Современная живопись необычайной красоты: Современная живопись – купить картины лучших художников [Bizar]

Переплетение национальных и европейских традиций

Грузия — страна древней и самобытной культуры стала родиной многим прославленным живописцам и скульпторам, уже вошедшим на века в историю мирового искусства. А сегодня хотелось бы познакомить читателя с творчеством современных грузинских мастеров живописи Звиада Гоголаури, Майи Рамишвили, Мамуки Дидебашвили , которых знает и любит не только отечественная публика, а и почитатели современной живописи ближнего и дальнего зарубежья.

Как известно, все виды грузинского искусства отличаются своим характерным национальным колоритом, необычайной чувственностью, красотой и самобытностью. Живопись также не стала исключением, она как индикатор отразила в себе красоту чудесного края высоких гор, зеленых долин, населенного чрезвычайно гостеприимным народом. Все эти аспекты и служат источником вдохновения для современных мастеров кисти.

Необычайно душевные живописные творения Звиада Гоголаури

Грузинский художник Звиад Гоголаури.

Так, особенные картины грузинского художника Звиада Гоголаури, написанные в теплой цветовой гамме, вовлекают зрителя в такой простой, понятный всем мир человеческого бытия. Гармоничная атмосфера, в которой живут герои его картин, буквально пронизана душевностью и теплотой, положительными эмоциями и тонким философским смыслом. В своих творениях художник не скупится на эмоции и чувства, которые закладывает в каждый свой персонаж, наполняет его внутренним светом и оптимизмом.

Живопись от Звиада Гоголаури.

И безусловно, работы Гоголаури, подчиненные грузинским мотивам, выполнены с большим вкусом в уникальной авторской манере привлекают коллекционеров многих стран.

Живопись от Звиада Гоголаури.

Звиад Гоголаури (1969 г.р.) родом из Рустави. За его плечами начальное образование в Школе Искусства, художественное училище, Академия Художеств в Тбилиси.
Ну и конечно же множество персональных выставок в своей стране и за рубежом, а также различные награды и дипломы, принесшие художнику мировую известность.

Живопись от Звиада Гоголаури.

Живопись от Звиада Гоголаури.

Живопись от Звиада Гоголаури.

Живопись от Звиада Гоголаури.

Изысканные девушки Майи Рамишвили и брутальный авангард Мамуки Дидебашвили

Грузинская художница — Майя Рамишвили.

Особая живописная манера исполнения, подбор ярких красок, выделяют грузинскую художницу из ряда других современных портретистов. На ее нежных и изысканных полотнах переплетаются орнаментализм, декоративность модернизма и наивность примитивизма, в целом давая необыкновенную авторскую манеру, неординарный уникальный почерк.

Живопись от Майи Рамишвили.

В каждом творении художницы мы видим невероятно женственные и прекрасные образы, которые будто собраны посредством коллажей из ткани. Яркая палитра красок и насыщенность деталями разной фактуры придают особую выразительность полотнам художницы и глубочайший энергетический потенциал.

Живопись от Майи Рамишвили.

Художница мастерски сочетала на своих полотнах и национальные особенности художественного мастерства и европейские традиции, чем привлекла немалое количество поклонников своего творчества.

Живопись от Майи Рамишвили.

Майя Рамишвили родилась в Тбилиси в 1969 году. Закончила художественный колледж и Академию Художеств в Тбилиси. На сегодняшний день работает в содружестве со своим мужем, художником Мамукой Дидебашвили.

Живопись от Майи Рамишвили.

Живопись от Майи Рамишвили.

Живопись от Майи Рамишвили.

Дидебашвили — грузинский художник-авангардист.

Творчество живописца Мамуки Дидебашвили условно разделено на два периода. Один из которых художник посвятил фигуративному жанру, а другой — беспредметному авангарду, чем внес немалую лепту в грузинское авангардное движение.

Живопись от Мамуки Дидебашвили.

Картины мастера оригинальны, и эстетически, и технически. Безграничное воображение позволяет художнику демонстрировать способность к масштабной концептуализации и превосходную технику, профессионализм, высокое качество живописи и четко выраженный индивидуализм.

Живопись от Мамуки Дидебашвили.

Мамука, как и его жена Майя, окончил Академию художеств в столице Грузии. На сегодняшний день супруги часто устраивают совместные выставки в своей стране, а так же в России, Великобритании и других станах мира. Их работы можно встретить во многих известных галереях мира и в частных коллекциях.

Живопись от Мамуки Дидебашвили. Кальянщик.

Живопись от Мамуки Дидебашвили. Водонос.

Рассматривая работы современных художников из Грузии, можно сказать лишь одно: живописцы прошлых столетий заложили основы изобразительного искусства страны, а молодое поколение художников достойно продолжает славные традиции своих предшественников.

Полны энергии оптимизмаполотна русского художника Владимира Оленберга, который также выбрал для себя направление примитивизма в искусстве.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

Нравится

Современный художник: взгляд эксперта | ART LIFE Виктории Латка

Приветствую вас, дорогие друзья, подписчики и посетители сайта!

В этой статье я решила выяснить, как действительно живут и творят современные художники России, сколько и как они зарабатывают, что пишут. Причем это мини-исследование я решила провести вовсе не для того, чтобы посчитать чьи-то деньги.

Нет, я просто хочу нарисовать для себя портрет настоящего современного русского художника, такого, какой он есть на самом деле. И когда с этими нюансами я разобралась, то обнаружила, что реальность немного не соответствует общепринятым представлениям о художниках.

Давайте я расскажу вам, что я выяснила, но перед этим расставлю все точки над «i»: я использовала официальную опубликованную информацию из современных рейтингов, данные о продажах картин на аукционах и мнения экспертов, признанных в мире искусства. И вот что я выяснила…

Что пишет современный художник?

Здесь можно смело сказать: сегодня российский художник может писать всё! У него нет границ, которые устанавливались перед советскими мастерами идеологической программой, нет даже строгих морально-этических требований: отдельные художники уже делают себе имя на картинах в стиле «ню», граничащих с порнографией…

А раз могут, то и пишут практически всё. Это не значит, конечно, что «всё» приносит деньги и позволяет художнику хорошо жить. Потому, кстати, среди современных творческих художников так много «обиженных» на жизнь мастеров: мол, их порывы души и способы самовыражения рынком не востребованы, денег они не зарабатывают, а писать на заказ то, за что публика готова заплатить, они не хотят. Всё-таки, творческие люди..

Тем не менее, в направлениях и стилях современных художников в России имеются и определенные тенденции. Самая заметная среди них — всё больший отход от реализма, изображение на картинах альтернативного видения реальности.

Это, конечно, не достояние последних лет или десятилетий, такие направления появились и даже стали знаменитыми более полувека назад. Но если тогда они представляли собой своеобразный авангард искусства, то сегодня уже стали основными и наиболее популярными как у публики, так и у художников.

Мнение  эксперта в области современного искусства и арт- менеджера- Катерины Тейлор

• «К середине XIX века стало ясно, что все самое великолепное уже создано и зачем это дублировать. Плюс появились новые технологии, а именно фотография, которая начала воссоздавать реальность лучше кисти. То есть искусство лишилось своей главной функции. Тогда художники ушли от классических канонов и начали экспериментировать с формами и смыслами. А у искусства появилась новая задача – не документировать, а интерпретировать реальность.»

Причем интересно, что такая интерпретация реальности — это не просто душевный порыв творческого человека. Сегодня это — дорогостоящая вещь. Посмотрите на «Логии 1» Гриши Брускина — картина была куплена за $546 663!

А «Слава КПСС» Эрика Булатова, на которой простой человек увидит только текст, продалась за $1,4 млн!

Слева «Логии 1» Гриши Брускина, справа «Слава КПСС» Эрика Булатова

И тут мы подходим к следующему вопросу…

Сколько зарабатывает современный российский художник?

Понятно, что разброс здесь колоссальный:

начинающие или просто непризнанные художники вообще ничего не зарабатывают, или получают за свои работы копейки, коммерчески успешные художники же — миллионы…

Смотрите, просто факты, чтобы вы лучше понимали, о чем идет речь:

• Суммарная стоимость картин Илья Кабакова — более $13 млн;
• Средняя цена картины Эрика Булатова — $210000;
• Картина Ильи Кабакова «Жук» была продана за $3,7 млн;
• Олег Целков продал 14 картин с мутантоподобными людьми на $5,5 млн.

То есть вывод здесь один: современные художники зарабатывают много, причем русские мастера сейчас уверенно входят в мировую элиту живописи. Их картины покупают олигархи, они попадают в частные коллекции, украшают выставки в Нью-Йорке, Лондоне и Москве.

То есть говорить про какую-то ущемленность мастеров из России, о которой любят поплакаться те, кто успеха не достиг, нельзя: те, кто находят свою аудиторию и работают, не покладая рук, есть и творчество, и самовыражение, и деньги.

Современное искусство позволяет художнику быть богатым… если составить формулу успеха для художника, то она выглядеть примерно так:

Мнение  Катерины Тейлор, арт менеджер

• «Мировой рынок искусства – это сегмент рынка роскоши, который предлагает уникальные вещи за большие деньги. Таковы правила… Однако откровенно заоблачные цены на аукционах не являются показателями всего художественного рынка, а лишь единичных предметов, которые не составляют и 5% этой индустрии. »

И, кстати, как насчет самовыражения? Продаётся ли сейчас то, что художник пишет «для себя», порыв души, а не «поденщина» и работа на заказ? Как выяснилось, продаётся.

Что приносит деньги мастерам?

Посмотрите на картины Олега Целкова. Согласитесь, сложно предположить, что такой тяжелый, авангардный стиль мог бы родиться из заказов или востребованности на выставках.

Вовсе нет, это — собственная находка, разработка художника, которую он взращивал долго, переживая при этом вынужденную эмиграцию, поиски своего стиля и сомнения в нём. И лишь потом, когда стиль выкристаллизовался, начались сенсационные продажи!

Картины Олега Николаевича Целкова

Кстати, мы сами создаем потребность той или иной вещи, товара или услуги. Покупатель часто сам не знает, что ему надо…. А креативный художник ему это подсовывает и смотрит, заглотнет крючок рыбка…. Или это действительно никому не надо…. Пока не надо. Всему свое время…

Так и многие другие современные художники продают картины, которые написаны действительно ими и от себя. Не скопированные пейзажи и городские парки……

И тем не менее, многие уже известные мастера живут заказами. Вот несколько отрывков из интервью с нынешними «резидентами» московских выставок и их ответы на вопрос о том, как они зарабатывают деньги:

• «Зарабатываю продажей картин, временами — росписями. Раньше где только не работал — и на автостоянках сторожем, и в игровых автоматах, лепку красил.» Иван Плющ, художник-монументалист
• «Преподаю в СПбГУ и международных институциях, периодически продаю работы…» Кирилл Шаманов
• «Меня кормит продажа картин через галереи и заказы.» Валерий Улымов, гиперреалист

Слева на право: Иван Плющ, Кирилл Шаманов, Валерий Улымов

И это — хорошо. Многие знаменитые мастера выполняли заказы — так зарабатывали Рембрандт, Рубенс, Микеланджело, Леонардо да Винчи и многие другие. Такие заказы — это своего рода первое соприкосновение художника с целевой аудиторией.

Именно оно даёт понимание того, что нужно людям и за что они готовы платить, и именно из него затем рождается произведение, в котором сочетается и идея мастера, и потребность покупателя. Но как я уже подметила ранее, потребность можно и нужно создавать, чтобы было больше разнообразия в искусстве.

Кстати о выставках современных художников… Я сама выставляюсь время от времени на выставках современного искусства. Обычно во Франции, где живу и творю.

Выставки в Монако и Ницце

Так на таких выставках выставляют свои работы не только французские художники и скульпторы… Много иностранцев, в том числе я встречала русских художников из России, Израиля, Украины. Чаще выставляют работы экстравагантные и не много шокирующие.

Тут еще важен, конечно, такой момент: не всегда востребованность художника эквивалентна его значимости для искусства.

Например, полагают, что картины Эрика Булатова востребованы не за свою художественную ценность, а как памятники советской эпохи. Тот же Никас Сафронов пишет очень дорогие портреты, но вряд ли кто-то всерьез считает, что его имя войдёт в историю живописи.

Пожалуй, именно по количеству и ценам продаж работ на аукционах, а не прямым заказчикам, можно говорить о том, насколько значим художник для своего искусства…

Мнение Катерины Тейлор, арт менеджер

• «Испытание временем прошли только лучшие произведения классиков. Большая же часть того, что создавалось, не представляла художественной и исторической ценности. Так что мы никогда не узнаем, насколько в действительности художники тех времен были плохи.
•  Эта же участь ждет и актуальное искусство. В истории искусств останутся только имена великих современных художников, которые действительно изменили ее ход. Таких, к примеру, как Роден, Бойс и Бэйкон.»

И ещё нюансы:

•  Практически все самые дорогие современные российские художники живут и пишут за границей… Отчасти это связано с тем, что в России нет такого количества ценителей современного искусства, которые готовы покупать картины за суммы, которых авторам хватит на жизнь. К тому же, сама публика ещё достаточно консервативна и современное искусство понимает слабо. И конечно, художественные школы на Западе развиты намного лучше, потому все молодые таланты в первую очередь пытаются уехать туда за знаниями и трамплином к успеху;

• Все успешные художники России немолоды…. Увы, но современное искусство требует опыта, мастерства и огромных инвестиций личных ресурсов, которых у молодого, пусть даже талантливого мастера нет. И очень редкие исключения лишь подчеркивают это правило.

Современные русские художники

Мнение Андрея Ковалева, арт-журналист

• «Бравым ребятам и девчатам, которые сегодня с пылом обсуждают результаты продаж на аукционах «Сотби» и «Кристи», скорее всего, придется долго скитаться по сквотам и питаться полезной овсянкой.»

Таким образом, можно составить портрет современного художника. Это человек, который сумел найти себя в мире разнообразия идей и возможностей, знает, что он хочет писать и как это нужно делать.

А успешный художник — это ещё и тот, кто нащупал ту грань, на которой его видение стыкуется с представлением о красоте у покупателя, а затем научился и смог эту красоту воссоздать на холсте.

Друзья, а что думаете Вы о современном искусстве и о современном художнике? Как по вашему мнению, обстоят дела в арт- индустрии России?  Оставляйте ваши комментарии внизу статьи.

Видео экскурсия по выставке современного искусства на лазурном берегу Франции в городе Канн/2017 год

Друзья, чтобы статья не затерялась среди множества других статей в паутине интернета, сохраните ее в закладках. Так вы сможете вернуться к прочтению в любой момент.

Задавайте ваши вопросы внизу в комментариях, обычно, я отвечаю быстро на все вопросы

Последние годы художника – ArtGeek

Крупная выставка в Музее Дж. Поля Гетти посвящена поздним годам Эдуара Мане – после его восхождения к известности в 1860-х годах и официального запуска импрессионистского движения в начале 1870-х.

Эдуар Мане (1832–1883) сегодня наиболее известен своими крупномасштабными картинами, которые когда-то были провокационными — картинами, бросившими вызов старым мастерам и академическим традициям и потрясшими весь французский художественный мир начала 1860-х годов. Однако в конце 1870-х и начале 1880-х годов он сместил акцент и создал другую, хотя и не менее радикальную, работу.

Мане и современная красота (до 12 января 2020 г.) включает более 90 более поздних работ Мане. Перед глазами множество стильных портретов, сочных натюрмортов, нежной пастели, жанровых сцен пригородных садов и парижских кафе, а также портреты любимых актрис и моделей, его знакомых буржуазных женщин, его жены и его друзей-мужчин. Работы искрятся настойчивым – может быть, даже вызывающим – чувством жизни. Многие знаковые картины маслом, в том числе недавно приобретенная Гетти Жанна (Весна) — а также пастели и интимные акварели дают свежий взгляд на этого вечно популярного художника.

Эдуард Мане, Четыре мандарина, ок. 1882 г.; Холст, масло 7 1/4 × 9 1/2 дюйма
Drs. Семейная коллекция Роберта Н. Майера и Дебры Э. Виз-Майер, Чикаго

---

«Мане — титан современного искусства, но большинство рассказов об истории искусства о его достижениях сосредоточены на его ранних и средних работах», — говорит Тимоти Поттс, режиссер. музея Дж. Пола Гетти. «Многие из его более поздних картин необычайной красоты, написанные на пике его художественного мастерства, несмотря на то, что он уже был поражен болезнью, которая привела к его ранней смерти». [Мане умер в 1883 году в возрасте 51 года. Долго страдая от осложнений сифилиса и ревматизма, в апреле ему ампутировали гангренозную левую ногу, и он умер через одиннадцать дней. ]

Ухудшение здоровья заставило его скорректировать свои рабочие привычки: в течение последних шести или семи лет его жизни его работы, как правило, были более интимными как по масштабу, так и по сюжету, сосредотачиваясь на модных сценах парижской жизни и стильных женщинах, а иногда и мужчинах, своего знакомого.

Эдуард Мане, Катание на лодках , 1874-75; Холст, масло 38 1/4 × 51 1/4 дюйма.
Предоставлено Метрополитен-музеем, коллекция Х. О. Хавемейера. работы являются ценным свидетельством элегантного круга общения Мане и предлагают радикально новое выравнивание современного искусства с модной женственностью при записи беззастенчивое объятие художника красотой и визуальным удовольствием перед лицом смерть.

---

Эта знаковая выставка разделена на пять разделов: Современная жизнь, Портреты эпохи, Проект «Времена года», Мане в Бельвю и Цветы, фрукты и сады .

Первой из них считается заметная персональная выставка 1880 года, когда Мане пригласили выставиться в галерее, связанной с La Vie Moderne , новым журналом о моде и культуре. Познакомив публику с его провокационными сценами в кабаре, баре и будуаре, а также с его пастельными портретами, эта выставка ознаменовала новое начало для Мане. В этом разделе представлены многочисленные работы, выставленные в галерее Vie Moderne.

Эдуард Мане, Кафе-Концерт , c. 1878-1879 гг.; Холст, масло,
18 5/8 × 15 3/8 дюйма. Художественный музей Уолтерса, Балтимор, Мэриленд,

Следующий раздел — Портреты эпохи — демонстрирует важность портретной живописи для личности Мане как художника современной жизни. . Он стремился не просто запечатлеть индивидуальные черты, он стремился уловить сущность своей эпохи, изображая репрезентативные социальные типы — например, шикарную парижанку или модного денди — в их различных способах одежды и поведения.

Читающая женщина , c. 1880–81, Эдуард Мане. Холст, масло, 24 1/8 x 19 15/16 дюйма
Художественный институт Чикаго, Мемориальная коллекция мистера и миссис Льюис Ларнед Коберн

Коллеги-импрессионисты Эдгар Дега и Берта Моризо. Использование этих сухих палочек чистого цвета не требовало таких же длительных и трудоемких студийных процедур, как масляная живопись, и примерно с 1878 года до своей смерти Мане нарисовал около 100 пастелей, подавляющее большинство из которых были портретами.

«В отличие от Тициана и Рембрандта — или, более того, его друзей Моне и Дега — Мане не дожил до того, чтобы выработать поздний стиль, но творчество его последних лет все же отличается от того, что ему предшествовало, характеризуется новой легкостью духа, палитры и часто прикосновения», — говорит Эмили Бини, заместитель куратора рисунков в Музее Гетти. «Мы видим новый интерес к акварели и пастели, что позволило ему работать быстрее, чем маслом. Но прежде всего мы видим новый интерес к улавливанию мимолетных удовольствий на лету, превращению непостоянного в постоянное.

Эдуард Мане, Портрет мадам Жюль Гийме , 1880 (дециал)
Холст, пастель, 21 9/16 × 13 7/8 дюйма. юная красота увядает; цветы вянут; и в этом смысле поздняя продукция — все эти хорошенькие девушки и цветы, все эти акварельные шляпы и сливы, нарисованные кистью на полях его писем, все эти яркие маленькие картинки — тоже о непостоянстве. Воспринимаемые как работа умирающего художника, они дают нам живое ощущение красоты, вырванной из пасти времени, красоты, объятой острыми физическими страданиями».

Мане задумал для своей Салонной картины 1882 года Жанна , которую он также называл Весна , первой в серии из четырех сезонов, каждый в образе стильной парижанки. Отвечая тенденциям современной живописи, популярной иллюстрации и модной рекламы, Мане модернизировал проверенную веками тему европейского искусства. Отказавшись от традиционных символических атрибутов (голубь для весны, опавшие листья для осени и т. д.), он сосредоточился исключительно на модели, ее шикарном наряде и декоративном окружении. Больше, чем вечные ритмы природы, главной заботой Мане был современный цикл моды. К сожалению, Мане так и не завершил свой сезонный цикл, написав всего Осень (1881 или 1882) после Весна .

Эдуард Мане, Осень (Мери Лоран) , 1881 или 1882. Холст, масло,
28 3/8 × 20 1/4 дюйма. Музей изящных искусств, Нанси, Франция. Фото: П. Миньо

На этой выставке впервые почти за сорок лет воссоединяются две картины. « Жанна имела для Мане безусловный успех у критиков, что делает его редким исключением в его карьере, полной скандалов, противоречий и разочарований», — отмечает Скотт Аллан, заместитель куратора картин в Музее Гетти. «Хотя он был омрачен Бар в Фоли-Бержер , его знаменитая компаньонка в Салоне 1882 года, Жанна занимает центральное место на нашей выставке, потому что он прекрасно олицетворяет всепоглощающий интерес Мане к моде, цветам и соблазнительной парижской женственности в конце его карьеры, который был абсолютно занимает центральное место в его концепции живописи современной жизни.

Стоит напомнить, что друг Мане Бодлер начал свое знаменитое эссе « Художник современной жизни » с раздела, озаглавленного « Красота, мода и счастье ». Для нас это идеальный эпиграф для Жанны и для этой выставки, которая подчеркивает страстные привязанности, мирские, чувственные и эстетические, больного художника, который умрет раньше времени».

Мане в Бельвю посвящен пребыванию Мане в курортном городе Бельвю в июне 1880 года, куда его отправили пройти курс купания, предписанный его врачами. Несмотря на то, что Мане был в сопровождении своей семьи, он быстро стал одиноким и устал от жизни в «деревне», как он ее называл, и начал заполнять поля своих писем друзьям и коллегам в Париже или на отдыхе на пляже в Нормандии. акварельные иллюстрации: сливы, кошки, цветы и так далее. В этом разделе находится самая большая группа украшенных акварелью букв Мане, когда-либо выставлявшихся за пределами Франции.

Письмо мадам Жюль Гийме, июль 1880 г., Эдуард Мане. Акварель поверх серого, 7 7/8 x 9 13/16 дюймов. Частная коллекция

Паралич левой ноги приковал его к квартире и мастерской; он больше не навещал друзей и не посещал кафе. Вместо этого к нему пришла жизнь в кафе, когда друзья и знакомые стекались в его студию, чтобы посплетничать и посмотреть, как он работает. Посетители приносили цветы, которые Мане обожал и рисовал.

Эти последние натюрморты являются одними из самых красивых картин в его творчестве, свидетельством его эволюции как художника до самого конца.

Моховые розы в вазе c. 1882, Эдуард Мане. Холст, масло, 22 x 13 5/8 дюйма.
Художественный институт Стерлинга и Франсин Кларк, Уильямстаун, Массачусетс

Последний раздел — «Цветы, фрукты и сады» — следует за последними годами его жизни. Поскольку здоровье Мане продолжало ухудшаться, живопись цветов, фруктов и садовых сцен все больше занимала его время. Последние два лета он провел за городом, отдыхая в Версале в 1881 году и в Рюэйле в 1882 году, где он рисовал сады своих арендованных домов и тосковал по Парижу.

Эдуард Мане, Дом в Рюэй , 1882; Холст, масло 36 9/16 × 28 15/16 дюйма
Национальная галерея Виктории, Мельбурн, Felton Bequest, 1926 г. Фото: Гарри Зоммерфельд

---

поздние работы художника в положительном свете, как эволюция его практики, заслуживающая серьезного внимания и вознаграждающая пристальное внимание. «В этих работах мы видим кульминацию стремления Мане назвать себя «художником современной жизни», как это сформулировано в эссе 1863 года его другом Шарлем Бодлером.
Критическая сила эссе Бодлера проистекает из переворачивания иерархий. Второстепенные жанры, маргинальные способы иллюстрации и преходящая мода занимают центральное место, заменяя пыльные академические представления об «идеальной» или «вечной» красоте. «Современная» красота, по Бодлеру, находила свою жизненную силу и характер в мимолетном, поверхностном и случайном. Мода была определяющей метафорой Бодлера для современности, и явная искусность женского туалета, в частности, предлагала неотразимую тему для нового поколения художников, страстно посвященных преходящей красоте современного города.
Бодлер назвал первую часть своего эссе «Красота, мода и счастье». Это, на наш взгляд, прекрасный и пронзительный девиз и для последних произведений Мане. Свежая, интимная и беззастенчиво красивая, поздняя работа демонстрирует его дерзкое объятие красоты и наслаждения зубами острых физических страданий.

The Iris, информационный бюллетень Getty

Мане и современная красота в Центре Гетти до 12 января 2020 года

Хммм…. может пора запланировать небольшое путешествие?

Музей Дж. Пола Гетти в Центре Гетти
1200 Getty Center Dr, Лос-Анджелес, Калифорния
310-440-7300

Изображение в заголовке: Эдуард Мане (Франция, 1832–1883), Жанна (Весна) , 1881 г.; Холст, масло 74 × 51,5 см (29 1/8 × 20 1/4 дюйма) Музей Дж. Пола Гетти, Лос-Анджелес, Калифорния

Art Things Improved – это блог о путешествиях по искусству для любителей искусства, созданный ArtGeek.art — поисковая система, позволяющая легко найти более 1300 художественных музеев, исторических домов, мастерских художников и садов по всей территории США.

В поисках красоты в современном искусстве

29 января 2016 г. от Рэйчел Муха Оставить комментарий

Хотя я все еще изо всех сил пытаюсь смириться со многими аспектами современной культуры, от Твиттера до SoulCycle и Кардашьян, один из моих самых насущных вопросов о 21-м веке касается современных искусство. Я бы солгал, если бы сказал, что не знаю, почему я так неохотно принимаю тренды популярного искусства 2016 года; Я приверженец старого искусства, с которым мои родители познакомили меня в детстве.

В отважном стремлении сделать меня более культурным, мои родители позаботились о том, чтобы я знакомился с такими произведениями, как Моне, Дега и Ренуар, с того момента, как я вышел из утробы. Моя семья всегда читала книги о художниках, ходила в художественные музеи или пыталась рисовать мелом на тротуаре.

Хотя я, к сожалению, по-прежнему неспособен рисовать что-то большее, чем посредственные фигурки из палочек, я компенсирую этот недостаток творческого таланта своей способностью ценить искусство — подсознательным развитием, которое произошло в какой-то момент в те ранние годы моей жизни. Вы выиграли, мама и папа.

Мое обожание вышеупомянутых художников — одна из причин того, что современное искусство часто не привлекает меня. Хотя я стараюсь не делать несправедливых обобщений, большая часть современного искусства, которое я видел на выставке, выглядит так, как будто оно было создано детсадовцем. В современном крыле Художественного института Чикаго, например, на видном месте выставлено «Цветение» Джулии Фиш, которое, по сути, представляет собой кусок холста, покрытый слоем краски цвета баклажана.

В центре той же комнаты выставлен большой синий куб, сделанный из того, что можно сравнить разве что с оргстеклом. Пожалуй, самой необычной работой является «Аналогия I (2da. Версия)» Виктора Гриппо, которая по сути представляет собой стол, заставленный картошкой, подключенной к электрическим кабелям.

Поначалу я с трудом мог поверить, что эти творения олицетворяют какое-то реальное мастерство или изобретательность по сравнению с замысловатыми и сложными произведениями, которые я всегда преклонял. Я задался вопросом, почему эти современные художники не взяли больше своих реплик от таких художников, как Ван Гог, чьи картины висят в галерее всего двумя дверями ниже.

По мере того, как я думал об этом больше, я начал задаваться вопросом, является ли наиболее художественным компонентом внешне упрощенных произведений современного искусства процесс открытия, который такая изобретательность вызывает у зрителей. Тем не менее, без подробных мазков и реалистичных фигур более традиционных картин и скульптур современное искусство предлагает ограниченное обучение, разработку или красноречие. Обычный кусок плексигласа или однотонный фиолетовый холст побуждают зрителей испытать метафорическое падение доверия и поверить, что художник оставил им что-то ценное под заниженным фасадом, который бросается в глаза на первый взгляд. Необходимая приостановка недоверия заставляет каждого человека, смотрящего на это произведение искусства, искать необычное в неожиданных местах.

Неоднозначность современного искусства также может быть наиболее эффективной для поощрения оригинальности интерпретации. Семь миллиардов версий мира гораздо сложнее визуализировать, чем семь миллиардов снежинок или отпечатков пальцев. Тем не менее, люди истолковывают вселенную совершенно по-разному. В своей абстракции современное искусство еще больше подчеркивает эти аналитические различия.

Полотно цвета баклажанов, выставленное в Чикаго, представляет собой наглядный пример. Группа людей, уставившихся на один и тот же монотонный холст, могла одновременно интерпретировать его как изображение цветущих фиалок, как воспоминание о любимом фиолетовом свитере их матери или как оду искусственному ароматизатору винограда (я не говорил, что каждая интерпретация должна быть одинаково глубокой, я сделал?).

В качестве контрфакта было бы довольно трудно отрицать тот факт, что подсолнухи в «Звездной ночи» Ван Гога изображают что угодно, но не мерцающие звезды, танцующие на покрывале цвета индиго с его весело кружащимися и в то же время определенными мазками. Таким образом, в то время как Ван Гог, возможно, вдохнул жизнь в статичный объект, безжизненное пурпурное полотно породило бесчисленные истории, каждая из которых стала ценной благодаря оригинальности зрителя.