Признаки рококо: Стиль рококо. Черты стиля рококо в архитектуре, интерьере, в одежде, живописи, фото стиля рококо

характерные черты в дизайне и архитектуре прошлого и настоящего

Стиль рококо — это последняя фаза, естественное завершение барокко. Его даже называли «королевский стиль», поскольку мода диктовалась фаворитками короля. Наряду с названием рококо часто употребляется слово рокайль.

Развитию рококо способствовали художники-декораторы, граверы, резчики, ювелиры, бронзовщики, издававшие альбомы рисунков и гравюр с декоративными элементами. Роль динамичных криволинейных форм, значимых уже в барокко усиливается. Линии сохраняют динамичность, но становятся более расслабленно-грациозными, асимметричными и живописными.Это в-первую очередь заметно в лепном декоре, который не подчиняется теперь архитектурной конструкции. Он кажется плывущим и колеблющимся подобно морским волнам. Вся орнаментика отличается легкостью, тонкостью, изяществом.

1. Характерные признаки рококо
2. Национальные особенности в разных странах
3. Особенности мебели и декора
4. Тонкости архитектуры

Характерные признаки рококо

В модных цветочных орнаментах все элементы изогнуты и часто переплетены с многочисленными завитками волютами. Консоли, декоративные завершения окон и дверей нередко выполнены в виде растительных композиций. Получает распространение мотив листа и побегов аканта, морских волн и пены. Но особенно популярна форма раковины, которая присутствовала и в барокко, но теперь обрела «рокайльные» черты и превратилась в более стилизованный, порой еле узнаваемый завиток с причудливым изгибом.

Расписывались и стеновые деревянные обшивки (панели). Фон обычно делался приглушенным (цвета морской волны, серый, светло-желтый, лиловый, розовый) и оттенялся более интенсивным цветом лепнины и резьбы. К примеру, белое с оттенком слоновой кости панно обрамлялось позолоченной лепниной. Другие варианты — использование двух цветов в гармоничном сочетании или тёмных и светлых оттенков одного цвета. Исключительно гармоничное живописное оформление помещений, даже несмотря на свою полихромию, создавало ощущение света и безмятежности.

Лукавая грация стиля проявляется в склонности ко всему забавному и вычурному. Модным становится украшать интерьер приятными вещицами, безделушками — например, статуэтками, вазами, шкатулками из фарфора. Их расставляют повсюду: на столиках, каминных полках, в горках, на специальных подставках-консолях. Самим изделиям порой придаются игривые, не лишенные эротизма формы.

Национальные особенности в разных странах

На память приходит известная золотая ваза для фруктов из дворца Малый Трианон, которая была отлита в форме несравненной груди Марии Антуанетты. Более изысканные и причудливые очертания приобретают и фарфоровые стенники. Сам фарфор из Китая и Японии, поставлявшийся Ост-индскими компаниями, был дорогим и оставался предметом роскоши.

Непревзойденной считалась грация саксонских статуэток из фарфора, поражавшего блеском и полихромией поверхности. Тамошние мастера изготовляли фигурки пастушек, Арлекина и Коломбины, аллегорий времён года, представителей разных национальностей («китаец», «итальянка»).

Севрская мануфактура славилась фарфором с белым матовым или цветным фоном (густо-синим, бирюзовым, нежно-розовым) в сочетании с позолотой. Преобладали цветочные орнаменты, изображения букетов, птиц, гирлянд, пейзажей и амуров.

Мастера Руана были известны изделиями с лучеобразным рисунком, состоящим из ламбрекенов, имитаций кружева, расположенных строго симметрично. Подобной росписью чаще всего покрывались блюда. Орнамент наносился синим по белому фону или по позолоте. Края блюд делались волнистыми. Мастера Мустье использовали роспись в два цвета — желтым и зеленым, рисунок представлял собой мелкий орнаментальный узор из полевых цветов или пейзаж.

В Страсбурге, в подражание Саксонскому фарфору, производились статуэтки, а также фарфоровая посуда с орнаментом, получившим название «страсбургские цветы» (пионы, розы). Колористика строилась на нежных тональных сочетаниях пурпурного и зелёного по белому фону.

Голландские мастера по-прежнему, как и в эпоху барокко, были поставщиками в Европе ваз для тюльпанов. Теперь, в духе моды, этим вазам придавалась форма китайских пагод. Изготовляли и керамические изразцы с кобальтовым рисунком в виде мелких цветочных узоров, пейзажей, галантных парковых сценок.

Особой тонкостью и невесомостью отличались рокайльные изделия из стекла — материала, который в XVIII столетии ценился особо. Получают распространение предметы из поташного и содового стекла, хрусталя. Стеклянные предметы самой разнообразной формы покрываются резьбой, гравировкой, росписью эмалями. Иногда английские стеклодувы оформляют ножки бокалов внутри переплетёнными нитями молочного стекла.

Ножки бокалов, произведенных в Германии, сильно огранены, чаши покрыты кружевным узором, надписями, пейзажами. Вообще формы ножек бокалов отличались чрезвычайным разнообразием (более 100 видов оформления), что, безусловно, характеризует высочайшее мастерство, вкус и изощрённость работы мастеров рококо.

В Невере, в долине Луары, изготовляли из стекла фигурки, расписанные эмалевыми красками. Из цветного стекла делали масляные лампы и забавные сосуды в форме кольца, состоящие как бы из одних криволинейных линий. Венецианские мастера острова Мурано в эпоху рококо славились своими бутылями цилиндрической формы с расширяющимся кверху туловом. Эти бутыли были украшены награвированными или расписными гербами владельцев.

Рококо в современной спальне

Мурано же по-прежнему был центром изготовления люстр, из подкрашенного стекла и сосудов из непрозрачного стекла с эмалевой росписью. Признаком хорошего вкуса и определённого достатка являлось наличие в доме произведений из богемского хрусталя с ювелирной гравировкой. Особый способ пунктирной гравировки по стеклу использовали голландские художники. Она осуществлялась алмазом и молоточком, а наносимые точки имели разную густоту.

Испанские стеклодувы создавали традиционные сосуды с лепными ручками, широким раструбом устья и сетчатым орнаментальным узором у горла. Очень живописно выглядели в обиходе сосуды «порро» с длинным носиком, из которого вино попадало прямо в графинчики-сетрилы с длинным сливом (по форме они напоминали готические сосуды), и сложной формы изделия «альмарратха», предназначенные для розовой воды, с четырьмя носиками вокруг горла.

Изготовлением разнообразных багателей занимались мастера-ювелиры. Изысканную, грациозную форму имели с чеканным узором, канделябры в форме стреляющего из лука Эрота или Дианы, ансамбли статуэток, расставлявшиеся на столах или в горках.

Вазы из китайского или севрского фарфора часто делались в монтировке из бронзы — материала, в эпоху рококо считавшегося очень ценным. Из бронзы изготовляли крупные консоли по сторонам каминов, изображающих Флору, Диану, амуров, Зефира.

Из нее делались накладки на углах и ножках мебели («башмачки»), настенные бра с изогнутыми рожками, жирандоли, украшенные хрустальными подвесками в форме слезы, кронштейны для подвешивания люстр. Бронзовыми были и футляры часов, украшенные скульптурными изображениями бога Аполлона, амуров или экзотических восточных персонажей — китайцев, турок, индусов.

Рококо на современной кухне

Ценились бронзовые каминные подставки для дров, каминные решетки, украшенные гербами владельцев особняков. В расстановке мебели господствовала асимметрия. В мебели ценилась не парадность, а комфортабельность и изящество, диктовавшие формы и декор. Материалом в основном служили орех и бук, красное и черное дерево, плюс обильное украшение бронзой, интарсией и росписью. В создании предметов на равных участвовали столяр, резчик, бронзовщик, золотильщик, лакировщик.

Беседовать теперь было модно лежа или сидя, поэтому возникают свободно передвигаемые легкие стулья, кушетки-канапе и небольшие кресла. Все эти предметы расставлялись живописными группами и имели кокетливые «башмачки» на ножках. Кресла стали чрезвычайно разнообразными по форме. Спинки скругляются и выгибаются, напоминая скрипку.

Кресла «бержер» имеют низкое мягкое сиденье, легкие подлокотники и высокие боковины, соединённые обивкой со спинкой, предохранявшей голову от сквозняков. Кресла «маркиза» подобны маленькому канапе для двоих. Кресла «дюшес» имеют подставку для ног, а «дюшес-бризе» состоят из двух частей — самого кресла и приставной подставки для ног.

Кресла-шезлонги позволяют лежать, как и диванчики-канапе со спинкой в виде гондолы. Изысканно и грациозно выглядит кресло «султанша» с двумя раздвоенными спинками. В спинки кресел часто вставляли кашпо с живыми цветами.

Рококо в дизайне современной спальни

Особенности мебели и декора

Мебель рококо производит радостное, нарядное впечатление. Деревянные части нередко покрывались зеленой или синей краской, а резной декор золотился. Полихромия достигалась й с помощью обивки легкими светлыми тканями — китайским полосатым или затканным цветным шёлком, белым атласом, разнообразными гобеленами, которых существовало более 400 видов.

Столы, которых насчитывалось около 20 разновидностей, сделались в основном малогабаритными. В широкий обиход вошли столы-консоли, ставившиеся под зеркалами вдоль стен, французские и немецкие столы-бюро с изогнутыми ножками и множеством ящичков, голландские столы-кабинеты криволинейной формы, украшенные бронзовыми накладками, английские ореховые «холостяцкие комоды» и ореховые столы «кошки» на трех точеных ножках в виде лапок.

Рококо в современной спальне

Более изящные очертания приобретают и кровати. Они имеют две спинки и иногда — легкий шелковый балдахин, который крепится теперь не на колонках, а под потолком и конструктивно не связан с кроватью. Кровати с одной спинкой называются «французскими», они невысокие, украшены резным декором.

Портьеры в залах делаются из светлых шелковых тканей с мелким рисунком. По-прежнему распространены гобелены и шпалеры. В связи с уменьшением габаритов помещений, они отличаются меньшими размерами, более легким рисунком, светлой цветовой гаммой.

В эстетических трактатах о природе, посвященных пейзажному парку, появляется термин «живописный». В этой не испорченной человеком среде происходит игра в идиллию на природе — сельскую простоту, которую так ценило рококо. Среди зелени лугов сооружаются павильоны в виде молочен, ферм, мельниц, руин. Своей эфемерностью они напоминают театральные декорации.

Рококо в современной спальне

Тонкости архитектуры

Фонтаны превращаются в декоративные ансамбли в форме раковин. Они украшаются статуями Нептуна, фигурками дельфинов, рельефами с аллегорическими изображениями времен года, навевающими меланхолические размышления. Эту иллюзорную и бутафорскую архитектуру дополняют беседки в турецком стиле или в виде китайских пагод.

Связь архитектурного сооружения и сада в рококо всегда выразительно акцентирована. Окна отелей подчеркнуто велики, двери широко распахнуты в сад. Он словно входит в интерьер особняка, и этому аккомпанируют все элементы декора — живопись, лепнина, тканое убранство.

В садах много уютных уголков для уединения, неожиданных встреч, меланхолических размышлений. В них много неожиданного — лабиринты из растений и раковин, извилистые дорожки, небольшие насыпные холмики, имитирующие естественные природные образования, «зачарованные острова» с круглыми изящными храминами и скульптурой. К середине XVIII века стиль рококо исчерпал свои возможности.

Этот легкий и изящный стиль, обязанный своим происхождением французской культуре, тем не менее, логически ясно завершал развитие европейского барокко. А выраженной апелляцией к человеческим чувствам предварял многие тенденции романтизма XIX столетия.

Если вы ищите новые иди для дома, почитайте о дизайне ванной в красном цвете и выберите лучший цвет для спальни.

Рококо в архитектуре: элементы, особенности, примеры

Рококо в архитектуре проявилось, как новый стиль, из высокого барокко. Драматичность и  религиозность истончились в лёгкость и игривость. Причиной тому можно назвать светский образ жизни, принятый в высшем обществе. Калейдоскоп роскоши, развлечений и наслаждений, как смысл существования, нашёл выражение в архитектуре. Какие же характерные признаки стали определяющими? Исследуем их на примерах Франции, Италии, Германии, Англии и России.

Содержание

Предпосылки рококо в архитектуре

Лет 300 назад, дома аристократов, проживающих в Париже, были полны чувственной фантазии.

Дом аристократа XVIII века. Камерная гостиная в стиле рококо

• Светло-пастельные стены, украшенные фигурной лепниной сложнейших позолоченных узоров,
• мебель с волшебными изгибами деталей и резным декором,
• панно с амурами, пастушками и юными прелестницами —

всё это представляет стиль рококо или позднего барокко.

Появившись во Франции в начале 18 века, связанный не с церковью, а с монархом, а именно с королем Людовиком XV, стиль выражал желание светского общества жить как на сцене театра: беззаботно, элегантно, изыскано. Одновременно с ним стал развиваться неоклассицизм, как противопоставление «испорченному вкусу». Так отзывался о рококо французский просветитель и философ Дени Дидро.

Основные элементы в рококо архитектуре

Этот новый стиль демонстрировал изгибы, естественные формы и изящно тонкие украшения. Слово «рококо» происходит от французского слова rocaille — «скальный», которое связано с декором парковых гротов и павильонов. 

Основные элементы стиля рококо в архитектуре

• Рокайль — это стилизованная раковина с многочисленными завитками по краям. Стал основным элементом стиля.
  
• Часто можно встретить и другую деталь украшений — картуш — щит или полуразвёрнутый свиток с гербом или вензелем внутри в обрамлении витиеватых линий. Тоже относится к важнейшим деталям.
  
• В отличие от барокко, дизайн рококо асимметричен.
• Цветовая гамма: белая, золотая и светлая пастель.
• Этот стиль более светский, чем религиозный; подчеркивал неприкосновенность частной жизни, а не публичное величие.
• Зеркала были важным аспектом общего дизайна. Вместе с панно и рельефами задачей стиля было создать эффект переменчивости, движения, перетекания, пронизывающий поверхности.

Рококо в архитектуре Франции

По мнению французского историка и теоретика искусства Луи Откёра (1884-1973) «стиль рококо происходил не только из определённой системы орнамента, но и из новой органической архитектурной концепции, которая выражалась в по-новому организованных плоскостях». (Базен Ж. История истории искусства. От Вазари до наших дней. — М.: Прогресс-Культура, 1995. — С. 150) Рококо — оригинальное французское изобретение.

После роскоши «большого стиля» времени правления Людовика XIV, скончавшегося в 1715 году, искусство переместилось из дворцовых пространств Версаля в камерные салоны и гостиные парижской знати.  В эпоху Просвещения отношение к стилю рококо было весьма критичное, но он сохранял свои позиции в придворном аристократическом искусстве вплоть до конца XVIII столетия.

Рококо в Версале

В 1735 году Людовиг XV решил переделать несколько комнат Версаля в новом стиле. Одна из них была королевской спальней, фото деталей которой ниже.

Другим хорошим примером стиля рококо является версальский Зал Зеркал. На стене длиной более 73 метров встроены 357 зеркал. Они находятся напротив 17 огромных окон и отражают свет, поступающий из них. Стены и потолок украшают панно и лепнина. С галереи открывается шикарный вид на Версальский парк.

Изначальную роскошь зала нам, увы, не суждено увидеть. Расходы на строительство Версаля опустошили казну. Военные планы короля заставили переплавить серебряную мебель и множество других украшений зала в монеты для содержания армии. Но, несмотря на это, невероятный интерьер потрясает. Этот зал использовался для приёма послов других стран с целью произвести на них впечатление и заставить испытывать уважение к владельцу такого двора. Заметим, что цель достигалась.

Маленькая сцена из жизни королевского двора снята в Зеркальном зале. Придворные спешат услышать решение монарха.

Примеры стиля рококо в архитектуре Парижа

В 1715 году королевский двор был перенесен в Париж и рококо архитектура распространилась на город. Она приняла форму городских дворцов, построенных для элитных вечеринок. Проектировались и строились более маленькие комнаты и уютные салоны в сравнении с предыдущим стилем.

Эти пространства для развлечения указывали на культурный сдвиг: от желания произвести впечатление величия и важности — на стремление к большей камерности и театральности. Хозяевами мероприятий в этих гостиных преимущественно были женщины. Из-за этого некоторые стали считать стиль женским.

Отель Amelot de Gournay

Рококо не только включал изогнутые фигуры в декоре, но и перенёс плавность в форму комнат и зданий. Одним из примеров этого является отель Amelot de Gournay. Внутренний двор в форме овала, который был очень уникальным по тем временам, показал, что стиль рококо может использоваться во внешней архитектуре, а не только в интерьере. Дизайн, возможно, был вдохновлен барочным храмом San Carlo alle Quattro Fontane, который также содержит внутренний двор аналогичной формы. Построенный в Риме, Сан Карло был спроектирован известным архитектором высокого барокко Борромини.

Стиль рококо в архитектуре Италии

Примерно в то же время, когда рококо начинался во Франции, в начале 18 века итальянцы стали больше интересоваться архитектурными работами Франческо Борромини. Его изогнутая пластика и оригинальность деталей в значительной степени оказали влияние на архитекторов того периода, таких как Филиппо Юварра (Filippo Juvarra).

Итальянский рококо появился с дизайном Испанской лестницы (1721—1725) или Scalinata-di-Trinità-dei-Monti.

Этот новый стиль, представленный несколькими архитекторами в Северной Италии, характеризовался выпуклыми изогнутыми формами, терракотовой конструкцией, открытыми структурами и сложными архитектурными композициями. Был сделан акцент на взаимосвязь тени и света.

Рассмотрев внимательнее лучшие примеры итальянского рококо, мы убеждаемся, что направление развивалось самостоятельно параллельно с французским и получило более значительное распространение, чем на своей родине.

Виллы Пьемонта

Загородные резиденции правящей династии Савойского дома в Пьемонте (северо-западная часть Италии) с 1997 года находятся под охраной ЮНЕСКО как памятники Всемирного наследия.

Большой зал дворца Ступиниджи — лучший пример итальянского рококо. Король Сицилии и Сардинии Витторио-Амедео II Савойский поручил архитектору Филиппо Юварре выстроить в Ступиниджи охотничий домик для пребывания двора во время выездов короля на охоту. Строительство началось в 1729 году и закончилось в 1731 году, но оформление интерьеров продолжалось с перерывами в 1735—1737 годах. Для создания чувства утончённости и фривольности архитектор использовал расписанные антаблемы (перекрытия) и кофферы. Коффер (англ. coffer) — ряд утопленных дверных филенок квадратной, прямоугольной или других форм, создающих оптическую иллюзию перетекания.

Пример рококо в архитектуре Италии: большой зал дворца Ступиниджи

Другим примером рококо в Италии является Большая галлерея королевского дворца Венариа Реале (Venaria Reale), иногда называемого Версалем Италии. Гениальным решением архитектора Филиппо Юварра (Filippo Juvarra), который занимался созданием этой галереи во время перестройки дворца, стало проектирование многочисленных окон: 44 больших и 22 маленьких. Они буквально заливают светом всю галерею. Пышная отделка элементами декора на окнах, потолке и двух экседрах (полукруглых глубоких нишах у входа) и зеркала создают впечатление вариативности и динамичности.

Большая галлерея (Gran Galleria) королевского дворца Venaria Reale Источник: https://italy4.me/piemonte/torino/reggia-di-venaria-reale.html

Помещение впечатляет своими размерами: длина галереи составляет 80 метров, ширина – 12 метров, высота сводов – 15 метров. Контраст мраморного пола, выложенного чёрно-белой плиткой в шахматном порядке, с белоснежными стенами и сводами выгодно подчёркивает воздушность пространства и гармонию пропорций.

Дворец Пианетти

Шедевр итальянского рококо построен около 1781 по проекту Кардоло Марии Пианетти. Сейчас здесь находится Муниципальная художественная галерея. В его стенах на верхнем этаже представлены лепные рельефы поэтов, музыкантов и ученых. На нижнем этаже представлены барельефы и картины в стиле рококо. Galleria degli Stucchi имеет длину около 70 метров (чуть меньше Зеркального Зала Версаля) и заканчивается восьмиугольной комнатой. Скульптурные элементы прекрасно сбалансированы с изобразительными.

La Galleria degli Stucchi (Rococò)

Эти примеры показывают, что рококо в архитектуре Франции и Италии развивались независимо друг от друга. После мощи и силы барокко вкусы светского общества качнулись в сторону изящества и тонкости.

Рококо архитектура Германии

Потеряв популярность во Франции к концу 1780-х годов, архитектура рококо надолго обосновалась в других странах. Причудливые примеры архитектуры рококо были построены в Германии. Какие же самые показательные?

Королевская резиденция Сан-Суси отлично демонстрирует характерные черты немецкого понимания рококо. Направление, возникшее в Пруссии во времена правления Фридриха II (Великого), получило название фридерицианское или фридриховское рококо. Дворец возведён в 1745—1747 годах по проекту самого короля архитектором Кнобельсдорфом. Для монарха это был «маленький виноградарский домик», место уединения, а не демонстрации силы и власти. В нём Фридрих II собрал любимые картины, скульптуры, книги. Он проводил здесь дни с конца апреля по октябрь без женщин, со своими собаками и лошадьми.

Дворец Сан Суси в Постдаме

Продолговатое одноэтажное здание, с характерными большими окнами, имеет искусную балюстраду, расположенную по всей длине карниза. В центре спланирован овальный зал, выступающий на фасаде полукружием увенчанным куполом. Влияние французской эстетики было определяющим. Однако заметно воздействие несколько тяжеловесного немецкого барокко.

Парадный двор, окруженный колоннадой, благодаря лестницам-террасам плавно переходит в парк. Изящная простота резиденции отражает характерный для прусского императора философский взгляд на вопрос жизни и смерти. До начала строительства дворца он распорядился разместить на верхней терассе место для его захоронения.

«Только когда я буду здесь, я буду без забот», — сказал однажды Фридрих, указывая на погребальную камеру.

Надпись Sans Souci (фр. без забот) на цоколе дворца значит именно то, что имел в виду король-архитектор, философ, музыкант. Но об этом забыли и трактуют слова, как желание жить в развлечениях и без обязанностей.

Sans Souci. (Без забот) Рококо в архитектуре Германии

Заметим, что единственным развлечением, которому предавался монарх во дворце — это были вечерние концерты, где он играл партию флейты и для которых иногда сам писал музыку.

Adolph Menzel — Flötenkonzert Friedrichs des Großen in Sanssouci — Адольф Менцель — Концерт Фридриха Великого для флейты в Сан-Суси

Другой работой фон Кнобельсдорфа был Рейнсбергский дворец в 100 км от Берлина. Средневековый замок в ренессансном стиле был реконструирован архитектором в стиле фридриховского рококо.

Зал Shell в замке Рейнсберг. Schloss Rheinsberg. Во время Второй мировой войны замок был местом хранения художественный ценностей дворца Сан Суси. Источник: https://www.spsg.de/schloesser-gaerten/objekt/schloss-rheinsberg/

Постдамский городской дворец был также перестроен во вкусе Фридриха. Полностью разрушенный в 1945 году заново отстроен в 2014.

Иоганн Фридрих Мейер. Картина 1773 г.: Городской дворец в Потсдаме, Германия, вид со стороны сада

Стиль рококо в Англии

В отличие от французского рококо или итальянского, в Англии стиль развивали ремесленники и дизайнеры, а не архитекторы. Направление было популярно около сорока лет с 1730 по 1770 год. Английский рококо выделяется более реалистичными природными мотивами и использовался в интерьерах.

Замок Паудерэм

Замок Паудэрем (Powderham) в XVIII и XIX веках был в значительной степени перестроен, в основном архитектором Джеймсом Уайеттом. В стиле рококо переоформили Большой зал с впечатляющей лестницей из красного дерева. Орнамент состоит из таких элементов, как завитки, напоминающие латинские буквы S и C, птицы, животные, цветы, фрукты и листья.

Замок Паудерхэм — Лестничный зал, Южный Девон / Англия

Музыкальный зал в Норфолк-хаус

Герцог Норфолка в 1756 году решил сделать подарок своей жене Марии и в своём лондонском доме переделал музыкальный зал в соответствии с планом итальянского архитектора Джованни Баттиста Борра. Впоследствии белоснежная комната, украшенная позолоченной резьбой по дереву, была перенесена в музей Виктории и Альберта. Сейчас в самом доме находятся офисы с совершенно иным оформлением, и только этот зал сохранён.

Зеркало в Музыкальном зале Дома Норфорлка

Церковь Грэйт Уитли (Great Witley)

Ещё одним из самых известных примеров рококо архитектуры в Англии является церковь Great Witley. Кирпичный экстерьер церкви вовсе не готовит человека к его великолепному интерьеру. Внутреннее убранство — это торжество позолоченных украшений и множества картин Антонио Беллуччи. Десять мозаичных окон работы мастера Джошуа Прайса ( Joshua Price) демонстрируют сцены из Нового Завета.
Интерьер церкви вовсе не был задуман таким. Во время завершения здания около 1735 года внутренне убранство представляло из себя простой плоский потолок и стены, прозрачные стеклянные окна.

Great Witley Church экстерьер и интерьер

В 1747 году храм полностью реконструировали. Сделали новый вогнутый потолок и пригласили Белуччи расписать маслом сцены вознесения. Простые окна заменили на витражные. Потолочные и облицовочные формы сделали из папье-маше.

Елизаветинское рококо в архитектуре Санкт-Петербурга

Рассмотрим наиболее типичные примеры для архитектуры рококо в России XVIII века.

Русское рококо вошло в моду в годы правления императрицы Елизаветы Петровны (1741—1761гг.) Французские вкусы внедрялись в России во времена ее правления благодаря европейскому воспитанию императрицы. Основоположником стиля русского рококо считают Франческо Бартоломмео Растрелли Младшего (1700—1771 гг.), сына скульптора и архитектора Растрелли Старшего. В середине 18 века с приходом к власти Елизаветы были начаты строительные работы под руководством Растрелли в Петербурге, Петергофе и Царском Селе.

Растрелли сумел соединить в своих творениях элементы барокко, классики и модного в то время в Европе рококо, что привело к возникновению особого направления стиля — русского рококо, которое отличается монументальностью, мощью, масштабностью.

Благодаря тому, что русское барокко, созданное Растрелли, имеет много классических черт, общая композиция зданий не потребовала изменений, даже когда рококо вышло из моды, достаточно было убрать рокайль.

Екатерининский дворец

Летняя резиденция русских царей расположена в городе Царское Село (Пушкин), в 30 км к югу от Санкт-Петербурга.  Дворец был построен в 1717 году по приказу императрицы Екатерины I под руководством немецкого архитектора И. Ф. Браунштейна.

В 1752 году императрица Елизавета Петровна, младшая дочь Петра I и Екатерины I, поручила знаменитому итальянскому мастеру Франческо Бартоломео Растрелли расширить и обустроить резиденцию, переоформив ее в духе рококо. 30 июля 1756 года 325-метровый дворец был представлен потрясенным российским вельможам и иностранным гостям.

Екатерининский дворец стал эталоном красоты для многих поколений, настоящим апофеозом архитектуры как искусства прекрасного. Растрелли, непревзойденный мастер рококо, смог оформить протяжный массив дворца настолько изящно, что каждый из его элементов превратился в отдельное художественное произведение. Более 100 килограммов золота потребовалось для украшения сложного лепного фасада и многочисленных статуй, установленных на крыше. Большой вход во дворец охватывают две массивные стильные «окружности».

Особое впечатление производит цветовая гамма фасадов, сочетание золотого, ярко-голубого и белого цветов. Вписана в контур восточного крыла Домовая церковь, увенчанная изящными золотыми куполами, довершает силуэт шедевра.

Восстановленная Янтарная комната Екатерининского дворца в Царском селе

Интерьеры дворца столь же замечательные, как и его фасады. Среди них наибольшую популярность приобрела Янтарная комната, которая исчезла во время Второй мировой войны, а ныне — восстановлена ​​в первоначальном виде. Позже интерьер дворца был обновлён в нео-палладианском стиле.

Рококо в архитектуре Большого дворца в Петергофе

По желанию императрицы Растрелли перестроил по модели Версальского Большой дворец в Петергофе (1745—52 гг). Квадратный в плане зал с двухсветной лестницей — один из самых эффектных интерьеров дворца, отличающийся парадной и роскошной отделкой. В нём Растрелли достиг максимального синтеза искусств, применив едва ли не все возможные средства декорирования: масляная живопись плафона, темперная роспись стен, лепнина, резьба по дереву, кованый металл. В интерьере лестницы многообразно представлены различные скульптурные формы: барельефы, картуши, статуи, рокайли, вазы.

Парадная лестница Большого дворца. Аллегория Весны и Лета. Пример Екатерининского рококо.

Елизаветинское рококо в Зимнем дворце

Здание дворца (пятое) было построено в 1754—1762 годах. Главный дворец императорской России призван был прославить могущество империи. Своеобразие дворцу придают нарядные скульптуры и вазы над карнизом по всему периметру здания. Распространённая в архитектуре Западной Европы замкнутая дворцовая композиция с внутренним двором была оригинально переработана архитектором в «раскрытую». Фасад Зимнего дворца с его украшением в виде скульптур и роскошной лепнины на фронтонах является барочным.

К. А. Ухтомский. Парадная лестница Зимнего дворца в Санкт-Петербурге. Акварель. 1866. Санкт-Петербург, Государственный Эрмитаж. Шедевр архитектуры Елизаветинского рококо.

Елизавета Петровна не дожила до окончания строительства, принимал работу 6 апреля 1762 года уже Пётр III. К этому времени была закончена отделка фасадов, но многие внутренние помещения ещё не были готовы. Летом 1762 года Петра III свергли с престола, и строительство Зимнего дворца было окончено уже при Екатерине II.

Прежде всего императрица отстранила от работ Растрелли. Отделкой интерьеров дворца занимались архитекторы Ю. М. Фельтен, Ж. Б. Валлен-Деламот и А. Ринальди под руководством Бецкого. Сейчас внутри дворец выглядит как сочетание барокко и неоклассицизма. От интерьера в стиле Елизаветинского рококо сохранились только Иорданская лестница и Большая церковь.

Барокко и рококо: сравнение

Барокко приходит после ренессанса, но предшествует рококо — оно начинается в Риме, перемещается во Францию ​​и развивается в уникальный французский стиль, и только затем превращается в рококо.

Стиль барокко базируется на идее строгого классицизма эпохи Возрождения. Однако, само название «барокко» происходит от жемчужины неправильной формы и символизирует некое отклонение от этой нормы. Стиль привлекает зрителя через драму и движение.

Итальянский барокко стремится вызвать благоговение перед церковью своей монументальностью. Французский барокко стремится вызвать чувство благоговения перед абсолютизмом Короля-Солнца, Людовика XIV и его абсолютной власти. Рококо является реакцией на строгую формальность барокко.

Можно сказать, что стиль барокко завершается «вечеринкой» — технически яркой, но без глубокой мысли и драмы. Рококо не подражает античности, Древнему Риму или Древней Греции. Впервые, со времен Возрождения, разрабатывается дизайн, не основанный на классической идее. Рококо является уникальным французским стилем. 

Название рококо происходит от комбинации слов rocaille (камешки) и ​​coquille (ракушки). Стиль прославляет досуг высшего класса, веселье и комфорт. Его характеристики в основном проявляются в интерьерах, где мы находим асимметричный криволинейный орнамент, который черпает вдохновенье от матери-природы. Плавные изгибы больше не несут за собой серьезной барочной базы. Монументальность и масштабность тоже уходит.

Пример рококо в архитектуре. Hotel de Soubise, Париж. Интерьеры Жермена Боффрана, около 1735–1740 годов

Барокко – СИММЕТРИЯ, базируется на античности и четких геометрических пропорциях, сложная структура(планировка), драма, монументальность, динамика, роскошь.

Рококко – АССИМЕТРИЯ, НЕ базируется на античности, но вдохновляется природными линиями и изгибами, поверхностность, эмоциональность, меньший масштаб, роскошь.

Рококо в архитектуре оставил много оригинальных, роскошных, красивых памятников, несмотря на отсутствие рациональности, капризность и обременённость форм.

Автор: Jelena Shilyaevа M.A. in History of Art, University of Glasgow

Вам нравиться стиль рококо в архитектуре? Хотели бы Вы жить в комнате с рокайлевским интерьером? Напишите в комментариях свои мысли по этому поводу.
Ставьте оценку статье, выбрав нужное число звёзд ниже.
Поделитесь с друзьями в социальных сетях.

Франция 18-го века — Рококо и Ватто

Франция 18-го века — Рококо и Ватто

Обзор

В 1715 году французы впервые за семьдесят два года приветствовали нового короля. Людовик XV, пятилетний мальчик, стал преемником своего прадеда Людовика XIV, Короля-Солнце, который сделал Францию ​​выдающейся державой в Европе. В течение следующих восьми лет племянник покойного короля, герцог Орлеанский, правил страной в качестве регента. Его аппетит к красоте и живости был хорошо известен, и он отказался от благочестия, навязанного Людовиком XIV в Версале. Франция отказалась от имперских устремлений, чтобы сосредоточиться на более личных и приятных занятиях. По мере того как политическая жизнь и личная мораль ослабевали, изменения отражались в новом стиле в искусстве, который был интимным, декоративным и часто эротичным.

Стиль рококо

Стремление Людовика XIV прославить свое достоинство и величие Франции было хорошо удовлетворено монументальными и формальными качествами большей части французского искусства семнадцатого века. Но члены следующего двора стали украшать свои элегантные дома более легкой и изящной манерой. Этот новый стиль известен с прошлого века как «рококо», от французского слова rocaille , обозначающего украшение сада из камней и ракушек. Впервые появившись в декоративно-прикладном искусстве, рококо подчеркивал пастельные тона, извилистые изгибы и узоры на основе цветов, лозы и ракушек. Художники обращались от высокопарности к чувственным поверхностным удовольствиям цвета и света, от тяжелых религиозных и исторических сюжетов — хотя они никогда полностью не игнорировались — к более интимным мифологическим сценам, видам повседневной жизни и портретной живописи. Точно так же скульпторы все чаще применяли свои навыки к небольшим работам для оценки частных покровителей.

После Джан Лоренцо Бернини , Людовик XIV , c. 1700 г., бронза, Коллекция Сэмюэля Х. Кресса, 1943.4.87

1 из 11

Антуан Ватто и Галантный праздник

подход и пристальное наблюдение — Антуан Ватто объединил их в нечто новое.

Родившийся недалеко от фламандской границы, Ватто находился под влиянием тщательно описанных сцен повседневной жизни, популярных в Голландии и Фландрии. Приехав в Париж в 1702 году, он сначала зарабатывал на жизнь копированием этих жанровых картин, содержащих нравоучительные послания, не всегда до конца понятные французским коллекционерам. Он работал у художника театральных сцен и познакомился с итальянским комедия дель арте и ее французские подражатели. Стандартные персонажи этих широко нарисованных импровизированных комедий часто появляются на картинах Ватто, а мир театра вдохновлял его смешивать реальное и воображаемое в загадочных сценах. Благодаря работе с модным декоратором в стиле рококо Ватто в конечном итоге привлек внимание покровителей и известных художников. Он начал обучение в официальной Королевской академии живописи и скульптуры, членство в которой было необходимо для выполнения важных поручений, и получил доступ к новым коллекциям произведений искусства, собираемым аристократами и представителями растущей буржуазии. Под влиянием своего изучения Рубенса и художников венецианского Возрождения Ватто разработал свободную, деликатную технику живописи и вкус к теплым, мерцающим цветам.

В 1717 году «шедевр» Ватто, представленный для поступления в Академию, был принят как «галантный праздник». В этой новой категории Академия признала новизну его работы. Немедленная популярность этих садовых сцен, в которых аристократические молодые пары встречаются в любовных занятиях, показывает, насколько хорошо fête galante соответствовал духу поиска удовольствий начала восемнадцатого века. Гравюры сделали сюжеты и манеру Ватто широко известными. Хотя лирическая тайна его собственных работ оставалась уникальной, другие художники, специализировавшиеся на fête galante , особенно Патер и Ланкре, также пользовались международной популярностью.

Антуан Ватто , французский, 1684–1721, Галантный праздник с сокольниками , ок. 1711-1712, красный мел по графиту на верже, Дар Нила и Ивана Филлипсов, 1988. 1.1

2 из 11

Церера, римская богиня урожая, окружена знаками летнего зодиака: Близнецы, Рак, и Лео. Это одна из четырех картин времен года в мифологических одеждах, которые Ватто написал для дома Пьера Кроза. Никто из остальных не выживает.

Ватто некоторое время жил в доме Кроза, изучая впечатляющую коллекцию произведений искусства богатого банкира, особенно работы Веронезе. Мерцающая яркость и живые пастельные тона Цереры отражают влияние венецианской художницы и смягчают ее крупную фигуру и формальную позу.

Ватто, вероятно, был представлен Кроза Шарлем де Ла Фоссом, известным художником и признанным членом Академии, и вполне вероятно, что Ватто написал Цереру по эскизам, сделанным художником старшего возраста. Их сотрудничество стоит на переходе между монументальными формами предыдущего века и рококо.

Антуан Ватто , Франция, 1684 — 1721, Церера (Лето) , ок. 1717/1718, холст, масло, Коллекция Сэмюэля Х. Кресса, 1961.9.50

3 из 11

Труппа популярной итальянской комедии ( commedia dell’arte ) собирается на сцене, возможно, на занавесе. В центре неловко стоит уязвимая фигура Пьеро, простодушного камердинера и неудачливого любовника, который был самым человечным из стандартных персонажей комедии. Скарамуш, хвастун, представляет его, в то время как другие персонажи общаются вокруг странно неподвижного Пьеро.

Блестящий рисовальщик, Ватто часто рисовал друзей в театральных костюмах. Возможно, здесь нарисованы их лица, а не лица актеров. Было высказано предположение, что фигуры иллюстрируют переход от юности слева к старости справа или что меланхоличный Ватто видел себя в грустном Пьеро. Намерение Ватто состояло в том, чтобы вызвать настроение, а не просто описать сцену, и его величайшие картины, такие как эта, остаются загадочными и странно острыми.

Итальянские комедианты была одной из последних работ Ватто. Большую часть своей жизни он путешествовал в 1719 году в Англию для лечения у модного врача Роберта Мида. Эта картина, вероятно, была платой доктору. К сожалению, вскоре после этого Ватто умер от туберкулеза, ему не было и тридцати семи лет.

Антуан Ватто , Франция, 1684–1721, Итальянские комедианты , вероятно, 1720, холст, масло, Коллекция Сэмюэля Х. Кресса, 1946.7.9

4 из 11 флиртуйте, танцуйте и вступайте в интимную беседу, у каждой пары есть «эпизод» в процессе ухаживания. Их анекдотический характер делает картины Патера менее двусмысленными, чем загадочные работы Ватто, которые современник критиковал как «бессюжетные».

Патер учился у Ватто, который признался, что был нетерпеливым мастером, и принял его поручения после своей смерти. Преследуемый страхом бедности, Патер работал непрестанно, но также довольно механически, повторно используя группы фигур и мотивы от одной картины к другой. Он был принят Академией как художник «современных предметов», и более шестисот из его galantes сохранились до наших дней.

Несколько поз на этой картине и незаконченная картина Патера На террасе можно проследить до фламандского художника семнадцатого века Питера Пауля Рубенса, чьи работы можно было увидеть в Париже в 1700-х годах. Темное платье женщины справа, модное в предыдущем столетии, и садовая скульптура Венеры, подчеркивающая направленность картины на любовь, также отражают его влияние. Но Патер, в соответствии со вкусами рококо, усовершенствовал массивные фигуры Рубенса. Они собраны в изящные группы, их тонкие шелка окрашены прохладными пудровыми красками, нанесенными перистыми мазками.

Жан-Батист Жозеф Патер , французский, 1695-1736, Fête Champêtre , c. 1730 г., холст, масло, Коллекция Сэмюэля Х. Кресса, 1946.7.19

5 из 11

Будучи молодым художником, Буше гравировал работы Ватто для публикации. Гравюры, подобные его, часто с добавлением стихов, распространили стиль рококо по всей Европе. Сам Буше стал самым модным художником Франции под покровительством мадам де Помпадур, могущественной фаворитки Людовика XV, чьи утонченные вкусы влияли на французское искусство в течение двух десятилетий. Возможно, именно муж или брат женщины на этой картине познакомил молодого художника со своим будущим покровителем.

Из более чем тысячи картин, созданных Буше, только около двадцати являются портретами. Современники отмечали, что художнику было трудно передать сходство, и в 1700-х годах этот недостаток считался менее серьезным для женских портретов, чем для мужских, поскольку правдивость могла заменить лесть. Бледные цвета, богатые ткани и деревенский оттенок соломенной шляпы типичны для стиля Буше. В нем запечатлено изящество изнеженного образа жизни, в котором, как отмечал современник, «нам действительно нечего делать, кроме как искать приятных ощущений и чувств».

Франсуа Буше , Франция, 1703–1770, Мадам Бержере , возможно, 1766, холст, масло, Коллекция Сэмюэля Х. Кресса, 1946.7.3

6 из 11 художников, последовавших за Ватте

7 900 Ланкре был самым талантливым и изобретательным. Скорее соперник, чем подражатель, он был принят в Академию как художник galantes , но также создавал исторические и религиозные картины — и портреты, особенно актеров и танцоров.

В этом вдохновенном гибриде Ланкре создал такой портрет в элегантном саду galante . Словно в центре внимания, знаменитая танцовщица Ла Камарго разделяет па-де-де со своим партнером Лавалем. Их обрамляет пышная листва, которая словно вторит их движениям. Мари-Куппи де Камарго (1710–1770) широко хвалили за ее чуткий музыкальный слух, воздушность и силу. Вольтер сравнивал ее прыжки с нимфами. Мода и прически были названы в ее честь, и ее реальный вклад в танец был значительным. Она первой укоротила юбки, чтобы можно было в полной мере оценить сложные шаги, и некоторые думают, что она изобрела туфли с носками.

Николя Ланкре , Франция, 1690 — 1743, Танцы Ла Камарго , c. 1730 г., холст, масло, Коллекция Эндрю В. Меллона, 1937.1.89

7 из 11

Любовное письмо было заказано самой мадам де Помпадур. Любовница короля заказала его и сопутствующую картину для своего замка в Бельвю, где они, вероятно, висели над дверными проемами, встроенными в изогнутые овальные рамы. Позже по углам были добавлены куски холста, чтобы сделать эту картину прямоугольной.

Сцена представляет собой пасторальную идиллию. Молодые «пастушки» носят тонкие шелка, и современный зритель понял бы эротическое обещание в демонстрации розовых пальцев на ногах. Идеализированные видения деревенской жизни были обычным явлением на сцене и в реальных маскарадах. Дени Дидро, пренебрегая легкомыслием сцен Буше, жаловался: «Неужели я никогда не избавлюсь от этих проклятых пасторальей?» Тем не менее энциклопедист, который был влиятельным критиком, также оценил великолепие картины Буше, в которой запечатлены светящиеся цвета раковин, бабочек и полированных камней — предметов, которые художник собирал, чтобы скопировать их хрупкую радужность.

Франсуа Буше , французский, 1703–1770, «Любовное письмо» , 1750, холст, масло, коллекция Timken, 1960.6.3

8 из 11

богиня охоты Диана крадется сквозь лунный свет, чтобы поцеловать спящего пастуха Эндимиона, которому боги даровали вечный сон, чтобы сохранить его красоту и молодость. Диана и Эндимион был написан, когда Фрагонар был еще студентом Академии и находился под сильным влиянием Буше, который был его учителем. Это была одна из нескольких мифологических виньеток, действие которых происходило в разное время дня; на другом изображена восходящая Аврора (Рассвет). Обе композиции, написанные как украшения над дверью, были основаны на рисунках, которые Буше сделал для гобеленов Бове. Несмотря на сходство с работами старшего художника, Диана и Эндимион уже демонстрируют важные элементы того, что станет собственным стилем Фрагонара: насыщенные цвета и плавное обращение с краской.

Жан-Оноре Фрагонар , француз, 1732 — 1806, Диана и Эндимион , ок. 1753/1756, холст, масло, коллекция Timken, 1960.6.2

9 из 11

Костюмы и обстановка здесь предполагают маскарад, возможно, в Венеции. Однако, как и изображенное элегантное и загадочное трио, картина остается загадочной. Его приписывали многим разным художникам, совсем недавно Ле Лоррену, малоизвестному художнику, который провел девять лет в Италии и был известен прежде всего как «художник руин». Ле Лоррен также проектировал интерьеры, мебель (в том числе неоклассическую сюиту на портрете Греза в коллекции Галереи) и декорации для публичных зрелищ (например, коронации Людовика XV). Морозные цвета и холодный, резкий свет на этой картине кажутся похожими на другие работы Ле Лоррена, но для сравнения существует несколько его работ. В конце концов он принял приглашение Екатерины Великой возглавить Академию художеств в Санкт-Петербурге и умер там всего через несколько месяцев после прибытия.

Луи-Жозеф Ле Лоррен , Франция, 1715-1759, Три фигуры, одетые для маскарада , ок. 1740-е годы, холст, масло, Коллекция Сэмюэля Х. Кресса, 1961.9.92

10 из 11

Широкие драпировки и тугой поворот головы создают движение и энергию в этом портретном бюсте. Слегка приоткрытые губы, просверленные зрачки и тщательно детализированные черты лица — линии вокруг глаз и рта — оживляют личность субъекта, который был советником Людовика XV и чей сын сражался в американской войне за независимость. И нарисованные, и скульптурные портреты того периода стремились запечатлеть нечто большее, чем сходство с натурщиком, и Лемойн передал ощущение сильного характера и живого ума Кромо. Его объемные одежды являются условностью древней скульптуры и частично прикрывают его неформальное современное платье.

Жан-Батист Лемуан II , французский, 1704–1778, Жюль-Давид Кромо, барон дю Бур , ок. 1757 г., мрамор, дар Камиллы де Нушез, прямого потомка, и ее мужа, Джона Хэдли Кокса, 1985.39.1

11 из 11

Американское рококо | Эссе | Метрополитен-музей

Рококо — это название одного из великих международных орнаментальных стилей восемнадцатого века. В своем отходе от классического порядка и симметрии рококо пренебрегал правилом и компасом в пользу украшений, которые требовали умелого рисования от руки и воображения, выходящего за рамки академических условностей. Акцент делался на натуралистическом орнаменте, резном или гравированном. Стиль зародился в Италии, процветал во Франции с 1730-х годов, в Англии с 1740-х и в Америке с 1750-х годов.

Американское принятие рококо было сосредоточено почти исключительно на орнаментальных мотивах стиля — ракушках и рокайлях, завитках, листьях аканта и другой флоре и фауне, часто в симметричных композициях. Многие ведущие городские мастера с энтузиазмом применяли их к архитектурным интерьерам, гравюрам, серебру, мебели и другому домашнему оборудованию.

Рококо пересек Атлантику тремя основными способами: гравировкой в ​​печатных сериях и книгах, импортными предметами и ремесленниками-иммигрантами. Влияние гравюр и книг было ограниченным, влияние привозных предметов трудно задокументировать. Специализированные ремесленники-иммигранты, чьи навыки требовались для выполнения тонкостей стиля, больше всего сделали для распространения рококо в Америке. В 1750-х и 1760-х годах настоящая волна высококвалифицированных и амбициозных молодых мастеров, большинство из которых обучались в Лондоне, эмигрировала в Америку, привлеченная спросом на их способности и возможностями для личного и социального продвижения.

Только в крупных городах и их окрестностях имелись необходимые ингредиенты для развития американского стиля рококо: дизайн, покровители, мастера и материалы. Самыми плодородными областями американского дизайна рококо были Бостон, Нью-Йорк, Чарльстон и Филадельфия, все морские порты и все они были так же тесно связаны с Лондоном, как и друг с другом. К эпохе рококо Бостон входил в сумерки своего колониального господства, и выражение вкуса города было самым консервативным из четырех. Примеры из Нью-Йорка довольно редки, несомненно, потому, что большой процент из них был вывезен уходящими лоялистами или уничтожен во время разрушительных пожаров, сопровождавших оккупацию города. В процветающем Чарльстоне, величайшем городе Юга, процветало рококо, но в значительной степени зависело от импортных товаров. Филадельфия, приближавшаяся к апогею своего господства и богатства, была крупнейшим городом в колониях. Ее процветание и культура привлекали мастеров-иммигрантов, обладавших уникальной квалификацией, чтобы создавать украшения в стиле рококо для самых богатых ее граждан.