Понятие неоклассицизм: ЧТО ТАКОЕ НЕОКЛАССИЦИЗМ? История развития и современные образчики неоклассицизма в дизайне и архитектуре — Дизайн на vc.ru
ЧТО ТАКОЕ НЕОКЛАССИЦИЗМ? История развития и современные образчики неоклассицизма в дизайне и архитектуре — Дизайн на vc.ru
1282 просмотров
Архитектурный стиль неоклассицизм — направление в архитектуре созданное движением неоклассиков, которые зародились в начале 18 века. Чистый неоклассицизм в своей основе является производной от архитектуры времён античности, принципов Марка Витрувия Поллиона и работ итальянского архитектора Андреа ди Пьетро да Падова (архитектора позднего Возрождения).
За границей понятие «неоклассицизм» применяется к классическому направлению в архитектуре и искусстве второй половины 18 — первой половине 19 веков и отличается от классицизма 17 века, и от обращений к классике позднее. В России традиционно принято называть «классицизмом» 18 века, а также направлением в архитектуре Александровский классицизм или «ампир», сам термин «неоклассицизм» относят только к направлению в архитектуре и изобразительном искусстве первой половины 20 века.
Сегодня виднеется стремление архитекторов и художников всего мира прийти к единой терминологии. Оригинальную концепцию неоклассицизма 18 века в отличие от классицизма 16—17 веков предложил историк и теоретик искусства родом из Франции Луи-Эжен-Жорж Откёр.
ИСТОРИЯ НЕОКЛАССИЦИЗМА
Изначально понятие неоклассицизма рассматривали, как симптом попыток возвращения к кажущейся «чистой» древнеримской архитектуре, чуть меньше к «смутному» искусству древних греков и менее всего, к классицизму эпохи ренессанса 16 столетия, который являлся источником вдохновения для художников и архитекторов времён позднего барокко
На неоклассического архитектора начала 19 века чаще всего влияли работы Этьена-Луи Булле и Клода-Николя Леду. Графические работы Этьена Булле и его последователей изображали геометрически свободную архитектуру, подразумевающую вечность Вселенной. В этом плане тесно переплетаются концепция возвышенного Эдмунда Бёрка и идеями Буле. Леду в свою очередь развивал понятие характера архитектуры, поясняя, что назначение любого здания должно сразу считываться наблюдателем, объект доносит свои функции самостоятельно, без каких-либо дополнений.
Неоклассицизм в дизайне интерьера
Если мы коснёмся внутренних устройств помещения в стиле неоклассицизма, то мы увидим, что этот стиль нам напоминает древние Помпеи и Геркуланум, которые были всеобщим достоянием, как раз во время зарождения неоклассицизма в 1760-ых годах и оказали огромное влияние на этот архитектурный стиль. Первые публикации и описания древнего Геркуланума показывали, что барокко или римские комнаты не совсем классический стиль древности, они топорно напыщенны, так как основывались на базилике и внешней архитектуре храма, которая была обращена наружу.
Интерьер нового стиля стремился воссоздавать реальные древнеримские убранства. Методика стиля заключалась в использовании более плоских, более лёгких мотивов, вылепленных в виде рельефов, создавая впечатление низких фризов или раскрашенных в монотонные цвета, изолированных медальонов или ваз, или бюстов, или букраний, или других мотивов, подвешенных на лаврах или лентах с тонкими арабесками на фоне, возможно, помпейского красного или бледных оттенков, или в цвете камня.
Но стоит отметить, что тогда ещё не пытались использовать основные формы истинно Римской мебели вплоть до конца века.
Новый этап в дизайнах неоклассиков был определён Робертом и Джеймсом Адамами, двумя братьями, которые ездили по Итальянским землям и территории Далмации в 50-х годах 18 века, анализируя руины древнего мира. После возвращения в Англию, братьями была опубликована книга, которую они озаглавили «Произведения архитектуры в рассрочку между 1773 и 1779 годами». Позднее была опубликована ещё одно определяющая классицизм книга «The works in architecture» (архитектурные труды), опубликованную по частям между 1773 и 1779 годами. Эта книга включила в себя гравированные рисунки и помогла репертуару братьев стать доступным по всей Европе.
ХАРАКТЕРИСТИКА НЕОКЛАССИЦИЗМА
Высокий неоклассицизм — это интернациональное движение. Хоть и архитектурное направление «неоклассицизм», использует такой же классический словарь, что и архитектура позднего барокко, неоклассицизм, подчёркивает свои плоскостные качества, а не скульптурные объёмы. Проекции и углубления, а также их светотеневые эффекты стали более плоскими, скульптурные барельефы стали более плоскими и, как правило, обрамлялись фризами, табличками или панелями. Его чётко сформулированные индивидуальные особенности были изолированными, а не взаимопроникающими, автономными и завершёнными сами по себе.
Влияние неоклассицизма улавливалось и в городском планировании, в древнем Риме использовались консолидированные схемы городских устройств, как для оборонительных действий, так и в гражданских целях, но необходимо помнить, что истоки этих систем исходят от более древних цивилизаций. Вообще, сетки улиц, центральные форумы и городские службы, два больших основных бульвара и в некоторых случаях диагональная улица, это характерно для максимально логичных и упорядоченных римских городов. Фасады и макеты древности ориентировались на эти образы городского дизайна, и именно они, работают пропорционально важности общественных зданий.
Многие из этих моделей городского планирования нашли своё отражение в первых современных плановых городах 18 века. Но далеко не все запланированные города и плановые кварталы спроектированы по неоклассическим принципам. Например ново-урбанистические движения.
НЕОКЛАССИЦИЗМ XXI ВЕКА
Сразу После длительного затишья, которое длилось с окончания Второй мировой войны до примерно середины 80-ых, когда доминировала архитектура модернизма, неоклассицизм начал своё возрождение и перерождение.
В 21 веке современная неоклассика часто квалифицируется, как новая классическая архитектура, неоисторизм, традиционализм или неоклассическая архитектура, скорее выполняя роль исторической архитектуры.
Узнай больше о других направлениях в дизайне и архитектуре, подписывайся на наш канал.
Неоклассицизм | Belcanto.ru
Неоклассицизм — одно из направлений в музыке 20 в.,
представители к-рого стремились к возрождению стилистич. черт
музыки раннеклассич. и доклассич. периода. Наибольшего развития
достигло в период между двумя мировыми войнами. В 1920 Ф. Бузони
опубликовал открытое письмо к П. Беккеру под заглавием «Новый
классицизм», к-рое стало манифестом этого направления. «Под новым
классицизмом, — писал Бузони, — я понимаю развитие, отбор и
использование всех достижений прошлого опыта и воплощение их в
твёрдую и изящную форму». Осн. чертами нового иск-ва он считал
единство стиля, высокое развитие полифонии и дух ясной
объективности.
Понятие «Н.» иногда трактуется в более широком плане и
распространяется на нек-рые явления музыки 2-й пол. 19 и нач. 20
вв. Такое толкование приводит к искусственному объединению
различных по своей эстетич. сущности явлений и стиранию важнейших
историч. рубежей в развитии музыки. В работах сов. музыковедов
проводится дифференциация между Н. как определённым направлением и
классицистскими тенденциями, проявляющимися в рамках романтизма и
нек-рых др. стилевых течений. Так, у И. Брамса, С. Франка, К.
Сен-Санса обращение к строгим классич. формам служило известного
рода «противоядием» от крайностей романтич. субъективизма,
средством достижения большего равновесия между личным и объективно
рациональным. Но в целом образный строй творчества этих
композиторов и средства муз.
Эти классицистские тенденции частично подготовили возникновение Н.
Так, в творчестве ряда композиторов кон. 19 — нач. 20 вв. возросла
роль полифонии. С. И. Танеев подчёркивал логически организующее и
дисциплинирующее значение полифонии, формы к-рой, как он утверждал,
вечны и не зависят от времени, в отличие от постоянно
эволюционирующего и изменяющегося мелодич. и гармонич. языка. В
предисловии к своему труду «Подвижной контрапункт строгого письма»
он писал: «Для современной музыки, гармония которой утрачивает
тональную связь, должна быть особенно ценною связующая сила
контрапунктических форм». Разнообразнейшие типы полифонии,
характерные для разл. этапов её развития (от нидерл. школы 15-16
вв. до Баха), Танеев соединил в своём творчестве с яркой
интонационной выразительностью и богатством гармонич. красок
позднего романтич. иск-ва. С классицистскими тенденциями связаны
полифонизация фактуры и нек-рые черты тематизма в произв.
В. д’Энди, глава новой франц. муз. школы, сложившейся на рубеже 19 и 20 вв., стремился сочетать достижения Р. Вагнера в области гармонии и орк. колорита с мастерством старых полифонистов, мелодич. простотой и строгостью григорианского хорала, рационалистич. ясностью музыки Ж. Б. Люлли, Ж. Ф. Рамо, Ф. Куперена. К традициям франц. музыки 17- 18 вв. примыкают в нек-рых своих произв. К. Дебюсси и М. Равель, к-рым, однако, было чуждо увлечение сложными полифонич. формами (Р. Хаман замечает, что «самой немодной» у импрессионистов формой была фуга).
Особая роль в подготовке Н. принадлежит М. Регеру. Не порывая
полностью с поздним романтизмом, его творчество предвосхищает ряд
новых течений в музыке 20 в. Полифонич. письмо Регера приобретает
черты суховатой графичности, его гармонич. язык усложняется за счёт
интенсивного развития хроматики и далёких аккордовых сопоставлений.
Регер возрождает старинные формы орг. музыки (фантазия ц фуга,
токката, пассакалья, хоральная прелюдия), сонаты для скрипки и
виолончели соло, concerto grosso и др.
Классицистские элементы его
творчества получили дальнейшее развитие прежде всего у П.
Хиндемита. Представители новой венской школы признавали его одним
из своих предшественников в области гармонии.
Более поверхностное выражение классицистские тенденции нашли у Р. Штрауса. Об опере «Кавалер роз» (1910) принято говорить как о поворотном пункте от экзальтированного вагнерианства и экспрессионистских увлечений к классич. ясности, спокойствию и уравновешенности стиля. Художеств. симпатии композитора от Вагнера обращаются к Моцарту. Но овладение конструктивными приёмами и формами муз. мышления, свойственными иск-ву прошедших эпох, подменяется у Штрауса внешней стилизацией.
В отличие от охарактеризованных выше явлений, в большей или меньшей
степени связанных с эстетикой и стилевыми принципами романтизма, Н.
возникает как одно из проявлений «антиромантической реакции,
наступившей в буржуазном искусстве после первой мировой войны» (М.
Михайлов). При этом понятие романтизма распространялось почти на
всё наследие 19 в.
, а также и на более поздние течения, генетически
связанные с романтизмом, — импрессионизм и экспрессионизм. Бузони
рассматривал Дебюсси как завершителя минувшей эпохи, а не
зачинателя новой, противопоставляя преим. гомофонному складу его
музыки стремление к полифонизации фактуры и разнообразию способов
изложения, характерное для музыки 20 в. Столь же решительно Бузони
отвергал индивидуальный произвол и «анархию» А. Шёнберга. Критич.
отношение к основателю и главе нововенской школы было свойственно и
И. Ф. Стравинскому. Экспрессионизм и Н. — два полюса модернистского
муз. иск-ва 1-й пол. 20 в. Эмоциональной взвинченности,
экстатичности экспрессионизма музыка композиторов
неоклассицистского направления противопоставляет трезвую
деловитость, ясность конструктивного замысла, сдержанность
выражения. X. Эйслер охарактеризовал эти две крайности словами
«перегрев» и «переохлаждение».
Эстетич. идеал Н. — «порядок», устойчивость, равновесие всех
элементов художеств. целого. Эта гармония понимается, однако, не
как результат борьбы и преодоления реальных жизненных противоречий,
а как нечто изначально существующее, вечное и незыблемое.
Порядок,
к-рый, по словам Стравинского, иск-во призвано «внести во все
окружающее», является чисто иллюзорным. Иск-во Н. носит отвлечённо
интеллектуальный характер, или, по выражению Стравинского, исходит
из «спекулятивного фактора». Говоря об «истинной», «правдивой»
музыке, Стравинский противопоставляет абстрактную художеств. истину
реальной правде жизни и человеч. чувства. Создание произв.
понималось им как чисто рационалистич. процесс «строительства»
прочной и целесообразной формальной конструкции, из к-рого по
возможности изгоняются все эмоциональные стимулы. Наиболее надёжным
материалом для осуществления этой цели он считал «чистый
контрапункт» Баха.
Отношение к творчеству Баха композиторов-романтиков 19 в. и
«неоклассиков» в корне различно. Если романтиков привлекали прежде
всего возвышенная красота и величие баховской музыки, глубина
выраженных в ней эмоций, то представители Н. проявляли интерес гл.
обр. к её конструктивным элементам. «… Когда неоклассицизм 20-х
гг. обратился «назад к Баху»,- пишет У.
Остин, — то подчеркивались
и даже преувеличивались наименее романтические черты баховского
стиля: non rubato, non crescendo и имитационный контрапункт». Для
Н. характерны тяготение к «общим формам движения», равномерной
ритмич. моторности, преодолению чётко оформленного, рельефного
тематизма, выразительная же сторона баховской мелодики и гармонии
осталась ему в значит. мере чуждой.
Иск-во Н. по своей сущности элитарно. Оно связано с
«дегуманизирующей» тенденцией, идущей от взглядов Ф. Ницше, а затем
получившей развитие у ряда буржуазных философов и эстетиков 20 в.
X. Ортега-и-Гасет сформулировал эту тенденцию как «бегство от
человеческой личности». Новое иск-во, по его мнению, должно быть
свободно от личных эмоций, от стремления заражать публику чувством,
вызывать у неё радость или сострадание и стать предметом чисто
интеллектуального созерцания, доступного лишь небольшому слою
«духовной элиты». Это будет, как утверждал Ортега-и-Гасет,
замкнутое в самом себе, бесцельное и самоценное иск-во,
противостоящее «миру человеческих реальностей».
В основе Н. —
аналогич. стремление к отстранению от всего, что способно
непосредственно затрагивать и волновать человека, напоминать о
жизненных тревогах и потрясениях, к уходу в сферу чисто
спекулятивной интеллектуальной деятельности, не связанной с
реальными жизненными интересами.
Н. получил разл. окраску в разл. странах и у отд. композиторов,
нередко переплетаясь и взаимодействуя с др. направлениями. Осн.
черты Н. наиболее полно и ярко выразил в своём творчестве и в
многочисл. теоретич. и автобиографич. высказываниях Стравинский.
Балет «Пульчинелла» (1919), в основу к-рого положены темы Дж. Б.
Перголези, был, по словам композитора, «моим открытием прошлого,
моим крещением, благодаря которому сделались возможными все мои
последующие сочинения». Творчество Стравинского 20-30-х гг.
характеризуется отходом от нац. тематики, тяготением к
универсализму, преодолевающему рамки национального и исторического.
В ряде инстр. произв. этих лет (соната для фп., концерты для фп. и
дух. инструментов, для скрипки с оркестром, для 2 фп.
, для
камерного оркестра), балете «Аполлон Мусагет» (1927) и др. он
обращается к типичным структурам и формам изложения
баховско-генделевского или ранне-классич. (добетховенского)
периода, самостоятельно «моделируя» их и соединяя с новыми
средствами муз. языка. Стремление к подчёркнутой «аэмоциональности»
выражается в резкости, угловатости мелодич. очертаний, остро
звучащих политональных и полифункциональных наложениях. Классич.
формы часто трактуются Стравинским с оттенком иронии и приобретают
пародийную окраску (Ортега-и-Гасет писал о свойственной новому
иск-ву «позе самовысмеивания», о «комизме современного
вдохновения»).
С эстетикой Н. было связано возникшее в 20-х гг. в Германии
движение «новой деловитости» или «новой объективности» («Neue
Sachlichkeit»), во главе к-рого стоял Хиндемит. Классицистские
тенденции проявляются у Хиндемита в обращении к «концертирующим»
формам инстр. музыки, типичным для эпохи барокко, в опытах
возрождения линеарной хор. полифонии 16 в. Представители итал.
неоклассицизма И. Пиццетти, Л. Малипьеро, А. Казелла опирались на
нац. муз. наследие. «Моделями» для их творчества служили инстр.
произв. А. Вивальди, А. Скарлатти, баручная опера 17 в.,
ренессансная хор. полифония, мелодика григорианского хорала.
Непродолжит. период увлечения неоклассицистскими идеями пережил Б.
Барток в 20-х гг., но в целом это направление осталось ему чуждо.
Также лишь частичное отражение принципы Н. получили во франц.
музыке (у М. Равеля и нек-рых представителей «шестёрки»). После 2-й
мировой войны 1939-45 позиции Н. ослабевают, он перестаёт быть
одним из ведущих направлений европ. музыки, но отдельные его
элементы сохраняются в творчестве различных по своей
идейно-художеств. ориентации композиторов.
Литература: Глебов Игорь (Асафьев Б. В.), Книга о Стравинском, Л.,
1929; Ярустовский Б., И. Стравинский. Краткий очерк жизни и
творчества, М., 1963, 1969; Друскин М., Пути развития современной
зарубежной музыки, в кн.: Вопросы современной музыки, Л., 1963; его
же, И.
Стравинский, Л. — М., 1974; Михайлов М., О классицистских
тенденциях в музыке XIX — начала XX века, в кн.: Вопросы теории и
эстетики музыки, вып. 2, Л., 1963; Нестьев И., На рубеже двух
столетий, М., 1967; Смирнов В., Возникновение неоклассицизма и
неоклассицизм И. Стравинского, в кн.: Кризис буржуазной культуры и
музыка, вып. 2, М., 1973; Mersmann H., Die moderne Musik seit der
Romantik, Wildpark — Potsdam, 1928; Wцrner К., Musik der Gegenwart.
Geschichte der neuen Musik, Mainz., 1949; Stuckenschmidt H., Neue
Musik, В., 1951; Busoni F., Wesen und Einheit der Musik, В., 1956;
Austin W., Music in the 20th century, N. Y., 1966.
Ю. В. Келдыш
Главы из книг
Главные эстетические направления (classic-music.ru)
Стиль Стравинского (продолжение) (classic-music.ru)
Неоклассическое искусство | искусство | Британника
Сводка
Прочтите краткий обзор этой темы
Неоклассическое искусство , также называемое Неоклассицизм и Классицизм , широко распространенное и влиятельное движение в живописи и других изобразительных искусствах, зародившееся в 1760-х годах, достигшее своего расцвета в 1780-х и 90-х годах и продолжавшееся до 1840-х годов.
и 50-х годов. В живописи это обычно принимало форму акцента на строгом линейном дизайне в изображении классических тем и предметов с использованием археологически правильной обстановки и одежды. Неоклассицизм в искусстве — эстетическое отношение, основанное на искусстве Греции и Рима в древности, призывающее к гармонии, ясности, сдержанности, универсальности и идеализму. В контексте традиции классицизм относится либо к искусству, созданному в древности, либо к более позднему искусству, вдохновленному античностью, в то время как неоклассицизм всегда относится к искусству, созданному позже, но вдохновленному древностью. Художники-классицисты склонны отдавать предпочтение несколько более конкретным качествам, включающим линию цвету, прямые линии кривым, фронтальность и закрытые композиции диагональным композициям вглубь пространства, общее частному.
Неоклассицизм возник отчасти как реакция на чувственный и фривольно-декоративный стиль рококо, господствовавший в европейском искусстве с 1720-х годов.
Но еще более глубоким стимулом был новый, более научный интерес к классической древности, возникший в XVIII веке. Большой импульс неоклассицизму придали новые археологические открытия, в частности исследование и раскопки погребенных римских городов Геркуланум и Помпеи (раскопки которых начались в 1738 и 1748 соответственно). А начиная со второго десятилетия XVIII века ряд влиятельных публикаций Бернара де Монфокона, Джованни Баттисты Пиранези, графа де Кайлюса и антиквара Роберта Вуда содержали гравированные изображения римских памятников и других древностей, что еще больше усилило интерес к Классическое прошлое. Новое понимание, извлеченное из этих открытий и публикаций, в свою очередь, позволило европейским ученым впервые различить отдельные и отчетливые хронологические периоды в греко-римском искусстве, и это новое понимание множества древних стилей заменило прежнее безоговорочное почитание римского искусства. и поощрял зарождающийся интерес к чисто греческим древностям. Особое влияние в этом отношении оказали труды немецкого ученого Иоганна Иоахима Винкельмана и его изощренные теории.
Винкельман видел в греческой скульптуре «благородную простоту и тихое величие» и призывал художников подражать греческому искусству. Он утверждал, что при этом такие художники получат идеализированные изображения природных форм, лишенные всех преходящих и индивидуалистических аспектов, и их образы, таким образом, приобретут универсальное и архетипическое значение.
Еще из Британники
Западная живопись: неоклассицизм
Неоклассицизм, как он проявляется в живописи, изначально стилистически не отличался от французского рококо и других предшествующих ему стилей. Отчасти это было связано с тем, что в то время как архитектура и скульптура могли быть смоделированы на основе прототипов в этих средствах массовой информации, которые действительно сохранились с классической древности, те немногие сохранившиеся классические картины были второстепенными или просто орнаментальными произведениями — до тех пор, пока не были сделаны открытия. сделанные в Геркулануме и Помпеях.
Самыми ранними художниками-неоклассиками были Джозеф-Мари Вьен, Антон Рафаэль Менгс, Помпео Батони, Анжелика Кауфманн и Гэвин Гамильтон. Эти художники были активны в 1750-х, 60-х и 70-х годах. Каждый из этих художников, хотя они могли использовать позы и фигуры из древних скульптур и росписей на вазах, находился под сильным влиянием предшествующих стилистических тенденций. Важная ранняя неоклассическая работа, такая как «9» Менгса.0021 Парнас (1761 г.) во многом обязан своим вдохновением классицизму 17-го века и Рафаэлю как позами фигур, так и общей композицией. Композиции многих ранних картин художника-неоклассика Бенджамина Уэста основаны на произведениях Николя Пуссена, а сентиментальные персонажи Кауфмана, одетые в антикварные одежды, в основном напоминают рококо в их смягченной декоративной красоте. Тесная связь Менгса с Винкельманом привела к тому, что на него повлияла идеальная красота, которую последний так горячо излагал, но церковные и дворцовые потолки, украшенные Менгсом, больше обязаны существующим традициям итальянского барокко, чем чему-либо греческому или римскому.
Более строгий неоклассический стиль живописи возник во Франции в 1780-х годах под руководством Жака-Луи Давида. Он и его современник Жан-Франсуа-Пьер Пейрон больше интересовались повествовательной живописью, чем идеальной грацией, которая очаровывала Менгса. Незадолго до и во время Французской революции эти и другие художники заимствовали волнующие моральные темы из римской истории и прославляли ценности простоты, аскетизма, героизма и стоической добродетели, которые традиционно ассоциировались с Римской республикой, тем самым проводя параллели между тем временем и Современная борьба за свободу во Франции. Исторические картины Давида Клятва Горация (1784 г.) и Ликторы, приносящие Бруту тела его сыновей (1789 г.), демонстрируют серьезность и приличия, заимствованные из классической трагедии, определенную риторичность жеста и образцы драпировки под влиянием древней скульптуры. В какой-то степени эти элементы были предвосхищены британскими и американскими художниками, такими как Гамильтон и Уэст, но в работах Дэвида драматическое противостояние фигур более резко и четко в одной плоскости, обстановка более монументальна, а диагональные композиционные движения , большие группы фигур и бурные драпировки барокко были почти полностью отвергнуты.
Этот стиль был безжалостно строгим и бескомпромиссным, и неудивительно, что он стал ассоциироваться с Французской революцией (в которой Давид активно участвовал).
Неоклассицизм, который обычно проявлялся в европейской живописи к 1790-м годам, подчеркивал качества контура и линейного дизайна над качествами цвета, атмосферы и эффектов света. Широко распространенные гравюры классической скульптуры и греческие вазовые росписи помогли определить эту предвзятость, которая хорошо видна в контурных иллюстрациях, сделанных британским скульптором Джоном Флаксманом в 1790-х годах для изданий произведений Гомера, Эсхила и Данте. Эти иллюстрации примечательны своим радикальным и мощным упрощением человеческого тела, отрицанием изобразительного пространства и минимальной сценической обстановкой. Эта строгая линейность при изображении человеческой формы была принята многими другими британскими художниками-фигуралами, в том числе уроженцами Швейцарии Генри Фюзели и Уильямом Блейком.
Художники-неоклассики придавали большое значение изображению костюмов, декораций и деталей классического предмета с максимально возможной исторической точностью.
Это сработало достаточно хорошо, чтобы проиллюстрировать случай, найденный на страницах Гомера, но поднял вопрос о том, следует ли изображать современного героя или знаменитого человека в классической или современной одежде. Эта проблема так и не была решена удовлетворительным образом, за исключением, возможно, блестящих портретов Дэвида, изображающих натурщиков в модных тогда антикварных одеждах, как, например, в его Портрет мадам Рекамье (1800).
Оформите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчас
Классическая история и мифология составляли большую часть предмета неоклассических работ. Поэзия Гомера, Вергилия и Овидия, пьесы Эсхила, Софокла и Еврипида, а также история, записанная Плинием, Плутархом, Тацитом и Ливием, обеспечили большую часть классических источников, но самым важным единственным источником был Гомер. К этому общему литературному акценту добавлялся растущий интерес к средневековым источникам, таким как псевдокельтская поэзия Оссиана, а также эпизоды из средневековой истории, произведения Данте, и восхищение самим средневековым искусством в лицах Джотто, Фра Анджелико и др.
Действительно, неоклассики разительно отличались от своих академических предшественников своим восхищением готикой и искусством кватроченто в целом и внесли заметный вклад в положительную переоценку такого искусства.
Наконец, следует отметить, что неоклассицизм сосуществовал на протяжении большей части своего более позднего развития с кажущейся противоположной и противоположной тенденцией романтизма. Но эти два стиля, далекие от того, чтобы быть отдельными и отдельными, сложным образом смешивались друг с другом; многие якобы неоклассические картины демонстрируют романтические тенденции, и наоборот. Эта противоречивая ситуация поразительно очевидна в работах последнего великого художника-неоклассика Жана-Огюста-Доминика Энгра, который писал чувственные романтические женские обнаженные тела, одновременно создавая строго линейные и довольно безжизненные исторические картины в утвержденном неоклассическом стиле.
Гэвин Гамильтон — шотландский художник, археолог и торговец — провел большую часть своей трудовой жизни в Риме, и его картины включают две серии больших и влиятельных полотен на гомеровские сюжеты.
Уэст и уроженец Швейцарии Кауфманн были самыми постоянными экспонентами исторических экспонатов в Лондоне в 1760-х годах. Джеймс Барри и Фюсели также сыграли важную роль. Блейк, поэт и художник, в какой-то степени был неоклассиком.
Жозеф-Мари Вьен был не только художником, но и другом археолога Кайла и директором Французской академии в Риме. В это поколение также входил Жан-Батист Грез, нарисовавший несколько предметов классической истории, а также сцены из современной жизни, которыми он наиболее известен; Луи-Жан-Франсуа Лагрене Старший, как и Вьен, директор Французской академии в Риме; и Николя-Ги Брене.
Выдающимся и наиболее влиятельным из всех французских неоклассиков и одним из крупнейших художников Европы был ученик Виена Жак-Луи Давид. Ранние работы Давида в основном рококо, а его поздние работы также возвращаются к типам начала 18 века. Его известность как неоклассика основана на картинах 1780-х и 90-х годов. После получения Римской премии Французской академии в 1774 году (важной в истории французской живописи, поскольку она присуждала пребывание в Риме, где победители изучали итальянскую живопись на собственном опыте), он был в этом городе в 1775–1781 годах и вернулся туда.
в 1784 году написать Клятва Горация . Среди современников и почти современников Давида был Жан-Жермен Друэ, чьи исторические картины почти не уступали собственным картинам Давида по строгости и интенсивности.
Чуть более молодое поколение художников включало Жана-Батиста Реньо, Луи-Леопольда Бойи и Луи Гофье. За ними последовала более важная группа, в которую входил Пьер-Поль Прюдон, смешавший в своих картинах мягкий классицизм с лирическим настроением и мягким светом Корреджо. Прюдону покровительствовали императрицы Жозефина и Мария-Луиза. Барон Пьер-Нарсис Герен рисовал в стиле, близком к неоклассицизму Давида, хотя и не был одним из учеников Давида.
Из учеников Дэвида трое стали известными, а один стал очень известным. Барон Франсуа-Паскаль-Симон Жерар имел высокую репутацию портретиста как при Наполеоне, так и при Людовике XVIII. Антуан-Жан Гро исполнил множество больших наполеоновских полотен и после смерти Давида стал ведущим неоклассиком во Франции. Анн-Луи Жироде получил Римскую премию, но перестал рисовать после 1812 года, когда он унаследовал состояние и обратился к писательству.
Знаменитым учеником был Энгр, который был важен как неоклассик в своих предметных картинах, но не в своих портретах.
Антон Рафаэль Менгс родился в Ауссиге в Богемии (современный Усти-над-Лабем, Чехия) в 1728 году в семье местного придворного живописца. Сам он был назначен дрезденским придворным художником в 1745 году. В 1755 году он познакомился с Винкельманом и впоследствии стал видной фигурой в римских неоклассических кругах. Менгс важен и как художник, и как теоретик. Однако, помимо него, основной вклад Германии и Австрии в неоклассицизм был теоретическим, а не практическим. Среди ранних неоклассиков были Кристоф Унтербергер; Антон фон Марон, женившийся на сестре Менгса; и Фридрих Генрих Фюгер. После Унтербергера самым интересным художником был Иоганн Генрих Вильгельм Тишбейн, выполнявший как портреты, так и сюжетные работы. Он был директором академии искусств в Неаполе и руководил публикацией гравюр с греческих ваз в коллекции сэра Уильяма Гамильтона, британского посла в Неаполе, который был известным знатоком.
Немецкий художник Асмус Якоб Карстенс работал в Берлине и был профессором Берлинской академии. В его художественный кружок входили художники Карл Людвиг Ферноу, Эберхард Вехтер, Йозеф Антон Кох (который был самым выдающимся из этой немецкой группы) и Готлиб Шик.
Одним из первых представителей неоклассицизма и одним из выдающихся художников своего поколения в Италии был Помпео Батони. Его стиль сочетает в себе рококо с элементами неоклассицизма, а его работы включают в себя произведения на классические темы, а также портреты в современной одежде, натурщицу, позирующую со старинными статуями и урнами, а иногда и среди руин. Художник Доменико Корви находился под влиянием как Батони, так и Менгса, и был важным учителем трех ведущих неоклассиков следующего поколения: Джузеппе Кадеса, Гаспаре Ланди и Винченцо Камуччини. Эти художники работали в основном в Риме, первые два заработали репутацию портретистов, а Ланди особенно известен своими хорошими современными группами.
Рим действительно был городом, где наиболее активно работали главные итальянские художники периода неоклассицизма.
Одним из таких был Феличе Джани, чьи многочисленные украшения включают наполеоновские дворцы там и в других местах в Италии (особенно в Фаэнце) и во Франции.
Известные художники за пределами Рима включают Андреа Аппиани Старшего в Милане, который стал официальным художником Наполеона и выполнил одни из лучших фресок в северной Италии. Он был также прекрасным портретистом. Одним из его учеников был Джузеппе Босси. Другим ведущим ломбардским художником был Джованни Баттиста дель Эра, чьи энкаустические картины были куплены Екатериной Великой и другими. Другие хорошие примеры неоклассических декоративных схем за пределами Рима находятся во Флоренции во дворце Питти работы флорентийца Луиджи Сабателли и Пьетро Бенвенути, родившегося в Ареццо, и в Венеции в базилике Сан-Марко работы Джузеппе Борсато, родившегося в этом городе и был художником и архитектором. Основными неоклассицистами на юге были сицилийцы Джузеппе Веласко, написавшие важные фрески во дворцах Палермо, и Джузеппе Эрранте.
Другие страны
Основным датским художником, создавшим оригинальные неоклассические произведения, был Николай Абрахам Абильдгаард. Среди других датских художников был ученик Абильдгаарда и Давида Кристоффер Вильгельм Экерсберг. Дэвид был очень влиятельным в Брюсселе, где он ушел на пенсию в конце жизни. Картины его бельгийского ученика Франсуа-Жозефа Навеза, например, представляют собой чистый французский неоклассицизм. Двумя главными художниками-неоклассиками в Нидерландах были Гумберт де Супервиль и Ян Виллем Пиенеман. Главным неоклассиком в Испании был Хосе де Мадрасо-и-Агудо.
Археологические исследования классического средиземноморского мира дали знатокам 18-го века убедительное свидетельство порядка и безмятежности классического искусства и послужили подходящим фоном для эпохи Просвещения и Века Разума. Вновь открытые античные формы и темы быстро находили новое выражение.
Успешные раскопки способствовали быстрому росту коллекций античной скульптуры.
Иностранные посетители Италии экспортировали бесчисленное количество мрамора во все части Европы или нанимали агентов для создания своих коллекций. Доступность античной скульптуры в музеях и частных домах, а также через гравюры и гипсовые слепки оказала далеко идущее формирующее влияние на живопись и скульптуру 18 века. Подавляющее большинство собранных древних скульптур были римскими, хотя многие из них были скопированы с греческих оригиналов и считались греческими.
В трудах Иоганна Иоахима Винкельмана греческое искусство считалось неизмеримо выше римского. Любопытно, однако, как мало положительного влияния мрамор, который лорд Элджин привез в Англию из Парфенона в Афинах, оказали на скульптуру в Западной Европе, хотя они оказали большое влияние на ученых. Идеалы неоклассической скульптуры — акцент на четкости контура, на ровном фоне, на несоперничестве с живописью в имитации воздушной или линейной перспективы в рельефе или развевающихся волосах и развевающихся драпировках в отдельно стоящих фигурах — были главным образом вдохновлены теорией и римскими неоаттическими произведениями или даже римским псевдоархаическим искусством.
Последний вид искусства оказал влияние на Джона Флаксмана, которым чрезвычайно восхищались суровый стиль его гравюр и рельефной резьбы.
«Декорум» и идеализация
Академические теоретики, особенно из Франции и Италии XVII века, утверждали, что выражение, костюм, детали и обстановка произведения должны максимально соответствовать их предмету. Неоклассики XVIII в. унаследовали эту теорию «декорума», но, отдавая предпочтение универсальному идеалу, реализовывали его в ограниченной форме, подразделяя все действие и выражение на классический покой, идеализируя лица и тела в классических героев и превращая все костюмы, если таковые имеются, в облегающую одежду, чтобы избежать ссылки на эфемерное время.
Серия памятников генералам и адмиралам Наполеоновских войн 18-го и начала 19-го веков в соборе Святого Павла и Вестминстерском аббатстве демонстрирует важную возникшую дилемму: герой или известный человек должны быть изображены в классическом или современном костюме. .
Многие скульпторы по-разному изображали фигуры в униформе и полностью обнаженными. Представление о современном герое в старинном костюме принадлежит к традиции академической теории, примером которой является английский художник сэр Джошуа Рейнольдс в одной из его Королевских академий 9.0021 Беседы :
Стремление передать потомству форму современного платья должно быть признано приобретаемым непомерной ценой, даже ценой всего ценного в искусстве.
Даже живого героя можно идеализировать полностью обнаженным, как в двух колоссальных стоячих фигурах Наполеона (1808–1811 гг.) работы итальянского скульптора Антонио Кановы. Одна из самых известных неоклассических скульптур — « Паолина Боргезе Бонапарт» Кановы в образе Венеры-победительницы 9.0022 (1805–08). Она изображена обнаженной, слегка задрапированной и чувственно полулежащей на кушетке — и очаровательный современный портрет, и идеализированная античная Венера.
Отношение к барокко и рококо
Классические академические теории эпохи Возрождения, особенно в 17 веке, отдавали предпочтение античности и тем художникам, которые следовали этой традиции.
Среди высоко оцененных художников были Рафаэль, Микеланджело, Джулио Романо и Аннибале Карраччи. Чуть более позднее поколение писателей добавило к списку имя французского художника Николя Пуссена. Утверждалось, что следует избегать изобилия и «ярости» барокко, потому что они ведут к «варварским» и «злым» произведениям. Продолжая эту традицию, Винкельманн, например, утверждал, что итальянский скульптор и архитектор эпохи барокко Джан Лоренцо Бернини был «введен в заблуждение», следуя природе.
Такая враждебность к произведениям барокко, однако, не сразу искоренила их влияние на художников 18-го века, как это можно увидеть в ранней работе Кановы, Дедал и Икар (1779), выполненной до того, как он был в Риме. В гробнице Кановы папы Климента XIV (1784–1787; базилика Санти XII Апостоли, Рим) папа, сидящий на троне над саркофагом, изображен в драматически реалистическом стиле с поднятой рукой в сильном жесте, напоминающем папские гробницы 17 век.
Хотя неоклассические художники и писатели выражали презрение к тому, что они считали легкомысленным аспектом рококо, существует сильное влияние французского рококо на ранний стиль некоторых неоклассических скульпторов.
Этьен-Морис Фальконе, Флаксман и Канова начали вырезать и моделировать тенденции рококо, которые затем постепенно трансформировались в более классические элементы.
Враждебно настроенные критики неоклассической скульптуры склонны сравнивать такие работы с «долиной сухих костей». Некоторые художники и теоретики неправильно поняли призыв Винкельмана и его школы подражать древнему искусству. Винкельман имел в виду — как и теоретики 17-го века до него, а также такие писатели, как Шефтсбери и Джонатан Ричардсон, которые оказали на него значительное влияние, — подражание как средство открытия идеальной красоты и передачи духа оригинала. Он не выступал за рабское копирование античности или устранение убедительного красноречия действия и интенсивного выражения. К сожалению, были сделаны бездуховные копии, что привело к отнесению идеалистических произведений к разряду «фригидных». В скульптуре некоторые из важных заказов, к сожалению, привели к этой безжизненной концепции неоклассицизма.
Среди примеров — большие мраморные скульптуры Христа и апостолов (1821–1842 гг.) И бронзовая статуя Святого Иоанна Крестителя (1822 г.) работы датского скульптора Бертеля Торвальдсена в церкви Богоматери в Копенгагене. Мрамор Торвальдсена, в отличие от мрамора Кановы, столь же нейтрален, как и гипсовые модели; действительно, поверхность скульптуры намеренно оставлена нейтральной.
Жесты и эмоции в неоклассических произведениях обычно сдержаны, чтобы отдать приоритет спокойному величию, духовному благородству и красоте. В вакхических сценах веселье сдерживается и никогда не перерастает в буйство. В трагической сцене Андромаха не проливает слез, оплакивая смерть Гектора. Когда Флаксман действительно пытался терроризировать, как в мраморе «Ярость Афаманта» (1790–1794 гг.), насилие кажется натянутым и неубедительным. Действительно, в неоклассической скульптуре почти нет убедительных образов гнева. Концепция античного спокойствия пронизывала европейское искусство. Канова со своими Геркулес и Лихас (1796 г.
) произвели большой шарик с преувеличенным выражением, выходящим за рамки его нормального диапазона и, в некоторой степени, за пределы его способностей. Как и Флаксман, он был гораздо более успешным, вырезая образы с тонким выражением, что даже сторонники романтической страсти приветствовали как цель скульптуры, искусства, для которого они выступали за выразительную тонкость, пробуждающую воображение. Они утверждали, что чувствительный зритель найдет сильное выражение и сильную активность в монументальной отдельно стоящей скульптуре нелогичной (т. Е. Мрамор не должен корчиться или летать) и раздражающе театральной.
Среди выдающихся скульпторов раннего британского неоклассицизма были Джон Уилтон, Джозеф Ноллекенс, Джон Бэкон Старший, Джон Дир и Кристофер Хьюетсон — последние двое работали в основном в Риме. Ведущим художником молодого поколения был Джон Флаксман, профессор скульптуры Королевской академии и один из немногих британских художников того периода с международной репутацией.
Последнее поколение неоклассиков включало скульпторов сэра Ричарда Уэстмакотта, Джона Бэкона Младшего, сэра Фрэнсиса Чантри, Эдварда Ходжеса Бейли, Джона Гибсона и Уильяма Бенеса.
В то время как в неоклассицизме во Франции доминировали живопись и архитектура, движение нашло ряд заметных представителей в скульптуре. Среди них были Клод Мишель по прозвищу Клодион, создатель многих маленьких ярко-выразительных классических фигур, особенно нимф; Огюстен Пажу; и Пьер Жюльен. Ученик Пигаля Жан-Антуан Гудон был самым известным французским скульптором 18-го века, создавшим множество классических фигур и современных портретов в манере старинных бюстов. Среди других современных скульпторов были Луи-Симон Буазо и Этьен-Морис Фальконе, который был директором скульптуры на фабрике в Севре. Немного более молодое поколение включало скульпторов Жозефа Чинара, Жозефа-Шарля Марина, Антуана-Дени Шоде и барона Франсуа-Жозефа Бозио. Ранняя скульптура известного современника Энгра Франсуа Руда была неоклассической.
Центральная Европа
Важным среди центральноевропейских скульпторов раннего периода был Иоганн Генрих фон Даннекер. Последующие неоклассики включали Готфрида Шадова, который также был художником, но более известен как скульптор; его ученик, скульптор Кристиан Фридрих Тик; художник и скульптор Мартин фон Вагнер; и скульптор Кристиан Даниэль Раух.
Самым выдающимся итальянским неоклассиком был Антонио Канова, ведущий скульптор — и, безусловно, самый известный художник любого рода — в Европе к концу 18-го века. Положение Кановы в последующие 20 лет можно сравнить только с положением Бернини в 17 веке. Однако различия между их карьерами имеют большое значение. Только в начале своей карьеры Бернини вырезал галерейную скульптуру для княжеских коллекционеров, но большинство работ Кановы относится к этой категории. Оба художника проживали в Риме большую часть своей жизни, но, в то время как Бернини находился под контролем пап и ему лишь изредка разрешалось работать на иностранных властелинов, главными покровителями Кановы были иностранцы, и он поставлял скульптуру во все дворы Европы.
Прекрасный скульптор разных стилей, в том числе строгих, сентиментальных и ужасающих, Канова создал обширный массив работ, который включает в себя классические группы и фризы, гробницы и портреты, многие в старинных одеждах. Его ученик и соавтор Антонио д’Эсте — один из самых интересных итальянских скульпторов-неоклассиков. Среди других скульпторов-неоклассиков в Риме был Джузеппе Анджелини, наиболее известный своей могилой гравера и архитектора Джованни Баттиста Пиранези в церкви Санта-Мария-дель-Приорато в Риме.
В Милане Камилло Пачетти руководил скульптурным оформлением Арко делла Паче. Работы Гаэтано Монти, родившегося в Равенне, можно увидеть во многих северных итальянских церквях. Тосканский скульптор Лоренцо Бартолини выполнил несколько важных наполеоновских заказов. Мрамор Благотворительность — один из самых известных образцов его позднего неоклассицизма. Однако следует отметить, что он не считал себя художником-неоклассиком и бросил вызов идеализму, который поддерживал Канова и его последователи.
Дания и Швеция
Швед Йохан Тобиас Сергель, придворный скульптор шведского короля Густава III, и датчанин Бертель Торвальдсен, проживший большую часть своей жизни в Риме, были одними из самых известных неоклассических скульпторов в Европе. Торвальдсен был главным соперником Кановы и в конце концов заменил его в пользу критиков. Его работы были более суровыми, иногда даже архаичными по характеру, а его религиозная скульптура, в первую очередь его великая фигура Христа в церкви Богоматери в Копенгагене, демонстрирует нарочито пугающий возвышенный стиль, который все еще ждет сочувственной переоценки. Среди его наиболее известных учеников был шведский скульптор Йохан Быстром.
Россия
Оба ведущих русских неоклассика были скульпторами. Иван Петрович Мартос учился у Менгса, Торвальдсена и Батони в Риме и стал директором Петербургской академии. Лучшие его работы — гробницы. Михаил Козловский участвовал в оформлении тронного зала в Павловске.
Помимо художника Бенджамина Уэста, который почти полностью работал в Лондоне, ведущими неоклассиками среди американских художников были скульпторы.
Уильям Раш создал стоячие классические фигуры, в том числе те, которые раньше украшали гидротехнические сооружения в Филадельфии. В середине 19-гоВ 19-м веке известность получили четыре скульптора: Горацио Гриноу, выполнивший несколько правительственных заказов в Вашингтоне, округ Колумбия; Хирам Пауэрс, особенно известный своими портретными бюстами; Томас Кроуфорд, занимавшийся монументальной скульптурой; и Уильям Ветмор Стори, который жил и работал в Риме, где он был связан с несколькими другими видными американцами 19-го века. В 19 в. в Риме также возник кружок американских женщин-скульпторов, работающих в стиле неоклассицизма (Харриет Хосмер, Энн Уитни, Эдмония Льюис).
Что такое неоклассицизм? Узнайте об этом художественном движении 18-го века
На протяжении всей истории художественные направления создавались в ответ на их предшественников. Так, в 18 веке, пока в Европе еще процветала экстравагантность искусства рококо и барокко, родился другой стиль с совсем другими ценностями.
Основанное в середине 1700-х годов неоклассическое движение определяется интересом к классической (то есть римской и древнегреческой) эстетике, принципам и предмету.
Неоклассический стиль оказал большое влияние на живопись, скульптуру, архитектуру и дизайн интерьеров. Это возродило интерес к симметрии и простоте, которые применялись в изобразительном искусстве. Двумя самыми известными художниками, воплотившими идеалы этого стиля, были французский живописец Жак-Луи Давид и итальянский скульптор Антонио Канова.
Прокрутите вниз, чтобы узнать больше о неоклассическом искусстве и его особенностях.
Что такое неоклассическое искусство?
Жак-Луи Давид, «Вмешательство сабинянок», 1799 (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние)
Неоклассицизм — художественное течение 18 века, основанное на идеалах искусства Рима и Древней Греции. Его интерес к простоте и гармонии был отчасти вызван негативной реакцией на чрезмерно легкомысленную эстетику декоративного стиля рококо.
Открытие римских археологических городов Помпеи и Геркуланума (в 1738 и 1748 годах соответственно) помогло активизировать дух этого движения.
Характеристики неоклассического искусства
Анжелика Кауфманн, «Ариадна, брошенная Тесеем», 1774 г. (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние)
Неоклассическое искусство имело несколько общих черт, каждая из которых основана на взглядах римлян и греков на науку, математику, философию и искусство. Эти характеристики являются минимальным использованием цвета ; акцент на симметрии , прямых , геометрических фигур ; точное определение форм и фигур; и Классическая тематика .
Окраска
Жак-Луи Давид, «Клятва Горациев», 1784–1785 гг. (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние)
Искусство французского художника Жака Луи Давида — лидера неоклассического стиля — представляет собой характеристики неоклассической живописи.
Его работа Клятва Горациев воплощает в себе эти черты.
Например, в нем представлены классические сюжеты , основанные на римской легенде о трех братьях Горациев. Дэвид также использует ограниченный, и даже строгая цветовая палитра, для передачи повествования, преобладают яркие красные и немного синего. Кроме того, он создан с помощью гармоничной композиции , которая напоминает баланс и четкость сцены на сцене. Наконец, он демонстрирует точное мастерство рисования со смелыми, четкими линиями и минимальным орнаментом.
Скульптура
Антонио Канова, «Психика, возрожденная поцелуем Купидона», 1887 г. (Фото: Кимберли Вардеман, Wikimedia Commons, CC BY-SA 2.0)
Неоклассическая скульптура имеет много общего с живописью. Художники этого стиля создавали скульптуры, вдохновленные классическими и мифологическими сюжетами. Они изготовили идеализированных фигур с плавными контурами , напоминающих статуи из Афин и Рима, часто в натуральную величину .
Архитектура
Пантеон в Париже, Франция (Фото: mix7777/DepositPhotos)
Неоклассическая архитектура хотела создать впечатляющее, масштабных зданий без витиеватых элементов стиля рококо и барокко. В нем использовались древнегреческие и римские детали, впечатляющие колонн , геометрических форм и куполообразных или плоских крыш . Пантеон в Париже, построенный между 1758 и 1790 годами, является визитной карточкой неоклассической архитектуры и воплощает в себе все эти характеристики.
Известные художники-неоклассики
Жак-Луи Давид
Жак-Луи Давид, «Смерть Марата», 1793 г. (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние)
Большинство считает Жака-Луи Давида (1748–1825) ведущим неоклассическим художником той эпохи. Родом из Парижа, он получил серьезное и всестороннее образование в области изобразительного искусства, которое отточило его таланты и помогло ему стать сенсацией в Салоне.
Он создавал искусство, не похожее на статус-кво рококо, с небольшим количеством цветов, минималистскими, но сбалансированными композициями и изображениями классических предметов. Во время Французской революции он присоединился к Максимилиану Робеспьеру и создал искусство, которое поддерживало его сторону. Позже, когда к власти пришел Наполеон, Давид снова перестроился и стал заниматься искусством в поддержку нового режима. Его искусство оказало далеко идущее влияние на художников-неоклассиков по всей Европе.
Значимые произведения: Клятва Горация (1784–1785), Смерть Сократа (1787), Смерть Марата (1793), Переход Наполеона через Альпы (1851–9003)
Жан-Огюст-Доминик Энгр
Жан Огюст Доминик Энгр, «Купальщица из Вальпинсона», 1808 г. (Фото: Wikimedia Commons, CC BY-SA 3.0)
Родившийся через пару десятилетий после Давида, французский художник Жан-Огюст-Доминик Энгр (1780–1867) унаследовал неоклассическую традицию и создал искусство, в основном академическое по стилю.
Его навыки одного из лучших рисовальщиков помогли ему создать убедительные портреты, большинство из которых являются его самыми известными работами. Позже, когда романтизм возник как еще одно ведущее направление в искусстве, Энгр и Эжен Делакруа противопоставлялись друг другу как символы старого и нового стилей.
Значительные произведения: Большая одалиска (1814)
Антонио Канова
Антонио Канова, «Три грации», 1815–1817 гг. (Фото: Wikimedia Commons, CC BY-SA 3.0)
Родом из Венецианской республики, Антонио Канова (1757–1822) считается величайшим неоклассическим скульптором, чьи работы определили стиль. Он создал множество масштабных мраморных скульптур, вдохновленных классической мифологией, с идеализированными фигурами в изящных композициях. В частности, его скульптуры известны своей полированной отделкой, которую Канова тратил недели или даже месяцы на полировку пемзой.