Современная живопись: Современная живопись – купить картины лучших художников [Bizar]

Современная живопись — Профиль магистратуры — HSE ART

Александра Кузнецова

Координатор направлений «Коммуникационный дизайн», «Современное искусство», «Типография и дизайн книги», «Дизайн и реклама»

Леонид Бажанов

Руководитель направления «Современное искусство»

Пьер-Кристиан Броше

Людмила Алябьева

Академический руководитель аспирантуры

Александра Старусева-Першеева

Координатор направлений «История и теория дизайна и искусства», «Экранные искусства»

Екатерина Умнова

Руководитель профиля «Медиа-арт»

Никита Бугаев

Направление «Современное искусство», Направление «Саунд-арт и саунд-дизайн»

Руслан Будник

Направление «Современное искусство», Направление «Саунд-арт и саунд-дизайн»

Эмма Васильева

Направление «Театр. Перформанс. Ивент», Направление «Современное искусство»

Евгений Вороновский

Руководитель направления «Саунд-арт и саунд-дизайн»

Наталья Гаврилова

Направление «Анимация и иллюстрация», Направление «Современное искусство», Направление «Экранные искусства»

Владимир Дубосарский

Направление «Современное искусство»

Владислав Ефимов

Направление «Фотография», Направление «Современное искусство»

Александр Журавлев

Направление «Современное искусство», Направление «История и теория дизайна и искусства»

Тимофей Кайгородов

Направление «Современное искусство», Направление «Саунд-арт и саунд-дизайн», Технический офис

Сергей Кужавский

Направление «Современное искусство»

Дарья Кузнецова

Направление «Современное искусство»

Владимир Левашов

Направление «Фотография», Направление «Современное искусство», Направление «История и теория дизайна и искусства»

Диана Мачулина

Направление «Современное искусство»

Кирилл Преображенский

Направление «Современное искусство», Направление «Экранные искусства»

Ирина Сахно

Направление «Современное искусство», Направление «История и теория дизайна и искусства»

Арсений Сергеев

Направление «Современное искусство»

Евгений Фадеев

Направление «Современное искусство», Направление «Саунд-арт и саунд-дизайн»

Александр Шабуров

Направление «Современное искусство», Направление «Вариативы и авторские курсы»

Григорий Шмидко

Направление «Современное искусство», Направление «Саунд-арт и саунд-дизайн», Технический офис

Наталья Авдонина

Олег Буянов

Евгений Былина

Шота Гамисония

Владислав Генералов

Анна Графкова

Арман Гущян

Ильдар Зайнетдинов

Мария Зайцева

Николай Кашевник

Василий «Bvoice» Константиновский

Направление «Саунд-арт и саунд-дизайн»

Анна Костина (Филиппова)

Константин Аджер

Геннадий Курлаев

Антон Курышев

Игорь Макаров

Алексей Маслодудов

Александра Митлянская

Анна Михайлова

Екатерина Мордвинкина

Елизавета Морозова

Виктория Моторнюк

Алексей Наджаров

Анастасия Нефедова

Руководитель направления «Ивент-дизайн. Театр и перформанс»

Александр Носовский

Виктория Петренко

Игорь Попов

Наталья Рябчикова

Александр Сенько

Екатерина Сиверс

Оксана Симатова

Олег Сироткин

Артем Слесарев

Владислав Тарнопольский

Иван Твердовский

Творческий руководитель направления «Экранные искусства»

Марина Тимофеева

Вера Трахтенберг

Дмитрий Цветков

Мария Челоянц

Екатерина Ширшкова

Дарья Юрийчук

Современная живопись и многообразие арт-рынка

Приветствую вас друзья, подписчики и посетители сайта!

В предыдущей статье мы поговорили о современном искусстве в Целом, что это такое и с чем его едят.   В этой статье я бы хотела углубиться в исследование современной станковой живописи,  то бишь, что популярно и в каких стилях выражено.

Многие не понимают, зачем художники придумывают и создают картины в том или ином стиле. Ругают по чем зря современную живопись за непонятные обычному человеку творения, за бездуховность, китч и другие отрицательные моменты…

Тем не менее, разнообразие художественных тем и форм дают прекрасную возможность для развития  многим художникам! Сегодня существует даже Арт- направление, так сказать,  авторская живопись, по которой мы можем сразу узнать известного художника. 

Ведь если человек не ограничен рамками и требованиями, он может развиваться свободно, не оглядываясь по сторонам и не боясь каких-либо гонений… Благо в современном мире живем:)

 Критик и киносценарист Том Стопард сказал, цитирую: «Художником можно стать двумя способами. Первый: делать то, что все считают искусством. Второй: заставить всех считать искусством то, что делаешь ты»  Он говорил это не только про живопись, а про киноискусство тоже….. Нужно ли миру новое и современное, это другой вопрос, важно то, что покупают и несут домой:)

Современные художниками скорее всего относятся ко вторым,но не все к счастью! Такая свобода, а еще потребительский спрос на арт-рынке определяют основные пути развития современной живописи. Пройдет всего несколько десятилетий, и творчество художников нашего времени уже станет историей. Кто в нее попадет? А о ком забудут?

Кстати, на тему современного искусства я рассуждала в видео- обзоре на выставке современного искусства в Монако.  Предлагаю посмотреть и вам, там я не только брожу по выставке, а еще рассказываю немного о крошечном, но уютном княжестве на лазурном берегу средиземноморья.

Как наблюдатель актуальной живописи, могу отметить, что современные галереи переполнены разнообразными креативными творческими работами! Некоторые картины наших талантливых современников восхищают, дают стимул к дальнейшей работе и цепляют даже самого требовательного и утонченного зрителя.

Почитать статью о Современных Художниках 

Сегодня современная живопись развивается в различных стилях, количество Арт-направлений просто огромно! Часто они переплетаются и дополняют друг друга, а иногда из одного направления за несколько лет вырастает совершенно новое!

По моим наблюдениям, на выставках современного искусства живопись представлена разнообразно: можно найти работы импрессионистов и символистов, картины в стиле современного пуантилизма и абстракции. Но из всех направлений, по которым развивается изобразительное искусство, можно выделить пять основных:

• Фотореализм
• Поп-арт
• Абстракция
• Абстрактный экспрессионизм
• Минимализм

Подробно о самых главных современных тенденциях развития живописи.

Все мы видели картины в стиле Фотореализм, их еще называют Гиперреализм. Такая живопись очень похожа на фотографию. В своем творчестве художники- гиперреалисты используют фотоснимок и специальные технические средства для переноса изображения на холст. Но это не всегда, многие рисуют от руки, если рисунок придуман, то бишь, из головы.

Основная особенность стиля, это способ нанесения тончайших слоев краски. Надо сказать, что работа над картиной в гиперреализме — долгий и кропотливый художественный труд. И зачем нужен фотореализм в живописи, если есть фотография?- спросите вы.

В давние времена в картинах документировали разные события и людей, это понятно… но сегодня такой необходимости ведь нет? Ответ на вопрос у каждого гиперреалиста будет свой. Только замечу,  что чтобы нарисовать картину в этом стиле, художник должен обладать мастерством, терпением и иметь самодисциплину.

Не по наслышки знаю, что многие художниками этим набором не обладают… все спешат написать картину за 1-3 сеанса. Тем не менее, стиль настолько популярен, что за последние 40-45 лет он  не только не вымер, а все больше и больше художников пробуют свои силы в этом направлении!

На заметку: Фотореализм зародился в 70-е годы прошлого века, а в настоящее время интерес к нему только  возрос. Позже появилось новое направление, которое называется сегодня Гиперреализмом. Живопись современных художников, пишущих в этом стиле, поражает воображение зрителя идеальным совершенством и невероятной иллюзией реальности. Бывает, что даже трудно поверить в то, что это живопись на холсте, а не фотография, печать на бумаге.

А было ли у вас так, что когда смотришь на натюрморт художника-гиперреалиста, ощущаешь вкус и аромат изображенных фруктов, чувствуешь их текстуру и цвет? Может, это и есть главный стимул у художников, разбудить чувства и желания у зрителя? Еще более удивительными свойствами обладают гиперреалистичные портреты. Просто ощущение присутствия живого человека, с текущем медом по лицу, как на фото выше!

Живопись современных художников-гиперреалистов очень ярко представлена в творениях: Джоаккино Пассини, Алексей Антонов, Омар Ортиз, Камалки Лауреано, Грегори Тилкер, Томас Арвид. И великое множество других, не менее талантливых и успешных мастеров, написать обо всех просто невозможно!

Честно скажу, что гиперреализм мне очень нравится, но в художественном плане я к ниму не стремлюсь. Простой реализм мне тоже по душе, на фото внизу пример моих недавних картин с вином, виноградом и антиквариатом.

А яркие, сочные картины в стиле Поп арт, интерес к которым не пропал и сегодня, хотя он зародился в середине 20 века. Первооткрыватель стиля был предприимчивый Энди Уолхол.  Когда-то я о нем писала статью, очень забавный арт-персонаж, почитайте, если вы еще не знакомы с его творчеством.

Может вы не обращали, но Поп-арт прочно вошел в нашу жизнь, Он повсюду,……. Думаю, Энди Уорхол мог только предполагать такое развитие стиля поп-арт! Визитная карточка стиля- крупные объекты яркого насыщенного цвета. Такое многоцветие, часто в стиле комиксов с дополнительным коллажем. В любом случае, поп арт сильно узнаваем на выставках и в музеях современного искусства.

Наиболее яркие представители современного поп-арта: Кит Харинг, Рой Лихтенштейн, Джаспер Джонс, Уэйн Тибо. Картинка на фото внизу тоже многим известна, похожа на иллюстрацию из комикса, не правда ли?

По сути, так и есть… Просто Рой Лихтенштейн ранее занимался абстрактным экспрессионизмом, на том момент еще менее понятный для публики и …. мягко перекочевал в поп арт. Замечу, что происходило это более 60 лет назад, с Уорхолом они даже дружили. На фото внизу сам Рой Лихтенштейн на фоне своей работы.

Картины в стиле Абстракционизм мы все видели, описывать много не буду. Скажу только что, существует абстракция очень и очень давно. Например, орнаменты на древних артефактах- это абстракция, или всем известный «Черный квадрат» Малевича, тоже относится к этому стилю.

Но вот стиль Абстрактный экспрессионизм мало кто знает и тем боле понимает. Это такое движение художников, для которых основой их творчества является экспрессия, то бишь, выражение. Их техника – рисование в быстром темпе, большими кистями и на больших полотнах, капая красками на холст.  По их мнению, только таким образом можно добиться наибольшего выражения чувств и эмоций.

Родоначальник стиля был известный Джексон Поллок, скажу, что забавно наблюдать, как художник льет краску на холст, лежащий на полу:) Сегодня картины в этом стиле могут выглядеть и иначе, главное, абстрактно и импульсивно:)

А вот основная черта Минимализма или как его еще называют минимал-арта, как ни странно, простота форм изображения. В основном, на первом плане в картинах минималистов форма предмета, далее смысл картины передается при помощи цвета, линий, геометрических фигур и символов.

В восточной живописи, (японской и китайской), минимализм существует вот уже не один век. В основном рисовали рисунки тушью на бумаге, так как масляные краски стали активно применять в Европе только в 15 веке.

Тут возникает вопрос, кому  интересны картины в стиле минимализм? Ответ — Тому, кто любит уклад быта в этом стиле! Например, в Японии большинство интерьеров в домах в стиле минимализм. Нам, Европейцам понять и тем более жить в таких домах будет сложно, не комфортно что ли. Также и с картинами, а кто сказал, что искусство должно быть загружено разными объектами и пестрило многообразием цвета?

Художники минималисты в живописи часто используют «чистые», не смешанные краски, яркие и интенсивные. Иногда напротив, картины написаны в монохромной гамме. Главная черта — минимум объектов в картине.

Вывод:
1. Многообразие Арт-рынка сегодня на лицо, помимо того, что я отметила, существует еще и другие стили в современной живописи. Причем, некоторые из них нельзя отнести к какому- то определенному стилю. Не стоит забывать, что есть и авторские техники, менее известные и не раскрученные на Арт рынке.

2. Современные художники подчас имеют не меньше почитателей таланта, чем известные старые мастера. Эпоха интернета, в которой мы живем дает прекрасные возможности, чтобы картину увидели люди во всех уголках земного шара!

3. Уникальность современной живописи в том, что появилась возможность МИКСовать разные техники, добавлять классические приемы и импровизировать с ними. Так получаются новые интересные творческие  решения, например, смешанная техника живописи, когда на одном полотне применяются разные виды красок. Например, акриловая для фона и подмалевка, а затем масляная краска для живописи.

Эта тема мне особенно близка, так как я сама пользуюсь преимуществом смешанной техники. С одной стороны, кажется, что все давно придумано до нас, а с другой стороны, сломав старые стереотипы, можно найти новое решение. Внизу пример моей картины в смешанной технике с применением микс -медиа: папье маше, квадратные зеркала, стразы и витражная лаковая краска. О своих картинах в современном исполнении я рассказываю в видео внизу.

Несмотря на обилие выразительных средств, наиболее популярной техникой все также остается масляная живопись. Потому что масло открывает перед художником широкие возможности для выражения мысли, а также для творческих поисков.

Моя современная живопись выражается и в масляной технике тоже. Внизу на фото я пробую  написать натюрморт с вином и фруктами чуть иначе, чем в классических вариантах. Получается весьма интересно:)

Друзья, чтобы статья не затерялась среди множества других статей в интернете, сохраните в закладках. Так вы сможете вернуться к прочтению в любой момент.

Задавайте ваши вопросы внизу в комментариях, обычно, я отвечаю быстро на все вопросы

История современного искусства России, современная живопись России

Постсоветская (современная) российская живопись 

Многообразием контрастов сочетается лицо современного искусства в России. Начало XXI века — это тот некий переходный момент в истории искусств, когда происходит процесс переосмысления художественного наследия и намечаются линии дальнейшего развития изобразительного искусства. Мы живём в период, когда не только изживает себя уклад жизни прошлого поколения, но и как следствие меняется духовная составляющая. Люди и их мысли проходят своего рода обновление, и всё это является преддверием новой эпохи.
Роды новых идей, как и всегда в такие моменты истории, плодотворны, но как никогда явно выделяются среди имеющих художественный и идейный вес плодов, те, которые отражают неоднозначное, непривычное и подчас несерьёзное отношение художника к значению живописи, как к духовному поиску.

Возможно, бытующее мнение не вполне объективно и данный период стоит осмыслять только после полного его сформирования, ведь никто не исключает мысль о том, что живописи суждено стать чем-то другим и приобрести новое значение в лице концептуализма. Но это было бы неестественно для живописи, и вместе с этим большинство современных исследователей искусства говорят о том, что тенденции нового концептуального искусства, явившиеся очередным возрождением авангардной живописи начала XX века, являются разрушительными для продолжения линии “классической” живописи. По своей природе авангард отрицает традиции и тем самым губительно сказывается на роли «смысловой» живописи, в этом значении он предстаёт её врагом. Но само по себе мало изведанное, а значит, актуальное, авангардное течение отхватило себе часть нити истории развития живописи начала XXI века в образе концептуального искусства.

 

«Жречество» и «юродство» современной живописи

Помимо концептуальной линии выделяется и академическая. Поддерживает её Российская Академия художеств. Что касается второй институциональной структуры – Творческого союза художников России — то здесь более любопытная картина. Данная организация включает в себя большое количество художников, совершенно различных направлений живописи, какие только насчитывает наше культурное наследие, в том числе и деятели концептуального направления. Но так же и РАХ не провозглашает своей целью выпускать исключительно художников — академистов.
В таком “разношёрстном” мире современной живописи, не имеющем устойчивого фундамента и не объединённого общей идеей, в нашей стране тем не менее ясно сформировалось несколько направлений. Как называет два основных из них отечественный искусствовед Александр Якимович – “жречество” и “юродство”. Именно это “жречество” и питает надежды многих исследователей, художников и зрителей на будущее русской живописи.
В первое направление попадают современные русские художники, многие из которых ещё успели испытать на себе дух СССР. Эти мастера оставили нетронутой самую сокровенную суть живописи. Их полотна, пронизанные смыслом,  овеяны религиозным духом, дыханием древних сакральных образов, и теплом утопических идей. В их произведениях присутствует всё ещё философское воззрение на мир.

«Сашкин букет». Н. Нестерова. 2009

«Париж». Н. Нестерова. 2005

Такими являются поучительные творения Натальи Нестеровой — «Сашкин букет», «Париж». Наивностью своих изображений художница доносит до нас истину тщетности нашего бытия. Это не насмешка над бессмысленной деятельностью человека, но демонстрация человеческой недалёкости, которая может загубить всё то живое и глубокое, что в нас осталось. Эти идейные тенденции прослеживались ещё в её  ранних «маскарадных» произведениях.

«IX». Серия «Матриархат». О. Булгакова. 2007

 

«Возвращение блудного сына». Из цикла «Библейские эскизы». О.Булгакова. 2007

Древние немые образы Ольги Булгаковой, в страстном, пылающем колорите, обуревают сознание и взывают к праосновам наше существо. Серии «Матриархат» и «Библейские эскизы», а также другие работы О. Булгаковой — это прекрасный пример современной живописи маслом в экспрессивной манере, что лишь усиливает смысловой эквивалент произведений художницы.   Поистине можно считать достойным, чтобы называться шедевром, «Возвращение блудного сына». Лаконизм и выразительность форм, тлеющие фигуры, сцеплённые в порыве чувств. Здесь больше ничего и не нужно добавлять, этот образ передаёт любовь между ребёнком и родителем как она есть. Без какой-либо посредственности в картине воплощено то самое, подсознательное, что навсегда должно остаться беспрекословным в душе человека.  

 «Несущий». Серия «Город. Вход со двора». Д. Иконников. 2003

 

«В час раннего весеннего заката…». Из серии Петербургских работ. Д. Иконников. 2006

Неподражаем в передаче «мелочей» жизни Дмитрий Иконников. Требуется огромная сила воли, чтобы оторвать взгляд от его работ. Всё, что может уловить наше зрение, но пропустить сознание в будничный день запечатлевает художник. В его работах второстепенное нашей жизни выходит на первый план. У художника есть своя техника исполнения, благодаря которой каждое его произведение светится изнутри. Таким образом житейские моменты приобретают значение радостного, по-своему идиллического бытия, что можно увидеть в прекрасной серии работ, посвящённых Санкт-Петербургу, серии «Город. Вход со двора» и др.

 

«Всяк». А. Мосийчук. 2000

Особое впечатление вызывают и религиозно-мистические образы Анатолия Мосийчука. Через них мы можем причастица к сокровенной человеческой вере, к глубинам человеческой души и, подчас, неосвещённым, труднодоступным и неясным. Мастера иногда очень сложно понять. То, что он изображает не оговаривается словами, но считывается на интуитивном уровне. Например, картина «Всяк» представляет различных персонажей, а вернее сказать  призраков. И оттого они призраки, что не имеют индивидуальности. Хоть и имеют разные занятия, но не помогает им это сформировать в себе культурность, развить высокую духовность. Это души, которые никак не могут  обрести себя, и золотистый, дымчатый колорит, который характерен для произведений художника только подчёркивает эту мысль, мистический характер образов, которые так напоминают иногда возникающие внутри чувства у человека нашего времени.

«Мать и дитя». Л. Наумова. 2015

Лариса Наумова, как и предыдущие художники, проявляет свою любовь к примитивизму и наивности в исполнении. Её произведения отличает сочный, свежий, венецианский колорит, а сюжеты и персонажи не так просты, как предстают на первый взгляд. Часто религиозно-символические, а иногда кажущиеся бытовыми, сцены в её произведениях всегда наполнены высоким смыслом. В картине «Мать и дитя» поднимается тема любви в самом искреннем и чистом её проявлении, для этого художница прибегает к переосмыслению иконографии Мадонны с младенцем, тем самым превращая любовь в святыню. Помимо прочего творчество Л. Наумовой гармонично соединило в себе академическую школу и свободную технику.

«Титаник». Серия «Кукольный театр». А. Ситников. 2010

Совершенно экстравагантно творчество Александра Ситникова, на котором оставило неизгладимое впечатление Советское время. В своих произведениях художник выходит за грань сознательного, что можно увидеть в серии картин «Concerto», «Кукольный театр» и др. Стоит признать, что его творчество в каких-то моментах ближе к концептуальному,  так как идея у него стоит выше самой живописи.

 

Современное концептуальное искусство в живописи

Второе течение, которое выделяется на пёстром фоне современного мира изобразительного искусства — это в большей мере концептуальное направление. Как уже было сказано выше, большинство исследователей и ценителей живописи неодобрительно относятся к таким веяниям. Художников этого направления называют сомневающимися в ценностях живописи. В своих работах они прибегают к  уничтожению живописи с помощью самой живописи.

«Падение Икара». О. Ланг. 2012

Олег Ланг — один из основателей этого течения, один из первых «сомневающихся». Если до 2000 года в его работах можно было увидеть наполненность, неприкасаемую священность, то в более современных картинах мы можем наблюдать распад идейной целостности, полотна стали носителями пёстрой дисгармонии («Падение Икара»).

«Античный мальчик». О. Кошляков. 1995

Валерий Кошляков преподносит часто мастерские решения в плане изобразительности и техники исполнения. Но его произведения объединены одним замыслом —  насмешка над теми, кто боится разорвать связь с традициями. Это отчётливо передаёт серия «Коллажи» («Античный мальчик»), в которой заключается идея беспрекословных общепризнанных ценностей, но которые настолько неустойчивы, что распадаются на глазах и вот-вот вовсе рухнут в небытие.

«Завтрак на траве». И. Лубенников. 2013

Иван Лубенников — художник-монументалист — доводит живописные качества своих работ до такой крайности, что они становятся похожи на декоративные плакаты, суть живописи в них теряется («Завтрак на траве»).

 «Иоанн». К. Худяков. 2008

Константин Худяков подобно И. Лубенникову хочет сбежать от живописи. Художник работает в стиле цифровой живописи, особенности которой также ломают живописные устои. Нашему глазу уже не понятно, живопись ли то, что изобраено. С другой стороны визуальные возможности превосходят иллюзионизм «классической» картины («Иоанн»).

 

Альтернативная современная живопись

Так называемая альтернативная живопись – эта третья линия развития. Из известных художников России к ней относятся Владимир Дубосарский и Александр Виноградов, которые работают с 1994 года в дуэте. Как говорят сами художники: «Мы не классические художники-живописцы. Наш метод — поток» И действительно, их живопись отличается отсутствием наболевшего, а тем более возвышенного. Очень часто они берут части известных произведений и связывают их каким-то чересчур праздничным, вакханальным шумом. В этом плане их живопись пуста, как и работы тех, кто следует в том же направлении («Триумф титанов эпохи Возрождения»).

«Триумф Титанов эпохи Возрождения”. Дуэт Дубосарский — Виноградов. 2009

 

Две последних тенденции в живописи современных художников можно объединить под знаком безразличия к духовным исканиям. Такие течения заставляют опасаться за будущее живописи и как следствие за  духовное воспитание человека. Многообразие жанров, техник и стилей рождает огромную массу работ различных по качеству и смыслу. Сейчас среди картин современных художников  не часто можно встретить что-то выдающееся, но если такое происходит, то вряд ли их творчество останется неоценённым подобно произведениям Н. Нестеровой, О. Булгаковой, Д. Иконникова, Л. Наумовой и др.   

 

 

Современная живопись картины знаменитых художников Contemporary Art

Блейк Питер
Бэкон Фрэнсис
Голд Уильям
Джонсон Гай
Исачев Александр
Паркес Майкл
Перлстайн Филип
Рихтер Герхард
Фишл Эрик
Фрейд Люсьен и другие художники см по тексту

Современное искусство (англ. contemporary art, иногда в качестве синонима используют определение актуальное искусство), – искусство, созданное в недавнем прошлом и в настоящее время. С течением времени актуальность когда-то современного искусства становится достоянием истории. На данный момент времени к категории contemporary art относят произведения, созданные в период с 1970-х годов по нынешний день. Историю развития новых направлений искусства ХХ столетия можно разделить условно на два больших этапа.

Это – модернизм (modern art) – искусство от эпохи импрессионизма (начиная приблизительно с 1880 года) до 1970-х годов и современное искусство – от 70-х прошлого века до настоящего времени. 1970 год является поворотным пунктом в истории искусства по двум причинам. Первое – это год возникновения терминов «постмодерн» и «постмодернизм». Во-вторых, 1970 год – последняя веха, до которой художественные движения было относительно легко классифицировать. Если сравнить количество художественных направлений в период до 1970 года и после, то легко заметить, что во времена модернизма их было значительно больше. И это не смотря на то, что художников, работающих в данное время больше, а арсенал средств и технических возможностей шире. Еще одной особенностью искусства последних 30-ти лет является его социальная ориентированность, гораздо более ярко выраженная, чем во все предыдущие эпохи.

В русском языке используется также термин «актуальное искусство», который во многом схож, но не тождественен по смыслу термину «современное». Под «актуальным» участники художественного процесса в России подразумевают новаторское искусство (в плане идей и/или технических средств). Актуальное искусство быстро устаревает, становясь частью истории искусства 20-го и 21-го столетия. Во многом участники арт-процесса в России наделяют определение «актуальное искусство» смыслом, которое в свое время приписывалось авангардизму (новаторство, радикальность, использование новых техник и приемов).

Течения и направления в современном искусстве

1950-е годы
Абстрактный экспрессионизм (Abstract Expressionism)
Лирическая абстракция (Lyrical Abstraction)
Нью-Йоркская школа (New York School)
Bay Area Figurative Movement
New York Figurative Expressionism

1960-е годы
Вашингтонская школа (Washington Color School)
Концептуальное искусство (Conceptual Art)
Минимализм (Minimalism)
Наративное искусство (Figuration Narrative)
Нео-Дада (Neo-Dada)
Оп-арт (Op Art)
Перформанс (Performance Art)
Поп-арт (Pop Art)
Реализм Нуво (Nouveau Realisme)
Хеппенинг (Happenings)
Компьютерное искусство (Computer Art)
Живопись жестких контуров (Hard-edge painting)

1970-е годы
Боди-арт (Body Art)
Видео-арт (Video Art)
Гиперманьеризм (Hypermanierism)
Неоэкспрессионизм (Neoexpressionism)
Поп-сюрреализм (Lowbrow)
Постминимализм (Postminimalism)
Соц-арт (Land Art)
Трансавангард (Trans avant-garde)
Феминизм (Feminist Art)
Фотореализм (Photorealism)
Флуксус (Fluxus)

1980-е годы
Апт-арт (Appropriation Art)
Граффити (Graffiti Art)
Демосцена (Demoscene)
Масс-сюрреализм (Massurrealism)
Неогеометрический концептуализм (Neo-geo conceptual Art)
Неоконцептуализм (Neo-conceptual Art)
Нео-поп (Neo-pop Art)
Новые дикие (Nouveau Fauves)
Свободная фигуративность (Figuration Libre)

1990-е годы
Видеоигровое искусство (Videogame Art)
Вэб искусство (Internet Art)
Молодые британские художники (Young British Artists)
Новая лейпцигская школа (New Leipzig School)
Стакизм (Stuckism)
Тоизм (Toyism)
Bitterism

2000-е годы
Искусство взаимоотношений (Relational Art)
Софт-арт (Software Art)
Стрит-арт (Street Art)
Суперплоскость (Superflat)
Фанизм (Funism)
Ви-Джей (VJ Art)

Современное искусство в нынешнем своем виде сформировалось на рубеже 1960-70-х годов. Художественные искания того времени можно охарактеризовать как поиск альтернатив модернизму (зачастую это выливалось в отрицание через введение прямо противоположных модернизму принципов). Это выразилось в поиске новых образов, новых средств и материалов выражения, вплоть до дематериализации объекта (перформансы и хеппенинги). Можно сказать, что произошел сдвиг от объекта к процессу.

Самыми заметными явлениями рубежа 60-х и 70-х годов прошлого века можно назвать развитие концептуального искусства и минимализма. В 1970-х заметно усилилась социальная направленность арт-процесса как с точки зрения содержания (тем, подымаемых в творчестве художниками), так и состава: самым заметным явлением середины 70-х стал феминизм в искусстве, а также нарастание активности этнических меньшинств (1980-е) и социальных групп (например, «искусство аутсайдеров»). Конец 70-х и 80-е годы 20-го века охарактеризовались «усталостью» от концептуальности и минимализма и возвратом интереса к изобразительности, цвету и фигуративности (расцвет таких движений как «Новые дикие»).
На середину 80-х годов 20-го столетия приходится время подъема движений, активно использующих образы массовой культуры – кэмпизм, искусство ист-виллиджа, набирает силы нео-поп. К этому же времени относится расцвет фотографии в искусстве – все больше художников начинают обращаться к ней как к средству художественного выражения. На арт-процесс, начиная с 80-х, большое влияние оказало развитие технологий – видео, аудио, компьютеров и интернет – это существенно расширило палитру средств, используемых художниками.

Абстрактный экспрессионизм (abstract expressionism) – школа (движение) художников, рисующих быстро и на больших полотнах, с использованием негеометрических штрихов, больших кистей, иногда капая красками на холст, для полнейшего выявления эмоций. Экспрессивный метод покраски здесь часто имеет такое же значение, как само рисование. Начальная фаза движения – абстрактный сюрреализм (abstract surrealism) появилась в 1940-е, под влиянием идей Андре Бретона, ее основными приверженцами были американские художники Ганс Хоффман, Аршиль Горки, Адольф Готлиб и др. Особый размах движение получило в 1950-е годы, когда во главе его встали Джексон Поллок, Марк Ротко и Виллем де Кунинг.

Поп-арт (англ. pop art, сокращение от popular art – популярное, общедоступное искусство; второе значение слова связано со звукоподражательным рop – отрывистый удар, хлопок, шлепок, то есть производящее шокирующий эффект) – направление в изобразительном авангардистском искусстве 1950–1960-х годов, возникает как оппозиция беспредметному абстракционизму и знаменует переход к концепции нового авангардизма, «раскрывает эстетические ценности» образцов массовой продукции: потребительские товары (банка супа), персонажи новостей (Мао Цзэдун) или кино (Мэрилин Монро). Образ, заимствованный в массовой культуре, помещается в иной контекст: изменяются масштаб и материал; обнажается приём или технический метод; выявляются информационные помехи и др.

Поп-арт приходит на смену абстракционизму, ориентируясь на новую образность, создаваемую средствами массовой информации. Поп-арт характеризует яркий и контрастный колор. Представители поп-арта провозгласили своей целью «возвращение к реальности», но реальности, уже опосредованной масс-медиа: источником их вдохновения стали глянцевые журналы, реклама, упаковка, телевидение, фотография. Поп-арт вернул предмет в искусство, но это был предмет, не опоэтизированный художественным видением, а предмет нарочито бытовой, связанный с современной индустриальной культурой и, в особенности, с современными формами информации (печать, телевидение, кинематограф). Новые технические приемы, позаимствованные из промышленного дизайна и рекламы: фотопечать, использование диапроектора, включение реальных предметов, способствовали как «обезличиванию» индивидуальной творческой манеры художника, так и «раскрытию эстетической ценности» образцов массовой продукции. Поп-арт зародился в Англии; наибольшей известности достигли американские и французские художники. Сходные направления появились в Италии, Германии, а также в СССР. В качестве обозначения советского аналога поп-арта иногда используют термин «соц-арт». Наиболее яркие представители поп-арта: Энди Уорхол, Роберт Раушенберг, Питер Блейк, Алекс Кац, Рой Лихтенштейн, Эд Руша, Том Вессельман, Роберт Индиана.

Фотореализм (photorealism) – направление в живописи, возникшее в США в конце 1960-х, а затем распространившееся в 1970-х годах в Европе. Термин, тем не менее, преимущественно применяется по отношению к работам американских фотореалистов конца 1960-х – начала 70-х годов. Слово «фотореализм» было придумано Луи Мейзелем (Louis Meisel) в 1968 году, а впервые опубликовано – в 1970 году в каталоге Музея Уитни для выставки «Двадцать два реалиста». Другое название фотореализма – Гиперреализм.

Фотореалистичная живопись невозможна без фотографии. В фотореализме изменение и движение должно быть заморожено во времени, которое скрупулёзно должно было быть представлено художником. Фотореалисты собирали свои образы и информацию при помощи камеры и фотографий. Обычно снимки делались на слайд, а затем переносились на холст. Это делалось при помощи проецирования слайда или с использованием сетки. Результат был копией фотографии, но обычно гораздо ярче оригинала.
Первое поколение американских фотореалистов включало таких художников как Ричард Эстес (Richard Estes), Ральф Гоингз (Ralph Goings), Чак Клоуз (Chuck Close), Чарльз Белл (Charles Bell), Джон Баедер (John Baeder), Одри Флэк (Audrey Flack), Дон Эдди (Don Eddy), Роберт Бештле (Robert Bechtle), Том Блэквэлл (Tom Blackwell), и Ричард МакЛин (Richard McLean). Дуэйн Хансон (Duane Hanson) и Джон ДеАндреа (John DeAndrea) были скульпторами, чье творчество связывают с фотореализмом, благодаря раскрашенной очень натуралистичной скульптуре, изображающей обычных людей.

Подъем фотореализма был в середине 1970-х, но в начале 1990-х интерес к жанру возродился. Это возобновленный интерес связан как с художниками «первого поколения» фотореалистов, так и с более молодыми. С новыми технологиями возможности художников расширились. Американские художники-фотореалисты: Скотт Прайор (Scott Prior), Уильям Коттон (William Cotton), Мэл Рамос (Mel Ramos), Хило Чен (Hilo Chen). Многие известные молодые фотореалисты — европейцы: Рафаэлла Спенс (Raphaella Spence) – англичанка, живущая в Италии, Бертран Мениель (Bertrand Meniel) во Франции, Роберто Бернарди (Roberto Bernardi) и Чиара Албертони (Chiara Albertoni) в Италии, Бернардо Торренс (Bernardo Torrens) в Испании, Тони Брунелли (Tony Brunelli) в Нью-Йорке и Клайв Хэд (Clive Head) в Великобритании. Художники и скульпторы современного искусства

Советская и современная живопись — Музей имени М. А. Врубеля

Коллекция живописи XX века насчитывает около двух тысяч произведений отечественных художников 1910–2000-х гг. и в своем составе имеет следующие разделы:

• Московская школа живописи 1910–1990-х гг.;
• Ленинградская школа живописи 1910–1990-х гг.;
• Искусство автономных республик и республик СССР;
• Сибирское искусство;
• Искусство Омска 1910–1990-х гг.

Первые поступления произведений отечественного искусства XX в. шли из московского и ленинградского отделений Государственного музейного фонда в 1925 и 1927 гг. (А. Архипов, Н. Крымов, П. Мансуров, С. Нагубников).

Абовян Р. А. Концерт. 1978, Холст, масло

В 1932 г. в коллекцию музея вошли произведения живописи художников Москвы и Ленинграда из собрания омского Художественно-промышленного техникума им. М. А. Врубеля, в том числе пейзажи А. Рылова, А. Тюлькина, В. Федоровича.

Коллекция живописи отражает характерные особенности развития советского изобразительного искусства. Редкими примерами авангардного искусства 1910-х гг. являются «Супрематическая композиция» П. Мансурова и «Супрематическая композиция» неизвестного художника.

Яркие поиски и достижения искусства 1920-х гг. отражают произведения А. Архипова, А. Лентулова, А. Осмёркина, Н. Крымова, П. Кончаловского, А. Рылова, Г. Ряжского, А. Самохвалова, П. Соколова-Скаля, Е. Чепцова, Н. Чернышева, М. Яковлева.

В 1930-е гг. созданы пейзажи Н. Симонович-Ефимовой, В. Крайнева, монументальные портреты передовиков производства, выполненные С. Дымшиц-Толстой, натюрморты М. Гранавцевой, Е. Коровай, А. Ромма, портреты современников работы В. Лебедева и А. Лебедева-Шуйского, монументальная композиция П. Вильямса «Октябрьские дни» и др.

Моисеенко Е. Е. Портрет скульптора В. Л. Рыбалко. 1958, Холст, масло

Художественное наследие 1940-х гг. в собрании музея отражают произведения московских художников Л. Аронова, Н. Глущенко, А. Нюренберга, Б. Васильева (Суходольский), В. Мешкова, Н. Денисова, Б. Неменского, П. Крылова и М. Куприянова (входивших в авторский коллектив Кукрыниксы), Н. Ромадина, Н. Шифрина. Московская школа живописи достаточно полно представлена и в других временных периодах: 1950-е гг. – портреты В. Ездакова, В. Ефанова, жанровые композиции К. Максимова, Е. Самсонова, В. Нечитайло и Б. Яковлева; 1960-е гг. – пейзажи Е. Зверькова, В. Иванова, Ю. Кугача, В. Стожарова, В. Сидорова, портреты и жанровые работы П. Оссовского, В. Попкова, В. Игошева, Ю. Пименова, Ф. Решетникова; 1970-е гг. – композиции и пейзажи Э. Браговского, В. Брайнина, О. Булгаковой, В. Гаврилова, Н. Нестеровой, А. Ситникова, И. Старженецкой.

Нестерова Н. И. Лестница. 1982, Холст, масло

Искусство Ленинграда 1960–1970-х гг. представлено целым рядом ярких имен – Е. Моисеенко, А. Мыльников, В. Ватенин, Г. Егошин, Р. Ермолин, Р. Карклин, Я. Крестовский, А. Левитин, Г. Песис, В. Токарев, Н. Тимков, Ю. Тулин, В. Тюленев, Б. Угаров.

История сибирского искусства отражена в полотнах художников разных поколений, работавших в различных жанрах – Н. Чевалков, Н. Смолин, В. Рогаль, Т. Ряннель, Б. Ряузов, А. Поздеев, А. Костовский, И. Наседкин, Г. Новикова, Н. Рыбаков.

Особый раздел составляют произведения мастеров республик Советского Союза – Армении, Белоруссии, Грузии, Казахстана, Латвии, Молдавии, Таджикистана, Узбекистана, Украины, Эстонии, частично приобретавшиеся в мастерских художников. Основная часть работ поступила из Министерства культуры СССР в 1950–1990-е гг.

Стожаров В. Ф. Новгород. 1970, Холст, масло

Наиболее полно представлено искусство Армении. Это классики армянского искусства – М. Сарьян и Е. Кочар, признанные живописцы М. Асламазян, Д. Налбандян, Л. Бажбеук-Меликян, Ф. Мирзоян, Р. Атоян, А. Папикян и др. Национальное своеобразие грузинской живописи предстает в полотнах В. Маргиани и Р. Тордии. Среди мастеров Средней Азии – имена туркменских художников Х. Хушвахтова, В. Боборыкина, З. Хабибуллаева, А. Хайдарова, узбекских мастеров Н. Кашиной и У. Тансыкбаева. Хранит музей и работы латвийских художников. Среди них жанровые композиции, портреты и натюрморты мастеров нескольких поколений – М. Гольц, И. Заринь, Я. Анманис, Д. Симсоне, автор проекта национальной валюты Латвии Я. Струпулис. С пейзажной живописью Украины и Белоруссии знакомят работы Ф. Захарова, В. Бялыницкого-Бирули и В. Цвирко.

Наиболее значителен в численном отношении раздел искусства Омска. В нем сосредоточены полотна живописцев, живших и работавших в нашем городе. Это представители авангардного и реалистического направлений в искусстве 1920-х гг. – В. Уфимцев, С. Фельдман и И. Волков; мастера реалистической живописи старшего поколения – К. Белов и А. Либеров, К. Щекотов, В. Волков; художники-шестидесятники Н. Брюханов, Н. Третьяков, Г. Штабнов, В. Кукуйцев и многие другие мастера, составившие яркую картину омской живописи.

ЖИВОПИСЬ ОМСКА XX – XXI веков. Каталог

Современная живопись

Этот выпуск нашей передачи будет посвящен современной живописи с христианской точки зрения. У нас в гостях: искусствовед, художник, заведующий отделом газеты «Иностранец» Никита Алексеев, Леонид Бажанов, художественный руководитель государственного Центра современного искусства; и Алексей Сосна, директор музея, зверевского Центра современного искусства. Все люди, причастные именно к живописи и ее истории.

Дело вот в чем: уже на протяжении нескольких месяцев активно в прессе и, к сожалению, даже в судебных помещениях обсуждают происшествие в музее Сахарова. Тут на выставке «Осторожно, религия» пришли некоторые очень верующие православные люди и разгромили часть экспонатов, причем именно те, где использовались христианские символы, христианская тема. Пожалуй, самое эмоционально убедительное объяснение, убедительное не в том смысле, что снимаются все возражения, а в том смысле, что начинаешь понимать, как могли люди решиться на агрессию, сводилось к тому, что: а если бы фотографию вашего отца или, для большей эмоциональности, фотографию вашей матери посторонний человек у вас бы на глазах, скажем, мазал какими-то нечистотами, и вы бы это выдержали бы, спустили бы? Мне кажется, здесь обсуждать особенно нечего относительно допустимости тех или иных действий. Если фотография моя, принадлежащая мне, с ней никто не имеет право ничего делать, даже если эта фотография (прости, Господи!) порнографическая. Если эта фотография чужая, купленная человеком за его деньги — все, это его собственность и никаких резких телодвижений предпринимать нельзя. Закон защищает право верующих на многое, в том числе на наши религиозные чувства, чтобы их уважали? Пожалуйста, защищает закон, значит обращаться к представителям закона в подобных конфликтах, а отнюдь не к своей мускулатуре. Теперь, собственно, о сути. Потому что многие люди, которые не пойдут вообще в музей и уж, тем более, не пойдут с агрессивными намерениями, тем не менее, прочтя о чем-то подобном, пожмут плечами и скажут: наверное, громить не стоит, но, а в чем смысл этого современного искусства? Смысл искусства: у тебя был отец — закажи живописцу его портрет, чтобы он висел на стенке. Если у тебя не хватает денег на протрет, а это важная черта искусства — оно дорогое, и чем оно лучше, тем оно дороже, закажи фотографию и повесь на стенку — вот искусство. А делать из фотографии своего родителя или чужого предмет для каких-то идеологических развлечений, разве это искусство, разве Рафаэль этим занимался? Зачем тогда все то огромное культурное наследие, которое нас восхищает? И вот мой вопрос к людям, которые в искусстве разбираются получше моего, а некоторые из них и верующие. Прежде всего, зачем именно современное искусство, условно скажем, последних ста лет так часто от изображения мира, возвышенного, красивого обращается к тому, что нормальный человек, обычный человек воспринимает как надругательство над миром, не только над своими святынями, просто над тем, что тебе близко, что твое родное.

Никита Алексеев: Вы задали вопрос, конечно, весьма сложный, на который, боюсь, я никак ответить не смогу. Здесь я только могу усомниться, что искусство… Впрочем, мы должны уточнить, какое искусство, мы говорим только о европейском искусстве — это одно, если мы говорим об искусстве Дальнего Востока…

Яков Кротов: Это передача «С христианской точки зрения», мы говорим об искусстве христианского ареала, там, где звучало Евангелие, и где в течение веков художники и общество определяли свое отношение к живописи, прежде всего христианским идеалам, и где высшей разновидностью живописи была живопись религиозная, изображающая Христа.

Никита Алексеев: В этом случае, боюсь, мы сильно обедняем разговор, потому что говорить только об одно ареале — это значит не упомянуть другие ареалы, которые не менее важны для человеческой культуры. А далее мы можем упереться в какой-то длинный разговор, почему уже по меньшей мере с 16-го века, во всяком случае в западноевропейском искусстве религиозная тематика постепенно теряет и теряет приоритетную роль.

Яков Кротов: Почему, как Вам кажется?

Никита Алексеев: Поскольку я не являюсь богословом, не являюсь историком религии, более того, меня можно отнести к агностикам, я не считаю себя христианином.

Яков Кротов: Но как историк искусства?

Никита Алексеев: Я могу выдвинуть только одну гипотезу, что либо христианство постепенно теряет какой-то мировоззренческий вес, либо христианство меняется, приобретает другие очертания.

Яков Кротов: Спасибо. Слово Леониду Бажанову, директор государственного Центра современного искусства.

Леонид Бажанов: Я думаю, что религиозные приоритеты в изобразительном искусстве не были всегда искусству присущи. Кроме того, искусство было и дорелигиозным, во всяком случае дохристианским искусством, и послехристианским искусством, если говорить, что часть человечества, разумного человечества отказалась от христианских убеждений. Ничего страшного в этом нет для агностиков, для атеистов. Искали импульсы творческие и идеологические вне христианства, в других религиях, в других верованиях, в других знаниях. Мир расширяется, усложняется, он не становится, может быть, лучше, но он отказывается от определенных догматов. Во всяком случае, часть населения, европоцентристское или средиземноморского ареала уходит в другие поиски.

Яков Кротов: Я тогда чуть-чуть сужу свой вопрос, адресуя его Алексею Сосне, сотруднику Центра современного искусства имени Зверева. Да, пожалуйста, секуляризируйтесь, отходите от христианства, ищите другие какие-то веры или не ищите никакой веры. Но почему же тянет именно на христианскую тематику неверующих людей? Упомянем простейший пример, один из самых свежих скандалов и, для спокойствия, не русский. Итальянский скульптор создал статую Папы Римского, упавшего в результате падения метеорита. Был большой скандал, знаменитый польский актер Ольбрыхский ворвался в варшавскую галерею с саблей из киношного обмундирования, и устроил там рубку. А Ольбрыхский — это человек весьма культурный.

Алексей Сосна: Вы задали, на мой взгляд, очень важный вопрос. Основная задача художника, мне кажется, это выяснение границ возможного. По поводу того, как художник реагирует на окружающую действительность, написаны сотни книг, все биографии этим проблемам посвящены. Ребенок разбрасывает игрушки и смотрит на реакцию окружающих взрослых, и таким образом выясняет в каком-то своем микромире состояние общества, что можно, что нельзя, что можно опрокинуть, какую книжку можно порвать и так далее. Художник (это, может быть, не единственная его функция, но в том числе и это) осуществляет какие-то акции спорного характера. А кто, собственно, требует от художника бесспорного искусства?. Художник — выясняет! Это не провокация, как пытаются зачастую это представить, это просто попытка очерчивания окружающего пространства. Какие черты ему свойственны, какими функциями оно обладает, какими полномочиями наделено?

Яков Кротов: Спасибо. Один звонок у нас есть и, причем, если я правильно понимаю, художник. Прошу вас, вы в эфире, представьтесь.

Слушатель: Художник Павел Смирнов. Я очень рад этой беседе. Дело в том, что я с вами согласен, но хотел бы только одного: мне очень больно за то, что иногда, когда поэт больше чем поэт, лучше все-таки экономист, а поэты все-таки вторичны. Все.

Яков Кротов: Спасибо большое. Еще один звонок. Прошу вас.

Слушатель: Добрый день. Это Владислав из Москвы. Я режиссер по профессии, и как бы, находясь на шестом десятке лет, я, наверное, имею право судить и рассуждать на эту тему. Я к чему говорю? На мой взгляд, вопреки мнению вашего собеседника, простите, не успел запомнить имя, искусство всегда изначально было религиозно. Это можно отследить по любому произведению искусства. Глубоко религиозно или не глубоко религиозно — это уже вопрос другой, но одухотворено религиозностью оно было всегда. Я христианин и, наверное, могу говорить и о том, что, к сожалению, практика христианства и практика церкви в разные времена, в разных эпохах и разных церквей, она неадекватна. В данном случае можно вести речь только о том, что, к сожалению, возрождение Русской Православной Церкви, Московского патриархата связано с пришествием большого количества некультурных людей.

Яков Кротов: Спасибо, Владислав. Я думаю, что само понятие культуры тоже настолько нуждается в определении, что кого-то называть некультурным, означает брать на себя очень большую ответственность. Беда как раз в том, что искусство изначально религиозно. И когда нам говорят: а если бы изображение вашего собственного отца? Ведь вспоминается, что большая часть религий, известных истории, человечеству — это почитание предков. Культ предков. Римские маски мертвых и бюсты, то, что наполняет музеи всей Европы в огромном количестве, это же остатки религиозного культа. Китайский культ мертвых… Но христианство совсем другая религия, она не стоит на культе мертвых, она стоит на почитании Воскресшего. И в этом смысле христианин не очень-то и боится мертвого, для него мертвый — это такой же человек, как и он. И там, где древний человек лепил бюст предка, чтобы его замаливать, умащивать, и предок не мешал жить (примерно, как сегодняшний школьник умасливает живых родителей), там христианин иногда довольно смело выносит суждения о своих почивших предках.

Если вернуться к проблеме современного искусства, искусства классической Европы, христианской средневековой, если угодно, оно призвано прежде всего участвовать литургически в жизни, то есть оно призвано возобновлять завет с Богом, оно призвано вновь и вновь каждое воскресенье, каждую мессу, литургию показывать, что есть христианская вера. Особенно это ярко в католической традиции, где изобразительное искусство это катехизис, Библия для неграмотных, не можешь читать — посмотри. В православии это, конечно, тоже есть. Современное искусство, насколько я понимаю, ищет нового смысла. Художник — это творец, который должен создать, подобно Богу, что-то, чего не было.

Но опять я по тому же кругу попробую пройти, первый пусть попробует ответить

Никита Алексеев: какой новый смысл возникает, когда человек берет оклад с иконой Спасителя, сидящего на престоле, и предлагает, как это было на некоторых выставках, человеку заглянуть с той стороны оклада и как бы поставить себя на место Спасителя? Ведь в храме это будет воспринято как кощунство, но какой смысл художественный в этом действе?

Никита Алексеев: Отец Яков, мне очень трудно отвечать на этот вопрос, повторяю, я не православный, не христианин, поэтому мне трудно гадать на тему богословскую.

Яков Кротов: Вы скажите за художника.

Никита Алексеев: За художника мне говорить тем более трудно, потому что я не знаю, что у него было в голове. Я могу сказать, что эту работу считаю, как искусствовед, как арт-критик, весьма слабой, она мне неинтересна. Она вторична, похожего было очень много.

Яков Кротов: Тогда тем более интересно, а почему такая странная, с моей точки зрения, попытка что-то изобразить и так распространена? Я думал, что это уникальный случай, а если это многотиражно — чего людей так тянет на это дело?

Никита Алексеев: Единственное, что я могу предположить, хотя еще раз повторяю, я не знаю, что было в голове у автора, он это сделал из лучших побуждений. Возможно, речь шла как раз об обожении, что каждый человек несет в себе зерно святости. Возможно. А, возможно, это глупость, воспоминание о старых фотоателье, где фотографировались таким образом на фоне какого-то роскошного кавказского пейзажа с пальмами и синим небом.

Яков Кротов: Спасибо. Всякое сомнение главный принцип современного права толкует в пользу обвиняемого, в данном случае художника. И тогда, если можно, я задам Леониду Баженову вопрос так: есть знаменитый портрет Папы Римского кисти Рафаэля, и есть не менее знаменитая в культурном мире серия, вариация на тему этого портрета английского художника 20-го столетия Френсиса Бэкона. Вариация сделана так, что как будто бы на одно полотно плеснули серной кислотой, на другое азотной, потеки, деформации. И это, собственно, мне кажется, одна из характерных черт, которая бросается в современной живописи — деформация. Есть Рафаэль, зачем такие вариации? Хотя лично мне почему-то нравится, но я не могу сформулировать, почему. Можете ли вы сформулировать, почему такая живопись привлекает и пользуется спросом и дорога, кстати, и есть ли в ней позитивный смысл духовный?

Леонид Баженов: Я думаю, что в хорошем искусстве всегда есть позитивный смысл, связано оно с религиозной тематикой или не связано. Сама интенция искусства — это создание позитивного смысла, даже если ходы к этому позитивному смыслу идут через некоторую серию негативов. Искусство не отменяет критику. Критическими, аналитическими и деструктивными стратегиями пользуются, во всяком случае, на протяжении последних ста, думаю, что и больше лет. Стратегия деформации, стратегия испытывания реальности, натуры во имя позитива восходит и к импрессионизму, импрессионизм — это тоже позитивистская деформация. Вообще, когда мы говорим о реализме и реалистическом искусстве, непонятно, где ставить точку — это середина 19-го века, это 20-й век? О какой реальности мы говорим: о реальности видимой, реальности, мнимой, реальности вожделенной, реальности религиозной и так далее? Я не думаю, что есть какая-то единая в сознании современного человека, есть какая-то единая реальность, безусловная и неопровержимая.

Яков Кротов: Спасибо. У нас есть звонок в студию. Слово слушателю.

Слушатель: Добрый вечер. Николай. Яков Гаврилович, сначала я выскажусь по поводу выставки.

Яков Кротов: Если можно, о современной живописи.

Слушатель: Надо все-таки различать так называемое современное искусство и искусство вообще. Современное искусство, как некий род деятельности очень узкой группы лиц, которые работают сами на себя, очень герметичной, которые обслуживают друг друга, создают мнимые ценности, деятельность, для которой не нужно ни образования, ни таланта.

Яков Кротов: Спасибо, Николай. И в этой связи мой вопрос Алексею Сосне. Во-первых, вопрос личный: как верующего человека, православного, вас не оскорбляет то, что многих оскорбляет? И, пожалуй, более существенный: да, современное искусство деформирует реальность, но ведь и иконы деформируют реальность, причем совершенно сознательно, принципиально изображают мир не таким, каков он есть. И надо сказать, многое в отношении к современному искусству, искусству деформации, искусству перфоманса, искусству, которое паразитирует на уродстве, идет через путь шока, агрессии, многое в этом отношении зеркальное отражение поведения тех самых ультрасовременных художников. Если мы говорим, что современный художник необразован, а что — Андрей Рублев был очень образованный? Он духовной академии не кончал в виду ее отсутствия в 14 веке. Наоборот, высокий уровень образованности был у художников 19 столетия, которые в христианской живописи больших высот не достигли.

Алексей Сосна: Известный искусствоведческий термин конца 20-го и перешедший в 21-й век «грязное искусство, чистая душа» определяет современное искусство, как это ни парадоксально звучит, как искусство религиозное. С моей точки зрения, внерелигиозного искусства не существует вообще. Будь то самый радикальный художественный жест, будь то перфоманс, так нелюбимый в основном отечественной публицистикой, художник по сути своей, уподобляясь демиургу, творцу, он в своем истинном значении религиозен. Другое дело, какому Богу он служит, какая религия его занимает, в данном контексте я религией могу назвать и атеизм в том числе. И такой радикальный художественный жест, я говорю вообще, не имея в виду конкретно какого-то художника, является определенным образом формой исповеди. Если человек воцерковлен, он каким-то образом связан с церковными институтами, эта форма для него происходит на службе, накануне церковной литургии. Если художник не имеет такой возможности или имеет в виду определенным образом художественно выступить, то вряд ли возможно его осуждать за то, что свои весьма часто негативные эмоции он выплескивает в виде своих собственных произведений, он от этого не становится хуже.

Яков Кротов: Спасибо, Алексей.

Этот выпуск нашей передачи посвящен живописи, тому ее разделу, который стремится шокировать зрителя, который часто использует символы зрителю, созерцателю дорогие, может быть, и святые. Часто неверующие художники используют христианские символы не для того, чтобы выразить свое отношение к святыне, и не для того, чтобы обругать, а просто используют, как сказал один из участников сегодняшней передачи, как ребенок использует кубики для сооружения своей модели мира.

У нас сегодня не все гости православные, верующие христиане, есть агностики, но ведь речь идет о том, что объединяет всех людей, о том, что человек ищет не только Бога, он ищет человеческое внутри себя. Часто поиск Бога, Творца соединен с поиском человеческого. И вот в начале 20-го столетия Николай Бердяев из православных мыслителей, из католиков можно упомянуть Хосе Ортега-и-Гассета, говорили о дегуманизации как первой черте современного искусства. Как можно так показывать мир, что человеку в этом полотне страшно, холодно? Поэтому, может быть, в современные музеи художественные люди не очень-то ходят? Потому что пойдешь смотреть на Рафаэля — согреешься, а пойдешь смотреть на мир, в котором все перекошено и кажется слегка безумным явлением, и отнюдь не согреешься.

У нас есть звонок. Слово слушателю.

Слушатель: Добрый день. Можно два вопроса задать? Анатолий Евгеньевич меня зовут. Я с большим уважением, так же, как все мое семейство, слушаем ваши передачи, они всегда умны, они всегда на высоком уровне проходят, и вообще это большая радость. Я сегодня вынужден попробовать сделать вам упрек: зачем Вы, Яков Кротов, пригласили людей, не сведущих в том предмете, который вы затронули? Вы затронули взаимоотношение живописи и религии, а люди вам сознаются, что они представления не имеют о религии.

Второй вопрос: я твердо уверен, что эта выставка проведена была намеренно в музее Сахарова с единственной целью — опорочить память Сахарова.

Яков Кротов: Спасибо, Анатолий Евгеньевич. К сожалению, я, наверное, слабый человек, плохой верующий. Всю веру, которая у меня есть, я отдаю Богу. Я не берусь решать и читать в сердцах других людей, зачем они сделали это, зачем они сделали то, я могу только позавидовать человеку, у которого хватает веры на то, чтобы верить в то, что вот это сделано с таким-то злым умыслом, а вот это с таким-то злым умыслом. Что до сегодняшних гостей, то среди них есть и православные люди. Но что мы будем смотреть в паспорт, в графу регистрации, когда последний раз исповедовался и крестился? Мы идем к дантисту, мы не спрашиваем его о вероисповедовании, мы спрашиваем друзей, больно было ли, и хорошо он вылечил. Так и математика, физика, так, простите, и искусство. Я считаю себя историком Церкви, тем не менее, четко знаю, что в искусстве я человек невежественный, а вот наши сегодняшние гости, может быть, не богословы и не историки Церкви, это уж точно, но они знают искусство, некоторые из них имеют реальный духовный опыт.

Ведь дело в чем: верующие мы в течение краткого мига нашей жизни, ну 70, ну 80 лет. Но взаимоотношениям искусства и христианства тысячи лет. Простейший пример: в начале 16-го века во Флоренции сожгли одного бедолагу, игрока, который, выйдя из кабака, бросил грязью в изображение Пресвятой девы и произнес какое-то кощунство. Его сожгли, а грязь присохла в виде звезд, и до сих пор это изображение сохраняется, вокруг построили церковь. Значит, вместо того, чтобы стереть грязь, загрязненное изображение сделали предметом молитвы и публичного показа. В сущности это как раз то, что в современном искусстве, насколько я понимаю, вообще просто обрадовались бы и сказали бы — перфоманс, вот это готовое искусство, художник не напрягался, а ляпнул краску хвостом макаки и получилось дивное художественное полотно, за это не сжигать надо, а в музей, вперед. Между тем, в наше время часто люди просто могут взять и на художественное полотно посадить навоз и тут же изображение Божьей матери, делают это сознательно, были и такие случаи. Как, Никита Алексеев, которому, бедному, приходится признаваться в том, что он агностик, хотя, по-моему, это совершенно замечательно, что есть еще простор, где проповедовать Христа, чем вы объясняете подобные тенденции в современной живописи? Зачем нужно на изображении Божьей матери помещать навозную лепешку?

Никита Алексеев: История, вами рассказанная, про этого несчастного итальянца, мне нравится, несмотря на то, что я не могу себя считать верующим человеком, но она меня очень трогает, на самом деле замечательно, что потом это стало чтимой святыней. Возможно, вполне плохо сделанная статуэтка Богоматери с прилипшим навозом…

Яков Кротов: Во Флоренции в 16 веке плохо не могли рисовать.

Никита Алексеев: Вы знаете, в основном осталось хорошее, остальное пропало. Что касается современного, да была такая история, это было года четыре назад. Была выставка в Лондоне, в которой участвовали самые знаменитые английские современные художники. И был такой художник Крис Офели, по-моему, нигерийского происхождения. Он выставил картину — образ Богоматери, нарисованный в африканском стиле, а вокруг не то нимб, не то оклад из сухих лепешек коровьего навоза. В Лондоне все это было принято абсолютно нормально. Потом выставка поехала в Нью-Йорк, там случился страшный скандал, мэр Нью-Йорка закрыл выставку, пытался отказать в финансировании музея. Надо сказать, что скандал этот привел только к тому, что цены на работы Офели подскочили очень сильно, и все только обрадовались. И вот эта история мне нравится куда меньше, чем история из Флоренции 16-м веке. Это такая скучная история о современной культуре.

Яков Кротов: О преуспевании художника.

Никита Алексеев: Хотя, возможно, Крис Офели сделал все честно, не думая о деньгах, а думая об африканской душе, еще о чем-то.

Яков Кротов: И все-таки, что-то это дополнило в историю живописи или это история коммерции?

Никита Алексеев: Это долгий разговор. Я не думаю, что именно эта работа Криса Офели является очень большим достижением в современном искусстве. Это одна из работ вполне проходных, вполне стандартных.

Яков Кротов: Сама такая техника, в чем ее смысл?

Никита Алексеев: Он-то говорил, что он это сделал отнюдь не из кощунственных соображений, а потому что навоз у него в Нигерии — это то, что дает жизнь, в сущности, им удобряют, из него строят дома, им топят жилища и так далее.

Яков Кротов: То есть, что у нас нефть, то у них навоз. Замечательно! У нас звонок в студию, слово слушателю.

Слушатель: Здравствуйте. Меня зовут Илья, я иконописец из Москвы. Позвольте мне сказать свои какие-то мысли насчет особенности поиска свободы в современном искусстве. Мне представляется, что здесь речь идет о вопросе свободы, и идеал свободы в христианстве — это свобода в отрицательном смысле, свобода от зла и заблуждения, а не в положительном, как возможность делать что угодно. И уход от догматов — это он ослепляет ищущего человека. Потому что в христианском Богословии догматы диалектичны, запрещают запрещать (Вы, отец Яков, сможете объяснить в случае чего), и они наделяют человека способностью искать не на ощупь. Мне кажется, возврат к диалектике догмата может освободить искусство, страдающее логицизмом аристотелевским, начиная от рационализма Возрождения, кончая антирационализмом, как оборотной стороной его же, в авангарде и в современном искусстве.

Яков Кротов: Илья, можно один вопрос? Вы сами работаете в манере иконописной, которая ближе к какой школе и какому времени?

Слушатель: Я работаю скорее в манере комнинского искусства Византии.

Яков Кротов: То есть где-то 12-13 века? Спасибо большое. Я думаю, что на этот вопрос я предоставлю ответить не скрывающему своей православности Алексею Сосне, директору Центра современного искусства. От себя только замечу, что это традиционное противопоставление в искусствоведении, в истории искусства аристотелевского искусства и искусства платонического. Аристотель — плохо, оно фотографическое. «Христа Спаса пишут яко жидовина», как говорил протопоп Аввакум в 17-м веке. А искусство платоническое оно все надмирное, оно условное, оно знаковое, и вот оно настоящее. Поэтому многие люди, скажем, те иконы, реальные иконы, которые украшают многие московские, петербургские храмы, да хоть и Елоховский собор в стиле европейской живописи 19-го столетия не считают иконами. Но наши деды и прадеды молились перед этими иконами, и кто же бросит в них лепешку навоза?

Алексей Сосна: На мой взгляд, надо, наверное, вернуться к этому, уже ставшему притчей во языцех, слогану «прогресса в искусстве не существует». Вся история формирования и развития человеческого сознания находится в гигантском диапазоне между благодатью и богоборчеством, между иконопочитанием и иконоборчеством. Так устроен мир. Вечная память тем, кто снискал благодать Божью. По словам преподобного Серафима Саровского, в этом и есть цель христианской жизни, именно сникание благодати Духа Святого. Но кому-то и, может быть, очень многим, не нам об этом судить, не удается и не удастся никогда, но, тем не менее, эти люди не перестают быть членами общества. Я сейчас хотел бы сказать о том, что искусство всегда находится в некотором волнообразном состоянии. Если мы возьмем живопись средних веков до Возрождения, самый простой пример может быть Босх или голландец Мандейн, знаменитая работа его в Эрмитаже «Легенда о святом Христофоре», то мы увидим, что там ничего прекрасного, конечно, там есть прекрасное, но там чудовищные образы, страшные символы апокалипсиса и так далее.

Яков Кротов: Это то, о чем говорил Достоевский, что, глядя на чрезмерно натуралистическое распятия, можно и веру потерять. Но ведь люди молись перед такими религиозными изображениями и веры отнюдь не теряли. Что срабатывает в контакте живописного образа и созерцающего?

Алексей Сосна: Те работы, о которых говорил я, они все-таки не иконы, у них уже самостоятельная функция — создание некоторого визуального ряда с каким-то смыслом, зачастую сакральным.

Яков Кротов: Эйзенхаймский алтарь — это же сугубо визуальный образ, вот этот страшный кровоточащий Христос.

Алексей Сосна: Собственно, художник, создающий такой образ, не погрешил против истины, Христос действительно страдал, и я думаю, что последние минуты Спасителя на кресте были чудовищны.

Яков Кротов: Спасибо. Я напоминаю, что история изображения распятий прошла очень длительный путь от изображения Христа как царя в длинной рубахе, который как будто прислонился к кресту, до изображений Христа страдающего отчаянно. Как, видим, и в русской православной традиции утвердился образ Спасителя как бы парящего на кресте. И кто знает, кому перед каким распятием молиться? Я думаю, это чрезвычайно по-разному.

У нас есть звонок. Слово слушателю.

Слушатель: Добрый день. Во-первых, я хочу присоединиться к мнению, которое было высказано, о том, что идеология — это разновидность религии и, наоборот, религия — это разновидность идеологии. Хотел бы в связи с этим напомнить высказывание Достоевского, который сказал, что социализм — это то же христианство, но только без Бога. Поэтому искусство, оно, безусловно, отражает и идеологические воззрения художника, и его эстетические взгляды. Если говорить об эстетических взглядах, то сейчас, по-моему, очень агрессивно распространяется эстетика безобразного — такое направление в искусстве, когда грязь смешивают с прекрасным и обыгрывают тонкости их взаимоотношений. Поэтому, когда демонстрируется навоз на иконе, то это, с одной стороны, и идеологические взгляды художника, и его эстетическое представление.

Яков Кротов: Спасибо. Отвечать тогда директору Государственного Музея современного искусства.

Леонид Бажанов: По правде говоря, я не услышал здесь вопроса.

Яков Кротов: Зачем это надо?

Леонид Бажанов: Я думаю, искусство, хорошо это или плохо, сейчас времени нет выяснять, но искусство уже сто лет, как освободилось от такой безусловной задачи, что необходимо делать что-то сейчас и полезное, как, например, критический реализм в 19-м веке. Написать собор точками, разными цветами — что это? Это возвеличивание Бога или это экспериментальное упражнение живописца или это визуальные поиски, связанные с научными, техническими, оптическими открытиями того времени? Трудно сказать. Но художник этим интересуется, художник дотрагивается до новых возможностей и начинает их эксплуатировать, ими пользоваться. Постепенно художники, процесс эволюции, творческих поисков приводит иногда к таким критическим и радикальным жестам. Таким жестом можно считать и «Черный квадрат» Малевича, таким жестком можно считать и упомянутого здесь замечательного английского художника Офели, который был в этом году представлен в английском павильоне на Венецианской биеналли. К таким же жестам можно признать и опыты, и поиски наших современных русских художников.

Яков Кротов: Спасибо. У нас есть звонок в студию, слово слушателю.

Слушатель: Здравствуйте. Георгий Николаевич, Подмосковье. Я бы хотел высказать тревогу относительно тенденций в современном искусстве, в так называемой продуктивной культуре и продуктивном образовании. Продуктивность рассматривается как цепляющая, и человек, чтобы был продуктивный, он должен быть легко цепляемый. А искусство цепляющее противоположно христианскому бодрствованию, оно убивает бодрствующего человека, зато делает его продуктивным. Это противоречие, к сожалению, прозвучало в Эрмитаже, если помните, когда президент сказал: «Мне шофер посоветовал, чтобы делать такие картины, такие произведения, которые бы цепляли». Как современный Голливуд.

Яков Кротов: Спасибо большое. Георгий Николаевич в любой нашей передаче всегда скажет замечательно. Я думаю, что тут слово «цепляли» неожиданно хороший перевод латинского слова «провокация». Дословно переводить на русский — это «воззвание, вызов». «Ты меня воззвал к жизни», говорит псалмопевец в Священном писании. И, пожалуй, творение человека не прекращается, вся наша жизнь — это вереница таких вызовов. Можно сказать, что современное искусство принимает на себя эту провокативную функцию, оно это открыто декларирует, собственно, это не секрет, провокация — как метод цепляния. Но разве это плохо? Разве это противоречит православной идее бодрствования? Ни в коей мере. Мне кажется, наоборот. Человек склонен засыпать, и время от времени нас надо как-то приподымать. Другое дело — как? Традиционное искусство, особенно церковное, оно тяготеет к вечному материалу. Если статуя, то в 20 метров из мрамора, гранита и это на века, пирамида на века. Даже Рафаэля, Микеланджело стараются сохранить навсегда. Современное искусство склонно к мимолетности. Как на какой-нибудь художественной выставке человек переоденется во что-нибудь, с колокольчиками побегает, позвякает, что-нибудь покричит, похоже на шамана, а это, тем не менее, произведение искусства, причем, неповторимое. Вот эта мимолетность особенно ценится тем, что второй раз такое воспроизвести нельзя. Это не то, что икона, которая как бы предполагается, что каждая икона Богоматери воспроизводит ту мифическую, которой, конечно, не было, которую написал сам евангелист Лука с Матери Божьей. Людям важно, чтобы образ был вечен, а это только различные подобья, но они точные подобья. Для современного искусства прямо наоборот и этим, я думаю, оно вступает в конфликт с христианским сознанием. Вот это столкновение мимолетности, уникальности с вечным и абсолютно повторяемым, как повторяется литургия, один и тот же иконостас всюду и прочее. Что нового прибавляет вот эта мимолетность и неповторяемость искусства, как способу, мягко скажем, обращения с миром?

Алексей Сосна: Апостол в Соборном послании, если помните, сказал: «О, если бы ты был холоден или горяч, но так как ты тепл…», дальше идет негативная оценка того члена церкви, о котором он высказывается. Вот художник в нашей ситуации всегда или холоден или горяч. И то, что он холоден сегодня с православной, иной христианской точки зрения, на самом деле находится тоже в традиции, поскольку Павел прежде, чем стать апостолом Павлом, был Савлом. И эту способность покаяться и весь свой пламень, я не побоюсь использовать слово «богоборчество», он может впоследствии употребить во славу Христову. Не нам судить этого художника.

Яков Кротов: Спасибо. У нас есть звонок. Слово слушателю.

Слушатель: Здравствуйте, отец Яков. Вас беспокоит игумен Вениамин из Петербурга. У меня вопрос ко всем такой: в современном искусстве нет канонов, никакого канона нет, поэтому мы не можем отличить искусство от просто хулиганства. Что ваши гости могут сказать по этому поводу?

Яков Кротов: Спасибо. Никита, как отличить хулиганство от искусства?

Никита Алексеев: Я начну с того, это моя точка зрения, что искусство мне тем и интересно, что оно принципиально для меня не имеет точного определения. Это не способ познания и способ сознания. То есть, слава Богу, что искусство неопределимо, если бы оно было определимо, оно мне было бы абсолютно неинтересно. Но я согласен отчасти с игуменом Вениамином в том, что в современном искусстве трудно понять границу между искусством и не искусством, я бы не употреблял слово хулиганство, искусством и не искусством. Не искусство — это не всегда хулиганство, согласитесь, может быть вполне приличное поведение. Но, конечно, для профессионалов, каковым я все-таки более или менее себя могу считать, какие-то критерии понятны.

Яков Кротов: Человек, допустим, сфотографирует своих родителей в каком-нибудь неприглядном виде и станет с этим бегать по музеям, мыслимо или как?

Никита Алексеев: Мыслимо абсолютно.

Яков Кротов: Это бывало?

Никита Алексеев: Я думаю, что да. С фотографиями родителей бегали по музеям, я не помню, но, думаю, что бывало, не исключаю. Дело в том, мне кажется, простейший ответ: если что-то происходит в пространстве искусства, обозначенном как пространство искусства, то есть музей художественный или где-то еще, то, видимо, это искусство, приходится с этим согласиться. Плохое или хорошее — это второй вопрос, дальше можно обсуждать в конкретном случае.

Яков Кротов: Замечательно. Недавно выступил с интервью такой философ и, насколько я понимаю, философ искусства Борис Гройс, к сожалению, живущий сейчас не в России. И он как раз указал, что способ определять искусство как то, что происходит в сфере искусства, в физическом пространстве музея, он ведь имеет христианские корни. Я процитирую Гройса: «Христос — первая фигура, выглядевшая как обычный человек, тем не менее, он был объявлен Богом, что вызвало в античном мире шок. Природа и структура этого шока такие же, как у современного искусства. Многие жалели прежних Богов, жалели об их прекрасных руках и крыльях. Прошли века, и выяснилось, что Иисус Христос победил». Но у этой победы Христа над античным великолепием есть, как мы видим, некоторые обратные стороны. Не остановить ли такой процесс? Мой вопрос Леониду Бажанову, руководителю государственного Центра современного искусства: на ваш взгляд, что доминирует в современном искусстве — использование христианских символов или секуляризация, прохождение мимо них? Потому что у вас фонды приличные, в Центре общественного мнения прежде всего скандальные. С точки зрения объективной, процент, который занимает христианская символика в современной живописи?

Леонид Бажанов: Я думаю, что секуляризация имеет очень большой вес, но обращение к религиозным и христианским символам также значительно. Но оно значительно, скорее, в прошлые десятилетия, в 60-70-е годы, во всяком случае, в русском искусстве, в русском модернизме, нежели в современном искусстве сейчас здесь. Были художники, довольно известные, выставлявшиеся на Малой Грузинской, которые обращались к христианской тематике, к христианской символике, иногда очень жестко и шокирующе для зрителей, для публики, но потом перешедшие просто в лоно церкви.

Яков Кротов: Все-таки живопись — это прежде всего искусство видеть. К сожалению, слишком часто, говоря о живописи, мы говорим не о живописи, об идеях, о догматах, о художниках, о поведении, но мы не видим того, что нам пытаются показать. И здесь, конечно, в защиту современного искусства может быть лучше всего сказал божественный Спаситель: «Горе вам, ибо, имеете очи видеть, не видите». Не видите не то, что показывает художник, а вы видите свое мнение об этом. Дай Бог, чтобы мы научились видеть именно то, что показывает художник.

Проверка

Просмотр искусства и см. Аналогичные матчи

Поизуальный поиск

Категория

AllPaintingSphotographyDrawingsNew-MediasculptureCollageprintmakingDigitalinStallationVideo

---

Filter (1). до низкой

РекомендуемаяДата включения: от новой до старойЦена: от низкой до высокойЦена: от высокой до низкой

---

Ищете ли вы оригинальную современную картину или высококачественную художественную печать, Saatchi Art предлагает более 6

оригинальная современная картина от начинающих художников со всего мира. Read more

---

---

Filter

Category

AllPaintingsPhotographyDrawingsNew-MediaSculptureCollagePrintmakingDigitalInstallationVideo

---

Modern

Abstract

Fine Art

Abstract Expressionism

Expressionism

Figurative

Minimalism

Impressionism

Conceptual

Pop Art

Realism

Portraiture

Art Deco

Surrealism

Illustration

Street Art

Cubism

Photorealism

Folk

Documentary

Dada

Show More

---

Subject

Abstract

Пейзаж

Портрет

Цветы

Животные

Люди

Женщины

Природа

Натюрморт

Seascape

Nude

Cities

Fantasy

Architecture

Cartoon

Body

Geometric

Botanic

Celebrity

Beach

Love

Pop Culture/Celebrity

Erotic

Culture

Мужчины

Музыка

Популярная культура

Интерьеры

Дерево

Вода

Автомобиль

Мировая культура

Graffiti

Children

Fashion

Garden

Horse

Classical mythology

Food

Religious

Outer Space

Boat

Fish

Religion

Calligraphy

Places

Political

Mortality

Антенна

Кошки

Дом

Еда и напитки

Семья

Собаки

Выкройки

Театральное искусство

Light

Travel

Humor

Sailboat

Sport

Time

Automobile

Seasons

Cinema

Comics

Rural life

Kids

Science

Sports

Science/Technology

Типография

Язык

Политика

Здоровье и красота

Технологии

Судно

Бизнес

Велосипед

Cows

Cuisine

Wall

Airplane

Kitchen

Aeroplane

Yacht

Transportation

Education

Train

Motorcycle

Bike

Motorbike

Motor

Show More

---

Medium

Акрил

Масло

Чернила

Акварель

Краска

Аэрозольная краска

Gesso

Digital

Color

Pastel

Paper

Pencil

Gouache

Marker

Charcoal

Enamel

Graphite

Tempera

Resin

Household

Airbrush

Wood

Fabric

Wax

Гипс

Черно-белый

Металл

Мел

Текстиль

Фото

Шариковая ручка

Латекс

Manipulated

Found Objects

Conte

Plastic

Stencil

Glass

Full spectrum

Fiber

Vector

3D Sculpting

Neon

Screenprinting

Stone

Clay

Environmental

Monotype

Энкаустика

Папье-маше

Желатин

Мозаика

C-тип

Ксилография

Перенос краски

Marble

Algorithmic Art

Crayon

Bronze

Lights

Silverpoint

Timber

Steel

Ceramic

Photogram

Interactive

Engraving

Fractal

Leather

LED

Aquatint

Каучук

Стекловолокно

Травление

Линогравюры

Платина

Полароид

Звук

Kinetic

Robotics

Lithograph

Granite

Drypoint

Pottery

Giclée

Lenticular

Taxidermy

Pinhole

Mezzotint

Pen and Ink

Decoupage

Show More

---

Material

Холст

Бумага

Дерево

Другое

Картон

Мягкий (пряжа, хлопок, ткань)

Пластик

Aluminium

Glass

Steel

Carbon Fibre

Stone

Bronze

Ceramic

Marble

Iron

Stainless Steel

Sound

Acrylic

oil

linen

Paint

oil paint

Смола

Акриловая краска

Холст

Деревянная панель

Панель

Чернила

Акрил на холсте с галерейной намоткой

Varnish

Gold Leaf

acrylic on canvas

plaster

thread

Gesso

mdf

watercolor

Oil On Canvas

sand

linen canvas

plywood

Nails

plexiglass

Холст Панель

ноты

винтажная страница

ДВП

Древесный уголь

мастихин

полиэфирная ткань

Смешанная техника

Растянутый холст

Сырой Canvas

Шелк

Акрил

Меловой пастель

Цифровые

щетки

Слоистые перевозки Textliel и Polymers

Newspor

Слоистые Текстилил и Polymers

Newspor

Слоистые текстил и Polymers

Стиночные текстил и Polymers

.

Карандаш

Панель sintra

Коллаж

Рамка

Leinwand

Масляная пастель

Графит

Аэрозольная краска

pigments

Wood frame

hardboard

marker

Japanese Paper

gloss varnish

gold

metal

enamel

mdf wood panel

wax

Epoxy

My Old Notebooks

Plexiglas

Синтетическая бумага

Шерсть

Грунтовка

Деревянная панель

Сатиновый лак

Бумага Yupo

Деревянный каркас

Акрил и цветной карандаш на доске

glue

masonite

potal

texture paste

watercolour

Show More

---

Under $500

$500 — $1,000

$1,000 — $2,000

$2,000 — $5,000

$5,000 — $10,000

Over $10,000

Select Пользовательская цена

---

Маленький

Средний

Большой

Крупногабаритный

Выбрать нестандартный размер

---

Ориентация

Горизонтальная

Vertical

Square

---

---

Artist Country

United States

United Kingdom

Russia

Germany

Ukraine

Canada

Spain

Italy

France

Netherlands

Poland

Австралия

Индия

Турция

Сербия

Румыния

Венгрия

Болгария

Южная Корея

Austria

Portugal

Slovakia

Czech Republic

Switzerland

Greece

Israel

Mexico

Brazil

China

Belgium

Japan

Argentina

Belarus

Georgia

Croatia

Литва

Латвия

Южная Африка

Вьетнам

Индонезия

Армения

Ирландия

Sweden

Moldova

Norway

Slovenia

Denmark

Pakistan

Chile

New Zealand

United Arab Emirates

Macedonia

Cyprus

Finland

Kazakhstan

Thailand

Colombia

Estonia

Египет

Сингапур

Гонконг

Нигерия

Азербайджан

Малайзия

Шри-Ланка

Uruguay

Philippines

Bangladesh

Venezuela

Taiwan

Luxembourg

Montenegro

Kenya

Kyrgyzstan

Ghana

Lebanon

Qatar

Bosnia and Herzegovina

Costa Rica

Malta

Албания

Эквадор

Узбекистан

Мозамбик

Перу

Марокко

Пуэрто-Рико

Jordan

Jamaica

Bolivia

Iceland

Kosovo

Dominican Republic

Monaco

Saudi Arabia

Uganda

Bahrain

Panama

Mauritius

Oman

Show More

---

Featured Artist

Арт-каталог Саатчи

Внутри студии

Восходящие звезды

One To Watch

The Other Art Fair

---

Поиск Ограниченное издание и открытая версия
Выпуски ПЕРНАЛЫ ДЛЯ ПРОДАЖИ

---

Nature 36

Картины, 35,4 W X 35,4 H x 1,6 D в

$ 3,210

Mindstream #157

, 15,6 W x 21,5 ч. 0 D в

, 15,6 W x 21,5 H x 0 D in

9099

9099 9099 9099 9099 9099 9099 9099 9099 9099 9099 9099 9099

. $ 60

Весенний нежный дождь

Картины, 54 Вт x 28 ч x 0,1 D в

$ 2600

Отпечатки от 80

Alebrije №16

, 74,8 W x 74,8 h x 2 D.

, 74,8 W x 74,8 h x 2 D D D.

21, 74,8 W x 74,8 h x 2 D.

.

Ручейный цветок (100–100 см)

Картины, 39,4 Ш x 39,4 В x 1,2 Г

3 394 $

Репродукции от 134 $

Символы 150 x 100 см.

картины, 39,4 Вт x 59,1 H x 0,8 D в

$ 1 520

Отпечатки от 40

бананы

, 39,4 W x 55,1 H x 0,8 D в

$ 2,1103

9 29192. Ш x 47,2 В x 1,6 Г, дюйм

4 950 долл. США

Репродукции от 70 долл. США

Краш

Картины, 39.4 W x 39,4 H x 1,6 D в

$ 1 070

Sun King

Картины, 20 Вт X 20 H x 1,5 D в

Linger

картины, 11 W x 15 H x 0,1 D в

$ 240 0003

Отпечатки от $ 40

The Perfect Storm (Diptych)

картин, 60 W x 22 H x 0 D в

$ 1,200

Черная красота с серьгой

картин, 23,6 Вт x 31,5 ч x 1.4 D.

Отпечатки от $61

Цвет 72

картины, 82,7 Вт x 78,7 H x 1,2 D в

$ 1 900

Счастье для Evermore

, 58,3 W x 78,1 H x 0,1 D в

$ 8,701

Цветание Пожар

$ 8,701

Цветушки 9000

$ 8,701

. 0,1 D в

$ 2280

OFF CENTER

Картины, 30 Вт x 40 H x 1,5 D в

$ 4550

Отпечатки от $ 100

Ваша сладкая улыбка 2

, 11 Вт.

710 $

Отпечатки от 100 $

Place

Paintings, 31.5 W x 31.5 H x 0.8 D in

$1,710

Friends With Benefits

Paintings, 40 W x 50 H x 1.3 D in

$5,000

Van Gogh with Fruit

Paintings, 23,6 Вт x 23,6 H x 0,6 D в

$ 3 420

Ландшафт

Картины, 47,2 Вт x 53,1 ч 1 D в

$ 4,050

Отпечатки $ 66

$ 40003

W от $ 66

$ 40003

$ 66

$ 40003

W 66

$

$ 66

$

W. В x 1,5 Г в

$1,640

Yellow Red Abstraction L 5

Paintings, 61 W x 33.5 H x 1.5 D in

$2,460

May

Paintings, 39.4 W x 39.4 H x 1.4 D in

$2,870

---

angle-left

12345

angle-right

1 — 25 из 691 441 картин

25 результатов на странице

25 результатов на странице50 результатов на странице100 результатов на странице

25 результатов на странице50 результатов на странице100 результатов на странице

7

7

7 Что такое современное искусство? Не путать с современным искусством

Современное искусство известно своей авангардной эстетикой и знаменито своими дальновидными художниками. Развиваясь в течение примерно 100 лет, он включает в себя многие основные художественные направления и неизбежно сталкивается с эклектичным разнообразием стилей.

Чтобы проследить замечательную эволюцию современного искусства, нужно распознать и понять множество жанров, из которых оно состоит. Однако для этого полезно дать определение современному искусству.

Что такое современное искусство?

Не путать с современным искусством: ярлык « современное искусство » относится к искусству конца 19-го и начала-середины 20-го века. Работы, созданные в это время, демонстрируют интерес художников к переосмыслению, переосмыслению и даже отказу от традиционных эстетических ценностей предшествующих стилей.

 

Основные движения и художники

Начиная с легкого и воздушного импрессионизма и заканчивая энергичным абстрактным экспрессионизмом, жанр современного искусства состоит из нескольких основных направлений.

 

Импрессионизм

Клод Моне, «Впечатление, восход солнца», 1872 г. (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние)

Широко признанный катализатором современного искусства, Импрессионизм бросил вызов жестким правилам и реалистическим изображениям академической живописи. Движение возникло в 1872 году, когда Клод Моне новаторски применил размытые мазки, сосредоточив внимание на свете и яркую цветовую палитру, чтобы нарисовать Impression, Sunrise.

Этот стиль доминировал во французской живописи до начала века, с такими художниками-импрессионистами, как Моне, Пьер-Огюст Ренуар и Эдгар Дега.

 

Постимпрессионизм

Винсент Ван Гог, «Звездная ночь», 1889 г. (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние)

Вдохновленные художественной свободой, представленной импрессионистами, такие художники, как Поль Сезанн, Поль Гоген, Винсент Ван Гог и Анри Тулуз-Лотрек, начали работать в характерных, нетрадиционных стилях. Известный как Постимпрессионизм , это яркое движение началось в 1890-х годах и демонстрирует интерес к эмоциям и предпочтение субъективной интерпретации реалистичному изображению.

 

Фовизм

Les Fauves, Выставка в Осеннем салоне, из L’Illustration, 4 ноября 1905 г. (Фото: не указано, анонимно через Викисклад, общественное достояние)

Основана фовистами — , авангардной группой художников, в которую входили Андре Дерен и Анри Матисс — Фовизм впервые появился в начале 20 века. Как и постимпрессионисты, фовисты предпочитали нереалистичные тона и акцент на индивидуальном восприятии в своих изображениях, которые обычно отличались узнаваемыми (но несколько абстрактными) формами.

 

Экспрессионизм

Василий Кандинский, «Рейтер», 1911 г. (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние)

Незадолго до Первой мировой войны художники в Германии и Австрии начали применять экспериментальный подход к своей практике. В конце концов известен как Экспрессионисты , эти художники переняли и адаптировали беспрецедентные характеристики других современных течений. Подобно постимпрессионистским и фовистским произведениям искусства, произведения, выполненные в стиле экспрессионизма, передают очарование ярким, искусственным цветом и индивидуальной иконографией.

 

Кубизм

Встроить из Getty Images

Характеризуемый деконструированными, изломанными формами, Кубизм ознаменовал сдвиг современного искусства в сторону абстракции. Впервые в 1907 Жоржа Брака и Пабло Пикассо, авангардное движение материализовалось в виде перевернутых картин, многомерных скульптур и ультрасовременных коллажей. Как и другие направления современного искусства, кубизм подчеркивал субъективный подход к творчеству. «Когда мы открыли кубизм, — объясняет Пикассо, — у нас не было цели открывать кубизм. Мы всего лишь хотели выразить то, что было внутри нас».

 

Сюрреализм

Встроить из Getty Images

В 19В 20-х годах художники Сальвадор Дали, Макс Эрнст, Ман Рэй, Жоан Миро и Ив Танги объединились, чтобы основать Сюрреализм , движение, уходящее корнями в подсознание. В отсутствие «какого-либо контроля со стороны разума, свободного от каких-либо эстетических или моральных соображений» (Андре Бретон, Манифесты сюрреализма) жанр достиг кульминации в разнообразной коллекции сказочных изображений прямо из воображения художников.

 

Абстрактный экспрессионизм

В середине 20-го века новаторская группа художников отказалась от фигуративных стилей живописи в пользу оригинальной абстрактной эстетики. Известные как абстрактные экспрессионисты , эти художники делали художественный акцент не только на модернистских характеристиках, таких как цвет, композиция и эмоции, но и на самом творческом процессе.

 

Современное искусство против современного искусства

Из-за экспериментального характера и пересекающихся тем современного искусства жанры часто путают друг с другом. Однако стоит распознать движения, из которых состоит каждое из них, и нечеткая, размытая линия, которая их различает, становится яснее.

Обычно под современным искусством понимают импрессионизм, абстрактный экспрессионизм и промежуточные стили. Таким образом, современное искусство начинается с первого крупного движения после модернизма — поп-арта — и, конечно же, продолжается сегодня.

 

Часто задаваемые вопросы

 

Что такое современное искусство?

Современное искусство относится к искусству конца 19-го и начала-середины 20-го века, включая импрессионизм, фовизм и экспрессионизм. Работы, созданные в это время, демонстрируют интерес художников к переосмыслению, переосмыслению и даже отказу от традиционных эстетических ценностей предшествующих стилей.

 

Является ли импрессионизм современным искусством?

Импрессионизм считается первым направлением в современном искусстве. Он бросил вызов жестким правилам и реалистическим изображениям академической живописи, послужившей катализатором развития современного искусства.

 

Эта статья была отредактирована и обновлена.

Статьи по теме:

Гуггенхайм публикует более 1700 мастерских произведений современного искусства в Интернете

Музей Гуггенхайма бесплатно публикует более 200 книг по современному искусству

8 художников, использующих силу слова в искусстве

Современное искусство и идеи | Coursera

Об этом курсе

130 218 недавних просмотров

Добро пожаловать в раздел «Современное искусство и идеи»! Этот курс предназначен для всех, кто хочет узнать больше о современном искусстве. В течение следующих пяти недель вы будете рассматривать искусство через различные темы: «Места и пространства», «Искусство и самобытность», «Трансформация предметов повседневного обихода» и «Искусство и общество». Каждая неделя начинается с видеоролика, в котором произведения искусства из коллекции Музея современного искусства связаны с темой. Вы услышите аудиоинтервью с художниками, дизайнерами и кураторами и узнаете больше об избранных работах в дополнительных материалах и ресурсах.

В ходе этого курса вы узнаете, как художники: — представлять место и черпать вдохновение из своего окружения, — создавать произведения искусства, чтобы выражать, исследовать и подвергать сомнению идентичность, — использовать предметы повседневного обихода, чтобы бросить вызов предположениям о том, что представляет собой произведение искусства и как его следует создавать, — и реагировать на социальные, культурные и политические проблемы своего времени посредством произведений искусства. С помощью подсказок на дискуссионном форуме и задания на рецензирование у вас также будет возможность общаться с другими учащимися и исследовать, как эти темы резонируют с вашей собственной жизнью и опытом.

Гибкие сроки

Гибкие сроки

Сброс сроков в соответствии с вашим графиком.

Совместно используемый сертификат

Совместно используемый сертификат

Получите сертификат по завершении

100% онлайн

100% онлайн

Начните немедленно и учитесь по собственному графику.

Специализация

Курс 1 из 4 в специализации

Современное и современное искусство и дизайн

Начальный уровень

Начальный уровень

Часов, чтобы закончить

Прибл. 14 часов, чтобы закончить

Доступные языки

Английский

Субтитры: арабский, французский, португальский (европейский), греческий, итальянский, португальский (бразильский), вьетнамский, немецкий, русский, турецкий, английский, испанский, персидский, венгерский

Приобретаемые навыки

• Творчество
• Искусство
• История
• История искусства
• Художественное направление

Гибкие сроки

Гибкие сроки

Сброс сроков в соответствии с вашим графиком.

Общий сертификат

Совместно используемый сертификат

Получите сертификат по завершении

100% онлайн

100% онлайн

Начните немедленно и учитесь по собственному графику.

Специализация

Курс 1 из 4 в специализации

Современное и современное искусство и дизайн

Начальный уровень

Начальный уровень

Часов, чтобы закончить

Прибл. 14 часов

Доступные языки

Английский

Субтитры: арабский, французский, португальский (европейский), греческий, итальянский, португальский (бразильский), вьетнамский, немецкий, русский, турецкий, английский, испанский, персидский, венгерский

Instructor

Lisa Mazzola

Director, Young Learners

Department of Learning and Engagement

532,329 Learners

4 Courses

Offered by

The Museum of Modern Art

The Музей современного искусства — это место, которое подпитывает творчество, зажигает умы и вдохновляет. Присоединяйтесь к нам в изучении искусства, идей и проблем нашего времени через специализацию «Современное и современное искусство и дизайн» или через отдельные курсы: «Современное искусство и идеи», «Видение сквозь фотографии», «Что такое современное искусство?», «Мода как дизайн» и «В мире». Студия: Послевоенная абстрактная живопись. Узнайте об обучении с помощью искусства на наших трех курсах, разработанных для педагогов K-12: «Искусство и исследования», «Искусство и деятельность» и «Искусство и идеи».

Reviews

4.8

Filled StarFilled StarFilled StarFilled StarFilled Star

1498 reviews

• 5 stars

  82.49%

• 4 stars

  13.69%

• 3 stars

  2.62%

• 2 зв.0013 by KPJul 22, 2021

  Этот курс действительно изменил мой взгляд на искусство. Каждую неделю я узнавал что-то новое, и это пробуждало то любопытство, которое я каким-то образом убил в этой безумной конкуренции в социальных сетях.

  Наполненная ЗвездаНаполненная ЗвездаНаполненная ЗвездаНаполненная ЗвездаНаполненная Звезда

  от JK24 мая 2020 г.

  Большое спасибо за опыт и возможность узнать новую информацию об искусстве. Было здорово принять участие, и я обязательно порекомендую своим друзьям и знакомым.

  Заполненная звездаЗаполненная звездаЗаполненная звездаЗаполненная звездаЗаполненная звезда

  by PYNov1, 2018

  Вся программа была очень хорошо организована, и мне понравилось, что темы не были в хронологическом порядке. Все повествование и выступления артистов были интересными и очень информативными. Спасибо!

  Filled StarFilled StarFilled StarFilled StarFilled Star

  от SHA22 апреля 2020 г.

  Мне очень понравился этот курс, он дал мне художественное вдохновение, которое мне было нужно, чтобы вернуться на правильный путь! Небольшой позор, в конце концов вам придется заплатить за сертификат, поскольку он был описан как бесплатный.

  Посмотреть все отзывы

  О специализации «Современное искусство и дизайн»

  Эта специализация познакомит вас с искусством нашего времени. С помощью оригинальных фильмов и аудио вы попадете за кулисы, чтобы внимательно рассмотреть произведения искусства, и в студии, чтобы услышать непосредственно от художников, дизайнеров, кураторов и других. Эта специализация предназначена для всех, кто хотел бы узнать больше о современном искусстве. Никаких предварительных знаний не требуется. Зарегистрируйтесь, чтобы получать приглашения на виртуальные мероприятия, получать эксклюзивный доступ к ресурсам MoMA и делиться идеями с международным сообществом учащихся.

  Начните с книги «Современное искусство и идеи», чтобы узнать, как художники черпали вдохновение в окружающей среде и реагировали на социальные проблемы за последние 150 лет. Затем совершите глубокое погружение в Seeing Through Photographs, изучая фотографию с ее истоков в середине 1800-х годов и до наших дней. Этот курс устраняет разрыв между видением и истинным пониманием фотографий, знакомя с идеями, подходами и технологиями, которые влияют на их создание. Исследуйте произведения искусства, созданные с 1980 года, в разделе «Что такое современное искусство?» Начиная от 3D-печатных скульптур из стекла и волокна и заканчивая перформансами на фабрике, работы в этом курсе знакомят вас с разнообразными материалами, мотивами и методами художников, работающих сегодня. Пройдите специализацию «Мода как дизайн» и исследуйте выбор, который вы делаете в отношении моды в отношении самовыражения, устойчивого развития, трудовых отношений, индивидуальности и многого другого. Учитесь у производителей, которые работают с одеждой каждый день, а в некоторых случаях изобретают ее заново для будущего.

  Часто задаваемые вопросы

  • Когда я получу доступ к лекциям и заданиям?

  • Что я получу, подписавшись на эту специализацию?

  • Доступна ли финансовая помощь?

  Есть вопросы? Посетите Справочный центр для учащихся.

  Международное современное искусство | Художественный институт Чикаго

  Основные моменты

  Художественный институт стал первым музеем в США, собравшим значительную коллекцию современного искусства и выставившей ее на постоянную экспозицию. Сегодня эти фонды являются одними из лучших в мире — наслаждайтесь яркими моментами из этой новаторской коллекции.

  Обратите внимание: произведения искусства иногда пропадают из поля зрения для визуализации, лечения или передачи в другие учреждения. Нажмите на изображения, чтобы убедиться, что работа в данный момент просматривается.

  Пабло Пикассо
  

  Один из самых знаковых образцов раннего кубизма Пикассо, этот портрет дилера художника Даниэля-Генри Канвейлера (1884–1979) был создан более чем за 30 рабочих сессий. С каждым сеансом Пикассо все больше ломал и рекомбинировал формы, которые он видел, в конечном итоге придя к изображению Канвейлера как сети мерцающих полупрозрачных поверхностей, которые распадаются на разные плоскости и формы.

  Габриэле Мюнтер
  

  Габриэль Мюнтер, одна из ведущих немецких художников современности, была известна своим использованием насыщенных цветов и свободной кистью, граничащей с абстракцией. Часто используя игрушки в качестве сюжетов своих натюрмортов, она придавала своим работам живость и остроумие. Здесь ее картина включает в себя изображение восковой куклы, сделанное ее другом, русским танцором Александром Сахаровым.

  Василий Кандинский
  

  В своей основополагающей публикации 1912 года « О духовном в искусстве» Василий Кандинский отстаивал искусство, которое могло выйти за рамки имитации физического мира, вдохновляя, как он выразился, «вибрации в душе». Импровизация № 30 (Пушки) — одна из первых работ, в которой он попытался изобразить эти «вибрации».

  Анри Матисс
  

  Эта монументальная картина является результатом периода интенсивных экспериментов и доработок художника Анри Матисса. Первоначально он нарисовал работу как пасторальную сцену стоящих и сидящих купальщиков, но в течение следующего десятилетия он преобразовал ее в композицию с элементами кубизма, которую можно увидеть сегодня. Когда картина была приобретена Художественным институтом в 1953 году, Матисс сказал директору музея, что считает эту картину одной из пяти своих самых важных работ.

  Фрэнсис Пикабиа
  

  В 1913 году в трансатлантическом путешествии в Нью-Йорк Фрэнсиса Пикабиа позабавили два попутчика: экзотический танцор и доминиканский священник, которые не устояли перед искушением понаблюдать за репетицией танцора. В ответ Пикабиа создал это монументальное полотно, которое вызывает ощущение танца и движения корабля по бушующему морю. Он назвал работу Edtaonisl , аббревиатура, полученная путем чередования букв французских слов 9.1128 étoile  (звезда) и  dans[e]  (танец).

  Джорджио де Кирико
  

  Один из самых влиятельных образов в ранней истории сюрреализма, картина Джорджио де Кирико Философское завоевание кажется наполненной смыслом, но при этом остается решительно загадочной. Сопоставляя несочетаемые предметы, художник стремился создать то, что он называл искусством, напоминающим «беспокойство мифа». Работы Де Кирико оказали глубокое влияние на художников, связанных с сюрреалистическим движением, которые в XIX в.20-е и 1930-е годы использовали такие же нетрадиционные пары для исследования царства подсознания в своей работе.

  Казимир Малевич
  

  Работая в России в 1915 году, Казимир Малевич изобрел супрематизм, революционный способ абстракции, который он считал новым типом реализма. Оторвавшись от наблюдаемой реальности, чтобы вместо этого сосредоточиться на отношениях между цветными геометрическими формами на фактурном белом фоне, художник освободил свои композиции от традиционных данностей — таких как верх или низ, лево или право — и представил повседневные сцены, такие как спортсмен, играющий в футбол. , как если бы они существовали в четырех измерениях.

  Франтишек Купка
  

  Один из первых сторонников абстрактной живописи в Европе, Франтишек Купка иммигрировал из Богемии (на территории современной Чехии) в Париж в 1896 году. Путешествуя по Парижу и Шартру, Франция, он изучал витражи готических и романских соборов и создавал сияющие абстракции, передающие ощущение света, проходящего через цветное стекло.

  Сюзанна Дюшан
  

  Функционируя одновременно как абстрактная картина и конкретная поэма, « Сломанное и восстановленное умножение» Сюзанны Дюшан наполнено визуальными и словесными метафорами беспорядка и поломки. В этом коллаже она переворачивает культовую металлическую решетку Эйфелевой башни вверх дном, предупреждая нас о хрупкости, но также и о гибкости таких систем, как язык и память, которые позволяют нам осознать свое место в мире. даже если кажется, что он разваливается.

  Константин Бранкузи Золотая птица , 1919/20 (основание около 1922 г.), в галерее 395 рядом с двумя другими его скульптурами — Леда , около 1920 г., и Белые негры s III , 9003 в Константе. Золотая птица Брынкуши — это икона современной скульптуры и одна из более чем двух десятков скульптур Bird , созданных художником в его стремлении к самодостаточной форме. Как однажды сказал Брынкуши: «Всю свою жизнь я стремился передать суть полета». В этой работе едва намечены такие детали, как ступни, хвост и вздернутый клюв, а изящный обтекаемый силуэт полированной бронзы контрастирует с грубо отесанной деревянной основой.

  Ромбическая композиция с желтым, черным, синим, красным и серым, 1921 г.

  Пит Мондриан
  

  Пит Мондриан, один из основателей революционного международного движения De Stijl («Стиль»), утверждал, что «прямая линия говорит правду». Обманчиво простые, его работы являются результатом постоянной корректировки для достижения абсолютного баланса и гармонии. В Композиция в виде пастилки с желтым, черным, синим, красным и серым цветом Мондриан повернул квадратный холст на 90 градусов, чтобы создать динамическую связь между прямолинейной композицией и диагональными линиями краев опоры.

  Пабло Пикассо
  

  Один из самых плодовитых художников 20-го века, Пикассо, возможно, повлиял на направление современного искусства больше, чем кто-либо другой. В этой работе, портрете Марии-Терез Вальтер, он использовал подход, основанный как на кубизме, так и на сюрреализме, изображая лицо Вальтера спереди и сбоку одновременно.

  Марсель Дюшан
  

  Хотя Марсель Дюшан начал свою карьеру как художник, он наиболее известен своими попытками доказать конец «искусства сетчатки» или произведений искусства, созданных для удовольствия глаз. Его ответом был «реди-мейд», обычный предмет, превращенный в произведение искусства просто посредством его выбора и обозначения как такового художником. Его Подставка для бутылок , впервые реализованная в 1914 году, является самой ранней работой такого типа и была приобретена Художественным институтом в 2018 году. Узнайте больше о 9 Дюшана. 1128 Полка для бутылок в блоге музея.

  Макс Бекманн
  

  Среди самых смелых и самых ярких автопортретов Макса Бекмана, это была, пожалуй, последняя картина, которую художник написал в Берлине перед тем, как он и его жена бежали в Нидерланды — всего через два дня после того, как Адольф Гитлер произнес речь, осуждающую современную искусство. В 1937 году, вскоре после создания этой работы, более 500 его работ были конфискованы из государственных коллекций Германии.

  Марк Шагал
  

  Белое распятие  является поворотным моментом для Марка Шагала и для истории искусства ХХ века: это была первая из серии композиций, в которых художник изобразил Христа как еврейского мученика и отождествил нацистов с мучителями Христа. Написанная в ответ на ужас и травму Хрустальной ночи, антиеврейского погрома, эта работа является одной из самых откровенно политических картин в карьере Шагала.

  Узнать больше

  • Купальщицы у реки, 1909–10, 1913 и 1916–1917 годы
    Анри Матисс
  • Белое распятие, 1938 г.
    Марк Шагал
  • Даниэль-Генри Канвейлер, осень 1910
    Пабло Пикассо
  • Красное кресло, 16 декабря 1931 г.
    Пабло Пикассо
  • org/CreativeWork»> Импровизация № 30 (Пушки), 1913 г.
    Василий Кандинский
  • Леденческая композиция с желтым, черным, синим, красным и серым цветом, 19 шт.21
    Пит Мондриан
  • Золотая птица, 1919/20 (база 1922 г.)
    Константин Бранкузи
  • Философское завоевание, 1913–14
    Джорджио де Кирико
  • Эдтаонисль (Церковная), 1913
    Фрэнсис Пикабиа
  • org/CreativeWork»> Живописный реализм футболиста — цветовые массы в 4-м измерении, лето/осень 1915 г.
    Казимир Малевич
  • Автопортрет, 1937 г.
    Макс Бекманн
  • Полка для бутылок (Porte-Bouteilles), 1914/1959
    Марсель Дюшан
  • Сломанное и восстановленное умножение, 1918–1919 гг.
    Сюзанна Дюшан

  Узнать больше

  Галерея действий

  Действия с изображением

  Что такое современная живопись? | Art News by Kooness

  Модернизм развивался между 19 и 20 веками.

  В том числе многие формы искусства и движения, художники порывают с прошлым. Глядя на современные картины, мы можем понять идеи, которые заставляют современных художников сосредоточиться на своей работе и дистанцироваться от традиций изобразительного искусства.

  Статьи по теме: Все, что вам нужно знать о модернизме в изобразительном искусстве – 20 современных художников, которых вы должны знать – 30 основополагающих картин современного искусства маслом

  богатство буржуазии заставило нас взглянуть на этот период как на период процветания. Действительно, мы называем этот период прекрасной эпохой. Но бедность широко распространена, и лишь немногие извлекают выгоду из растущей экономики.

  Классовое общество полно несчастья и социально-политической напряженности. Действительно, условия, в которых жил и работал рабочий класс, а также борьба за право голоса женщин стали центральными темами с подъемом капитализма. Те самые контрасты, которые характеризуют этот период, ведут к Новому времени. На самом деле художники недовольны традицией. Цель и средства искусства должны измениться.

  Модернизм, развивавшийся до 1960-х годов, включает в себя различные художественные стили и множество дальновидных художников. Это эпоха экспериментов, в которой рождаются новые способы представления реальности. Импрессионизм, кубизм, экспрессионизм, примитивизм (подробнее здесь): способы использования материалов и средств, и даже цели искусства резко меняются. Все это благодаря созданию новых, раскрепощенных эстетических стандартов и все происходит в темпе, который раньше вряд ли мог казаться возможным.

   

  Эдуар Мане, Олимпия, 1863 г., предоставлено Blogspot.com © RMN-Grand Palais (Musee d’Orsay) / Hervé Lewandowski.

   

  С чего начинается модернизм?

  В 1863 году парижский художник Эдуард Мане нарисовал Олимпию. Мане представляет его на Парижском салоне, ежегодной официальной художественной выставке, на которой представлены только произведения искусства, одобренные Академией изящных искусств. Реакция на это произведение искусства навсегда вошла в историю искусств. Это начало модернизма.

  Один взгляд на эту картину, и мы возвращаемся к художественным традициям. В частности, это напоминает нам о том, как на протяжении веков изображали женщин, и особенно о богине Венере, лежащей на кровати в точно такой же позе. Но кто эта женщина на картине Мане? А что сделал Мане с нежной красотой Венеры?

  Шокирует всех, кто пытается похвастаться своим классом, богатством и нравственностью: Олимпия — проститутка. Хотя скандальна не ее нагота, а то, как она пристально смотрит на зрителя, как бы противопоставляя ему его поверхностную мораль. На самом деле она зарабатывает себе на жизнь тем, что угождает тем самым мужчинам, которые публично осуждают проституцию как аморальную.

  Олимпия с черным кружевом на шее лежит на расстегнутой кровати — именно там, где несколько мгновений назад мог произойти нечистый поступок. Она даже до сих пор носит свои тапочки! А с кошкой у ног, символизирующей похоть и неверность, она точно не демонстрирует «девственную невинность» Венеры. Как могла буржуазия смотреть на эту картину с хорошо знакомыми ей символами и отворачиваться?

  Эта картина критикует общество и, конечно же, считается аморальной – как и сам поступок. Но не только современная тема вызывает такую ​​реакцию. Техника, которую Мане использует в этой картине, быстра и неточна по сравнению с абсолютной точностью реализма. Со всех сторон эта картина произвела настоящий скандал! И именно с этой картины, по мнению многих искусствоведов, Мане называет себя пионером модернизма, начиная то, что еще предстоит воспринять его современникам.

   

  Какая критическая идея лежит в основе модернизма?

  Модернизм — это «дисциплина», которая «критикует саму дисциплину», по словам искусствоведа Гринберга. Объясняя философское движение, Гринберг разрушает идею антитрадиционных форм искусства. Но что подразумевает этот автор под «дисциплиной», которая «критикует саму дисциплину»?

  При взгляде на реалистичную картину объект кажется центральным. Напротив, в модернизме в центре внимания находятся среда, краска и материал. Другими словами, современное искусство не скрывает ограничений среды: двухмерность, плоскость, непрозрачность, мазки и нереалистичные пигменты. Для модернистов, которые видели, как фотография становится все более и более распространенной, это настоящие преимущества живописи.

   

  Клод Моне, Руанский собор, конец дня, 1894 г., предоставлено Викискладом, общественным достоянием.

   

  Возьмем, к примеру, движение импрессионистов. С этой группой художников и их пленэрными картинами современной жизни Искусство становится тесно связанным с уникальностью своего носителя. Пигменты и мазки хорошо видны, а не скрыты! Глядя на серию работ Клода Моне «Руанский собор» (1892–1894), очевидны преимущества краски, а также чувствительность художника. Импрессионисты пытаются запечатлеть в своих картинах определенный момент, атмосферу и свет. И это то, чего нельзя было достичь с помощью фотографии или канонов прошлого.

  Эпоха Просвещения, в которой наблюдателя больше интересовала невидимость художника и ученого, смотревшего на окружающий мир с его тишиной, теперь ушла в прошлое. Модернизм отвечает звуку прогресса, беспорядков и, конечно же, напряженности, которая привела к Первой мировой войне. На самом деле в начале 20 века художники наконец-то могут обратить внимание на настоящие преимущества живописи. Они начинают использовать эту среду в своих интересах, изучая формы, цвета и экспериментируя со свободой жестов. Они начинают представлять то, как художник видит вещи.

  Импрессионизм — это только первый шаг. Фактически против импрессионистов вскоре выступают постимпрессионисты. Вдохновленные простыми графическими эффектами японских гравюр, они подчеркивают не только свет. Поль Сезанн, Винсент Ван Гог и Поль Гоген должны стать крупными фигурами в развитии модернизма. Действительно, Сезанн заложил основы кубизма, сосредоточив внимание на формах, цвете и плотности, Ван Гог — экспрессионизма с эмоциональной весомостью каждого мазка, а Гоген — примитивизма, когда он бежал из западного мира, чтобы исследовать представление других культур. Их произведения становятся основой теорий и манифестов (крайне близкого) пика модернизма.

   

  Фил Родер, Вид инсталляции «Авиньонские девицы» (1907 г.) Пабло Пикассо, 12 декабря 2014 г., предоставлено Филом Родером и Flickr © Phil Roeder.

   

  Пик: авангард

  Поль Сезанн, Винсент Ван Гог и Поль Гоген лидируют, исследуя преимущественно в одиночку. Но по мере того, как большему количеству художников необходимо порвать с прошлым, они начинают формировать группы в соответствии с общими взглядами на цель своего искусства и способы ее достижения. Они, как известно, придают форму различным авангардным движениям.

  Эти авангардные движения являются отличительной чертой модернизма. Чаще всего у этих художников есть манифест, описывающий их цели и средства — как у тех, кто находит себя в дадаизме, кубизме, сюрреализме, фовизме и футуризме. Действительно, они очень серьезно относятся к цели и разрывают с прошлым. Определяя и выделяя себя благодаря этим манифестам, они вводят новые способы видения через искусство, манипулируя им, чтобы представить свое представление об истине – подлинно политической!

  Произведения этого периода поистине шокируют. Отличным примером являются «Авиньонские девицы» (1907), представляющие кубизм. В этой работе, написанной известным испанским мастером Пабло Пикассо, присутствует сильная идея основательности, но она достигается совсем другим способом по сравнению со светотенью прошлого. Он берет начало от изучения форм и цветов, лежащих в основе творчества Поля Сезанна. Но здесь разрыв с прошлым выходит на другой уровень.

  Как и другие произведения кубизма, пять женщин, изображенных на картине Пикассо, видны с разных сторон – словно разбитые. Две фигуры даже напоминают африканские маски, что делает разрыв с западной традицией еще более очевидным. Женщины почти не похожи на людей — совсем не похожи на идеально гармоничные статуи древности! Но, тем не менее, четкие линии, формы и цвета передают идею основательности и формы. Пикассо достигает этого, подчеркивая различные углы, под которыми можно увидеть объемы — как если бы он разбил изображение, чтобы затем воссоздать его на холсте.

   

  Анри Матисс, Десерт: Гармония в красном (Красная комната), 1908 г., предоставлено HenriMatisse.org.

   

  Другое движение, больше ориентированное на цвета, чем на объемы, — это Les Fauves — буквально дикие звери. Исключительным примером является картина французского художника Анри Матисса «Десерт: Гармония в красном» (Красная комната) (1908). В картине Матисса холст используется как плоская поверхность. Нас не бросает в строгую перспективную иллюзию, не тянет затеряться в бесконечности вида за окном при взгляде на это произведение искусства.

  Перспективный? сфумато? От этих приемов полностью отказываются, поскольку Матисс упрощает изображение, чтобы дать пространство цветам, которые он дико распределяет по холсту. Мы теряемся в узоре, который доминирует и, казалось бы, сливает стену и стол. Остальные элементы становятся декоративными деталями, лишь подчеркивая плоскостность этой картины.

   

  Гюстав Климт, Девственницы, 1913, предоставлено WikiArt.com, общественное достояние.

   

  Другим важным примером, подчеркивающим другое важное измерение, являются «Девственницы» Гюстава Климта (1913). Эта картина, образец венского экспрессионизма и стиля модерн, иллюстрирует внутреннее психологическое измерение, взятое из психологической теории Зигмунда Фрейда.

  На этой картине одновременно изображены разные этапы жизни женщины. Вместо скульптуры фигуры становятся декоративными, теряясь в цветочных и спиралевидных мотивах, типичных для модерна. Это подчеркивает эфемерность человеческой жизни, напоминая нам о постоянных изменениях, с которыми сталкиваются мир и люди.

  Более того, все эти примеры являются критикой моралистических и стандартных взглядов прошлого. Представляя вещи очень по-разному, они фокусируются на точке зрения человека. Эти новаторские художественные стили освобождают художников, позволяя им исследовать различные способы рисования вещей.

   

  Разрыв с изобразительным искусством

  До этого момента внешний мир остается центральным элементом создаваемых произведений искусства, даже если он может стать неузнаваемым. Но после Первой мировой войны важность жизни человека вскоре становится больше, чем простое предположение — как в произведении Климта. Фактически, группа художников начинает сосредотачиваться на невидимом, внутреннем мире подсознания: сюрреалисты. Выходя за рамки поразительного чувства, вызванного дадаизмом, сюрреализм стремится представить «настоящую правду» бессознательного.

   

  Рене Магритт. «Угроза убийцы», 1927 г., предоставлено Музеем современного искусства и фондом Кей Сейдж Танги. © Charly Herscovici / ADAGP / ARS 2013.

   

  Психоаналитическая теория Зигмунда Фрейда и его исследование сновидений были в центре творчества сюрреалистов. У таких художников, как Жоан Миро и Рене Магритт, бессознательное высвобождается на холсте благодаря свободным ассоциациям и автоматическому рисованию. Примеры: «Угроза убийцы» Магритта (1927) или «Женщина и птица в лунном свете» Миро (1949). Но, хотя они не сосредотачиваются на внешнем мире, многие из их работ остаются очень фигуративными.

   

  Жоан Миро, Женщины и птица в лунном свете, 1949, предоставлено галереей Тейт © Tate

   

  Постепенно эмоции, действия и чувства приобретают все большее значение в современной живописи. Но как они могут быть представлены через среду, которая до сих пор знала только предметы и тела, изучаемые в Академии? Ответ заключается во введении абстракции. Такие художники, как Василий Кандинский, Пауль Клее и Пит Мондриан, руководствуясь музыкой или придерживаясь лишь нескольких точек, линий, форм и цветов, ослабляют прочную связь с физическими объектами и телами. Наконец, эти художники отказались от того, что было необходимо до 19 века. век. Например, в «Вечернем огне» Пауля Клее (1929) единственное, что осталось от сцены, на которую ссылается название, — это цветные блоки — отдаленное эхо фигуративного искусства.

   

  Пауль Клее, «Пожар в полнолуние», 1933 год. Предоставлено Museum Folkwang и Artribune.com.

   

  По мере того, как к середине 20-го века принимаются новые стандарты свободной среды, представленные в начале 1900-х годов, поздних модернистов 50-х и 60-х годов ждет благодатная почва инновационных и новаторских идей. Важность самого произведения искусства превосходит важность объекта — реального или воображаемого. Ни объект, ни субъект больше не нужны. Живопись как медиум теперь существует сама по себе.

   

  Джексон Поллок, номер 1, 1948 год, предоставлено Jackson-Pollock.org.

   

  Вдали от европейских традиций американские художники Джексон Поллок и Марк Ротко воспользовались возможностью исследовать жестикуляцию и живость живописи. Например, «Номер 1» Джексона Поллока (1948) был создан с использованием его знаменитой техники, в которой он фактически наливал, капал и бросал краску на холст — «живопись действия». Название говорит само за себя: сам акт рисования находится в центре современной живописи. С другой стороны, у Марка Ротко основное внимание уделяется наблюдению. Глядя на картину, зритель почти ошеломлен. Интенсивность цветов в Untitled (1950-1952) не позволяют увидеть ничего, кроме краски.

  Что после этого? Это конец модернизма? Вопросы, которые задают себе даже искусствоведы Розенберг и Гомбрих, но, наверное, этот вопрос еще не может иметь определенного ответа. По мнению некоторых, модернизму бросает вызов постмодернизм 1960–1970-х годов с поп-артом и промежуточным искусством. Но эта идея все еще очень открыта для обсуждения. Некоторые задаются вопросом, закончился ли модернизм вообще. Действительно, глядя на современные произведения искусства, актуальность модернизма нельзя игнорировать — но когда искусство перестает оглядываться на историю искусства, чтобы заново изобретать себя?

   

  Марк Ротко, Без названия, 1950-2, предоставлено Тейт © Тейт.

   

  Изображение на обложке: Фил Родер, Инсталляция «Авиньонские девицы» (1907 г.) Пабло Пикассо, 12 декабря 2014 г., предоставлено Филом Родером и Flickr © Phil Roeder.

  Автор: Зои Ривас Занелло

  Оставайтесь с нами в журнале Kooness, чтобы узнать больше интересных новостей из мира искусства.

  живопись современной жизни – Smarthistory

  Клод Моне, Железнодорожный мост в Аржантёе (Le pont du chemin de fer à Argenteuil) , 1873-74, холст, масло, 54 x 71 см (Музей Орсе, Париж)

  Агрессивно современный

  Это одна из многих картин Моне железнодорожного моста, ведущего в Аржантёй, небольшой городок на окраине Парижа, где художник жил в 1870-х годах. Картина демонстрирует известный интерес импрессионистов к изображению природы и эффектов погоды и света, увиденных здесь в пространстве белых облаков в голубом небе и отражениях в ряби глади реки. Сильно текстурированные темно-зеленые кусты и трава созданы видимыми мазками и закрепляют композицию картины слева и справа. Сюжет картины, однако, не вневременная сельская сцена (они были популярны у публики — см., например, эту картину Коро), а агрессивно-современная сцена железнодорожного моста с поездом, направляющимся через реку.

  Мост был восстановлен в начале десятилетия после того, как его предшественник был разрушен во время франко-прусской войны, а его части были выкованы на местном металлургическом заводе. Паровая машина, мчащаяся по мосту, создает собственные вздымающиеся серые облака пара, конкурирующие с естественными. Широкая перспектива моста предполагает скорость и динамизм современных транспортных технологий, но Моне также показывает, что эти технологии неразрывно связаны с миром природы. Покосившийся деревянный забор на переднем плане создает контраст между старыми строительными материалами и массивными пилонами из бетона и железа, поддерживающими новый мост. Старый и новый штаммы для интеграции в современный ландшафт.

  Клод Моне, Бульвар Капуцинок , 1873-74, холст, масло, 80,3 x 60,3 см (Художественный музей Нельсона-Аткинса, Канзас-Сити)

  Предметы, имеющие значение

  До последних десятилетий двадцатого века стипендия импрессионизма относительно мало внимания уделяла тематике, выбранной художниками. До этого историки искусства в основном концентрировались на стиле работ и на том, как импрессионистские новшества в форме предвещали или закрепляли то, что казалось им самой значительной чертой современного искусства: освобождение художника от ограничений условности и «эволюция» искусства в сторону плоскостности и абстракции. Однако в последние десятилетия искусствоведы серьезно задумались о предмете, представленном на картинах импрессионистов, и о том, как этот предмет был бы понят современными зрителями.

  Картина современной жизни

  Стиль импрессионизма, конечно, можно применить к любой теме, но художники-импрессионисты сосредоточились на удивительно ограниченном круге тем:  как правило, досуг среднего класса в современной городской или пригородной среде, такой как Париж бульвар, изображенный на бульваре Капуцинок Моне или Железнодорожном мосту в Аржантее. 91–155 В каком-то смысле импрессионисты продолжили традицию более ранних реалистов девятнадцатого века, таких как Жан-Франсуа Милле (например, в его картине 9). 1128 L’Angélus ) в их настойчивости в изображении сцен из современной жизни. Они отвергли исторические, мифологические и другие экзотические темы и взяли за правило: « Il faut être de son temps, » — ​​«надо жить в свое время».

  Жан-Франсуа Милле, Л’Анжелюс , ок. 1857–1859, холст, масло, 21 x 26 (53,3 × 66,0 см) (Музей Орсе, Париж)

  Однако для импрессионистов, в отличие от реалистов, современные сюжеты обычно не означали сельские или провинциальные сцены, которые часто предложил вневременные формы жизни и труда (как в Милле L’Angélus ), а скорее городские и пригородные сюжеты, которые быстро менялись. В этом они являются одними из первых художников, которые исследовали важное изменение в географии человечества, которое значительно изменило человеческий опыт: перемещение населения из преимущественно сельских районов в городские, которое сопровождало промышленную революцию и ее крупномасштабный экономический переход от сельскохозяйственного к промышленному. производство.

  В 1863 году поэт и художественный критик Шарль Бодлер написал влиятельное эссе под названием «Художник современной жизни», в котором призвал художника прогуливаться по новым пространствам города, внимательно наблюдая за действиями его жителей и рассматривая улицы и толпы, как если бы они представляли собой своего рода импровизированный театр, устроенный для его наблюдения. Моне Boulevard des Capucines представляет собой типичную современную сцену широких, обсаженных деревьями бульваров, пересекающих старые, менее регулярные улицы и переулки Парижа, предлагая широкую перспективу, которой раньше не было в городе.

  Эдуард Мане, Бар в Фоли-Бержер , холст, масло, 1882 (Галерея Курто, Лондон)

  Хотя они не так сильно настаивали на технологических темах, как более поздние течения современного искусства, такие как итальянский футуризм или американский прецизионизм. Да, импрессионисты имели узнаваемое пристрастие к рисованию парижских пространств, преобразившихся за последние несколько десятилетий. Наряду с более стереотипным пленэрных садовых и пейзажных сюжетов, импрессионисты также часто обращались к сценам современного городского опыта. Они рисовали парижские кафе и пивные; они рисовали большие театры, оперные театры и кабаре ночной жизни города, освещенные зловещим зеленым светом нового газового освещения; они рисовали мосты и парадные бульвары современной городской планировки; они рисовали новые вокзалы, соборы из стекла и железа в соответствии с современными технологиями и их обещаниями быстрого движения товаров и легкости путешествий; и они рисовали пригородные рестораны, ипподромы, пляжные курорты и парки, где растущий средний класс проводил свои часы досуга. Эти сюжеты могут казаться нам очаровательно причудливыми, но в то время они были такими же агрессивно современными, какими сегодня были бы картины с изображением небоскребов, аэропортов, дорожных зон отдыха и офисных парков.

   

  Гюстав Кайботт, Paris Street; Дождливый день , 1877 г. , холст, масло, 212,2 x 276,2 см (Чикагский институт искусств)

  Досуг среднего класса

  Также, в отличие от реалистов, импрессионисты, как правило, рисовали досуг среднего класса , а не труд низшего класса . Это несколько неожиданное ограничение. Рядом с богатыми городскими профессионалами жили и двигались по одним и тем же улицам тысячи бедных чернорабочих. Но когда мы рассматриваем панорамную уличную сцену, такую ​​как «9» Гюстава Кайботта,Парижская улица, 1154; Дождливый день — еще один вид современного бульвара — удивительно отметить, что на улице есть только один человек, чья одежда выдает в нем принадлежность к низшему классу и чье занятие указывает на активный труд: далекий человек, несущий лестницу, которого легко не заметить прямо к краю. справа от головы человека на переднем плане. Исключения из этого общего правила, согласно которому импрессионисты рисовали буржуазный досуг, а не труд низшего класса, на самом деле помогают доказать правило.