг, Я.Кусама создали работы, которые используются известными дизайнерами в качестве принта для декорирования предметов гардероба или помещений.

Поп-арт | Характеристики, определение, стиль, движение, типы, художники, картины, гравюры, примеры, Лихтенштейн и факты

Энди Уорхол: банки с супом Кэмпбелл

Посмотреть все СМИ

Ключевые люди:

Лоуренс Аллоуэй Ричард Гамильтон

Похожие темы:

искусство мягкая скульптура

Просмотреть весь связанный контент →

Сводка

Прочтите краткий обзор этой темы

Поп-арт , художественное направление конца 1950-х и 60-х годов, вдохновленное коммерческой и массовой культурой. Хотя у поп-арта не было определенного стиля или отношения, он был определен как разнообразный ответ на ориентированные на товары ценности послевоенной эпохи, часто с использованием обычных предметов (таких как комиксы, банки из-под супа, дорожные знаки и гамбургеры) в качестве предмета.

или как часть работы.

Предшественники

Поп-арт был потомком дадаизма, нигилистического движения, существовавшего в 1920-х годах, которое высмеивало серьезность современного парижского искусства и, в более широком смысле, политическую и культурную ситуацию, приведшую к войне в Европе. Марсель Дюшан, поборник дадаизма в Соединенных Штатах, который пытался сократить расстояние между искусством и жизнью, прославляя предметы массового производства своего времени, был самой влиятельной фигурой в эволюции поп-арта. Другими художниками 20-го века, оказавшими влияние на поп-арт, были Стюарт Дэвис, Жерар Мерфи и Фернан Леже, каждый из которых изобразил в своих картинах точность, массовое производство и коммерческие материалы машинно-индустриальной эпохи. Непосредственными предшественниками поп-исполнителей были Джаспер Джонс, Ларри Риверс и Роберт Раушенберг, американские художники, которые в 1950-е расписывали флаги, пивные банки и другие подобные предметы, но с живописной, выразительной техникой.

Во многом поп-арт возник как форма академического исследования. В 1952–1955 годах группа художников, архитекторов и историков дизайна регулярно встречалась в Институте современного искусства в Лондоне, чтобы обсудить разрозненные темы, такие как дизайн автомобилей или журналы. «Независимая группа», как они себя называли, были привержены развитию широкого понимания культуры от ее якобы «высоких» форм до популярных. Эта философия повлияла на умственные работы их главного художника Ричарда Гамильтона. Следовательно, в такой работе, как $he (1958–61), он сочетал намеки на изобразительное искусство (вспоминая Дюшана) с эзотерическими ссылками на американскую телевизионную рекламу, ориентированную на женщин. Другим ключевым членом Независимой группы был Эдуардо Паолоцци, который в 1952 году читал классную лекцию группе о своей коллекции американской научной фантастики и других криминальных образов. У Паолоцци также были сильные скульптурные интересы, и его бруталистические отлитые из бронзы изделия были связаны с опустошенной фигурой, подобной Жану Дюбюффе.

По мере того как поп-музыка набирала обороты как движение, Паолоцци объединил свои скульптурные и популярные культурные интересы в иконографии роботов.

Независимая группа представляет собой первое поколение британской поп-музыки. В начале 1960-х годов из Королевского колледжа искусств в Лондоне вышло второе поколение, в том числе Питер Блейк, Полин Боти, Ричард Смит и Джо Тилсон. Блейк, который, возможно, был наиболее известен тем, что помог разработать один из знаковых образов британского поп-арта, обложку для Beatles « Sgt. Группа Pepper’s Lonely Hearts Club Band

(1967) часто создавала картины на основе коллажей, которые включали предметы массового производства, открытки и изображения из журналов. Боти, с другой стороны, часто рассматривал объективацию женщин в журналах с помощью фоторабот. Среди художников молодого поколения были Дэвид Хокни, Патрик Колфилд и родившийся в Америке Р. Б. Китай. Хокни, в частности, прославился довольно фальшивыми и намеренно походными изображениями обнаженных мужчин, что отражало его гомосексуальность. В конце концов он переехал в Лос-Анджелес, где создавал смущающе мягкие дань уважения залитому солнцем образу жизни в бассейне Калифорнии.

Викторина «Британника»

Викторина «Поп-культура»

Вы принцесса поп-музыки? Король Культуры? Узнайте, являетесь ли вы экспертом в сфере развлечений, ответив на эти вопросы.

Обзор движения поп-арта | TheArtStory

Резюме поп-арта

Освежающее повторное введение в поп-арт узнаваемых образов, почерпнутых из средств массовой информации и массовой культуры, стало серьезным сдвигом в направлении модернизма. Имея корни в нео-дадаизме и других движениях, которые ставили под сомнение само определение «искусства», поп-музыка зародилась в Соединенном Королевстве в 19 веке.50-е годы в послевоенном социально-политическом климате, когда художники обратились к прославлению обыденных вещей и возведению повседневности на уровень изобразительного искусства. Американские художники Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн, Джеймс Розенквист и другие вскоре последовали их примеру и стали самыми известными поборниками движения в собственном отказе от традиционных исторических художественных сюжетов вместо вездесущего проникновения современного общества в продукты и изображения массового производства. которые доминировали в визуальной сфере. Возможно, благодаря включению коммерческих изображений поп-арт стал одним из самых узнаваемых стилей современного искусства.

Удалить рекламу

Ключевые идеи и достижения

• Создавая картины или скульптуры объектов массовой культуры и медиа-звезд, движение поп-арт стремилось стереть границы между «высоким» искусством и «низкой» культурой. Представление об отсутствии иерархии культуры и о том, что искусство может заимствовать из любого источника, было одной из самых влиятельных характеристик поп-арта.
• Можно утверждать, что абстрактные экспрессионисты искали травму в душе, в то время как поп-артисты искали следы той же травмы в опосредованном мире рекламы, карикатур и популярных образов в целом. Но, пожалуй, точнее будет сказать, что художники поп-музыки первыми осознали, что нет прямого доступа к чему бы то ни было, будь то душа, мир природы или искусственная среда. Поп-артисты считали, что все взаимосвязано, и поэтому стремились сделать эти связи буквальными в своих работах.
• Хотя поп-арт включает в себя широкий спектр работ с очень разными взглядами и позами, многие из них несколько эмоционально удалены. В отличие от предшествовавшего ему «горячего» выражения жестовой абстракции, поп-арт вообще «холодно» амбивалентен. Предполагает ли это принятие популярного мира или шокированное отступление, было предметом многочисленных споров.
• Поп-исполнители, похоже, восприняли бум производства и СМИ после Второй мировой войны. Некоторые критики назвали выбор образов в поп-арте восторженным одобрением капиталистического рынка и товаров, которые он распространял, в то время как другие отметили элемент культурной критики в возвышении поп-художниками повседневности до уровня высокого искусства: привязка товарного статуса представленных товаров к статусу самого предмета искусства, подчеркивая место искусства как, по сути, товара.
• Некоторые из самых известных художников поп-музыки начали свою карьеру в коммерческом искусстве: Энди Уорхол был очень успешным журнальным иллюстратором и графическим дизайнером; Эд Руша также был графическим дизайнером, а Джеймс Розенквист начал свою карьеру в качестве художника по рекламным щитам. Их опыт работы в мире коммерческого искусства обучил их визуальному словарю массовой культуры, а также методам плавного слияния сфер высокого искусства и популярной культуры.

Удалить рекламу

Обзор поп-арта

От ранних новаторов в Лондоне до более поздней деконструкции американских образов такими, как Уорхол, Лихтенштейн, Розенквист — движение поп-арт стало одним из самых продуманных художественных направлений.

Beginnings and Development

Концепции, тенденции и связанные темы

Поздние разработки и Legacy

Искусство и художники Pop Art

Прогрессирование искусства

Изображения произведений

1947

Я был богатым человеком 9000 2

1947

Я был богатым человеком 9000 2

Я был богатым человеком

Я был богатым человеком

Я был богатым человеком 9000 2

Я был богатым мужчиной

Я был богатым мужчиной

Я был богатым мужчиной

Я0023

Художник: Эдуардо Паолоцци

Паолоцци, шотландский скульптор и художник, был ключевым представителем британского послевоенного авангарда. Его коллаж «Я был игрушкой богача » оказался важной основополагающей работой для движения поп-арта, объединив документы поп-культуры, такие как обложка криминального чтива, реклама Coca-Cola и объявление о вербовке в армию. Работа иллюстрирует немного более мрачный тон британского поп-арта, который больше отражает разрыв между гламуром и богатством, присутствующим в американской популярной культуре, и экономическими и политическими трудностями британской реальности. Как член независимой группы, Паолоцци подчеркивал влияние технологий и массовой культуры на высокое искусство. Его использование коллажа демонстрирует влияние сюрреалистического и дадаистского фотомонтажа, который Паолоцци применил, чтобы воссоздать шквал изображений средств массовой информации, с которыми сталкивается повседневная жизнь.

Коллаж – Коллекция Тейт, Великобритания

1956

Что же делает современные дома такими разными и привлекательными?

Художник: Ричард Гамильтон

Коллаж Гамильтона стал основополагающим произведением для эволюции поп-арта и часто упоминается как самая первая работа движения. Созданный для выставки This is Tomorrow в лондонской галерее Уайтчепел в 1956 году, образ Гамильтона использовался как в каталоге выставки, так и на рекламных афишах. Коллаж представляет зрителям обновленных Адама и Еву (бодибилдера и танцовщицу бурлеска) в окружении всех удобств современной жизни, включая пылесос, консервированную ветчину и телевизор. Построенный с использованием различных вырезок из журнальных рекламных объявлений, Гамильтон создал домашнюю внутреннюю сцену, которая одновременно восхваляла потребительство и критиковала декаданс, который был символом послевоенных лет экономического бума в Америке.

Коллаж — Кунстхалле Тюбинген, Германия

1960-61

Избранный президент

Художник: Джеймс Розенквист

Как и многие поп-исполнители, Розенквист был очарован популяризацией политических и культурных деятелей в средствах массовой информации. На своей картине «Избранный президент » художник изображает лицо Джона Ф. Кеннеди среди множества потребительских товаров, включая желтый «Шевроле» и кусок пирога. Розенквист создал коллаж из трех элементов, вырезанных из их исходного медийного контекста, а затем фотореалистично воссоздал их в монументальном масштабе. Как объясняет Розенквист, «лицо было с предвыборного плаката Кеннеди. В то время меня очень интересовали люди, которые рекламировали себя. Почему они размещали рекламу о себе? Таково было его лицо. кусок чёрствого пирога». Крупномасштабная работа иллюстрирует технику Розенквиста по комбинированию отдельных изображений с помощью методов смешивания, блокировки и сопоставления, а также его умение включать политические и социальные комментарии с использованием популярных образов.

Мазонит, масло — Центр Жоржа Помпиду, Париж

Artwork Images

1961-62

Кондитерская, I

Художник: Клас Ольденбург

Ольденбург известен как один из немногих американских скульпторов поп-арта, печально известный игриво-абсурдные творения из еды и неодушевленных предметов. Коллекция работ Pastry Case, I первоначально была представлена ​​в знаменитой инсталляции художника 1961 года под названием The Store , расположенной в Нижнем Ист-Сайде Нью-Йорка. Для проекта Ольденбург создал гипсовые скульптурные объекты, в том числе клубничное песочное печенье и засахаренное яблоко. В дополнение к тиражированию предметов потребления Ольденбург организовал свою инсталляцию как типичный универсальный магазин и продавал свои товары по низким ценам, комментируя взаимосвязь между предметами искусства и товарами. Хотя скульптуры продавались так, как если бы они были произведены серийно, скульптуры в The Store были тщательно изготовлены вручную, и роскошные, выразительные мазки, которыми покрыты предметы в Кондитерская коробка, I , кажется, высмеивают серьезность абстрактного экспрессионизма, распространенную тему в поп-арте. Ольденбург сочетает вызывающий воспоминания экспрессионистский жест с товаром в очень ироничной среде.

Расписные гипсовые скульптуры на керамических тарелках, металлическом блюде и чашках в футляре из стекла и металла. Музей современного искусства, Нью-Йорк

1963

Тонущая девушка

Художник: Рой Лихтенштейн

В начале 1960-х годов Лихтенштейн прославился как ведущий поп-художник благодаря своим картинам, созданным на основе популярных комиксов. Хотя такие художники, как Роберт Раушенберг и Джаспер Джонс, ранее интегрировали популярные образы в свои работы, до сих пор никто не сосредоточивался на мультяшных образах так исключительно, как Лихтенштейн. Его творчество, наряду с творчеством Энди Уорхола, ознаменовало начало движения поп-арта и, по сути, конец абстрактного экспрессионизма как доминирующего стиля.

Лихтенштейн не просто копировал страницы комиксов напрямую, он использовал сложную технику, которая включала обрезку изображений для создания совершенно новых, драматических композиций, как, например, в «Утопающая девушка» , исходное изображение которой включало бойфренда женщины, стоящего на лодке над ней. Лихтенштейн также сократил текст панелей комиксов, указав язык как еще один важный визуальный элемент; повторное использование этого символического аспекта коммерческого искусства для его картин еще больше бросило вызов существующим представлениям об определениях «высокого» искусства.

Как и в случае с остальным поп-артом, часто неясно, аплодирует ли Лихтенштейн образу комиксов и общей культурной сфере, к которой он принадлежит, или критикует его, оставляя интерпретацию на усмотрение зрителя. Но в Drowning Girl насмешливость положения женщины (что видно из ее нелепого заявления) очевидна.

Масло на холсте — Масляная и синтетическая полимерная краска на холсте, © Estate of Roy Lichtenstein

1968

Campbell’s Soup I

Художник: Энди Уорхол

Знаменитая серия картин Уорхола, состоящая из Банки с супом Кэмпбелл , никогда не предназначалась для прославления за их форму или композиционный стиль, как у абстракционистов. Что сделало эти работы значительными, так это то, что Уорхол использовал общеузнаваемые образы, такие как банка супа Кэмпбелл, Микки Маус или лицо Мэрилин Монро, и изображал их как предмет массового производства, но в контексте изобразительного искусства. В этом смысле Уорхол не просто подчеркивал популярные образы, но, скорее, комментировал то, как люди стали воспринимать эти вещи в наше время: как товары, которые можно покупать и продавать, идентифицируемые как таковые с одного взгляда. Эта ранняя серия была нарисована вручную, но вскоре после этого Уорхол переключился на трафаретную печать, отдав предпочтение механической технике для своих образов массовой культуры. 100 полотен Кэмпбелла из банок из-под супа составили его первую персональную выставку в галерее Ferus в Лос-Анджелесе и почти сразу же поставили Уорхола на карту мира искусства, навсегда изменив лицо и содержание современного искусства.

Скриншот — добросовестное использование

Изображения

1966

Кролики

Художник: Зигмар Польке

После того, как Польке стал соучредителем капиталистического реализма в 1963 году в Дюссельдорфе, Германия, вместе с Конрадом Лейгугтером, он начал создавать картины. массовой культуры, вызывая как неподдельную ностальгию по изображениям, так и легкий цинизм в отношении состояния немецкой экономики. Он начал имитировать точечные узоры коммерческой четырехцветной печати (растровые точки) примерно в то же время, когда Лихтенштейн начал воспроизводить точки Бен-Дэя на своих холстах. В Кролики , Польке использует изображение из Playboy Club, на котором изображены четыре их «кролика» в костюмах. Воссоздав в этой картине технику растровой точечной печати, Польке подрывает массовый маркетинг сексуальной привлекательности, ведь чем ближе зритель подходит к работе, тем меньше он видит. Кролики и остальные растровые точечные рисунки Польке не вызывают глубокой личной идентификации с изображением, а скорее становятся аллегориями для себя, потерянного среди потока коммерческих образов. Диссонанс между манящей сексуальностью присвоенного образа зайчиков Playboy и отдаляющим эффектом растровых точек перекликается с игрой чувств и эмоций художника, тоскующего по рекламируемой массовой культурой жизни и одновременно отталкивающего ее. время. Взгляд Польке на массовую культуру гораздо более критичен, чем у любого из нью-йоркских художников, и коренится в скептическом отношении, которого придерживаются капиталистические реалисты. Вместо «крутой» отстраненности Нью-Йорка Польке умно критикует популярную культуру и то, как она влияет на человека, используя те же методы создания имиджа для массового рынка.

Масло на каве — Музей и сад скульптур Хиршорна, Вашингтон, округ Колумбия, США

Artwork Images

1966

Standard Station

Художник: Эд Руша

Гравер, художник и фотограф Эд Руша был важным сторонником Поп-арт западного побережья, в котором образы Голливуда смешались с красочными изображениями коммерческой культуры и ландшафта юго-запада. Автозаправочная станция — один из самых знаковых мотивов Руши, неоднократно появляющийся в его книге 9.0093 Twentysix Gasoline Stations (1963), документация невозмутимых фотографий из поездки по сельской местности юго-запада Америки. В Standard Station художник превращает банальное изображение автозаправочной станции в знаковый символ американской потребительской культуры. Здесь с помощью трафаретной печати Руша сводит перспективу в единую плоскость, чтобы создать изображение, напоминающее эстетику коммерческой рекламы. Работа также демонстрирует ранние эксперименты Руши с языком и текстовым взаимодействием, которые будут главной заботой во многих его более поздних, более концептуально ориентированных работах.

Скриншот — Музей современного искусства, Нью-Йорк

1967

Большой всплеск

Художник: Дэвид Хокни видел в руководстве по пулу. Хокни была заинтригована идеей, что картина может воссоздать мимолетное событие, застывшее на фотографии: «Мне понравилась идея нарисовать то, что длится две секунды: мне требуется две недели, чтобы нарисовать это событие, которое длится две секунды». Динамизм брызг резко контрастирует со статичной и жесткой геометрией дома, кромкой бассейна, пальмами и эффектной желтой доской для прыжков в воду, тщательно выстроенных в сетку, содержащую брызги. Это придает картине абсолютно преднамеренный бессвязный эффект, что является одной из отличительных черт стиля Хокни. Эффект стилизации и искусственности опирается на эстетический словарь поп-арта.

Холст, акрил — Коллекция Тейт, Великобритания

Удалить рекламу

Начало поп-арта

Великобритания: The Independent Group

В 1952 году в Лондоне началось собрание художников, называющих себя Independent Group. регулярно обсуждать такие темы, как место массовой культуры в изобразительном искусстве, найденный объект, наука и техника. Среди участников были Эдуардо Паолоцци, Ричард Гамильтон, архитекторы Элисон и Питер Смитсон, а также критики Лоуренс Аллоуэй и Рейнер Бэнэм. Великобритания в начале 1950-е годы еще только выходили из аскезы послевоенных лет, и его граждане неоднозначно относились к американской поп-культуре. Хотя группа с подозрением относилась к ее коммерческому характеру, они с энтузиазмом относились к богатой мировой поп-культуре, которая, казалось, обещала будущее. Образы, которые они подробно обсуждали, включали образы из западных фильмов, научной фантастики, комиксов, рекламных щитов, автомобильного дизайна и рок-н-ролла.

Фактический термин «поп-арт» имеет несколько возможных источников: первое использование термина в письменной форме было приписано как Лоуренсу Аллоуэю, Элисон и Питеру Смитсону, так и Ричарду Гамильтону, который дал определение поп-арту в письме, в то время как Первое произведение искусства, в котором использовалось слово «поп», было создано Паолоцци. Его коллаж I Was a Rich Man’s Plaything (1947) содержал нарезанные изображения пинап-девушки, логотипа Coca-Cola, вишневого пирога, бомбардировщика времен Второй мировой войны и мужской руки, держащей пистолет, из которого вырвался мир «POP». !» в пушистом белом облаке.

Стр. Движения британского поп-арта

Нью-Йорк: появление нео-дадаизма

К середине 1950-х годов художники, работавшие в Нью-Йорке, столкнулись с критическим моментом в современном искусстве: следовать за абстрактными экспрессионистами или восстать против строгих формализм, отстаиваемый многими школами модернизма. К этому времени Джаспер Джонс уже вызывал беспокойство условностями с абстрактными картинами, которые включали ссылки на «вещи, которые разум уже знает» — цели, флаги, отпечатки ладоней, буквы и числа. Между тем, «комбинации» Роберта Раушенберга включали найденные объекты и изображения с более традиционными материалами, такими как масляная краска. Точно так же «Происшествия» Аллана Капроу и движения Fluxus решили включить аспекты окружающего мира в свое искусство. Эти художники, наряду с другими, позже объединились в движение, известное как Неодада. Ставший классикой нью-йоркский поп-арт Роя Лихтенштейна, Класа Ольденбурга, Джеймса Розенквиста и Энди Уорхола появился в XIX веке.60 по следам неодадаистов.

Удалить рекламу

Поп-арт: концепции, стили и тенденции

После того, как переход художников-неодадаистов от предметно-найденных конструкций к движению поп-музыки был завершен, со стороны художников возник широкий интерес к включение популярной культуры в свою работу. Хотя художники из Independent Group в Лондоне инициировали использование термина «поп» в отношении искусства, американские художники вскоре последовали их примеру и также включили поп-культуру в свои произведения. Хотя отдельные стили сильно различаются, все художники сохраняют общность в выборе образов популярной культуры в качестве основного предмета. Вскоре после того, как американский поп-арт появился на мировой арене искусства, континентальные европейские варианты развились в движении капиталистического реализма в Германии и движении нуво-реализма во Франции.

Ричард Гамильтон, Эдуардо Паолоцци и табличное изображение

Коллажи Паолоцци и Гамильтона в стиле поп-арт передают смешанные чувства европейцев к американской поп-культуре; оба превозносят предметы и изображения массового производства, а также критикуют излишества. В его коллаже Что же делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными? (1956 г.), Гамильтон объединил изображения из различных источников средств массовой информации, тщательно отобрав каждое изображение и собрав разрозненные элементы популярных образов в одно связное исследование послевоенной потребительской культуры. Члены Independent Group были первыми художниками, представившими образы средств массовой информации, признавая вызовы традиционным категориям искусства, возникшие в Америке и Великобритании после 19-го века.45.

Рой Лихтенштейн и Pulp Culture

Лихтенштейн доказал, что он может удовлетворить требования «отличной» композиции, даже если его сюжет взят из комиксов. Помимо использования изображений из этих массовых книжек с картинками, Лихтенштейн присвоил методы, используемые для создания изображений в комиксах, для создания своих картин. Он не только перенял те же яркие цвета и четкие очертания, что и популярное искусство, его самым новаторским вкладом было использование точек Бен-Дей: маленькие точки, используемые для передачи цвета в комиксах массового производства. Сосредоточив внимание на одной панели комикса, полотна Лихтенштейна не являются точным факсимиле, а скорее представляют собой творческое переосмысление художником композиции, в которой элементы могут быть добавлены или удалены, масштаб может смещаться, а текст может быть отредактирован. Рисуя вручную точки, которые обычно создаются машинами, и воссоздавая сцены из комиксов, Лихтенштейн стер различие между массовым воспроизведением и высоким искусством.

Джеймс Розенквист и монументальное изображение

Розенквист также напрямую использовал изображения из популярной культуры для своих картин. Однако вместо того, чтобы производить механические копии, Розенквист осуществлял творческий контроль за счет своего сюрреалистического сопоставления продуктов и знаменитостей, часто вставляя политические сообщения. В рамках своего метода Розенквист сделал коллаж из журнальных вырезок из рекламных объявлений и фоторепортажей, а затем использовал результаты в качестве этюдов для своей последней картины. Обучение Розенквиста рисованию рекламных щитов прекрасно перешло в его реалистичные изображения этих коллажей, расширенных до монументального масштаба. С работами, которые часто были намного больше и шире, чем 20 футов, Розенквист наделил мирское тем же статусом, который ранее был зарезервирован для высоких, иногда королевских предметов искусства.

Энди Уорхол и Repetition

Энди Уорхол наиболее известен своими яркими портретами знаменитостей, но на протяжении всей своей карьеры его сюжеты сильно менялись. Общей темой среди различных предметов является их вдохновение в культуре массового потребления. Его самые ранние работы изображают такие объекты, как бутылки Coca-Cola и банки супа Campbell, воспроизводимые до бесконечности, как если бы стена галереи была полкой в ​​​​супермаркете. Уорхол перешел от ручной живописи к трафаретной печати, чтобы еще больше облегчить крупномасштабное тиражирование поп-изображений. Настойчивость Уорхола в отношении механического воспроизведения отвергала представления о художественной подлинности и гениальности. Вместо этого он признал превращение искусства в товар, доказав, что картины ничем не отличаются от банок с супом Кэмпбелл; оба имеют материальную ценность и могут быть куплены и проданы как потребительские товары. Далее он приравнял статус массового производства потребительских товаров к статусу знаменитостей на портретах, подобных 9. 0093 Мэрилин Диптих (1962).

Удалить рекламу

Клас Ольденбург и поп-скульптура

Известный своими монументальными публичными скульптурами из повседневных предметов и «мягкими» скульптурами, Клас Ольденбург начал свою карьеру в гораздо меньшем масштабе. В 1961 году он арендовал магазин в Нью-Йорке на месяц, где установил и продал свои проволочные и гипсовые скульптуры мирских предметов, от выпечки до мужского и женского нижнего белья, в инсталляции, которую он назвал 9009.3 Магазин . Ольденбург взимал номинальную плату за каждое произведение, что подчеркивало его комментарий о роли искусства как товара. Он начал свои мягкие скульптуры вскоре после The Store , создавая большие предметы повседневного обихода, такие как кусок торта, рожок для мороженого или миксер, из ткани и наполнителя, так что конечный результат схлопывается сам по себе, как сдувающийся воздушный шар. . Ольденбург продолжал сосредотачиваться на обычных объектах на протяжении всей своей карьеры, переходя от мягких скульптур к грандиозному паблик-арту, такому как 45-футовая Прищепка (1974) в центре Филадельфии. Независимо от масштаба, работы Ольденбурга всегда сохраняют игривое отношение к воссозданию обыденных вещей нетрадиционным способом, чтобы превзойти ожидания зрителя.

Лос-Анджелес Поп

В отличие от Нью-Йорка, мир искусства Лос-Анджелеса был гораздо менее жестким, в нем не было устоявшихся галерей, критиков и иерархий восточного побережья; эта открытость отражается в стилях живших и работавших там художников. Первый музейный обзор поп-арта, Новая картина обычных предметов , проводившаяся в Художественном музее Пасадены в 1962 году, представляла Уорхола и Лихтенштейна, а также многих художников, живущих в Лос-Анджелесе, включая Эда Руша, Джо Гуда, Филиппа Хеффертона, Уэйна Тибо и Роберта Дауда. Другие художники из Лос-Анджелеса, такие как Билли Эл Бенгстон, включили в свою версию поп-музыки иную эстетику, используя новые материалы, такие как автомобильная краска, и ссылаясь на серфинг и мотоциклы в работах, которые делают знакомое странным за счет новых и неожиданных комбинаций изображений и медиа. . Сместив акцент с конкретных потребительских товаров, эти художники позволили поп-арту выйти за рамки тиражирования, чтобы включить опыт и вызвать определенное чувство, отношение или идею, а также раздвинуть границы между высоким искусством и популярной культурой.

Эд Руша и Signage

В реестре Ferus Gallery Эд Руша был одним из ключевых художников лос-анджелесской поп-музыки, который работал в различных средствах массовой информации, большинство из которых обычно печатались или рисовались. Подчеркивая вездесущность вывесок в Лос-Анджелесе, Руша использовал слова и фразы в качестве сюжетов в своих ранних картинах в стиле поп-арт. Его первой ссылкой на массовую культуру была картина «Большой товарный знак с восемью прожекторами » (1962), где он присвоил 20 ^th Логотип Century Fox в упрощенной композиции с четкими границами и четкой палитрой мультяшного, перекликающегося с аналогичными билбордами. Его последующие картины слов еще больше стирали границы между рекламными вывесками, живописью и абстракцией, подрывая границы между эстетическим миром и коммерческой сферой, некоторые даже включали трехмерные объекты, такие как карандаши и комиксы на холстах. Работа Руши предвещает концептуальное искусство конца 1960-х годов, движимое идеей, стоящей за произведением искусства, а не конкретным изображением. Исследование Рушей множества обычных изображений и тем вышло за рамки простого их воспроизведения, но и привело к изучению взаимозаменяемости изображения, текста, места и опыта.

Капиталистический реализм в Германии

В Германии аналогом движения американского поп-арта был капиталистический реализм, движение, которое сосредоточилось на предметах, взятых из товарной культуры, и использовало эстетику, основанную на средствах массовой информации. Группа была основана Зигмаром Польке в 1963 году, и в ее состав входили художники Герхард Рихтер и Конрад Луэг. Капиталистические реалисты стремились разоблачить потребительство и поверхностность современного капиталистического общества, используя образы и эстетику популярного искусства и рекламы в своей работе. Польке исследовал творческие возможности механического воспроизведения, Луэг исследовал образы поп-культуры, а Рихтер анализировал фотографический носитель.

Nouveau Réalisme во Франции

Во Франции аспекты поп-арта были представлены в Nouveau Réalisme, движении, начатом критиком Пьером Рестани в 1960 году при разработке «Учредительной декларации нового реализма», в которой провозглашалось: «Nouveau Réalisme». Реализм — новые способы восприятия реального». Декларация была подписана в мастерской Ива Кляйна девятью художниками, которых объединило прямое освоение массовой культуры, или, говоря словами Рестани, «поэтическая переработка городской, индустриальной и рекламной реальности». Этот принцип очевиден в работах Виллегле, чья техника « décollage » включал в себя разрезание слоев плакатов для создания нового изображения. В то время как это движение перекликалось с озабоченностью американских художников поп-музыки коммерческой культурой, многие из нуво-реалистов больше интересовались объектами, чем живописью, как в случае с Spoerri. , чьи «картинки-ловушки» использовали еду, столовые приборы и столешницы в качестве художественных средств. Среди других ключевых сторонников движения были Ив Кляйн, Жан Тэнгли, Арман, Франсуа Дюфрен, Раймон Хейнс, Ники де Сен-Фалль, а также Христо и Жан-Клод.

Удалить рекламу

Более поздние разработки — после поп-арта

Поп-арт продолжал оказывать влияние на художников в последующие десятилетия, а такие художники, как Уорхол, сохраняли огромное присутствие в мире искусства Нью-Йорка вплоть до 1980-х годов. Поп потерял популярность в 1970-х годах, когда мир искусства сместил акцент с предметов искусства на инсталляции, перформансы и другие менее осязаемые формы искусства. Однако с возрождением живописи в конце 1970-х и в начале 1980-х арт-объект снова стал популярен, а массовая культура предоставила предметы, которые зрителям было легко идентифицировать и понять. Одной из ведущих фигур движения нео-поп был Джефф Кунс, чье присвоение икон поп-культуры, таких как Майкл Джексон, и предметов массового производства, таких как пылесосы Hoover, еще больше раздвинуло границы высокого искусства.