Современное искусство фотографии: «Фотография как современное искусство»

Содержание

Фотография как современное искусство | Photoplay

Как снимать современный фотопроект

Двухдневный мастер-класс известного фотографа Алексея Никишина о том, как снимать «современно», что снимают современные фотографы, и как из обычных фотографий и банальных сюжетов собрать актуальный фотопроект или фотокнигу.

О чем этот мастер-класс?

Этот мастер-класс о том, как даже из простых фотографий и банальных сюжетов собрать интересные и актуальные фотопроекты, как стать конкурентноспособным фотографом.

Для начала, мы поймем, какие проекты снимают известные европейские, американские и японские фотографы, что и как они снимают, как и по каким принципам собирают свои проекты и выставки.

Мы научимся отличать современную фотографию от «модернистской романтики».

Мы научимся различать современный фотопроект и журнальную фотоисторию и поймем, как адаптировать отснятый материал под задачи современного фотопроекта.

Современные идеи для фотопроектов — что и о чём стоит снимать? Как придумать и снять современный проект. Могут ли кого-то поразить такие темы как: «Моя Индия» и «Портреты знакомых»?
В какой стилистике следует снимать, чтобы из снятых фотографий можно было легко собрать фотопроект?
Как собрать фотопроект из готового материала, даже если вы снимаете простые, любительские фото или банальные сюжеты.
Как выбрать фотографии из отснятого материала для того, чтобы составить из них фотопроект или фотокнигу?
Портфолио-ревю — мы вместе посмотрим ваши серии фотографий и разберемся, что можно было бы сделать, чтобы фотопроект стал более актуальными, независимо от того, что вы снимаете: моду, свадьбы, детей, еду или себя.

Ценность мастер-класса

Так хочется снимать современно и сделать современные фотопроекты, а разобраться самому в отличиях современной фотографии от несовременной практически невозможно! Книг на русском языке нет, не хватает знаний по истории искусства и современному искусству.

Это мастер-класс поможет решить эту проблему — понять куда двигаться, что снимать и каком направлении думать.

Для кого этот мастер-класс?

Этот мастер-класс для фотографов с разной подготовкой (профессионалов и любителей), работающих в разных жанрах. Он для тех, кто хочет делать интересные современные фотопроекты и не стоять на месте!

После мастер-класса вы сможете

На мастер-классе вы получите достаточно большой объем информации по современной культуре, искусству и фотографии, это даст вам возможность:

Хорошо разбираться в том, о чём и как снимают свои проекты «современные фотографы».

Самостоятельно придумывать актуальные фотопроекты, достойные демонстрации на серьезных фотовыставках.
Качественно изменить уровень своих работ и в целом свой подход к фотографии.

Отзывы о курсе

Программа мастер-класса

Учимся понимать современную фотографию

— Фотография как концептуальное искусство (Photography as Conceptual Art)
Правильно ли вы понимаете «концептуальное искусство»? Как оно связано с «современной фотографией»?
О чем снимают: Bernard & Hilla Becher, Thomas Struth, Andreas Gursky?

— Новый портрет
Каким должен быть портрет, чтобы считаться «современным»?
О чем снимают портреты самые известные современные портретисты: Thomas Ruff, Rineke Dijkstra, Nikki S. Lee, Philip-Lorca diCorcia?

—

Современный пейзаж
Почему эти фотографии такие некрасивые? Почему на них нет привычного нам красивого леса, гор и моря? Зачем снимать обыденную реальность? Что за пейзажи у Andreas Gursky и Elina Brotherus?

— Натюрморт и объекты
Красивый натюрморт, вкусный салат, дорогие ботинки — это «современно»?
Laura Letinsky, Gabriel Orozco, Hiroshi Sugimoto дают пример того, что такое действительно настоящий «современный натюрморт».

— Документальная фотография
Что и как должен снимать фотодокументалист сейчас? Современные известные фотографы, работающие с документальной фотографией: Erwin Wurm, Larry Sultan, Martin Parr, Nan Goldin, Dina Pepe.

— Фэшн и реклама
Актуальная модная и рекламная фотография в контексте «современного искусства». Какая она? Эти люди не просто красиво снимают одежду: Jonathan De Villiers, Nick Knight, Mert and Marcus, Corinne Day, Vivenne Sassen.

2. Учимся снимать современную фотографию и собирать современные фотопроекты

— Современные идеи для фотопортретов
Что и о чём сейчас нужно снимать, чтобы это было интересно, не глупо, и чтобы получилось искусство? Как придумать и снять действительно современный проект.

— В каком стиле снимать современный фотопроект?
Как снять, чтобы из снятых фотографий можно было легко собрать интересный современный фотопроект.

— Как собрать интересный современный фотопроект из своих старых фото?
Как собрать крутой современный проект, даже если вы снимаете простые, любительские фото или банальные сюжеты.

— Как выбрать фотографии для проекта?
Какие фотографии выбирать из отснятого материала для того, чтобы составить из них современный фотопроект или фотокнигу?

— Портфолио-ревю
На портфолио-ревю мы постараемся дать практические советы по работе именно с вашими фотографиями. Мы вместе посмотрим ваши серии и разберемся, что можно было бы сделать, чтобы фотопроект заговорил новым языком, стал более актуальным и современным, независимо от того, что вы снимаете: моду, свадьбы, детей, еду или себя.

Почему фотографы не понимают современное искусство

Джон Реймонд Майрлес попытался объяснить, почему современная фотография очень далека от понимая современного искусства.
Понятно, что огромные массы населения могут не оценить современное искусство. Но вы думаете, что фотографы, которые сами являются творцами, будут ценить искусство и творчество других во всех его формах? Я вижу, что когда дело доходит до настоящего современного искусства, то большинство (но не все) фотографов склонны полностью отказать ему в праве на существование.

Вместо того, чтобы быть более открытыми для современного искусства по сравнению с обычными людьми — «не художниками», фотографы, на самом деле, более склонны к пренебрежительному отношению.

Как фотограф я вздрагиваю, когда узнаю как мои коллеги презирают признанные произведения искусства, когда они не соответствуют их предубеждениям в том, что является «хорошим искусством». Иногда, увидев отрицательный отзыв в соцсетях, я хочу прокричать «Только потому, что вы не понимаете, не означает, что это плохое искусство!» Но это не только тема для споров, современное искусство для фотографов важно как источник вдохновения и творчества. Потратив время на изучение современных подходов в искусстве, фотографы растут в своей профессии, улучшают свое положение на рынке и даже открывают дверь в ту область, где сами могут стать уважаемым художником.

Если же ничего этого и не произойдет, то вот что сказал недавно мой знакомый, тоже фотограф: «Это разговор, который стоит потраченного времени».

«Две окаменелости», 2017, Джон Реймонд Майрлес

Что такое современное искусство и что им не является?

Прежде, чем мы углубимся в причины, по которым фотографы склонны избегать «современного» искусства, мы сначала должны понять, о чем именно мы говорим.

Хотя большинство людей считают все традиционное и авангардное искусство этого и прошлого века «современным искусством», ярлык современного искусства действительно относится к определенному отрезку и стилю работы первой половины XX века. С тех пор мы видели массу различных стилей в искусстве, от абстрактного экспрессионизма до минимализма и поп-арта, каждый из них был в приоритете в определенные периоды времени.

Есть огромное число стилей и типов работ, поэтому нет одного слова, чтобы обозначить работы, которые были сделаны в последние тридцать лет. «Пост-модернизм» часто используется для описания недавней работы, однако данное обозначение, на самом деле, представляет собой название философски ориентированного направления, а не конкретный визуальный стиль. Текущие работы, признанные миром как «искусство» обычно называют современным искусством, в которое входит определенный диапазон абстрактной живописи, некоторых видов фотографии, концептуальное искусство, инсталляции и тому подобное.

Более традиционные произведения, типа пейзажей, бронзовые скульптуры или играющие в покер собаки, хотя они и могут быть созданы работающими сейчас художниками, обычно не считаются современным искусством.

Для этой статьи будет использоваться термин «современное искусство» вместо «модерна», и речь пойдет о нетрадиционных формах искусства.

Спрос и предложение, 1972, Кэрол Ченг

При изучении работ, похожих на представленную выше, нередко можно услышать жалобы: это не искусство, в чем смысл, где здесь навык художника? это скучно. И слишком часто встречающееся: «Я бы мог сделать так же». Когда вы посмотрите на фото, которое представлено ниже, за авторством Андреаса Гурски под названием «Рейн II», вы можете представить все упомянутые критические замечания, размышляя над тем, что когда эта работа была продана на аукционе в 2011 году за 4.3 миллиона долларов, то она стала самой дорогой в мире фотографией.
Рейн II, Андреас Гурски

Краткая история искусства

Если вы фотограф и задаетесь вопросом, как фотография показанная выше может столько стоить, то вам нужно сначала узнать кое-что об истории искусства.

Вернемся назад почти на 200 лет, до того, как фотография стала важной частью жизни, а живопись была основным методом визуальной коммуникации. Если бы вы хотели поделиться историей в визуальном виде, то вам бы пришлось ее нарисовать. Однако, как только появилась фотография, живопись начала испытывать кризис идентичности, поскольку фотография более точно и удобно могла представить трехмерный мир на двумерной поверхности.

Между тем, фотография пыталась утвердится в качестве формы искусства. Конечно, фотография была прекрасна для портретов и пейзажей, но были ли это искусство с большой буквы? Видя как искусство доминирует в живописи, фотографы пытались сделать свои снимки похожими на картины. Благодаря этим усилиям появился стиль, известный как пикториализм. Мягкие воздушные снимки, часто лишенные мелких деталей, стали модным стилем в конце XIX века.

Лондон, 1899, Леонард Миссон

Итак, здесь у нас были фотографы, увлеченные живописью, и художники, ставящие под сомнение значимость их работы до такой степени, что французский художник Поль Деларош провозгласил, что «фотография убила живопись».

Художники осознавали, что искусство было под вопросом и под давлением.

Ответ на это печальное положение пришел в форме модернизма — движения, которое, возможно, наиболее просто описывается в контексте широко распространенного выражения «форма следует за функцией». Применяя этот принцип к фотографии было высказано мнение, что фотография может быть лучше, чем любой другой способ отображения, эффективно и продуктивно воспроизводя видимый мир на плоской поверхности. Если мы согласны с этим, следовательно обслуживание является ее функцией по мнению модернистов, фотографии должна состоять из изображений, которые используют все технические возможности камеры и средств отображения для точной передачи максимума информации о документируемой сцене.

Воплощение фотографа-модерниста, вероятно связано с кем-то, кого вы никогда не ассоциировали с этим движением в искусстве: знаковый пейзажный фотограф Ансель Адамс. Адамс отлично умел создавать изображения, которые были четкими от начала и до конца, разработал и использовал систему, чтобы вытаскивать каждую крупицу информации из негатива (Зонная теория или Зонная система экспозиции), точно компоновал свои снимки и создал наиболее технически точные отпечатки того времени. По сей день почти все фотографы принимают модернистские приемы Анселя Адамса и многих других, от Ричарда Аведона до Себастио Сальдаго, последовавших за Адамсом.

Если вы фотограф, то нет сомнений, что вы действуете так же. Понимаете ли вы это или нет, но вы модернист!

Титоны и река Снейк, Национальный парк Гранд-Титон, Вайоминг, США, 1942, Ансель Адамс

Между тем, еще в мире живописи понятие «форма следует за функцией» повело художников совсем в другом направлении. Если функцией живописи перестало быть реалистичное воспроизведение реального мира, т.к. теперь это работа фотографии, то теперь она стала свободно заниматься другими нереалистичными представлениями времени, пространства и формы. Например, вместо одной пространственной перспективы в картине может быть несколько (или же вообще ни одной) перспектив. Подумайте о картине Пикассо «Авиньонские девицы», где обнаженные тела не занимают определенного пространства или о работе Дюшана «Обнажённая, спускающаяся по лестнице», которая показывает абстрактную фигуру проходящую через множество точек во времени.

Авиньонские девицы, 1907, Пабло Пикассо

Обнажённая, спускающаяся по лестнице, 1912, Марсель Дюшан

Итак… и живопись и фотография приняли модернизм, но с противоположными результатами: фотография рьяно трудится на реализмом, а живопись реализм забросила и выступает в пользу концептуальных абстракций. Когда мы понимаем это расхождение стремлений, то легко увидеть как фотографы, настолько погруженные в модернистскую традицию тщательно воссоздавать реальность, с трудом принимают работу, которая настолько сильно эту самую реальность игнорирует. К сожалению для фотографов, дальше становится только хуже…

В то время, как модернизм все еще управляет миром профессиональной и любительской фотографии, он в значительной степени заброшен фотохудожниками, работающими с фотографией как со средством. Вместо уникальных композиций и «волшебного часа», арт-фотографы часто используют стандартную перспективу для своих композиций. Прямой снимок банального объекта в обычном свете является общим мотивом арт-фотографии. То, что мир искусства считает «искусством», фотографы часто считают скучным.

Бернард и Хилла Бехер

Это простая и технически не обработанная эстетика, обычно называемая «невозмутимым взглядом», была также перенесена в портрет. Сравните этот портрет Алека Сота, любимца мира искусства, с более стилизованным портретом работы Марка Селигера, которого любят фотографы. Хотя Селигер успешен в коммерческом плане, его работы с трудом можно назвать современным искусством.

Из серии «Сны по Миссисипи», 2002, Алек Сот

На фотографии Марка Селигера, которую можно увидеть ниже, искусственность (фон и реквизит), элегантное освещение, экспрессия и физическая привлекательность модели — все элементы, которые так важны для профессиональных фотографов — являются проклятием эстетики современного искусства.

Марк Селигер

Арт-фотографам даже не нужно создавать фотографии, поскольку важно не художественное произведение, а лежащая в основе концепция.

Например, это изображение Ричарда Принса на самом деле является фотографией, которую он снял для старой рекламы Мальборо в 70-х годах. Изъятый из своего первоначального контекста, образ теперь является «Деконструкцией американского архетипа». Картина Принса это копия (фотография) копии (рекламы) мифа (ковбоя). То, что этот плагиат принес на аукционе 3.4 миллиона долларов, служит поводом для отвращения фотографов к жанру современного фотоискусства.

Без названия, 1989, Ричард Принс

По сути, мир современного искусства говорит фотографам: «Все, что вас волнует: техническое мастерство, креативная композиция и даже оригинальное содержимое, больше не имеет значения». Ой.

Было бы легко сказать, что все, что имеет значение, это идея или вызванные эмоции, но это было бы неправдой. Вместо этого, для мафии в современном искусстве (кураторы, владельцы галерей и рецензенты) имеет значение, как идея или концепция, находящаяся в основе работы, ссылается на детали в культуре, философии и других произведениях искусства в настоящем и прошлом. И, конечно, если произведение хорошо обработано (или сделано известным человеком), то так намного лучше.

Фотография или современность

Эта взаимосвязь между фотографией и современным искусством сложнее еще из-за того, что с другой стороны уравнения — стороны живописи и трехмерного искусства — отход от мастерства также усилился. В своем разрыве с реализмом искусство все больше сосредотачивается на раскрытии концепций и философий, и меньше на продвижении эстетических достоинств. Постмодернизм, в частности, посвящен анализу исторических перспектив и разоблачению традиционного изложения. По сути, вы не представляете, на что вы смотрите и как об этом можно судить, пока не прочтете подробно написанное заявление автора, которые висит рядом.

Когда от зрителя ожидается понимание концепций подобия, деконструкции и семиотики, которые нужны чтобы оценить произведение искусства, неудивительно, что даже опытные покровители искусств «не понимают этого». Как сказал один отставной фотокорреспондент: «У меня всегда есть ощущение, что я присоединился к рассказу в середине и пытаюсь ухватить смысл» (из статьи под названием «Тревожная тенденция в фотографии»).

Джон Реймонд Майрлес

Эта идея, что нужно читать дополнительную информацию, чтобы понять произведение, противоречит тем ценностям модерниста, которыми дорожат фотографы, в частности правилу, что изображение должно быть полноценно само по себе. Успешное изображении в традиции модернизма использует свои визуальные элементы для построение повествования, понятного для зрителей, без необходимости в дополнительном объяснении. Когда вы видите этот снимок, созданный мной (выше), изображающий женщину в сексуальном нижнем белье, вы интуитивно раскрываете историю, которая в нем есть.

Сравните это с инсталляцией Трейси Эмин (ниже), где очень легко возникает вопрос «какого черта?». Однако эта неопределенная работа «Моя кровать» вошла в шорт-лист премии Тернера и считается одной из основных работ новаторской группы Young British Artists (Молодые британские художники). И это продано на аукционе за 2.5 миллиона фунтов.

Моя кровать, 1998, Трейси Эмин

Последние мысли

Это может быть болезненно, но профессия фотографа и изучение фотографии застряло в эволюционном тупике.

Несмотря на то, что в последующие годы будет создано много великих и даже культовых работ, пока фотография привязана к ограничениям модернизма, она вряд ли будет принята в мир современного искусства. Фотография, как ее понимают фотографы, будет навсегда оставлена за бортом.

Несколько лет назад я столкнулся с пейзажным фотографом Джеффом Митчумом, когда мы оба фотографировали океанский закат. С заметной горечью он жаловался, что несмотря на то, что его работы продавались ценителям по всем миру через галереи в дорогих районах Ла-Хойя и отеле Белладжио в Лас-Вегасе, куратор местного музея не будет ему перезванивать, и, тем более, выставлять его работы. Очевидно, что он не понимал разрыва между современным искусством и фотографией, и на какой стороне он находится.

Важным моментом для читателей, которые хотят совершить переход в современное искусство, будет не совершать ту же самую ошибку. Да, может потребоваться некоторое изучение искусства и истории, чтобы постигнуть, по-видимому, не очень очевидный мир искусства нашего времени, но я обнаружил, что чем больше я знаю о своем ремесле и искусстве, тем более обоснованные решения могу принять, когда развиваю свою карьеру.

Возможно, в следующий раз, когда вы окажетесь в какой-нибудь галерее с белыми стенами (или посмотрите снимки беременной Бейонсе) и столкнетесь с какой-то странной путаницей необработанного контента, который на первый взгляд не имеет смысла, у вас будет лучшее понимание почему этот художник принял именно такое решение. Кто знает, может вам даже понравится.

Об авторе

Джон Реймонд Майрлес — художник, который сейчас проживает в Нью-Йорке, США. Чтобы увидеть его работы можно посетить его сайт, страницу в Facebook, Instagram (здесь и здесь) или Twitter.

«Фотография – это фундамент для развития искусства XX века»

Первая коллекция семьи Романовых, собственная фотостудия Ивана Шишкина и всемирно известный фотохудожник из Казани

Очередным мероприятием в рамках совместного проекта «БИЗНЕС Online» и ЦСК «Смена» под названием «Современное искусство в России: истоки, герои, контекст» стала лекция искусствоведа Ирины Чмыревой «Как фотография стала современным искусством?». По ее окончании мы поговорили с московской гостьей о том, как фотография превращалась в вид искусства, главных современных отечественных фотографах и причинах отсутствия специалистов-искусствоведов в этой сфере.

Ирина Чмырева Фото: Ирина Ерохина

КОГДА ЛЮДИ, СЧИТАЮЩИЕ СЕБЯ ФОТОГРАФАМИ, СТАЛИ СЕБЯ ОСОЗНАВАТЬ ТВОРЦАМИ?

— Ирина, исходя из названия вашей лекции «Как фотография стала современным искусством?» можно ли говорить сейчас о том, что это разные специализации — фотография и другие виды изобразительного искусства, как считалось прежде? Сформулируйте, пожалуйста, чем художник отличается от фотографа, или это некорректный вопрос?

— По большому счету говорить о том, что это разные специализации, не совсем верно. Речь идет о творчестве художников, а дальше мы можем подразделять: этот художник занимается живописью, а этот — фотографией. Это не означает, что живописец не может заниматься фотографией, а фотограф в какой-то момент не может обратиться к печатной графике или к скульптуре, — таких примеров множество. Это, на самом деле, явление достаточно недавнего времени, и в международном масштабе этот процесс идет с начала 70-х годов. У нас в стране, если судить по тому, что происходило на выставках в годы перестройки, историю проникновения фотографии в современное искусство можно отсчитывать от неформальных, а потом от первых официальных выставок, на которых появились странные вещи, сделанные художниками, обратившимися к фотографии и фотографами, решившими расширить свой арсенал выразительных средств. Начинались эти поиски, естественно, до этих выставок, потому что иначе к моменту выставок было бы нечего показывать.

Но по-настоящему историю этого процесса можно разделить на несколько важных этапов. Первый этап — когда люди в принципе занимающиеся фотографией, и считающие себя фотографами, стали себя осознавать творцами. В нашей стране это совпадает со временем развития фотоклубов, когда человек, пришедший из инженерной профессии или рабочего класса, вдруг начинает понимать, что его в этой жизни волнует не количество положенного кирпича и не чертежи космических аппаратов, а другие проблемы — например, как он может передать полет голубя или ка́к то, что он сфотографировал, вырвал из контекста повседневности, будучи помещенным в рамку кадра, приобретает новый смысл. Такие примеры были и в Казани: фотоклуб «Тасма» открыл несколько очень ярких авторов — в первую очередь Лялю Кузнецову, всемирно известного фотографа, и, безусловно, художника. И абсолютно неважно, кем она была до того, как взяла в руки камеру и осознала себя творцом.

Второй важный этап — это 80-е и та богемная среда, в которой музыканты, художники, исполнители, модельеры, дизайнеры, люди без определенного занятия, но с очень хорошим чувством вкуса, не знавшие, что их влечет, брали в руки камеру и потом оказывалось, что это именно то, чем они должны были заниматься.

Похожий процесс происходил в начале XX века, когда в художественную фотографию (в отличие от профессиональной коммерческой фотографии) люди приходили от избытка комфорта. Был такой американский фотограф Энн Бригман, она по разводу от мужа получала достаточное содержание и не знала, чем себя занять, стала дружить с художниками и, чтобы не быть чужой в их среде, взяла в руки камеру. Опустим период ее становления, но она стала одним из классиков американской фотографии начала XX века. Это буквально история того, как человек, попав в художественный круг, испытывает чувство неловкости от того, что он сам ничего творческого не делает, но атмосфера, в которую человек попал, начинает его вдохновлять на эксперименты. И выяснилось — Бригман как раз таки может. Это не значит, безусловно, что любой взявший в руки камеру человек станет обязательно известным или что он сможет «говорить» с помощью фотографии, — это, безусловно, искусство; так же, как не любой человек, поющий за столом после принятия определенного количества чарок, сможет стать певцом.

— А как это развитие происходило уже в современной России?

— Cледующий этап становления фотографии на сцене современного искусства в нашей стране — это 90-е годы, когда развитие пространства современного искусства в России стало не только соприкасаться, но и пересекаться с мировым художественным процессом. Сейчас, когда мы оборачиваемся назад, понимаем, что это было время невероятной широты возможностей, все, кто об этом писал в то время, говорили: «Мы в самом начале пути; то, что у нас происходит, — этого недостаточно». Но сегодня кажется, что это был золотой век, который мы случайно пропустили, несмотря на то, что сами были участниками этого процесса.

В 90-е был пик экспериментальной активности людей, которые работали с фотографией. Как ни странно, приход цифровой техники и развитие интернета расширили аудиторию, но понизили градус эксперимента, и теперь должно пройти еще какое-то время, чтобы возгонка алхимического процесса творчества стала набирать силу.

«ВОПРОС НЕ В ТОМ, В КАКОМ СТИЛЕ РАБОТАЕТ ФОТОГРАФ ИЛИ ЧТО ОН ИСПОЛЬЗУЕТ…»

— Думаете, она будет?

— Обязательно. Это волновая ситуация, когда мы в какой-то момент находимся в состоянии спада, а потом снова начинается движение. Отнюдь не обязательно, что это будет волна по той же синусоиде, которую мы ожидали, что новые формы, которые появятся, будут коррелировать с тем, что нам известно. Они могут оказаться в другой форме и в первый момент для нас быть неочевидными. Но я уверена в том, что мы сейчас находимся в том состоянии, когда не совсем понятно, что именно происходит. Интернет нас своей массовостью очень сильно расхолаживает и снижает ценность информации, которую мы получаем. Когда мы просматриваем тысячи изображений, уловить в этом потоке одно-два важных бывает иногда очень трудно. Только со второго-третьего просмотра оказывается, что действительно в отвале интернет-руды есть частицы золота.

Наверное, профессиональные редакторы меня поймут, потому что, когда ты читаешь текст по третьему разу, видишь, что там есть важные мысли, вложенные автором, но ты читаешь сотни страниц за день и перестаешь фокусироваться на мысли, начинаешь рассматривать внешнюю форму. Интернет нас приучает скользить по поверхности, количество новой ежесекундно поступающей информации практически не дает возможности вернуться и пересмотреть заново. Но, я думаю, сейчас то время, когда происходят интересные вещи. Я уверена, что в ближайшие годы, оборачиваясь на то, что создается сейчас, мы по достоинству оценим и этот этап.

— А вы разделяете расхожее мнение, что интернет и новые технологии фотографию убили?

— Не думаю, что это так. На самом деле в последние лет десять как в нашей стране, так и во всем мире идет возврат интереса к старым и даже старинным техникам фотографии, которые оказываются иногда очень интересными способами для реализации художников. Бывает, что кто-то, обратившись к старой технике, становится профессионалом ее воспроизведения, замечательным мастером, владеющим редким ремеслом, а кто-то идет дальше, открывает новые пути, такой художник — мыслитель, а старая техника оказывается лишь точно подобранной формой для выражения его идеи. Вопрос не в том, в каком стиле работает фотограф или что он использует: камеру-деревянный ящик, сделанную мастером в XIX веке, и старинную оптику, купленную на аукционе за тысячи евро, или не менее дорогую современную технику. Безусловно, техника создания произведения интересна, но это второй вопрос, а первый заключается в том, насколько автор в состоянии точно сформулировать свое сообщение зрителю. Если художник в состоянии перевернуть мое представление о мире, оно сначала перевернется, а потом, успокоившись немножко, я буду смаковать, как это было сделано: с помощью техники дагерротипа или новейшим цифровым отпечатком.

Как говорил знаменитый графический дизайнер и редактор Алекс Бродович, обращаясь к фотографам: «Удивите меня». Этот принцип работает везде — в журнальной, репортажной, новостной или художественной фотографии. Это в любом случае потрясение, которое мы испытываем, соприкасаясь с неожиданным произведением искусства. То же самое происходит и в отношении живописи, только в области изобразительного искусства принимается как данность то, что существует очень много скучных художников, а на их фоне выделяются интересные художники, и это считается нормальным; в фотографии же до сих пор большое количество скучных авторов является доказательством того, что как будто бы совсем мало интересных. Увы, такое существует предубеждение.

«В ПОСЛЕДНИЕ ГОДЫ ОЧЕНЬ МНОГО ФОТОГРАФИЙ С ВОЗВРАТОМ К ОЧЕНЬ СТАРЫМ ТЕХНИКАМ»

— Могли бы вы дать краткую характеристику современной фотографии? Какая она, какие у нее признаки?

— У меня к современной фотографии специфическое отношение. Дело в том, что я в каком-то смысле всеядна. Я понимаю, что кто-то из моих коллег может сказать, что определенная стилистика — современна, а другая стилистика, бывшая в употреблении, часто публиковавшаяся 5 — 10 лет назад, всем надоела и сейчас несовременна. Я стараюсь смотреть немного по-другому — если человек снимает, например, Сабантуй, то у самого этого события есть своя стилистика выражения. И вопрос в том, чтобы фотограф сумел это событие транслировать, показать его стилистику самовыражения. И если его фотография будет очень искусственна по отношению к той реальности, которую он снимает, то этот разрыв содержания и формы меня отвратит, нежели подскажет, что найдена новая современная идея. При этом я понимаю, что стилистика, которая сделает это событие понятным зрителю и даст возможность «войти» в него, скорее всего, будет соответствовать стилистике самого события, а оно очень традиционно. И это значит, что мы видим стилистически очень хорошую фотографию, подобно, возможно, той фотографии, которая была сделана 10 или 50 лет назад, и в этом и есть некий завершенный фотографический продукт.

Я могу сказать, что в последние годы очень много фотографий с возвратом к очень старым техникам и к тщательности исполнения отпечатка. Возможно, был период, когда кажущаяся легкость фотографии и игра в эту легкость профессиональных авторов привела к тому, что было очень много неряшливости в изображениях, и это казалось современным языком. Мне кажется, сейчас подобных изображений становится меньше и, наоборот, тщательность исполнения, композиционная, цветовая или тональная точность — формальная завершенность — все это становится знаком качества, и это возврат к тем категориям оценки, которые были 20 лет назад. Поэтому говорить о том, что есть совершенно новые категории оценки современной фотографии, я не могу.

И все-таки новые знаки есть. Существует такая новая тенденция, как авторская фотокнига, с которой экспериментируют множество совсем молодых людей. У некоторых из них это не просто первая фотокнига, которую они сделали из своих фотографий, а вообще первая законченная работа. Стремление к превращению своих фотографий в книжки наблюдается последние лет 5 — 10. Но когда это становится повальным увлечением, то из художественной тенденции уже имеет место переход в массовую моду.

Мне кажется, что сейчас время противостояния тщательности и рукодельности и, наоборот, возможности некоторых авторов дать фотографии работать самостоятельно, минимально вмешиваясь в этот процесс. По сути, это отношение к фотокамере — как к старой аналоговой, так и к цифровой — как к партнеру, который может высказываться самостоятельно, и художнику предстоит интерпретировать это высказывание, но не строить, не создавать его. Такое отношение к техническому объекту как к личности — это новая тенденция, которой раньше не было. Те эксперименты, которые проводились в 20-е годы, предполагали, что процесс фотосъемки неуправляем, но тем не менее в нем автор остается автором. А сейчас существует понимание того, что есть искусственный интеллект, с которым мы вступаем в диалог. Происходит перенос этих отношений и на фотографическую технологию.

— Кого вы можете выделить, каких крупных мастеров последних двух десятилетий, зарубежных и отечественных, которых нельзя не знать человеку, мало—мальски интересующемуся фотографией?

— Тут вопрос в том, что фотография очень разнообразна. Это как музыковеда спросить — кого в музыке надо знать. Музыковед, может быть, скажет, что надо знать Шнитке, но, с другой стороны, надо ведь знать и Боба Дилана. Если говорить о фотографии, то и здесь такая же ситуация, как в музыке. Если говорить о классической фотографии и русских авторах, я бы сказала, что надо знать в фотожурналистике, с одной стороны, Владимира Вяткина, Юрия Козырева, Татьяну Плотникову. Если же говорить о классической фотографии как об идеально выстроенной композиции, то здесь нельзя обойтись без упоминания Александра Слюсарева и Николая Кулебякина, хотя в жизни они были явными антагонистами. Это замечательный композитор изображения Игорь Мухин, а также совершенно невероятный Стас Клевак, Александр Гронский — именно как люди, которые создают свои «магические кристаллы» абсолютно без привязки к нашим социальным реалиям.

В модной фотографии мне нравится, что делает Алексей Кузьмичев, хотя сам он считает, что работа в модной индустрии — это всего лишь хлеб. Но его знание истории искусства и ощущение себя художником дает ему невероятную свободу, которой у многих нет. Из молодых я назову Никиту Пирогова… у меня была презентация книги в Петербурге (Никита оттуда родом) и местные фотографы меня спрашивали: «Он правда наш? Мы никогда о нем не знали». Иногда так бывает: тот, кого потом назовут знаковой величиной нашего времени, может быть не известен широкой публике.. .

Но тут весь вопрос в том, что, с одной стороны, я как зритель сопереживаю, начинаю любить произведение и через него и самого автора, начинаю следить за его творчеством, а, с другой стороны, я как профессионал собираю мнение других профессионалов и зрителей, за которыми всегда наблюдаю с большим интересом. И когда я вижу, что люди очень далекие от фотографии и не понимают даже, на что конкретно они реагируют в этих изображениях, но все-таки реагируют, я понимаю, что такие фотографии сделаны тем самым «властителем дум» нашего времени, хотя внешне они могут быть сделаны чрезвычайно просто.

«ПЕРВЫЕ ЧАСТНЫЕ СОБРАНИЯ — ЭТО СОБРАНИЯ МОНАРХОВ»

— А как возникла, с чего началась ваша любовь к фотографии и ее изучению?

— У меня на этот вопрос есть заготовленные ответы для фотографов и для людей, которые далеки от фотографии, а правда — где-то посередине. С одной стороны, я из семьи, где оба дедушки — фотографы. Я росла с дедушкой-фотолюбителем и в окружении альбомов по искусству, которым увлекалась моя мама. Cо вторым дедушкой — профессиональным фотографом — я никогда лично не встречалась, и я узнала о том, что он известный фотожурналист, когда уже выросла.

С другой стороны, я профессиональный искусствовед, и когда в институте занималась русской средневековой иконографией, занималась философией искусства, мне казалось, что это будет навсегда. Потом я влюбилась во французский постимпрессионизм и в первую очередь в Пьера Боннара. Когда я изучала его биографию, обнаружила, что он очень недолго занимался фотографией. И во всех книгах, посвященных его творчеству, написано, что было недолгое увлечение, он потом несколько своих композиций перевел в гравюры. И все. Но будучи фантазером по натуре, я стала смотреть на его занятия фотографией чуть более пристально. Тогда же я стала сама учиться фотографировать и печатать — так же, как я брала уроки живописи: не для того, чтобы стать художником, но для того, чтобы понимать, как физически создается произведение, чтобы понимать, что в нем от техники, а что — от автора. И когда эти знания соединились в моем интересе к Боннару, я увидела, как его занятия фотографией изменили его представление о возможностях художника и насколько это повлияло на изменение его палитры, на его новую экспериментальную технику живописи.

Я поняла, что фотография — это фундамент для развития искусства XX века, неважно, в каком направлении мы это искусство рассматриваем. Для меня фотография — фундаментальная вещь современной культуры, поэтому я ей и занимаюсь. Но при этом я очень люблю архитектуру, по самому первому образованию я дизайнер промышленных интерьеров, и для меня возможность работать еще и в качестве художника с чужими произведениями, делая выставки, — это очень важно. Когда у меня есть возможность войти в пространство и начать его строить заново с помощью фотографии, сделанной другим автором, но в контакте с ним, стараясь его идеи высказать наиболее понятным способом для зрителя, — для меня это счастье.

— Вы на лекции упомянули, что у нас в стране совсем недавно стали собирать фотографические коллекции в музеях, даже в крупных. С чем связано это опоздание?

— Были периоды, когда их начинали собирать. Первая публичная коллекция в Российской империи начиналась благодаря известному художественному и музыкальному критику Владимиру Стасову в Императорской публичной исторической библиотеке. Насколько в 60-е годы XIX века понимали фотографию как важнейший визуальный документ эпохи — именно такие фотографические изображения тогда и стали собирать. До начала XX века в библиотеке была очень приличная коллекция — замечательная коллекция фотографий первого века ее истории хранится в Политехническом музее. И это не только некие артефакты работы техники, а произведения крупнейших авторов того времени, художников, работавших с фотографий… Позже, в cоветский период нашей истории, фотографию как отпечаток не собирали. В архив передавался только негатив, слайд — как некий исторический документ, который поступал в архивное хранение. А отпечаток, авторское законченное высказывание как форма игнорировался… За рубежом первые публичные коллекции — это тоже вторая половина XIX века.

Первые частные собрания — это собрания монархов, и у нас Романовы собирали фотографическую коллекцию, и она начиналась как коллекция портретов большой семьи. Позже они стали собирать фотографии мест, которые посетили, и лишь потом пришли к пониманию того, что есть изображения отвлеченные, не связанные непосредственно с историей их семьи. То же самое у британской королевской семьи: первая фотография — не семейная, а купленная как произведение искусства, это знаменитая фотография Оскара Густава Рейландера «Два пути жизни» 1857 года. Эта фотография, похожая на картину, была куплена за ту же цену, за которую можно было купить живописное произведение, написанное масляными красками на холсте.

Кроме того, позднее начало собирания фотографии можно связать и с тем, что фотография как новый вид искусства была признана достаточно поздно. Только модернизм после Первой мировой войны уравнял все виды медиа, которые использует художник: все — даже коллаж из газет — становится предметом коллекционирования в музее, потому что это акт творчества определенного художника. И точно так же фотография в конце 20-х годов начинает попадать в коллекции музеев в США. Но это не значит, что там все было гладко с коллекционированием фотографии на протяжении всего XX века. Например, когда в 1971 году Анна Такер пришла в музей изобразительных искусств Хьюстона, где был фотографический отдел, на тот момент в нем хранилось 200 фотографий. Когда два года назад Такер, будучи уже знаменитым куратором, покидала пост директора отдела фотографий и первого вице-директора музея, в нем уже было 200 000 фотографий, включая несколько крупнейших в мире частных коллекций, приобретенных музеем.

У нас музеи и библиотеки пытались собирать фотографию в начале XX века как искусство. Но революция изменила очень многое. Например, я в Краснодарском художественном музее обнаружила, что основатель музея Федор Коваленко покупал фотографии и таким образом в коллекции музея появились фотографии очень хороших авторов начала XX века. Но потом на них никто не обращал внимания, они были переданы в библиотеку музея и там пролежали до конца 90-х годов, когда я их в первый раз увидела. У нас в художественных музеях фотографию как искусство стали собирать только в 80-е годы, и это уже после того, как были основаны в СССР первые музеи фотографии. Если бы Виктор Мизиано не пришел работать в ГМИИ имени Пушкина, там не было бы фотографической коллекции.

— А в Эрмитаже есть коллекция фотографии?

— Есть, причем существует замечательная часть, собранная еще в XIX веке, — собственно, это часть коллекции Романовых, и есть та часть, которую стали пополнять в самом конце 80-90-х годов. В Русском музее была первая выставка русской фотографии в 1993 году, часть работ по окончании выставки авторы передали музею. В начале все это, как и в других местах, хранилось в отделе графики, а сам отдел фотографии был создан только в конце 90-х годов. Тогда же в Русском музее стали проводить музейные фотобиеннале. Последние лет 25 идет активное строительство музейных коллекций. Другое дело, что не хватает специалистов и люди, которые для музейных коллекций покупают или принимают в дар фотографии, не знают ее истории и не могут верно определить место материала, который им предлагается. Например, когда Пушкинский музей в честь своего 100-летия делал выставку фотографий современных авторов, несколько очень важных фотографов были отвергнуты, потому что показались выставочной комиссии слишком простыми, это была удивительно анекдотичная ситуация.

Фото: Ирина Ерохина

«Я ЗНАЮ КУРАТОРОВ, КОТОРЫЕ ДЕЛАЮТ ЗАМЕЧАТЕЛЬНЫЕ ВЫСТАВКИ, НО ПРИ ЭТОМ ОНИ СЧИТАЮТ, ЧТО ФОТОГРАФИИ — ЭТО ОТКРЫТКИ»

— А с чем связан явный дефицит специалистов?

— Их практически нет. Студенты, которые сейчас пишут дипломные работы по фотографии на факультетах искусствоведения, находятся в положении студентов, которые во времена СССР писали дипломные работы по современной критике: казалось, что это самое простое и может быть доверено самым слабым, кто потом не собирается строить научную карьеру. Сейчас интерес к фотографии есть, но нет учебников, специальных курсов, да и экономически молодым искусствоведам трудно выживать, а тут еще надо много времени посвящать самообразованию… Из авторов тех работ, которых я за последние годы рецензировала, я знаю всего лишь пару людей, которые остались работать с фотографией, но и они пока не ведут научной работы, не имеют отношения к музейным институциям.

— Почему? Это же парадокс, учитывая востребованность фотографии.

— Ситуация очень неустойчивая — как правило, заниматься историей фотографии приходят очень любознательные молодые люди, но потом они понимают, что это поле, не паханное до горизонта, и это не та маленькая деляночка, где можно цитировать предшественников и чувствовать себя уверенно. Территория фотографии — это тектонически подвижная платформа, на которой интересно, но очень тяжело удержаться, и в научных кругах это по-прежнему не выглядит респектабельно. Фотография для некоторых до сих пор кажется документом, а не произведением визуального искусства. Я знаю кураторов, которые делают замечательные выставки, но при этом они считают, что фотографии — это открытки.

Представьте себе: одно дело вырасти в окружении фотографии и осознавать, что это такое, и другое — вырасти в художественной среде, когда ты с детства окружен живописью, графикой, книгами. Для тебя фотография находится в двух шагах, она неблизко. Далеко не все люди думают о том, как они дышат, как происходит этот процесс. Есть те, кто задумывается об этом и затем становится физиком или биологом, а есть остальные — они просто дышат и не пытаются изучать это явление. Так же и с фотографией.

Кроме того, искусствоведам до сих пор не читают курс истории фотографии, они вообще не знают, что у фотографии есть история. Родченко, слава богу, сейчас известен как художник, известно также, что он занимался фотографией. А то, что за фотографией Родченко стоит философ искусства Александр Родченко, который некоторые свои идеи мог выразить только с помощью фотографии, — это уже закрыто для программы художественного вуза.

Для художников тоже историю фотографии не читают, потому что в академической среде очень долгое время считалось, что это вредное знание, что художники перестанут рисовать, и из-за этих заблуждений, отсутствия анализа, как на самом деле развивалось искусство в XIX–XX веках, все приходит к тому, что художники сами интуитивно начинают интересоваться фотографией, постепенно, теряя драгоценное время осознают то, что иногда фотография им нужна, — и не только для того, чтобы с нее рисовать, а потому, что она позволяет им по-другому взглянуть на их собственный процесс творчества.

Когда я сдавала экзамен в аспирантуру, приемная комиссия долго спорила о том, поставить мне 4 или 5, потому что гранд-дамы были оскорблены тем, что я упомянула занятия Ивана Шишкина фотографией и наличие у него собственной фотостудии. Это было воспринято как оскорбление великого русского художника-пейзажиста. Хотя такой поворот биографии любого большого европейского художника был бы безумно интересен исследователям, студенты бы писали дипломные работы, анализируя, как два совершенно разных подхода к изображению позволили этому человеку достичь невероятных результатов. Но это уже особенности консервативного хранения знания в нашей старой школе искусствоведения.

Предисловие — Ф. Журнал о современной фотографии

Мы живём в исключительное для фотографии время, в котором мир искусства принимает фотографию как никогда прежде, и фотографы считают арт-галереи и книги естественным местом обитания своих работ. На протяжении всей истории фотографии существовали люди, содействующие её развитию как одной из форм искусства и источника идей, наряду с живописью и скульптурой, однако никогда прежде их не было так много и они не были столь активны. Многие фотографы сегодня рассматривают искусство предпочтительной территорией для своих изображений.

Целью этой книги является не создание перечня всех фотографов, чьи работы заслуживают упоминания в контексте современного искусства, а передача обширного спектра стимулов и выражений, существующих в этой области. Это что-то вроде исследования, обзора, с которым вы могли бы столкнуться, посещая выставки на различных площадках, от независимых арт-пространств и общественных арт-институций до музеев и коммерческих галерей в важнейших арт-центрах как Нью-Йорк, Берлин, Токио и Лондон.

Главы этой книги делят современную фотографию на восемь категорий. Эти категории или темы были выбраны, дабы избежать впечатления, что основные характеристики современной арт-фотографии определяются стилем или выбором предмета съёмки. Конечно, в действительности существует ряд стилистических аспектов, объединяющих некоторые работы, представленные в этой книге, так же, как и ряд объектов, преобладающих в фотографии последних лет, однако темы глав этой книги скорее сосредоточены на объединении фотографов на основе того, что ими движет в работе. Такая структура ставит на первое место идею, являющуюся основой современной арт-фотографии, а уже потом её визуальное выражение.

В первой главе «Если это искусство» рассматривается, каким образом фотографы продумывают методы, образы действия и события специально для камеры. Ей отдано начало книги в силу того, что здесь мы встречаемся с традиционным для фотографии стереотипом: идеей замкнутого фотографа, «копающегося» в повседневности в поисках момента, когда стоящая того визуально или интригующая картинка появится в видоискателе. Здесь внимание уделяется ситуации, в которой фотограф заранее знает, что станет центром его внимания, а стратегия продумывается не только с целью изменить наше представление о физическом и социальном мире, но так же с целью увести этот мир в незаурядном, экстраординарном направлении. Эта область современной фотографии выросла отчасти из документальных фотографий концептуальных перфомансов 1960-х-1970-х гг., но с существенным отличием от них. Хотя некоторые из представленных в этой главе фотографий кажутся простым документированием кратковременных художественных актов, на самом деле – и это весьма существенно, — они становятся конечным результатом и итогом этих событий: объект, выбранный и представленный в качестве произведения искусства, не является просто документом, следствием или побочным продуктом действия, которое уже прошло.

Вторая глава «Однажды» сосредоточена на повествовании в арт-фотографии. Её направленность более конкретна, поскольку она рассматривает преобладание формы “tableau” в современной практике фотографии: работа, в которой весь нарратив сконцентрирован в единственном изображении. Особенности этой формы непосредственно соотносятся с дофотографическим периодом XVII-XIX вв. западной фигуративной живописи. Это никак не связано с каким бы то ни было ностальгическим стремлением к возрождению со стороны фотографа, скорее причиной этому стало то, что в подобной живописи просматривается уже сложившийся и эффективный способ создания нарратива с помощью компоновки реквизита, жестов и стиля произведения искусства. Форма “tableau” в фотографии часто описывается как «сконструированная» или «инсценированная», поскольку изображённые элементы и даже тщательно выверенное положение камеры продумываются заранее и соединяются, чтобы представить уже сложившуюся идею создания изображения.

В третьей главе основное внимание сосредоточено на фотографической эстетике. «Невыразительность» относится к такому виду искусства фотографии, в котором отчётливо заметна нехватка визуальной драмы или преувеличения. Выравненные по форме и содержанию эти изображения кажутся творением беспристрастного взгляда, где сам сюжет важнее, чем точка зрения фотографа на него. Работы, представленные в этой главе, больше всего теряют от уменьшения размера и снижения качества печати в случае использования в качестве иллюстраций в книге, поскольку именно в их потрясающей чёткости (все фотографии сделаны с помощью средне- и крупноформатных камер) и большом размере отпечатка заключается сила их воздействия. Нарочитая деланность человеческих движений и театральный свет, увиденные во второй главе, здесь явно отсутствуют; вместо этого фотографии имеют визуальное превосходство, которое исходит от их экспансивной природы и масштаба.

В то время как третья глава связана с нейтральной эстетикой фотографии, четвёртая уделяет внимание непосредственно содержанию. «Что-то и Ничто» рассматривает то, как современные фотографы раздвигают границы понятия «значимый визуальный объект». В последнее время существует тенденция включать в изображение объекты и пространства, которые обычно мы не замечаем и проходим мимо. Фотографии, представленные в этой главе, подчёркивают вещественность того, что они изображают, например, уличный мусор, заброшенные помещения или грязное бельё, но их смысловое содержание меняется из-за видимого влияния, которое они оказывают по той причине, что были сфотографированы и представлены как искусство. Таким образом, современные художники пришли к тому, что с чувственной и субъективной точки зрения всё в реальном мире является потенциальным сюжетом. Что особенно значимо в этой главе, так это это бесконечная способность фотографии преобразовывать любой малейший предмет в творческий «спусковой крючок» с колоссальным значением.

В пятой главе «Интимная жизнь» мы концентрируемся на эмоциональных и личных взаимоотношениях, это нечто наподобие дневников человеческой близости. Некоторые фотографии сделаны в откровенно повседневном, любительском стиле, многие напоминают семейные снимки, сделанные «мыльницами» с цветовой гаммой в духе машинной печати. Но в этой главе внимание обращено на то, что современная фотография добавляет к этому своеобразному стилю, к примеру, построение динамического ряда и их средоточие на неожиданных моментах повседневной жизни, событиях, которые в значительной мере отличаются от тех, которые запечатлевает обычно человек. Кроме того, в этой главе рассматривается другой, вероятно, менее случайный и более продуманный подход к представлению наиболее привычных и эмоционально ярких для фотографа объектов.

В шестой главе «Моменты в Истории» предпринимается попытка охватить огромную область, в которой значение придаётся использованию документирующих свойств фотографии в искусстве. Она начинается с, вероятно, самого противоположного фотожурналистке подхода, который имеет расплывчатое название «фотография последствия». Это работы фотографов, которые приезжают на места социальных и экологических катастроф уже после случившегося. В буквальном «шрамировании» изображённых местностей современная фотография представляет аллегории последствий политических и человеческих потрясений. В этой главе также исследуется визуальная документация изолированных сообществ (будь то географическая изоляция или социальное исключение), которая показывалась в арт-книгах и галереях. В настоящий момент, когда поддержка трудоёмких документальных проектов, предназначенных для передовых страниц журналов и газет, ослабевает, галерея стала площадкой для демонстрации такого документирования человеческой жизни. Кроме того, в этой главе речь идёи о работах, в которых либо выбор объекта съёмки, либо фотографический подход противопоставляется или намеренно раздражает наше восприятие дозволенных пределов документальной фотографии.

В седьмой главе книги исследуется ряд современных фотографических практик, которые обращаются к уже существующему пониманию образности. Сюда входит переделывание хорошо известных фотографий и имитация характерных образов журнальной рекламы, кинокадров, а также прикладной и научной фотографии. Распознавая эти известные нам образы, мы осознаем то, что видим, как видим и как изображения вызывают и формируют наши эмоции и наше понимание мира. Косвенное критическое обращение к оригинальности, авторскому праву и достоверности фотографии, выдвинутое на первый план, является извечной темой в фотографической практике и занимает особое положение в фотографии на протяжении последних сорока лет. В этой главе приводится несколько примеров того, как фотографы либо возрождали фотографические техники прошлого, либо создавали архивы фотографий. Эти примеры дают более четкое понимание минувших событий и культуры прошедших лет, а также усиливают ощущение сходства и преемственности между современными и предшествующими им способами видения.

Заключительная глава «Физическое и материальное» сосредоточена на фотографии, в которой сама природа медиума является частью нарратива работы. Становление цифровой фотографии как неотъемлемой части повседневного опыта заставило многих современных фотографов принять сознательное решение сделать акцент на физических и материальных свойствах фотографии в ответ на изменение способов и форм распространения фотографий. Фотографии, использованные в этой главе, акцентируют внимание на широком круге возможностей, которые может выбрать фотограф. Для некоторых основной выбор состоит в использовании аналоговых или цифровых технологий, в то время как для других, выступающих в роли кураторов, — вложение смысла в найденный образ. Кроме того, среди художников существует тенденция использовать фотографию лишь в качестве одного из элементов своей практики, когда фотоизображения становятся частью инсталляций или скульптур. Более того, преодоление технических границ привело к тому, что интернет становится эффективным инструментом обращения к более широкому кругу зрителей.

Вы заметите, что многие фотографы и их работы в этой книге могли бы оказаться в других главах, нежели чем те, в которых они оказались. Отчасти это связано с тем, что, конечно же, ни одна из фотографий не была создана, руководствуясь названиями глав этой книги; что ещё более важно, этим подчёркивается тот факт, что работа является кульминацией множества разнообразных замыслов, экспериментов и стимулов, квинтэссенцией которых стали отдельные принципы и концепции, описанные в этой книге. Кроме того, стоит помнить, что многие из фотографов представлены здесь лишь одним изображением, которое было выбрано, чтобы символизировать всю работу в её полноте. Выделение лишь одного проекта из всего творчества фотографа даёт неверное представление обо всём диапазоне его или её проявлений и преуменьшает многочисленные возможности, которые фотография может предложить тем, кто обращается к ней.

Также в предисловии обращается внимание на решение минимизировать пространство, отданное работам предшествующих фотографов, которые помогли фотографии состояться как одному из видов искусства. Прежде всего, целью это книги является сосредоточение на сегодняшнем состоянии арт-фотографии, а не то, как и почему мы оказались здесь. К тому же, необходимо быть осторожным с тем, какое влияние может оказать их включение в книгу применительно к современной практике, которая только находится в процессе своего развития, — бесконечному всплыванию истории фотографии. Идея того, что современная фотография в полной мере ссылается лишь на саму себя и соотносится только с историей фотографии, — попросту не тот случай.

Тем не менее, существует ряд фотографов, ставших ключевыми фигурами с современной фотографии. Работа, проделанная такими художниками как Уильям Эгглстоун (рожд.1939) и Стивен Шор (рожд.1947) в 1960-е и 1970-е, связанная с установлением преобладания цветной фотографии над чёрно-белой в качестве основного инструмента современной фотографической практики, очень важна. Так же как и раннее концептуальное и художественное использование характерных форм фотографии, представленное в работах Бернда (рожд.1931) и Хиллы Бехер (рожд.1934) с конца 1950-х. При написании этой книги прилагались все усилия для того, чтобы не классифицировать современную фотографию в соответствии со стилем или фотографическим наследием. Но важно понимать, что условия и задачи, поставленные этими фотографами, являются ориентирами в рамках истории фотографии, которые всё ещё находят отражение в современной практике.

Следующий вопрос связан с возросшим интересом средств массовой информации и галерей к фотографии. В то время как современные фотографы сегодня обдумывают возможности презентации своих работ в пространствах галерей и предоставления их в коллекции, ещё двадцать пять лет назад для многих это не могло стать ни приемлемым контекстом, ни даже реальной целью с точки зрения институциональной и финансовой поддержки. По этой причине работы, к примеру, Сейду Кейта (1921-2001), Дэвида Голдблатта (рожд.1930) или Ральфа Юджина Митъярда (1925-72), которые находятся за пределами традиционных канонов истории фотографии, вышли на первый план лишь тогда, когда художественная фотография начала стремительно расширять свои границы, и были широко представлены лишь в 1990-е.

До 1970-х фотографы, использовавшие в своих работах яркие цвета (которые до той поры были прерогативой коммерческой и любительской фотографии), практически не находили поддержки, и только в 1990-х цвет стал основой фотографической практики. И хотя многие фотографы внесли свою лепту в этот переход, наиболее важную роль, как уже упоминалось выше, сыграли американцы Уильям Эгглстоун и Стивен Шор.

Уильям Эгглстоун начал делать цветные фотографии в середине 1960-х, перейдя в конце 1960-х к цветной слайдовой плёнке, которая обычно использовалась для домашних и коммерческих съмок, съёмок семейных отпусков, рекламы и журнальных изображений. Магия этих фотографий заключалась в композиционной линии и тонком преобразовании неприметного сюжета в непревзойдённую визуальную форму. В то время использование Эгглстоуном палитры заурядной повседневной фотографии всё ещё считалась выходящим за рамки художественной фотографии. Но в 1976 серия фотографий, сделанных им между 1969 и 1971, была выставлена в Музее современного искусства в Нью-Йорке — первая персональная выставка фотографа, работающего преимущественно с цветом. Наивно полагать, что одна выставка могла изменить направление развития арт-фотографии, однако она стала своевременным показателем значимости нетрадиционного подхода Эгглстоуна. Тридцать лет спустя его репутация на высоте. По-прежнему оставаясь выдающимся фотографом, он участвует в выставках по всему миру, печатается в крупнейших книжных изданиях и вносит свой вклад в развитие фотографии. В 2002 The Los Alamos Project был издан в виде книги и комплекта цветных отпечатков. Основная концепция проекта была грандиозной по всем меркам: две тысячи изображений, созданных во время дорожного путешествия в период с 1966 по 1974 гг. и напечатанных без кэпшенов или комментариев в наборе из двадцати частей. На этот проект Эгглстоуна вдохновила поездка, которую он совершил вместе со своим другом куратором Вальтером Хоппсом (1932-2005), обратившим внимание на ворота лабораторий Los Alamos неподалёку от Санта-Фе, Нью-Мексико, — место, где была разработана атомная бомба, а также район, в котором находилась исправительная школа, которую посещал писатель Уильям Берроуз (1914-1997). Момент публикации The Los Alamos Project — почти через тридцать лет после того, как были сделаны фотографии, — отражает непрерывный рост интереса к истории арт-фотографии. Сейчас не только молодые авторы имеют возможность получить критический отзыв на свои работы, но и сложившиеся фотографы могут заново представить и пересмотреть свои ранние работы в рамках более отзывчивой среды.

Стивен Шор привлек внимание критиков в необычайно раннем возрасте. Когда ему было четырнадцать, Эдвард Стайхен (1879-1973), в то время глава отдела фотографии в Музее Современного Искусства и представитель преобладающего движения в фотографии первой половины двадцатого века, приобрёл три отпечатка Шора для коллекции Музея. В конце 1960-х его чёрно-белые фотографии стали свидетельством времени, которое он провёл на Фабрике Энди Уорхола (1928-87), а в 1971 он стал одним из кураторов выставки «одноразовых» фотографий (таких как открытки, семейные снимки, журнальные страницы), которая называлась “All the meat you can eat” («Всё мясо, что вы можете съесть»). В том же году он снимал основные здания и общественно-важные места в небольшом городе в Техасе, который называется Амарилло. Его тонкие наблюдения за особенностями города проявились, когда фотографии были напечатаны в виде обычных открыток. Шор продал не много из тех 5600 штук, которые он напечатал, вместо этого он клал их в стойки для открыток во всех местах, где бывал (некоторые из них вернулись к нему почтой благодаря друзьям и знакомым, которым они встречались). Его увлечение поп-артом и интерес к стилю и возможностям бытовой фотографии повлияли на то, что в начале 1970-х Шор обратился к цветной фотографии. В 1972 он выставил 220 работ, сделанных 35-миллиметровой камерой Instamatic и экспонированных в сетях; на них были изображены повседневные события и обыкновенные предметы. Как и The Los Alamos Project ранние исследования Шором цветной фотографии как инструмента воплощения художественных мыслей не были широко известны до недавнего времени, когда вышла книга под названием American Surfaces (1999).

Величайший вклад Эгглстоуна и Шора — новый взгляд на арт-фотографию, позволяющий подойти к созданию изображений более свободно. Молодые художники пошли по их стопам, как американский фотограф Алек Сот (рожд.1969). Его серия, над которой он работал во время путешествий вдоль берега Миссисипи, изображающая людей и места, встречавшиеся ему на пути, совершенно очевидно является наследием Эгглстоуна. (Сот навещал Эгглстоуна во время поездки по Югу США). С другой стороны, фотографии Сота содержат элементы, отражающие эстетику «невыразительности», о которой идёт речь в третьей главе, и даже каноны портрета девятнадцатого — начала двадцатого веков, что доказывает тот факт, что современная художественная фотография, принимая во внимание свою собственную историю, обращается к ряду традиций, профессиональных и любительских, и перестраивает их, а не соперничает с ними.

Значительное влияние на современных фотографов оказали работы немецкой пары — Бернда и Хиллы Бехер. Их строгие конструкции чёрно-белых фотографий архитектурных сооружений, таких, как газохранилища, водонапорные башни и доменные печи, которые они снимали с конца 1950-х, кажется, резко отличаются от чувственных работ Эгглстоуна и Шора, но у них есть существенная связь. Как и они, Бехеры способствовали включению любительской фотографии в точно продуманные художественные концепции, тем самым делая арт-фотографию с её визуальными и ментальными связями частью истории и повседневности. Их фотографии одновременно выполняют двойную функцию: являются обыденным фиксированием исторических сооружений, и в то же время их простота и систематическое документирование архитектуры отсылает к использованию классификаций в концептуальном искусстве 1960-х и 1970-х. Кроме того, Бехеры сыграли важную роль как преподаватели Дюссельдорфской Академии Художеств. Среди их учеников были такие выдающиеся художники как Андреас Гурски, Томас Штрут, Томас Деманд и Кандида Хёфер — их работы представлены в этой книге.

Что ещё объединяет Бехеров, Шора и Эгглстоуна, так это тот факт, что их ранние смелые работы были приняты достаточно сдержанно. И хотя на протяжении многих лет посредством выставок и публикаций они оставались авторитетом для молодых художников, необходимо отметить, что их влияние стало очевидным только в последние два десятилетия благодаря появлению коммерческого рынка фотографических отпечатков и интереса со стороны академических кругов, издательств, музеев и галерей. Многие из этих фотографов, которых сегодня мы считаем ключевыми представителями фотографической практики конца двадцатого века, стали считаться таковыми лишь относительно недавно в результате продолжающейся и по сей день переоценки фотографии в мире искусства.

Малиец Сейду Кейта стал одним из первых африканских фотографов и работал в Бамако, Мали с 1940-х. Получавшие на протяжении последних лет высокую оценку критиков и кураторов фотопортреты местных жителей, сделанные в его студии, обладают живописной красотой и простотой, так же, как и выразительным повествовательным содержанием поз и реквизита, использованном, чтобы воссоздать на фотографиях индивидуальность каждого из позирующих. Пребывание Кейта в западном арт-мире подчёркивает интерес в расширении понимания того, что составляет фотографический опыт, построенный на галерейной деятельности. Признание фотографий Кейта исходит из двух зарождающихся тенденций: возвращения фотографии из относительного забытья в центр внимания в мире искусства и переоценки любительского архива (поскольку Кейта не создавал свои фотографии для галерей, а делал портреты за вознаграждение) значимых в культурном и социальном отношении изображений. Аналогичным образом фотограф Дэвид Голдблатт, который начал фотографировать свою родную ЮАР в конце 1940-х, через публикации в журналах пытался привлечь внимание международной общественности к последствиям расовой сегрегации. Фотографии Голдблатта, изображающие расизм в повседневной жизни ЮАР, обычно считались недостаточно драматичными для фотожурналистики. Тем не менее, Голдблатт продолжил работать таким же образом, его фотографический стиль менялся с десятилетиями вместе со страной и формами документальной фотографии. Хотя он выставлял свои работы и писал о ЮАР и своём восприятии документальной фотографии, художественное сообщество лишь недавно признало его вклад в представление бурной истории страны.

В последние годы появился интерес к фотографам прошлых лет, чьи работы были заведомо неоднозначными, чрезвычайно личностными и не зависели от популярных тенденций в фотографии. В 1970г американский фотограф Ральф Юджин Митъярд снял серию The Family Album of Lucybelle Crater («Семейный альбом Люсибель Кратер»), который включал в себя фотографии, вклеенные и подписанные в духе фотоальбома. Жена Митъярда Мэделин играла роль Люсибель Кратер во всех кроме последнего изображениях, на котором Митъярд сам перевоплотился в эту особу. Другого человека на фотографиях играл один из друзей Митъярда. Построение изображений с точки зрения поз, одежды и места расположения почти не отличается от семейных фотографий, но их заурядность нарушается странными масками, которые носят модели. Сделанные из прозрачного пластика, позволяющего видеть сквозь них настоящие черты лица, эти маски создают впечатление, что сами лица героев искажены и состарены. Оптик по профессии, Митъярд не получил особого отклика на свои экспериментальные работы при жизни, и только в начале 1990-х смысл его уникального произведения был оценен по достоинству. Однако сейчас Митъярд и другие фотографы, о которых шла речь ранее, считаются ведущими пионерами арт-фотографии. Их работы открывают некоторые из возможностей медиума и являются примером для художников сегодня.

от истоков до «айфонографии» — Российское фото

Выставка Art Russia 2020 прошла еще в феврале, но разве можно упустить возможность поговорить о фотографии в контексте современного искусства? Именно поэтому Станислав Аникин, участник клуба «Российское фото», не просто подготовил репортаж с мероприятия, но провел еще и полноценный анализ фоторабот участников выставки. От истоков фотографии до «айфонографии» — читайте в материале.

В выставочном центре «Гостиный двор» с размахом прошла четырехдневная выставка Art Russia 2020: 80 стендов, 40 спикеров и около 20 тысяч посетителей. Art Russia — это не только место, где художники и дизайнеры могут выставить свои работы и найти покупателя, но также это еще и большой образовательный форум, который фокусируется на современном искусстве России.

Среди множества участников выставки были представлены фотографы нового поколения художественной фотографии. Беседы о мире искусств и замечательные работы мастеров вызвали вопросы о месте фотографии в современном искусстве.

Перефразирую вопрос Поля Гогена: «Откуда она пришла? Что она? Куда направляется?»

Для начала давайте вспомним о появлении фотографии и ее непосредственном влиянии на мир искусства, а затем вернемся к некоторым популярным художественным фотографам, чьи работы присутствовали на Art Russia, и расскажем о них более подробно.

Рассвет фотографии

В 1826 году в городе под называнием Шалон-сюр-Сон, в Бургундии, великий изобретатель Нисефор Ньепс установил на своем окне новое устройство. Именно с этого места на втором этаже его дома Ньепс сделал первую в истории фотографию.

Из-за примитивности «пленки» экспозиция фото занимала много времени. Но несмотря ни на что, у него получилось. Это ознаменовало начало эпохи фотографии и конец эксперимента изобретателя. За два года до этого Ньепсу удалось временно запечатлеть пейзаж на камнях, покрытых специальным битумом. Тогда он работал над технологией создания бумаги, покрытой хлоридом серебра, способной мгновенно захватывать изображения. Но что же теперь? Мы можем с легкостью хранить фотографии на бумаге долгое время.

Со временем к этой первой в истории фотографии присоединятся миллиарды работ таких же, как он, фотографов, и все они сфокусированы на идее запечатлеть момент жизни в кадре.

От технической новинки к инструменту искусства

Джон Эдвин Майалл первым придумал использовать камеру в художественных целях. В современном мире принято считать первыми художественными фотографиями серию работ 1851 года «Отче наш». Именно использование кадрирования и субъективность взглядов придают изображениям их притягательность. Возможно, он был первым фотографом, который считал, что занимается скорее высоким искусством, а не простой документалистикой. С того момента дверь в новый мир была открыта.

В это время фотографам стало доступно все больше оборудования, а знаменательные работы Майалла воодушевили их к открытию новых направлений в фотографии, таких как пейзажная и портретная съемка, экспрессионизм, а также других видов и подходов.

Даже документалисты стали художниками — вспомните ошеломляющие пейзажи Анселя Адамса или душераздирающие социальные реалии, засвидетельствованные Доротеей Ланге. И хотя этих фотографов пытались запятнать обвинениями в создании рекламных или журналистских материалов, они создали одни из величайших художественных фотографий XX века. А в 80-е годы их работы выставлялись в таких значимых галереях, как Met.

Сейчас мы живем в современном мире, и нас окружает огромное количество видеопотока, виртуальная реальность и мультимедийные инсталляции. Есть ли во всем этом место художественной фотографии? Может ли неподвижное изображение сохранить свои позиции в постоянно развивающемся мире искусства?

Фотография в наше время

Искусство фотографии — это неотъемлемая часть технологического прогресса. Каждое достижение в сфере производства камер, печати и публикации изображений приводит к появлению новых форм фотографии. Благодаря этим постоянным изменениям художественная фотография сохраняет свои позиции и влияние.

Одним из главных достижений последних 20 лет является повышение качества камер, доступных рядовому потребителю. Появление цифровых камер подарило больше возможностей их пользователям. Это привлекло людей с разным уровнем умений и знаний. В фотографии появились новые веяния.

Производить съемку художественной фотографии стало дешево. Теперь это доступно каждому. «Инстаграм» и подобные ему платформы открывают доступ к огромной аудитории. Не только доступность камер, а именно методы распространения обнулили звания всех фотографов. У многих появилась возможность демонстрировать свои работы не только покупателям, но и ценителям искусства.

В целом эти изменения расширяют разнообразие и качество художественной фотографии. И это трудно игнорировать. Никогда прежде фотоискусство не дышало такой жизнью. Новые перспективы стимулируют фотографов к свежим идеям и подходам. Многие группы людей, формально исключенных из влиятельных кругов изобразительного искусства, нашли свою аудиторию, а галереи обратили внимание на художников из разных слоев общества.

Некоторые из наиболее интересных современных фотографий основаны на сюрреализме. Используя все возможности камеры и оборудования совместно с цифровыми редакторами, такими как Photoshop, фотографы имеют возможность создавать сюрреалистичные изображения, в которые легко поверить. Новые сюрреалисты стирают границы между своим видением и возможностями оборудования.

Еще одна важная тенденция в современной фотографии, движимой технологическими изменениями, — это ностальгия. Некоторые фотографы возвращаются к технологиям прежних лет, чтобы запечатлеть моменты будто из другого времени — новые и все же пропитанные чувством тоски по утраченному.

Предлагаем поближе взглянуть на авторов, чьи работы были представлены на последней ярмарке Art Russia, а также тех, чьи имена достойны упоминания.

Ольга Отченашева и «айфонография»

С тех пор как 29 июня 2007 года Apple выпустил революционный продукт iPhone, мы все носим фотокамеру в кармане. Конкуренты каждый год стараются превзойти друг друга. Результатом этой борьбы стали продукты с серьезными фотохарактеристиками.

Эта тенденция привела к стремительному росту «айфонографии». Фотографы упростили свою работу до самого демократичного инструмента — своего смартфона. Отсутствие объектива они восполняют спонтанностью и скоростью съемки. (Есть даже несколько отмеченных наградами фильмов, снятых на смартфоны.)

Одна из таких фотографов — Ольга Отченашева. Она использует процесс «одного нажатия кнопки» на iPhone в сочетании с широким выбором инструментов для редактирования фотографий, доступных сегодня.

«Инстаграм» с квадратным форматом изображений — ее основная рабочая галерея.

Работы Ольги хочется изучать до мельчайших подробностей, а не смотреть на них издалека, окинув общим взглядом. Понимание новых инструментов и правил платформы помогло Ольге создать мгновенно узнаваемый стиль. Каждый, кто прокручивал ленту «Инстаграма», увидит в ее работах знакомые черты.

Подход Ольги изменяет традиционную перспективу. Она часто поворачивает кадр, чтобы запечатлеть момент с необычных углов, в том числе вверх тормашками. Благодаря легкости и быстроте реакции камеры она может снимать чувственные, мимолетные моменты. Это придает ее фотографиям ощущение присутствия в запечатленном моменте.

Несмотря на многолетний опыт в фотографии, Ольга все же решила перейти с традиционной зеркальной камеры на iPhone. Разумное решение, учитывая, что сейчас она находится в авангарде растущего направления современной фотографии и помогает другим понять ценность этого подхода.

Татьяна Михина и «Фотография тела»

Татьяна Михина — молодой фотограф, чьи работы сфокусированы на человеческом теле и его движении. Ее фотографии проливают свет на моменты движения, а также демонстрируют людей, которые балансируют, держатся, поворачиваются, поднимаются. Такие кинетические моменты убирают ощущение неподвижности из статичных изображений.

Татьяна часто работает с профессиональными танцорами, в том числе из Кремлевского и Большого театров, театра Станиславского и Немировича-Данченко. В серии фотографий под названием «Балет» она снимает в освещении кьяроскуро — сухожилия сгибаются, конечности искажаются. Создается зыбкое, нереальное ощущение. А в фотопроекте «Танец» она выходит на солнечный пляж, навстречу кипучей воде, и танцует с моделями.

В ее последней серии работ под названием Animal Inside Project танцоры балета запечатлены вместе с потрясающе красивой лошадью. Невероятно насыщенные коричневые тона создают ощущение землистого ландшафта, вокруг которого размещаются танцоры. Физическая связь и визуальное взаимодействие размывают границы между человеком и животным.

Татьяна Михина продолжает исследовать и развивать фотографию, используя наиболее классический для искусства объект — человеческое тело.

Кевин Эбош и его проект «Подбираясь ближе»

Вы наверняка слышали хотя бы об одном из проектов Кевина Эбоша. Его творчество очень разнопланово, в том числе он работает и в жанре фотографии.

Он сотрудничал с архитектором Ай Вэйвэйем и использовал компьютерные алгоритмы для создания изображений. Но мы остановимся на фотографии.

Большая часть его работ — натюрморты на черном фоне. Каждая деталь прорисована и выделена в мрачном рельефе из темноты. Будь то фотография запеченного гуся, оставшегося от рождественского ужина, или покрытая землей картофелина, Эбош прорисовывает каждый нюанс, сохраняя блеск жизни.

Его портреты в основном выполнены в той же технике.

Когда он не работает с плотными фонами в студии, то прижимается к объекту вплотную, да так, что тот иной раз даже не помещается в кадр. Такие фото вызывают эффект неуютной близости на грани с непостижимостью.

Карьера Кевина примечательна многими достижениями, однако именно фотография по-настоящему позволяет нам взглянуть на мир его глазами. Однажды Кевину даже удалось продать ту самую фотографию картофелины за миллион евро.

Барри Костон, «Природа вещей»

Барри Костон — фотограф-путешественник. Он снимает мир не только в солнечных бликах, как часто делают его коллеги. Барри работает ближе к реализму, снимая жизнь обычных людей. Многие из его фотографий — это репортаж из путешествий от США до Индии и других стран.

Его городские пейзажи сняты без людей — это позволяет городу выразить себя неоновыми огнями и мощеными улицами. Характер этих улиц начинает проявляться как своего рода поэтическое стихотворение, написанное текстурой, визуальным ритмом и цветом.

Хотя его городские пейзажи часто пустынны, портреты буквально полны жизни. В проекте «Жизнь других людей» Костон запечатлевает людей в повседневной рутине. Его герои не всегда счастливы, но они полны жизни.

И в портрете, и в пейзаже Барри фокусируется на сути объекта. Его способность позволить предмету говорить за себя дает зрителю возможность вести беседы с людьми, с которыми они никогда не встречались, и посетить места, в которых они никогда не были.

В заключение

Мы знакомы с фотографией уже 200 лет. За это время она оставила неизгладимый след в нашей визуальной культуре.

Наше общее понимание истории фотографии выраженно в слайд-шоу известных фотографов, а наши личные истории — это лоскутное одеяло из снимков, сделанных нашими семьями и друзьями. И нет никаких сомнений в том, что эти отношения будут продолжаться.

Каждый год мы делаем несколько миллиардов новых фотографий с помощью фотоаппаратов и телефонов, и кажется, что в ближайшее время наша страсть к съемке никуда не исчезнет.

Несмотря на то что наша любовь к фотографии остается неизменной, сама художественная фотография продолжает меняться. Слишком сильна привычка — сделать фото, подписать его, вложить смысл и спровоцировать комментарии публики.

Учитывая, что у нынешних фотографов инструменты почти одинаковы, поражаешься, как отличаются их подходы и стили. Резонирующее, широкое поле художественной фотографии составляет огромную часть современного искусства. Основой развития фотографии в наше время является отсутствие единого направления. Это время индивидуальности, частное и своеобразное. Для создания работ необходимы невероятное мастерство и артистизм, но сама суть проста.

Читать «Фотография как современное искусство» — Коттон Шарлотта — Страница 1

Шарлотта Коттон

Фотография как современное искусство

Посвящается Исси, маме и папе

Charlotte Cotton

The Photograph as contemporary art

Данное издание осуществлено в рамках совместной издательской программы Музея современного искусства «Гараж» и ООО «Ад Маргинем Пресс»

Перевод – Александра Глебовская

В оформлении обложки использован фрагмент произведения Джейсона Эванса «Без названия», 2004

Published by arrangement with Thames & Hudson Ltd, London,

This edition first published in Russia in 2020 by Ad Marginem Press, Moscow

1 САРА ДЖОНС. Спальня (I). 2002

Благодарю всех фотографов и все музеи, которые поделились со мной своими произведениями, мыслями и сведениями. Отдельная благодарность Эндрю Брауну, Мелани Ленц, Анне Перотти, Джо Уолтону и всем сотрудникам Thames & Hudson, которые помогли создать и выпустить в свет первое издание этой книги. Большое спасибо Джеки Клейн, Флоре Шпигель, Диане Буллит Перри, Джо Уолтону, Нику Джейкинсу и Раффаэлле Морини за помощь и советы при подготовке второго и третьего изданий.

2 ДАНИЭЛЬ ГОРДОН. Анемоны и авокадо. 2012

Введение

За почти два века, прошедших после ее изобретения в 1830-х годах, фотография сумела возмужать и превратиться в одну из форм современного искусства. В XXI веке она занимает место полноправной художественной техники, не уступающей по своему статусу живописи и скульптуре, работы фотографов регулярно экспонируются в художественных музеях и приводятся в иллюстрированных монографиях по искусству. Именно в силу этих важных событий и стала возможной эта книга, представляющая собой введение в область фотографии как современного искусства и обзор этой области. В книге также ставится цель дать определение фотографии как предмету и выявить ее основные свойства и темы.

Если и можно говорить о представленной в этой книге одной-единственной самой общей идее современной фотографии, то состоит она в изумительном плюрализме этой области творчества. Подборка послуживших для нее иллюстрациями работ почти 250 фотографов призвана передать ощущение масштабности и интеллектуального разнообразия современного искусства фотографии. Здесь имеются произведения ряда известных фотографов, которые уже заняли прочное место в пантеоне современного искусства, однако при этом современная фотография намеренно представлена во всем фундаментальном разнообразии форм и стратегий, как искусство, создаваемое кумулятивным усилием большого числа художников, многие из которых почти неизвестны за пределами узкого профессионального круга. Всех представленных здесь фотографов объединяет стремление внести уникальный вклад в физическое и интеллектуальное пространство культуры. В самой буквальной интерпретации это означает, что все фотографы, чьи работы показаны в этой книге, создают произведения, предназначенные для того, чтобы их экспонировали в стенах музеев и воспроизводили на страницах книг по искусству. Важно помнить, что большинство фотографов представлены только одной работой, но в каждом случае она является самой репрезентативной для их творчества. Вычленение одной работы из всего архива фотографа не позволяет полностью передать весь набор его выразительных средств и не дает полностью раскрыть все бесконечные возможности, которые техника фотографии предоставляет художнику, однако в контексте нашей книги это упрощение является неизбежным.

Большинство современных фотохудожников имеют высшее художественное образование и, как и другие представители визуальных искусств, творят прежде всего для аудитории ценителей. Поддержкой им служит международная сеть коммерческих и некоммерческих художественных галерей, музеев, издательств, фестивалей, ярмарок и биеннале. Учитывая возникновение у фотографии как современного искусства этой мощной профессиональной инфраструктуры, неудивительно, что научные исследования этой области сосредоточены скорее на выявлении и четком определении ее границ, чем на пересмотре ее концептуальных основ. Если представление о фотографии как о необходимой и ожидаемой составляющей современного творческого процесса в новом тысячелетии сильно укрепилось, то представления, которые влияют на суть фотографии как современного искусства, все чаще совпадают с теми, которые относятся ко всей сфере создания зрительных образов. Сюда относятся, например, использование чисто зрительной коммуникации в повседневном общении, в социальных сетях и на интернет-платформах, куда выкладывают фотографии; появление после произошедшей в начале XXI века революции в цифровой печати возможности любителям самостоятельно печатать фотокниги; увеличение доли пользовательской фотографии в журналистике, особенно в случае интернет-публикаций; новые фототехнологии, например возможность совмещения фото- и видеоизображений; эволюция и применение компьютерного кодирования в визуализации данных. Эти новые грани создания зрительных образов не только влияют на визуальные приемы и способы распространения фотографии как современного искусства, но и заставляют нас придирчивее относиться к тому, какие именно снимки принадлежат к сфере искусства в свете этого нового, более расширенного присутствия фотографии в современной жизни. В этом контексте становится очевидно, что современное искусство фотографии обусловлено индивидуальностью и энергией его создателей, чьи работы сохраняют блистательную диалогическую природу, которая делает фотографию искусством в рамках изменчивой и все более расширяющейся сферы этого вида деятельности.

На страницах этой книги современная художественная фотография разделена на восемь категорий, соответствующих делению на главы. Эти тематические категории были выбраны для того, чтобы не создать превратного впечатления, будто основные характеристики современного искусства фотографии обусловлены прежде всего стилем или сюжетом. Естественно, существуют стилистические аспекты, которые связывают между собой некоторые представленные в этой книге работы, а также сюжеты, которые в последние годы играют в фотографии главенствующую роль, однако темы глав прежде всего представляют собой попытку сгруппировать фотографов по общности творческого замысла и подхода к своей работе. Такая структура позволяет сначала обрисовать те идеи, на которых строится современное искусство фотографии, а потом уже перейти к рассмотрению их зрительного воплощения.

Первая глава под названием «Искусство ли это?» посвящена рассмотрению вопроса о том, как фотографы изобретают стратегии, перформансы и хеппенинги, рассчитанные на камеру. Глава эта поставлена в начале книги, поскольку идет вразрез со стереотипным представлением о фотографии как о творчестве фотографа-одиночки, который питается отбросами повседневной жизни, выискивая в ней момент, когда сцена, обладающая зрительной притягательностью или внутренней интригой, окажется у него в объективе. Особое внимание уделено тому, насколько именно фокус определяет сам фотограф – ставя перед собой задачу не только изменить наши представления о физической и социальной природе нашего мира, но и придать этому миру необычайное измерение. Вся современная художественная фотография в той или иной степени выросла из документальных снимков концептуальных перформансов 1960–1970-х, однако с одним важным отличием. Хотя некоторые представленные в этой главе фотографии на первый взгляд лишь неформально документируют сиюминутные художественные действия, крайне важно то, что на деле именно они задуманы как итоговый результат этих действий: объект, намеренно выбранный и представленный в виде артефакта, а не просто документ, свидетельство или побочный продукт ушедшего в прошлое события.

«Фотография как современное искусство» читать онлайн книгу📙 автора Шарлотты Коттон на MyBook.ru

Даже фотографу с 13-летним стажем сложно понять некоторую современную фотографию, позиционирующую себя как искусство. Я люблю живые портреты с интересным светом, я люблю репортаж с места событий, где эмоции, жесты, позы — всё кричит о настоящести и моменте «здесь и сейчас». А вот многих фотографий, особенно концептуальных, я не понимаю. И эта книга поможет таким же, как я.

На конкретных примерах автор покажет и расскажет, что именно каждый фотограф хотел сказать именно этим кадром, зачем он его снял, в чем его смысл/ценность и почему он именно такой, а не другой. Очень похоже, кстати, на уроки литературы и поиски скрытого смысла в книгах наших классиков.

Знаете, довольно странно смотреть на обычное фото захламленной комнаты и читать размышления о глубоком смысле каждой детали. Но в то же время это и безумно интересно! Ты расширяешь свои границы познания и учишься смотреть на вещи глубже.

Здесь будет малопонятный перформанс с абсурдной театральностью и открытым смыслом, интерпретация которого оставлена на фантазию зрителя. Я не задумывалась о фотографии как перформансе раньше и какой смысл в это всё может быть вложен, а он есть! Если его объяснить.

Здесь будут загадочные постановочные фотографии, символический смысл которых преднамеренно неоднозначен (не очень понятно), и будет подражание викторианским картинам (очень атмосферно и красиво).

Здесь мне первые встретился термин «эстетика бесстрастности» и прекрасные фотопортреты в качестве иллюстраций. Автор рассказывает, как фотографы пытаются осмыслить мир через вдумчивость и точность и ставят себе задачу установить прямой контакт между зрителем и предметом съёмки.

Понравилась мысль, я ее даже выписала: «Фотографии сохраняют вещественность того, что они описывают, но при этом изменяют его концептуальное содержание благодаря форме подачи». Это очень точное описание сути фотографии: один и тот же объект могут снимать десяток фотографов в одно время, и у каждого всё равно получится что-то свое.

Книга не для расслабленного чтения, но для интересующихся современным искусством и фотографией особенно будет, я уверена, интересно и необычно. Мне понравилось, что здесь рассматриваются фотографы из разных стран, никому не отдается предпочтение. И анализ работ проведен очень мощный и глубокий.

Что такое современная фотография? — Актуальность фотографии

Что подразумевается под выражением «современная фотография»? Современную фотографию можно охарактеризовать как фотографию нашего времени по сравнению с изображением гораздо более раннего периода. Соответствующее определение слова «современный»: «происходит в один и тот же период времени… в стиле настоящего или недавнего времени…». Современная фотография на самом деле находится где-то в промежутке времени между сегодняшним днем и самым ранним зарождением медиа.Для определения периода «Современной фотографии» нет конца. Это непрерывный и развивающийся взгляд на фотографию из современного момента времени. В этот период есть дополнительные окна. Другие термины, используемые для этих других окон для просмотра фотографии, могут быть «Винтажные фотографии» или «Современные фотографии». То, что мы называем современным принтом, — это не этикетка, которая постоянно прикрепляется к изображению. Напротив, это отсылка к созданному имиджу, который отражает наши ценности, проблемы и восприятие сегодня или применительно к современному периоду для этого образа.

Важно ли относить фотографию к современной или нет? Фотография, сделанная в наше время, — это отражение и побуждает задуматься о том, что мы видим. Роланд Барт в «Camera Lucida: размышления о фотографии» заявил: «Фотография не обязательно говорит о том, чего уже нет, но только и наверняка то, что было». Сьюзан Зонтаг в своей книге «О фотографии» сказала: «Сфотографированные изображения кажутся не столько утверждениями о мире, сколько его частями, миниатюрами реальности, которые каждый может создать или приобрести».Современная фотография инкапсулирует или отражает нам мнение о нашем сегодняшнем мире. Мир не статичен, поэтому фотография не статична. Ценности, общества, философия, стандарты жизни, технологии, политика и геополитические реалии постоянно меняются. «То, что мы воспринимаем, частично зависит от того, что нас учили воспринимать». Изучение фотографии может помочь нам увидеть больше и / или иначе.

Изображение Лидии Голдблатт. «Алхимические приливы» из серии «Инстар».

В любой момент фотография является «современным» изображением.Чтобы фотография была «современной», она не должна игнорировать предшествующий исторический контекст или то, что на нее повлияли работы других в прошлом или других нынешних художников. Фотограф мог даже присвоить или объединить ранее сделанные изображения с любого предыдущего момента времени, придав этому изображению современное возрождение.

Изображение создано Пенелопой Умбрико. «Негативные солнца».

Современная фотография изменилась, поскольку изменилась технология получения изображений света. Фотография вышла за рамки буквального и привычного захвата изображений мира механическим способом с помощью корпуса камеры, с использованием объектива или без него.Он включает в себя наложение глаз и техники художника на использование камеры и объектива, а также на постобработку изображения. Он включает в себя и повторные посещения, впечатление света на светочувствительный материал непосредственно или через другой материал. Эти методы, хотя и кажутся новыми, восходят к истокам фотографии. Современная фотография может быть фотографией без фотоаппарата и без объектива, фотографиями без изображений, сделанными с использованием химикатов на поверхности светочувствительных материалов или через воду при лунном свете или через цветные фильтры.Это напоминает нам, что слово фотография происходит от греческих слов: фотография означает «свет», а график — «рисунок» или рисунок светом. В отличие от приведенного выше комментария Зонтаг, не каждый может или хочет создавать подобные работы.

Фотография Лу Веста — Без названия

Было много типов фотографических изображений, сделанных разными фотографами, которые создали незабываемые изображения. «Жанр» — это структура, которую можно использовать (см. Список в конце этой статьи), чтобы упорядочить наши мысли о современной фотографии.Каждый жанр может представлять собой тип современной фотографии. Фотограф Гвидо Гуиди недавно прокомментировал в интервью журналу Aperture Magazine: «Меня интересовало все: портрет человека, дома, стены… Ничего не было неважным; все было достойно внимания ». Захват изображения в виде моментального снимка (фотографии на народном языке), фотожурналистики или многих других форм может быть документальным захватом события, места или человека в определенный момент времени без художественного замысла или без него.Некоторые жанры фотографии больше подходят для преднамеренного творческого самовыражения. Тем не менее, если мы оцениваем современную фотографию, понимание того, обсуждаем ли мы в рамках жанра работы из одного и того же периода времени или сравниваем работы из разных «современных» периодов, помогает нам увидеть или оценить художественное содержание или изменения выражения в время через разные линзы (или нет) исследования того периода времени.

Формирование взгляда на ценить фотографию, будь то современная, винтажная или любого другого типа или жанра, происходит от просмотра множества изображений, чтобы определить, что нравится.Что может помочь в оценке современной фотографии, так это чтение того, что написали другие комментаторы и преподаватели. В дополнение к уже упомянутым, некоторые важные авторы, занимающиеся искусством фотографии, включают: Джон Шарковски, Тод Пападжордж, Роберт Адамс, Джефф Дайер и Питер Баннелл. Работа, которую называют современной фотографией, тоже не делает ее искусством.

Тогда термин «современная фотография» сложно дать определение. Он не наклеивается постоянно в качестве ярлыка ни на одно изображение.Это концепция, которая меняется по мере изменения периодов времени и продвижения вперед. Это общее выражение того, что зритель может понять и оценить в данный момент. Его можно применить к группе изображений, созданных группой фотографов, работающих в течение аналогичного периода времени с похожими или разными мотивами, стилем или влиянием. Современная фотография наследует атрибуты того, что было «современным» в предыдущие периоды, или она может полностью порвать с прошлым, создав новый путь для других.Изучение предшествующих периодов важно, потому что оно создает историю или маркер для выхода новых работ и создания новых путей по мере развития фотографии. Поднимается ли она до уровня, который может называться современной художественной фотографией, — это как индивидуальное, так и коллективное соглашение о признании этого стиля работы. Тем не менее, любой стиль «фотографии», будь то снимок или целенаправленное творческое выражение, в настоящий момент становится «современной фотографией».

Некоторые жанры фотографических изображений:

Абстрактный, Воздушный, Архитектурный, Астро (космос), Концептуальный, Искусственная среда, Документальный, Мода, Гламур, Пейзаж, Медицинский / Научный, Память, Микрофотография, Повествование, Природа, Ночь, Без объектива и / или Без камеры, Обнаженная натура, Перформанс, Фотоколлаж или Фотомонтаж, Фотожурналистика, Полароид, Портрет, Натюрморт, Улица, Замедленная съемка, Под водой, Народный язык.

Если у вас есть другие точки зрения на то, что такое современная фотография, или взгляды на другие части этой статьи, отправьте нам свои комментарии.

15 известных современных фотографов и их фотографии • PhotoTraces

Мое желание — сохранить смысл жизни людей, наделить их силой и красотой, которые я вижу в них. Я хочу, чтобы люди на моих фотографиях смотрели в ответ.
Нан Голдин

Не каждый может стать великим художником; но великий художник может прийти откуда угодно.
Антон Эго, Рататуй

За последние десятилетия фотографический носитель был пересмотрен и сформирован новыми развивающимися технологиями, а также новыми инновационными форматами. Возможно, самым важным изменением в этом отношении стало появление цветной фотографии, которая имеет более близкий эквивалент самой реальности. В настоящее время мы претерпели еще одно важное изменение в творческой фотографии с цифровыми манипуляциями и цифровым развитием.

Современные фотографы часто используют эти разработки, чтобы по-новому взглянуть на традиционные предметы и композиции.

Слово «современный» относится ко всему, что произошло с 1970-х годов.

Таким образом, современная фотография — это не жанр, а точка в истории фотографии. Почти любого фотографа, которого считали важным в последние пятьдесят лет или около того, обычно называют «современным фотографом». Но это еще не все.Современные фотографы обычно связаны с миром изобразительного искусства, и, как предположили Дюссельдорфская и Хельсинкская школы, твердое заявление в качестве художника было ключевым в работе многих современных фотографов.

Известные современные фотографы

В следующем списке приведены некоторые примеры, которые считаются важными, когда речь идет об определенной главе в истории человечества, которая в результате является широкой в истории фотографии.

1. Андреас Гурски (1955 -)

Помимо того, что Гурски известен стремительными продажами и достижением некоторых рекордов в мире художественной фотографии, он фотограф, запечатлевший современный мир в интригующей форме. Его картины изображают обычные места, которых на самом деле не существует.

Как это?

Конечно, с помощью цифровых манипуляций. Он убирает общие места, чтобы добиться личной эстетики или взгляда на эти места. Он заявил, что делает это, потому что считает, что определенные элементы в этих общих местах просто его беспокоили.

Не все его картины имеют такой же огромный формат и высокую точку зрения, но они считаются частью его культового стиля.

Если честно, поначалу я не получал много его работ, но время от времени я возвращался к его работам, и в конечном итоге я очень увлекся им. Осмелюсь сказать это, когда смотрю его работы. Я чувствую, что смотрю картины Поллока, но действительно понимаю их. Может быть, некоторые люди понимают Поллока, но лично у меня нет абстрактной чувствительности, необходимой, чтобы понять это.Мне очень нравится смотреть его картины, но я их не так часто получаю. С другой стороны, работы Гурски мне удалось довольно хорошо понять.

Вы можете посмотреть его последнюю работу под названием Amazon здесь. Это великолепно.

Андреас Гурски В сети:
— Официальный сайт
— Андреас Гурски на Artsy
— 99 Cent — Самые влиятельные изображения всех времен

Книги Андреаса Гурски:

Нажмите на изображение, чтобы узнать больше…

2.Энни Лейбовиц (1949 -)

Это третий раз, когда мы освещаем Лейбовиц на сайте, и не зря она является важным элементом фотографии. Ее портреты стали настоящим и ценным достоянием современной фотографии. Богатство, которое она придала этому периоду времени, — от коммерческой работы до ее самых сокровенных образов — просто сокровище.

Rolling Stone не был бы таким, если бы не она. Она начала работать штатным фотографом журнала в 1970 году, в самом начале этой удивительной главы в истории фотографии под названием «Современное».Всего через 3 года ее назначили главным фотографом журнала.

Работая в Rolling Stone (работа длилась около 13 лет), Лейбовиц больше узнала о других журналах и узнала, что она может работать в журналах и при этом создавать личные работы. Энни Лейбовиц является эталоном во всем своем великолепии, начиная с высокой рекламы и масштабно проработанных работ, созданных для крупных клиентов, таких как Disney, или ее самых интимных образов.

Энни Лейбовиц В Интернете:
— Энни Лейбовиц — Ярмарка тщеславия
— Энни Лейбовиц — Facebook
— Энни Лейбовиц — Первое портфолио

Книги Энни Лейбовиц:

Нажмите на изображение, чтобы узнать больше

3.Крис Маккоу (1971 -)

Крис Маккоу — американский фотограф, занимающийся фотографией совсем другого типа. Он заканчивает тем, что печатает окончательные результаты с использованием платино-палладиевого процесса. Как и многие фотографы, он начал делать совсем другое, чем он известен сейчас. Он владеет уникальной техникой съемки пейзажей и небоскребов с большой выдержкой.

Его работа под названием «Солнечный ожог» является одновременно элегантным и грубым заявлением в современной фотографии.Создав Sunburn, он раздвинул границы аналоговой фотографии. Он использует самодельные массивные широкоформатные камеры для своих фотографий, а некоторые из длинных выдержек длились даже 24 часа.

McCaw также стреляет прямо в просроченную фотобумагу, которая солярится во время экспонирования и в конечном итоге загорается при длительной выдержке из-за эффекта, который оказывает оптика при увеличении солнечного света. Результат оставляет свидетельство солнечного следа в тот период времени, когда была установлена экспозиция.

Одна вещь, которая беспокоила фотографию в связи с ее принятием в мире изобразительного искусства, заключается в том, что фотографии могут быть воспроизведены n раз на негативе или в цифровом файле.С изображениями Криса этот критик не является проблемой, потому что каждое изображение полностью уникально.

Крис МакКоу В Интернете:
— Официальный веб-сайт
— Крис Маккоу — 41 произведение, биография и шоу на Artsy

Книги Криса Маккоу:

Нажмите на изображение, чтобы узнать больше…

4. Синди Шерман (1954 -)

Синди Шерман — американский фотограф, наиболее известный своими концептуальными портретами.

Ее самая знаковая работа, названная просто «Кадры из фильмов без названия», сделала ее важным современным фотографом в мире искусства. Работа состоит из 69 изображений, которые изображают ее в загадочной сцене, которая появляется в кадре из фильма. Ее роль зрителя и субъекта свидетельствует о ее сознательной постмодернистской художественной практике.

Было сказано, что ее способность олицетворять различные предметы из несуществующих фильмов, приглашать зрителя строить контекст вокруг неподвижного изображения, которое они смотрят.

Журнал

TIME считал ее кадр из фильма «Без названия № 21» одним из 100 самых влиятельных образов всех времен, потому что с помощью своих фотографий ей удалось манипулировать зрителями, изменив свою индивидуальность, и продемонстрировал, что в фотографии есть место для людей, чтобы они были тем, кем они являются нет, как и некоторые селфи, которые можно легко найти в социальных сетях за границей. Отличный образец поп-арта, если хотите.

Книги Синди Шерман:

Нажмите на изображение, чтобы узнать больше…

5.Дидье Массар (1953 -)

Дидье Массар создает очень мало изображений в год из-за великолепных оптических манипуляций, которые он в них применяет. Его работы считались скорее живописью с «магическим реализмом», чем фотографией, благодаря воздушному освещению и романтическому чувству иллюзии, которое у них есть.

Подобная работа придает его работе скрупулезный и медленный ритм. Он рисует объект на ранее снятом снимке точно так же, как видит его в уме, и называет каждое изображение «завершением внутреннего воображаемого путешествия».

Посмотреть его работы можно здесь.

Книги Дидье Массара:

Нажмите на изображение, чтобы узнать больше…

6. Франческа Вудман (1958 — 1981)

С момента своего первого автопортрета в возрасте 13 лет до своей смерти в раннем возрасте 22 лет она создала более 800 изображений, на которых раскрыла свою личность. Ее фотографии были отмечены своим уникальным видением и широким спектром инновационных техник.Они также были предметом обширного критического исследования несколькими академическими организациями.

Ее родители, Джордж Вудман и Бетти Вудман, художники по пластике, теперь ведут ее дело. Из ее более 800 изображений 120 были выставлены или опубликованы. От них она впервые повлияла на искусство, которое концептуализировало не только ее образ жизни, но и образ мышления.

Вы можете порадовать себя ее уникальными работами здесь и здесь.

Книги Франчески Вудман:

Нажмите на изображение, чтобы узнать больше…

7.Грегори Крюдсон (1962 -)

Если вы когда-нибудь думали, что определенные изображения требуют логистики сцены фильма, то работа Грегори Крюдсона станет для вас звонком. Работа, которой он стал известен, похоже, позаимствована из научно-фантастического фильма. Общим фактором для субъектов его изображений является тоска на их лицах. Их даже считали простыми пешками в более крупной театральной игре, построенной по его фотографиям.

Каждая из его фотографий представляет собой тщательно продуманную сцену со сложным театральным освещением, которое соблазняет зрителей в повествование, которое на самом деле может выглядеть, а может и не существовать.

Грегори Крюдсон планирует свои фотографии так, как если бы они были кинематографической продукцией с точки зрения персонала и логистики. Он создатель фантастики, выходящей за рамки повседневной жизни. По его собственным словам, ему нравится «создавать миры в неподвижности и приостановке». Щелкните здесь, чтобы посмотреть несколько его потрясающих изображений.

Книги Грегори Крюдсона:

Нажмите на изображение, чтобы узнать больше…

8.Хендрик Керстенс (1956 -)

Мы не можем отрицать тесную взаимосвязь фотографии и живописи, а также знаем, что многие фотографы основывают свой стиль и эстетику на определенных художниках. Скажем, некоторых фотографов вдохновляет то, как великие мастера, особенно голландские, обрабатывали свет.

Хендрик Керстенс был известен своими абсолютно красивыми портретами ее дочери Паулы, имитирующими стиль, который в значительной степени напоминает картины Вермеера и Рембрандта, благодаря схожему освещению и композиции этих знаменитых картин.

Керстен придает современный вид, который кажется актуальным в наше время, добавляя определенные реквизиты к нарядам Паулы. Моя любимая фотография Хендрика — это картина «Сумка», которая во многом напоминает мне Het meisje met de parel из Вермеера, но, честно говоря, я предпочитаю придерживаться картины Керстена, мне она просто нравится.

Вы можете посмотреть больше Керстена здесь.

Книги Хендрика Керстенса:

Нажмите на изображение, чтобы узнать больше…

9.Хироши Сугимото (1948 -)

Хироши Сугимото определил свою работу как «выражение экспонированного времени», потому что его фотографии служат капсулами времени для ряда событий во времени. Его работы сосредоточены на быстротечности жизни и других общих темах в искусстве, таких как конфликты вокруг жизни и смерти.

Его работу можно легко обозначить как главы, так как он работает последовательно и очень дисциплинированно. Возможно, самой ранней прослеживаемой серией в его карьере могут быть Диорамы, Восхваление теней и портретов, а также Концептуальные формы и математические модели.Совсем недавно он начал работать в Театрах и Морских пейзажах.

Я думаю, что эти последние два — те, которые мне больше всего понравились, и работа идет примерно так. Для Театра выражение времени переопределяет само себя. Он снимает экспозицию, которая длится всю продолжительность фильма, и в итоге результат представляет собой пустой белый светящийся экран, стоящий посреди этих пространств, предназначенных для развлечения людей. От театров с высокой архитектурой до скромных кинотеатров — каждое пространство тускло освещено самим фильмом.

«Морские пейзажи» — еще одна серия, которая меня очаровывает. Любопытно, что, когда я впервые увидел обложку альбома U2 No Line in the Horizon, я был действительно тронут ею, и я никогда не слышал о Сугимото, наверное, пять лет спустя.

Он работает с широкоформатными фотоаппаратами, придавая своим работам качество, которое правильно и верно говорит о самом времени.

Книги Хироши Сугимото:

Нажмите на изображение, чтобы узнать больше

10.Джефф Уолл (1946 -)

Работы Джеффа Уолла помогли определить так называемый фотоконцептуализм. Его фотографии часто тщательно планируются как сцена в кино, с полным контролем всех деталей. Композиции на его картинах всегда хорошо продуманы или заимствованы у классиков, таких как Эдуард Мане.

Многие из его изображений представляют собой довольно большие прозрачные пленки, помещенные в световые короба. Он сказал, что идея показа подобных изображений пришла ему в голову во время автобусной поездки между Испанией и Лондоном после того, как он увидел большую рекламу, установленную на лайтбоксе на автобусной остановке.

Основные темы, обсуждаемые в его изображениях, — социальные и политические, такие как городское насилие, расизм, бедность, а также гендерные и классовые конфликты. Его изображения, как правило, изображают обычные и повседневные сцены, но на самом деле являются постановочными. Это один из прекрасных примеров.

Есть и другая сторона Джеффа Уолла — работа, которая радует от цифровых манипуляций, например, «Внезапный порыв ветра», напоминающий знаменитую картину Хокусая.

Книги Джеффа Уолла:

Нажмите на изображение, чтобы узнать больше

11.Майкл Вольф (1954 -)

Вольф начал свою карьеру в 1994 году в качестве фотожурналиста, проработав восемь лет в Гонконге для немецкого журнала Stern. Его изображения служат реалистичными документами архитектуры и народной культуры мегаполисов. Как иностранец, он находил удовольствие в вещах, которые не интересовали местные жители.

Когда я натыкаюсь на последовательность, я испытываю чувство удовольствия, которое мне трудно объяснить. Я хочу выделить здесь некоторые серии от Майкла Вольфа.Первый — «Прозрачный город» и «Архитектура плотности», в центре которого находятся большие здания с повторяющимся и симметричным видом внутри городов Азии. А еще один, который мне больше всего нравится, поскольку я фотограф в социальных сетях, — это Tokyo Compression, где показаны люди, консервированные в переполненных системах метро Токио.

Работа Майкла Вольфа очень важна из-за его реалистичного подхода к обществу. Получите у себя целый день, чтобы просмотреть его веб-сайт в поисках отличных изображений, о которых можно подумать.

Книги Майкла Вольфа:

Нажмите на изображение, чтобы узнать больше

12. Нан Голдин (1953 -)

Работы Нэн Голдин из так называемой Бостонской школы не могут быть вне этого скромного списка. Она — американская художница, которой приписывают обновление документальной фотографии через ее визуальные повествования о контркультурной сцене Нью-Йорка 70-х и 80-х годов.Она глубоко вовлечена в определенные социальные круги и фотографирует их с уникальным и интимным подходом. Особенно известна своими работами, в которых обычно представлены темы, связанные с ЛГБТ, и общественными деятелями.

Глубоко и лично, откровенно и грубо, ее образы — визуальная автобиография, если вам нравится, о ней самой и ее отношении к тем, кто открыл ей свое доверие. Под влиянием модных фотографий Хельмута Ньютона и Гая Бурдена, которые она видела в журналах, инструктор познакомил ее с работами таких художественных фотографов, как Дайан Арбус, Ларри Кларк и Август Сандер.

В настоящее время она живет и работает между Нью-Йорком, Парижем и Лондоном.

Важность фотографии как инструмента осуждения насилия была еще раз подтверждена ее автопортретом Нэн через месяц после того, как ее избили.

Книги Нэн Голдин:

Нажмите на изображение, чтобы узнать больше

13. Филип-Лорка ди Корча (1951 -)

Он отошел от стандарта, который был принят в Бостонской школе.Его работы стали ценными для книг любого рода. Он учился в Школе Музея изящных искусств, а в настоящее время живет в Нью-Йорке и преподает в Йельском университете в Нью-Хейвене, штат Коннектикут.

Его творчество часто определяют как баланс между правдой и вымыслом. Он сочетает в себе реальных людей и реальные места, но не в логическом противопоставлении переписки. Его образы часто воспринимаются как театральные и тщательно построенные из-за тщательного расположения объектов в каждой сцене.Кроме того, его работы кинематографичны, и, как и Синди Шерман, его изображения предполагают более широкий контекст, который предоставляется на усмотрение зрителя.

Согласно MoMA:

Когда в 1986 году Джон Шарковски, бывший директор Департамента фотографии МоМА, включил художника во вторую итерацию серии выставок «Новая фотография» музея, он написал: «Филип-Лорка ди Корча вовлекает нас в вопросы истории и сюжета, создавая таблицы, скрывающие информацию, которую мы ожидаем получить.«Фотографии ДиКорсиа успешны благодаря его стремлению показать больше и меньше рассказать.

Его кинематографический подход настолько очевиден, что его методологию иногда сравнивают с массовыми постановками Грегори Крюдсона. Здесь вы можете посмотреть некоторые из великих произведений Филиппа-Лорки ди Корча.

Книги Филиппа-Лорки ди Корча:

Нажмите на изображение, чтобы узнать больше

14.Райан МакГинли (1977 -)

Известный как самый молодой художник, который когда-либо проводил полную персональную выставку в Музее американского искусства Уитни, Райан МакГинли делал изображения, которые удостоили его звания «самого важного фотографа в Америке».

Его стиль со временем изменился. Он начал снимать своих близких друзей в реальных жизненных ситуациях, что я считаю совершенно удивительным, поскольку совсем недавно я начал искать более интимные фотографии, которые имеют значение для меня и никого другого.Многие фотографы, которые ищут впечатлений вдали от дома и друзей, иногда пропускают съемку в сторону самого себя.

В последнее время Райан МакГинли создает ранее предвиденные ситуации, которые можно сфотографировать, с той же природой. Он бросает свои предметы на фестивалях рок-н-ролла, в художественных школах и на уличных кастингах в городах.

По теме : Знаете ли вы самую дорогую фотографию в истории?

Моя любимая книга, которая также использовалась в качестве обложки для книги под названием «Фотография после Фрэнка».Действительно великолепно. Изображение изображает молодую девушку в жесте, который сразу заставляет меня думать о Керуаке и всех битниках того времени. Вы можете посмотреть другие изображения с его участием здесь и здесь.

Книги Райана МакГинли:

Нажмите на изображение, чтобы узнать больше

15. Ширин Нешат (1957 -)

Живущая в изгнании со своей родины, Ширин Нешат — важная художница, работающая над проблемами пола, идентичности и политики в странах с мусульманским правлением, а также на ее взаимоотношениях между личной жизнью и политикой.Она также является режиссером, и ее фильм «Женщины без мужчин» — это произведение, которое стоит посмотреть.

Вы можете увидеть некоторые из ее работ в галерее Гладстон.

Услышать высказывания самой художницы — лучший способ понять цель ее фотографий. Ширин Нешат исследует парадокс жизни художника в изгнании.

Книги Ширин Нешат:

Нажмите на изображение, чтобы узнать больше

Заключение

Все работы, созданные с 1970 года, вписываются в историческую характеристику Contemporary, но, конечно, не все считаются актуальными или значимыми в мире искусства.Если вы занимаетесь художественным экспрессионизмом через фотографию, не забывайте о значении и концепции, которую будет иметь ваша работа. Написание заявления художника — отличное оправдание вашей работы. И здесь у вас есть несколько отличных примеров, просто нажмите на названия и перейдите в Утверждение.

Следующий список известных современных фотографов дает вам несколько примеров, которые считаются важными в истории фотографии.

Что читать дальше:

10 современных художников в новых направлениях фотографии

Why Pictures Now (1982) — черно-белая фотография художницы Луизы Лоулер.На фотографии, название которой одновременно является утверждением и вопросом, изображена спичечная коробка с начертанной на ней титульной фразой, лежащая в пепельнице. Фотография также служит фокусом для одноименной выставки, которая откроется в Музее современного искусства с 30 апреля по 30 июля 2017 года. «ПОЧЕМУ КАРТИНЫ СЕЙЧАС» станет первым крупным обзором художника и обещает продемонстрировать некоторые из работ Лоулера. знаковые работы.

«Поколение картинок», как сокращающий термин, сгруппировало множество художников способами, которые иногда недопустимы, а то и совершенно абсурдны.Тем не менее этот термин прижился, и, к лучшему или худшему, он сохранился, чтобы описать поколение художников. Работая в 1970-х и 80-х годах, эти художники экспериментировали с тем, что Дуглас Кримп в своем эссе 1977 года «Картинки» популяризировал как «повторное представление» изображения — операции, подчеркивающие объектность фотографии (например, коллаж, фотографирование фотографий или другие произведения искусства. , присвоение коммерческих изображений). Текст Кримп был напечатан в качестве сопроводительного каталога к одноименной выставке в Artists Space.Лоулер не участвовал в этой выставке, но с тех пор считается стойким представителем группы Pictures.

По случаю ретроспективы художников агентство Artnet News хотело взглянуть на 10 современных художников, работающих в режиме «репрезентации». Вместо того, чтобы сгруппировать этих художников под рубрикой «Новое поколение картин», здесь мы смотрим на художников, которые продолжают наследие Лоулера — используя фотографию как инструмент институциональной критики и переоснащая среду как канал для творческих комментариев к визуальная культура.

Джошуа Ситарелла, Fashion Painting IX , 2016, Архивный пигментный принт на холсте, 22 x 16 ″.

1. Джошуа Ситарелла (род. 1987 г., Нью-Йорк. Живет и работает в Нью-Йорке).

Чтобы украсть из обзора Тима Джентлза « Art In America », фотогорафы Джошуа Ситареллы «играют с часто проницаемыми границами между реальностью и репрезентацией в рамках современного создания изображений». Художник из Нью-Йорка, которого представляет галерея Higher Pictures в Нью-Йорке, сделал карьеру, работая с цифровыми медиа и скульптурными формами.Citarella использует методы Photoshop для создания объектов, с которыми художники в противном случае не смогли бы работать (например, мраморных блоков), или для удаления фрагментов фигуры в качестве комментария к одержимости массами телом.

Sara Cwynar, Gold — NYT 22 апреля 1979 г. (наклейки с алфавитом), (2013).

2. Сара Квайнар (род. 1985, Оттава. Живет и работает в Нью-Йорке).

Сара Квайнар занимается фотографией, коллажами и инсталляциями.Художник — кладезь образов — он одержимо собирает и перекомпоновывает картины для достижения невообразимых целей, с затяжной склонностью к китчу. Исследуя, как народные изображения определяют образ мышления людей в мире, художник создает фотографические сборки, пытаясь овладеть магией или очарованием фотографии. В интервью BOMB Квайнар заявляет: «На меня влияет множество вещей, но я могу выбрать несколько: фотография еды, отброшенные коммерческие натюрморты, снимки людей из отпуска, любительские обнаженные тела, стоковые изображения, всевозможные фотографические образы и т. Д. как они распространяются, меняются в стоимости и помогают нам формировать значения.”

Martine Syms, Natural Elevated Forwards , 2015 Архивный пигментный принт на синтре, c-подставке, мешках с песком, 66 x 62 x 27 ″.

3. Мартин Симс (род. 1988, Лос-Анджелес. Живет и работает в Лос-Анджелесе).

Молодой и многообещающий художник-концептуалист Мартин Симс работает в области видео, фотографии, инсталляции, перформанса и публикации. Часто используя двусторонние фотографии, установленные на подставках, художница черпает свои изображения из семейных фотографий, рекламы и фильмов, часто размышляя о том, как черные фигуры изображаются в средствах массовой информации.Симс представлена Бриджит Донахью в Лос-Анджелесе. Также с 27 мая по 16 июля 2017 года состоится ее первая персональная выставка в Музее современного искусства в Нью-Йорке.

Арти Виркант, Image Object Четверг, 4 июня 2015 г. 12:53 , 2015 г., алюминий и винил, 49 x 49 x 38i ”.

4. Арти Виркант (род. 1986, Брейнерд, Миннесота. Живет и работает в Нью-Йорке).

Постинтернет-художник Арти Виркант работает над гибридизацией физических и цифровых медиа, часто создавая скульптуры из своих собственных фотографий.В эссе, которое он написал для октября года, художник заявляет:

«Мы все больше привыкли мыслить наш мир через предметы. Это может показаться нелогичным во времена экранов и файлов, которые притворяются нематериальными и неактивными, но на самом деле кажется очевидным, что эти интерфейсы, как наши основные методы организации и взаимодействия с миром сегодня, облегчили понимание мир как огромная совокупность объектов, включая нас самих ».

Vierkant представлен Новой галереей в Париже и в настоящее время участвует в групповой выставке ARS17 в Музее современного искусства Kiasma в Хельсинки до января 2018 года.

Кейт Стесив, Springtime Entropy , 2009, C-Print, 50 x 40 ″.

5 Кейт Стекив (род. 1978, Вифлеем, Пенсильвания. Живет и работает в Нью-Йорке).

«Работа Кейт Стесив исследует изменяющиеся отношения между объектами в физической реальности повседневной жизни и их двумерными представлениями в Интернете», — говорит Чарльз Маршалл Шульц в книге « AiA». Бывший ретушер фотографий, художник часто берет стоковые изображения и манипулирует ими, создавая красочные абстрактные картины.Она представлена галереей Higher Pictures в Нью-Йорке, Brand New Gallery в Милане, Италия, и Neumeister Bar-Am в Берлине, Германия.

Leigh Ledare, The Walk 2016. Стекло, герметик, найденные открытки, страница из книги Р.Д. Лэйнга «Узлы и пищевой коллаж». 13,75 х 9 дюймов.

6. Ли Ледар (род. 1976, Сиэтл, Вашингтон. Живет и работает в Нью-Йорке).

По образованию фотограф, художник из Нью-Йорка использует фотографию, архивные изображения, пленки и текст в своей работе.Его художественная практика включает использование образов и культуры имиджа для исследования идей идентичности, семейных и социальных отношений, а также сексуального желания. Он представлен и Mitchell-Ines & Nash в Нью-Йорке.

Лукас Блалок. Странная петля. 2009 . Хромогенный принт. 40 х 30 дюймов.

7. Лукас Блэлок (род. 1978, Эшвилл, Северная Каролина. Живет и работает в Нью-Йорке).

Художник Лукас Блабок создает цифровые фотографии, которые выдвигают на первый план применение цифрового редактирования и производства фотографий в эпоху Интернета, уделяя особое внимание тому, как создаются изображения и как они соотносятся с людьми в космосе.Его фотографии дурацкие и целенаправленные, в которых юмор играет особую роль. Он также снимает свои фотографии на широкоформатную пленочную камеру и сканирует изображения, чтобы повозиться с ними в Photoshop.

Печатная форма Magenta Massacre , 2013-2014, алюминиевая печатная форма с полиэтиленовыми пакетами, 30 x 41 ″.

8. Райан Ферстер (род. Ньюмаркет, Канада, 1983 г. Живет и работает в Нью-Йорке.)

Райан Ферстер — плодовитый фотограф, который манипулирует своими фотографиями естественным образом — используя природу и на открытом воздухе для создания часто пятнистых и странных красочных узоров.Используя светочувствительную бумагу или алюминиевые пластины, художники бросают на свои поверхности грязь, палки и другие предметы, позволяя свету делать свое дело. Ферстер работает в своей студии на Брайтон-Бич.

Тимур Си-Цинь, Посетите Mirrorscape: Arrive (2016). Натяжной тканевый дисплей с черной подсветкой, алюминиевая рама, светодиодная система освещения.

9. Тимур Си Куин (р., 1984, Берлин, Германия. Живет и работает в Берлине.)

Художник немецкого и монголо-китайского происхождения использует стоковые фотографии и коммерческие изображения для создания фиктивных брендов, таких как его поддельный модный бренд PEACE, чтобы показать связь между метаморфозами мира природы и мира цифровых технологий. и коммерческий.Художник сказал Artforum: « Меня интересует, как коммерческие изображения раскрывают процессы, с помощью которых люди интерпретируют окружающий мир и реагируют на него — это отпечатки наших алгоритмов поиска культурных изображений».

Марко Скоццаро, SVIAGGIONI , (2016), акриловая пигментная печать, 40 x27 дюймов.

10. Марко Скоццаро (род. 1979, Турин, Италия. Живет и работает в Нью-Йорке).

Ранее получивший образование в качестве модного фотографа, художник работает с пленочной фотографией, а затем обрабатывает ее цифровым способом, создавая сюрреалистический и странный визуальный пейзаж.В интервью Киане Местрих художник отметил, что его «работа — это исследование современного визуального языка, и я хотел взять различные элементы из визуального пейзажа, переварить их и поработать с ними, чтобы создать многослойные фотографии и скульптуры». Скоццаро только что отпраздновал свою первую персональную выставку «Digital Deli» на Бакстер-стрит в Нью-Йорке в начале этого года.

Следите за новостями Artnet в Facebook:

Хотите опередить мир искусства? Подпишитесь на нашу рассылку, чтобы получать последние новости, откровенные интервью и острые критические моменты, которые продвигают разговор.

современных и современных фотографов, которых вы должны знать | Федерико Алегрия

Фан Хо, приближающаяся тень

«Для меня фотография — это искусство наблюдения. Речь идет о поиске чего-то интересного в обычном месте … Я обнаружил, что это мало связано с тем, что вы видите, а все с тем, как вы их видите «.

— Эллиот Эрвитт

«Вы можете смотреть на картинку в течение недели и никогда больше о ней не думать. Вы также можете на секунду взглянуть на картинку и думать о ней всю жизнь.”

— Жоан Миро

Алексей Титаренко (1962-)

Родился в 1962 году в Ленинграде, СССР, ныне Санкт-Петербург, Россия. Он современный фотограф, на которого повлияли русские авангардные работы Александра Родченко и Казимира Малевича, а также художественное движение Дада.

В пятнадцать лет Алексей Титаренко стал самым молодым членом независимого фотоклуба «Зеркало» и с отличием окончил престижный факультет кинематографического и фотоискусства Ленинградского института культуры.

Его самая известная работа — это исследование городских районов во время и после распада Советского Союза в 1991 и 1992 годах, наиболее известных под названием Город теней. Эти изображения начались в окрестностях единственной системы общественного транспорта того времени — поезда. В этой работе Алексей запечатлел человеческое состояние обычных людей метафорически благодаря своим концепциям, стилю и технике. Многие из этих изображений были созданы с использованием длинных выдержек и преднамеренного движения камеры.До настоящего времени он продолжал заниматься социальной фотографией, используя техники длительной выдержки.

Одна из самых важных вещей, которые следует упомянуть о работе Алексея изобразительного искусства, заключается в том, что он создает все, от концепции до печати, и это придает конечной работе более высокое качество. Для меня Алексей Титаренко — живое свидетельство того, что ограничения разбивают творчество самым фантастическим образом. Во время работы в «Городе теней» в Советском Союзе у него был очень ограниченный доступ к фотографическим ресурсам, таким как пленка и бумага, и все же ему удалось создать такой потрясающе качественный объем работ, превратив эти ограничения в фотографические преимущества.

Вы можете порадовать себя его работами на его официальном сайте, и если у вас есть возможность вложить деньги в книгу, я настоятельно рекомендую приобрести себе экземпляр «Город — это роман», который включает в себя работу «Город теней». , и другие работы из других городов, таких как Гавана и Венеция.

Image

Чема Мадос (1958 -)

Хосе Мария Родригес Мадос, родившийся в Мадриде, более известный как Чема Мадос, известный современный фотограф, известный своими черно-белыми сюрреалистическими изображениями.Но лично он считал себя аранжировщиком, а затем фотографом. Он создает визуальную поэзию, недавно извлеченную из его воображения, с помощью обычных предметов, которые он превращает в умопомрачительные композиции.

Великолепная простота его изображений — вот в чем скрытый трюк, потому что это очень легко усваиваемое искусство. Его творения заставляют нас чувствовать себя виноватыми за то, что мы не можем увидеть очевидное, что он так естественно может изобразить.

Комбинируя элементы и формы, Чема Мадос создает образы, которые одновременно наводят на размышления и визуально сильны, с большой индивидуальностью и поэтической силой.Его образы выходят за рамки сюрреализма и абстракции и являются для меня чисто визуальными метафорами.

Он искренне влюблен в возможности, которые могут предложить объекты, и его аранжировки (которые позже были сфотографированы на пленку среднего формата) являются ярким доказательством этого убеждения.

О его технике мало что можно сказать, кроме адекватного использования пленки и тщательной полиграфической работы, которую он с энтузиазмом выполняет. Лучший способ понять его работу — это больше созерцать ее, чем просто видеть.Он, без сомнения, мой любимый художник-натюрморт. Он способен видеть далеко за пределами обыденного и обыденного. Он визуальный поэт, и вы можете порадовать себя его творчеством здесь.

Image

Юрие Белегурски

Исландия, без сомнения, одно из самых желанных мест для пейзажных фотографов. Это как Святой Грааль дисциплины и туристов, ищущих приключений. Возможно, это была основная причина, по которой молдавский фотограф Юрие Белегурски переехал в Рейкьявик в 2006 году, чтобы изучать туризм и гостеприимство.Через некоторое время он основал то, что сейчас является крупнейшим туристическим агентством Photography Workshops в Исландии.

Его страсть к фотографии и туризму стала прекрасным предприятием как для Исландии, так и для фотографов-пейзажистов всего мира. Его работа сделала Исландию самым популярным местом для фотографий среди таких фотографов.

У нас есть предприниматель, который превратил свою страсть и бизнес в устойчивый способ ведения дел. Его совершенно умопомрачительные и потрясающие пейзажи были опубликованы по всему миру в книгах, календарях, рекламных кампаниях, рекламных роликах и даже в газетах; помимо возможностей социальных сетей.Люди доверяют его мастерским из-за прекрасного качества его собственных изображений, и, конечно же, он является инструктором мастерских.

Все его изображения — шедевры фотографии природы, а дань уважения диким пейзажам, недоступным для многих, — прекрасное достояние нашего времени.

Image

Сохаил Кармани

Фотограф из Лондона, работающий по совместительству, в настоящее время работает в Нью-Йоркском университете в Абу-Даби в качестве штатного профессора письма.Его образы смелые и человечные. Он проявляет глубокое уважение к людям и определенно усовершенствовал свои социальные навыки, чтобы подходить к совершенно незнакомым людям на улицах и быстро завоевывать их доверие, чтобы позволить ему изобразить их. В настоящее время он исследует родной город своих предков Сахивал в Пенджабе, Пакистан. Он бывал в своем родном городе очень ограниченное количество раз, но каждый визит использовался самым эффективным образом. В результате каждого посещения он делал великолепные портреты, которыми он делился через учетную запись Flickr, а также на своем личном веб-сайте.Такие образы являются достоянием красоты и человечности обычных и добрых людей.

Его образы согласованы с точки зрения освещения, композиции и позирования. Все они могут быть отнесены к категории «Уличные портреты в окружающей среде», с тщательно продуманной композицией, которая во многих случаях сохраняет глаза объекта в качестве главного объекта. В его прицел также есть оттенки откровенной уличной фотографии, и в настоящее время он работает над некоторыми монохромными преобразованиями более ранних работ. Его работы можно легко сравнить с великим фотографом-документалистом Стивом МакКарри (у него даже была возможность сфотографировать этого человека с такой же последовательностью, что и все его работы).Работа Сохаила Кармани — отличное свидетельство того, что наблюдение за работой других фотографов важно для улучшения нашего зрения, вкуса и даже фотографической дисциплины. Каждый фотограф разрабатывает уникальный стиль, в котором смешиваются влияния и впечатления. Его работы — это подарок для глаз, и я просто хотела поделиться им с вами.

Image

Marc Adamus

Unforgettable Wilderness Photography, именно так Марк Адамус описывает свои собственные образы, и поверьте мне, этот парень прав насчет этого краткого описания.

Он молодой фотограф-пейзажист, в настоящее время живущий в Западной Северной Америке. Его любовь к дикой природе совершенно очевидна в его фотографиях пейзажей. Постоянный фотограф-пейзажист в постоянном поиске дикой природы в ее наиболее (все еще) чистом виде. Его страсть к дикой природе привлекла широкую аудиторию по всему миру. Его стиль безошибочен, в нем запечатлены самые эпические моменты истинной природы.

Его изображения были широко опубликованы по всему миру в самых разных средствах массовой информации; от календарей, книг, рекламы до нескольких изданий National Geographic.Он стремится выразить свои чувства, вызванные местами, которые он посещает и исследует. Он пытается посочувствовать зрителю своему собственному опыту, находясь в дикой природе.

Чем больше терпения фотографы вкладывают в безупречное стремление к великолепной пейзажной фотографии, тем больше пейзажи им открываются. Пейзажная фотография не просто ждет, когда вы снимете ее, проезжая мимо, пейзажи хотят, чтобы вы забыли о современном мире и воссоединились с протосостоянием человека, делящего жизнь с дикой природой, а не угрожая ей, как мы с тех пор прошлые века.

Работа Марка, конечно же, развивалась с тех пор, как он начал, но он смог извлечь лучшее из профессиональных фильмов и цифровых форматов. В настоящее время он просто снимает в цифровом формате и четко заявил о важности постобработки, как это делал Ансель Адамс в былые времена. То, что происходит в камере, — это просто холст для прекрасного шедевра, который позже появится в любимом рабочем процессе любого фотографа, и, конечно же, чем лучше качество этого холста, тем меньше работы вам придется потрудиться в RAW. этапы разработки общего рабочего процесса.

Вы можете позволить себе уйти в дикую природу здесь и здесь.

Лаура Уилсон (1939 -)

Американский фотограф с нынешней 40-летней фотографической карьерой и один из лучших американских фотографов с активной карьерой до сегодняшнего дня. Ее работы в основном сосредоточены в книгах, которых она опубликовала четыре до сегодняшнего дня. Она из тех малоизвестных, но важных фотографов нашего времени. Она начала свою карьеру в качестве научного сотрудника Ричарда Аведона в его знаменитой работе «На американском Западе», в которой он оторвался от знаменитостей и сосредоточился на простых людях.

Она работала более 25 лет, документируя современных ковбоев на нескольких ранчо в Западном Техасе и Монтане. Она сфотографировала этих мужчин, которые твердо придерживаются своих собственных традиций и кодексов поведения, которые являются важной частью их наследия мальчика-коровы. Шесть лет она работала ассистентом Ричарда Аведона, когда он работал над историческим фильмом «На американском Западе».

Ее четыре книги можно найти прямо на ее веб-сайте здесь:

— Уотт Мэтьюз из Лэмбсхеда (1989)

— Гуттериты Монтаны (1990)

— Аведон за работой: на американском Западе ( 2003)

— Упорство и слава: Футбол из шести человек (2003)

Все они представляют собой документальные работы на темы, которые пробудили ее любопытство и заставили ее исследовать достойное состояние.Любопытный факт об Аведоне за работой заключается в том, что она задокументировала творческий процесс, методы работы Аведона и многие другие закулисные открытия, работая его помощником.

Одна из моих любимых фотографий Лауры — это закулисная фотография из The Darjeeling Limited Уэса Андерсона, на которой запечатлен очень харизматичный Оуэн Уилсон, который также является ее сыном.

Image

John Free

Социальный документальный и уличный фотограф, Free — это то, что вы можете назвать живой легендой.В настоящее время он живет в Лос-Анджелесе, и его фотоочерки варьируются от железнодорожных трамваев в Калифорнии до автомобильных рефератов и до уличной жизни Лондона и Парижа. Он доверил свою любовь к фотографии своему надежному Nikon F3, и для меня это отличный пример того, как важно всегда носить с собой фотоаппарат. Вы не увидите Джона Фри ни на одном видео (и я тоже снимаюсь в реальной жизни) без его надежной камеры.

У него заразительная душа, и время от времени он делится своей бесценной мудростью через свой канал на YouTube.Он резко критиковал академические системы, которые взимают большие деньги и отговаривают людей вместо того, чтобы поощрять их к практике и практике. И эта злополучная реальность фотошкол вдохновила его на создание его собственных визионерских семинаров по фотографии и тому, что, по его мнению, также является действительно важным в фотографии, страстью и практикой. Одна из вещей, которые он критикует больше всего (и это довольно логично, если вы просто немного проанализируете), заключается в том, что эти люди, отговаривая студентов, редко показывают свои собственные работы.Я предполагаю, что именно эта непонятная идея является причиной того, почему он делится с нами своими изображениями.

Анекдоты, которыми он делится, — лучшее, что я могу найти, о важности фотографирования с энтузиазмом. Он считает, что независимо от уровня квалификации мы, все фотографы, должны изучать одни и те же вещи снова и снова, чтобы улучшать свои изображения. Он учит нас, что мы всегда ученики, и он также делится этим видением на своих семинарах. Он учит осознавать элемент времени в уличной фотографии, которая является самым сложным элементом дисциплины, он даже точно заявляет, что время — это то, что управляет уличной фотографией.

Он умеет делать значимые и убедительные фотографии повседневных жизненных ситуаций, которые, конечно, можно найти в любой стране, независимо от визуальных ориентиров. Уличная фотография — это захват значимых вещей из обычных и повседневных ситуаций человеческой жизни. Он также учит выживанию в реальном мире, фотографируя незнакомцев с близкого расстояния, не попадая в неприятности, другими словами, он учит уважению и социальным навыкам для получения значимых снимков, которые мы, как уличные фотографы, всегда ищем.Уличная фотография имеет дело с моментами, которые постоянно исчезают, и когда они ушли, их уже невозможно вернуть.

Вы можете прочитать его фантастический блог здесь и порадовать себя его галереями.

Изображение

Уильям Вегман (1943 -)

Наблюдая за работой Уильяма Вегмана снова и снова, неоднократно, позволяя себе удивляться тому олицетворению и чувству юмора, которое он изображает, вы в конце концов придете к выводу о том, что огромная вселенная возможностей, которую может предложить один, ограниченный и последовательный предмет.

Вегман наиболее известен своей постоянно развивающейся серией изображений, на которых изображены не только собаки, но и только его собаки, которые относятся к одной породе, веймаранерам. Итак, у нас есть великий современный художник, работающий с очень ограниченным предметом, но при этом способный создать чрезвычайно большой объем работ.

Изначально он намеревался продолжить карьеру художника, но я полагаю, что ему было удобнее работать с фотографической средой. К началу 19070-х его работы начали экспонироваться в нескольких галереях, в том числе в галерее Конрада Фишера в Дюссельдорфе, довольно близко к знаменитой Дюссельдорфской школе фотографии.Его работы выставлялись в нескольких музеях, в том числе в престижных галереях Музея современного искусства (MoMA) и Центра Жоржа Помпиду.

Я просто люблю собак, и он тоже.

Image

Роберт Мэпплторп (1946–1989)

Он был американским фотографом, который обрабатывал спорные темы с помощью стилизованной черно-белой среды. В его работах был широкий выбор сюжетов, от него самого, до знаменитостей, обнаженной натуры и натюрморты с цветами.Его самая противоречивая работа — это работа на андеграундной БДСМ-сцене в конце 1960-х — начале 1970-х годов в Нью-Йорке. Вы можете увидеть его жуткие работы на сайте Фонда Роберта Мэпплторпа.

Помимо спорных портретов, он сосредоточил свои работы на натюрмортах с цветами с конца 1970-х годов до нескольких месяцев до своей смерти в 1989 году. Тюльпаны, лилии, орхидеи, маки и цветы Алькатраса.

В том же году, когда ему поставили диагноз ВИЧ / СПИД, он сделал другую фотографию.Он использовал изображенные цветы в безупречном состоянии во время цветения, но этот был другим, этот умирал. Этот образ является тонкой метафорой разложения его собственного здоровья и в конечном итоге стал его символом бессмертия в его более поздних образах. Изображение в настоящее время является частью коллекции Музея Соломона Р. Гуггенхайма в Нью-Йорке.

Три его цитаты (показанные здесь с задуманной поэзией, подобной структуре от меня) раскрывают идеи, лежащие в основе его противоречивой и смелой работы:

Я одержим красотой.

Я хочу, чтобы все было идеально,

и, конечно же, это не так.

И это трудное место для

, потому что вы никогда не будете удовлетворены.

Красавица и дьявол

— одно и то же.

Когда я работаю,

и в моем искусстве

я держусь за руки с Богом.

Image

Андреас Гурски (1955 -)

Немецкий фотограф, который учился в 1981–1987 годах в знаменитой художественной академии Дюссельдорфа.После окончания учебы он продолжил развивать свое голосовое мастерство в среде и, в конце концов, получил известность среди критиков. В конце 1980-х он начал увеличивать свои изображения до размеров, известных как фрески, что в настоящее время является частью его славы. С 1992 года он начал открывать возможности, которые могут предложить цифровые изображения, и с тех пор работает с ними.

Гуски взлетел на арт-рынок, продав не одну, а две из самых дорогих фотографий, когда-либо зарегистрированных в истории.Его гравюра Rhein II была продана 8 ноября 2011 года на Christie’s, Нью-Йорк, за 4 338 500 долларов США, а в 2013 году Chicago Board of Trade III (1999–2009) была продана за 2,2 миллиона фунтов стерлингов. Благодаря им ведутся огромные споры о ценности искусства, но все же важно знать этот факт.

Короткая доступная перспектива во многих его работах часто предлагает возвышенную точку обзора, которая позволяет зрителю увидеть другую перспективу повседневных жизненных ситуаций, например, его знаменитую картину 99 Cent II .Его привлекают большие, анонимные, искусственные пространства, такие как офисные вестибюли, залы фондовых бирж, а также интерьеры крупных розничных торговцев коробками. Вам нужно много медитировать, глядя на его изображения, и, вероятно, вам придется время от времени возвращаться к ним, чтобы понять концепцию, лежащую в основе его портретного изображения глобализации.

Еще одно важное изображение, показывающее его увлечение искусственными пространствами, отражающими глобализацию, — это Paris, Montparnasse, 1993 .

Image

Ральф Гибсон (1939 -)

Живущий американский фотограф, наиболее известный своими редакторскими работами в области фотографии.Его образы постоянно включают в себя фрагменты таинственного и эротического оттенка, и эта способность построения повествования является выдающейся. Его работа иногда посвящена идеальным и основным деталям, которые, если рассматривать их в контексте, то, что он упустил, в значительной степени говорит о самом изображении.

Его изображения часто имеют сюрреалистическое сопоставление, одновременно тонкое и элегантное. Его кадры — отличные примеры гештальтизма благодаря аффекту, который он вызывает у зрителя, просто показывая ключевые элементы внутри своих кадров.

Его работы описывают как сочетание природы уличной фотографии с возможностями натюрморта. Вы можете потеряться в бесконечной реке изображений, доступных для просмотра на его официальном сайте, поэтому, если вы не знакомы с его работами, доставьте себе удовольствие.

Image

Хироши Сугимото (1948 -)

Родился в Токио, активно фотографирует изобразительное искусство, в настоящее время живет в Токио и Нью-Йорке. Его каталог состоит из ряда серий, каждая из которых имеет свою тему и сходные атрибуты.

Свою первую камеру он получил в возрасте 12 лет. В 1974 году он начал изучать политику и социологию в Университете Риккё, но позже переквалифицировался на художника в 1974 году и получил степень бакалавра в области изящных искусств в Колледже дизайна Art Center. , Пасадена, Калифорния. После этого Сугимото поселился в Нью-Йорке. Вскоре он начал работать продавцом японских древностей в Сохо.

Он начал работать над серией под названием «Диорамы», вдохновившись тем, что он увидел в Американском музее естественной истории в Нью-Йорке.Двумя годами позже он начал серию под названием «Театры», которая представляет собой уникальное и красивое исследование как экранов, так и архитектуры таких мест, оставляя экраны мечтательными и вневременными чистыми белыми.

Он работал со многими предметами, и на самых известных работах Сугимото — его минимализм и градиент, как морские пейзажи. Все они демонстрируют симметричную двойственность между морем и небом с тщательно запечатленным горизонтом. Некоторые из его морских пейзажей были сняты с нормальной выдержкой, например, 1/30 или 1/60 секунды, и сохранили волнистую текстуру моря.Некоторые другие — это длинные выдержки, которые показывают отполированную поверхность неба и моря.

Многие из его работ можно увидеть в его онлайн-портфолио. Здесь он показывает множество разных этюдов от натюрморта до громов. И вы также можете увидеть некоторые изящные произведения искусства в галерее Fraenkel.

Image

Фан Хо (1937–2016)

Великий китайский фотограф и кинорежиссер. Мы все еще оплакиваем его потерю, и Фан Хо был великим из величайших. Знаменитый китайский фотограф с 1956 года получил более 280 наград на международных выставках и конкурсах по всему миру.

Он получил камеру TLR Rolleiflex от своего отца в возрасте 13 лет, и это чудесное занятие. Этот подарок очаровал его и стал идеальной искрой, которая пробудила страсть Фан Хо к фотографии.

В 1950-х он переехал в Гонконг и начал документировать уличную жизнь города. За свою карьеру он неоднократно становился лучшим фотографом мира и одним из самых влиятельных фотографов Азии.

Он был приглашен 12 университетами Тайваня и Гонконга в качестве приглашенного профессора для обучения искусству создания фильмов и фотографии.Представьте себе, какой подарок для студентов, которые получили возможность научиться на увлечении этого фантастического фотографа. Он написал пять книг, и здесь вы можете увидеть, как он рассказывает о своей истории и своей философии создания изображений. Три его фильма получили официальных отборок престижных международных кинофестивалей Канн, Берлина и Сан-Франциско ; пять его фильмов входят в постоянную коллекцию Национального киноархива Тайваня и Гонконга.Его культурное происхождение сделало его стиль таким уникальным, лиричным, драматическим и поэтичным.

Многие из его потрясающих уличных фотографий до сих пор можно посмотреть на его официальном сайте.

Изображение

Первоначально опубликовано на Photo Traces

▷ Современная и современная фотография на продажу

Вездесущая и, казалось бы, такая естественная в эпоху смартфонов, история фотографии остается относительно недавним явлением по сравнению с историей человечества.

Хотя было сказано, что первые стадии этой техники начались в начале 19 века, мы обязаны своим изобретением Луи Дагеру в 1839 году. Сотрудник Ньепса, он улучшил время экспонирования в темной комнате и модифицировал химические элементы, необходимые для разработки. фотографий. Дагерротип был открыт широкой публике 7 января 1839 года во время встречи во Французской академии наук. За этим последовал всемирный успех.

Фотостудии открывались повсюду, и самые богатые и влиятельные семьи того времени делали черно-белые портреты.

Со временем процесс занимал все меньше и меньше времени, а для материала требовалось все меньше и меньше места. В конце концов, штативы больше не понадобились. В 1889 году компания Eastman Kodak выпустила портативный фотоаппарат с рулоном пленки, и фотография приняла совершенно новую форму.

Художники воспользовались этой новой возможностью, и художественная фотография начала быстро развиваться.

20-й век характеризуется творчеством самых известных фотографов: Уокера Эванса, Анри Картье Брессона, Роберта Мэпплторпа, Раймона Депардона и, конечно же, Роберта Дуано.Им удалось не полностью изменить наше видение мира. Они отметили конец одного мира и открыли путь для другого, в котором мы могли определять контуры и цвета мира нашими собственными уникальными способами. Они показали нам социальные реалии и трагедии, но они также увековечили магию Голливуда и культовых мужчин и женщин своего времени.

Их преемники пошли по их стопам, вдохновленные своей уникальной техникой кадрирования и композиции. Творческие возможности фотографии были снова умножены последними цифровыми разработками.Некоторые фотографы сохранили свою стойкую любовь к серебристым камерам Leica, но многие поменяли их на более четкую фокусировку зеркальных камер и решили поиграться в пост-обработке, чтобы изменить характеристики фотографии и окончательное изображение.

Выбор Artsper отражает международную фотографию с 1950-х годов до наших дней. Состоящий из тысяч работ, он охватывает целый ряд художественных процессов, от репортажей, модной фотографии, современной документальной работы, черно-белой фотографии до работ, стирающих границы между фотографией и другим визуальным искусством, а также культовых фотографий и спортивные фотографии.

Два принципа могут помочь вам при выборе художественной фотографии: вы можете отдавать предпочтение разнообразию художественных подходов или создавать ансамбли, покупая целые серии, что позволяет вам приобретать согласованные монографические коллекции.

Портреты, романтические пейзажи, городские образы, повседневная жизнь или репортажи о событиях — фотография гарантирует точное изображение себя или окружающих. Среди многих других вы найдете следующие имена в нашей подборке известных фотографов: Лю Болин , Ли Вей, французский фотограф Клод Левек, модные фотографии Гельмута Ньютона , поляроид Ларри Кларка, Ральф Гибсон и новые художники. Кларисса Реботье и Томас Субтиль.Вы также найдете фотографии малого и большого формата.

Руководство для коллекционера: коллекционирование фотографий произведений искусства

Мои ТОП-10 лучших современных фотографов

Фотография — это единая точка момента. Это похоже на остановку времени. Поскольку все сгущается в это вынужденное мгновение. Но если вы продолжаете создавать эти точки, они образуют линию, отражающую вашу жизнь.

— Нобуёси Араки

Фотография — это среда противоречий. Это одновременно до смешного легко и почти невозможно. Уметь видеть вещи легко, так как нам нужно только открыть глаза, чтобы стимулы проникли внутрь, но уметь запечатлеть очень конкретный и значимый момент — трудная часть.

Хорошая фотография состоит из множества вещей, не только нужно нажать на затвор в нужный момент, но и композиция, цветовая координация, свет и перспектива также играют важную роль.

НАЖМИТЕ, ЧТОБЫ ПОСЕТИТЬ МОЙ МАГАЗИН

Фотограф — редактор реальности, пытающийся понять реальность; он пытается сконцентрировать суть своего предмета — сцену, чувство или личность в едином двухмерном изображении.

Работа всех фотохудожников посвящена природе фотографии — созданию изображений, а не фотографированию. Как и в большинстве случаев концептуального искусства, процесс кажется столь же важным, как и конечный результат.

Мы составили список 10 лучших современных фотографов, известных своей страстью, целеустремленностью и стилем.

Содержание:

Поехали!

Поддержите этот блог и купите одну из моих особых футболок!

Энни Лейбовиц

Легендарный фотограф Энни Лейбовиц, вероятно, самый известный и уважаемый из ныне живущих американских фотографов.

Энни Лейбовиц начала свою карьеру фотожурналистом журнала Rolling Stone в 1970 году и стала первой женщиной, которая была назначена главным фотографом Rolling Stone в возрасте 24 лет.

В 1983 году она присоединилась к сотрудникам журнала Vanity Fair и Vogue, где за четыре десятилетия она создала большой объем работ — драматические, причудливые и культовые портреты актеров, музыкантов, спортсменов, писателей, деловых и политических деятелей. , предлагающий коллективный портрет современного искусства.

Ее фирменный стиль — свежий, хорошо освещенный и идеально подобранный для эпохи, наполненной знаменитостями.

Посетите Энни Лейбовиц в Facebook

Лейбовиц намеренно скрывает свои предметы за концепцией и костюмом; знаменитости становятся скульптурами или артистами театра.Ее интересует не незащищенный момент, а инсценированный момент; не внутренняя жизнь, а внешняя жизнь.

Библиотека Конгресса США присвоила ей звание живой легенды и получила множество наград, в том числе первую премию за творческое мастерство Американского общества редакторов журналов, премию Международного центра фотографии за заслуги в жизни и Столетнюю медаль Королевского фотографического общества. Лондон.

Читайте нашу полную статью об Энни Лейбовиц здесь

Далее, Ли Джеффрис…

Ли Джеффрис

Джеффрис — фотограф-самоучка из Манчестера, Англия.Его поразительная серия черно-белых портретов бездомных женщин и мужчин удивила островной мир фотографии.

Его подданные прибыли из Лондона, Парижа, Лос-Анджелеса, Рима, Нью-Йорка и других городских районов, с которыми он знакомится, живя с ними грубо; отношения между ними позволяют ему запечатлеть подлинность и интимность в своих портретах.

Джеффрис делает снимки своих объектов крупным планом, запечатлевая эмоциональное выражение тех, кто часто невидим для большинства населения.Он религиозно использует свет и тень, а его изображения называют «религиозной иконографией».

Посетите официальный сайт Ли Джеффриса здесь

Ли также выполнял миссию по повышению осведомленности и помощи бездомным. Он опубликовал две известные книги по сбору средств,

«Бездомный и потерянный Анхелес» и пожертвовал тысячи фунтов своих денег, чтобы помочь тем, кого фотографирует.

За последние три года он завоевал золотые, серебряные и бронзовые титулы в ежегодном конкурсе журнала Amateur Photographer, но, несмотря на недавнее признание, его работа продолжает финансироваться за счет собственных средств.

Прочтите нашу статью «Ли Джеффрис — Портреты бездомных»

Далее Тимоти Хоган…

Тимоти Хоган

Американский фотограф Тимоти Хоган — отмеченный наградами фотограф, известный своим мастерством освещения, мастерством и уникально точными изображениями натюрмортов.

Более двадцати лет он снимает для международных брендов и рекламных агентств в индустрии напитков, технологий, красоты, парфюмерии и дизайна, включая Chanel, Calvin Klein, Budweiser, Target, Tommy Hilfiger, Visa и многие другие компании.

Его фотографии объединяют его безупречный взгляд на дизайн, калифорнийский образ жизни с его страстью к серфингу и исследованиям.

Посетите официальный сайт Тимоти здесь

Креативный и изобретательный с детства, Тимоти разбирался в деталях и дает уникальную способность создавать элегантные решения даже для самых сложных запросов изображений.

Его работы могут быть драматичными, а его изображения наполнены множеством символов и яркой игрой света и цвета.

Он проявляет творческий подход, но использует ремесленный подход к организации съемки; это, вкупе с поддержкой лучших продюсеров, ретушеров и студий, позволяет Тимоти добиваться невероятных результатов в фотографии в мире рекламы высокого давления.

Хоган — один из двух послов Hasselblad в США, работа которого представлена в изданиях Communication Arts, Graphics, Victor by Hasselblad и многих других изданиях по всему миру.

Прочтите нашу тематическую статью, Тимоти Хоган — Когда искусство и коммерция сталкиваются

Далее, Реан Кроквиль…

Рехан Кроквиль

Рехан Кроквиль, фотограф французского происхождения из Хойана, центральный Вьетнам, особенно известен своими портретами Вьетнама, Индии и Кубы.

Его страсть к фотоискусству вылилась в крещендо после его первого путешествия по северным регионам Вьетнама, спустившегося вниз; в январе 2014 года он опубликовал свою первую книгу «Вьетнам, контрастная мозаика».

Его цель — показать Вьетнам в естественном и непринужденном свете. Снимая образы этих исключительно контрастирующих культур Вьетнама, он стал свидетелем сложного разнообразия и хрупкости культурного наследия некоторых этнических групп.

Собирая их традиционные костюмы и артефакты, он создал Коллекцию драгоценного наследия, которая сейчас является ядром Художественной галереи-музея в Хойане, центральный Вьетнам.

Рехан описывался как фотограф, «запечатлевший душу своих моделей»; его фотографии — случайный и естественный момент, который он запечатлевает, проводя время со своими объектами.

Рехан регулярно сотрудничает с BBC, Travel Live, Conde Nast Traveler, The Times, National Geographic и другими ведущими СМИ, покупая его фотографии.

Посетите официальный сайт Rehahn здесь

Он очень активен в социальных сетях, и сегодня он один из самых популярных фотографов за последние пять лет, у него много поклонников.

Прочтите нашу статью «Реан Крокевьель — Сделаем его личным»

Далее, Стив Маккарри…

Стив МакКарри

Фотограф-документалист и рассказчик Стив МакКарри — одна из знаковых фигур в современной фотографии на протяжении почти сорока лет, наиболее известная своей яркой цветной фотографией.

Его работы охватывают конфликты, древние традиции и современную культуру шести континентов и бесчисленных стран, улавливая суть человеческой борьбы и радости.

Маккарри охватил многие области гражданских и международных конфликтов, включая Пакистан, Бейрут, Камбоджу, Филиппины, войну в Персидском заливе, бывшую Югославию, Тибет и Афганистан.

Он сосредотачивается на человеческих последствиях войны, показывая не только то, что война влияет на ландшафт, но, скорее, на человеческое лицо.

Посетите веб-сайт Стива МакКарри здесь

Его работы были представлены во всех крупных журналах мира; Кульминационным моментом в карьере МакКарри стало открытие ранее неизвестной афганской беженки, которую многие называют самой узнаваемой фотографией в современном мире.

Маккарри получил одни из самых престижных наград в отрасли, в том числе Золотую медаль Роберта Капы, четыре первых приза конкурса World Press Photo, премию Оливье Реббота и Столетнюю медаль за заслуги перед жизнью от Королевского фотографического общества в Лондоне.

Прочтите всю нашу статью «Стив МакКарри — раскрывая истинные цвета мира»

Джейсон М. Петерсон

В качестве главного креативного директора Havas North America Джейсон М. Петерсон занимался рекламой, что повлияло на его фотографии, повысив его способность рассказывать истории с помощью монохромных изображений.

От потрясающих городских пейзажей до откровенной уличной фотографии — Петерсон стремится вызывать эмоции с помощью своих работ.Его работы мрачные, но четкие и ясные. Он работает с тенями, линиями и углами, чтобы нарисовать уникальные формы в композиции.

Его фотографии, сочетающие городскую архитектуру с человеческими силуэтами, обладают смелым графическим качеством, которое легко узнаваемо.

Посетите Instagram Джейсона Петерсона здесь

Фотограф из Чикаго снимает уже более 25 лет, но недавно начал широко делиться своими работами; его очаровательные черно-белые фотографии принесли ему беспрецедентный миллион подписчиков в Instagram.

Прочтите нашу тематическую статью, Джейсон М. Петерсон — High Contrast Hustler

Джо МакНалли

Джо МакНалли — фотожурналист и всемирно известный американский фотограф.

Хотя большую часть своей карьеры он провел в съемках для журналов, таких как National Geographic, Time или Sport Illustrated в 90-е годы, МакНелли работал штатным фотографом журнала Life, первым за 23 года.

Фотограф известен своей способностью выполнять технически и логистически сложные задания с умелым использованием света и цвета, но его очаровательная манера поведения, юмор и уверенность делают его востребованным выбором от генерального директора до знаменитостей, коммерческих клиентов и клиентов журналов.

Посетите официальный сайт Джо МакНалли здесь

Он один из немногих фотографов, которые соединили мир между рекламой и фотожурналистикой. Один из самых известных проектов Макнелли, Faces of Ground Zero, стал известен как один из самых значительных ответов на трагедию во Всемирном торговом центре.

Впечатляющая маркетинговая, рекламная и рекламная работа компании

McNally привлекла внимание клиентов с самым высоким рейтингом, включая FedEx, Adidas, Bogen, American Ballet Theater, Nixon, Sony, General Electric, Epson, Нью-Йоркскую фондовую биржу, MetLife, Пекинскую комиссию по культуре и т. Д. .

Вперед, буги (Владимир Миливоевич)…

Boogie (Владимир Миливоевич)

Сербский фотограф Владимир Миливоевич, известный как Буги, считается «одним из самых влиятельных фотографов уличной культуры нового тысячелетия».

С тех пор, как в 2006 году PowerHouse опубликовала свою первую книгу «Все хорошо», Буги предоставляет своим слушателям редкий доступ в мир, определяемый бедностью, насилием и беспорядком. Его фотографии героиновых наркоманов и членов банд временами были довольно шокирующими.

Улицы мира — его детская площадка. Интимные образы Буги, редко романтизирующие источник намерений, лежащих в основе его работ, представляют собой яркий портрет мегаполисов по всему миру.

От Белграда до Бруклина, он убежденный документалист уличной культуры; согласно его собственному миру, он не пытается изменить мир, просто честно задокументирует это.Он чувствительно передает человеческую хрупкость, а его простые композиции погружают нас в суровую реальность того времени.

Посетите официальный сайт Boogie здесь

Boogie также снимал коммерческие работы для различных клиентов, включая Nike, Lee Jeans, Puma, скейтборды Element и HBO, и его работы были опубликованы в многочисленных публикациях от New York Times до Playboy. На данный момент у него опубликовано шесть книг.

Прочтите нашу тематическую статью «Буги-вуги — показ темной стороны уличной жизни»

Далее, Томаш Гудзоватый…

Tomasz Gudzowaty

Томас Гудзоватый — польский режиссер-документалист, портретист и фотограф из Варшавы, который начал свою карьеру с фотографии природы, а затем обратился к социальной документальной и спортивной фотографии.

Последние несколько лет Гудзоватый решил сосредоточиться на вопросах, связанных со спортом, основываясь на идее давнего проекта, в котором он стремится показать динамичные образы людей всех возрастов, занимающихся спортом.

Гудзоватый сделал себе имя, документируя популярные виды спорта в дальних уголках мира, которые отражают редкое сочетание современности и традиций в глобальных культурах.

Посетите официальный сайт Томаша здесь

Он особенно интересуется нетипичными, некоммерческими видами спорта, не связанными с мейнстримом средств массовой информации, такими как мудрецы-йоги в Индии, любители дрэг-рейсинга в Мексике, детские игроки в поло в Монголии, японский борец сумо.

Серия фотографий

The Sport Features изображает поразительную человечность, словно вникая в каждую личность.

Его работы были опубликованы в основных изданиях, включая The Guardian, Newsweek, Time, Photo, L’Equipe; он выставлялся по всему миру и опубликовал несколько фотоальбомов.

Как многократный победитель престижных профессиональных конкурсов, он получил международное признание; Некоторые из этих наград включают «Фотографии года», «Лучшее в фотожурналистике» NPPA и награду World Press Photo.

Прочтите нашу статью «Tomasz Gudzowaty — Iron & Sinew»

Нобуёси Араки

Если Араки известен в частности чем-то одним, то это его очень сексуальной и противоречивой черно-белой фотографией.

За свою плодотворную карьеру фотограф из Токио Нобуёси Араки, возможно, углубился в темы, связанные со смертью, сексом, господством и уличными сценами Токио, чем любой другой японский фотограф.

За 48 лет работы он опубликовал более 450 фотокниг, посвященных различным темам, таким как проституция, садомазохизм, любовь и близость.

Идеи подчинения, контроля и эротизма, которые присутствуют в Кинбаку-би, японском искусстве связывания веревок, делают его самым заманчивым предметом для Араки, и практика изображения женщин в этих позах была навязчивой идеей. его на протяжении всей его карьеры.

Один из самых бесстрашных фотографов Японии, 78-летний опыт работы с камерой, по-прежнему очень востребован.

Его личные и иногда вуайеристские фотографии вызвали много споров, но его графическое использование изображений сыграло важную роль в нарушении табу, окружающих наготу, в современной японской культуре.

Посетите Нобуёси Араки на Арти

Нобуёси Араки родился в Токио в 1940 году. Он занимается издательской деятельностью, фотографией и кинопроизводством со времени своей первой персональной выставки в 1965 году в Японии. На сегодняшний день опубликовано около 400 книг об Араки и его творчестве, что свидетельствует о его плодотворной деятельности и энергии.

Прочтите нашу полную статью о Нобуёси Араки

Заключение

Спасибо, что прочитали эту статью. Если вы не согласны или думаете, что кого-то явно не заметили, дайте мне знать. Я люблю слышать мысли людей.

Конечно, как и все списки, этот тоже субъективен и основан просто на том, что я видел и что я ценю. Однако я думаю, что, как и любой другой художник, отличная фотография, сделанная кем-то с правильными глазами, может заставить вашего обычного человека остановиться и оценить свою собственную ситуацию и, возможно, подумать о вещах по-другому.

Связанные

Кеннет Джозефсон и современная фотография

Изображения окружают нас ежедневно — от искусства до рекламы и социальных сетей. Но как эти образы соотносятся с реальностью? Фотограф из Чикаго Кеннет Джозефсон (американец, 1932 г.р.) изменил наше представление о фотографиях. Его так называемая концептуальная фотография раздвигает границы среды, демонстрируя, что фотографии не нейтральны; напротив, они передают идею в дополнение к картинке.Работа Джозефсона сосредоточена на уникальных качествах фотографии, особенно на том, как она кадрируется, воспроизводится, распространяется или архивируется. Используя визуальные приемы, такие как фотографирование фотографий, его изображения часто комментируют сами себя с искаженным чувством юмора.

Джозефсон провел свою карьеру, тщательно изучая строительные блоки фотографии и оказал влияние на художников всех мастей. Он познакомился с экспериментальной педагогикой Ласло Мохоли-Надя, будучи студентом Института дизайна Иллинойского технологического института, где он также учился у пионеров фотографии Гарри Каллахана и Аарона Сискинда.Позже Джозефсон продолжал преподавать в Школе Художественного института Чикаго почти 40 лет. Название « Picture Fiction », которое взято из представленной на выставке работы Роберта Камминга, демонстрирует умение Джозефсона искажать правду, чтобы раскрыть внутреннюю работу фотографических изображений.

В основном заимствовано из постоянной коллекции MCA, Picture Fiction: Kenneth Josephson and Contemporary Photography рассматривает работы художника в более широком контексте концептуального искусства.Ядро выставки составляют четыре основные серии, сделанные примерно в период с 1960 по 1980 год: изображений в изображениях , знаков и свидетельств , серия «История фотографии» и серия «Археологическая серия ». Выставка также подчеркивает связи между Джозефсоном и другими современными художниками, работающими в области фотографии, кино и скульптуры, в том числе Роу Этридж, Джессика Лабатте, Марло Паскуаль, Джимми Роберт и Ксавьера Симмонс. Вместе их работа проливает свет на то, как изображения сегодня имеют значение.

Выставка организована Майклом Дарлингом, главным куратором Джеймса У.

Фотография как современное искусство | Photoplay

Отзывы о курсе

Программа мастер-класса

Почему фотографы не понимают современное искусство

Что такое современное искусство и что им не является?

Краткая история искусства

Фотография или современность

Последние мысли

Об авторе

«Фотография – это фундамент для развития искусства XX века»

Предисловие — Ф. Журнал о современной фотографии

от истоков до «айфонографии» — Российское фото

Рассвет фотографии

От технической новинки к инструменту искусства

Фотография в наше время

Ольга Отченашева и «айфонография»

Татьяна Михина и «Фотография тела»

Кевин Эбош и его проект «Подбираясь ближе»

Барри Костон, «Природа вещей»

В заключение

Читать «Фотография как современное искусство» — Коттон Шарлотта — Страница 1

«Фотография как современное искусство» читать онлайн книгу📙 автора Шарлотты Коттон на MyBook.ru

Что такое современная фотография? — Актуальность фотографии

15 известных современных фотографов и их фотографии • PhotoTraces

Известные современные фотографы

1. Андреас Гурски (1955 -)

Книги Андреаса Гурски:

2.Энни Лейбовиц (1949 -)

Книги Энни Лейбовиц:

3.Крис Маккоу (1971 -)

Книги Криса Маккоу:

4. Синди Шерман (1954 -)

Книги Синди Шерман:

5.Дидье Массар (1953 -)

Книги Дидье Массара:

6. Франческа Вудман (1958 — 1981)

Книги Франчески Вудман:

7.Грегори Крюдсон (1962 -)

Книги Грегори Крюдсона:

8.Хендрик Керстенс (1956 -)

Книги Хендрика Керстенса:

9.Хироши Сугимото (1948 -)

Книги Хироши Сугимото:

10.Джефф Уолл (1946 -)

Книги Джеффа Уолла:

11.Майкл Вольф (1954 -)

Книги Майкла Вольфа:

12. Нан Голдин (1953 -)

Книги Нэн Голдин:

13. Филип-Лорка ди Корча (1951 -)

Книги Филиппа-Лорки ди Корча:

14.Райан МакГинли (1977 -)

Книги Райана МакГинли:

15. Ширин Нешат (1957 -)

Книги Ширин Нешат:

Заключение

Что читать дальше:

10 современных художников в новых направлениях фотографии

современных и современных фотографов, которых вы должны знать | Федерико Алегрия

▷ Современная и современная фотография на продажу

Мои ТОП-10 лучших современных фотографов

Кеннет Джозефсон и современная фотография

Добавить комментарий Отменить ответ