Рококо главная задача: РОКОКО: истоки, эстетика и характерные черты стиля

РОКОКО: истоки, эстетика и характерные черты стиля

    В XVIII веке западноевропейское искусство становится едва ли не главным объектом острых дискуссий, точкой столкновения различных мировоззрений, отражающих общую картину смешения и и разнообразия форм его существования. Современники спорили об отношении искусства и природы, о роли и назначении художника и зрителя, соотношении правды и вымысла. Характерной особенностью этого времени стал неоспоримый факт не постепенной сменяемости, а одновременного существования барокко, классицизма, рококо и сентиментализма.

    Как же в этой непростой ситуации «уживались» классицизм и господствующие более полувека идеалы барокко, столь не схожие и во-многом даже противоположные по своей сути стили?

    Классицизм был первым четко оформившимся направлением в европейском искусстве, создавшим собственную эстетическую программу, выработавшим строгие правила художественного творчества и свою идеологическую ориентацию (Если в начале искусство классицизма было неотделимо от идеи абсолютной монархии и являлось воплощением целостности, величия и порядка, то позднее, в форме так называемого революционного классицизма, родиной которого являлась Франция, оно служило противоречивым идеалам борьбы против тирании и утверждение гражданских прав личности. Но на последней стадии своего развития классицизм стал активно выражать идеалы наполеоновской империи — недаром своё художественное продолжение он нашел в стиле ампир).

    Искусство барокко, о котором достаточно подробно было рассказано в предыдущих постах (кому интересно, можете найти их по соответствующему тэгу), в большей степени опиралось на интуицию, чем на рациональное начало, поэтому никакой теории не создало. Классицизм отказался от принципиальной противоречивости барокко и отверг его главный девиз: «Кто не нарушает правил, тот не поэт». Признавая только гармонию и порядок, классицизм «выпрямил» причудливые формы барочного искусства, перестал трагически воспринимать духовный мир человека, а основной конфликт перенес в сферу отношений между отдельной личностью и государством.

    Барокко, почти окончательно изжившее себя и пришедшее к логическому завершению, уступило место классицизму. Но истинным наследником барокко стал не классицизм, а другой стиль — рококо.

Рококо в изобразительном искусстве:
Жан Оноре Фрагонар «Счастливые возможности качелей» (1766 г.)

  В 20-е годы XVIII века во Франции сложился новый стиль искусства — рококо (от фр. rocaille — раковина). Уже само название раскрывало главную, характерную черту этого стиля — пристрастие к изусканным и сложным формам, причудливым линиям, во многом напоминавшим силуэт раковины.

    Раковина то превращалась в сложный завиток с какими-то странными прорезями, то в украшение в виде щита или полуразвернутого свитка с изображением герба или эмблемы.

  Во Франции интерес к стилю рококо ослабел уже к концу 1760-х годов, но в странах Центральной Европы его влияние было ощутимо вплоть до конца XVIII столетия.

    Искусство рококо формировалось в эпоху духовного кризиса абсолютистской власти во Франции. Отражавшие идеалы и настроения высших слоев французского общества, оно не могло не испытывать на себе влияния аристократических заказчиков.

    Главная цель искусства рококо совершенно гедонистическая — доставлять чувственное наслаждение. Искусство должно было нравится, трогать и развлекать, превращая жизнь в утонченный маскарад и «сады любви». Сложные любовные интриги, мимолетность увлечений, дерзкие, рискованные, бросающие вызов обществу поступки героев, авантюры и фантазии, галантные развлечения и праздники определяли содержание произведений искусства.

    Характерными чертами рококо, которые можно выявить в произведениях искусства этого стиля, можно признать следующие:

  1. Грациозность и легкость, затейливость, декоративная утонченность и импровизация, пасторальность (пастушеская идиллия), тяга к экзотике.

    2. Орнамент в виде стилизованных раковин и завитков, арабесок, цветочных гирлянд, фигурок амуров и т. п.

  3. Сочетание пастельных светлых и нежных тонов с большим количеством белых деталей и золота.

  4. Культ прекрасной наготы, восходящей к античной традиции, изощренная чувственность, эротичность.
  5. Культ малых форм, камерность, миниатюрность (особенно в скульптуре и архитектуре), любовь к мелочам и безделушкам («прелестным безделицам»), наполняющим быт галантного человека «галантного века».
  6. Эстетика нюансов и намеков, интригующая двойственность образов, переданная с помощью легких жестов, полуоборотов, чуть заметных мимических движений, полуулыбки, затуманенного взгляда или влажного блеска в глазах.

    Наибольшего расцвета стиль рококо достиг в произведениях декотративно-прикладного искусства Франции (интерьеров дворцов и костюмах аристократии).

    В России он проявился прежде всего в архитектурном декоре — в виде свитков, щитов и замысловатых раковин — рокайлей (декоративных орнаментов, имитирующих соединение причудливых раковин и диковинных растений), а также маскаронов (лепных или резных масок в виде человеческого лица или головы зверя, размещенных над окнами, дверьми, арками, на фонтанах, вазах и мебели).

    Стиль рококо достаточно быстро вышел из моды.

    Но его влияние, например, на импрессинистов не вызывает никаких сомнений. А наиболее наглядным вляние рококо выглядит в творчестве художников и архитекторов стиля модерн как в западной и центральной Европе, так и в России (посмотрите, например, картины Константина Сомова):

   И конечно же, именно благодаря рококо, эстетике этого стиля и его гедонистической основе, стало возможным широкое распространение вот таких сюжетов в изобразительном искусстве:

Благодарю за внимание.
    Сергей Воробьев.

 

Рококо в России

                                     

2.1. Изобразительное искусство Живопись

Представители россики, приехавшие в Россию в петровское и елизаветинское время, способствовали становлению новой, русской художественной школы — главным образом, в живописных формах рококо. Один из характернейших примеров — «Кабинет мод и граций» 1764 в Большом Петергофском дворце, украшенный шпалерной развеской девичьих «головок» кисти Пьетро Ротари. В екатерининское время его картинами украсят Портретную Кабинет Ротари в Китайском дворце в Ораниенбауме). Михаил Алленов пишет, что Гроот и Ротари «предложат разные, каждый в своем роде совершенный, варианты рококо. Гроот — утонченный колорист и «костюмер», с оттенком чуть гротескового юмора …; Ротари — изощренный «композитор» малоформатных изображений, великолепный мастер тонального колорита и фарфорово-глянцевой фактуры. … Между названными фигурами — целый ряд вариантов рококо, в середине которого можно поставить Ивана Вишнякова».

Характеризуя стилистику живописи рококо, Алленов пишет: «Известная и многократно отмечавшаяся в разных оценочных категориях «легкомысленность» рококо была художественной задачей стиля, можно сказать, его освободительной миссией. А именно, все величественное, державно-властительное, а потому способное устрашать освобождалось от этой своей способности, лишалось серьезности, пафоса. Кукольность типажа, пристрастие к детскому портрету, неожиданные типологические пересечения, например парадного императорского и костюмированного портрета, — все это черты принципиальной антипатетичности, в которой заявляет о себе дух скептицизма, свойственный «веку Разума».

Опыт ученика Каравакка Ивана Вишнякова, действительно особенно интересен среди русских представителей рококо. Он своеобразно воспринял уроки западной живописи, переработал воздействие рококо — и соединил это с допетровской традицией. Его «Портрет Сары Фермор» 1750 — «подлинное «русское рококо», смесь изысканности и примитивности, живописи и парсунности» по словам А.

Эфроса. Учеником Гроота был Иван Аргунов, шереметьевский крепостной. В творчестве Алексея Антропова рокайльная кукольность «получает неожиданный оборот: его персонажи начинают напоминать ярко раскрашенные глиняные, вроде вятской игрушки, или деревянные портретные скульптуры, воспроизведенные живописным способом».

Учеником Ротари был Фёдор Рокотов, вообще, главные художественные открытия русского рококо все же будут связаны с портретной живописью эпохи Екатерины Великой. Помимо Рокотова, отчетливая рокайльность присуща живописи Дмитрия Левицкого. Камерность и тонкость портретных образов, созданных этим двумя великими мастерами екатерининского времени — характерные черты рококо, которое, в отличие от барокко и классицизма, не было «большим» стилем и испытывало пристальный интерес к конкретной личности человека.

В «прикладной» живописи стилистика рококо ощущалась в гораздо более чистой форме, чем в портретах; см. например десюдепорты Бориса Суходольского, декоративные работы Ивана Фирсова.

В середине XVIII века рокайльная стилистика проникает и в иконопись, что видно по творчеству Михаила Фунтусова.

Рококо в России

                                     

2.1. Изобразительное искусство. Живопись. (Painting)

Представители Россики, который приехал в Россию при Петре I и Елизаветинской эпохи, способствовали формированию новой русской художественной школы, в основном в живописных форм рококо. один из самых характерных примеров «Кабинет мод и граций» 1764 (В 1764) Большой Петергофский дворец, украшенный гобелен висевший девичья «головок», расписанные Пьетро Ротари. В екатерининских времен, его картины украшают портрет кабинет «Ротари» в Китайском дворце в Ораниенбауме). Михаил Алленов пишет, что Грут и роторные «предлагаем по-разному, каждый в своем роде совершенен, варианты. рококо Грут — изысканный колорист и «костюмер», с оттенком слегка гротескного юмора., роторно — сложные «композитор» размер изображения, отличный мастер тон цвет и фарфорово-глянцевые текстуры.

Между этими цифрами — множество вариаций в стиле рококо, в центре которой можно поставить Иван Вишняков».

Характеризуя стиль живописи рококо, Алленов написал: «- известный и неоднократно наблюдал в разных категориях проверка «легкомысленность» рококо была проблема, художественный стиль, можно сказать, его освободительной миссии. А именно, все величественно, державно мощный, и поэтому способны запугать освободился от этой его способности, потеряли серьезность, пафос. кукольные черты лица, пристрастия к детский портрет, неожиданный типологические пересечения, например парадного Императорского портрета и костюма, все особенности принципа antipathetical, который заявляет о себе дух скептицизма, присущего «веку Разума».

Студенческий опыт Каравак Иван Вишняков действительно интересные, особенно среди русских представителей рококо. он вроде брал уроки западной живописи, переделанную под влиянием рококо — и соединил его с допетровской традицией. он «Портрет Сары Фермор» 1750 — «оригинал «русское рококо», смесью изысканности и примитивности, живопись и парадности» по данным А. я. студент Гроот был Иван Аргунов, крепостной Шереметьева. В работе Алексей Антропов рокайльные кукол «получает неожиданный поворот: герои начинают напоминать яркие цветные глины, как и Вятской игрушки или деревянной портретной скульптуры, воспроизводится живописный способ».

Студент роторная Федора Рокотова, в общем, главных художественных открытий русской рококо все еще быть связаны с портретной живописью эпохи Екатерины Великой. кроме Рокотова, ярко выраженный локальный присущая живописи Дмитрия Левицкого. интимность и тонкость портретных изображений, созданных с помощью этих двух великих художников Екатерининского времени — характерные черты рококо, который, в отличие от барокко и классицизма, был не «большим» стиль и проявляет большой интерес к конкретной личности человека.

В «прикладной» стиль живописи рококо ощущалось в гораздо более чистом виде, чем в портретах, см. , например, десюдепорты, выполненные Бориса Суходольского, декоративные работы Ивана Фирсова.

В середине XVIII рокайльные века проникает в стиль и иконография, которая проявляется в творчестве Михаэля Funtusov.

Особенности стиля рококо — О Комнате

Стиль рококо можно описать тремя словами – элегантность, шик, роскошь. Это идеальная стилистика для смелых обеспеченных людей, которые любят атмосферу праздника. Ведь, действительно, дизайн в стиле рококо не позволит вам скучать ни минуты. Поскольку данный стиль пришел к нам из Франции 18 века, он буквально дышит изяществом той эпохой. Несмотря на все коррективы, которые внесло в него время, рококо все равно продолжает нести в себе нотки великолепной дворцовой Франции.

Пол, потолок, стены

Создавая стиль рококо в интерьере, вам придется шаг за шагом искать идеальные решения при выборе материалов, мебели, аксессуаров. Именно правильный подбор всех мелочей позволит вам создать по-настоящему роскошный дизайн:

1. Стены. Стены в заданной стилистике предполагают использование всевозможных замысловатых изогнутых форм, а также дробных орнаментов. Актуально будет использовать лепнину, однако стоит отдавать предпочтение тонким и изящным вариантам данного вида декора. Если у вас есть возможность – декорируйте стены с помощью тканевых обоев. Такие настенные покрытия достаточно дорогие и сложные в плане установки, но они того стоят. Тканевые обои в один момент придадут комнате роскошный и богатый вид. Если вы выбираете обычные бумажные обои, то лучше отдать предпочтение современной шелкографии. Кроме того, для отделки стен можно использовать и обычную краску, однако стоит окрашивать стены не матовой, а глянцевой блестящей краской. Что же касается узоров на стенах, то они должны быть витиеватыми, с большим количеством завитком и переплетений.
2. Потолок. Идеальное решение – простой однотонный потолок с лепным декором или небольшой фреской. Впрочем, иногда на потолке используют те же узоры, что и на стенах, это так же выглядит неплохо. Отличительная характеристика рококо – сглаженный угол меду стеной и потолком.
3. Пол. Стиль рококо дает нам несколько вариантов оформления пола, так что каждый может выбрать подходящий вид напольного покрытия. Первый вариант – это керамическая плитка. Ее можно стилизовать, например, под мрамор. Второй вариант – деревянный паркет. Использовать ламинат в данном случае нежелательно, так как рококо – дорогой стиль и дешевый заменитель паркета его просто испортит. Благо современный строительный рынок предлагает нам широкий ассортимент паркетных досок разного вида и стоимости. Для заданной стилистики лучше всего подойдет глянцевый паркет. Он подчеркнет блеск и сияние мебели, элементов декора. Использование ковров в рококо вполне уместно, однако не стоит покупать огромные ковры, занимающие весь пол комнаты. Это должны быть небольшие стильные коврики.

Подходящая мебель

Выбрать мебель в стиле рококо в наше время совсем не сложно. Вы можете отправиться на поиски в антикварные магазины, но гораздо проще найти нужные предметы интерьера в обычных современных мебельных магазинах. Производители мебели знают о модной тенденции создавать дизайны в данной стилистике, так что выставочные залы полны подходящих предметов.

Два главных правила, которыми нужно руководствоваться при выборе мебели: она должна обладать плавными формами и декором в виде завитков. Если вы выбираете, например, стулья, то их ножки должны быть изогнутыми, а сиденья – обитыми дорогой тканью (шелком, бархатом, жаккардом и прочим). Если речь идет о кровати, то стоит отдать предпочтение массивному варианту с помпезным балдахином.

Традиционный элемент мебели в стилистике рококо – ширмы. Ширмы должны быть изысканными, выполненными из дерева и украшенными резьбой, позолотой, инкрустацией. Вообще, позолота может присутствовать практически на всех элементах мебели. Рококо ее очень любит.

Сложнее всего подобрать мебель для кухни в данном стиле. Если вы все-таки решились взяться за эту непростую задачу, отдайте предпочтение сервантам под старину с завитками и лепниной, столам с витыми ножками и столешницами из натурального камня, мощным шкафам.

Спальня в стиле рококо

Стиль рококо в гостиной – довольное частое и привычное явление. Согласитесь, помпезность этой стилистики как нельзя лучше подчеркивает статус главной комнаты в доме. Но почему бы не отойти от стереотипов и не оформить в стиле рококо спальную комнату?

Оформление спальни в этом стиле имеет свои особенности и нюансы. Главная задача подобного дизайна – превратить спальню в своего рода французский будуар. Для этого очень важно придать комнате интимный вид. В отличие от просторной гостиной, для оформления спальни вам подойдет совсем небольшая комнатка. Между прочим, низкие потолки в данном случае будут не минусом, а, наоборот, большим плюсом.

Главные цвета спальни рококо – нежные и пастельные. Идеальным решением будет взять жемчужно-белый цвет и добавить к нему один из следующих оттенков на выбор: розовый, кремовый, голубой, нежно-зеленый. Обязательно используйте золотые цвета и позолоту в отделке спальни. Кроме того, мебели в такой комнате должно быть достаточно много. Кровать, тумбочки, кресла, столик с пуфиком, комод, шкаф – не бойтесь немного перенасыть комнату мебелью.

Важные нюансы

Когда все основные аспекты стиля рококо уже выяснены, остается добавить лишь несколько советов, который помогут сделать ваш дизайн идеальным:

1. Без зеркал у вас не получится создать полноценный рококо стиль. Эти, казалось бы, незначительные элементы интерьера не только придадут комнате особый шарм, но и визуально увеличат площадь помещения.
2. Небольшой камин также хорошо дополнит дизайн. Вы можете использовать настоящий камин, но гораздо проще и удобней купить электрокамин. Очень важен и декор этого элемента интерьера. Камин нужно покрыть мраморными плитками и расставить на нем статуэтки из фарфора, витиеватые подсвечники, старинные часы.
3. Не забудьте уделить внимание освещению комнаты. В качестве центрального освещения подойдет небольшая хрустальная люстра со множеством подвесок. На стенах должны разместиться бра. Лучше всего выбирать бра в форме морских ракушек. Ну и, конечно же, обилие подсвечников по всей комнате – обязательный элемент рококо.

Мебель в интерьере рококо

Дата публикации: 04.08.2017 14:45

Изящные и изысканные линии – это первое, на что вы обратите внимание, когда захотите приобрести мебель в стиле рококо. После того, как барокко начало изживать себя, в эпоху правления Людовика XV ему на смену пришло модное течение рококо, позаимствовавшее у своего предшественника особый образ роскоши.

По мере развития, мебель в стиле рококо стала более эстетичная, нежели тяжелая «поступь» барокко. Владельцы такого интерьера, конечно же состоятельные люди, словно демонстрировали своим гостям, что им не чужд высокий художественный вкус и стремление к прекрасному.

Особенностью этого периода стало движение в сторону фантазийного мира, мифологии и пасторалей, грез с нотками эротизма. Для мебели эпохи рококо характерна поверхностность, но предметы интерьера всё же смотрятся декоративно и грациозно.

Особенности рококо

Не смотря на то, что этот стиль часто отождествляют с Людовиком XV, интерьер не принадлежал только жителям королевского двора. Такую мебель могли позволить себе все, кто обладал значительным состоянием и чувством вкуса. Построение жилых помещений в то время представляло собой ассиметрично расположенные комнаты, которые вели в центральный парадный зал.

Закругленные углы в пространстве пришли на место обычных четырехугольных комнат, которые в свою очередь значительно уменьшились по высоте и ширине, становясь интимными, словно будуар. Главная задача мебельных мастеров эпохи рококо – создать комфортные изделия. Из дизайна были полностью исключены обособленные детали, симметричная композиция и прямые линии. Там, где раньше красовалась резьба, выполненная на древесине, теперь появилась бронза.

Помимо этого, образ рококо формирует:

• Пастельная цветовая гамма.
  Популярной становится сдержанная беловатая палитра с нежными оттенками голубого, желтого, розового, серого цветов. Благодаря этого даже большие шкафы смотрелись легкими и непринужденными.

• Элементы росписи.
  Детали мебели расписывались пасторальными сюжетами, сценами с маленькими ангелами, какими-то событиями из жизни придворных обитателей. Так же на мебели изображались птицы, цветы и ветви деревьев.

• Ленточная драпировка.
  Помимо обыкновенных лент и цветов, которыми могли драпироваться предметы интерьера, в отделке часто применялась их имитация. Например, на спинках стульев или ручках комодов можно было увидеть металлические элементы в этом стиле.

• Светлая древесина.
  В самых дорогостоящих образцах мебели использовалась натуральная древесина из светлых оттенков, например из липовых, березовых или вишневых деревьев. Иногда, если не было особой породы, изделие просто красили.

• Изящные линии.
  Будучи угловатыми в барокко, предметы мебели в рококо потеряли свои острые переходы и обрели плавность изгибов, благодаря которым один элемент мебели словно бы перетекает в другой, образуя единую композцию.

• Маскировка конструкций.
  Трудно разобрать с первого взгляда, где, например, в креслах заканчивается ножка и начинается мягкое сидение. Детали замаскированы такими переходами, а так же тканью, резьбой и воздушными формами.

• Морская тематика.
  Дизайнеры того времени усмотрели в морских раковинах узоры и завитки, которые решили воплотить в резьбе при создании мебели. Такие элементы называются «рокайль», что и переводится как «раковина».

• Шинуазри.
  Шинуазри выделяется как одна из ветвей рококо, которая уходит корнями в Китайскую империю. В мебели применяются ширмы, пагоды, поверхность лакируется, на ней изображаются китайские рыбки и узоры.

• Образ женственности.
  Рококо родилось как будто только для женщин, поэтому весь стиль пронизан декоративным изяществом, легкомысленностью конструкций. Сами изделия всё чаще приобретают исключительно женскую направленность.

Мебель рококо в современном интерьере

Современные мебельные дизайнеры довольно редко изготавливают изделия в первозданном стиле рококо. За основу берутся основные элементы, формирующие образ, сохраняется концепция, но сама мебель полностью соответствует запросам современных клиентов.

Чаще всего можно заметить, что переосмысленные идеи обретают новую жизнь, видоизменяются. Так, мебель в спальне может быть выполнена в более темной цветовой гамме, а обивка делается их высокотехнологичных материалов, иногда и синтетических. Вообще, искусственные конструкции и фурнитура значительно уменьшают стоимость конечной продукции, поэтому такую благородную мебель могут позволить себе люди со средним достатком.

Архитектура Rococo в Португалии – HiSoUR История культуры

Архитектура Рококо вошла в Португалию через север, а Лиссабон, благодаря пышности двора, остался в барокко. Это архитектура, которая следует международному вкусу в декоре, и, в результате контраста между темным гранитом и белыми стенами, имеет отчетливо португальский профиль. Украшение является натуралистом, основанным главным образом на раковинах и листьях, а также с архитектурными элементами и скульптурой. Места паломничества стали модно, часто выстроились в местах грубого видения, позволяя впечатляющие лестницы с большим сценографическим эффектом. Андре Соареш работал в регионе Брага и произвел некоторые из основных примеров, таких как святилище Фалперра, церковь Конгрегадос, ратуша Брага и Каса-до-Райо, среди многих других. Количество зданий и архитекторов велико, и, поскольку север Португалии был избавлен от разрушительного землетрясения в Лиссабоне 1755 года, существует большое количество зданий.

На юге, в результате более низкой плотности населения, придворного вкуса, а также последствий землетрясения, меньше зданий рококо. Но все еще остается много примеров, таких как дворец Келуз. Созданный Матеем Винсент де Оливейра, он стал резиденцией королевской семьи в царствование королевы Марии I. Сделано в соответствии с французским вкусом к принцу Дому Педро, брату короля Хосе, он отличается хорошим вкусом и элегантностью. Он может похвастаться садами рококо и водными играми в большом парке. Интерьер украшен картинами, скульптурами, зеркалами, плиткой и позолоченной резьбой по дереву. Часовня, в результате соединения резного дерева, мрамора и цветных камней, отражает классический вкус, необычный в португальском рококо. Здание получило последующие расширения в неоклассический период.

Главная церковь в стиле рококо в Лиссабоне, Базилика Эстрела, является последним крупным зданием в стиле рококо в городе, демонстрируя влияние дворца Мафра / Базилика / монастырь, но также имеет неоспоримое сходство с церквями в стиле Помбейл, особенно на фронте. Элегантные башни и купол не могут скрыть словарный запас в стиле Pombaline на фасаде, несмотря на скульптуру и рельефы. Интерьер покрыт традиционными барочными цветными мраморами.

Архитектура
Рококо (от французского слова rocaille, что означает «раковина»), входит в Португалию с севера, в то время как Лиссабон из-за пышности двора остается цепляющимся за барокко. Это архитектура, которая следует за большой международной сетью, очень украшенной, и из-за темного гранита, в отличие от белых стен, явно португальского профиля. Украшение натуралистично, в основном на основе раковин и листьев аканта, а также архитектурных элементов и скульптуры. Места паломничества, часто построенные в местах сурового рельефа, становятся модными, что позволяет накладывать лестницы с большим живописным эффектом, таким как «Богоматерь из средств защиты» в Ламего. Андре Соарезит выделяется в регионе Брага, являясь главными примерами Храма Фалперры, Церкви Конгрегатов, Муниципалитета Браги и Дома Луч, среди многих других. Количество работ и архитекторов велико, и, поскольку север Португалии был спасен землетрясением, эти здания многочисленны.

На юге, из-за более низкой плотности населения, большее влияние суда и как следствие землетрясения происходят реже. Но даже в этом случае есть несколько примеров, из которых выделяется Дворец Келуз. Запуск второго проекта Mateus Vicente de Oliveira становится резиденцией суда во время правления Марии I. Сделано в соответствии с французским вкусом к принцу Д. Педро, брату Д. Хосе I, отличается большой изысканностью и элегантностью. Он развивается вокруг садовника с водными играми и большим парком. Интерьеры украшены живописью, скульптурой, зеркалами, плиткой, штукатуркой и резьбой по французскому вкусу. Часовня, благодаря соединению резьбы, цветным мраморам и полудрагоценным камням, отражает необычный классический вкус португальского рококо. Здание получает дальнейшее расширение в течение неоклассического периода.

Главная церковь Рококо в Лиссабоне, Базилика Звезды, является последним великим зданием рококо в городе, раскрывает влияние Дворца / Базилики / Монастыря Мафра, но нет никаких сомнений в сходствах с Помбалинскими церквями. Элегантные колокольни и купол не могут скрыть словарь Помбейла на фасаде, несмотря на скульптуру и рельефы. Интерьер покрыт красочными мраморами, пытаясь сохранить традицию напротив Pombaline.

Помбалино
Помбалино снова, подобно архитектуре Ча, плод необходимости и духа инициативы Португалии. Он назван в честь маркиза Помбала, могущественного министра Д. Хосе, главного промоутера перестройки и истинного правителя королевства, без которого такая великая работа была бы невозможна. Также важна ссылка на архитекторов Мануэля да Майи и Карлоса Марделя, настоящих авторов представленных предложений.

Это своего рода интеллектуальная и хорошо спроектированная архитектура, охватывающая первую антисейсмическую систему и первый крупномасштабный сборный метод строительства в мире. Он состоит из гибкой деревянной конструкции, вставленной в стены, полы и крыши, позже покрытых сборными строительными материалами, которые, как было сказано в то время, «стреляют, но не падают». Центр Лиссабона, самый пострадавший район, построен в нестабильной местности, и необходимо укрепить всю площадь. Используется другая антисейсмическая система, состоящая из реального леса погребенных свай. Они, поскольку они подвергаются воздействию соленой воды, не подвергаются риску гниения, сохраняя при этом свою естественную эластичность. Это был революционный путь и, несомненно, впервые в мире в этом масштабе.

Предварительно сборная система является совершенно инновационной на время. Здание полностью изготовлено за пределами города, транспортируется по частям, а затем собрано на месте. Впервые на этих условиях построен город. Хотя реконструкция города тянулась до девятнадцатого века, несколько лет спустя, все еще в царствовании, население было должным образом размещено и с условиями, которых не существовало до землетрясения.

Город полностью изменен. Улицы средневековой планировки, с лабиринтным аспектом, уступают место ортогональной прямолинейной трассировке, регулируя площадь между старыми квадратами города, Россио и Террейро-ду-Пасу, также исправляются и заказываются. Пространства достаточно, позволяя условия освещения и аэрации, которых нет в средневековом городе.

Торговая площадь, без Королевского дворца, переехала в Аджуду, открыта для реки Тежу и предназначена для приема различных министерств. В нем доминируют две башни-барельефы, вдохновленные старой башней Королевского дворца, памятником которой является статуя короля Д. Хосе Мачадо де Кастро, и получает арку триумфа, построенную только в девятнадцатом веке по проекту отличающийся от первоначального, символизирующий триумф над землетрясением. Это квадрат власти.

Россио теряет старую и разрушенную Больницу Всех Святых и становится «форумом» города, пытаясь сохранить популярный характер, несмотря на элегантные здания. Улицы иерархизированы, обуславливая типологию построенных зданий.

Здание Помбалино представляет собой структуру до девяти этажей, с аркадами для магазинов на первом этаже, балконами или балконами на первом этаже и пентхаусом в украденной воде. Все конструкции следуют той же типологии, добавляя декоративные детали на фасаде в соответствии с важностью места. Здания изолированы разрывами дверей и соблюдением максимальной волюметрии – считалось, что четыре этажа были идеальными в случае новой катастрофы.

Здание дворцов также регулируется, вызывая трезвость без хвастовства, очень непопулярное среди аристократии, позволяя декоративные эффекты только в портале и окнах немного более элегантно, чем жилые здания.

Церкви следуют духу времени. Число резко сокращается, следуя тем же конструктивным принципам, внешнему архитектурному оформлению и четко определенным типологиям. Это здания одного неф с боковыми алтарями, внутренняя отделка по формам рококо, материалы из дерева и штукатурки, некоторые картины (выделяются работы Педро Александрино де Карвалью) и скульптура. Пространства приятные, мягкие, яркие и, несмотря на сборные конструкции, хорошо по вкусу рококо. Следует отметить церкви Санто Антонио да Се (где родился Санто Антонио), Воплощение, святой Доминик, Магдалина, Мученики и многие другие. Поддержание эстетического словарного запаса и сборных декоративных элементов вызывало их индивидуальную индивидуальность. В менее разрушенных зданиях была поставлена ​​задача гармонизировать формы с использованием существующего декора.

Pombaline, несмотря на то, что деспотически навязан в Лиссабоне, доволен и был построен в другом месте, главным примером которого является Вила-Реал-де-Санту-Антонио в Алгарве.

Простота общая. Этот дух функциональности, устраняющий все излишнее, в том числе украшение, наложение рациональной трезвости, уже не является рококо. Он отражает дух Просвещения и сильный неоклассический характер, все еще без классических архитектурных орденов, но подвергая аксессуар разуму. Эта история была систематически забыта историей искусства, желая увидеть французский рококо или традиционный неоклассицизм в конструктивной программе, которая слишком современна и современна для своего времени.

ЗАНИМАТЕЛЬНОЕ ИСКУССТВОВЕДЕНИЕ: ИСТОРИИ: nikonova_alina — LiveJournal

ФРАНЦУЗСКИЙ ОТЕЛЬ ЭПОХИ РОКОКО

          Период рококо во Франции включает в себя всего несколько десятилетий (1700-е – 1750-е гг.), но за это время проходит весь путь развития, успевает оформиться и закрепиться в архитектуре.
         Франция в эту эпоху занимает особое положение среди остальных европейских стран. Можно сказать, что своими архитектурными памятниками, созданными в предшествующий период, она доказала свое право не только на архитектурную самобытность, но и на то, чтобы формировать архитектурные вкусы других стран.
         Для Франции в XVII веке еще характерна ориентация на Италию, как на ведущую художественную державу, но к началу XVIII французское искусство постепенно уже приобретает значение образца, на который начинают ориентироваться страны Центральной и Северной Европы.
        Многие французские архитекторы, работавшие в конце XVII – начале XVIII века, получили образование в Риме, где существовал филиал Французской Академии. В то же время, в XVIII веке они много работают и в других странах, подчас создавая именно там свои основные произведения. Например, Франсуа Кювилье с 1725 года стал первым архитектором курфюрста Баварии, а Робер де Котт работал в Бонне, Савойе, Баварии.
        Своеобразие французского рококо основывается на своеобразии культурной жизни страны. Салонная культура переросла в определенный стиль жизни и, соответственно, отразилась и на искусстве. Германские государства активно подражают Франции, и даже итальянские салоны становятся отражением французских.
         Во французской архитектуре этого периода доминируют светские сооружения, главное внимание уделяется строительству дворцов и частных отелей. Церковных и монастырских построек в эту эпоху создается немного, чаще всего старые сооружения достраиваются (как Сен-Сюльпис) или переделываются в соответствии с новыми вкусами (архиепископский дворец в Бордо).
        Своеобразие французского рококо проявляется также и в создании новой системы декоративного оформления архитектурных сооружений. Этот рокайльный декор перенимают архитекторы других стран, создавая, таким образом, некую единую систему стиля.
        Наиболее ярко все особенности стиля рококо в архитектуре Франции проявились в формах и декоративном оформлении отелей (частных особняков) и павильонов.
         До сих пор в искусствоведческой литературе идет дискуссия о том, где раньше проявились черты стиля рокайль: в частных отелях или в доходных домах буржуазии. Однако об этом нельзя судить определенно. Скорее всего, новый стиль появляется одновременно в обоих типах сооружений. Первые дома буржуазии с чертами рококо относятся к 1713-15 гг. (например, дом в Париже на ул.Тевено, арх.Ж.-Б.Марто), но отели с подобными элементами появляются в то же время (отель Клермон-Тоннер, арх.К.-Н.Ле Па де Бюиссон, 1713-15).
        Чертами, характеризующими стиль рококо в архитектуре, прежде всего, являются общие декоративные элементы, отличающиеся особым изяществом и изысканностью. В их основе лежит асимметричная форма раковины — рокайль Архитектурные памятники первой половины XVIII века характеризуются большей (по сравнению с предыдущей эпохой) легкостью пропорций и ордерных форм. Планы зданий зачастую строятся на использовании необычных форм – овала, восьмиугольника, прямоугольника со скругленными углами, и отличаются симметрией и упорядоченностью. В целом, архитектуру первой половины XVIII века характеризует повышенная декоративность.
        В эту эпоху ведущей темой среди заказов архитекторов становится частный отель. Это — «преобладающий тип здания — … небольшой особняк, рассчитанный на одну семью. Главная задача архитектора обеспечить этой семье все мыслимые удобства и уют».
        Строя отель, его заказчик не преследует прагматических целей, он готов вкладывать любые суммы, чтобы получить дом, выполненный полностью в его вкусе, и окружить себя лишь тем, что приятно и удобно.
         Название «отель» по отношению к жилищам знатипоявляется впервые во второй половине XVII века. Согласно мемуарам Сен-Симона, мадам де Немон, родившаяся в 1645 году (дочь мадам де Мирамьон), «была первой женщиной своего круга, которая велела написать на своей двери «Отель Немон». Над ней смеялись, возмущались, но надпись осталась, явившись примером и прародительницей тех, что во всех видах мало-помалу наводнили Париж».
         Первые отели как новый тип жилого здания появляются в середине XVI века: Карнавале, арх.Пьер Леско, начат в 1548; Ангулем, арх.Жан-Батист Андруэ Дю Серсо, 1584-89. Уже в то время формируются основные принципы планировки: главный корпус, фланкируемый двумя боковыми крыльями, находится между курдонером и садом. Такая система создает ощущение замкнутости, защищенности маленького мирка, никак не связанного с тем, что происходит вне его, за воротами.
         Эта планировка окончательно закрепляется в отелях XVII века и сохраняется вплоть до конца XVIII века. Изменяются лишь принципы размещения комнат различного назначения, а также расположение и количество хозяйственных построек (конюшни, дворы для хозяйственных нужд, кухни, флигели для прислуги и т.п.).
В XVIII веке появляется тип отеля, выходящего фасадом на улицу, но он не получил широкого распространения (отель на ул.Шерш-Миди, 21).
        С 1700 по 1750-е в архитектуре отелей происходит становление и развитие стиля рокайль. Сохранившийся достаточно обширный материал (сами сооружения, планы, описания, зарисовки и т.п.) позволяет проследить развитие стиля по стадиям.
Кроме того, архитектурные формы и декор отелей влияет в это время на иные типы светских построек: замки, доходные дома, павильоны, общественные здания и т.д., а также на градостроительные принципы.
        Самыми яркими примерами такого влияния можно считать конюшню в Шантийи, ратушу в Ренне, комплекс площадей в Нанси.
        Период наиболее активного строительства отелей приходится на 1700-1740-е годы, и за это время система их планировки и декоративного оформления проходит определенную эволюцию.
        В декоре интерьеров более ранних отелей используется большое количество позолоченных деталей, а также грандиозные живописные панно на героико-мифологические сюжеты. В членении стен подчеркиваются как вертикали, так и диагонали, в отличие от рококо, где подчеркивается только вертикаль.
        Одним из примеров ранних отелей является отель Лебрен (арх.Ж.Боффран, 1700-1704), построенный племянником знаменитого художника Шарля Лебрена и названный так в его честь. Отель имеет традиционную форму плана: с центральным корпусом, фланкируемым боковыми ризалитами. Центральная часть также выделена небольшим ризалит с маскароном, изображающим вакха, над входом, а также балконом на дорических консолях.
        Для фасада отеля характерен довольно скромный декор, но в нем присутствуют ордерные элементы. На фронтоне — скульптурная группа Фламона и надпись по-латыни “Карло ЛеБрен первый художник короля год от Рождества Христова MVIIC”.
Таким образом, в начале XVIII века была окончательно сформировалась и  была закреплена в многочисленных постройках классическая форма отеля. С этого времени начинается массовое строительство отелей в Париже, связанное с перемещением центра культурной и политической жизни из Версаля в столицу. В это время строятся отели Кроза (арх.П.Бюлле, дек.Ж.Брис, 1700-1702), Ротелен (Шароле) (арх.Лассюранс, ок.1700-1704), Демар (арх.Лассюранс, 1704). Несмотря на то, что эти отели следуют традициям предшествующей эпохи, сохраняя в оформлении фасадов и интерьеров черты «барочного классицизма», в них появляются и элементы нового стиля, которые впоследствии получат дальнейшее развитие в более поздних постройках и будут широко использоваться в рокайльной архитектуре.

 

Рококо — концепции и стили

Начало рококо

В живописи на рококо в первую очередь повлияло использование венецианской школой цвета, эротических предметов и аркадских пейзажей, а школа Фонтенбло стала основой дизайна интерьера в стиле рококо.

Венецианская школа

Известные художники Джорджоне и Тициан, среди прочих, оказали влияние на акцент в эпоху рококо на вихревые цвета и эротические темы. Пасторальный концерт (ок.1509), впервые приписываемый Джорджоне, хотя теперь он считается одним из ранних работ Тициана, был классифицирован Лувром как Fête champêtre , или вечеринка на открытом воздухе, когда он впервые стал частью коллекции музея. Произведения эпохи Возрождения, изображающие двух обнаженных женщин и двух мужчин-аристократов, играющих музыку в идеализированном пасторальном пейзаже, сильно повлияли на развитие рококо Fête galante или картин ухаживания. Термин относится к историческим картинам приятных прошлых времен и стал популяризироваться в работах Жана-Антуана Ватто.

Школа Фонтенбло 1528–1630

В 1530 году король Франциск I, известный меценат, пригласил итальянского художника Россо Флорентино во французский двор, где, став пионером изысканного стиля французского маньеризма, Россо основал школу Фонтенбло. Школа стала известна своим уникальным стилем дизайна интерьера, в котором все элементы создавали хореографическое единство. Россо был пионером в использовании больших лепных рельефов в качестве рам, украшенных декоративными и позолоченными мотивами, которые сильно повлияли на акцент рококо на сложных декорациях.

Золочение было ключевым вкладом Фонтенбло, придавая изысканное великолепие объектам, которые можно увидеть в знаменитом соляном погребе Беневенто Челлини (1543), который Франциск I заказал в золоте. Даже простые элементы интерьеров в стиле рококо стали сильно акцентироваться, о чем свидетельствует популярность часов картеля, встраивания обычных часов в замысловатые декорации, напоминающие скульптуры и органично дополняющие общий вид и ощущение окружающих их интерьеров.

Эпоха дизайна в стиле рококо

Рококо дебютировал в дизайне интерьеров, когда гравер Пьер Ле Потр работал с архитектором Жюлем Ардуэном-Мансаром над замком Марли (1679–1684), а затем в Версале в 1701 году, когда он перепроектировал частные апартаменты Людовика XIV. .Le Pautre первым начал использовать арабески, используя s-образную или c-образную линию, размещенную на белых стенах и потолке. Он также использовал вставные панели с позолоченной деревянной отделкой, создав причудливый и легкий стиль. Le Pautre был прежде всего известен как an ornemaniste , или дизайнер орнаментов, что отражает популярную роль ремесленников в то время в развитии высокодекоративного стиля.

Во время правления Людовика XIV Франция стала доминирующей европейской державой, и сочетание большого богатства и мирной стабильности заставило французов обратить свое внимание на личные дела и наслаждение мирскими удовольствиями.Когда король умер в 1715 году, его наследнику Людовику XV было всего пять лет, поэтому Регентство во главе с герцогом Орлеанским правило Францией до тех пор, пока дофин не достиг совершеннолетия. Герцог был известен своим гедонистическим образом жизни, а эстетика рококо казалась идеальным выражением чувственности той эпохи. Взойдя на трон в 1723 году, Людовик XV также стал известным сторонником и покровителем архитектуры и дизайна в стиле рококо. Поскольку Франция была художественным центром Европы, художественные дворы других европейских стран вскоре последовали ее примеру в своем энтузиазме в отношении подобных украшений.

Жан-Антуан Ватто

Жан-Антуан Ватто возглавил период рококо в живописи. Он родился в Валансьене, небольшой провинциальной деревушке в Бельгии, которая недавно была присоединена к французам. Его ранние познания в искусстве и рисовании привели к его раннему обучению у местного художника. Впоследствии он отправился в Париж, где зарабатывал на жизнь копиями произведений Тициана и Паоло Веронезе. Он присоединился к студии Клода Одрана, известного декоратора, где он познакомился и стал коллегой по творчеству Клода Жилло, известного своим оформлением комедии commedia dell’arte или постановок комического театра.В результате работы Ватто часто выражали театральный подход, показывая фигуры в костюмах среди декораций, освещенных искусственным светом.

В 1712 году Ватто принял участие в конкурсе Prix de Rome Королевской академии скульптур и искусства, и Академия приняла его в качестве полноправного члена. Его «приемная» для Академии, Посадка на Cythera (1717), положила начало движению рококо. Академия ввела термин Fête galante , или вечеринка для ухаживания, для обозначения работы, тем самым установив категорию, которая должна была стать доминирующим элементом живописи рококо. Fête galante картин изображали fête champêtre или вечеринку в саду, популярную среди аристократического сословия, где, одетые как для бала, или в костюмах, они винили, обедали и занимались любовными развлечениями в аркадских садах и парках . Художественный предмет не только нравился частным посетителям, но и его мифологизированные пейзажи и обстановка соответствовали стандартам Академии, которая причисляла историческую живопись, в том числе мифологические сюжеты, к высшей категории.

Клод Одрен был официальным хранителем Люксембургского дворца, и, работая с ним, Ватто скопировал серию из двадцати четырех картин Питера Поля Рубена из Жизни Марии Медичи (1622-25), которые были выставлены в дворец. Серия Рубена, сочетающая аллегорические фигуры и мифологические сюжеты с изображениями королевы и аристократического двора, продолжала служить источником информации для творчества Ватто. Рубенс первым применил технику trois crayons , что означает три мелка, технику использования красного, черного и белого цветов для создания колористических эффектов.Ватто овладел этой техникой до такой степени, что его имя стало ассоциироваться с ней, и она была широко принята более поздними художниками рококо, включая Франсуа Буше.

Франсуа Буше

Под влиянием Рубенса и Ватто Франсуа Буше стал самым известным художником зрелого периода рококо, начиная с 1730 года и до 1760-х годов. Известный своей картиной, сочетающей аристократическую элегантность с эротической обработкой обнаженной натуры, как показано в его Туалет Венеры (1751), он был одинаково влиятельным в декоративном искусстве, театральных постановках и дизайне гобеленов.Он был назначен первым художником короля в 1765 году, но наиболее известен своими долгими отношениями с мадам де Помпадур, официальной первой любовницей короля Людовика XV и известным покровителем искусств. В результате своего мастерства в искусстве и дизайне рококо и своего королевского покровительства Буше стал «одним из тех людей, которые олицетворяют вкус века, выражают, олицетворяют и воплощают его», как писали известные авторы Эдмон и Жюль де Гонкур. .

Мадам де Помпадур

Мадам де Помпадур, урожденная Жанна-Антуанетта Пуассон, была названа «крестной матерью рококо» из-за ее центральной роли в продвижении этого стиля и превращении Парижа в художественную столицу Европы.Она повлияла на дальнейшее применение стиля рококо благодаря покровительству таких художников, как Жан-Марк Наттье, скульптор Жан Батист Пигаль, дизайнер обоев Жан-Батист Ревейон и гравер по драгоценным камням Жак Гуай. Официальная первая любовница короля с 1745 по 1751 год, она оставалась его доверенным лицом и доверенным советником до своей смерти в возрасте 42 лет от туберкулеза. Ее роль и статус стали де-факто определением королевского патронажа.

Рококо: концепции, стили и тенденции

Французское рококо

Франция была центром развития рококо.С точки зрения дизайна, салон, комната для развлечения и впечатления гостей, стал большим нововведением. Самым известным примером был Салон принцессы Шарля-Жозефа Натуара и Жермена Бофрана (1735-1740) в резиденции принца и принцессы Субиз. Белые стены цилиндрического интерьера, позолоченное дерево и множество зеркал создавали светлый и воздушный эффект. Украшения в виде арабесков, часто намекающие на римские мотивы, амуров и гирлянды, были представлены золотой лепниной и рельефными пластинами. Асимметричные изгибы, иногда происходящие от органических форм, таких как ракушки или листья аканта, были сложными и преувеличенными.Минимальный акцент на архитектуре и максимальный акцент на декоре стал краеугольным камнем движения рококо.

Живопись была неотъемлемой частью движения рококо во Франции, и известные художники, руководившие этим стилем, Антуан Ватто, а затем Франсуа Буше, оказали влияние на все элементы дизайна, от интерьеров до гобеленов и моды. Среди других известных художников были Жан-Батист ван Лоо, Жан-Марк Наттье и Франсуа Лемуан. Лемойн был известен своими историческими аллегорическими картинами, которые можно увидеть в его Апофеоз Геракла (1733-1736), написанном на потолке Салона Геркулеса в Версале.Отмеченной особенностью французской живописи рококо была манера, в которой ряд известных семей художников, таких как Ван Лоос и Койпели, поддерживали последовательный стиль и тематику в своих мастерских.

Итальянское рококо

Живопись стала лидером итальянского рококо, примером которой являются работы венецианского художника Джамбаттисты Тьеполо. Сочетая акцент венецианской школы на цвете с quadratura , или росписью потолка, шедеврами Тьеполо были фрески и большие алтари.Прославленный на всю Европу, он получил множество королевских заказов, таких как его серия потолочных картин в Вюрцбургской резиденции в Германии и его Апофеоз испанской монархии (1762-1766) в Королевском дворце в Мадриде.

Итальянское рококо также было известно своими великими пейзажистами, известными как «живописцы-виды», в частности, Джованни Антонио Канал, известным просто как Каналетто. Он был пионером в использовании двухточечной линейной перспективы при создании популярных сцен с каналами и зрелищем Венеции.Его работы, такие как его Venice: Santa Maria della Salute (c. 1740), пользовались большим спросом у английских аристократов. В 1700-х годах для молодых английских аристократов стало обычным совершать «Гранд-тур», посещая известные места Европы, чтобы изучить классические корни западной культуры. Поездки положили начало своего рода аристократическому туризму, и Венеция стала известной остановкой, известной своей гедонистической карнавальной атмосферой и живописными видами. Эти молодые аристократы также часто были коллекционерами произведений искусства и покровителями, и большинство работ Каналетто было продано английской публике, а в 1746 году он переехал в Англию, чтобы быть ближе к своему рынку произведений искусства, и прожил там почти десять лет.

Пастельные портреты Розальбы Каррьеры, миниатюрные и полноразмерные, а также ее аллегорические работы пользовались спросом во всей Европе, так как ее приглашали в королевские дворы Франции, Австрии и Польши. Она была пионером в использовании пастели, которая раньше использовалась только для подготовительных рисунков, в качестве средства для рисования, и, связав мел в палочки, разработала более широкий диапазон мазков и подготовленных цветов. Ее портрет Людовика XV в образе дофина (1720-1721) положил начало новому стилю портретной живописи рококо, подчеркнув визуальную привлекательность и декоративность.

В архитектуре Италия продолжала делать упор на барокко с его сильной связью с католической церковью до 1720-х годов, когда архитектор Филиппо Юварра построил несколько северных итальянских дворцов в стиле рококо. Его шедевром был дворец Ступиниги (1729-1731), построенный как охотничий домик короля Сардинии в Турине. В то же время интерьеры в стиле рококо стали популярными в Генуе, Сардинии, Сицилии и Венеции, где стиль приобрел региональные вариации, особенно в дизайне мебели.Итальянские интерьеры в стиле рококо были особенно известны своими венецианскими стеклянными люстрами и зеркалами, а также богатым использованием шелка и бархата.

Немецкий рококо

Энтузиазм Германии по поводу рококо ярко выразился, прежде всего, в архитектурных шедеврах и дизайне интерьеров, а также в прикладном искусстве. Заметным элементом немецкого рококо было использование ярких пастельных тонов, таких как сиреневый, лимонный, розовый и синий, как видно в дизайне Франсуа де Кувильеса Амалиенбурга (1734-1739), охотничьего домика для императора Священной Римской империи Карла VII в Мюнхен.Его Зеркальный Зал в Амалиенбурге историк искусства Хью Хонор описал как образец «легкой элегантности и тонкой тонкости».

Немецкие мотивы дизайна с использованием асимметрии и s- и c-изогнутых форм, часто опираются на цветочные или органические мотивы и используют больше деталей. Немецкие архитекторы также новаторски исследовали различные возможности дизайна помещений, вырезая стены или делая изогнутые стены, и сделали размещение новых зданий важным элементом этого эффекта, как это видно в Мелькском аббатстве Якоба Прандтауэра (1702-1736)

Английский рококо

Англия использовала рококо, который назывался «французским стилем», был более сдержанным, поскольку излишества стиля встречались с мрачным протестантизмом.В результате модель rocaille , представленная эмигрантским гравером Юбером-Франсуа Гравело и серебряным мастером Полем де Ламери, использовалась только в качестве деталей и эпизодических мотивов. Примерно в 1740 году стиль рококо начал использоваться в британской мебели, особенно в дизайне Томаса Чиппендейла. Его каталог Каталог для джентльменов и краснодеревщиков (1754), иллюстрирующий дизайн в стиле рококо, стал популярным отраслевым стандартом.

Рококо оказало большее влияние на британских художников, таких как Уильям Хогарт, Томас Гейнсборо и швейцарка Анжелика Кауфман.В своей книге The Analysis of Beauty (1753) Хогарт выступал за использование змеевидной линии, считая ее более органичной и эстетически идеальной. Гейнсборо сначала учился у Грейвло, бывшего ученика Буше, чья перистая манера письма и цветовая палитра повлияли на портретную живопись Гейнсборо в сторону плавности света и цвета. Анжелика Кауфман родилась в Швейцарии, но большую часть жизни провела в Риме и Лондоне. С 1766 по 1781 год она жила в Лондоне, где влиятельный сэр Джошуа Рейнольдс особенно восхищался ее портретами.Одна из двух женщин, избранных в Королевскую академию художеств в Лондоне, она сыграла значительную роль как в продвижении стиля рококо, так и, впоследствии, неоклассицизма.

Позднее развитие — после рококо

В 1750 году мадам де Помпадур отправила своего племянника Абеля-Франсуа Пуассона де Вандиера изучать события в итальянском искусстве и археологии. Вернувшись с энтузиазмом к классическому искусству, Вандиер был назначен директором Королевских зданий, где начал выступать за неоклассический подход. Он также стал известным искусствоведом, осудившим Буше petit style , или «маленький стиль». Известные мыслители того времени, включая философа Вольтера и искусствоведа Дидро, также критиковали рококо как поверхностное и декадентское. Эти тенденции, наряду с растущим революционным пылом во Франции, привели к тому, что к 1780 году рококо вышло из немилости.

Новое движение неоклассицизма, возглавляемое художником Жаком-Луи Давидом, подчеркивало героизм и моральную добродетель. Студенты-художники Дэвида даже спели насмешливую песнь «Ванлоо, Помпадур, рококо», выделив стиль, одного из его ведущих исполнителей и самого известного покровителя.В результате к 1836 году оно использовалось для обозначения «старомодного», а к 1841 году использовалось для обозначения произведений, которые считались «безвкусными и витиеватыми». Негативные коннотации продолжались и в 20, ^-м, -м веке, как видно из описания Словаря 1902 года: «Следовательно, рококо используется … для обозначения чего-либо слабо претенциозного и безвкусного в искусстве или литературе».

Дизайн и живопись в стиле рококо будут идти разными путями, поскольку дизайн в стиле рококо, несмотря на новые тенденции в столице, продолжал оставаться популярным во французских провинциях.В 1820-х годах при восстановленной монархии короля Луи Филиппа возрождение, названное стилем «Второе рококо», стало популярным и распространилось на Великобританию и Баварию. В Великобритании возрождение стало известно как викторианский рококо и продолжалось примерно до 1870 года, одновременно оказывая влияние на американское возрождение рококо в Соединенных Штатах, возглавляемое Джоном Генри Белтером. Этот стиль, широко используемый для высококлассных отелей, был назван «Le gout Ritz» в 20–90–1990 – х годах. Однако в живописи рококо вышло из моды, за исключением жанровых картин Шардена, высоко оцененных Дидро, которые продолжали оказывать влияние и позже оказали заметное влияние на Поля Сезанна, Эдуарда Мане и Винсента Ван Гога.

Эдмунд и Жюль де Гонкур заново открыли для себя главного художника в стиле рококо Жана Оноре Фрагонара в L’Art du XVIIIe siècle ( Eighteen-Century Art ) (1865). Впоследствии он оказал влияние на импрессионистов, особенно на Пьера-Огюста Ренуара и Берту Моризо, и впоследствии оказал влияние на современных художников, таких как Йинка Шонибаре, Кент Монкман и Лиза Юскаваге.

Также заново открытые братьями де Гонкур, сюжеты комедии дель арте Ватто оказали влияние на Пабло Пикассо, Сезанна и Анри Матисса, а также на многих поэтов, таких как Поль Верлен и его генерал Гийом Аполлинер, композитор Арнольд Шёнберг. и хореограф Джордж Баланчин.

Термин рококо и связанные с ним художники начали подвергаться критической переоценке только в конце 20-го, 90-го, девяносто девяностого, девяностого, первого, девяностого века, когда движение поп-арта и работы таких художников, как Дэмиен Херст, Кехинде Вили и Джефф Кунс, создали новый контекст для искусства, выражающий те же витиеватые, стилистические и причудливые обработки. Рококо оказал влияние на современность, что видно в логотипе Ай Вэйвэй 2017 , где, как писал искусствовед Роджер Кэтлин, «то, что выглядит как причудливый дизайн обоев рококо в черно-белом и золотом цветах, на самом деле представляет собой набор наручников и цепочек , камеры наблюдения, птицы Twitter и стилизованные альпаки — животное, которое в Китае стало мемом против цензуры.«Это движение живет и в популярной культуре, как показано в популярной песне Arcade Fire« Рококо »(2010).

Искусство рококо: определение, стиль и исполнители — видео и стенограмма урока

!!! Что такое рококо?

Слово «рококо» звучит как первая строка следующего хита Леди Гаги, но на самом деле это термин, используемый для описания популярного движения в истории искусства. В этом уроке вы узнаете об истоках искусства рококо и каковы его определяющие характеристики Мы также применим определение рококо на практике, посмотрев несколько примеров известных картин в стиле рококо.

Искусство рококо возникло во Франции как декоративное искусство, используемое в дизайне интерьеров и садов, но художники начали перенимать этот стиль в начале восемнадцатого века. Французская королевская семья и элита приветствовали произведения искусства, воспевающие любовь, досуг и моду в легкой, роскошной и даже эротичной манере. Картины в стиле рококо украшали комнаты в богато украшенных домах аристократии, где представители высшего общества собирались для интеллектуальных дискуссий и развлечений. Хотя рококо зародилось во Франции, его влияние быстро распространилось на художников и архитекторов в Англии, Италии и Германии.

Характеристики

Как узнать, является ли картина частью движения рококо? Художники в стиле рококо использовали свободные мазки кисти, пастельные тона, плавные линии и формы в своих композициях, независимо от тематики картины. Многие картины в стиле рококо асимметричны, что означает, что дизайн или общая композиция не по центру. Каждый из этих элементов помогает создать в картине ощущение движения и игривости.

Художники рококо часто рисовали мифологические сцены в утопических пейзажах, портретах и ​​изображениях любви.Первый художник в стиле рококо, Жан-Антуан Ватто (1684-1721), был ответственен за создание нового типа художественной категории, названной любовным фестивалем картин или fête galante. Fête galante картины изображают аристократов, наслаждающихся различными видами отдыха на природе в сельской местности.

Сегодня мы находим развлечение через телевидение или кино. Точно так же те, кто заказывал картины в стиле рококо, хотели, чтобы их работы были визуальным побегом, который помогал бы зрителям забыть о повседневных вещах и радоваться досугу и удовольствиям.

Учебник по искусству рококо | София Линг

Транскрипция видео

Скачать PDF

Здравствуйте. Я хотел бы поприветствовать вас в этом выпуске «Изучение истории искусств с Яном». Меня зовут Иэн МакКоннелл, и сегодняшний урок посвящен искусству рококо во Франции. Во время просмотра видео можно делать паузу, двигаться вперед или назад так часто, как вы считаете это необходимым. Как только вы будете готовы, мы начнем.

Сегодняшние цели, то, чему вы собираетесь научиться, перечислены ниже.К концу сегодняшнего урока вы сможете идентифицировать и определять сегодняшние ключевые термины. Вы сможете описать элементы дизайна в стиле рококо и выделить образцы искусства в стиле рококо.

Ключевые термины, как всегда, выделены желтым цветом. Первый ключевой термин — это Fete Galante, тип живописи, появившийся в период рококо, который изображает вечеринку или другую беззаботную сцену, происходящую на открытом воздухе.

Сатира, использование сарказма, насмешек, подчеркивание слабости больше, чем слабого человека, осуждение порока и глупости и подразумевающее моральное суждение.

And Grand Manner Portraits — стиль портретной живописи, который возвышает человека, изображенного на нем, благодаря отсылкам к классическому и ренессансному искусству.

Большая идея на сегодняшний день заключается в том, что работы Антуана Ватто являются образцом стиля рококо в искусстве, с его акцентом на мерцающие цвета и празднование молодости, роскоши и любви.

Итак, рококо, опять же, или позднее барокко, как его иногда называют, — это художественное движение, имевшее место в 18 веке.

И это движение зародилось в Париже, Франция, в начале 18 века.

Художник Антуан Ватто наиболее тесно связан с живописью в стиле рококо во Франции. Он был очень заинтересован в поступлении в Академию художеств во Франции, а также в темах живописи, которые понравились бы его покупателям. Чтобы удовлетворить обоих, он разработал стиль под названием fete galante, что означает любовный праздник. Эта картина, считавшаяся его шедевром, была тем, что он представил на рассмотрение Академии. Ватто был фламандцем и попал в категорию художников Рубенистов после Питера Пауля Рубенса, который считал, что цвет является наиболее важным аспектом картины. Его влияние помогло установить стиль рококо как самый доминирующий стиль живописи во Франции 18-го века.

Итак, мифический остров Кифера был местом вечной любви и молодости. И эта группа людей совершила паломничество на остров. Он напоминает более ранние французские пейзажи, но здесь упор делается на людей внутри него. Изображены они довольно изящно и изящно. Кажется, что даже мужчины легко передвигаются на ногах. А Ватто делает акцент на цвете и жестах.А влияние фламандских корней можно увидеть в фантастической передаче текстур материала, например, в шелковом платье молодой женщины спереди и в отражении от него солнечного света.

На самом деле было две версии этой картины. Второй очень похож на первый, за исключением того, что в нем гораздо больше маленьких купидонов, носящихся над головой. В работах Ватто есть намек на меланхолию в отношении угасания счастья и молодости, которая присутствует в других картинах, таких как «Et in Arcadia Ego» Пуссена.

Кстати о меланхолии, эта картина была написана в 1717 году, всего за четыре года до его смерти в молодом возрасте 37 лет.

Франсуа Буше был еще одним очень известным художником рококо, отчасти благодаря ранней смерти Ватто, а также покровительству мадам Помпадур, знаменитой любовницы короля Людовика XV. Она заказала картину под названием «Туалет Венеры». Теперь, в отличие от американской версии туалета, это относится к французской интерпретации, которая имеет отношение к очищению.Мягкие фигуры Венеры и ее пухленького светловолосого Купидона кажутся почти люминесцентными на фоне тяжелых тканей и позолоченной мебели, где она расслабляется. Изображение фигур из классической мифологии в непринужденной обстановке или в игре было частой темой в работах Буше, которые часто исследовали игривые и эротические сцены.

Когда я думаю о рококо, я сразу думаю об этой картине. Тематически и стилистически я всегда чувствовал, что эта картина действительно определяет идеал рококо. Художник Жан-Оноре Фрагонар был учеником Буше и продолжил многие темы, отмеченные в более ранних работах Ватто. Фрагонар использует ярко-розовую пастель, чтобы сразу привлечь наш взгляд к фигуре раскачивающейся молодой женщины, действие которой выполняется кем-то вроде старого епископа, спрятанного в тени справа.

Любовник женщины растянулся в нижнем левом углу. Достаточно интересно, что в кустах или, по крайней мере, на земле, окруженной кустом, и молодой человек на самом деле является покровителем картины и с обожанием показывает на молодую женщину, которая небрежно сбрасывает туфлю в направлении статуи Купидон делает жест, прижимая палец к губам.Ох, быть молодым, богатым и французским.

Портрет был еще одной областью, которая оставалась важной как форма живописи во время рококо. В это время появилось несколько очень талантливых портретистов, в том числе такие женщины, как художница Элизабет Виже-ЛеБрун. Теперь эта очень известная картина ЛеБруна, портрет Марии Антуанетты, была заказана молодой королевой Людовика XVI. Хотя он явно изображает аристократа или, по крайней мере, кого-то из состоятельных людей, сложные и декадентские образы, к которым мы привыкли с французской королевской семьей, здесь отсутствуют.Это гораздо более сдержанное изображение королевы, появляющейся, как правило, к цветам, и это было довольно спорным в то время среди ее критиков, если вы можете поверить, что, кто считает, что неприлично изображать королеву в этой моде. Возможно, это была попытка Мари примириться со своим неблагоприятным общественным имиджем и установить связь с людьми. И если это было так, это не помогло. Она была публично казнена вместе со своим мужем во время Французской революции 1793 года.

Еще одним известным художником в стиле рококо из-за пределов Франции был художник Томас Гейнсборо из Англии.Он предпочитал пейзажи, что видно в его работах, поскольку окружающий пейзаж, кажется, имеет почти такое же значение, что и объект. Как портретист, он был известен как великий живописец, который стремился поднять зрителя через чувство элегантности и утонченности, в то время как мягкий внешний вид и перистая работа кисти характерны для стиля рококо.

Итак, мы подошли к концу этого урока. Давайте посмотрим на наши цели, чтобы увидеть, как мы их добились. Теперь, когда вы ознакомились с уроком, можете ли вы определить и определить сегодняшние ключевые термины? Можете ли вы описать элементы дизайна в стиле рококо? А вы можете выделить образцы искусства рококо?

И еще раз, большая идея на сегодняшний день заключается в том, что работы Антуана Ватто являются образцом стиля рококо в искусстве, с его акцентом на мерцающие цвета и празднование молодости, роскоши и любви.

И все. Большое спасибо, что присоединились ко мне. Увидимся в следующий раз.

Рококо — Academic Kids

от академических детей

Отсутствует изображение
Cadiz_cat Cathedral.jpg

Движение рококо оживляет фасад собора, Cdiz

Стиль Рококо разработан как снятие формальностей интерьеров в стиле позднего барокко. Вероятно, он получил свое название среди молодых помощников в ателье неоклассического художника Жака-Луи Давида, который причудливо использовал это слово для обозначения старого стиля ракушек ( style rocaille ) времен ancien rgime, , который был безвкусным во Франции. примерно с 1775 г., хотя в Испании он продолжал цвести (иллюстрация , справа ).

Если коротко обрисовать карьеру рококо, то он начинался как французский стиль внутреннего убранства во время Régence , которое последовало за смертью Людовика XIV, 1715–1723: «Стиль Régence». Версаль временно находился в затмении, и французская власть и мода сосредоточились вокруг двора регента Филиппа Орлеанского в Пале-Рояль в Париже. Дизайнером Суда в стиле позднего барокко, который оказал влияние на начало этой переходной фазы «освобождения», был Жан Брейн (1638–1711).Ранним отходом от нового стиля стала мода на тканые шелка с «причудливым узором» в течение первого десятилетия века, когда крупные повторяющиеся элементы медальонов из шелка в стиле барокко были заменены абстрактными и ориентированными узорами с диагональным движением.

Базилика в стиле рококо в Оттобойрене (Бавария): архитектурные пространства сливаются воедино и кипят жизнью

Несколько антиархитектурных намеков быстро превратились в полномасштабное рококо в конце 1720-х годов и начали влиять на интерьеры и декоративное искусство по всей Европе.Самые богатые формы немецкого рококо находятся в католической Германии ( иллюстрация, вверху слева ).

Начало конца рококо произошло в начале 1760-х годов, когда горстка французских студентов экспериментировала с классическими стилями во Французской академии в Риме, стиль, который с середины переняли в авангардных салонах Парижа. 1760-е годы, как Gout Grec («греческий вкус»), но который не появлялся при дворе до тех пор, пока новый король Людовик XVI и его любящая мода королева не взошли на трон в 1771 году.К 1780 году рококо во французских столичных кругах перестало существовать. Он оставался популярным в провинциях («французский провинциальный») и в Италии, пока вторая, археологическая фаза неоклассицизма, «стиль ампир» не пришла с наполеоновскими правительствами и не смела рококо.

Рококо в Англии всегда считалось «французским вкусом» и в основном ограничивалось серебром, керамикой и мебелью, хотя штукатурка в стиле рококо итальянско-швейцарских иммигрантов, таких как Багутти и Артари, характерна для домов Джеймса Гиббса, а Братья Франчини, работающие в Ирландии, равнялись всему, что было предпринято в Англии.Но примерно в 1830 году англичане были одними из первых, кто возродил «стиль Людовика Четырнадцатого», как его сначала ошибочно называли, и заплатили завышенные цены за бывшие в употреблении предметы роскоши в стиле рококо, которые с трудом можно было продать в Париже.

Изображение отсутствует
BoucherRococo.jpg

Поскольку его влияние было менее выражено на внешнем облике архитектуры, чем на расположении, масштабе и оформлении интерьеров, французское рококо было как дома в помещении (иллюстрация , слева ). Настроение картины Буше 1739 года и детали в ней воплощают несколько аспектов рококо:

Галанте . Стиль Galante был эквивалентом рококо в истории музыки, между барокко и классикой, и его нелегко определить словами. «Куртуазный» был бы претенциозным в этом высшем буржуазном кругу, но жест этого человека галантен. Стильный, но уютный интерьер, неформальная изящная интимность манер людей, любопытные и восхитительные детали, куда ни глянь, роскошь потягивать шоколад: все это галанте.

Контраст . Рококо перенял удовольствие от асимметрии, вкус, который был новым для европейского стиля. Настенные светильники из позолоченной латуни уравновешивают друг друга, но каждый из них продуманно асимметричен, состоит из абстрактных листьев и форм рокайль . Настенные часы на кронштейне известного дизайна Шарля Крессента заключены в корпус из позолоченной латуни, заполненный деталями contraste . Его тема: «Любовь побеждает время» с Купидоном наверху часов и Время с косой рухнула внизу.

Шинуазри . Вкус рококо обладал экзотическим характером китайского искусства и имитировал его в изделиях, произведенных во Франции. В etagère (шкаф с полками) слева от камина находятся декоративные чайные принадлежности над сидящим мандарином; они могли быть импортированы, или они могли быть европейскими шинуазри . (Более широкие аспекты причудливых европейских взглядов на Восток обсуждаются в статье «Восток».)

Дизайн стола Жюст-Орель Мейсонье, Париж ок. 1730

В полномасштабном стиле рококо, например, Table d’appartement ca 1730, немецкого дизайнера Дж.-А. Мессонье, работающий в Париже (иллюстрация , справа ), всякое упоминание тектонической формы было отброшено: даже верхняя часть мраморной плиты имеет форму. Фартук, ноги, носилки — все было органично интегрировано в поток противоположных свитков и рокайля . «Узел» ( noeud ) носилок представляет собой асимметричный contraste , который был нововведением в стиле рококо.

Отсутствует изображение
HogarthMarriage.jpg Anti-Rococo: Marriage à la Mode Уильяма Хогарта , Лондон, 1745 (Национальная галерея, Лондон)

В Англии на одной из картин Хогарта, составляющих мелодраматическую моральную сказку под названием «Брак в моде», выгравированной в 1745 году, изображены парадные залы стильного лондонского дома, в котором единственный рококо украшен штукатуркой на потолке Салуна.Все под контролем палладианской архитектуры. Здесь, на каминной полке Кентян, множество китайских ваз и мандаринов сатирически изображено как отвратительные маленькие чудовища, а настенные часы в стиле рококо — это беспорядок из лиственных ветвей.

Стиль рококо был легко воспринят в католических частях Германии, а также в Богемии и Австрии, где его еще больше преувеличивали; он оставался популярным до 1780-х годов, может быть, даже дольше. В Италии тенденции позднего барокко Борромини и Гуарини задали тон рококо в Турине, Венеции, Неаполе и Сицилии, в то время как искусство Тосканы и Рима оставалось более связанным с барокко.

В тех континентальных контекстах, где рококо полностью контролирует, спортивные, фантастические и скульптурные формы выражаются абстрактным орнаментом с использованием пылающих, лиственных или ракушечных текстур в асимметричных линиях, росчерках и ломаных кривых; интимные интерьеры в стиле рококо подавляют архитектурные элементы архитрава, фриза и карниза для живописного, любопытного и причудливого, выраженного в пластических материалах, таких как резное дерево и, прежде всего, лепнина. Стены, потолок, мебель, изделия из металла и фарфора составляют единый ансамбль.Палитра рококо мягче и бледнее, чем богатые основные цвета и темные оттенки, которые предпочитают вкусы барокко.

Скульптор Бушардон изобразил Купидона, вырезавшего дротики любви из дубинки Геркулеса; это служит прекрасным символом стиля рококо: полубог превращается в мягкое дитя, сокрушающая кости дубинка становится пронзительными стрелами, точно так же, как мрамор так легко заменяется лепниной. В этой связи можно упомянуть французских скульпторов Роберта ле Лоррена, Мишеля Клодиона и Пигаль.

Для маленьких пластических фигурок из гипса, глины, бисквита, фарфора (Svres, Meissen) не годится веселое рококо; из дерева, железа и королевского металла он создал несколько ценных работ. Однако конфессионалы, кафедры, алтари и даже фасады все больше уводят на территорию архитектоники, которая нелегко сочетается с изгибами рококо, светом и мелочностью, с формами, откуда и почему затрудняются поиски.

Дворец Солитьюд (Штутгарт, Германия) — шедевр южно-германской светской архитектуры рококо.

Новые формы, даже будучи простым украшением стен интерьеров, могли оставаться на своем месте только в течение нескольких десятилетий.Во Франции влияние рококо практически прекращается с приходом Оппенорда (умер в 1742 г.) и Мейсонье (умер в 1750 г.). Открытый в некоторых залах Версальского дворца, он раскрывает свое великолепие в нескольких парижских зданиях (особенно в Htel Soubise). В Германии французские и немецкие художники (Кувиллис, Нойман, Кнобельсдорф и др.) Выполнили достойное оснащение Амалиенбурга под Мюнхеном, замков Врцбурга, Потсдама, Шарлоттенбурга, Брюля, Брухзаля, Солитьюда (Штутгарт), Шнбрунна и т. Д.

Во Франции стиль оставался несколько более сдержанным, поскольку орнаменты были в основном из дерева, или, в соответствии с модой резьбы по дереву, менее прочными и натуралистичными и менее яркими в сочетании естественных и искусственных форм всех видов (например.грамм. растительные мотивы, сталактитовые изображения, гротески, маски, предметы различных профессий, значки, картины, драгоценные камни). Как элементы прекрасной Франции сохранила в большей степени, чем Германия, единство всей схемы декора и симметрию ее частей.

Этому стилю нужны не только декораторы, ювелиры и другие мастера, но и художники. Французские художники этого периода наиболее верно отражают моральную депрессию времен Людовика XIV, даже самые преднамеренные из них ограничиваются социальными портретами высшего общества и изображают «галантные праздники» с их неформальным легкомыслием, театрально или модно одетыми. общество.«Прекрасная чувственность» достигается мастерской техникой, особенно в окраске, и, в значительной степени, совершенно безнравственными разрешениями или мифологической наготой, как в свободных или грубых романах. Что касается Антуана Ватто (1684-1721), то сами названия его работ — например. Беседа, завтрак на свежем воздухе, сельские развлечения, итальянские или французские комедианты, поездка на остров Кифера — все это указывает на дух и направление его искусства. Добавьте к этому фигуры в модных костюмах, стройных в голове, шее и ступнях, в непринужденной позе, изображенные среди очаровательных сельских пейзажей, раскрашенных в лучшие цвета, и мы получим картину высшего общества того периода, который видел Людовика XV и Мадам де Помпадур.Франсуа Буше (1703-1770) — самый знаменитый художник зрелого рококо.

Рококо «мирское» и Римско-католическая церковь

Критический взгляд на неподходящий характер рококо в церковном контексте был поднят в Католической энциклопедии :

«Для церкви рококо, вообще говоря, можно сравнить с мирской церковной музыкой. Его отсутствие простоты, серьезности и спокойствия очевидно, в то время как его навязчивая искусственность, неестественность и тривиальность отвлекают.Его мягкость и красота также не становятся домом Божьим. Однако, лишенный самых печальных наростов, он мог меньше отвлекать в свою эпоху, так как тогда он гармонировал с духом эпохи.

Развитие барокко, он будет гармоничным украшением церквей в стиле барокко.

В общем, огромная разница, используется ли стиль умеренно в более тонких и изобретательных формах французских мастеров или доводится до крайностей с последовательностью немецких.Французские художники, кажется, всегда считали красоту всей композиции главным объектом, в то время как немцы больше всего подчеркивали смелую силу линий; таким образом, отсутствие симметрии никогда не было так преувеличено в работах первого.

В церкви рококо временами может обладать очарованием красоты и может радовать своей изобретательной техникой, при условии, что предметы будут небольшими и подчиняться подвесному столу с подносами и тарелкой, вазе, хоровому столу, лампам, ключам и т. Д. Замок, перила или балюстрада не бросают вызов взгляду и отвечают всем требованиям простой красоты формы.

Рококо действительно пусто, это просто приятная игра фантазии.

В ризнице (для прессов и т. Д.) И в прихожих она больше подходит, чем в самой церкви — по крайней мере, в том, что касается ее использования на видных местах.

Стиль рококо очень плохо сочетается с торжественным служением дарохранительницы, скинии, алтаря и даже кафедры. Натурализм некоторых бельгийских кафедр, несмотря на или, возможно, благодаря их художественному характеру, имеет тот же эффект, что и откровенные произведения рококо.

Назначение исповеди и баптистерия, похоже, также требует более серьезных форм.

В случае с более крупными объектами скульптура в стиле рококо либо кажется красивой, либо, если этого не делать, напоминает барокко. Фантазии этого стиля плохо сочетаются с высокими и широкими стенами церкви. Однако все должно решаться в соответствии с объектом и обстоятельствами; киоски в соборе Майнца вызывают не только наше одобрение, но и восхищение, в то время как знаменитый привилегированный алтарь Vierzehnheiligen отталкивает нас как своими формами, так и пластическим декором.

Есть определенные чаши в стиле рококо (например, в монастыре Айнзидельн), которые, можно сказать, украшены отборным праздничным убранством; есть и другие, более или менее деформированные из-за выпуклых кривых или фигур. Люстры и лампы также могут быть изуродованы навязчивой ракушкой или отсутствием какой-либо симметрии, или же их декоративность может оставаться в разумных пределах.

Материал и техника также имеют значение в рококо.Тканые материалы, резьба по дереву и штукатурка Парижа, очевидно, менее навязчивы, чем работы из других материалов, когда они используют спортивный рококо. Железо (особенно в перилах) и бронза теряют холодность и твердость, одушевленные стилем рококо; в последнем случае можно с успехом использовать золочение. Золочение и роспись относятся к обычным средствам, с помощью которых этот стиль при определенных обстоятельствах завораживает взгляд и воображение. Принимая во внимание все обстоятельства, мы можем сказать о стиле рококо — как небезосновательно было сказано о барокко и ренессансе — что он очень подходит для привнесения мирского духа в церковь, даже если мы упустим из виду фигурные аксессуары, которые являются часто никоим образом не способствует чувству преданности и несовместима с трезвостью и величием архитектуры и серьезностью священных функций.»

Мебель в стиле рококо

Рококо — это стиль архитектуры или декора, возникший во Франции в начале 1700-х годов. Для него характерен сложный, но легкий и изящный орнамент. Однако этот термин не вошел в широкое употребление до 1800-х годов, когда он использовался для описания чрезмерно богато украшенной мебели и резьбы. Позже он стал обозначать стиль Людовика XV, но при этом не потерял своего прежнего значения.

Слово рококо, вероятно, происходит от французского слова rocaille , означающего «каменная кладка», и первоначально использовалось для описания искусственных гротов в Версале.

Первоначально работа в стиле рококо ограничивалась двумя измерениями. Довольно рано на него повлияли китайские декоративные мотивы и темы, а затем он превратился в трехмерный стиль элегантной сложности.

Парижские династии bnistes , некоторые из которых родились в Германии, разработали стиль поверхностей, изогнутых в трех измерениях ( bomb ), в которых без труда были завершены согласованные виниры (маркетри, временно находящиеся в затмении) или vernis martin japanning по позолоченным бронзовым («ормолу») креплениям: выдающиеся имена — Антуан Годро, Шарль Крессан, Жан-Пьер Латц, Франсуа Обен, Бернар II ван Рисенберг.

Французские дизайнеры, такие как Franois Cuvillis и Nicholas Pineau, лично экспортировали парижские стили в Мюнхен и Санкт-Петербург, а немецкий Juste-Aurle Meissonier начал свою карьеру в Париже. Руководителями парижского рококо была небольшая группа из маршанов-мерсеров , предшественников современных декораторов, во главе с Симоном-Филиппом Пуарье.

Английское рококо было более сдержанным, например, дизайн Чиппендейла для стульев с ленточной спинкой. Наиболее успешным представителем английского рококо был, вероятно, Томас Джонсон, талантливый резчик и дизайнер мебели, работавший в Лондоне в середине 1700-х годов.

Возрождение стиля рококо в Англии началось около 1830 года и внесло свой вклад в пышные изгибы средневикторианского стиля. В то же время в Париже блестящие стили рококо 18 века достигли высшей точки в мебели Бердели и Линке в стиле неорококо.

См. Также

Культурное движение — Wies

Образцом архитектоники рококо является собор Мерсии.

Внешняя ссылка

Шаблон: Commonscat

• Примеры ( http: // www.bergerfoundation.ch/Vertige/english/index.html )

Дополнительная литература

• Фиск Кимбалл, 1943. Создание рококо (перепечатано как Создание декоративного стиля рококо , 1980).
• Арно Шнбергер и Халлдор Зёнер, 1960. Эпоха рококо Опубликован в США как Эпоха рококо: искусство и цивилизация 18 века (Первоначально опубликовано на немецком языке, 1959).
• Майкл Леви, 1980. Живопись в Венеции восемнадцатого века, (исправленное издание).
• Пал Келемен, 1967. Барокко и рококо в Латинской Америке , (2-е издание).

дата: Рококо de: Rokoko fr: рококо nl: рококо ja: ロ コ コ pl: Рококо pt: Rococ ru: Рококо св: Рококо ж: 洛可可

Руководство для начинающих по искусству рококо — Smarthistory

Начало рококо

Hyacinthe Rigaud, Людовик XIV , 1701, холст, масло, 114 x 62 5/8 дюйма (The J.Пола Гетти)

В первые годы 1700-х годов, в конце правления Людовика XIV (который умирает в 1715 году), произошел отход от классицизма и «великих манер» (основанных на искусстве Пуссена), которые управляли искусство предыдущих 50 лет во Франции, к новому стилю, который мы называем рококо. Версальский дворец (королевский замок, который был центром политической власти) был оставлен аристократией, которая снова поселилась в Париже. Сдвиг от монархии к аристократии характеризует искусство этого периода.

Какой образ жизни вела аристократия? Помните, что аристократия обладала огромной политической властью, а также огромным богатством. Многие выбрали досуг как занятие и увлеклись романтическими интригами. Действительно, они создали культуру роскоши и излишеств, которая резко контрастировала с жизнью большинства людей во Франции. Аристократия — лишь небольшой процент населения Франции — владела более чем 90% ее богатства. Небольшой, но растущий средний класс не будет долго сидеть сложа руки (вспомните Французскую революцию 1789 года).

Fragonard’s

The Swing

Жан-Оноре Фрагонар, Качели , 1767, холст, масло, 81 x 64,2 см (Коллекция Уоллеса, Лондон, фото: Стивен Цукер, CC BY-NC-SA 2.0)

Как и большинство картин в стиле рококо, сюжет «Качели» Фрагонара не очень сложен. Двое любовников сговорились заставить старшего парня подтолкнуть девушку на качелях, пока ее возлюбленный прячется в кустах. Их идея состоит в том, что когда она поднимается на качелях, она может раздвинуть ноги, и ее любовник может увидеть дразнящий вид на ее юбке.

Женская фигура (фрагмент), Жан-Оноре Фрагонар, Качели , 1767, холст, масло, 81 x 64,2 см (Коллекция Уоллеса, Лондон; фото: Стивен Цукер, CC BY-NC-SA 2.0)

Фигуры окружены пышным заросшим садом. Скульптурная фигура слева прижимает пальцы ко рту, как бы говоря «тише», в то время как другая скульптура на заднем плане изображает две прижатые друг к другу фигуры купидона. Цвета пастельные, бледно-розовые и зеленые, и, хотя у нас есть ощущение движения и заметная диагональная линия, картине не хватает серьезности барокко.

Если вы присмотритесь, то увидите свободные мазки на розовом шелковом платье — и когда она раздвинет ноги, мы увидим ее чулки и пояс с подвязками. Именно такую ​​живопись вскоре осудили философы Просвещения. Они требовали нового стиля в искусстве, показывающего пример нравственного поведения людей в их самом благородном виде.

---

Дополнительные ресурсы:

Качели в коллекции Уоллеса

Фрагонар на временной шкале истории искусства в Хайльбрунне Метрополитен-музея

Европейское платье XVIII века на хронологии истории искусства в Хайльбрунне Метрополитен-музея

---

Италия Искусство барокко и рококо

(итальянский текст Анны Лизы Лимарди — перевод и адаптация Доменико Руссуманно). В 17 веке архитектура барокко распространилась по Европе и Латинской Америке, где ее особенно продвигали иезуиты. Слово «барокко», как и большинство периодических или стилистических обозначений, было изобретено более поздними критиками, а не практиками в 17 и начале 18 веков. Это французская транслитерация португальского слова «pérola barroca», что означает «неправильный жемчуг», а натуральный жемчуг, который отличается от обычной правильной формы и не имеет оси вращения, известен как «жемчуг барокко». Ведущими фигурами в архитектуре барокко были Франческо Борромини и Джан Лоренцо Бернини, работавшие в Риме на протяжении большей части 17 века. Два мастера с очень разными характерами. В скульптуре было выдающимся мастерством Джан Лоренцо Бернини, работавшего прежде всего в Риме (Экстаз Святой Терезы, Рим, Санта Мария делла Виттория). Бернини (который также отвечал за большой бронзовый балдаччино внутри базилики Сан-Петра в Риме и церкви С.Andrea al Quirinale) открывали пространства и связывали их вместе эффектным образом, создавая эффекты движения и непрерывного преобразования за счет умелого использования света. Монументальный балдаччино был построен по заказу Папы Урбана VIII в 1623 году и завершен в 1634 году. Большой бронзовый купол в стиле барокко, который сам по себе является очень большим сооружением, образует визуальное посредничество между огромными размерами здания и человеческими масштабами людей, совершающих религиозные церемонии. Бономини (архитектор Oratorio dei Filippini и С. Иво алла Сапиенца) играл с контрастами силы и напряжения, оттягивая поверхности стен, изгибая их или создавая эффекты вращения вертикального толчка. Oratorio dei Filippini (Ораторий Святого Филиппа Нери) был построен между 1637 и 1650 годами. Основной корпус разделен на пять частей пилястрами вогнутой формы. Вверху барабанная перепонка, впервые созданная после углового искажения, подчеркивает как изогнутые, так и угловые движения. В центральной части возникает диалектический набор между нижним уровнем, кривая которого движется наружу. Борромини работал над этой задачей в течение 13 лет, и к 1640 году молельня использовалась, а к 1643 году библиотека, названная Biblioteca Vallicelliana, была завершена. Современный облик города, площади с обелисками и фонтанами, лестничные марши и эффектные фасады создавались в течение столетия. Искусство барокко отличается от искусства классицизма тем, что оно направлено на вовлечение зрителя, обращение к его воображению, физическим чувствам и чувствам, а не к его разуму. Он должен покорить их захватывающими сильными эмоциями и чувством трепета. В некотором смысле это подавление рационального иррациональным, поиск нового баланса, теперь освобожденного от классических ограничений. Однако эти два стиля жили бок о бок и во многих случаях даже смешивались. Церковь Санта-Мария-делла-Салюте (венецианский шедевр Бальдасара Лонгена), например, является классической по общему плану, но в стиле барокко по своему творческому убранству. Церковь стоит на узком пальце Пунта-делла-Догана, между Большим каналом и каналом Джудекка, в Бачино-ди-Сан-Марко в Венеции. Известный как Cappella della Sacra Sindone (Часовня Святой Плащаницы) в северном городе Турин (регион Пьемонте), спроектированный архитектором Герино Гуарини и построенный в конце 17 века (1668–94) во время правления Карла Эммануила II, герцога Савойского.Часовня была построена для размещения Плащаницы, религиозной реликвии, которую многие считают погребальной плащаницей Иисуса из Назарета. В отличие от других регионов, где архитекторы имели преимущество планировать совершенно новые памятники с роскошным экстерьером, неаполитанские художники и их спонсоры из-за нехватки недвижимости были вынуждены сосредоточить свое творчество на интерьере существующих структур, а не на внешней стороне. Фонтан Тритона работы Бернини был выполнен в 1642–1643 годах.Он расположен на площади Пьяцца Барберини, . (Площадь Барберини) и не следует путать с близлежащим фонтаном Тритони на площади Пьяцца Бокка делла Верита Франческо Бицзаккери. Тритон, первый из отдельно стоящих городских фонтанов Бернини, был построен для подачи воды из акведука Аква Феличе. Великолепие архитектуры барокко, часто с оригинальными чертами, проявляется по всей Италии, особенно на юге, в пышности дворцов и церквей Неаполя. … а также на Сицилии, где целые города (Катания, Ното) были восстановлены после сильных землетрясений по согласованному проекту в стиле барокко, включающему архитектуру и городское планирование. В Лечче этот стиль проявляется особенно в богатой сложной отделке фасадов. В 18 веке произошла утонченность линий и форм, которые стали более легкими и нежными, и изменение вкусов в отношении внутренней отделки, которая стала более изысканной, с использованием деликатных материалов (зеркала, лакированное дерево, обои) и экзотических фантазий. , следуя стилю, получившему название «рококо». Работа Филиппо Джувары в Турине (Палаццо Мадама, Вилла Реале, Ступиниджи) является типичным примером этого стиля. Дворец был спроектирован для использования в качестве дворца какча («охотничий домик») Виктора Амадея II, короля Сардинии. Ступиниджи были излюбленным зданием для проведения торжеств и династических свадеб членов Савойского дома. Здесь в 1773 году Мария Тереза, принцесса Савойская, вышла замуж за Чарльза Филиппа, графа Артуа, брата Людовика XVI и будущего французского Карла X. В начале 1600-х годов картина Караваджо вызвала скандал и восхищение в Риме своим драматическим использованием света, грубым реализмом сцен и скромной повседневной внешностью главных героев (Зов и мученичество святого Матфея, Рим, Сан-Луиджи деи Франсези). … Тем временем искусство Карраччи (Фрески на своде Галереи Фарнезе, Рим) … …и затем Гвидо Рени (Избиение младенцев, Болонья, Pinacoteca Nazionale) … Картина основана на библейском эпизоде ​​Избиения младенцев, описанном в Евангелии от Матфея. … и Гверчино (Et in Arcadia ego, Rome, Galleria Corsini) процветали в Болонье, положив начало новому классическому течению. На картине изображены два молодых пастуха с мышью и мясной мухой, которые смотрят на череп, помещенные на циппус со словами Et in Arcadia ego («Я тоже [был] в Аркадии») Малоизвестный за пределами Италии дворец Палаццо Лабиа в стиле барокко, построенный в 17-18 веках. Дворец примечателен замечательным бальным залом, расписанным фресками Джованни Баттиста Тьеполо. Сцена ниже изображает встречу Клеопатры и Марка Антония. Иллюзионизм и виртуозность были отличительными чертами живописи в стиле барокко, которая доминировала на протяжении большей части века. Своды и потолки церквей и дворцов были покрыты небом, населенным религиозными и мифологическими фигурами и имитацией архитектуры. Одним из величайших практикующих был Пьетро да Кортона (Триумф Божественного Провидения, Рим, Палаццо Барберини). Живопись и скульптура 18 века сохранили характер прошлого века, но сменили драматическое напряжение на более утонченную и радостную элегантность. Великолепные настенные украшения Джан Батиста Тьеполо являются примерами этого стиля (фрески во Дворце архиепископов в Удине). С другой стороны, точная детализация — одна из характерных черт городских пейзажей Каналетто (Вид на милон из бассейна реки С.Марко, Флоренция, Уффици). Неоклассицизм возник в результате возобновления изучения античности в конце века. Начиная с 17 века использование воды как элемента в произведениях искусства было широко распространено. Знаменитые фонтаны Рима (Четыре реки, Пчелы, Наяды) представляют собой архитектурные сооружения, украшенные скульптурами и струями воды. Fontana dei Quattro Fiumi (Фонтан Четырех рек) находится на площади Пьяцца Навона в Риме.Он был спроектирован Джаном Лоренцо Бернини в 1651 году по заказу Иннокентия X, чей семейный дворец Памфили выходил на площадь. Основание фонтана представляет собой бассейн, из центра которого возвышаются травертиновые скалы, чтобы поддержать четырех речных богов, а над ними — древний египетский обелиск, увенчанный гербом семьи Памфили в виде голубя с оливковой веткой. В совокупности они представляют четыре основные реки четырех континентов, через которые распространилась папская власть: Нил, представляющий Африку, Дунай, представляющий Европу, Ганг, представляющий Азию, и Рио-де-ла-Плата, представляющий Америку. Фонтан Апи (Пчелы), автор Джан Лоренцо Бернини Fontana delle Api (Фонтан пчел) расположен на площади Пьяцца Барберини в Риме, где Виа Венето выходит на площадь. Он был завершен в апреле 1644 года и состоит из мраморной двустворчатой ​​раковины, на которой покоятся три пчелы из того же материала. Фонтан был задуман как поилка для лошадей. Надпись на раковине гласит: «Городской VIII мост. Макс., Построив фонтан для общественного украшения города, также построил этот маленький фонтан для обслуживания частных лиц.В 1644 году, XXI году его понтификата ». Фонтан наяд в Риме находится на площади Пьяцца делла Република. Первоначально он назывался «Аква Пиа» и был завершен в 1870 году. В результате в 1901 году четыре скульптуры, изображающие львов, были заменены скульптурами наяд Марио Рутелли. Представленные наяды — Нимфа озер (узнаваемая по лебедю, которого она держит), Нимфа рек (растянутая на чудовище рек)… Нимфа океанов (верхом на лошади, символизирующей моря) и нимфа подземных вод (склоняющаяся над таинственным драконом). Сады украшены бассейнами, фонтанами и водопадами, населены божествами и нимфами. Прекрасным примером является парк Реджиа-ди-Казерта. Другие произведения искусства того периода можно найти в следующих регионах и городах: Слева — Палаццо Спаньоло — Неаполь — Справа и ниже — Санта-Мария-делла-Салюте — Венеция Турин (Турин) — Пьемонте Кьеза дель Кармине (F.Джувара) Chiesa della Visitazione (E. Lanfranchi) Кьеза деита Консотата (Г. Гуарини) Corpus Domini (А. Виттоцци) С. Андреа (Г. Гуарини) С. Филиппо Нери (Ф. Джувара) Сан Франческо д’Ассизи (Б.Виттоне) С. Лоренцо (Дж. Гуарини) С. Тереза ​​ (А. Костагута, Ф. Джувара) Капелла делла Сакра Синдоне (Г.Гуарини) Палаццо Кариньяно (Дж. Гуарини) Палаццо Читта (Э.Ланфранки) Палаццо Мадама (Ф. Джувара) Палаццо Реате (Ф. Джувара) Палаццо Карпано (М. Гарове) Кастелло дель Валентино (К. ди Кастелламонте) Пьяцца С. Карло. (C. dili Castellamonte) Galleria Sabauda (Карраччи, Г.Рени, Гверчино, М. Прети, Б. Строцци, С. Риччи, Тьеполо, Ф-дель-Каир. Городской музей (Г.К. Прокаччини, Д. Оливеро) Ступиниги (Турин) Вилла Реале (Ф. Джувара) Милан (Милан) С. Алессандро (Л, Бинаги) С. Джузеппе (Ф.М., Ричини) S, Антонио Абате (Г.Руснати) С. Мария алла Порта (Ф.М. Ричини) Палаццо Дурини (Ф.М. Ричини) Палаццо Кусани (Г. Руджери) Палаццо Литта (Ф.М. Ричини) Pinacoteca di Brera (Тьеполо, Каналетто, Дж. Черути, Д. Креспи, Дж. Ассерето, Дж. Гварди, Гверчино, А. Лонги, Т. да Варалло) Musei del Castello (Тьеполо, Г.К. Прокаччини, Черано, Д. Креспи, А. Маньяско, Ф.Гварди) Museo di S. Maria della Passione (Д. Креспи, Ф. дель Каир, Вермильо) Генуя (Генуя) СС. Аннунциата (Г.А. Ансальдо, Б. Строцци, Л. Камбьязо, Т. Карлоне, Д. Пиола) С. Анна (Сарцана) С. Марта (Ф. Пароди) С.Панкрацио (Ф. Скьяффино) С. Себастьяно (Д. Солари) Палаццо Бальби (Г. Петонди) Палаццо Университарио (Б. Бьянко) Палаццо дель Подестир (Ф. Бигги) Палаццо Реале (К. Фонтана) Галерея Палаццо Россо (Л. Камбьязо, Сарцана, Б. Строцци, Грекетто) Museo di architettura e scultura ligure (F.Parodi, P. Puget, F, Schiaffino, L. Cambiaso) Палаццо Бьянко (Дж. Ассерето, Дж. Б. Кастелло, Карлоне, Б. Строцци, А. Маньяско) Венеция (Венеция) Chiesa dei Gesuali (Г. Массари) Кьеза дель Реденторе (К. Сарасени) Кьеза дель Анджело Раффаэле (Ф. Гварди) Кьеза делла Маддалена (Т.Теманза) С. Мария делла Салюте (Б. Лонгена) Гли Скальци (Б. Лонгиена, Г. Сарди) С. Симоне Пикколо (Г. Скальфаротто) Палаццо Джустиниан-Лолин (Б. Лонгена) Палаццо Пезаро (Б. Лонгена, А. Гаспари) Палаццо Реццонико (Б. Лонгена, Г. Массари) Палаццо Видманн — Фоскари (Б. Лонгена) Палаццо Лабиа (Дж. Б. Тьеполо) Scuola dei Carmini (G.Б. Тьеполо) Galleria dell’Accademia ( F. Solimena, B. Strozzi, D. Fetti, Tiepolo, Piazzetta, S. Ricci, ) А. Маньяско, Ф. Гварди, Каналетто) Palazzo Rezzonico, Museo del Settecento (Тьеполо, П. Лонги, Каналетто, Ф. Гварди, л. Гуарана, Р. Карьера) Виченца С.Марко (С. Риччи) Кьеза дельи Аракоели (К. Борелла) Палаццо Бонацци (А. Пиццокаро) Палаццо Корделлин а (О. Кальдерари) Палаццо Пагелло (Б. Скамоцци) Вилла Вальмарана (F. Muttoni, G.B. e G.D. Tiepolo) Ла Ротонда (Б. Скамоцци) Museo Civico (G.8. e G.D. Tiepolo, F. Maffei, S. e M. Ricci, G.B. Питтони, В.А. Cignaroli) Лацио — Рим С. Лоренцо в Лучинии (Л. Бернини, Дж. Рени) С. Аньезе ин Агоне (Ф. Борромини) С. Агостино (Л. Ванвителли, Л. Бернини, Караваджо) С. Карло алле Кватро Фонтане (Ф. Борромини) С.Мария делла Паче (П. да Кортона) С. Пьетро в Ватикано (Л. Бернини, А. Альгарди, К. Фонтана) С. Андреа аль Квиринале (Л. Бернини) Сан Джованни ин Латерано (Ф. Борромини) С. Мария Маджоре (Ф. Фуга) Палаццо Дориа (Г. Вальвассори) Палаццо Киджи (Г. Мадерно) Палаццо дель Парламенто (К. Фонтана) Палаццо Барберини (Л.Бернини) Палаццо Мадама (Л. Карди) Влла Албани-Торлония (К. Маркионни) Фонтана делла Баркачча (Л. Бернини) Фонтана Треви (Н. Салви) Фонтана деи Фьюми (Л. Бернини) Фонтана дель Тритон (Л. Бернини) Тринита деи Монти (Ф. де Санктис, А. Спекки) Пьяцца С. Пьетро (Л.Бернини) Галерея Боргезе (Л. Бернини, Караваджо, П. да Кортона, Бароччи) Galleria Nazionale d’Arte Antica (Караваджо, Каналетто, Ф. Гварди) Галерея Дориа-Памфили (А. Альгарди, Карраччи, Караваджо, Л. Бернини) Pinacoteca Vaticana (Гверчино, Дж. Рени, П. да Кортона, Караваджо) Неаполь (Кампания) Chiesa dei Gesuiti (Ф.Solimena, M. Stanzione) S. Domenico Maggiore (A. Corradini, G. Sammartino) S. Maria degli Angeli (F. Grimaldi) S. Nicola alla Carita (F. Solimena, F. Де Мура) С. Паоло Маджоре (Ф. Солимена, М. Станционе) С. Филиппо Нери (Л. Джордано, М. Станционе, Ф. Солимена, Г. Рени) Капелла Сансеверо (Ф Кейроло) Гулья ди С. Дженнаро (C.Fanzago) La Nunziatella (F. Sanfelice) Palazzo Reale (D. Fontana) Fontana del Nettuno (D. Fontana, C. Fanzago, L. Bernini, M. Naccherino) Museo di Capodimonte (Г. Рени, Г. Рибера, А. Джентилески, А. Ваккаро, Ф. Де Мура, Ф. Солимена, Ф. Гуарино, А. Маньяско, Г.М. Креспи) Museo di S. Martino (М. Станционе, Дж. Рибера, Дж. Рени, Л. Джордано, Б. Караччоло, Дж.Lanfranco, A. Vaccaro, C. Maratta, M. Spadaro’S) Museo Civico Filigeri (A. Vaccaro, G. Ribera, L. Giordano, B. Caracciolo) Казерта — Кампания Королевский дворец — Реджа (Г. Ванвителли) Лечче — Апулия Дуомо (Г. Зимбало) С. Анджело (Зингарелло) С. Кроче (С.Пенна) С. Мария делле Грацие (М. Колузио) С. Кьяра (Г. Чино) С. Маттео (А. Кардуччи) Кьеза дель Росарио (Г. Зимбало) Кьеза дель Кармине (G, Cino) Палаццо делла Префеттура (Зингарелло) Палаццо дель Говерно (G. Zimabalo, G, Cino) Палермо — Сицилия Собор Сан-Джузеппе деи Театини (Ф.Фуга) Работайте с нами — Вы гид? Вы организуете туры в северную и южную Италию? Если тематика основана на культуре, истории и мероприятиях на свежем воздухе, мы будем рады поговорить с вами. Напишите нам. Sei in grado di promuovere il tuo Territorio con le sue produzioni enogastronomiche, le sue strutture ricettive e le sue bellezze storiche e Arthe, Сделано в Южной Италии. , Бен consapevole, что для meglio meglio и в modo Complete ha bisogno della сотрудничества di chi vive in quei luoghi, li conosce dall’interno e li sa rappresentare.Interessati? La vetrina ideale for promuovere i vostri prodotti e servizi sul mercato Nord Americano ma cherebbe essere un punto di visibilità anche nei var mercati internazionali. Paesi di provienza dei visitatori in ordine numerico Stati Uniti — Canada — Italia — Gran Bretagna — Australia — China — Germania — Francia — Nuova Zelanda — Olanda Coloro interessati adloserire la loro attivita ‘/ azienda / nel sito звук прегати ди меттерсов в контакте используется по модулю сопрастанции…per saperne di piu ‘

Рококо | Муза Байрона | Стр. 2

Возлюбленная Америки , Девушка с кудряшками , Маленькая Мэри — это некоторые из прозвищ Мэри Пикфорд, актрисы немого кино, которая недавно очаровала меня.

***

Прежде чем я начал писать этот пост, я дал себе задание посмотреть документальный фильм о ней под названием Мэри Пикфорд: Муза фильмов (2012), который действительно интересен, и вы можете посмотреть его на YouTube.Документальный фильм хорошего качества; забавный, с большим количеством информации, а рассказчик имеет приятный голос. Мне понравилось, что основное внимание уделялось не только личности Мэри Пикфорд и различным этапам ее карьеры, но и развитию Голливуда, каким мы его знаем сегодня, киноиндустрии и «мерцанию», как тогда назывались ранние фильмы.

Я настоятельно рекомендую вам посмотреть документальный фильм, поскольку это отличное введение в гламурный мир Голливуда — тема, которая, как я уже упоминал в одном из своих предыдущих постов, недавно увлекла меня.Как и большинство людей, я люблю смотреть фильмы, но я никогда не был такой большой поклонницей «старого Голливуда», как, например, моя мама. Фильмы 1930-х и 1940-х годов почему-то никогда не привлекали моего внимания, и я всегда с небольшой долей зависти задавался вопросом, что моя мама в них видела. Затем, несколько недель назад, из ниоткуда я заболел болезнью под названием «Старый голливудский гламур», и единственное лекарство — это смотреть как можно больше фильмов!

***

***

Как вы могли догадаться по названию, голливудская фаза, на которой я был зациклен, — это эпоха безмолвия и ее главная звезда, актриса Мэри Пикфорд.Ее глаза — ее самая очаровательная черта; две яркие звезды в окружении длинных ресниц, способные выразить любую эмоцию; от печали и смирения к благодарности и восторгу. Затем ее великолепные кудри, ее знаменитые кудри, которые она остригла в 1928 году, к ужасу своих поклонников. Прическа была своего рода ритуалом перехода: ее мать только что умерла, и она оказалась неспособной играть маленьких девочек теперь, когда она уже не была чьей-то «маленькой девочкой». Ее фаза игры в детские роли закончилась.

Это черта характера, которая мне нравилась в Мэри Пикфорд — она ​​знала, как положить конец вещам, пока они все еще были хороши. Она была женщиной, добившейся всего, к чему стремилась. Замечательный человек, а не просто прекрасная актриса. История ее жизни «из грязи к богатству» по-прежнему захватывает воображение. «Возлюбленная Америки» родилась как Глэдис Смит в Канаде 8 апреля 1892 года в бедной семье, отец-алкоголик. Не лучшая отправная точка для того, кто впоследствии станет первой голливудской актрисой, заработавшей миллион долларов.

***

Мэри Пикфорд в Ребекке с фермы Саннибрук (1917)

***

«Когда Мэри улыбалась, можно было слышать, как поют ангелы» , — сказала Лилиан Гиш, актриса немого кино и давний друг Мэри.

***

Реклама в «Moving Picture World», сентябрь 1916 г.

***

История жизни Мэри Пикфорд переплетается с историей жизни другой актрисы немого кино — Лилиан Гиш.В 1905 году семья Смитов делила квартиру с семьей Гиш. А именно, у Лилиан Гиш (14 октября 1893–1993) была младшая сестра Дороти (11 марта 1898–1968), которая также была актрисой. Точно так же Мэри Пикфорд была старшей сестрой, ее сестра Шарлотта «Лотти» и брат Джек тоже были актерами, хотя оба поддались алкоголю и умерли довольно молодыми. Обе семьи вели богемную жизнь, столь же богатую, сколь и тяжелую. Мэри и Лилиан стали друзьями на всю жизнь.

Начав в театре, обе девочки быстро перешли в кино или в «мерцание».Ранние фильмы были сенсационные (кто-нибудь почувствовать возрождение в эти дни?), И часто близко к порнографическим. Целевой аудиторией был рабочий класс. После долгого рабочего дня на фабрике или стройке они могли пойти и посмотреть фильм, который был дешевым, как чипсы, путешествовать в их воображении и вырваться из серости своей жизни.

***

Мэри Пикфорд красится, ок. начало 1920-х годов

***

Несмотря на то, что обе были великими актрисами, имя Мэри Пикфорд оставалось синонимом эпохи немого кино.Ранняя кинематография произвела множество актрис и икон, таких как Луиза Брукс, Норма и Констанс Талмадж, Теда Бара, Клара Боу, Пола Негри — все они играли очень соблазнительные и кокетливые роли. У Лилиан Гиш и Мэри Пикфорд были другие качества — они играли более добродетельных, невинных и девчачьих персонажей. Они были похожи на кукол с большими выразительными глазами и пышными локонами.

Лилиан сказала себе: «Я сыграла столько хилых, забитых девственниц в фильмах моей юности, что мне иногда кажется, что я изобрел этот стереотип роли.” (источник)

Лилиан Гиш играет « хилых, забитых девственниц» Люси Берроуз в фильме «« Сломанные цветы »« »(1919). Великолепие фильма объясняется сочетанием пронзительного образа Лилиан «хрупкого бродяги», мрачного и разваливающегося лондонского района Лаймхаус в качестве декорации, а также приправленного опиумом настроения и восточного чутья, привнесенного Ченг Хуаном — парнем из Китая, который приехал в Лондон с мечтой «распространить нежное послание Будды на англосаксонских землях.Игра Лилиан была замечательной, а концовка вызвала у меня слезы на глазах, а я не из тех, кто легко плачет в фильмах. Почему-то при просмотре немого фильма вы сосредотачиваете все свое внимание на выражении лица, жестах, движениях глаз; все усиливается. Некоторые цитаты из титульных листов, мысли Ченг Хуана о Люси.

***

***

” Синий и желтый шелк ласкают белую кожу — ее красота, так долго скрытая, сияет, как стихотворение. ” (при 50,50 мин)

” Вдыхая янтарную флейту этой алебастровой девушке-кокни, ее любимое имя — Белый Цветок. ” (при 55,18)

***

***

Я считаю, что у Лилиан от природы меланхоличное лицо, возможно, это потому, что ее глаза большие, а губы очень маленькие, я не знаю, но большинство ее фотографий имеют слегка болезненную привлекательность, по крайней мере, для меня. Она настоящая Офелия.

***

***

Мэри Пикфорд играла множество ролей и часто сама выполняла трюки, но больше всего ей запомнились те фильмы, в которых она играет роль маленькой девочки, что она успешно делала до тридцати с небольшим лет. .На данный момент я просмотрел четыре таких фильма в следующем порядке: Бедная маленькая богатая девочка (1917), где она играет Гвендолин, Поллианна (1920) в роли Поллианы Уиттиер, Маленькая принцесса (1917) как Сара Крю и Ребекка с фермы Саннибрук (1917) как Ребекка Рэндалл. Есть еще фильмы, где она играет детские роли, но следующее, что я хочу посмотреть, — это «Укрощение строптивой» (1929) — это «звуковое кино», которое она исполнила со своим тогдашним мужем Дугласом Фэрбенксом.Это должно быть потрясающе!

Есть что-то такое привлекательное в ролях Мэри Пикфорд в этих фильмах; смесь наивности и невинности, усиленная ее костюмом и локонами, а также отвагой и щедростью. В конце концов добро всегда побеждает: в Бедная маленькая богатая девочка она объединяет своих родителей, которые раньше отвлекались на деньги и успех, в Маленькая принцесса она находит богатого приемного родителя и приводит с собой друга, в Поллианна она приносит оптимизм каждому, с кем встречается.Если зрители того времени видели в этих фильмах надежду на лучший мир, я их полностью понимаю.

***

Мэри Пикфорд в «Укрощении строптивой» (1929)

***

Разве не странно, тогда двадцатипятилетняя актриса могла сыграть маленькую девочку, а сегодня четырнадцатилетние девочки поощряются средствами массовой информации выглядеть намного старше и «привлекательнее».