Картины из фетра своими руками мастер класс: Картина из фетра своими руками: делаем с выкройками

Картина из фетра своими руками: делаем с выкройками

Вы когда-нибудь пробовали работать с фетром? Преимущества его заключаются в том, что этот материал очень разнообразен по цветам, прост и податлив в использовании и легкодоступен. А способы его применения настолько разнообразны, что их трудно будет перечислить: игрушки, куклы, украшения, обложки для книг, игольницы, развивающие пособия для детей, чехлы и футляры. А кроме того, из них получаются необычные дизайнерские панно. Их созданию и посвящен наш мастер класс с фото и выкройками. Картина из фетра добавит Вашему дому уюта своими руками, а также подойдет для подарка близким.

Создание аппликаций будет полезно для детей, поможет им развить воображение и фантазию, чувство прекрасного, мелкую моторику рук. Но и взрослые рукодельницы обнаружат, что это увлекательное занятие. Создание такой поделки с детьми обычно подразумевает использование клея, а «взрослую» работу лучше прошивать нитками. Дополнить Вашу работу можно бусинами, лентами, пуговицами и другими декоративными элементами. Помимо этого фетр можно сочетать с другими тканями.

Делаем простую картину из фетра своими руками в мастер-классе

Фетр — это нетканый текстиль. Проще говоря, войлок, для создания которого используется шерсть кролика или козы или синтетические материалы. Выбор шерсти основывается на ее свойствах, обеспечивающих прочную сцепку волокон. Фетр может различаться по плотности и по толщине. Его легко найти в магазинах товаров для рукоделия, а богатство расцветок делает его излюбленным материалом у многих рукодельниц.

В нашем мастер классе Вам понадобится:

• фетр
• плотный картон
• ножницы
• бисер
• нитки и иголка или клей
• выкройки (их вы найдете в нашем мастер классе)
• пуговицы

Картина с цветами может быть яркой и разноцветной. А можно подобрать для нее нежную пастельную цветовую гамму. Это зависит лишь от Вашего вкуса и желания, ведь фетр доступен в продаже во всевозможных оттенках, к тому же его можно заказать через интернет.

Пошаговое руководство:

1. Сначала нужно подготовить фон. Вырезаем кусок фетра желаемого размера. Можно обтянуть им картонную рамку для прочности и надежности.
2. Из фетра выбранных цветов и оттенков вырезаем элементы будущей композиции, используя выкройки. Для удобства можно обвести выкройки мелками на фетре.
3. Продумайте, как будут располагаться детали вашей композиции. Начинайте пришивать начиная с тех, что будут располагаться на заднем плане.
4. Сердцевинки цветов можно украсить бисером или пуговицами.

Очень красиво смотрятся картины с объемными цветами. Довольно просто своими руками из простого фетра сделать объемные розочки. Для этого нужно вырезать окружность диаметром не менее 10 см. По краям ее, уводя разрез по спирали в центр окружности, ножницами делаются «волны», которые будут изображать лепестки. Затем спираль скручивается, формируя цветок, постепенно подклеивая и закрепляя его. Для наглядности предлагаем Вам фото ниже.

Освоив эту простую технику, Вы сможете создавать различные украшения с цветами из фетра. Особенно хорошо выглядят ободки и резинки с розочками на маленьких девочках, поэтому Вы можете изготовить их в подарок своей принцессе-дочке.

Советы и идеи.

Современные рукодельницы нередко используют в качестве рамки для панно из фетра обыкновенные пяльца. Выглядит это очень здорово и стильно.

Детали фетра можно не только пришить или приклеить, но и привалять, если Вам так будет удобнее.

Выполняя аппликацию из фетра для детей, выбирайте понятные им сюжеты. Это могут быть животные, морские обитатели, игрушки или продукты. Пришейте к деталям липучки — и Вы получите развивающую игру. Например, таким образом можно сделать грядку с овощами или вазу с фруктами, дерево с яблоками и многое другое. Участие в создании веселой игры особенно сильно порадует ребенка. На фото ниже представлены варианты с выкройками аппликаций из фетра для детей.

А ещё сейчас очень популярны именные панно для детей. Они выглядят как картины или венки с детским сюжетом и именем малыша. Часто на них пишут ещё и дату рождения, вес и рост ребенка.

Если Вы думали, что картины из фетра сделанные быстро и просто своими руками могут применяться только для украшения дома, то мы расскажем о других возможностях этих чудесных вещей. Если сделать в такой картине кармашек и повесить ее рядом со столом, то можно складывать туда мелочи, как в органайзер. Отлично подойдет фетр для хранения сережек, просто закрепите его в рамке без картонной стенки. А если закрепить картинку на пробковой подставке под горячее, то получится оригинальная доска для планирования.

Видео по теме статьи

В конце нашей статьи мы предлагаем Вам ознакомиться с видео мастер классом. В нем наглядно представлены все особенности работы с таким материалом как фетр, и Вы точно не упустите ни одной важной детали.

[media=https://youtube.com/watch?v=RQE50tGHkFs]

мастер-класс с выкройками для детей

Работать с фетром любят многие мастера рукоделия. Материал имеет широкое применение, позволяет создавать дизайнерские украшения, дополняет предметы интерьера. С его помощью можно даже самым обычным вещам придать новый необычный вид. Картина из фетра своими руками отлично дополнит интерьер комнаты или же станет отличным подарком для близких. Фетровые украшения позволяют украсить шкатулки, сумочки, заколки, оформить подарки, создать открытку или альбом для фотографий.

Детям создание аппликаций и поделок из фетра позволит развивать фантазию, моторику рук. Фетром называют нетканый текстиль, войлок. Изделия из фетра можно дополнять другими по текстуре тканями, бисером, ленточками, пуговичками. Он может быть искусственно создан или произведен из шерсти козы или кролика. Отличается от других материалов наличием особых свойств, которые в свою очередь обеспечивают сцепление волокон материала.

Букетик цветов

Создание цветов из войлока — достаточно простое занятие, так как материал очень легок в обращении. Различается материал не только по плотности и толщине, но и по огромному выбору цветовых решений. Вид готового изделия во многом зависит от фантазии автора. А для реализации творческих идей и самых смелых решений мастеру достаточно посетить ближайший магазин. Вариантов так много, от листов войлока с принтами до чистых цветов, что порой не всегда можно сразу определиться с выбором.

Для создания цветочного панно потребуются:

• фетр;
• клей, предназначенный для работы с тканью;
• булавочки;
• иголка с ниткой;
• дополнительные элементы для декора, например, бусины, пуговицы;
• нитки для вышивания, лучше выбирать в одной цветовой гамме, но немного другого оттенка, для создания небольшого контраста с цветом войлока.

Для создания цветов нужно сначала подготовить выкройки. Несколько фото с выкройками помогут определиться с формой цветков.

Для своих цветов можно выбрать любой понравившийся шаблон. А если цветочки выполнить с применением нескольких слоев войлока, одинакового или контрастного цветов, то выглядеть они будут еще более интересно. Но сначала нужно подготовить бумажный шаблон. Теперь с помощью него перенесем контур листочков на ткань и аккуратно вырежем.

Края лепестков цветка можно дополнительно задекорировать красивым швом из ниток для вышивания или оставить в первоначальном виде.

Отдельные детали цветка сложить начиная с большого, как бы формируя бутон, а по центру нужно очень крепко стянуть, чтобы получить сердцевину будущего цветка. Для сердцевины вырезать небольшой кружочек из войлока и приклеить его в центре. Дополнительно серединку цветка можно украсить бусинкой. Из войлока зеленого цвета вырезаются листочки, и с помощью клея или иголки крепятся к цветам.

Выполнив из фетра еще несколько цветков и листочков, можно, с помощью клея, создать композицию на цветном картоне.

Войлочные розы

Сначала выполним основание. Для этого необходимо вырезать круг размером 10 сантиметров. По краю делаем закругленные лепестки, двигаясь по спирали к центру круга. При скручивании, начиная от центра, можно получить серединку будущей розочки. Чтобы закрепить, нужно нанести клей при помощи термопистолета. После того как клей полностью застынет, на полученную серединку цветка накручиваем оставшуюся часть войлочной полоски, таким образом, чтобы низ цветка полностью закрылся фетром. Розочка готова.

Такую розочку возможно сделать частью картины, использовать ее в качестве заколки для волос или как брошь для платья. Для этого достаточно с нижней сторону пришить или приклеить булавку, заколку.

Картина с лошадкой

Предлагаемая картина с изображением лошадки прекрасно подойдет для детей. Они самостоятельно смогут выполнить большую часть работы, помощь взрослых потребуется только при пришивании деталей.

Необходимые материалы:

• войлок;
• ножницы;
• бисер;
• пайетки;
• карандаш;
• иголка с ниткой;
• фоторамка со стеклом.

Процесс выполнения работы состоит из следующих этапов. Первый этап. Разбираем фоторамку, стекло лучше пока отложить в сторону. По размеру картонного основания, входящего в раму, вырезаем из войлока желтого цвета основной фон будущей картины. При помощи клея ПВА или клеевого пистолета склеиваем войлок и картон.

Второй этап. Из бумаги делаем шаблоны для всех элементов композиции. По шаблону из красного фетра вырезаем туловище лошадки. Далее из синего войлока выкраиваем гриву и хвост. Из оранжевого – подковы, сбрую, а из белого – голубя, кружок и глаз лошадки. Затем из голубого сделать облако. Делаем еще несколько кружков разных цветов для олимпийских колец.

Заключительный этап. Теперь все детали необходимо сшить, используя для закрепления и декора желтые бисеринки. Все полученные детали необходимо приклеить на основной фон.

Готовую картину остается только поместить в рамку под стекло.

Видео по теме статьи

В завершении статьи предлагаем посмотреть несколько видео по теме.

Картины из фетра своими руками

• Что же такое фетр?
• Насколько удобен фетр для поделок?
• Творим картины из фетра
• Практическое применение картин из фетра
• Хитрости по созданию аппликаций из фетра
• Видеоматериал

Вам нравится работать с различными материалами для создания поделок хэнд-мейд  задумались, можно ли сделать картины из фетра своими руками? Если да, тогда мы с удовольствием в этом поможем. Создать картину с использованием фетра достаточно легко, быстро и просто. Для этого необходимо подготовить необходимые материалы и следовать нашей пошаговой инструкции, ну и, конечно же, идея и ваша творческая фантазия.

к содержанию ↑

Что же такое фетр?

Фетр – это материал, полученный путем валяния пуха  различных животных: кролика, зайца, козы, отходов меха пушистых зверей и из овечьей шерсти. Для изготовления фетра применяют разные технические процессы, такие как: нагревание, увлажнение и трение. Это необходимо для полного соединения всех шерстяных волокон воедино, чтобы создать плотный нетканый материал – фетр.

Виды материала:

• Существуют такие сорта фетра, в которых войлок присоединяют к тонкой ткани для создания единого полотна с мягкой поверхностью.
• Очень распространен фетр на клеевой основе — всего лишь нужно приложить материал на нужную поверхность и снять защитный слой.

Согласитесь, это очень легко!

Важно! Для создания фетра используют не только натуральный ворс животных, но и синтетические материалы. В основном мастера пользуются синтетическим или полусинтетическим фетром. Синтетический фетр совсем недорогой, мягкий и приятный на ощупь.

к содержанию ↑

Насколько удобен фетр для поделок?

Если вы еще не работали с фетром, то обязательно попробуйте. С таким материалом работать одно удовольствие:

• Он отлично режется и совсем не крошится.
• Разнообразие расцветок настолько велико, что просто глаза разбегаются.
• Из фетра можно сделать много разных подделок – картины, мягкие и елочные игрушки, мобиль на кроватку, чехлы для телефонов, домашние тапочки, сумки, куклы, игольницы, развивающие книги для самых маленьких.
• Полотно фетра может быть разным по плотности и толщине.
• Его без проблем можно купить в магазинах для рукоделия.

И это еще не весь список! Самое главное, что такое занятие интересно не только рукодельницам, но и деткам.

Важно! Натуральный фетр достаточно дорогой материал, обладающий мягкостью и теплотой. Единственный минус в том, что его обожает моль.

к содержанию ↑

Творим картины из фетра

Последовательность действий для создания картины из фетра своими руками включает в себя такие этапы:

1. Подготовка необходимых материалов и инструментов.
2. Создание выкройки рисунка на бумаге и перенесение его на фетр.
3. Вырезание всех составных элементов будущей картины.
4. Фиксация частей с помощью ниток или клея.

Важно! Мы перечислили основные этапы, которые, в свою очередь, могут дополняться новыми действиями. Все зависит от того, что именно вы собрались делать из фетра. Самым важным фактором, который поможет сделать красивую и необычную картину, является, конечно, фантазия рукодельницы. Любую выкройку можно изменить, основываясь на собственный вкус и предпочтения. Главное – начать и дать волю своему творческому порыву.

Материалы и инструменты

Для того чтобы начать делать картину из фетра своими руками, нам потребуются такие необходимые материалы и инструменты:

• Фетр.
• Нитки разных цветов.
• Булавки для фиксации вырезанных элементов.
• Фурнитура для игрушек (глаза с бегающими зрачками).
• Деревянная доска нужного размера.
• Клеевой пистолет.
• Ножницы.
• Иголка.
• Ткань или цветная бумага.
• Мыло или мел.

Важно! В создании картин из фетра можно использовать пуговицы, ленты, бусины, стразы и другие элементы декора. Сам фетр можно комбинировать с другими видами ткани — лен, хлопок и мешковина. В итоге — получится еще более интересный результат.

Картины из фетра своими руками — мастер-класс

Для начала необходимо определить формат нашей будущей картины:

• Хорошо будет смотреться картина формата А5, примерно в половину альбомного листа. В этом случае акцент будет сделан на детали картины в целом.
• Идея. Все зависит от того, что вы хотите изобразить на панно картины. Тематика может быть разная: цветы, фрукты, звери, абстракция.

В данном случае мы будем создавать котика и бегемотика. Выкройки из них просты и не займут много времени. Цвет всех элементов животных — на ваше усмотрение и пожелание.

Важно! Хорошо подумайте над тем, чтобы изображение хорошо помещалось, но и не выходило за границы рамки.

Итак, когда подготовлены все необходимые материалы, можно приступать к созданию картины из фетра своими руками:

• Для начала нужно распечатать выбранное изображение и аккуратно вырезать.
• Фиксируем булавками к фетру рисунок и обрезаем его по контуру.
• Из картинки вырезаем внутренние элементы (у бегемотика – бусина и юбочка, а у кота – лапки, штаны и кофточка).
• Прикладываем животных к фетру, обводим белой ручкой, мелом или мылом.
• Те же манипуляции делаем и с внутренними элементами, вырезав их предварительно.

Важно! Мелкие элементы, такие как брови, усы, рот, ресницы, можно прошить вручную. Для этого чаще используют шов “иголка назад” или “косичка”.

• Склеиваем все элементы нашей картины между собой для того, чтобы во время сшивания не произошло искажения изображения.

Важно! Клеить дополнительные детали можно с помощью клея для текстиля. Он совсем не токсичен, имеет удобный дозатор, что очень удобно для склеивания мелких элементов.

• Обрабатываем петельным швом весь контур картинки, используя контрастную нить.
• Далее — выделяем таким же швом мордочки и приклеиваем мелкие детали: носик и глазки.

Важно! Для создания глаз у животных удобно использовать уже готовую фурнитуру – глаза с вращающимися зрачками. Если нет возможности купить, можно сделать это своими руками. Для этого из фетра необходимо вырезать белый и черный овал и склеить между собой. Таким способом можно вырезать носик и ротик и тоже приклеить. Остатки фетра – это безотходное производство, которое всегда пригодится.

• Украшаем нашу картину различными элементами — все на ваше усмотрение. В нашем случае – это мелкий бисер.
• В завершении помещаем готовую аппликацию на основу и приклеиваем с помощью клеевого пистолета.
• Теперь с уверенностью вешаем нашу картину на стену.

Важно! Для основы рекомендуем брать фанеру или цельное деревянное полотно нужного формата, обтянутое однотонной тканью. Для этих целей можно использовать цветную бумагу или обои.

к содержанию ↑

Практическое применение картин из фетра

Вы думали, что картина создана только для того, чтобы украсить интерьер вашего дома? Вы глубоко ошибаетесь. Она может иметь еще и практическое назначение  и быть выгодной в использовании. Да, конечно, картина из фетра способна закрыть ненужные дефекты на стене, но это еще не все ее достоинства.

Как еще использовать картину из фетра своими руками:

• Она может превратиться в очень компактный органайзер, куда можно складывать различные мелочи. Фетр хорошо подойдет для хранения различных украшений, например, сережек. Просто надевайте их на булавку и фиксируйте к полотну картины.

Важно! Таким способом можно создать картину-напоминание. На полотно из фетра легко цеплять разные записки для себя и близких вам людей. Для прокола листов используйте канцелярскую кнопку или иголки с круглым ушком.

• Если зафиксировать картину на пробковой подставке под горячее, тогда получим нужную доску для планирования. Удобно, правда? Теперь, завтракая, вы сможете планировать свой день.
• Из фетра можно изготовить развивающую книжку. Деткам это так нравится! Для этого на фетровые листы нужно приклеить фигурки, цифры, животных, радугу, машинку, другие элементы. Все это дополнить, к примеру, молнией, пуговицами, шнуровкой. Такая книга отлично развивает моторику детских рук!

Важно! С помощью развивающей книги, сделанной из фетра, ваш малыш может не только ознакомиться с разными предметами, но и отлично развивать мышление, свою бурную детскую фантазию.

• Обычной картиной из фетра можно на длительное время занять вашу непоседу. Для этого на деревянную раму крепим однотонное полотно из фетра, отдельно вырезаем различные цветные фигурки: фрукты, животные. Выбор за вами. Эти элементы достаточно легко приложить к основе, поэтому пусть кроха творит свою картину!

Важно! Не забудьте похвалить ребенка за проделанную работу и шикарный результат! Он ведь старался, и похвала тут очень уместна.

к содержанию ↑

Хитрости по созданию аппликаций из фетра

Ниже описаны некоторые рекомендации по изготовлению картин из фетра:

• Элементы из фетра можно не только пришить или приклеить, но и привалять для создания более объемной картины.
• Выполняя картинки из фетра для детей, используйте понятные им сюжеты. Это могут быть животные, фрукты, морские обитатели или персонажи из любимых мультиков.
• Пришейте к деталям простые липучки, и вы получите отличную развивающую игру. Таким способом можно сделать вазу с фруктами или грядку с овощами, ежика с яблоками.

Важно! К процессу создания развивающей детской картины привлекайте малыша. Это его очень сильно порадует.

• Можно использовать детские изображения как раскраски. Пока вы работаете ножницами, иголкой, ребенок тоже будет занят важным делом – работать карандашами либо фломастерами.
• Если ребенок немного постарше, он может быть отличным помощником. К примеру, сначала выбрать рисунок, а потом нанести его на фетр с помощью мела или мыла. Конечно, с вашей помощью это будет легко сделать, зато сколько эмоций от совместного занятия с мамой.
• Если вы впервые хотите сделать картину из фетра своими руками, советуем взять минимальное количество деталей. А когда натренируетесь, можно смело брать более сложную композицию.

к содержанию ↑

Видеоматериал

Из нашей статьи вы узнали, что такое фетр, как сделать из него оригинальные картины своими руками. Согласитесь, это очень легко и недорого. В этом деле главное — идея и хорошо развитая фантазия. Объемные, мягкие картины способны украсить как взрослую комнату, так и детскую. Запомните, что мир вокруг себя создаем мы сами. Если вы никогда не пробовали делать такие милые картины, тогда самое время начать! Творите, и ваши маленькие начинания превратятся в большие!

Поделки из фетра на Новый год: сделать своими руками елку, сапожок, звезду и другие игрушки

Совсем немного времени осталось до самого главного и любимого многим праздника – Нового года. А это означает лишь одно – приятные хлопоты по выбору подарков и украшению вашего жилища различными новогодними поделками. Существует огромное количество возможностей сделать новогодние поделки своими руками, используя природные материалы, цветную бумагу, подручные средства.

В данной статье мы рассмотрим, как сделать своими руками поделки из фетра. Благодаря большому варианту расцветок и легкости работы с данным материалом, вам удастся создать красивые и оригинальные игрушки, которыми можно украсить квартиру, елку или же просто подарить родственникам и друзьям.

Для того, чтобы приступить к созданию поделок и игрушек, необходимо запастись минимальным набором необходимых материалов: фетр (лучше брать толщиной 1-1,5 мм), различный декор, наполнитель для объемных поделок, нитки, клей, ножницы и конечно же выкройки. Вот в принципе все что вам необходимо для создания поделок из фетра на Новый год.

Содержание

Новогодние поделки из фетра своими руками

Существует большое количество поделок из фетра, которые можно создать на новый год буквально за несколько часов при наличии необходимого материала.

Снежинки из фетра – простая поделка на елку

Такую поделку совсем нетрудно вырезать из фетра подходящего цвета, украсив ее пайетками или разноцветным бисером.

Как таковых пошаговых мастер классов тут не существует, все упирается в вашу фантазию и возможности. Далее мы покажем вам примеры готовых снежинок из фетра.

Пример украшения снежинки пайетками

Можно создать красивые объемные снежинки, для чего вам необходимо вырезать из фетра две детали вашей поделки и аккуратно сшить их. В качестве наполнителя можно использовать холлофайбер или синтепон.

Шаблоны красивых новогодних снежинок

Имбирный пряник – веселая новогодняя поделка из фетра

Забавную игрушку Рождественский пряник под силам будет создать даже тем, кто впервые решил попробовать свои силы в создании поделок из фетра. На нее необходимо совсем немного времени и материалы, которые совсем несложно достать

Необходимые материалы:

• Фетр
• Пуговицы
• Нить
• Синтепон
• Клеевой пистолет
• Ножницы, иголка
• Трафарет
• Ручка

Первым делом необходимо создать трафарет, вырезав его из бумаги или использовав настоящее имбирное печенье. Вырезаем две заготовки из фетра.

Пришиваем бусинки или пуговицы нашему человечку. С помощью белых ниток вышиваем глаза и ротик, и пальцы на руках

Сшиваем две заготовки вместе, наполнив немного наполнителем и не забыв пришить красивую ленту, с помощью которой наша поделка будет висеть на елке.

Вот и готова наша забавная и веселая поделка, осталось только присмотреть ей ветку на елке, где она займет свое почетное место

Новогодняя елочка из фетра своими руками

Сделать елку из фетра своими руками на Новый год не составит никакого труда, нужно лишь определиться с вариантом поделки и найти пару часов свободного времени.

Простая елочка из фетра на елку

С помощью такой поделки можно разбавить магазинные елочные игрушки, которые с каждым годом становятся все безвкуснее и аляпистее.

Для создания такой поделки вам необходимо вырезать две заготовки и сшить их между собой, наполнив немного наполнителем. Украсить готовое изделие можно всем, что только попадется под руку: пуговицы, бусины и др. Используйте красивую ленточку, за которую можно подвесить игрушку на елку.

Объемная елка из фетра: пошаговый мастер класс

Самый простой вариант – это сделать мини елочку из фетровых квадратов. Необходимо вырезать по 5 квадратиков зеленого фетра одного размера и потом повторить еще 4 раза, каждый раз увеличивая квадрат на 1 см.

Для создания ствола елки нужно вырезать 5 кружков из черного фетра.

Начинаем собирать нашу поделку. На нитку с узлом на конце нанизываем сперва кружочки, а потом квадратики, по убыванию с самых больших. Макушку по желанию можно украсить небольшой звездочкой красного цвета.

Также можно сделать простую объемную елочку из выкройки в форме звезды.

Шаблон-выкройка объемной елочки из фетра

Для создания такой елки нужно совсем немного времени: вырезать заготовку по шаблону и сшить его, наполнив наполнителем и украсив яркой звездочкой.

Объемная елка из составных деталей

Варианты объемных елочек из фетра

Большая елка из фетра на стену для ребенка

Если вы хотите порадовать своего ребенка и привить ему любовь к Новому году с самого детства, то можно сделать красивую елку из фетра и прикрепить ее на стену. Такую поделку можно украсить самыми различными игрушками, которые можно сделать на липучках, и тогда ваш ребенок сможет украшать ее самостоятельно.

Необходимые материалы:

• Большой кусок зеленого фетра
• Ножницы
• Разноцветный фетр
• Клеевой пистолет
• Мел/карандаш

Начать изготовление елки из фетра на стену следует с вырезания самой елки, для чего необходимо взять кусок большого фетра и сложить его пополам. Рисуем половину дерева от руки и вырезаем, оставляя фетр в сложенном положении.

Высота елки должна быть такой, чтобы ваш ребенок мог дотянуться до макушки.

Тип крепления елки на стену зависит от того, на какую поверхность это будет происходить. Если на крашенную или деревянную поверхность. То можно использовать двухстороннюю клейкую ленту. С обоями такой вариант не подойдет, так как возможно их повреждение после того, как придется елочку убрать со стены

Далее начинается интересное: создание украшений на елку. Тут вы можете себя не ограничивать и пустить свою фантазию в ход, вырезая игрушки самого различного размера и формы. Не забывайте украшать их различными узорами, а на обратной стороне прикреплять липучки.

Также при желании можно сделать имитацию подарков, для чего нужно вырезать из фетра детали квадратной и прямоугольной формы, украсив их полосками-ленточками.

Вот такая елка из фетра на стену на Новый год должна в итоге у вас получиться. Уверены. Что ребенок принял непосредственное участие в создании и украшении елки, созданной своими руками.

Новогодние игрушки из фетра своими руками

C помощью такого прекрасного материала как фетр, можно создавать оригинальные и необычные новогодние игрушки на елку. Их можно повесить как у себя дома, так и подарить  родственникам и знакомым. Елочные новогодние игрушки из фетра будут прекрасным дополнением к покупным игрушкам на елку, на создание которых нужно потратить совсем немного времени. Сделать простые игрушки на елку можно сделать даже с ребенком, постоянно контролируя процесс создания.

Новогодний домик из фетра: красивая поделка на елку

Для создания такой игрушки, как домик из фетра, вам нужно минимум материалы, зато результат превзойдет все ваши ожидания. Мастер классы тут не нужны, все упирается в вашу фантазию и наличие разных цветов фетра и материалов для украшения домиков.

На сайте приведено несколько примеров поделок, которые вы можете при желании полностью повторить  или изменить под себя.

С помощью двух контрастных цветов можно создать красивую и яркую игрушку на новогоднюю елку

Для украшения домиков из фетра на Новый год можно использовать бисер, бусинки и пайетки, используя для этого свою фантазию

Новый год — в первую очередь волшебство, поэтому сказочные домики из фетра будут как раз кстати.

Еще интересные примеры новогодних домиков из фетра

Варежка из фетра на елку: пошаговое описание поделки

Еще одной простой и красивой новогодней игрушкой является рукавичка из фетра, сделать которую своими руками не составит большого труда.

В данном мастер классе рассмотрим изготовление самой простой рукавички, с которой справится даже тот, кто до этого ни разу не работал с фетром.

Необходимые материалы:

• Фетр
• Нитки мулине
• Контур по ткани
• Ленточка
• Клей, иголка

Из картона необходимо сделать шаблон нашей будущей варежки размером примерно 6-8 см, и с его помощью вырезать 2 детали из фетра.

Следующий этап — подготовка декора. Его можно вырезать из остатков фетра других цветов, придав им форму цветочков, кружочков или что-то более сложное, например елочку, птичку.

Сшиваем две заготовки нашей новогодней варежки из фетра при помощи ниток мулине, не забыв прикрепить ленточку в качестве петельки и оставив верхнюю часть незашитой

Раскладываем на рукавичке вырезанный ранее декор и приклеиваем его при мощи клея или горячего пистолета.

Используя контур по ткани. рисуем узор на варежке. Делать это лучше точками, так рисунок получится более аккуратным и больше напоминать зимний.

Вот таким вот нехитрым образом можно изготовить прекрасную новогоднюю игрушку из фетра, которую можно повесить на елку или использовать в качестве подарка, ведь внутрь нашей варежки можно положить небольшой подарок.

При желании можно сделать целую гирлянду из рукавичек и развесить ее вдоль стены

Такую игрушку на елку можно сделать любой формы и расцветки, используя те материалы, что будут вас под рукой

Новогодний гном из фетра: как сшить по выкройке

Новогодний или рождественский гномик из фетра станет отличным и необычным подарком для родственников или друзей. С его помощью можно украсить жилище или сделать отличную игрушку для маленького ребенка.

Материалы:

• Фетр красного и серого цветов
• Искусственные волосы
• Полимерная глина
• Краски, иголка, нитки, кисточка

Шаблон для вырезания новогоднего гномика из фетра

Вырезаем из фетра заготовки колпачка и кафтана нашей будущей игрушки и сшиваем колпак

Следом сшиваем кафтан гномика, который при желании можно украсить вышивкой. Набиваем наполнителем.

Из фетра красного цвета ножки, для удобства используя кисточку, с помощью которой можно создать форму конечностям. Пришиваем их и закрываем все отверстия.

из полимерной глины создаем обувь для нашего гномика, а из искусственных волос — красивую бороду.

Вот такая забавная и красивая игрушка из фетра на Новый год у нас получилась.

Используя приведенный ваше мастер класс, можно создать самых различных гномиков из фетра

Можно даже сделать гномиков с мордашкой и в очках

Дед мороз из фетра: новогодняя игрушка на елку

Сделать новогоднюю игрушку из фетра в виде деда мороза довольно просто, необходимо лишь вырезать по выкройке все необходимые детали и сшить их. Пошаговый мастер класс показан на картинке.

Взяв за основы этот мастер класс, можно создать самых различных дедов морозов из фетра на Новый год

Новогодняя звезда из фетра: как сделать игрушку на елку

Обладая минимальными навыками работы с фетром и имея необходимые материалы, можно создать красивые и оригинальные игрушки на новогоднюю елку — звездочки из фетра, которые могут быть самыми различными по своему внешнему виду.

 

Основной набор материалов

• Выкройка
• Фетр различных цветов
• Бисер, бусинки, пайетки
• Иголка, нитка
• Горячий пистолет

Вот такие выкройки можно использовать для создания звездочек из фетра на елку:

Вырезаем первую деталь нашей будущей звезды из фетра по заранее выбранной выкройки и накладываем ее на лист фетра другого цвета. Пришиваем его вручную или при помощи швейной машинки.

Прошив по всему контуру, обрезаем лишний фетр, оставляя по 2-3 мм от края нашего первого цвета. Если хотите сделать объемную звезду, то можно набить ее синтепоном или ватой. в завершении пришиваем или приклеиваем петельку, при помощи которой наша звезда из фетра будет крепиться на новогодней елке.

Поделку можно украсить имеющимися в доме украшениями: бисером, бусинками, пуговицами, пайетками и многим другим.

Вот такие красивые звездочки из фетра можно сделать своими руками:

Новогодний сапожок из фетра: как сделать валенок на Новый год для подарка

Все дети с большим нетерпением ждут, когда же наступит из самый любимый праздник и они наконец-то получат свой долгожданные подарки. И чтобы это время пролетело более незаметно, можно сделать совместно с детьми поделку из фетра, например сапожок, в который прекрасно поместится небольшой подарок.

Вот такой пошаговый мастер класс предлагаем рассмотреть для изготовления валенка из фетра на Новый год.

Необходимые материалы:

• Красный и белый фетр
• Синтепон
• Атласная и репсовая лента с рисунком
• Нитки
• Бусины
• Ножницы, булавки
• Выкройка

Трафарет для создания сапожка на Новый год своими руками:

В первую очередь вырезаем заготовки для нашей поделки из фетра. 2 детали самого сапожка из красного цвета и 1 деталь из белого фетра, которую будем использовать как манжету.

Следующий этап — вышивка белыми нитками снежинок и украшение их белыми же бусинками.

Пришло время соединить обе детали сапожка, используя для этого петельный шов.

Для придания объемности нашей поделки набиваем мысок синтепоном.

Используя репсовую ленту, делаем бантик, в центр которой пришиваем белую бусину. Из атласной ленты делаем петельку для нашего сапожка.

Сшиваем манжету из белого фетра петельным швом и прикрепляем петельку из атласной ленты.

Выворачиваем манжету и пришиваем репсовую ленту по центу, закрепляя ее только по краям.

Пришиваем бантик и прикрепляем манжету к сапожку из фетра, сдвинув репсовую ленту в сторону. Когда деталь будет надежна пришита ,верните ленту на место, скрыв тем самым шов.

Вот и готова наша поделка из фетра сапожок своими руками. Внутрь можно положить небольшой подарок или сладости и повесь на елку или другое подходящее место.

Другие варианты изготовления новогодних сапожков, которые можно сделать как украшение на Новый год.

можно сделать персональный сапожок для каждого ребенка, вышив их имена заметными нитками

 

Новогодняя гирлянда из фетра: как сделать своими руками

Украшение квартиры или дома — одно из самых приятных занятий перед Новым годом, и конечно же многие стараются создать необычные и оригинальные украшения, созданные своими руками. Новогодние гирлянды из фетра как нельзя лучше подойдут для реализации ваших задумок.

Вот такую красивую гирлянду из кружков фетра можно сделать буквально за 1 час.

Материалы:

• Разноцветные полоски фетра
• Горячий пистолет

Берем первую полоску и скрепляем ее при помощи горячего клея. При его отсутствии скреплять можно при помощи иголки и нитки, правда это  увеличит время на изготовление такой поделки.

Берем следующую полоску и продеваем ее внутрь получившегося кружочка и снова скрепляем. Действуя таким образом, создаем гирлянду из фетра необходимой длины или пока не закончатся полоски из фетра.

Вот такую яркую гирлянду из фетра можно сделать на Новый год своими руками

Если же у вас имеется большое количество маленьких полосок фетра, то можно сделать вот такую гирлянду. Полоски размером примерно 15*2 см. Также понадобится плотная веревка.

С помощью такой гирлянды можно украсить елку, окно, дверной проем и другие предметы

Можно сделать гирлянду из фетра в виде елочек, которые могут быть плоскими или объемными

Пошаговый мастер класс в картинках на создание гирлянды елочек на Новый год

Также очень интересно смотрится гирлянда домиков, которую можно развесить вдоль стены. Правда на ее создание может уйти больше времени, но тут уже все зависит от того, насколько реалистично вы захотите передать внешний вид домиков.

Как видите, создать новогодние поделки из фетра совсем несложно, достаточно иметь в своем распоряжении необходимые материалы и совсем немного времени. Можно сделать красивые аппликации из фетра, которые будут выступать в качестве украшения елки. А можно сделать красивую поделку, которую не стыдно подарить друзьям или коллегам на работе.

Лучшие поделки из фетра своими руками. Мастер-класс. Видео

Главная » Как сшить

Автор Teddy На чтение 8 мин Просмотров 2.8к. Обновлено 18.05.2018

Идеи для вдохновения можно подсмотреть и одолжить в многочисленных мастер-классах, посвященных теме фетровых изделий, либо положиться на собственную фантазию и творческие возможности.

Особенности, секреты и виды фетрового рукоделия

Уникальность фетра объясняется тем, что он, как материал, отличается от всех остальных тканей, ведь процесс его производства напоминает процесс изготовления бумаги. Будучи волокнистым материалом (речь может идти как о полностью натуральном фетре, так и о синтетическом или комбинации искусственных и натуральных волокон), он позволяет проводить с собой любые манипуляции: резать, клеить и т. д.

Помимо этого, фетр отлично комбинируется с другими тканями, с бумагой, с любой фурнитурой и элементами декора, поэтому поделки из фетра своими руками могут быть такими разнообразными:

• из этого материала получаются замечательные игрушки (фигурки, ёлочные украшения и т. д.), а также плоские и объёмные аппликации, а выкройки настолько просты, что будут по силам даже для начинающих;
• фетр подойдет для оформления и украшения фоторамок, создания оригинальных и эксклюзивных открыток, обложек для книг, блокнотов или дневников;
• его широко используют в скрапбукинге;

• это прекрасный материал для совместного творчества с детьми, ведь им будет очень легко работать с фетром, к тому же, яркий, разноцветный и приятный на ощупь материал никого не оставит равнодушным;
• множество мастер-классов сделано на тему, как создать поделки из фетра к различным праздникам ‒ нежные весенние цветы в вазе к 8 Марта и милые пасхальные сувениры, романтические валентинки, изделия для новогоднего и рождественского декора или на тему масленицы ‒ немного поколдовав над фетром, у вас получится необычный и оригинальный подарок для близких или друзей на все случаи жизни;

• материал можно использовать для изготовления любых поделок: шить из него кошельки, ключницы, кармашки для ножниц и игольницы, делать сумочки, салфетки-подстилки, подставки под горячее, кашпо, держатели для салфеток и множество других полезных мелочей для украшения домашнего интерьера;
• еще легко делаются всевозможные развивающие игрушки для деток – это могут быть интересные кубики с цифрами или буквами, отдельные фигурки фруктов, овощей или зверюшек, с которыми можно проводить много различных манипуляций, целые объёмные книжки с наполнением на любую тему, самодельные плакаты или календари для улучшения визуального восприятия, игрушки для кукольного театра (на пальцы и на руку), крутящиеся воздушные мобиле и т. д.

И это еще далеко не все идеи. Как видите, из вполне доступных и недорогих материалов можно создать по-настоящему красивые и оригинальные вещи, как для себя, так и на подарок.

Создаем собственные фетровые шедевры: несколько мастер-классов для вдохновения

Сначала давайте посмотрим, какие вы можете изготовить детские поделки из фетра вместе с ребенком.

1. Даже начинающие маленькие мастера с вашей помощью сделают весенние цветы на подарок бабушке или учительнице к 8 Марта. Можно воспользоваться выкройкой, чтобы работать было удобнее. Распечатайте шаблон понравившегося вам цветочка и вырежьте все его детали. Потом перенесите их на ткань и вырезайте элементы уже из фетра. Детали можно сшивать или склеивать между собой, в зависимости от особенностей того или иного изделия. Если сделать несколько больших цветов, то получится букет, а маленькие цветочки можно прикрепить к булавке, чтобы вышла красивая брошь, или к заколке, или к обручу. Дополните изделие бантиками, бусинами или другими украшениями.
2. С детками можно делать и поделки из фетра к Пасхе, Новому году, на Масленицу, праздники весны или осени. Возможно, ребенку понадобится выполнить творческое задание для садика либо школы, и тогда отличный материал фетр несомненно вам пригодится. Но лучше заниматься с детьми совместным творчеством без всяких заданий. Малыш может помогать вам выбирать цвет материала, вы вместе можете посмотреть мастер-класс, а потом придумывать и обсуждать идею будущей поделки. Если ребенок уже уверенно обращается с ножницами, доверьте ему вырезать крупные детали, обводить выкройку, клеить и т. д.
3. Любую фигурку или игрушку из фетра можно сделать, если есть выкройка. Найти их вы сможете в печатных или электронных журналах по рукоделию, на специализированных сайтах, в мастер-классах или нарисовать самостоятельно. Все детали понадобится просто сшить. Если хотите, чтобы получилась объёмная фигурка, набивайте ее синтепоном или другим наполнителем и украшайте по своему желанию.

Более старший ребенок уже сможет пошить такие несложные поделки из фетра и самостоятельно:

• вырезав восемь кружочков одинакового размера, сложите их все пополам, потом соединяйте по центральному сгибу два круга (сшивайте), а к ним сверху и снизу присоедините еще два, но уже в разложенном виде. Добавляйте таким же образом и остальные, затем распушите их и прикрепите объёмный шарик на ленточку или ниточку ‒ у вас получится оригинальная ёлочная игрушка. А если наклеить много зеленых кружочков на конус из пенопласта, то выйдет самая настоящая новогодняя елочка. К ней можно еще доделать фигурки деда Мороза или Санта-Клауса в санях, запряженных рождественскими оленями;

• если хотите сделать интересные валентинки, вырежьте много заготовок в форме сердца разных размеров из фетра различных цветов, набейте их наполнителем и сшейте, затем декорируйте сердечки украшениями и сложите их в красивую вазу или корзинку;

• если на дворе уже весна, и скоро грядут пасхальные праздники, попробуйте смастерить кашпо-горшочек, весенний топиарий или милые пасхальные сувениры для родных. Для создания кашпо вам понадобится всего лишь приклеить в два слоя травку на выбранную ёмкость (вырежьте ее из фетра двух зеленых оттенков – темнее и светлее), а потом ваш горшочек вокруг оклеить заборчиком и украсить цветочками. Внутрь можно поселить пасхального кролика, цыплят с курочкой или яйца-крашанки. Также легко делаются из фетра разноцветные яйца ‒ как плоские фигурки, так и объёмные. Кашпо можно сделать и в виде велосипедика, и в виде повозки или тележки, которую везет маленькая лошадка либо пони;

• очень забавными получаются фетровые совы ‒ это могут быть и обычные игрушки, и фигурки в виде брелоков, ключниц, подставок для ножниц. Можете сшить даже целую семью сов – папа-сова будет чехлом для ножниц (обязательно примеряйте выкройку к ножницам, которые планируете хранить в изделии), мама-сова ‒ кошельком, а маленький совенок – брелоком;

• для создания развивающей книжки соедините вместе листы-заготовки из ткани (можно крепить на кольца, связывать страницы лентой или сшивать) и оформите их в той тематике, которую вы выбрали для книги – это могут быть цифры, буквы, домашние или дикие животные, времена года, география, фрукты / овощи или даже все вперемешку. Фетровые детали отлично крепятся на кнопочки, используйте также пуговицы разного размера, липучки, шнуровки, чтобы ребенок учился с ними обращаться. Кукол для кукольного театра легко вырезать по выкройкам, уменьшив их размеры и оставляя низ игрушек незашитым, чтобы их можно было одеть на палец или руку.

Пусть эти идеи послужат вам источником вдохновения, чтобы вы оценили всю прелесть такого великолепного материала, как фетр, и создали много собственных интересных поделок.

Поделиться с друзьями

Оцените автора

Выездные мастер-классы

Избранное

Опубликовано 16 октября 2020 автором TeaArtStudio

• Выездные творческие мастер-классы в стиле Вашего праздника

• Выездная чайная церемония и чайный/кофе-бар на выезд

• Корпоративные мастер-классы онлайн с доставкой материалов

• Индивидуальные мастер-классы в Москве, МО и Санкт-Петербурге

• Подарочные сертификаты

• Корпоративные подарки ручной работы

Подберём

 мастер-классы с учётом задач и формата именно Вашего мероприятия. Напишите нам:

Чайно-Творческая Мастерская — TeaArtStudio.ru

  
  
  

Читать далее →

Рубрика: Чайно-Творческая Мастерская | Метки: teaartstudio, выездная чайная церемония, выездные мастер-классы, выездные творческие мастер-классы, чайно-творческая мастерская | Добавить комментарий

Опубликовано 18 августа 2022 автором TeaArtStudio

Интуитивное рисование с элементами арт-терапии для компании «Ланит» от TeaArtStudio.

Рисовали, творили, наслаждались моментом, делали открытия…

Интуитивное рисование под руководством арт-терапевта и опытного художника. Специалисты мягко направляли процесс, но каждый участник выражал свой неповторимый внутренний мир при помощи красок. Все работы абсолютно разные — самобытные, интересные…

По окончании мастер-класса участники отметили,что удалось снять напряжение, расслабиться, погрузиться в творческий процесс и получить удовольствие от рисования.

Фотографии:

Читать далее →

Рубрика: Новости | Метки: teaartstudio, выездной мастер-класс, выездные мастер-классы, интуитивное рисование, корпоративное мероприятие, мастер-класс в офисе, рисование, чайно-творческая мастерская

Опубликовано 18 августа 2022 автором TeaArtStudio

Наша Чайно-Творческая Мастерская с большой радостью организовала выездной мастер-класс для дружного коллектива Neoflex.
На юбилее компании царила теплая атмосфера — общались, слушали музыку, получали награды… и одним из приятных моментов этого памятного вечера стал наш корпоративный творческий мастер-класс по украшению фото-рамок.

Все желающие могли выбрать понравившуюся рамочку, распечатанную фотографию из архива компании и декорировать рамку на свой вкус.

Мы привезли самые разнообразные украшения — и каждый мог найти что-то по душе.

Ниже размещаем фото-отчет.

Будем рады организовать увлекательный выездной творческий мастер-класс и для Вашей компании!
Пишите или звоните:)

Читать далее →

Рубрика: Новости | Метки: teaartstudio, выездной мастер-класс, выездные мастер-классы, корпоративное мероприятие, мастер-класс на корпоратив, фото-рамки, чайно-творческая мастерская

Опубликовано 20 июля 2022 автором TeaArtStudio

На днях наша Чайно-Творческая Мастерская провела яркий и запоминающийся выездной мастер-класс по рисованию общей картины на большом холсте с сотрудниками юридической компании — под руководством профессионального художника.
Картина 1,5 на 1,5 метра. Рисовали акриловыми красками — они яркие, без запаха и быстро сохнут.

Вначале многие участники сомневались в своих художественных силах, но когда работа была готова, сомнения развеялись. Каждый внёс свой неповторимый вклад в общее творение. Каждый по сути — творец и художник, нужно лишь вспомнить об этом и взять в руки краски:)

Читать далее →

Рубрика: Новости | Метки: выездной мастер-класс, выездные мастер-классы, рисование, рисование мастер-класс, рисование на холсте, чайно-творческая мастерская

Опубликовано 11 мая 2022 автором TeaArtStudio

Недавно мы провели интересную выездную мастерскую — организовали арт-класс по интуитивному рисованию в СберУниверсите.

Было более 40 участников разного возраста — и взрослые, и дети. И у каждого получилась своя авторская неповторимая работа.

Общим было направление — рисовали деревья. Деревья не простые, волшебные… У  каждого — свой Сад…

Каждый раз удивительно наблюдать, как меняется атмосфера во время интуитивного рисования: от рабочего напряжения — к покою, расслаблению и радости творчества — совместного и при этом уникального у каждого человека…

Посмотрите, какие разные картины получились…

Хотите провести Интуитивное рисование для своей компании? — напишите нам на почту или в мессенджеры — с радостью организуем для вас!

Читать далее →

Рубрика: Новости | Метки: арт терапия, выездная мастерская, выездной мастер-класс, Выездной творческий мастер-класс, выездные мастер-классы, рисование

Опубликовано 28 февраля 2022 автором TeaArtStudio

Накануне 8 марта нам  часто звонят мужчины и спрашивают: «Какие творческие мастер-классы для женщин провести  накануне 8 марта в офисе? Как удивить и порадовать девушек? Нужно что-то необычное, креативное, не очень сложное, но интересное и универсальное».

Наша Чайно-Творческая Мастерская  подготовила подборку: самые-самые популярные, выигрышные, любимые творческие мастер-классы для женского коллектива на 8 марта: выездные в офис и онлайн с доставкой мастериалов участницам.

Организуем мастер-классы у Вас в офисе, привезем все необходимое. У каждой участницы останутся  яркие впечатления, новые умения и созданный своими руками приятный подарок.

По всем вопросам пишите нам на почту или в мессенджеры:

Успейте забронировать мастер-классы на 5-8 марта 2022! 

Читать далее →

Рубрика: Новости | Метки: 8 марта, для женщин, женские мастер-классы, женский день, корпоратив на 8 марта, мастер класс для женщин, мастер-классы для женщин, подарочный сертификат

Опубликовано 17 февраля 2022 автором TeaArtStudio

Размещаем фотографии с выездного мастер-класса по Арабской Каллиграфии от TeaArtStudio, который мы провели для компании Top Signature в Royal Studio.
Эксклюзивное мероприятие Департамента по развитию туризма эмирата Рас-эль-Хайма. Были приглашены известные блогеры, журналисты, тур.операторы, присутствовал директор по развитию туризма в Эмирате.

Мастер-класс по Каллиграфии прекрасно дополнил общую программу мероприятия, стал изящным дополнением. У гостей остались самые приятные впечатления!

Выездной мастер-класс по Каллиграфии от TeaArtStudio, фотографии:

Читать далее →

Рубрика: Новости | Метки: арабская каллиграфия, выездной мастер-класс, каллиграфия

Опубликовано 17 февраля 2022 автором TeaArtStudio

Приближается мужской праздник  — 23 февраля!

Многие женщины уже выбирают подарки мужчинам, мальчикам, сыновьям, и ломают голову, что подарить коллегам в 2022 году.

Порадуйте мужскую половину коллектива необычным подарком: творческий мастер-класс внесёт приятное разнообразие в рабочие будни, создаст праздничную атмосферу и надолго запомнится!

Предлагаем Вам 3 варианта проведения мастер-класса на 23 февраля:

1)  участвуют мужчины — и своими руками создают произведения искусства;

2) участвуют женщины и с удовольствием создают подарки для мужчин;

3) участвуют все! — много радости от совместного творчества и подарки всем🙂

Читать дальше

Рубрика: Новости, Статьи | Метки: 23 февраля, выездной мастер-класс, выездные мастер-классы, идеи для праздника, мастер-класс на 23 февраля, мужской праздник | Добавить комментарий

Опубликовано 26 ноября 2021 автором TeaArtStudio

Новый год 2022 (Год Синего Водяного Тигра)  всё ближе.

Выездные творческие мастер-классы и чайные церемонии прекрасно дополнят Ваше новогоднее торжество, внесут ярких красок  — помогут создать атмосферу праздника, уюта  и радости!

Организуем для Вас:

•  Выездные новогодние мастер-классы, арт-мастерские и воркшопы  — подберем активности с учётом особенностей и задач Вашего мероприятия
• Чайные церемонии, новогодний чайный и кофейный бар на выезд
• Корпоративные подарки ручной работы — оригинально и с душой

Читать далее →

Рубрика: Новости | Метки: выездная чайная церемония, выездной мастер-класс, выездные мастер-классы, новогодний корпоратив, новогодний мастер-класс, новый год, Новый Год для детей, подарки, чайно-творческая мастерская | Добавить комментарий

Опубликовано 3 сентября 2021 автором TeaArtStudio

Публикуем видео и фото-отчет с семейного мероприятия в Отеле Мистраль, где 28 августа наша Чайно-Творческая Мастерская провела два  увлекательных мастер-класса: рисование  и создание духов (натуральная парфюмерия).

Когда в процессе творчества принимают участие вместе взрослые и дети – создается невероятная атмосфера взаимодействия и доброты… Праздник получился насыщенным, радостным и запоминающимся!

Читать далее →

Рубрика: Новости | Метки: духи своими руками, мастер-класс по парфюмерии, рисование, рисование кофе и чаем

Опубликовано 16 августа 2021 автором TeaArtStudio

Выездной мастер-класс по росписи гипсовых фигур — отличный вариант для тех, кто ищет несложное, быстрое и творческое развлечение на корпоратив или праздник. Арт-интерактив. Гости участвуют, общаются, отдыхают и создают приятные подарки своими руками.

Рисуем акриловыми красками:  они без запаха и быстро сохнут.

Гипсовые фигуры могут быть разных форм. Просто фигуры — симпатичные, интерьерные или что-то прикладное (например, креативные подставки для карандашей и ручек).
Читать далее →

Рубрика: Новости | Метки: выездной мастер-класс, выездные творческие мастер-классы, гипс, корпоративное мероприятие

Академия рисунков из войлока / курсы рисования из войлока

Замечательный курс мастер-классов с прилежным и уверенным в себе учителем, который делится бесконечными советами со студентами и гарантирует, что у каждого будет время 1:1, чтобы освоить навык.
Весь уик-энд был подобен теплым лечебным 🤗 объятиям. Спасибо.

Джули Маккриди — февраль 2020 г.

​

Я настоятельно рекомендую этот курс. Бриджит — отличный учитель, терпеливый и внимательный к каждой детали. И начинающие, и опытные мастера создавали удивительные изделия, а атмосфера была дружелюбной и расслабляющей. Это был очень приятный опыт, и я многому научился.

Галина Титова — февраль 2020

​

За два дня я многому научилась и очень довольна результатами. У Бриджит богатый опыт, и она щедро им делится. Вдохновляющие два дня!

Krystyna Gadd — февраль 2019

​

Курс проходил в прекрасном светлом и просторном ратуше с новорожденными ягнятами на поле снаружи. Шесть очень разных энтузиастов ремесел с талантами в самых разных областях собрались вместе, чтобы сделать шесть очень разных картин мокрого валяния под бдительным оком Бриджит. Она щедра и на свое время, и на свои знания. Я очень рекомендую этот курс.

Джейн Ферт — февраль 2019 г.

 

Очень понравилось. Отличное обучение, прекрасный размерный класс и большой выбор цветных волокон. Очень расслабляющие и приятные два дня.

Елена — Ноябрь 2018

​

Очень приятные два дня. Бриджит была очень полезна для всех.
Рекомендую.

Дебра Френч — ноябрь 2018 г.

​

Два приятных дня с отличными результатами.
Бриджит очень щедро делится своим временем и вкладом. Было так много всего, что можно было увидеть, просматривая фотографии других людей, а также свои собственные. Хотелось бы, чтобы было время узнать больше о процессе отделки иглопробивным валянием, но, возможно, это для следующего курса!

Джули Слокомб — ноябрь 2018 г.

​

Это был отличный курс в красивом тихом месте. Материалы были вдохновляющими, а преподавание Бриджит было превосходным. Будучи новичком в мокром валянии, я многому научилась и создала картину, которой горжусь, благодаря правильному балансу советов, поддержки и индивидуального внимания в течение двух дней. Я определенно рекомендую этот курс и хотел бы сделать это снова когда-нибудь.

Хейзел Уилкинсон — ноябрь 2018 г.

 

Я узнал новые способы мокрого войлока и научился добавлять детали в свою работу с помощью иглопробивного валяния. Я особенно хотел научиться создавать более подробные изображения.
Я многому научился за эти два дня и чувствую, что теперь могу поднять свое валяние на новый уровень.
Я с нетерпением жду завершения своей работы и создания чего-то, чем я действительно буду доволен.
Бриджит очень талантливая, знающая и дружелюбная.

Ревекка — июль 2018

​

Пройдя несколько мастер-классов по валянию, я обнаружил, что этот мастер-класс дал мне гораздо больше техник и советов, которые мне раньше не показывали. Место было прекрасным, и небольшой класс означал, что мы все получили необходимое внимание. Я ушел, чувствуя себя полностью вдохновленным, чтобы продолжать развивать свои навыки валяния.

Мэри Ньюбегин — июль 2018

Мои вторые выходные с Бриджит, и это было великолепно. Другие дамы в классе были действительно хорошей компанией. Бриджит очень терпеливый репетитор и хочет, чтобы вы учились. Она щедра на свои знания и умения.
У меня появилось так много других техник, которые дополнили те, что я изучил в прошлый раз, и я чувствую себя уверенно, пытаясь нарисовать картину из шерсти самостоятельно.
Спасибо за поддержку и ободрение, Бриджит. Мы все ушли с замечательными произведениями.

Джиллиан — июнь 2018 г.

​

Курс очень понравился, место было хорошее, и был очень хороший запас качественных материалов. Возможно, было бы полезно показать всей группе техники, которые обсуждались индивидуально, поскольку некоторые советы могли не иметь отношения к конкретному произведению, над которым мы работали, но были бы полезны в будущем.

Кейт Ридман — Май 2018

​

Курс был фантастическим! Бриджит прекрасна и очень щедра на свое время и знания, гарантируя, что я и другие женщины достигли потрясающих результатов. Я был настолько поглощен этими двумя днями, что время пролетело незаметно, хотя я успел закончить свою картину с маком. Я всегда хотела научиться валянию картинок и очень рекомендую курсы, которые проводит Бриджит. Она очень талантливая художница!

Фиона Патрик — апрель 2018

​

Какой прекрасный способ провести выходные, познакомиться с новыми людьми, освоить новые навыки, расслабиться, а также вернуться после двухдневного курса с картиной из фетра, которой можно гордиться. Это именно то, что случилось со мной в прошлые выходные, когда я посещал двухдневный курс мастер-класса по изображению из войлока, который проводит Бриджит Бернадетт Карн.

Бриджит радушно приняла вас с первой минуты вашего прибытия. Мой курс состоял из еще пяти девушек, мы все очень хорошо ладили, каждая из нас делала разные тематические картины от пейзажей, морских пейзажей до цветов.

Бриджит была настоящим профессионалом, она проводила время с каждой из своих дам, давая нам советы, показывая нам, как сделать наши фотографии лучше, направляя нас и передавая свои навыки и знания, чтобы помочь всем нам научиться смачивать войлок и иглопробивной войлок. в результате получаются очень хорошие снимки. Бриджит очень талантливая женщина и отличный учитель. Я бы порекомендовала один из ее курсов всем, кто хочет научиться создавать картины с помощью искусства мокрого валяния и сухого валяния, вы не будете разочарованы.

Wendy Place — апрель 2018 г.

​

Курс показался мне увлекательным, и я узнал несколько новых техник. Мы все сделали очень разные фотографии, и все они выглядели великолепно. Я нашел работу с изображением сложной и стимулирующей — у Бриджит потрясающее чувство цвета, и она помогла нам увидеть цвета на наших фотографиях, которые мы сами не замечали. Трудно сказать, сколько работы потребуется для создания той или иной картины, поэтому я бы посоветовал сделать несколько, чтобы Бриджит помогла вам выбрать. Я с удовольствием заканчиваю свою картину дома и с нетерпением жду возможности приехать снова.

Спасибо, Бриджит, за прекрасные выходные.

Хейзел Кемп — апрель 2018 г.

​

Вдохновляющий курс.
Бриджит — отличный учитель — в плане знаний, подачи и пастырских способностей. Бриджит очень хочет поделиться методами, которые она изучила и разработала. Она дает постоянное индивидуальное обучение и поддержку. Бриджит работала с сильными сторонами и идеями каждого ученика, помогая каждому из нас экспериментировать с новыми навыками. Мы все завершили фантастическое творение.
Материалы, предоставленные Бриджит, были самого высокого качества – все они были подготовлены задолго до начала курса. Она создала живую, дружелюбную атмосферу, в которой мы работали. В целом отличный курс в прекрасной пастырской обстановке.
Спасибо Бриджит и участникам курса за то, что сделали это событие таким запоминающимся.

Морин Хадсон — апрель 2018

​

Я только что провел замечательные выходные, погрузившись в радость валяния. Бриджит — терпеливый, заботливый и вдохновляющий учитель. Было здорово увидеть проекты каждого — все они заметно отличались друг от друга — и различные методы, используемые для их создания. Я уверен, что еще вернусь, чтобы пройти эти курсы выходного дня, чтобы узнать больше от такой искусной мастерицы, чье искусство войлока было принято на Шумерскую выставку Королевской академии. Это прекрасная часть мира, в которой тоже можно учиться. Я зацепил!

Хейзел — апрель 2018 г.

​

Какой замечательный опыт. Я был полным новичком в рисовании шерстью, но мне удалось создать картину, которую я с гордостью поставил в рамку и повесил. Бриджит была приветлива, как и остальные дамы в группе, с энтузиазмом и радостью делились своими знаниями и навыками. Да, иногда вам приходилось ждать ее времени, но я купил групповой опыт, поэтому понял, что это так. Я уже порекомендовал ее другу, и мы забронировали еще один уик-энд.

Джиллиан — март 2018

​

Это был второй курс, который я прошла с Бриджит, и я изучила еще больше техник, чем раньше. Курс хорошо организован, и за 2 дня достаточно времени, чтобы завершить картину. Рекомендую всем начинающим валяльщикам.

Margaret Wildridge — март 2018 г.

​

Мне очень понравился этот курс. Это были спокойные и дружеские выходные. Я многому научился, а Бриджит так хорошо осведомлена и полна энтузиазма, что это цепляет. Тем не менее, я согласен с предыдущим рецензентом в том, что нужно ждать указаний о том, что делать дальше. Я понимаю, что Бриджит очень хочет помочь всем и кому-то помочь. Я сделал фотографии, но когда я вернулся домой, мне было трудно все вспомнить. Я думаю, что раздаточный материал с основами и порядком процесса был бы очень полезен.

Тем не менее, я могу полностью рекомендовать семинары Бриджит, и я думаю провести еще один в недалеком будущем. Спасибо за то, что сделали это отличным опытом обучения, особенно для нервного валяльщика в первый раз.

Жан — февраль 2018

​

Я полный новичок в валянии, но после этих выходных чувствую себя достаточно уверенно, чтобы «попробовать» самостоятельно! Я так многому научился, что моей единственной проблемой будет запомнить все это, несмотря на то, что я фотографирую и пишу заметки! Я прекрасно провел время!

Анжела Хаммонд — февраль 2018 г.

​

Это был третий раз, когда мы посетили один из семинаров Бриджит по выходным. Мне очень понравился семинар. Бриджит внимательно относится к потребностям каждого, делясь своим временем поровну между участниками. Она обладает богатыми знаниями и опытом и выявляет лучшее в работе каждого участника.
Бриджит создает безопасное пространство для людей, совершенно незнакомых с процессом валяния, где они могут «попробовать» и создать отличные работы. Семинары проходят в непринужденной и дружелюбной обстановке и создают отличное чувство товарищества.
Определенно обязательно, если вы хотите на выходные погрузиться в собственный творческий поток! Она также предоставляет весь чай и печенье, которые вы можете съесть за выходные!

Луиза Мэтсон — февраль 2018 г.

​

Мне очень понравился курс, я узнал много новых навыков и техник! Единственный отзыв, который я бы дал, это то, что люди часто ждали указаний о том, что делать дальше, поскольку все находились на разных стадиях завершения. Тем не менее, часто существовали методы, которые большинству/всем нам нужно было использовать в какой-то момент, поэтому, возможно, было бы лучше, если бы все собрались вокруг и посмотрели, как это делается. Тогда им не придется ждать, пока им скажут, что делать, когда они освоят эту новую технику.

Холли Ланиган — январь 2018 г.

​

Когда вы ведете такую ​​насыщенную жизнь, это фантастика, чтобы сбежать и провести целых 2 дня, занимаясь чем-то творческим. Бриджит очень щедра на свои знания и помогает вам изучить различные техники, но позволяет вам развивать свой собственный стиль. Это была моя первая попытка валяния, но точно не последняя.

Кейт — февраль 2018 г.

 

Отличный опыт, такой информативный!
Бриджит так хорошо осведомлена и так щедро делится своими знаниями и опытом. Мне очень понравился весь опыт, и я определенно рекомендую этот курс

Джеки Беннетт — февраль 2018 г.

 

Я с нетерпением ждал этого мастер-класса несколько месяцев, и он меня не разочаровал. Бриджит всех очень приветствовала, а остальные 5 дам были прекрасны. Бриджит — отличный учитель и уделяла каждому индивидуальное внимание. Узнала много новых техник, которые с удовольствием буду практиковать. Все, казалось, создали прекрасную картину, и я, безусловно, был доволен тем, что сделал я — хотя у меня был некоторый предыдущий опыт валяния, я никогда не смог бы сделать это без профессионального обучения и руководства Бриджит. Я бы также порекомендовал близлежащий The Ship Inn, который я намерен снова забронировать следующей зимой

Джин Стефенсон — февраль 2018 г.

​

Это был превосходный курс — преподавание Бриджит было очень хорошим и индивидуально адаптированным к нашим потребностям. Я приобрела новые навыки в росписи войлоком, которые теперь буду использовать постоянно. Место было очень хорошим и удобным для сети автомагистралей. Я бы также порекомендовал остановиться в отеле Bridget’s Air BnB Lodge в деревне. Я с нетерпением жду возможности вернуться еще раз.

Пэт Эбботт — ноябрь 2017 г.

 

Это мой второй семинар на выходных с Бриджит, и он был так же хорош, как и первый! Бриджит отличный учитель и очень щедро делится своими знаниями. Я хотел освоить разные навыки, поэтому моя картина, которую я выбрала, полностью отличалась от моей первой мастерской, где я делал зайца-беляка, который теперь в рамке и на моей стене. На этот раз я сделал пейзаж Осенней и Озимой пшеницы и не могу поверить, насколько хорошо он получился. Отличные выходные, отличная компания и прекрасная работа.

Спасибо, Бриджит и прекрасное размещение в вашем коттедже Airbnb!

Джеки Корсби — ноябрь 2017 г.

 

Это второй курс, который я посещала с Бриджит, и, как и в прошлый раз, это был отличный двухдневный курс.
Бриджит очень хорошо осведомлена и очень полезна, а также очень терпелива.
Это были замечательные два дня, и я многому научился, поделившись с милыми и дружелюбными дамами.
Отличное место для посещения и очень расслабляющее, конструктивное и действительно приятное времяпрепровождение, теперь я на крючке.

Аннет — ноябрь 2017

​

Очень приятные выходные в хорошей компании. Бриджит была чрезвычайно щедра со своими знаниями, опытом, гостеприимством и материалами. Я без колебаний рекомендую этот курс всем. Продолжай, Бриджит!

Christine Roworth-Gaunt — October 2017

 

Я приехал как абсолютный новичок и уехал с картиной, о которой я и мечтать не мог, и со всей информацией, которая мне нужна, чтобы закончить ее дома. Бриджит теплая и ободряющая, щедро делящаяся своими навыками и знаниями. Мне понравился этот курс, и я рекомендую его всем, кто хочет изучить процесс, независимо от их опыта. Прежде всего — это было очень весело!

Пенни де Куинси — октябрь 2017 г.

 

Прекрасные два дня, посвященные краскам, текстурам и изучению новых навыков. Благодаря навыкам и указаниям Бриджит я смог двигаться в своем собственном темпе. Я не мог поверить, что второй день подошёл к концу! Я вернулся домой с прекрасной работой и огромным багажом знаний и умений.

Спасибо Бриджит, ее щедрости времени и мастерства, а также прекрасным людям, которые также прошли курс.

Энн Чаппелл — октябрь 2017 г.

​

Мастер-класс прошел отлично. Я приехал с более сложной и более простой картинкой в ​​качестве вдохновения на 2 дня, и Бриджит, не колеблясь, предложила мне попробовать более сложную картинку. На протяжении двух дней Бриджит вела меня по композиции картины, делясь со мной своими знаниями и опытом. Я очень доволен результатами и многому научился, как использовать цвет и техники для достижения желаемых результатов.
2 дня были очень спокойными и информативными. Бриджит очень щедро делится своим временем и опытом, что дает вам уверенность в том, что вы можете попробовать самостоятельно!

Дайан Килберн — октябрь 2017 г.

Скульптурные шляпы — % волокна и текстиль художника / Париж

Назад ко всем событиям

• Понедельник, 17 августа 2020 г. 17:00 17:00
  Четверг, 20 августа 2020 г. 18:30 18:30

• Календарь Google ИКС

4 дня Мастер-класс по созданию уникальной скульптурной шляпы из фетра и развитию вашего творчества

Уровень: Продвинутый

Благодаря навыкам, полученным на уроке, вы сможете делать шляпы, подобные показанным на слайд-шоу выше. Все они основаны на оригинальном шаблоне Ариан Мариан, который включен в приз семинара. Вы узнаете, как подогнать его под любой размер головы и преобразить множеством стильных и скульптурных способов.

Понедельник, 17-е: с 17:00 до 20:00
Вторник, 18-е: с 17:00 до 19:00
Среда, 19-е: с 17:00 до 19:00
Четверг, 20-е, с 17:00 до 18:30

ПРИЗ: 290 €

Занятия будут проходить в прямом эфире в приложении для собраний Zoom и будут дополнены раздаточными материалами. Все уроки будут записаны* и отправлены ученикам только для личного пользования.

*Важно: при входе в этот класс вы должны согласиться на запись! Запись отправляется всем зарегистрированным учащимся только для личного использования. Он не будет передан или продан третьим лицам!

Этот 4-дневный онлайн-мастер-класс равен тем, которые я обычно преподаю в своей студии за 390€ !

Вы получите ту же информацию и материалы + запись. Во время занятий я на связи, чтобы ответить на ваши вопросы!

Пошаговая программа на 4 дня:

1. День (~3 часа): Создание образца мини-шляпы

   Мы изготовим мини-шляпу в масштабе 1:4, что позволит мне показать вам все различные техники, которые я использую для моих скульптурных шляп и дать вам бесконечные идеи о том, как шляпа может быть составлена ​​и сформирована.

Миниатюрные пробоотборники первого дня можно использовать как стильную грелку для яиц!

Чему вы научитесь на пробниках:

• изготовление скульптурного шаблона с клапанами

• создание бесшовной полой формы

• оформление поверхности с использованием техники росписи по волокну, рельефа и нуновойлока

  шнуры
  9024 , гребни …

• придание произвольной формы: складки, спирали, улитки…

2.

День (~2 часа): Построение оригинального шаблона шляпы на бумаге в «финальном» и «размере макета»

Вы узнаете, как нарисовать 2D-форму шляпы и как увеличить ее, чтобы сделать шаблон в «размере макета». Затем этот шаблон копируется на вспененный полиэтилен, и я покажу, как начать макет шерсти. Студенты должны сделать свой собственный шаблон из полиэтиленовой пены (или пузырчатой ​​пленки) и начать макет на следующий день.

3. День (~2 часа): Дизайн поверхности и скульптура

Вместе мы будем работать над дизайном поверхности. Я покажу несколько приемов оформления поверхности и дам советы и рекомендации. Мы начнем формировать шляпу, и я продемонстрирую некоторые из бесконечных возможностей, как сделать выдающуюся форму. У студентов есть еще один день, чтобы поэкспериментировать с изучаемыми техниками:

• техника рельефа

• роспись по волокну

• нунофелтинг

• добавление лоскутов, гребня, шнуров…

• формирование скульптурной шляпы

4.

День (~1 час 40 минут): Вопросы и ответы, демонстрация готовых фетровых шляп, отзывы и советы

В завершение семинара мы встретимся, чтобы показать работу каждого ученика, дать обратную связь и дать совет, чтобы позволить каждому ученику прогрессировать и подтверждать свой личный стиль. Вопросы приветствуются!

Материалы:

•  ~ 120 г шерстяного топа (или чесаной шерсти) 1-2 основных цветов

• ~ 50 г шерстяных волокон различных цветов для оформления окрашенной поверхности

• дополнительно: кусочки тонкой ткани для нунофелтинга

• два куска пузырчатого пластика ~ 100 см (39 дюймов) x 150 см (60 дюймов)

• ~ 100 см (39 дюймов) x 150 см (60 дюймов) вспененный полиэтилен (в качестве альтернативы можно использовать пузырчатую пленку, но я настоятельно рекомендую использовать пенопласт)

•  теплая, затем горячая вода

• A Спринклерная бутылка

• Одна или две старые полотенца

• 2′-4 полосы хлопка или резиновых полос

• Нессеры ( + A Pointy One для вышивки. по желанию: все инструменты для валяния, к которым вы привыкли (мыло, палочки…)

ЧТО ВАМ НУЖНО Принять участие в этом занятии:

Самое главное: хорошее подключение к интернету и устройство с камерой и микрофоном.

Вы можете следить за семинаром по телефону, но проще, если у вас есть ноутбук или планшет.

Базовые навыки валяния настоятельно рекомендуются для прохождения этого курса! Мои уроки создания сосудов или полых форм идеально подходят, если вам нужна предварительная подготовка!

• Опубликовано в Мастерская войлока онлайн
• Tagged Мастер-класс по валянию, онлайн-класс по мокрому валянию, онлайн-обучение искусству волокна, изготовление войлочных шляп, скульптурная войлочная шляпа, валяные шляпы, войлочная шляпа своими руками, мастер-классы ariane mariane, онлайн-изготовление шляп

Предыдущее событие: 30 июня

Онлайн-мастерская: Скульптурные шляпы

Позднее событие: 26 августа

Онлайн-мастерская: полые войлочные твари — 26 августа

10 реальных способов, которыми уроки рисования могут повлиять на вашу жизнь

Недавно меня попросили рассказать о важности художественного образования. У меня были свои темы для обсуждения, но я полагал, что лучше всего спросить об художественном образовании будут мои бывшие ученики. Я протянул руку и спросил их, чему они научились на уроках рисования и как это продолжает влиять на их жизнь. Было интересно воссоединиться и глубже погрузиться в то, почему художественное образование является такой важной дисциплиной.

Все мы знаем, что искусство — это развлечение для детей, но оно также помогает в фундаментальном развитии.

Давайте рассмотрим 10 способов, которыми искусство помогает детям учиться и развивать ценные качества, которые им понадобятся во взрослой жизни.

1. Творчество

Мы знаем, что искусство — это творчество, потому что оно позволяет детям выражать себя. Математика и естественные науки, конечно, важны, но изобразительное искусство выводит творчество детей и навыки дивергентного мышления на новый уровень. Если дети практикуют творческое мышление, это будет естественно для них сейчас и в их будущей карьере.

Вот что сказала моя ученица Мори Хейнс, выпускница 2010 года:

«Художественное образование, полученное в средней школе, заложило для меня бесценную основу как творческого профессионала. Сама мысль о том, что я могу использовать свой врожденный творческий порыв в любой области по своему выбору, оказала огромное влияние на мою жизнь. То, что кто-то способствовал моему творческому росту и способности решать сложные проблемы дизайна, критически мыслить и совместно работать над творческими проектами, сформировало мой путь как скульптора, как преподавателя искусства, как специалиста по маркетингу, а совсем недавно как мастера студент Архитектуры».

2. Повышение успеваемости

Искусство не просто развивает творческие способности ребенка. Навыки, которые они изучают, часто выливаются в их академические достижения. В отчете организации «Американцы за искусство» говорится: «Студент, занимающийся искусством, в четыре раза чаще получает признание за академические успехи». Я думаю, что многие из нас тоже это знают.

Вот что сказал мой студент, Ха Троунг, выпускница 2012 года и лауреат стипендии Гейтса:

«Я аспирант второго курса, получаю степень магистра общественного здравоохранения в области глобальной эпидемиологии в Университете Эмори. Меня интересуют причины, тенденции и методы контроля и предотвращения последствий для здоровья, особенно в области глобального здравоохранения и социальных детерминант здоровья. Изучение изобразительного искусства дало бесценные навыки и прочную основу для образования, которое я получаю сегодня.

Будучи студентом-художником, участвовавшим в нескольких художественных проектах в течение семестра, я развила навыки в области исследований, разработки и реализации проектов, а также тайм-менеджмента. Креативность и новаторство, которые я искал для своих художественных проектов, пришли из моих исследований и навыков критического мышления, чтобы включить в свои художественные проекты множество влияний. Эти навыки применимы к академическому или профессиональному опыту и дисциплинам, выходящим за рамки изобразительного искусства.

Тем не менее, мне больше всего нравилось узнавать о различных произведениях искусства и периодах времени, исторических событиях и социальных проблемах, которые могли повлиять на художника и на послание, которое он хотел передать своим искусством. Как студент, изучающий общественное здравоохранение, я по-прежнему очень заинтересован в изучении того, как история и социальные проблемы влияют на результаты в отношении здоровья. Как и художники, которых я изучал, я всегда стремлюсь к лучшему способу общения и демонстрации результатов проекта, над которым я работаю, чтобы он кого-то просветил, заставил кого-то по-новому взглянуть на тему или привлечь внимание к проблеме. вопрос, который меня глубоко волнует».

3. Развитие мелкой моторики

Для детей младшего возраста такие простые вещи, как умение держать кисть, делать пометки ручкой, карандашом или мелками и резать ножницами, важны для развития мелкой моторики. Вехи развития в возрасте около трех лет должны включать рисование круга и начало использования безопасных ножниц. Примерно в возрасте четырех лет дети могут нарисовать квадрат и начать резать ножницами прямые линии. Это продолжается на протяжении многих лет, когда студенты начинают объединять свои технические навыки со своими творческими способностями.

Вот что сказала моя ученица Алисия Бургум, выпускница 2013 года:

«Сегодня я учитель и свободный художник. Я продолжаю выполнять около десяти заказов в год, одновременно работая преподавателем на полную ставку. Мои уроки рисования в старшей школе подготовили меня к сегодняшней работе, дав мне широкий спектр навыков и техник, которые я использую до сих пор. В старших классах я также разработал свой общий художественный стиль, который, как мне кажется, не сильно отличается от того, что я создаю сегодня. Для учителя искусство — отличный способ подзаработать. Я благодарен за обучение работе с различными средами и дизайном в старшей школе, которое дало мне прочную основу, чтобы сделать меня тем художником, которым я являюсь сейчас».

4. Уверенность

Хотя освоение предмета, безусловно, укрепляет уверенность учащегося, в занятиях искусством есть что-то особенное. Использование материалов, которые превращаются в визуальные истории, — это волшебство, и это помогает учащимся чувствовать себя более уверенно. По мере того, как они совершенствуются и видят собственный прогресс, их уверенность в себе продолжает расти.

Вот что сказала моя ученица, Элизабет Гамильтон, выпускник 2014 года:

«Впервые я почувствовала по-настоящему удовлетворяющее чувство выполненного долга во время всех моих уроков рисования в средней школе Норт-Гвиннетт под руководством г-жи , Ким и мисс Уэст. Раньше я не понимал, как искусство повлияет на мое будущее. Тогда творчество было для меня больше похоже на игру. Я отнесся к этому серьезно, но ничто по сравнению с тем, что я вижу сегодня. Только в младших классах средней школы я полностью осознал потенциал своего будущего в искусстве. Уроки рисования и внеклассные мероприятия научили меня терпению и решимости закончить любую поставленную передо мной задачу.

По сей день я всегда оглядываюсь на свою раннюю художественную карьеру и думаю: «Посмотрите, как далеко я продвинулся». Художественного института Чикаго, и теперь я жду, когда моя стажировка в Creative Group Adult Swim начнется летом. Искусство — это моя жизнь, и я никогда не пожалею о том выборе, который сделал на уроках рисования».

5. Визуальное обучение

Рисование, рисование и лепка в художественном классе помогают развивать зрительно-пространственные навыки. Как педагоги по искусству, мы знаем, что детям нужно знать о мире больше, чем просто то, что они могут узнать с помощью текста и чисел. Художественное образование учит студентов, как интерпретировать, критиковать и использовать визуальную информацию, а также как делать выбор на основе этой информации.

Вот что сказала моя ученица Мэри Труонг, выпускник 2016 года:

«Сейчас я учусь на первом курсе Северо-Западного университета по специальности изобразительное искусство и информатика. Мне нравится создавать компьютерные художественные инсталляции, которые позволяют зрителям участвовать в художественном произведении. Я думаю, что эти работы создают более преобразующий художественный опыт, чем пассивное созерцание картин, и я надеюсь, что группы, взаимодействующие с моим искусством, имеют связь через совместное участие. Искусство, которым я занимался в старшей школе, дало мне техническую, художественную основу, которая подготовила меня к созданию этих сложных работ».

6. Принятие решений

Мы знаем, что искусство укрепляет навыки решения проблем и критического мышления. Обучение тому, как делать выбор и принимать решения, безусловно, будет перенесено в образование наших учеников и другие сферы жизни.

Вот что сказал Джабари Паркер, выпускница 2008 года:

«Курсы рисования дают многим учащимся первый шанс раскрыть свой творческий потенциал и оценить, как он может быть связан с будущей карьерой и возможностями получения высшего образования после выпуска. Возможности безграничны, пока вы сосредоточены на своих дарах! Благодаря социальным сетям и Интернету у вас действительно есть возможность донести до мира точку зрения, которую можете предложить только вы! Как гравер и специалист по допечатной подготовке, мои уроки рисования в старшей школе заложили основу для творческой личности, которой я являюсь».

7. Настойчивость

Как мы все знаем, искусство может быть сложной задачей. Я всегда говорил, что арт называется произведением не просто так! Успешные художники не сдаются. Они узнают, что тяжелая работа и настойчивость окупаются. Это мышление имеет значение, когда они растут. По мере того, как художники выбирают свой карьерный путь, их будут просить постоянно развивать новые навыки и работать над сложными проектами.

Вот что сказал Ду Ли, выпускница 2011 года и президент студенческого совета:

«Я окончил Йельский университет в 2015 году и в настоящее время работаю исследователем продуктов в Google. Я и моя команда собираем качественные данные, которые информируют о стратегических изменениях в рекламных продуктах Google. Я так рада, что изучала искусство в школе, потому что оно привило мне привычку к творчеству и подтолкнуло меня никогда не бросать занятия. Я тренирую те же мозговые мышцы, что и при рисовании, когда пытаюсь решить сложную рабочую проблему или когда думаю о том, как представить объемную информацию в простой для понимания форме.

Знание принципов дизайна и практика художественного творчества могут помочь вам преобразовать большие идеи в краткие формы и организовать разрозненные мысли в захватывающее повествование. Кроме того, занятие искусством в старшей школе позволило мне преуспеть в учебе во всех других моих классах, заставив меня использовать все аспекты моего разума. Этот успех в старшей школе проложил путь к последующему успеху в колледже и за его пределами».

8. Навыки концентрации

Когда художник упорно работает над картиной или рисунком, концентрация и сосредоточенность необходимы. Мы знаем, что навыки концентрации также жизненно важны для учебы и обучения в классе, а также для выполнения профессиональных задач в более позднем возрасте.

Вот что сказала Эллисон Эдди, выпускница 2011 года:

«Я закончила NGHS в 2011 году, перешла в SCAD по специальности анимация, и теперь я (эмигрант!) 2-D аниматор, работаю и живет в Галифаксе, Новая Шотландия. Уроки рисования в старшей школе были для меня жизненно важны, потому что, хотя я и хотел стать художником, я не знал, как может выглядеть этот путь и даже не знал, с чего мне начать. Мои родители были обескуражены; хотя это произошло из-за любви, потому что никто из других членов семьи не был успешным художником, у нас не было дорожной карты. Уроки рисования в старшей школе дали мне основу и язык, чтобы начать понимать, что для меня значит быть художником. В настоящее время я работаю на детском телевидении, часто анимируя персонажей, с которыми я выросла, для таких клиентов, как Disney, Amazon и Boomerang».

9. Сотрудничество

Многие проекты в области изобразительного искусства, в которых участвовали мои ученики, требуют их совместной работы. Они должны разделить ответственность и пойти на компромисс для достижения общей цели. Я думаю, что искусство учит детей, что их вклад в группу является неотъемлемой частью ее успеха.

Вот что сказал мой ученик, Брэндон Уитмен, выпускник 2010 года:

«Одним из самых важных навыков, которым я научился в школе, и которым я пользуюсь до сих пор, является перспектива. Я работаю в кредитном союзе в качестве составителя ипотечного кредита. Хотя эта карьера довольно далека от карьеры в искусстве, я обнаружил, что многие навыки, которые привели к моему успеху в качестве заемщика, были получены из моего опыта и уроков, полученных на уроках рисования в средней школе.

Например, на уроках рисования нас учили, что одно произведение искусства можно интерпретировать или рассматривать по-разному в зависимости от того, где вы стоите, в каком настроении вы находитесь при его просмотре и т. д. В моей роли, когда меня представляют с запросом, у меня есть значительно лучшие варианты для них, когда я делаю шаг назад и смотрю на запрос с нескольких разных сторон. Это также дает волю творчеству и позволяет мне предлагать несколько вариантов, из которых могут выбирать мои клиенты. Я считаю, что это ставит меня выше похожих людей в моей области, которым не хватает перспективы или «стремления» мыслить нестандартно и предлагать более одного способа пересечь финишную черту».

10. Ответственность

Так же, как и в сотрудничестве, дети, занимающиеся искусством, учатся нести ответственность за свой вклад в группу и в собственное творчество. Ошибки — это часть жизни, и умение принимать их, исправлять и двигаться дальше сослужит хорошую службу учащимся по мере их взросления.

Вот что сказала моя ученица Лекси Вуд, выпускник 2009 года:

«Сейчас я живу в Бруклине, штат Нью-Йорк, и работаю в Сохо промышленным дизайнером в розничной компании. Мы делаем всплывающие окна, витрины и промо-аксессуары для брендов по всему миру. Я творческая, но очень амбициозная. Я действительно могу приписать эту независимость своим урокам рисования в старшей школе. Когда я учился в старшей школе, я был сбит с толку и чувствовал давление слишком рано выбирать то, чем мне нужно было заниматься до конца жизни. Затем я начал ходить на уроки рисования, и у меня появился выход для моего разочарования, которое, как я в конце концов понял, было моей страстью. Это открыло для меня совершенно новый мир, о существовании которого я даже не подозревал, и вывело меня на путь творчества и мирской готовности. На меня повлияло художественное влияние и понимание прошлых дизайнеров и художников, которые помогли сформировать мой личный стиль и стать дизайнером, которым я являюсь сегодня».

Вот несколько реальных примеров того, как искусство влияет на жизнь наших учеников.

Возможно, сейчас искусство имеет большее значение, чем когда-либо. Я думаю, что мой ученик, Брэндон Парк, выпускник 2015 года, сказал это лучше всего, когда говорил о важности прочного фундамента:

«Я учусь на старшем курсе в Школе дизайна Парсонс в Нью-Йорке. Я стажировался в таких компаниях и агентствах, как Viacom (Таймс-сквер), MTV (Таймс-сквер) и 26FIVE (Флэтайрон). Даже сейчас я все еще получаю предложения о работе фрилансера. Сейчас я планирую снова пройти стажировку весной 2019 года..

Как мне помогли уроки рисования в старшей школе? Основание, основание, основание. Я не могу не подчеркнуть, насколько важна основа для любого стремящегося студента, изучающего искусство и дизайн. Вы были бы удивлены, узнав, как много студентов неправильно понимают важность знания основ, когда они радуются этому, думая, что у них все будет хорошо в долгосрочной перспективе, тогда как в конце концов они склонны забывать самые простые приемы. Мой опыт во время моего художественного пути в средней школе был первым шагом к тому, чтобы стать профессиональным художником и дизайнером. Знание «основ основ» может экспоненциально помочь в каждом проекте, с которого вы начинаете, и крепко держаться основ искусства — это напоминание о важности основ для жизни!»

Как вы думаете, почему класс рисования важен?

Как ваши бывшие ученики используют искусство в своей жизни сегодня?

Журнальные статьи и подкасты представляют собой мнения участников профессионального образования и не не обязательно представляют позицию Университета искусства образования (AOEU) или его академические предложения. Авторы используют термины так, как о них чаще всего говорят в рамках своего образовательного опыта.

25 самых влиятельных произведений американского искусства протеста со времен Второй мировой войны

Реклама

Продолжить чтение основной истории

Видео

CreditCredit…Video by Scott J. Ross

Три художника, куратор и писатель собрались вместе обсудить произведения, которые не только лучше всего отражают эпоху, но и оказали влияние.

15 октября 2020 г.

Недавним днем ​​художники Дред Скотт , Кэтрин Опи и Ширин Нешат , а также автор T Никил Савал и помощник куратора Музея американского искусства Уитни Руджеко Хокли присоединились ко мне в Zoom для разговора об искусстве протеста. Я попросил каждого номинировать от пяти до семи произведений того, что они считают самым мощным или влиятельным американским протестным искусством (то есть американского художника или художника, который жил или выставлял свои работы в Америке), сделанных в любое время после Второй мировой войны. . Мы сосредоточились именно на изобразительном искусстве, а не на песнях или книгах, и надеялись, что вместе мы составим список из 25 лучших. Но вопрос о том, что именно составляет протестное искусство — тернистый путь, и мы постоянно об него спотыкались. Это лозунг? Постер? Какая разница, было ли это в музее, в газете или на улице? Влияние имеет значение? Изменило ли это то, что вы думаете или во что верите? Это должно терпеть? Что это значит? И вообще, какая разница между искусством протеста и искусством чисто политическим?

Само собой разумеется, что наши ответы на эти вопросы, а также составленный нами список (упорядоченный по ходу нашего разговора) не являются окончательными. Другая группа в другой день составила бы другой список, но разногласия и дебаты всегда были в центре этого проекта. Участники дискуссии откровенно говорили об искусстве протеста, которое коренным образом изменило их самих или их представления о мире. Мы обсудили безмолвную работу, которую делает искусство — когда оно делает нас храбрыми и когда оно заставляет нас поверить в нашу коллективную способность создавать изменения. Просто невозможно отрицать, что сейчас в мире темное время. Есть много причин чувствовать себя безнадежными и бояться — мы переживаем, как указала Нешат , кризисы во всех аспектах нашей 244-летней демократии: о феминизме, о правах человека, об иммиграции, о бедности, о жилье, о нашей системе здравоохранения, о борьбе с системным расизмом, об окружающей среде, о нашей очень вера в то, что хорошо и правильно. Тем не менее, нам удалось закончить разговор в тот день на ноте стойкости и радости — урок для всех нас на долгие дни впереди. — Фессали Ла Форс

Этот разговор был отредактирован и сокращен.

Изображение

Фотография Бреонны Тейлор, спроецированная на статую Роберта Ли на Монумент-авеню в Ричмонде, штат Вирджиния, июль 2020 г. Кредит… Джим Ло Скальцо/EPA, через Shutterstock

Колоссальный 61-фут Конная статуя Роберта Э. Ли возвышается над Ричмондом, штат Вирджиния, с 1890 года. Это был первый памятник Конфедерации, воздвигнутый в бывшей столице Конфедерации, и по состоянию на это лето он входит в число двух последних сохранившихся памятников. Другие мемориалы тем, кто защищал рабство, в том числе президенту Конфедерации Джефферсону Дэвису и генералу Уильямсу Картеру Уикхэму, рухнули от рук протестующих в июне, а мэр Ричмонда Левар Маркус Стони применил чрезвычайные полномочия, чтобы удалить остальные 1 июля. 12-тонное чучело Ли, безусловно, самый физически внушительный памятник командиру и его делу в стране, оказалось слишком большим, чтобы демонстранты не могли его опрокинуть, и, учитывая его расположение на государственной земле, находилось вне юрисдикции Стони. Вместо этого за последние несколько месяцев активисты преобразовали основание скульптуры, покрыв мрамор и гранит именами жертв полицейского насилия, протестными речевками, призывами к состраданию, революционной символикой и антиполицейскими лозунгами в десятках цветов. Постоянно появляются новые фразы, добавляя к калейдоскопическому отображению коллективных действий. Люди, которые когда-то избегали статуи, теперь совершают паломничество, чтобы увидеть то, что стало эмблемой движения Black Lives Matter, а также новым многообразным общественным пространством. Статуя и окружающая ее лужайка в настоящее время являются местом барбекю, музыкальных и танцевальных представлений, семейных посиделок, палаток для регистрации избирателей, фотосессий, настольных игр, баскетбольных колец и религиозных служб, а также постоянных демонстраций, лагерей и бдений при свечах. Окончательная судьба памятника остается неопределенной — губернатор Ральф Нортам, демократ, приказал снести его этим летом, но ряд жителей Вирджинии подали иски, в результате чего были вынесены многочисленные судебные запреты, запрещающие снос статуи. Суд назначен на 19 октября.. — Zoë Lescaze

Thessaly La Force: Я хотел бы начать с важного вопроса: как мы определяем протестное искусство? Кэти, почему вы номинировали памятник Роберту Э. Ли в Ричмонде, штат Вирджиния, и действия вокруг него? Почему это протестное искусство?

Кэтрин Опи : Ну, я думаю, это рекультивированное место. То, что это означает, заложено, очевидно, в этой земле. Этим летом мы с женой должны были отвезти моего сына в Тулейнский университет, поэтому мы купили дом на колесах. потому что это казалось самым безопасным способом путешествовать — я также был известен тем, что выполнял множество работ из дома на колесах. — и во время Covid было очень, очень трудно не свидетельствовать. Журналисты продолжали показывать мне кадры того, что происходит в Ричмонде со статуей Роберта Э. Ли. На него были проекции, он стал активным сайтом. Преобразование этого пространства для меня было именно тем, чем является искусство протеста. В тот день, когда я был там, у меня была с собой большая камера, поэтому несколько семей просили меня сделать их портрет перед статуей, что я делал с их мобильными телефонами — и именно таким образом она активировалась. Меня действительно интересуют идеи активизма в связи с активацией этих сайтов. Теперь вопрос об удалении этого памятника — на мой взгляд, все памятники той эпохи должны быть удалены — но как это повлияет на историю активизации там? Я нахожу это очень острым моментом протестного искусства.

TLF: Дред, не могли бы вы сказать об этом?

Dread Scott: Еще со времен Гражданской войны сторонники превосходства белой расы по всей стране предпринимали настоящую попытку восстановить и переписать превосходство белой расы в качестве идеологии и визуальной культуры Америки. Эти памятники не 1862 года, а 1905, 1920, 1935 и так далее. В Новом Орлеане, например, была гигантская статуя Роберта Э. Ли. Этой статуи больше нет из-за сообщества активистов. И Take ‘Em Down NOLA не пользуется большой популярностью. За годы до того, как Митч Ландриу, мэр Нового Орлеана, призвал снести статуи, активисты усердно работали над этим. И эти статуи повсюду. На севере тоже есть памятники Конфедерации. Но то, как Кэти говорит о людях, восстанавливающих эти пространства, и о том, что это искусство протеста, — это интересное начало, потому что нам нужно обратиться к тому, что такое искусство протеста. Мы должны пережевывать это во время этих дискуссий.

Плакат кампании Act Up «Молчание = смерть» (1987). Кредит… Коллекция Gran Fury, отдел рукописей и архивов. Фонды Астора, Ленокса и Тилдена. Фото: Нью-Йоркская публичная библиотека/Art Resource, NY

В первые годы эпидемии СПИДа правительство и основные средства массовой информации позорно игнорировали кризис. К тому времени, когда президент Рейган наконец произнес слово «СПИД» в 1985 году, 12 000 американцев уже умерли. В том же году шесть мужчин в Нью-Йорке — Аврам Финкельштейн, Брайан Ховард, Оливер Джонстон, Чарльз Крелофф, Крис Лионе и Хорхе Сокаррас — начали встречаться, чтобы в частном порядке поделиться своим опытом потери, связанной со СПИДом, в отсутствие публичного обсуждения. Вдохновленные созданием чего-то осязаемого, способного распространять информацию, они быстро остановились на плакате. Они решили, что в нем должно быть мало текста (если он вообще есть). «Манифесты не работают», — недавно написал Финкельштейн. «Предложения едва ли делают. Вам нужны звуковые фрагменты, крылатые фразы, написанные простым языком. Плакат именно такой, звуковой фрагмент и народный язык до мозга костей. Плакат идеально подходит американскому уху. У него есть сила. Если вы когда-нибудь останавливались перед одним из них или поворачивали голову, чтобы посмотреть еще раз, эта сила работала». Результатом их сотрудничества стал ярко-розовый треугольник (перевернутая версия символа, который нацисты использовали для обозначения геев) на черном фоне над лозунгом «Молчание = смерть».0256 дебютировал в 1987 году. Шестеро друзей наняли пасторов пшеницы, чтобы они освещали Ист-Виллидж, Вест-Виллидж, Таймс-сквер, Челси и Верхний Вест-Сайд — районы, выбранные для охвата как квир-аудитории, так и СМИ — за одну ночь, а город осознал то, что стало самой устойчивой иконой активизма, связанного с ВИЧ/СПИДом. Позже в том же году, 15 апреля, 90 256 90 257 членов недавно сформированной группы активистов «Коалиция против СПИДа за высвобождение власти» (Act Up) штурмовали городское почтовое отделение, неся копии знака, укрепляя его постоянную центральную роль в их деле. — З.Л.

Фейт Рингголд «Соединенные Штаты Аттики» (1971-72 гг.). Кредит… © 2020 Faith Ringgold/Artists Rights Society (ARS), Нью-Йорк, предоставлено галереей ACA, Нью-Йорк Фото: © Музей современного искусства. /По лицензии SCALA/Art Resource, Нью-Йорк.

В сентябре 1971 года, после многих лет жестокого обращения и месяцев кипящей напряженности, более 1200 из 2200 заключенных исправительного учреждения Аттика в северной части штата Нью-Йорк взяли под свой контроль тюрьму в знак протеста против неудовлетворительных условий содержания и откровенно расистских сотрудников исправительных учреждений. (Как и во многих американских тюрьмах по сей день, подавляющее большинство заключенных Аттики в то время были чернокожими или латиноамериканцами, в то время как ее офицеры были преимущественно белыми. ) Заключенные взяли около 40 заложников, включая охранников и гражданских лиц, и в течение нескольких дней пытались мирно переговоры с чиновниками об улучшении их жилищных условий. По приказу губернатора Нельсона Рокфеллера полиция штата силой отбила тюрьму, убив 39 человек.человек, как заключенных, так и заложников. После этого власти пытались привлечь к ответственности различных заключенных за их участие в восстании, но, несмотря на то, что большая часть насилия была совершена государством, ни одному из должностных лиц, ответственных за смерть, так и не было предъявлено никаких официальных обвинений. Острым, зажигательным ответом Фейт Рингголд на эту трагедию стала «Соединенные Штаты Аттики», карта США, выполненная в зеленом, красном и черном цветах панафриканского флага Маркуса Гарви. Карта заполнена с датами и подробностями других американских злодеяний — антикитайских беспорядков в Орегоне в 1880-х годах, «Тропы слез» в Оклахоме, унесшей жизни около 4000 индейцев чероки, линчевания Эммета Тилля в Миссисипи, убийства доктора Мартина в 1968 году. Лютер Кинг-младший в Теннесси, беспорядки в Калифорнии, Мичигане и Техасе — столько насилия, что все это не умещается на странице. (Статистика смертей, вызванных американскими войнами, от Революции до Вьетнама, занимает поля работы.) «Соединенные Штаты Аттики» — это альтернативная история США, которая уходит корнями в потери и несправедливость, но также, прежде всего, в храбрость угнетенных, борющихся за свободу. Рингголд выпустил эту работу в виде популярного плаката, который получил широкое распространение. Внизу художник написал в грустном прогнозирующем заявлении: «Эта карта американского насилия неполна». — М.Х. Миллер

TLF: Никил, как вы думаете, что такое искусство протеста?

Никил Саваль : Моим первым побуждением было сразу же подумать о плакатах. Первое, что я придумал, было «Молчание = Смерть». Я подумал, что есть своего рода общественное мнение, когда мы думаем об искусстве протеста. И мы можем уточнить, что означает «общественность». Но это очень наглядный пример, когда произведение искусства создавалось в коллективе в течение нескольких месяцев и активизировалось различными способами общественным движением, к которому оно было непосредственно привязано. Это привело меня к другим видам произведений искусства, которые имели какое-то отношение к общественному движению. Я подумал о девятке Фейт Рингголд.0256 «Соединенные Штаты Аттики». Это искусство протеста не только из-за того, что произошло в Аттике, но и потому, что это история американского насилия. Это тоже карта. Это также флаг, потому что он использует цвета панафриканского флага Маркуса Гарви. Это также приглашение, потому что в самом низу изображения есть инструкции о том, как вставить в него собственную статистику. Поэтому я думаю, что участие также в некотором роде является частью протеста.

TLF: Ru, как куратор в группе, о чем вы думали?

Ru Hockley : Я думал о произведениях, предназначенных для существования в разных сферах и регистрах. Удивительно, что мы все делаем это вместе, потому что первым примером, о котором я подумал, был флаг Dread «Вчера полиция линчевала мужчину». Впервые я увидел этот флаг на акции протеста на Юнион-сквер в 2016 году.

Картина Дреда Скотта «Человек был линчеван полицией вчера» (2015), установленная в галерее Джека Шейнмана 8 июля 2016 года. Кредит… © Ужасный Скотт, предоставлено художником

С 1920 по 1938 год N.A.A.C.P. будет отмечать линчевание, вывешивая суровый черно-белый флаг над своей штаб-квартирой в Нью-Йорке на Пятой авеню. «Вчера линчевали человека», — гласил плакат, ставящий перед жителями северного города ужасающую регулярность этих убийств. В 2015 году художник Дред Скотт почувствовал, что знамя так же необходимо в современных Соединенных Штатах, как и почти столетие назад. Он создал свою собственную версию флага, изменив текст на «Человек был линчеван полицией вчера» в ответ на смертельное убийство Вальтера Скотта полицейским Южной Каролины. «В эпоху Джима Кроу чернокожих терроризировали линчеванием… Это была угроза, которая нависла над всеми чернокожими, которые знали, что по любой причине или без какой бы то ни было причины вас могут убить, а убийцы никогда не будут привлечены к ответственности», — сказал он. Скотт. «Сейчас полиция играет ту же роль террора, что и линчеватели на рубеже веков». Флаг был выставлен на фасаде галереи Джека Шейнмана в Нью-Йорке во время выставки 2016 года, организованной организацией «За свободы», управляемой художниками политической группой, основанной Хэнком Уиллисом Томасом и Эриком Готтесманом. Произведение стало источником национальных споров, когда оно оставалось на виду над улицей после смертельного снайперского нападения на полицейских в Далласе, штат Техас, что вызвало волну угроз в адрес галереи со стороны людей, которые считали, что работа поощряет насилие против полиции. Наконец, галерея сняла флаг и вывесила его в помещении под давлением владельца здания. В 1938, N.A.A.C.P. перестало нести первоначальный флаг после того, как домовладелец организации пригрозил выселением. — З.Л.

Флаг, вывешенный перед штаб-квартирой N.A.A.C.P. в Нью-Йорке, около 1938 года. Credit…MPI/Getty Images

RH: В следующий раз я увидел его на фасаде галереи Джека Шейнмана. А в следующий раз я увидел его, когда он был частью выставки «Неполная история протеста» в Уитни. Один мой друг купил. Она сняла его со стены и ходила с ним по улицам во время цикла протестов этим летом в Бруклине. А потом она повесила его обратно на стену в своем доме. Поэтому я думал о том, как что-то может работать как в контексте художественного музея, так и в контексте протеста. Я также думал о чем-то на теле человека — например, в случае с музейными бирками Даниэля Джозефа Мартинеса. Это произведение, которое может быть в музее, а может быть и в публичном пространстве — оно может быть во всевозможных общественных местах — и существовать почти как памятник. Протестное искусство — очень аморфная категория, и я не думаю, что оно должно все время означать одно и то же. Различные виды работ могут быть протестным искусством просто из-за контекста, в котором они работают.

Даниэль Джозеф Мартинес «Музейные теги: вторая часть (увертюра) или увертюра с клаком — увертюра с приглашенными зрителями» (1993), с биеннале Уитни 1993 года, в Музее американского искусства Уитни, Нью-Йорк. Кредит … Предоставлено художника и Roberts Projects, Лос-Анджелес, Калифорния. Коллекция Майкла Бренсона.

Знаменитое поляризующее издание Биеннале Уитни 1993 года было наполнено политическим искусством и провокациями, но в критическом огненном шквале, разразившемся после открытия, одна работа стала, пожалуй, самым зажигательным источником дебатов: «Музейные теги: Вторая часть (Увертюра) )» Даниэля Джозефа Мартинеса. Художник из Лос-Анджелеса создал серию кнопок для входа, которые посетители должны были носить в музее, по образцу обычных красочных металлических бирок, которые зрители получали в качестве доказательства входа. Новые значки гласят, частично или полностью, что я не могу представить, что когда-нибудь захочу быть белым. «Люди преувеличивают это», — сказал позже Дэвид Росс, в то время директор Whitney. «Помню, даже бывший мэр Кох, который вел радиопередачу, обвинил музей в фашизме, потому что он сказал, что мы заставляем людей носить значки, которые заявляли, что быть белым нехорошо. У людей просто были совершенно странные прочтения этого произведения. Этот кусок стал настоящим громоотводом». Оглядываясь назад, работа Мартинеса, кажется, предвещает настоящий момент, когда традиционно подавляющая белизна художественных музеев — с точки зрения выставленных художников, кураторского персонала, попечителей и посещаемости — стала предметом повышенного внимания. — З.Л.

Ники Ноджуми «Да здравствует свобода» (1978). Предоставлено любезно предоставлено художником и галереей Helena Anrather, Нью-Йорк.

Одной из причин того, что искусство протеста из Ирана в конце 20-го века было таким объемным и мощным, является то, что персидская культура подвергалась нападкам со множеством крайних несправедливостей в течение шокирующе долгого периода, ситуация, которая продолжается и сегодня. 78-летний художник из Керманшаха Ники Ноджуми уехал из Ирана в Нью-Йорк в 1969 году и за 70-е годы заработал 90 256 человек.0257 политическое искусство, презираемое режимом шаха Мухаммеда Резы Пехлеви. Хотя запрещено работать или преподавать в Иране, Ноджуми начал возвращаться туда в 1975 году, чтобы показывать свои работы раз в год, пока в 1980 году у него не была персональная выставка в Тегеранском музее, закрытом аятоллой Хомейни, свергнувшим Пехлеви в 1979 году. установить бешено консервативную теократию. С тех пор Ноджуми, проживающий в Бруклине, обратил свой сатирический взгляд на различные злоупотребления, недавно написав серию очень крупных фигуративных произведений, высмеивающих как иранское, так и американское руководство. Это раннее изображение «Да здравствует свобода», которое он сделал для левой группы в 1978, в знак протеста против незаконного заключения шахом диссидентов, изображен штык, врезающийся в тюремную камеру, чтобы угрожать заключенному с кляпом во рту. В то время он и другие не могли представить, что все станет еще хуже, но, конечно, они это сделали. Легко увидеть параллели с нынешним болотом в американской политике. «Проблема в людях, — сказал однажды Ноджуми. «Когда они приходят к власти, несмотря ни на что, они делают плохие вещи». — Нэнси Хасс

Ардешир Мохассесс «Мужчины склонились в молитве к Богу, и правительственные самолеты прибыли» (1977). Кредит… Любезно предоставлено Отделом печати и фотографий Библиотеки Конгресса

Ардешир Мохассес считал себя, прежде всего, репортером, несмотря на то, что был известен как резкий, безжалостный политический карикатурист и сатирик. Родившийся в Раште, Иран, в 1938 году (он умер в возрасте 70 лет, в 2008 году), он начал свою карьеру в своей родной стране, создавая рисунки в манере Саула Штейнберга, которые приводили в бешенство шаха Мохаммеда Реза Пехлеви (Мохассес одевал фигуры, которые он высмеивали в одежде ранней династии Каджаров, но никого не обманули). Он поднял несправедливость, материализм, гедонизм и лицемерие царской семьи, и к 19В возрасте 76 лет он бежал в Нью-Йорк, потому что работа в его родной стране замедлилась, так как издатели его язвительных работ опасались последствий со стороны шаха. После революции 1979 года, в результате которой к власти пришли аятолла Хомейни и муллы, Мохассесс взялся за них с таким же рвением. Его неуклюжие рисунки были безжалостно жестокими и часто жуткими, иногда изображая обезглавливание и ампутацию, инструменты религиозной диктатуры. На этом кадре 1977 года полуразрушенный самолет обстреливает поле с гражданскими лицами во время молитвы. Его цинизм не был позой: «Я не верю в идеальное общество», — сказал он однажды. «Мне тоже не нужно идеальное общество, как нет нужды и во мне в таком обществе». — NH

TLF: Ширин, а ты?

Ширин Нешат : В этот самый момент многие из нас, иранцев, говорят о Насрин Сотуде, правозащитнице и адвокате, приговоренной к 38 годам тюремного заключения за защиту политических заключенных; с 11 августа она объявила голодовку, требуя освобождения политических заключенных, подвергшихся воздействию Covid в иранских тюрьмах. [Ред. Примечание: Сотуде прекратила голодовку 26 сентября из-за ухудшение здоровья. ]

А в сентябре в Иране 27-летний мужчина по имени Навид Афкари был казнен посреди ночи за то, что он был молодым человеком, присоединившимся к протесту против экономических трудностей там. Его казнили, чтобы подать пример другим молодым мужчинам и женщинам, чтобы они не присоединялись к протесту. Так что идея протеста в месте, где нет свободы слова — где публичный протест противоречит закону — отличается от идеи протеста здесь. Два иранских артиста, которых я предложил, Ники Ноджуми и Ардешир Мохассесс, это люди, которые живут или жили в изгнании. Теперь я прожил в Америке дольше, чем в моей собственной стране, и я гражданин Америки, и, хотя это должно быть демократическое правительство, я обнаружил, что Соединенные Штаты и Иран начинают казаться очень похожими. Граница между свободой выражения мнений и возмездием стирается. Меня это беспокоит. Несмотря на то, что я живу в изгнании, многие иранцы ожидают, что я буду открыто высказываться, поэтому я чувствую определенную обязанность как артист. Каким бы искусством я ни занимался, моя позиция как художника заключается в том, чтобы быть частью сообщества и выступать против жестокости и несправедливости.

«Белый отряд V» Леона Голуба (1984). Кредит… © 2020 Фонд искусств Нэнси Сперо и Леона Голуба / Лицензия VAGA в Обществе прав художников (ARS), Нью-Йорк. Предоставлено Фондом широкого искусства.

На протяжении всей своей почти 60-летней карьеры американский художник Леон Голуб, умерший в 2004 году в возрасте 82 лет, исследовал травму социального насилия с помощью зачастую ужасных рисунков. Он считал, что если искусство должно иметь хоть какое-то значение, оно должно установить связь с событиями, искажающими культуру. Его вдохновение возникло из огромного количества найденных изображений, которые он держал под рукой, от классической скульптуры до гей-порно и фотографий экстренных новостей. Когда он и его жена, художница Нэнси Сперо, вернулись в США, проведя пять лет в Париже, его гнев был направлен на войну во Вьетнаме, но к 19В 80-х годах он обратил внимание на зверства, происходящие в Южной Америке, часто при тайной американской помощи. «Белый отряд V» является частью серии из семи картин, посвященных сальвадорским отрядам смерти; Полицейский в ботфортах наступает на вытянутую руку распростертого на земле гражданского. Ощутимая боль работы кажется жестокой на фоне криков о демилитаризации полиции. Нарисованные на ненатянутом холсте высотой 10 футов и шириной 13 футов , в стиле, который Голуб назвал «варварским реализмом», огромные фигуры кажутся неуклюжими вырезами на плоском фоне, насилие одновременно стихийное и конфронтационное. Соответственно, техника Голуба была грубой: он рисовал акрилом слой за слоем, затем поливал растворителем, после чего ножом для мяса соскребал все, кроме потертого воспаленного изображения-призрака. — N.H.

SN: Я также думал о том, как произведение искусства — публичное или музейное, будь то книга, картина или фильм — взаимодействует со своей аудиторией. С кем это говорит? Леон Голуб, которого я назвал, — художник, посвятивший свою жизнь изображению насилия и политической несправедливости — постановке вопроса о злоупотреблении властью не только в этой стране, но и во всем мире. Это был выбор, который он сделал. Была ли его собственная жизнь действительно погружена в эти конфликты, я не уверен. Так что есть много способов сделать это. Есть разница между художниками, которые являются художниками протеста, потому что их жизнь определяется политическими потрясениями, и художниками, которые несколько затронуты, но все же принимают решение стать политически заряженными, и поэтому они создают искусство, которое очень активно политическое.

TLF: Вопрос к артистам на панели: Считаете ли вы себя активистами? Переплетаются ли искусство и активизм? Можно ли их разъединить?

DS: Во многом я взаимодействую с миром через искусство. Хотя я считаю, что вся эта система бесполезна и должна быть свергнута, я знаю, что это произойдет не только с искусством. Мы не собираемся швырять кучу картин в Вашингтон и таким образом свергать правительство. Как отметила Ру, она впервые увидела мою работу на акции протеста. На самом деле его привезли туда из галереи Джека Шейнмана, потому что мы не смогли закончить его установку, и мы сказали: «Посмотрите, эти протесты происходят на Юнион-сквер, давайте возьмем это там». Никто не берет «изобразительное искусство» на протест, а потом возвращает его в галерею, но так получилось. Я думаю о работах Фейт Рингголд; есть способы, которыми она действовала как в пространстве активистов, так и в пространстве изобразительного искусства. Для меня нет разделения: у меня были работы, которые были частью демонстраций; Я делал арты для демонстраций, которые я считаю «изобразительным искусством», чем бы это ни было. И мне угрожали тюрьмой за некоторые из моих произведений искусства и активизма там, где они пересекаются. Я и активист, и художник, и я вижу разницу между искусством и активизмом. Не то, чтобы большие стены разделяли их.

Впервые с 60-х годов в Соединенных Штатах люди могут с гордостью заявлять, что они активисты. В 1968 году кто-то мог сказать: «Я ученый», а кто-то другой мог сказать: «Я юрист», а кто-то мог сказать: «Я революционер», и это было бы его или ее профессия. Последние несколько десятилетий люди говорили: «Не признавай этого, не говори об этом, это неправда». И теперь это важная идентичность для многих молодых людей. Это действительно важно. Это не отвечает на вопрос, что такое искусство. У всех здесь есть какое-то отношение к музейной или коммерческой стороне мира искусства, что отличается от других художников, которые могут создавать действительно интересные произведения искусства. Что приводит меня к Эмори Дугласу, которому я предложил . Когда он делал свою лучшую работу, он не думал о том, чтобы устроить выставку в Новом музее. Он думал о том, как на страницах газеты «Черная пантера» он мог бы внести свой вклад в революцию.

TLF: Кэтрин, а ты?

CO: Я бы назвал себя активистом. Как с точки зрения участия в Queer Nation и Act Up, так и с точки зрения взросления в 80-х в мире искусства. Мне пришлось примириться с тем, должен ли я делать работу, которая понравится более широкой аудитории, или я должен делать работу о своем собственном сообществе, которое отчаянно боролось во время эпидемии. Это было трудным решением для меня. Моей целью при получении степени магистра всегда было стать учителем. И поэтому я действительно боялся отказаться от учебы, от работы. Но это было слишком важно. И для меня по-прежнему очень важно протыкать дыры в отношения и абсурд даже в мире, в котором я участвую, с точки зрения мира искусства.

«Автопортрет» Роберта Мэпплторпа (1988). Кредит… © Фонд Роберта Мэпплторпа. Используется с разрешения.

В одержимости фотографа Роберта Мэпплторпа черепами была элегантная логика. В конце концов, он стал известен в Нью-Йорке 1970-х, на заре панка, когда смерть и разрушение были лингва-франка, а гей-культурная среда, которая больше всего интриговала его на протяжении всей его карьеры, оборвалась, когда он умер в возрасте 42 лет в 19.89 от осложнений СПИДа — определялся чернокожим садомазохизмом с сатанинским оттенком. Но он также был бескомпромиссным формалистом, так что, возможно, была и другая причина, по которой его привлекали черепа: их сладострастные полированные поверхности и темные углубления обеспечивают беспрецедентную чистоту. Мэпплторп был полон решимости найти красоту даже в гротескном и мрачном. В последний год своей жизни он создал неизгладимые образы, которые читаются как контролируемая ярость против смертности и разрушения СПИДа — прокламация против стирания. Один, названный просто «Череп» (1988) представляет собой человеческий череп в профиль в три четверти, расположенный на уступе, глазницы которого смотрят вверх, на невидимый источник света, купающий его наполовину в тени, наполовину в свете. Другой, среди его последних автопортретов, может быть его последней кодой: на нем его изувеченное, восхитительное лицо плавает в черноте, когда он сжимает трость, увенчанную маленькой головой скелета. — NH

«Артефакт» Джеймса Луны (1987). Предоставлено… Предоставлено галереей Estate of James Luna and Garth Greenan, Нью-Йорк «Артефакт» Джеймса Луны (1987). Кредит… Предоставлено галереей Estate of James Luna and Garth Greenan, Нью-Йорк,

Художник перформанса Джеймс Луна, умерший в 2018 году в возрасте 68 лет, обладал порочным чувством юмора, что заставило его исследовать то, как Коренные человек давно объективированы, особенно в музеях, уж больно пикантно. Член калифорнийского племени луизеньо, а также потомков пуюкитчум, ипай и мексиканских американских индейцев, проживший большую часть своей жизни на землях резервации в округе Сан-Диего, Луна поставил свою самую известную работу, которая стала известна как «Артефакт». », в 1987 в антропологическом Музее человека (ныне Музей нас) в близлежащем парке Бальбоа. В нем Луна часами лежала в витрине, одетая только в набедренную повязку. Вокруг него, словно для антропологического экспоната, валялись такие предметы, как документы о разводе и диплом об окончании колледжа. Даже шрамы на его теле были отмечены невозмутимым щегольством. Периодические зевки и потягивания Луны раздражали зрителя, нарушая пассивную позицию, которую критиковал художник. «Американцы, — сказала однажды Луна, — любят романтику больше, чем правду». — N.H.

TLF: Я хотел бы спросить вас о Мэпплторпе, которого вы выдвинули, Кэти. Он включился в эту работу, хотя и не собирался этого делать (изначально он просто пытался сфотографировать свою трость). Еще одна номинированная на Никила работа Джеймса Луны также использует собственное тело художника. Вы и Ширин — художники, которые использовали собственные тела для общения.

CO: Одна из причин, по которой я номинировал Мэпплторпа, заключается в том, что этот автопортрет — точнее с черепом и тростью — было одним из его последних заявлений, одним из его последних известных автопортретов. Это художник, который построил целый массив работ о том, чтобы быть геем, эротиком, сексуальным существом, и для него признать конец своей жизни таким образом — это просто невероятно напряжённый момент. Это похоже на то, что Феликс сделал с кроватями на рекламном щите, еще одна вещь, о которой я хотел поговорить. Как художник, который учился в аспирантуре Калифорнийского университета искусств, у которого был Дуглас Кримп в качестве моего учителя, а также многие другие замечательные люди, которые были активистами и учителями в моей жизни, — в сообществе есть определенная храбрость, которая дала мне разрешение быть смелый же. Протестное искусство также связано с идеей коллектива. Это идея о том, что своими голосами мы можем расширить эти идеи, оставаясь при этом активистами и одновременно пытаясь создать больше понимания, равенства и человечности в этом мире. Когда вы думаете обо всем искусстве, которое накопилось и которое нельзя назвать протестным искусством художника, но которое все же повлияло на нас и дало нам возможность иметь собственные голоса, я думаю, что это феноменально важно.

Картина Феликса Гонсалеса-Торреса «Без названия» (1991) на углу улиц Деланси и Аллен в центре Нью-Йорка, одно из 24 мест для рекламных щитов на выставке MoMA 1992 года «Проекты 34: Феликс Гонсалес-Торрес». Кредит…© Феликс Гонсалес-Торрес, предоставлено Фондом Феликса Гонсалеса-Торреса. Фото: Питер Мускато

В мае 1992 года по всему Нью-Йорку начали появляться 24 рекламных щита с одинаковым изображением. На них была гигантская черно-белая фотография крупным планом, без текста, смятой кровати, с подушками, все еще вмятинами от покоившихся там голов. Изображение было сделано американским художником кубинского происхождения Феликсом Гонсалес-Торресом, чей партнер, канадский сомелье по имени Росс Лэйкок, умер годом ранее от осложнений СПИДа; количество рекламных щитов соответствует дате смерти Лэйкока в январе. Мучительный портрет утраты, который, как и многие работы художника, был помечен как «Без названия», занимал лиминальное, часто неудобное пространство между искусством и рекламой. Сделанный за несколько лет до пика эпидемии в Соединенных Штатах, он вынес внутреннее опустошение СПИДа в общественную сферу, где в то время такие реалии в основном встречались молчанием и отрицанием. Простота произведения остается его силой: Гонсалес-Торрес, который четыре года спустя скончался от последствий болезни в возрасте 38 лет, заставил нас противостоять не только миллионам, захваченным вирусом, но и неисчислимому горю тех, кто остался позади. — NH

SN: В настоящее время я нахожусь в Нью-Мексико, работаю над полнометражным фильмом под названием «Страна грез», в котором я смотрю на Америку с точки зрения иммигрантки и иранской художницы. Это дает очень разнообразное социологическое прочтение страны. Этот персонаж ходит от двери к двери в дома людей и расспрашивает их, расспрашивает их об их мечтах и ​​кошмарах — и при этом она обращается не только к экономическим различиям, но и к тому, что произошло с сообществами афроамериканцев и коренных американцев. Это сложное повествование. Так что, хоть я и работаю с художественной литературой, это мой способ быть политическим активистом. Эта работа — мой первый раз, когда я осмеливаюсь предложить точку зрения на эту страну, чего я никогда раньше не делал. Итак, как сказала Кэти, все, что я делаю, является политическим. У меня даже нет выбора, потому что все темы, которые я затрагиваю, самым непосредственным образом повлияли на мою жизнь. Моя работа – это продукт меня самого. Это самый честный способ, которым я могу заниматься искусством. Это не рекламный трюк, и я не пытаюсь быть политкорректным. Для меня очень важно приступить к этому проекту в этот момент американской истории в качестве иммигранта-мусульманина из Ирана. Получится или нет, не знаю. Но подсознательно, я думаю, многие из нас тяготеют к тому, чтобы делать работу с политической подоплекой.

Эмори Дуглас «Афроамериканская солидарность с угнетенными людьми мира» (1969). Кредит… © 2020 Эмори Дуглас/Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк. Фото: предоставлено Эмори Дуглас/Art Resource, NY

Эмори Дуглас присоединился к «Черным пантерам» в январе 1967 года в возрасте 23 лет, всего через три месяца после того, как Хьюи П. Ньютон и Бобби Сил основали партию. Дуглас, изучавший графический дизайн в Городском колледже Сан-Франциско, быстро стал министром культуры организации и арт-директором одноименной газеты. Высококонтрастные, смелые, с толстыми линиями иллюстрации и полностраничные изображения, созданные Дугласом для «Черной пантеры», а также его многочисленные плакаты и брошюры стали неотъемлемыми частями миссии партии по объединению тех, кто пострадал от несправедливости в Соединенных Штатах. и во всем мире. Работы Эмори не только передавали силу группы и ее ярость, но и ее чувство коллективной гордости и глобального сообщества. В 1969, он синтезировал все эти элементы в одном из своих самых знаменитых изображений. Афроамериканка в узорчатой ​​куртке, с серьгами в виде слезинок и с винтовкой на спине размахивает копьем. Если смотреть снизу, кажется, что она возвышается над нами. Рядом с ней текст, провозглашающий «Афроамериканская солидарность с угнетенными людьми мира», обращен к зрителю серьезным шрифтом без засечек. Размышляя над изображением в 2016 году, Дуглас подчеркнул центральную роль женщин-пантер в своих образах. «Женщины, изображенные на моих работах, — отражение вечеринки», — сказал он. «Женщины попадали в тюрьму и были на руководящих должностях. Женщины также основали отделения и отделения партии «Черные пантеры»… это сыграло роль в том, как я выразил их в своих работах». — З.Л.

TLF: Ужас, не могли бы мы вернуться к Эмори Дугласу и плакатному искусству?

DS: Газета «Черная пантера» была самой читаемой черной газетой в стране. Это была не просто газета маргинальных активистов. В какой-то момент было распространено 300 000 выпусков в неделю. Многие работы, о которых я думал, были связаны с сопротивлением, и я рад, что Ширин назвала, например, Леона Голуба. Я много думал о Джейкобе Лоуренсе — все эти образы людей, сражающихся и сопротивляющихся, показывают, что полиция — ужасный угнетатель. Но Эмори Дуглас сосредоточился на том, как должен выглядеть революционер и как представить это новое поколение задиристых, черных, одетых в кожу людей в беретах, среди которых были как мужчины, так и женщины. Как сделать революцию сексуальной и привлекательной? Черные пантеры были очень вдохновлены визуальной иконографией китайской революции и Мао Цзэдуна. Что также примечательно, так это то, что Дуглас работал с очень ограниченной палитрой и недорогой технологией печати, и все же он смог разработать новый язык для стиля людей, сражающихся против полиции и государства. Конкретная работа, которую я выбрал, имеет и текст, и изображение, но у нее также есть этот красивый волнистый фон, который принадлежит как психоделическому движению, так и более широкой революционной иконографии того времени. Так что для него создание положительных образов не просто черных людей, а черных революционеров, которые вооружены и сражаются очень стилизованно, я думаю, было настоящим сдвигом. Он что-то переосмыслил, а затем сделал это достоянием миллионов людей. Не так уж много других активистских движений смогли создать это таким же образом.

Панно 5 из серии Джейкоба Лоуренса «Борьба… Из истории американского народа» под названием «У нас нет собственности! У нас нет жен! Нет детей! У нас нет города! Нет страны! — Петиция многих рабов, 1773 г.» (1955). Кредит… © 2020 Фонд Джейкоба и Гвендолин Найт Лоуренс, Сиэтл/Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк,

Ярко-белые лезвия штыков сталкиваются с черными мечами и ножами , превращая картину в безумие зубчатых углов. Пятая панель из 30-серийной серии Джейкоба Лоуренса «Борьба: из истории американского народа», в которой четверо темнокожих мужчин без рубашки сражаются с группой вооруженных угнетателей, является одной из самых агрессивных. Большинство фигур истекает кровью — ярко-красные брызги, выпрыгивающие из хаотичной мозаики оружия и частей тела. В целом серия «Борьба» описывает раннюю историю Соединенных Штатов между 1770 и 1817 годами через сцены личных жертв, коллективного труда, с трудом завоеванных свобод и различных форм жестокости. Черные и коренные жители, белые колонисты, британские войска и гессенские солдаты — все они появляются на картинах, большинство из которых сопровождаются отрывками из современного источника — речью, письмом, песней или документом — что усугубляет сложность работы. Пятая панель получила свое название («У нас нет собственности! У нас нет жен! Нет детей! У нас нет города! Нет страны!») Из петиции 1773 года, поданной губернатору провинции Массачусетс-Бей и ее Палате представителей. порабощенным человеком, известным как Феликс. Он осуждает насильственные восстания, подобные показанному на картине, и призывает правительство принять «мудрое, справедливое и доброе» решение об освобождении мирных рабов. Окрашено в 1955, работа фиксирует исторические истоки тогдашних дебатов вокруг ненасильственного протеста против воинствующей революции. — З.Л.

TLF: Никил, вы коснулись знака «Активируйся», который определенно является частью иконографического языка, который обсуждает Дред. Номинировали несколько человек. Не могли бы вы немного рассказать об этом?

NS: Это говорит о том, что мы обсуждали о статуе Роберта Э. Ли, потому что она переосмысливает образы Холокоста. Что-то, что появляется — и это то, что поднимает Дред, а также и Мэпплторп — это идея, что у работы есть прямая цель. С Эмори Дугласом (на самом деле у меня дома есть перепечатка плаката, сделанного для 1968 Демонстрация на Кубе, «Солидарность с афроамериканским народом»), этот плакат рекламировал митинг. Есть также способ, которым эти плакаты связывают себя с третьим миром, не только с Культурной революцией, но и с тем, что происходило в Карибском бассейне, особенно на Кубе. Итак, есть это интересное временное измерение того, о чем мы говорим. Эти работы пунктуальны. Они предназначены для использования в определенном случае, а затем у них есть эта загробная жизнь. Mapplethorpe на самом деле поднимает это очень явно. Это память о смерти. Он о жизни, смерти и загробной жизни, и он говорит с нами по-разному. Многие из нас номинировали Фейт Рингголд, что интересно отметить — и я уверен, что мы могли бы задержаться на этом. Рингголд говорит в интервью о том, что протестное искусство, которое она создала, не очень хорошо воспринималось активистами и организаторами в то время, что существовала идея, что протест и искусство не связаны. Для меня дома Рика Лоу также связаны с этой насущной необходимостью претендовать на черное пространство и городское пространство в контексте города, который имеет разветвления 9.0256 в течение более длительного периода времени. Это говорит о неоднозначном отношении художников к городскому пространству и городам, которое связано с финансами, со спекуляциями. Время — важная проблема для протестного искусства. То, что мы протестуем в данный момент, и это происходит, и это пунктуально. Но искусство не пунктуально. Часто бывает поздно.

Rick Lowe’s Project Row Houses (1993), сфотографировано в 2015 году. Фото… Предоставлено Project Row Houses. Фото: инсталляция Питера Молика Андреа Бауэрс 2010 года «Надежда в ретроспективе» в Project Row Houses. Предоставлено… Предоставлено Project Row Houses. Фото: Эрик Хестер0002 В 1992 году 31-летний художник из Алабамы Рик Лоу прожил в Хьюстоне семь лет, когда несколько старшеклассников посетили его студию. В то время он создавал крупномасштабные картины и скульптуры , вдохновленные бедностью и неравенством, которые он видел вокруг себя в Третьем районе города, но потом один из детей задал ему вопрос, на который он не смог ответить: если вы художник, почему бы тебе не придумать творческое решение проблемы? Это столкновение породило Project Row Houses 9.0377 , , некоммерческое предприятие, существующее уже почти 30 лет, которое ярко исследует проницаемость между искусством и активизмом. Под влиянием немецкого художника и агитатора Йозефа Бойса, родоначальника «социальной скульптуры», и работ Джона Т. Биггерса, рисовавшего навязчивые импрессионистические сцены, Лоу и группа его сотрудников собрали деньги на покупку 22 домов-пушек и отремонтировали их. их для резиденций художников и общественного пользования. Поддержание их конструкций из пирса и балки было нерентабельным, но Лоу считал важным прославлять афроамериканский язык, впервые воздвигнутый в Западной Африке и в конечном итоге принесенный в Новый Орлеан. За восемью домами, которые по сей день заняты художниками на срок до пяти месяцев, Лоу и его сотрудники отремонтировали другие, чтобы матери-одиночки могли использовать их на срок до двух лет. И за десятилетия проект расширился, включив в себя ряд двухуровневых жилых домов с низким и средним доходом, и создал почти дюжину местных социальных программ. «Мы можем подходить к своей жизни как художники, каждый из нас, — сказал Лоу The New York Times в 2006 году. — Если вы захотите, вы можете превратить каждое действие в творческий акт». — N.H.

TLF: Имеет ли протестное искусство срок годности или оно должно существовать?

CO: У истории нет срока годности. Это мой ответ на это. Искусство, на мой взгляд, всегда было продолжением диалога, который продолжает вдохновлять и обучать. Ру, я позвоню тебе, потому что мне интересна точка зрения куратора.

Элизабет Кэтлетт «Мишень» (1970). Кредит… Предоставлено Исследовательским центром Amistad

Возможно, самым запоминающимся качеством бронзовой скульптуры «Мишень» Элизабет Кэтлетт является ее вневременность. Фрагмент, на котором перекрестие винтовочного прицела обрамляет голову афроамериканца, закрепленного на деревянном бруске, может относиться к эпохе Гражданской войны, когда оптические прицелы получили широкое распространение, или к нашим дням. когда исследования показывают, что у молодых чернокожих гораздо больше шансов быть убитыми полицией, чем у других американцев. На самом деле Кэтлетт задумал эту работу в 1970 году в ответ на смертельное убийство двух «Черных пантер» — Фреда Хэмптона и Марка Кларка — полицейскими Чикаго. Родился в Вашингтоне, округ Колумбия, в 1915-летняя внучка освобожденных рабов, Кэтлетт непоколебимо изображала насильственную реальность расовой несправедливости на протяжении всей своей карьеры, но она также изображала лидеров движения за гражданские права — Гарриет Табман, Соджорнер Трут, преподобного Мартина Лютера Кинга-младшего, Анджелу Дэвис и Малкольма Икс. их, а также мужество и стойкость обычных афроамериканцев, особенно женщин. «Я всегда хотела, чтобы мое искусство служило моему народу — отражало нас, связывало нас, стимулировало нас, заставляло осознать наш потенциал», — сказала она однажды. «Мы должны создать искусство для освобождения и для жизни». Кэтлетт стал гражданином Мексики в 19 лет.62, но она продолжала рассказывать об опыте чернокожих в Соединенных Штатах вплоть до своей смерти в 2012 году. «Мишень» Кэтлетт и произведение 1968 года «Черное единство» — поднятый кулак, вырезанный из красного дерева, — два самых знаковых и долговечных произведения искусства в продолжающемся движении за гражданские права. — З.Л.

РХ: Я собирался сказать то же самое. Я думал о произведении Элизабет Кэтлетт, которое я выбрал, «Мишень» 1970 года. Впервые я увидел его в журнале 19-го века.70-х, я не могу вспомнить, какой журнал, но я знаю, что она вышла после того, как Фред Хэмптон и Марк Кларк были убиты Чикагской полицией. в 1969 году. Он был основан на скульптуре, которую она сделала в 1955 году, которая представляла собой бюст мужчины. Его также называли «Цель», но затем она добавила перекрестие. Итак, чтобы увидеть этого человека — посмотреть ему в глаза — нужно смотреть сквозь перекрестие. Вы находитесь по другую сторону винтовки, независимо от того, являетесь ли вы мной, чернокожим мужчиной, белым мужчиной или белой женщиной — кем бы вы ни были, вы каким-то образом причастны к этому обращению и этому убийству. Несмотря на то, что она конкретно реагировала на убийство этих двух человек, до сих пор есть резонанс в этих работах. Потому что история циклична, и потому что мы еще ни в каком виде, ни в какой форме не преодолели ни одной из проблем, о которых говорил любой из предложенных нами художников. Мы все еще живем в этот момент, когда чернокожие и чернокожие в целом находятся в перекрестье прицела, в прямом и переносном смысле.

NS: Catlett эффективно задает вопрос, на чьей вы стороне? Что и делает большая часть этой работы. Есть способы, в которых вы постоянно вынуждены выбирать сторону. Вы выбираете тишину или вы выбираете действие?

RH: Что касается «Молчания = Смерти» и его актуальности, я также подумал об этом, потому что он такой знаковый. И я действительно думаю, что некоторые вещи, вероятно, стареют хуже. Но я также думаю, что мы все слишком стары, чтобы ответить на этот вопрос.

DS: Ру, ты ребенок. Вы еще молоды.

RH: Нет, я серьезно! Кэти и Дред, у вас обоих есть дети студенческого возраста, и, возможно, у вас тоже, Ширин, но я совершенно серьезен. Мы слишком стары. Нам нужно поговорить с некоторыми людьми, некоторыми молодыми людьми, о том, что они на самом деле думают —

CO: Я с этим согласен.

RH: — вместо того, чтобы крутиться вокруг — потому что мы действительно не знаем. Я надеюсь, что вывеска Act Up по-прежнему актуальна для них, а может и нет.

DS: Есть молодые и есть молодые. «Молчание = смерть» из 1986 года. Это старо, но вы знаете, Мона Лиза намного старше этого. Мы все еще смотрим на это. Конечно, если бы кто-то сказал: «Хорошо, я собираюсь сделать такой фигуративный портрет» и подумал, что сейчас это вызовет резонанс, ему действительно нужно было бы сделать что-то особенное, чтобы доказать это. Тем не менее, мы не можем отрицать, что Мона Лиза каким-то образом говорит с нами. Я думаю, что более интересный вопрос, связанный с политическим искусством, заключается в том, как работа на самом деле сохраняется во времени? Я уверен, что во время пандемии СПИДа было проделано много работы, о которой люди забыли. Я знаю Аврама Финкельштейна, одного из ключевых создателей «Молчания = Смерть», и он говорил о том, как для него сработал Covid. Исторически так сложилось, что люди должны понимать эту работу. Если бы сегодня люди писали песни Битлз, никто бы их не слушал. Но не понять, что Битлз изменили рок-н-ролл было бы очень недальновидно.

Видео

Клип, на котором Йоко Оно исполняет «Cut Piece», первоначально задуманный в 1964 году, в «Новых произведениях Йоко Оно» в Карнеги-Реситал-Холле, Нью-Йорк, в 1965 году. Снято Альбертом и Дэвидом Мэйслз. КредитКредит…© 1965 Yoko Ono

Постановка — сидящая женщина, публика, ножницы — проста. Однако значение самого известного произведения искусства Йоко Оно совсем другое. Задуманный в 1964 году, задолго до того, как искусство перформанса стало общепризнанным средством, «Cut Piece» предлагал зрителям подойти к Оно, которая бесстрастно сидела на сцене, и с помощью предоставленных ножниц отрезать части ее одежды. Канонизированный как одно из самых пугающих и завораживающих произведений феминистского искусства на сегодняшний день, «Отрезанный кусок» красноречиво передает опыт, знакомый многим женщинам, — ощущение пребывания внутри тела, на которое другие считают себя вправе воздействовать. Экономическая по своим средствам, работа вовлекает всех — мужчин и женщин в равной степени — в увековечивание объективации женщин через самодовольство и вуайеризм. Заряженная атмосфера живого выступления видна даже на видео: Толпа в час 19Выступление 65 поначалу было робким — кадры показывают, как зрители обрезают маленькие кусочки по краям наряда Оно, — но вскоре их участие становится более дерзким и хищным. Один молодой человек отрезает большую часть топа художницы, прежде чем разрезать бретельки ее бюстгальтера. Первоначально Оно описывал «Cut Piece» как средство растворения обычной динамики между художником (как создателем фиксированного продукта) и зрителем (как пассивным получателем), но десятилетия спустя Оно, похоже, принял его наследие как социальная критика. Эта статья, как она сказала в 2003 году, «против эйджизма, против расизма, против сексизма и против насилия». — З.Л.

TLF: Говоря о «Битлз», Кэти, почему вы включили «Cut Piece» Йоко Оно?

CO: Это специфическая работа, которой так много людей придают так много разных значений. Феминистки адаптировали его как важнейшее произведение о женском теле, хотя это не входило в планы Йоко как художницы. А сама идея раскроя, что ты берешь часть одежды человека, чтобы забрать с собой — это очень тихая работа, которая мне всегда нравилась. Я всегда читаю это с феминистской точки зрения, о женщине, которую разоблачают и тихо позволяют отнять частички себя. И мне всегда было интересно, что об этом думают артисты перформанса, такие как Марина Абрамович или Кэроли Шнееманн. Мне также нравится идея, что это может исполнить кто угодно — это не обязательно должна быть женщина, это может быть и мужчина, особенно учитывая то время, в котором мы живем сейчас, когда нашу демократию лишают прав.

Барбара Крюгер «Без названия (Ваше тело — поле битвы)» (1989). Предоставлено… Предоставлено художником и Фондом широкого искусства. во время которого около 300 000 человек прибыли в столицу , чтобы защитить федеральное право на аборт, кажется, что это было давно и только вчера. Тем не менее, одна работа, предназначенная для этого митинга — она была напечатана на листовках и распространена там — никогда не выпадала из поля зрения и редко выпадала из поля зрения на протяжении многих лет: «Без названия (Ваше тело — поле битвы)» Барбара Крюгер. Используя характерный для нее материал — черно-белые фотографии середины века, наложенные на ярко-белую надпись Futura Bold на красной панели — художница-концептуалистка разделилась пополам на позитивную и негативную экспозицию изображение степенной модели, частично ее черты скрыто текстом. Работа комментирует как идеал симметричной женской красоты, так и ужас превращения в простой объект, объект, на котором могут разыгрываться культурные войны. Крюгер, начавший в 1960-х как графический дизайнер для журналов Condé Nast, включая Mademoiselle, всегда стремился привнести в медиа подрывной смысл, встряхнув гул изображений и слов, которыми мы наводнены. Но это сообщение, в котором нет иронии, которую она часто использует, чтобы донести свою точку зрения, возможно, является ее самым откровенно сильным. — N.H.

TLF: Ширин, вы назвали Барбару Крюгер, как и другие люди — почему вы выбрали эту работу?

Номер SN: Я считаю Барбару одним из самых успешных публичных артистов. Ее умные и остроумные образы/тексты находят такой разрушительный и мощный отклик у широкого круга людей. Что мне нравится в ее работах, так это то, что они кажутся вневременными и актуальными и могут пересекать культурные границы, будь то права женщин, капитализм или политическая коррупция. «Твое тело — поле битвы» как нельзя более точно описывает положение женщин в Иране на протяжении наша современная история. Посмотрите, как иранские власти (всегда управляемые мужчинами) осуществляют свои политические и религиозные идеологии непосредственно на женских телах. Во многих отношениях, изучая, что случилось с телами иранских женщин, вы можете понять различные политические системы в иранской истории. Например, наш король Реза-шах (1925-41) заставлял женщин «обнажаться», одеваться в западные наряды и становиться более европейскими, тогда как позже, после революции 1979 года, иранских женщин заставляли носить чадру и наносили им другие строгие правила как в их общественной, так и в частной жизни.

Видео

Транскрипт

БАРЫ

0: 00/1: 46

-0: 00

Транскрипт

Клип от «Полуотики кухни» Марты Рослер. Чоппер. Блюдо. Взбиватель яиц. Вилка. Терка. Пресс для гамбургеров. Ледоруб.

CreditCredit…© Марта Рослер, предоставлено художником.

Удивительно лоу-файная работа, Марта Знаменательное одноканальное видео Рослер представляет собой зернистые шесть минут, которые бросают вызов гендерной социальной иерархии Америки. В своего рода пародии — или, возможно, Кошмарная версия — кулинарные шоу Джулии Чайлд 1960-х, Рослер стоит на кухне, надевает фартук и ходит по алфавиту, присваивая буквы различным найденным там предметам — «А» вместо «фартук», «В» вместо « чаша», «C» для «измельчителя» — , поскольку она держит эти предметы перед камерой с жутким отсутствием выражения и эмоций. Но по мере того, как она продолжает это упражнение, ее движения становятся все более искусственными и резкими. К тому времени, когда она добирается до «вилки», она агрессивно тычет по столу посудой. Когда она доходит до буквы «R», что означает «скалка», она сует предмет в камеру. К концу алфавита она размахивает другими кухонные инструменты, как оружие, колющие воздух. Видео заканчивается тем, что артист устало пожимает плечами — двусмысленный жест, который больше похож не на покорность судьбе, а на вопрос: «Что с нами не так?» — М.Х.М.

NS: Я думаю, что многое из искусства протеста во многом связано с массовой культурой. Например, Марта Рослер ориентируется на кулинарные шоу Джулии Чайлд. Сегодня, в эпоху YouTube, TikTok, в которой мы живем, люди занимаются такой семиотикой объекта — на днях я смотрел видео, где кто-то ласкает велосипед, в том, что они назвали «семиотикой велосипеда». ” На самом деле существует много разных «семиотик кухни». Это воспроизводимая деятельность.

CO: Получается смешно, да? Или подумайте о «Мать-мигрантке» Доротеи Ланж (1936) и о том, что в ней было в определенный момент с точки зрения репрезентации. Одна из вещей, которые мне всегда интересны, — это наше отношение к ностальгии. Потому что это у Рослер действительно хорошо получалось — она уловила ностальгию по Америке, что, как ни странно, именно то, что сделало Трампа таким успешным. Он проникся этой ностальгией по поводу того, что Америка снова стала великой или что-то в этом роде. В этом сейчас так много опасности, особенно в отношении протестного искусства.

Андреас Стерзинг «Дэвид Войнарович (Молчание = смерть)» (1989). Предоставлено… Предоставлено художником и галереей P·P·O·W, Нью-Йорк

Этот портрет художника Давида Войнаровича был сделан Андреасом Стерзингом в 1989 году. , год, в котором СПИД был оценен Центрами по контролю за заболеваниями как вторая ведущая причина смерти среди мужчин в возрасте от 25 до 44 лет. Войнарович начинал как художник-авангардист и режиссер в Нижнем Манхэттене, но его работы стали гораздо более политически окрашенными после того, как он обнаружил, около 1987, что у него был ВИЧ. положительный. Его зашитый рот стал повторяющимся изображением в его творчестве и деятельности, жестом, который превратил лозунг «Молчание = смерть», который был принят активистами борьбы со СПИДом в качестве сплачивающего лозунга и служил подзаголовком картины, в его логическую, буквальную форму. крайний. (Это изображение также появляется в короткометражном фильме Войнаровича 1986-87 годов «Огонь в моем животе», который был подвергнут цензуре совсем недавно, в 2010 году, во время выставки гей-искусства в Национальной портретной галерее в Вашингтоне, округ Колумбия. Протестующие против цензуры несли плакаты снаружи музей, в котором выставлен зашитый рот Войнаровича.) Задача просвещения общественности о кризисе была в значительной степени возложена на активистов и художников, таких как Войнарович. «Я думаю, чего я действительно боюсь в смерти, так это того, что мой голос замолчит», — сказал он однажды. «Я чувствую это невероятное давление, чтобы оставить что-то от себя позади». Художник умер от болезни, связанной со СПИДом, через три года после завершения этого портрета, в возрасте 37 лет. — М.Х.М.

SN: Я надеялся, что мы сможем больше поговорить о разнице между протестным искусством и политически активным или политически заряженным искусством. Для меня протестное искусство говорит с вашей противоположностью, с вашим врагом, с людьми, против которых вы боретесь. Политически активная работа – это то, что политически корректно. Он разговаривает с вашими сверстниками. Есть огромная разница. Есть много людей, которые делают фантастическую политическую работу, но я не знаю, считают ли они себя активистами: Уильям Кентридж, Кара Уокер, Роберт Лонго. Но Дэвид Войнарович для меня был художником протеста в том смысле, в каком он стал после кризиса СПИДа. Ники Ноджуми — очень политический художник, работавший с Иранской студенческой ассоциацией. Они создали эти плакаты перед революцией, развесили их по всему городу и организовались как художники протеста. Их работа была специально разработана именно для этого. Как отличить протест от политического искусства?

Из серии «Флинт — это семья» ЛаТойи Руби Фрейзер (2016–2017): «Ши Кобб со своей матерью, мисс Рене, и дочерью Сион на свадебном приеме у банкетного зала социальной сети». Кредит… Предоставлено художником и Gladstone Gallery, Нью-Йорк и Брюссель

Водный кризис во Флинте в основном перестал появляться в национальных заголовках к тому времени, когда фотограф ЛаТойя Руби Фрейзер приехала туда по заданию в 2016 году, но водоснабжение города Мичиган все еще было заражено смертельными бактериями и свинцом, заставляя жителям покупать бутилированную воду, когда она должна была быть безопасно доступна в их домах. Фрейзер провел пять месяцев с семьей, состоящей из трех поколений женщин, ведя хронику повседневной жизни в центре антропогенной экологической катастрофы. Этот проект был естественным продолжением ее уже хорошо зарекомендовавшей себя приверженности социальной справедливости — Фрейзер выросла в Брэддоке, штат Пенсильвания, в общине Ржавого пояса, разоренной безработицей, токсичным загрязнением, бегством белых и дискриминацией. серия фотографий, начатая, когда ей было 16 лет, запечатлела влияние бедности и экологического расизма на ее собственную семью. Фоторепортаж Фрейзера о Флинте впервые был опубликован в Elle 9.0377 журнал; Затем она выставила изображения в галерее Gavin Brown’s Enterprise в 2018 году. Возможно, некоторые художники и остановились на этом, но это было только начало кампании Фрейзера. «Я знала, что с моей стороны потребуется больше, чем просто серия фотографий, чтобы принести облегчение людям в Vehicle City», — сказала она в недавнем выступлении на TED Talk. Фрейзер выпустила плакаты по сбору средств, чтобы помочь жителям распространять информацию, и она развела флаги, указав, сколько дней город был без безопасной воды в художественных учреждениях по всей стране. Наконец, Фрейзер пожертвовала выручку от своей выставки «Flint is Family», чтобы помочь доставить в город генератор атмосферной воды. Теперь жители могут бесплатно пользоваться машиной, которая собирает 2000 галлонов в день. — З.Л.

Из серии «Флинт — это семья» ЛаТойи Руби Фрейзер (2016–2017 гг.), «Город завода Flint Water Plant and the Industrial Iron & Metal Co». Предоставлено… Предоставлено художником и галереей Gladstone, Нью-Йорк и Брюссель

РХ: Я не думаю, что художник, который в своей практике занимается размышлениями о политически окрашенных концепциях или историях, должен определять каждую работу как искусство протеста.

Мне очень интересно обсудить «Флинт — это семья» ЛаТойи Руби Фрейзер в контексте Доротеи Ланж, которую вы упомянули, Кэти, просто с точки зрения того, как работа ЛаТойи отталкивает незаинтересованного наблюдателя, который приходит и делает снимок, где состояние сфотографированного человека остается неизменным, несмотря на то, что его изображение сейчас во всем мире из поколения в поколение, что и произошло с «Мать-мигранткой». В «Flint is Family» ЛаТойя думала о том, что сериал соответствует традиции ее собственной работы, документируя ее собственное сообщество, ее семью и такую ​​постиндустриальную Америку. Но после того, как она поехала во Флинт, она узнала, что существует система очистки воды, которая очень нужна городу и которую никто не может себе позволить. И правительство ничего с этим не делало. Поэтому она пожертвовала все доходы от своего шоу — с соответствующим грантом от Фонда Раушенберга — и купила эту систему очистки воды для сообщества. Он все еще там. Он все еще очищает воду. Невероятно, что художники — наши творческие коллеги и наше сообщество — объединяются для взаимопомощи. Но мы оказываем услуги, которых мы имеем полное право ожидать от нашего правительства. Это безумие, что сейчас во Флинте нет чистой воды. Это безумие, что люди голодают в самой богатой стране в истории мира. И это безумие, что артисты, у которых нет медицинской страховки и гарантии занятости и которые сейчас находятся в еще более опасном положении, чем шесть месяцев назад, возглавляют атаку, понимаете? Это мир, в котором мы живем. Ширин, отвечая на ваш вопрос, я думаю, что это разница между работами, а не между артистами.

SN: За последние несколько лет своей работой я оказался в определенных общинах Нью-Мексико, одного из беднейших штатов Америки. Наконец, после всех этих лет, что я прожил в Америке, я познакомился с коренными американцами, резервациями и условиями, в которых они живут, а также с афроамериканской общиной в Альбукерке. Помимо самой работы, и независимо от того, будет ли она хорошей или плохой, опыт общения с людьми, о которых я рассказываю, очень полезен, в отличие от пребывания в студии. Сказав это, я подвергаю сомнению свою работу с точки зрения: кто ее аудитория? Это те же люди, которые уже думают, как я? Что я планирую изменить? Что я пытаюсь установить, кроме создания хорошего произведения искусства? У меня нет ответов. Все больше и больше по мере того, как эта страна становится все более похожей на авторитарное общество, подобное Ирану, я чувствую себя обязанным что-то предпринять. Я не хочу сидеть в студии и просто представлять мир.

Фейт Рингголд «Серия американских людей № 20: Умрите» (1967). Кредит… душераздирающая, монументальная картина, которую художник однажды назвал «пророчеством нашего времени». Последняя в цикле из 20 картин, начатом в 1963 году и названном «Американский народ», «Умри», была частично вдохновлена ​​почти еженедельными просмотрами Рингголдом антивоенной картины Пикассо «Герника» 1937 года во время ее долгосрочной аренды в Музее современного искусства в начале 19 века.43. В работе присутствует тупая сила — она охватывает 12 футов в поперечнике — что делает невозможным отвести взгляд от: брызг крови, женщины, сжимающей за голову истекающего кровью ребенка, двух детей, съежившихся в центре изображение, один из которых устанавливает зрительный контакт со зрителем, как бы прося о помощи, тот факт, что все одеты, что тревожно, в основную униформу эпохи среднего класса (рукава рубашки для мужчин, мини-платья для женщин). Рингголд написал «Умри» долгим жарким летом 19-го года.67, когда бесправные чернокожие американцы, истощенные расистским статус-кво, начали восстания в городах по всей стране, в первую очередь в Детройте и Ньюарке. Пресса представила эти действия как, по словам «Нью-Йорк Таймс» в июле того же года, «власть толпы и насилие, которые распространились по городским гетто». Но в своей картине Рингголд вовлекает всех, как черных, так и белых. Картина была отражением Америки тогда и, к сожалению, не менее актуальна сейчас. MoMA приобрел «Die» в 2016 году, и когда в прошлом году учреждение перевешивало свою коллекцию, работа была помещена прямо у себя дома рядом с Пикассо. — М.Х.М.

TLF: Давайте рассмотрим, почему Фейт Рингголд была номинирована несколько раз раз.

DS: Рингголд, возможно, самая известная художница в списке и, как ни странно, самая известная из ныне живущих американских художниц, поскольку она пишет детские книги. Так много родителей читали «Смоляной пляж» (1991) своим детям. Эта работа подрывает разговоры об опыте Черного Гарлема в действительно великих смыслах. Что действительно особенного в Фейт, так это то, что она стояла в двух лагерях — радикальной активистке и знаменитой/коллективной артистке — и часто бывает трудно делать то и другое одновременно. «Соединенные Штаты Аттики» — это плакат. Он помещает восстание в аттических тюрьмах и жестокие репрессии против него в контексте долгой истории геноцида и жестокости со стороны США и связывает это с панафриканистскими тонами Гарви. И это не было одноразовым погружением в политику. Рингголд была одним из ключевых организаторов «Шоу народного флага», и она вместе с другими организаторами, Джоном Хендриксом и Джин Тош, была арестована за это. Она идет пешком.

Я выбрал «American People Series #20: Die». Художникам рекомендуется держаться подальше от критики США и держаться подальше от радикальной активности. Это изменилось за последние пару лет, но с 1970-х и до пары лет назад художникам недвусмысленно говорили, что такая работа вредна для карьеры. Поэтому очень ценно, что Фейт не прислушалась к этому совету. Также очень важно, что ей удалось получить столь же радикальные работы на стенах MoMA, Whitney и т. д.

«#20: Умри» показывает глубокое насилие, характерное для Америки. В этой работе ясно, что раса занимает центральное место во многом из этого. В то время, когда дружинники убивают людей, протестующих против полицейского насилия в отношении чернокожих, эта работа, сделанная более 50 лет назад, сегодня трагически актуальна. Трудно делать любую работу, которую делает Фейт. Я надеюсь, что больше художников учатся у нее. Больше художников должны научиться взаимодействовать с радикальными движениями и создавать искусство, которое находит отклик у них и усиливает то, что делают активисты. Но что особенного в Вере и «#20: Умри» 9?0256 заключается в том, что преимущество предоставляется не только людям, которые его ищут, но и школьникам, туристам и более широкой аудитории, интересующейся искусством, посещающей MoMA.

«Для женского дома» Фейт Рингголд (1971). Кредит… права, но она также называла себя феминисткой, когда многие чернокожие художницы не считали себя феминистками. Я выбрала «Для женского дома», произведение, которое она написала в консультации с женщинами-заключенными на острове Рикерс. Она предложила городским учреждениям создать произведение искусства для тюрьмы. Вместо того, чтобы просто сделать это, она пошла и познакомилась с женщинами способами, которые теперь нам хорошо знакомы — в той категории социальной практики, когда вы взаимодействуете с сообществом — и она говорила с женщинами о живописи и тема этого. Во многом это произошло из-за того, что они говорили об отсутствии возможностей в своей жизни из-за своего пола, а также о нехватке положительных женских образцов для подражания в то время. Ее идея состояла в том, чтобы изобразить все профессии или области, в которых женщины не могли быть часть — были ограничены возможности женщин-профессиональных спортсменок, строителей, полицейских, врачей, политиков и т. д. Женщины не имели возможности полноценно участвовать в общественной жизни. Эта картина была сделана в 1971 году. Мы забываем, как быстро произошли перемены. Я много думаю о том, как быстро — по большому счету — женщины прошли путь от отсутствия кредитных карт на наше имя до того, как Рут Бейдер Гинзбург заседает в Верховном суде. На самом деле, при жизни нашей матери. Так что да, Фейт покрасила, установила, и все довольны, а потом перемотка вперед — то учреждение в Райкерсе превратили в мужскую тюрьму, и мужчинам не понравилась картина. Стали закрашивать, а ей позвонила охрана и сказала, что тебе нужно пройти сюда, сейчас же. Так и сделала, и ее отреставрировали и перевезли в новую женскую тюрьму. Так что у него есть другая история. Но мне это тоже очень интересно — почему мужчинам это не понравилось? В нем есть аллюзии на женщин-революционеров: например, автобус идет на площадь Соджорнер Истины. Но знаете, Фейт сказала что-то вроде: «Если бы я не сделала этого для Женского дома, я бы сделала что-то более радикальное». Что для нее было таким радикальным в женщине-полицейском? Женщина-водитель автобуса? Насколько важен контекст и насколько ваше собственное позиционирование влияет на вашу точку зрения? Это чрезвычайно радикально и чрезвычайно самосознательно с ее стороны.

Представленный в рамках биеннале Уитни в 2019 году фильм «Triple-Chaser» — созданный лондонским коллективом Forensic Architecture совместно с Praxis Films — представляет собой короткое, но мощное видео-расследование Уоррена Б. Кандерса, генерального директора компании. оружейной компании The Safariland Group и в то время заместителем председателя правления музея Уитни. Призывы к отставке Кандерса, в том числе открытое письмо, подписанное более чем 100 сотрудниками, начались в ноябре 2018 года после того, как веб-сайт Hyperallergic сообщил, что слезоточивый газ производства Safariland был использован сотрудниками иммиграционной службы против лиц, ищущих убежища, в том числе детей, в США и Мексике. граница. К маю 2019 г., в ночь открытия биеннале Кандерс остался в правлении; протестующие прошли маршем от музея к его таунхаусу неподалеку, скандируя: «Вы не можете спрятаться». В июле несколько художников попросили музей убрать их работы с выставки из-за постоянной поддержки Кандерса учреждением. Слезоточивый газ — это химическое оружие, запрещенное к использованию в международных войнах, но гранаты со слезоточивым газом Safariland под названием «Triple-Chaser» (и подобные им) регулярно используются против граждан полицией по всему миру. Видео содержит убедительные доказательства того, что гранаты Triple-Chaser с логотипом Safariland используются против невинных гражданских лиц, а также дополнительное участие Кандерса в качестве исполнительного председателя материнской компании, владеющей Sierra Bullets, которая, как показано в видео, была расследована. за «пособничество и подстрекательство к военным преступлениям посредством продажи их продукции» Европейским центром конституционных прав и прав человека. Видео было суровым обвинением в попытках Кандерса нажиться на насилие и скрыть свое соучастие за стенами того самого музея, в котором было представлено видео. Он оставался в поле зрения на протяжении всей выставки, пережив самого Кандерса, который ушел из правления музея за два месяца до окончания биеннале. — М.Х.М.

TLF: Я хотел бы коснуться арт-рынка, его роста и того, насколько мир искусства замешан в отмывании власти и репутации. Ru, вы номинировали Forensic Architecture, которая совместно с Praxis Films критиковала Уоррена Кандерса и его компанию Safariland Group. В то время Кандерс был в совете директоров Whitney, а теперь его нет.

RH: Я не знаю другой работы, которая имела бы такой ощутимый эффект. Конечно, события, которые развернулись с Уорреном Кандерсом и Уитни, произошли не только из-за этой работы — но я считаю, что она была невероятно важной. Мы пригласили их на биеннале. Мы не просили их сделать работу на какую-то конкретную тему. Мы просто сказали: «Нам нравится то, что вы делаете, и нам нравится то, чем вы занимаетесь, вы работаете в этих нескольких сферах», о чем я уже упоминал — в пространстве архитектуры, пространстве компьютерных наук, а также в области правосудия. пространство. Они сделали работу, которая была процитирована международными трибуналами по правам человека и использована в качестве доказательства. Они делятся своей работой и информацией в Интернете для всеобщего обозрения, они верят в открытый исходный код. В отношении протестного искусства один из вопросов, на который мне очень трудно ответить, заключается в том, насколько важно, если есть влияние. Конечно, что-то может произойти в сердце и уме человека, и если бы я не верил в это, то не занимался бы тем делом, которым занимаюсь. Это самая глубокая вещь в искусстве, и точка. Но трудно назвать что-то действительно политическим искусством, если внешне в мире ничего не изменилось. Я действительно горжусь Forensic Architecture и до сих пор заинтригован этой работой. Я возвращаюсь к этому.

Что касается рынка и мира искусства — мы все укоренились в капиталистической системе, которая определяет нашу жизнь, то, как мы движемся по миру, и решения, которые мы принимаем. Я не думаю, что мир искусства вообще отделен от этого. Я просто не уверен, что это настолько уникально.

Кадр из фильма «Triple-Chaser» от Forensic Architecture (2019). Кредит… Forensic Architecture/Praxis Films, 2019

DS: Вопросы мира искусства и денег не так уж интересны. В искусстве много денег. Есть много людей, которые используют свои деньги, чтобы попытаться изменить мир определенным образом. А для искусства нужны деньги. Некоторые люди более склонны выполнять работу, которая ничего не бросает, потому что, как ранее сказала Кэти, они беспокоятся о том, чтобы получить работу учителя. К счастью, Кэти решила сделать работу, которую ей нужно сделать.

Я думаю, вопрос о том, как происходят изменения и какие изменения вы пытаетесь осуществить, очень важен. Часть судебной архитектуры была великолепна. Я рад, что это способствовало уходу Кандерса, это фантастика. Но если наша лакмусовая бумажка состоит в том, что мы сделали А и произошло Б — я имею в виду, , можете ли вы сказать, что Наездники Свободы непосредственно привели к краху Джима Кроу? Нет, вы не можете, но вы можете сказать, что это было решающим фактором для движения за гражданские права, куда бы оно ни шло. Точно так же вы не можете сказать, что работа Эмори Дугласа была напрямую перенесена в Black Lives Matter, но вы можете сказать, что без этой работы и иконографии поколение, которое пришло позже и думало о системных изменениях, не имело бы того же фундамента, чтобы стоять. на.

Когда Ширин сказала, что Америка становится все больше похожей на Иран: я искренне уважаю точку зрения человека, который жил в стране, где считается, что если вы говорите определенные вещи, правительство может вас исчезнуть или убить. Это отличается от современных США. Но давайте будем честными, в Соединенных Штатах право собственности на людей и предоставление людям возможности делать с ними все, что они хотят, было совершенно нормальным в течение первых 80 лет. Для линчевателей было совершенно нормально убивать людей, а затем предстать перед судом и даже признаться в том, что они сделали, но потом сказать: «Послушайте, мы белые люди, вот что мы делаем, мы крутые, верно?» Вот что такое Америка. Искусство, которое меня больше всего интересует, бросает вызов нашим основополагающим предположениям — будь то это кризис СПИДа, или война во Вьетнаме, или движение за гражданские права. Искусство, которое меняет представления людей, помогает им более дальновидно увидеть мир, в котором мы живем, и то, как он может измениться на самом деле. Независимо от того, существует ли эта работа в революционной газете или на улицах, существует ли она в обеспечении водой людей Флинт или в музейном пространстве — как работа Джейкоба Лоуренса, которую я номинировал, которая бросает вызов тому, как люди видят порабощенных людей. Идеи имеют огромное значение для того, где стоят ваши ноги. Вы укрепляете статус-кво или бросаете вызов какому-то фундаментальному предположению о том, как мы себя видим?

CO: Одна из вещей, которые Дред сказал, что действительно важно, это то, что даже если мы все здесь, в наших маленьких окнах на Zoom во время гребаной пандемии, что такое коллективность? Что дело не обязательно в единственном голосе или в чем-то подобном, так сказать, в единственности, но в этой коллективности. Речь идет о нас как о художниках, кураторах, мыслителях и писателях, когда мы начинаем формировать мнение о времени, в котором живем. Я преподаю и преподаю уже 30 лет. Я постоянно слышу опасения молодежи, потому что мне 18-9 лет. 0256 26-летним на регулярной основе. Они действительно, действительно чувствуют, что быть художником больше не имеет значения. Меня расстраивает, что так много их мнений типа: «Боже мой, это уже слишком, понимаете?» Между изменением климата, глобальным потеплением и расизмом, вы знаете, они просто думают: «Что я могу добавить к этому?» Я постоянно говорю им, что речь идет о коллективе по отношению к вам, индивидуально отвечающему на вопросы, которые важны для вас и затем пытаемся создать репрезентацию в этом. Это то, что мы должны помнить, что является небольшим количеством оптимизма в невероятном море бедствия, так сказать.0004

РХ: Это действительно душераздирающе. Дред, когда вы упомянули «Всадников свободы», я подумал о том, как, готовясь к сидячим забастовкам, они разыгрывали для себя фиктивные сценарии. Они и другие активисты за гражданские права репетировали такие вещи, как выдувание дыма им в лицо или разбивание тарелки об пол. И я думаю о хореографии, необходимой для подготовки к этим действиям. Кэти, мне так любопытно, как мы говорим о творчестве и как мы говорим об искусстве в мире, потому что эти молодые люди мыслили творчески способами, которые, возможно, отличаются от художников, но все же аналогичны. Сейчас мы находимся в таком моменте, когда мы видим, как люди всех возрастов спрашивают, что они могут делать по-другому. Но также — как выглядит мир без художников? Никто не хочет жить в этом мире, даже если мы целыми днями смотрим Netflix. Все, что мы делаем, чтобы оставаться в здравом уме, особенно во время этой пандемии, возвращается к тому, чтобы быть художником.

SN: Это заставляет меня думать об Иране после революции, где, знаете ли, мы сразу же вступили в войну с Ираком, у нас было ужасное правительство, мы были изолированы от мира, экономика была кошмаром, было угнетение , не было свободы слова. И как ни странно, культурное сообщество полностью активизировалось. Это было действительно невероятно. Он создал эту процветающую культуру. Кризис — а мы сейчас сталкиваемся с любым кризисом, социальным, политическим, экологическим — на самом деле очень способствует созданию великого искусства. Это момент перехода в американском обществе. Для тех молодых студентов, которые разочаровались, учитывая все, через что мы проходим — и вы знаете, даже я в течение этих последних шести месяцев сомневался в ценности того, чтобы быть художником. Неудивительно, что они задают такие вопросы. Но я очень оптимистичен, что эта среда будет способствовать более радикальной работе и переосмыслению того, что такое искусство за пределами галерей и музеев. Чтобы найти способы, с помощью которых художники будут более вовлечены в это общество, в свои сообщества и будут намного эффективнее, чем раньше.

TLF: Никил, вы редактор и писатель, но недавно вы выиграли предварительные выборы от Демократической партии за место в Сенате штата Пенсильвания, которое станет вашим первым политическим постом. Можете ли вы рассказать нам немного о вашей точки зрения?

NS: Сотрудники Художественного музея Филадельфии только что объединились в профсоюз государственного сектора. И факультет, в который входят дополнительные преподаватели из Университета искусств в Филадельфии, также организуют и формируют профсоюз. Я думаю, это происходит отчасти из-за разочарования. Это говорит о том, что вы говорили, Кэти, что эти институты мира искусства, по сути, являются недвижимостью — что они могут чувствовать себя антидемократическими в действительно материальных отношениях, а не только в культурных отношениях. Поэтому, если вы чувствуете, что во всем этом нет смысла, возможно, точка на самом деле более горизонтальна. это не Мне нужно это сделать, мне нужно победить как художнику . Потому что вы начинаете видеть, что победа имеет свою цену, и лишь немногие выигрывают, а масса людей едва сводит концы с концами. Как только вы начнете это понимать, как только вы увидите, что ваша судьба связана с другими людьми вокруг вас, я думаю, вы поймете часть радикализма, о котором говорила Ширин. Я могу говорить только как писатель и редактор — и я не застрахован от тех же сил, которые влияют на мир искусства — но я думаю, вы начинаете чувствовать, что здесь действует определенная меритократическая ложь. Люди начинают понимать, что не только талант помогает вам добиться успеха, что вы полностью сломлены своей расой, классом и статусом. Поэтому нам нужно начать захватывать институты и демонтировать их, чтобы мы могли что-то изменить.

CO: Я думаю, это очень важно сказать. Одна из причин, по которой люди должны идти в политику, и особенно почему люди должны голосовать, заключается в том, что если мы не будем использовать существующую демократию, которая у нас есть, включая демократию наших голосов как артистов, то где мы окажемся? Я время от времени входил в совет Музея современного искусства в Лос-Анджелесе — я ушел в знак протеста давным-давно, но вернулся — и хотя мои коллеги-художники критиковали меня, я действительно думаю, что если мы все будем в стороне, от этих досок то что осталось? Лучше ли быть активным в нем и создавать эти дискурсы, чем просто вскидывать руки и говорить: «Я не могу создать изменения». Я постоянно говорю своим ученикам: «Вперед, вперед». Посмотрите на что-то со всех сторон, потому что нет единого ответа. А изменения, к сожалению, занимают очень много времени.

Дред Скотт «Как правильно вывешивать флаг США?» (1988). Credit…© Dread Scott, предоставлено художником

TLF: Мне интересно: можем ли мы определить искусство протеста по его реакции? Многие работы, перечисленные здесь, вызвали порицание или возмущение. Ужас, Джордж Х.В. Буш сказал, что ваша первая работа с флагом [«Как правильно вывешивать флаг США?» (1988)] было —

DS: Позорище. Что я подумал, было огромным комплиментом.

TLF: Можем ли мы взять отзывы о некоторых из этих работ и использовать их как призму, чтобы посмотреть, насколько они эффективны?

DS: В некоторых случаях я так думаю. То, что президент Соединенных Штатов назвал произведение студента бакалавриата художественной школы Среднего Запада позорным, для меня было чем-то вроде: «Ну, если президенту не нравится то, что я делаю, и он знает, что я существую, я хочу заниматься этим до конца своей жизни». Но я думаю, что эта работа предвосхитила многое из того, о чем мы говорим до сих пор. Посмотрите на кого-нибудь вроде Колина Каперника, чей протест в определенном смысле является его редукцией.

Реакция на произведение не может быть единственной лакмусовой бумажкой. Я не думаю, что Act Up существовал бы в том виде, в каком он существовал, и имел бы такой эффект без «Silence = Death». Это повлияло на то, как движение распространилось по всему миру, что действительно важно. Таким образом, «реакция» — это не просто реакция на подавление, это также то, как она воспринимается сообществом. Например, некоторые из самых интересных работ Ай Вэйвэя больше всего ненавидят китайское правительство. В западных художественных кругах его прославляют как китайского диссонанса, и есть способы превратить это в товар, но я думаю, что его самая интересная работа — это когда он обратился к сообществу, чтобы перечислить имена всех, кто был убит из-за халатности правительства во время событий 2008 года. Сычуаньское землетрясение. Его работа была не просто раскритикована президентом, она была буквально объявлена ​​вне закона. Это важно, но я также думаю, что есть действительно отличная работа, которая не получает такого отклика, но все же очень важна. Особенно работа, которая в разные моменты истории концентрирует идеи или понимание людей чего-то, что на самом деле не было сформулировано. Вспомните песню «Огайо» Кросби, Стиллза, Нэша и Янга или песню Кендрика Ламара «Хорошо», которую люди пели во время акции протеста Джорджа Флойда. Есть много работ, которые имеют такой резонанс, который не обязательно связан с движением, но затем становится важным.

SN: Я не был в Иране с 1996 года, потому что правительство считает мою работу проблематичной. У меня там семья, и я всегда думаю о том, как иранское правительство воспримет мою работу. Моими критиками являются Исламская Республика Иран, но у меня также есть искусствоведы в западном мире. Так что это был интересный вызов на протяжении многих лет, и я научился с ним справляться. Иногда я избегаю общения со СМИ, потому что беспокоюсь о своей матери и своей семье в Иране. Мне пришлось ввести самоцензуру, хотя я живу за пределами Ирана, потому что я боюсь правительства и того, как оно отомстит.

TLF: Я хочу задать последний вопрос — возможно, он немного наивен — , но есть ли произведение искусства, которое вселяет в вас чувство оптимизма в данный момент? Многие работы, которые мы номинировали, вызывают много гнева, но также и много радости. Что приносит вам радость?

CO: Я пойду первым. На самом деле я не буду выделять работу. Я снова думаю о нашем коллективном голосе, об этой коллективности мнений и о том, как мы отражаем ее через различные средства массовой информации — будь то газетная статья, роман или произведение искусства. Я с оптимизмом смотрю на продолжение борьбы за человечество и справедливость для всех. Но я не могу выделить какую-то часть, потому что надеюсь, что все это каким-то образом захлестнет нас.

SN: Я не художник и не специалист по живописи, но Марлен Дюма — художница, чьи работы вызывают во мне столько эмоций. Как сказала Кэти, есть произведения искусства, которые выходят за рамки политических и социальных проблем и становятся более первобытными в обращении к нашей человечности — боли, тайнам и нашим коллективным страданиям — а также к красоте. Ее работа трогает меня, и это необъяснимо, на самом деле. Я не знаю, кто она, я никогда с ней не встречался, но ее работа просто убивает меня. Я думаю, что эмоции от ее искусства очень сильны, особенно в наше время.

«Пять мужчин» Роя ДеКарава (1964). Кредит…© Estate of Roy DeCarava, 2020. Все права защищены.

Среди нью-йоркского художника и фотографа Роя ДеКаравы многие предметы были Маршем на Вашингтон в 1963 году и активистами от Эми Маллард до Малкольма Икса. фотография пятерых анонимных мужчин, выходящих с поминальной службы в Гарлеме в память о четырех девочках, погибших во время взрыва в церкви в Бирмингеме, штат Алабама, в 1963 году. Мы можем видеть только два из их лиц полностью, но боль и ужас этих смертей отчетливо видны. выгравировано в чертах лица человека слева. По его словам, мотивация Декаравы нажать затвор заключалась в его «политическом понимании обращения с чернокожими и их реакции на несправедливость». ДеКарава не был в Бирмингеме, но «хотел снять об этом картину. Мужчины выходили из церкви с такими серьезными и такими напряженными лицами, и изображение было сделано». Когда ДеКарава родился в 1919 лет в музеях редко можно было увидеть изображения афроамериканской жизни. «Одна из вещей, которые меня поразили, — сказал он The New York Times в 1982 году, — заключалась в том, что я чувствовал, что чернокожие изображаются несерьезно и не артистично». В течение шести десятилетий многие изображения ДеКаравы исправили отсутствие репрезентации чернокожих, с редкой нежностью запечатлев обычных людей, сцены соседства и домашние моменты. — З.Л.

DS: Во многих отношениях меня больше вдохновляет музыка. «Fight the Power» от Public Enemy, «Clampdown» от Clash — это мои любимые джемы, когда я хочу чувствовать себя хорошо. Что касается изобразительного искусства, мы не говорили о произведении «Пять мужчин» Роя ДеКаравы. Это фотография пятерых мужчин, выходящих из гарлемской церкви в 19 году.64, после того, как четыре девушки были взорваны в Бирмингеме. На лицах этих мужчин очень решительный взгляд — мне понравилась эта фотография еще до того, как я узнал, что за ней стоит — и это выражение решимости не быть угнетенным, измениться. Я смотрю на эту фотографию и думаю: «Да, мир не должен быть таким, какой он есть». Люди могут это изменить.

«Вся власть всем людям» Хэнка Уиллиса Томаса (2017). Кредит…© Хэнк Уиллис Томас. Предоставлено художником и галереей Джека Шейнмана, Нью-Йорк. Фото: Philly Mural Arts/Monument Lab Картина Хэнка Уиллиса Томаса «Вся власть всем людям» (2018) на фестивале Burning Man в пустыне Блэк-Рок в НевадеКредит. ..© Хэнк Уиллис Томас. Предоставлено художником и галереей Джека Шейнмана, Нью-Йорк. Фото: Родственные искусства.

Своего рода ответ на долгую историю Америки возведения памятников белым расистам, Хэнка Уиллиса Томаса «Вся власть всем людям», восьмифутового афро-кира с поднятым к небу кулаком Black Power, как его ручка была впервые установлена ​​на площади Томаса Пейна в Филадельфии, недалеко от статуи Фрэнка Риццо, бывшего мэра города и комиссара полиции. Начиная с 1967 года Риццо руководил полицейским управлением, которое было известно по всей стране своим безрассудным насилием на расовой почве, и когда он был избран мэром в 1972, он только помог увековечить и скрыть это насилие. The Philadelphia Inquirer привел мрачную статистику о том, что «полиция расстреливала гражданских лиц со скоростью один раз в неделю в период с 1970 по 1978 год», что примерно соответствует периоду, когда Риццо управлял городом. Статуя Томаса была замечательным ответом. Хотя его можно было увидеть на площади всего около двух месяцев, с тех пор он стал своего рода передвижным памятником равенству. Версии скульптуры были показаны в самых разных местах, от Burning Man до Вашингтона, округ Колумбия, штаб-квартиры Кампании за права человека. Между тем, после того, как по всей стране вспыхнули протесты против жестокости полиции в отношении чернокожих американцев Этим летом статуя Риццо подверглась вандализму и, наконец, была демонтирована. — М.Х.М.

RH: То, что сказала Кэти, очень сильно резонирует со мной. Я предвзят, но работа, которая приносит мне большую радость, — это работа моего мужа, Хэнка Уиллиса Томаса, «Вся власть всем людям». Я видел, как эта работа разворачивалась на протяжении многих лет, с тех пор, как она была впервые установлена ​​в Филадельфии в рамках общегородского мероприятия Monument Lab, прямо рядом со скульптурой Фрэнка Риццо, которой, конечно же, уже нет. Но он также был установлен по всей стране. Он отправился на Burning Man и имел звуковой ландшафт, который включал речи лидеров гражданских прав и Black Power. У него были все эти разные жизни, и у него продолжают быть все эти разные жизни. То, как люди, особенно чернокожие, но не исключительно чернокожие, взаимодействуют с ним лично, а также его распространение в социальных сетях, буквально принесло мне радость. Просто увидеть, особенно чтобы молодые чернокожие увидели этот символ, и установить непосредственную связь с собой, со своей собственной историей, со своим сообществом и сделать так, чтобы он был частью арт-пространства повсюду — от площади до тротуара — и как в каждом месте, в котором он находится, он имеет новый резонанс и новое значение, но он также несет в себе этот первоначальный заряд специфичности.

Агнес Денес «Пшеничное поле — Противостояние: свалка Бэттери-Парк, центр Манхэттена — Голубое небо, Всемирный торговый центр» (1982). Кредит…© Агнес Денес, предоставлено Лесли Тонконоу Произведения + проектыАгнес Денес «Пшеничное поле — Противостояние: Бэттери-Парк» Свалка, Даунтаун Манхэттен — Урожай» (1982). Фото… © Agnes Denes, предоставлено Leslie Tonkonow Artworks + Projects

Весной 1982 года нью-йоркская художница венгерского происхождения Агнес Денес, которой сейчас 89 лет, перевезла 200 грузов. верхнего слоя почвы на свалку, созданную в основном в результате строительства башен Всемирного торгового центра. Она и горстка добровольцев очистили территорию от мусора и вручную прорыли 285 борозд на прямоугольном участке площадью два акра, чтобы посадить «Пшеничное поле — Противостояние» — удивительное земляное сооружение, которое за одно золотое лето превратило клочок Нижнего Манхэттена в продуваемая ветром усадьба. После того, как пшеница созрела в течение трех месяцев, 16 августа группа собрала урожай более 1000 фунтов. Предоставив сено конной полиции Нью-Йорка, они отвезли урожай в 28 городов, чтобы раздать его людям, которые будут разбрасывать семена. У Денес, которая родилась на несколько лет раньше, чем у остальных (почти полностью мужчин) лэнд-художников, другая повестка дня, чем у них: ее работа, начиная с «Rice/Tree/Burial» 1968 года «Rice/Tree/Burial» в северной части штата Нью-Йорк (она посадила рисовое поле, обернула цепи вокруг деревьев и похоронила капсулу времени, наполненную ее хайку), а совсем недавно в том числе «Живая пирамида» (2015), 30-футовая треугольная башня из диких трав в Парке скульптур Сократа в Лонг-Айленд-Сити, призвана стать эфемерным комментарием к экологическому разрушению и искаженным приоритетам современного существования. «Я решила, — сказала она однажды, — что у нас достаточно публичных скульптур мужчин, сидящих на лошадях». — N.H.

NS: Я выбрал «Пшеничное поле» Агнес Денес, которое мне не довелось испытать. Это было сразу несколько вещей: это было противостояние, это было на свалке, которая в значительной степени была создана возведением первого набора башен Всемирного торгового центра, который был одним — я имею в виду, он имеет другой резонанс из-за 9/11 — но это один из худших спекулятивных проектов в истории Нью-Йорка. Это было одно из самых высоких зданий в мире, после завершения строительства оно было едва заполнено, и это произошло в разгар финансового кризиса. Это заставляет вас спросить: что мы делаем? Что мы делаем с нашим городом, со своей жизнью? Он посвящен использованию земли. Спустя десятилетия мы все еще думаем о том, как мы используем нашу землю, особенно в Нью-Йорке, но также и в других городах. Но другая вещь, которую он делает, и причина, по которой это приносит мне радость, заключается в том, что это просто пшеничное поле. Что является очень ярким изображением. У пшеницы есть звук — или тишина — который приносит покой. Из него пекут хлеб, поэтому он напоминает лозунг русской революции: «Мир, земля и хлеб». Просто все это есть в этом произведении. Нам просто нужно думать о том, что мы делаем с землей. Это не наше, и оно переживет нас, в зависимости от того, что мы делаем.

---

Руджеко Хокли — помощник куратора Музея американского искусства Уитни.

Ширин Нешат — художница и режиссер иранского происхождения, проживающая в Нью-Йорке.

Кэтрин Опи — художница, заведующая кафедрой искусств Линды и Стюарта Резник и профессор фотографии Калифорнийского университета в Лос-Анджелесе.

Дред Скотт — художник, чьи работы выставлялись или исполнялись в Музее Уитни, MoMA PS1, BAM Fisher, а также в галереях и на улицах по всей стране и ранее были объявлены вне закона Конгрессом США.

Никил Савал — писатель и кандидат от Демократической партии в Сенат штата в Первом сенатском округе Пенсильвании.

---

Художник-постановщик: Кэролайн Ньютон и Дэниел Вагнер

Оператор-постановщик: Бетси Хоран и Джейми Симс

Фото-исследование: Мелисса Гольдштейн Coleman

---

Роспись тарелок своими руками акриловой краской-Artistro

Теги

• акриловая живопись
• роспись керамики и стекла
• уроки рисования

---

Содержание:

Мастер-класс №1: Точечная роспись тарелок

Мастер-класс №2: Роспись по тарелкам трафаретами и шаблонами

Мастер-класс №3: Художественная роспись акриловыми красками

Мастер-класс №4: Роспись по тарелкам маркерами

---

Роспись тарелок своими руками – это творчество, доступное как опытным, так и начинающим декораторам. Посмотрите эти более 100 простых вещей, которые можно нарисовать для вдохновения.

Ведь технология очень проста в освоении, не требует покупки дорогостоящих материалов, затрат времени и сил, поэтому можно не бояться потерять интерес к процессу. А ручная роспись по стеклу и керамике может стать вашим постоянным увлечением, способом отдыха или даже хендмейд-бизнесом на интернет-площадках типа Ярмарки Мастеров или Etsy. И откройте для себя более 100 новых идей для наскальной живописи вместе с Artistro!

В данной статье мы рассмотрим следующие способы и техники росписи тарелок своими руками, которые подходят для начинающих:

1. Точечная роспись тарелок;
2. Роспись тарелок по трафаретам и шаблонам;
3. Художественная роспись от руки кистями;
4. Витражная роспись

МАСТЕР-КЛАСС №1: ТОЧЕЧНАЯ РОСПИСЬ НА ТАРЕЛКАХ

Точечная роспись тарелок – техника рисования и создания контуров точками, благодаря которой можно добиться эффекта тиснения, инкрустации камнями, цветными стразами или бисероплетение. На фото ниже вы можете отметить удачные сочетания цветов и рисунков (поверните фото вправо).

А вот и идеи декора чаши в технике пик.

ДЛЯ ЭТОГО ВАМ ПОТРЕБУЕТСЯ:

1. Ватные чистящие круги и ватные палочки для исправления неудачного рисунка;
2. Спирт этиловый, жидкость для снятия лака или специальный обезжириватель;
3. Контурные акриловые краски подходящих цветов;
4. Аэрозольный лак для фиксации и защиты фигуры;
5. Игла и бумага для чистки трубок.

СОВЕТЫ: ​​

ТЕХНИКА РИСОВАНИЯ

Первое, что нужно сделать, это обезжирить поверхность спиртом или обезжиривателем с помощью ватного диска и только потом приступать к творчеству. Опытные мастера могут рисовать прямо на тарелке, не используя никаких эскизов и разметки, придумывая узоры прямо в процессе работы. Вы тоже можете довериться свободному полету мысли и импровизировать. Но если вы хотите реализовать некую художественную идею, то лучше предварительно нарисовать эскиз, шаблон, трафарет или разметку, продумав цветовую гамму и орнаменты.

Для росписи по стеклу удобно применять шаблоны, которые можно приклеить на обратную сторону тарелки.

Совет для начинающих: перед тем, как раскрашивать тарелку, потренируйтесь на бумаге ставить маленькие, средние и большие точки на одинаковом расстоянии друг от друга с одинаковым нажимом и надавливать на тюбик.

• Основные правила: в одной линии должны быть точки одинакового размера, и между точками должно соблюдаться одинаковое расстояние, причем очень важно, чтобы оно (расстояние) было минимальным, то есть чтобы точки «просматриваются», но не сливаются в непрерывный контур;
• Помните, что чем больше точки, тем больше расстояние между ними. И наоборот, чем меньше точки, тем меньше должно быть расстояние друг от друга;
• Рисовать по принципу от общего к частному, то есть начиная с крупных контуров и заканчивая прорисовкой мелких деталей.

После работы краска должна застыть. Высушить их можно тремя способами:

1. Естественный способ за 1 день – если вы хотите использовать тарелку редко или вообще использовать ее только как предмет декора.
2. Высушите феном, затем оставьте краску застыть естественным образом на 10-12 часов.
3. Выпекать при температуре 150-170 градусов полчаса, а затем, не вынимая из духовки, дать посуде остыть – на случай, если захочется есть из расписных тарелок. Желательно после обжига не мыть окрашенную посуду в течение 20 дней — так краска продержится дольше.

После того, как краска на декоративной тарелке высохнет, ее можно закрепить лаком.

МАСТЕР-КЛАСС №2: Роспись на тарелках по трафаретам и шаблонам

Еще один способ, который может освоить каждый – это роспись тарелок по трафаретам и шаблонам.

ДЛЯ ЭТОГО ВАМ ПОТРЕБУЕТСЯ:

1. Акриловые краски по стеклу и керамике или маркеры для росписи посуды, которые бывают разных цветов и толщины стержня. В России чаще всего можно встретить маркеры фирмы Marabu;
2. Художественные синтетические кисти подходящих размеров (при необходимости) или губка для трамбовки;
3. Жидкость для снятия лака, спирт или обезжириватель и ватные диски для обезжиривания;
4. Все, что нужно для рисования и вырезания по трафарету или шаблону: бумага, резак, карандаш.

ТЕХНИКА РИСОВАНИЯ

Сначала нужно нарисовать самому или распечатать готовый трафарет/шаблон, а затем ножом вырезать отверстия. Пожалуй, в этой технике только этот этап можно назвать трудозатратным. Дальше все гораздо проще: обезжирьте поверхность и приклейте шаблон снизу скотчем.

Затем нанесите рисунок на трафарет. Затем на своем рисунке вы можете расставить акценты, нарисовать детали или очертания.

Если вы рисовали акриловыми красками, то сушить их можно естественным путем, феном или в духовке, по рекомендациям первого мастер-класса на точечных тарелках.

МАСТЕР-КЛАСС №3: ХУДОЖЕСТВЕННАЯ РОСПИСЬ тарелок акриловой краской

Роспись тарелок традиционным способом, то есть кистями и красками – лучший способ написать настоящий шедевр.

ДЛЯ ЭТОГО ВАМ ПОТРЕБУЕТСЯ:

1. Художественные синтетические кисти разных форм и размеров;
2. Краски акриловые для стекла и керамики или обожженные витражные краски на водной основе;

• Совет: витражные краски более прозрачны и в то же время ярки, но с ними немного сложнее работать из-за жидкой консистенции и свойств растекаться по поверхности, поэтому их часто используют в сочетании с контурными красками. Кроме того, имейте в виду, что витражные краски на основе растворителей не подходят для росписи тарелок, которые будут использоваться по назначению.

1. Любой обезжириватель.

Сначала нужно написать подмалевок, то есть нарисовать большие части композиции, которые будут ее основой. Далее добавьте объем и глубину рисунку, используя темные и светлые цвета. А потом вникнуть в детали. В конце работы воспользуйтесь рекомендациями по закреплению краски из первого мастер-класса.

СОВЕТЫ: ​​

• Смешивайте цвета и играйте с полутонами, чтобы получить необычные цвета и эффекты.
• Окрашивать керамическую тарелку матовой глазурью будет проще, чем красить глянцевую керамику или стекло, так как краска ляжет плотнее и ровнее.

Вот простые, но интересные идеи росписи тарелок кистями и акриловыми красками своими руками для начинающих художников (фото перевернуть вправо).

Тем, у кого есть навыки и опыт рисования, предлагаем вдохновиться очередной подборкой фото расписных тарелок.

А вот отличная идея для росписи посуды и тарелок из старых чайных сервизов.

МАСТЕР-КЛАСС №4: Роспись на тарелках маркерами

Рисование маркерами и фломастерами знакомо всем нам с детства. С помощью специальных маркеров для самостоятельной росписи посуды можно быстро и просто украсить керамическую тарелку надписями, а также изобразить графичный и очень подробный рисунок. Примеры такого декора смотрите в следующей подборке фото.

ДЛЯ ЭТОГО ВАМ ПОТРЕБУЕТСЯ:

1. Любой обезжириватель и вата;
2. Фломастеры разных цветов и толщины стержня.

ТЕХНИКА РИСОВАНИЯ

• Перед тем, как начать рисовать на посуде, не забудьте обезжирить поверхность.
• Главное правило — старайтесь рисовать линии и очертания рисунка мелкими частыми штрихами — так меньше шансов ошибиться.
• Также старайтесь вести рисунок от общего к частному.

• Предварительно обозначьте контур рисунка, при необходимости используйте шаблон или трафарет.
• Большинство маркеров высыхают за 24 часа, не требуют сжигания и не смываются в посудомоечной машине.

ВИТРАЖНАЯ ЖИВОПИСЬ

И, наконец, настала очередь витражных пластин. Это несколько более сложная техника рисования на посуде из-за самой краски – как уже отмечалось, витражные краски жидкие, и поэтому они часто заполняют контуры. И они более прозрачные, глянцевые и менее стойкие, чем акриловые. Если вы хотите использовать «витражные» тарелки, то выбирайте исключительно водоэмульсионные краски, а по окончании работы запекайте посуду в духовке при температуре 170 градусов. Если вы хотите повесить расписную посуду на стену, то цвета можно выбрать не запекаемые на основе растворителя и в этом случае не забудьте приобрести лак для закрепления рисунка.

Статья с сайта kitchendecorium.

Можете ли вы скопировать картину и продать картину? Я узнал

Можно ли скопировать картину и продать картину? А если художника уже нет в живых? Как насчет копирования изображения в Интернете? Хотя это звучит как этическая дилемма, это также и юридическая дилемма.

В этой статье рассматриваются вопросы, связанные с копированием произведений искусства других людей, а также способы защиты ваших собственных произведений от копирования другими.

Можно копировать что угодно. Продажа, реклама и публикация копии произведения искусства запрещены законом, если у вас нет предварительного разрешения от владельца авторских прав. Также незаконно публиковать и продавать произведение искусства, которое по существу похоже на другое оригинальное произведение искусства. Авторское право действует в течение 70 лет после смерти создателя, после чего оно становится общественным достоянием.

Копирование произведений искусства и фотографий других людей — это минное поле, поэтому давайте рассмотрим общие проблемы по порядку.

(Я получаю комиссионные за покупки, сделанные по ссылкам в этом посте. Однако я продвигаю только те продукты, которые мне нравятся и которые я рекомендую)

Является ли копирование произведений искусства других людей незаконным?

Нет, это не незаконно, вы можете копировать чужие работы. Однако представление своей работы как оригинальной является незаконным. Вы должны указать, что ваше искусство было скопировано с произведения искусства другого человека. Ни в коем случае у вас нет разрешения копировать подпись. Это мошенничество, простое и понятное.

Все становится неясным, когда копия существенно похожа на работу другого художника. Плагиат полулегальный. Как доказать существенную разницу? Где грань между грабежом и вдохновением?

В конечном счете, только суд может определить, в какой степени вы можете присвоить образы других людей. Энди Уорхолу это сошло с рук, и это принесло ему миллионы.

Искусство или плагиат?

Это также усложняется, если вы хотите продать свою картину картины. Единственная частная продажа может быть приемлемой, это этический вопрос, но что, если вы рисуете одну и ту же картину снова и снова? Это юридический.

Существует опасность того, что ваши картины могут подорвать ценность оригинальной работы, которую вы скопировали, и в таких случаях оригинальный художник теоретически может потребовать от вас возмещения убытков.

Все изображения принадлежат создателям, если они могут это доказать. Это включает в себя фотографию. Вы не можете предполагать, что, поскольку изображение находится в сети, у вас есть какое-либо разрешение на его использование.

Отсутствие водяного знака или символа авторского права не делает изображение открытым. Все художники сохраняют за собой права на свои работы.

Авторские права действительны в течение всей жизни плюс 70 лет, если эти права не будут проданы.

В соответствии с разделом 107 Закона об авторском праве 1976 года существует положение о копировании произведений искусства. Разрешение предоставляется для «добросовестного использования» в таких областях, как обучение, комментарии, критика, новости, исследования и т. д.

Приемлемо ли когда-либо копировать искусство других людей?

Бывают случаи, когда совершенно уместно скопировать работу другого художника. Очевидная причина, которая приходит на ум, — это когда вы пытаетесь научиться рисовать и раскрашивать.

Как ученик учится, если не у своих сверстников и учителей? Мы все учимся, копируя художников, которых мы любим. Я точно знаю.

Общие советы по копированию: Плохо ли рисование по эталонным фотографиям? Вы обманываете?

Совершенно справедливо копировать произведение искусства с целью обучения. Одна и та же скопированная картина, вывешенная в галерее, физически или онлайн, перестает быть образовательной и является нарушением авторских прав.

Любое произведение искусства старше определенного возраста является общественным достоянием. Это означает, что вы должны установить, когда умер создатель, и добавить 70 лет. По истечении этого времени никаких юридических последствий для беспокойства нет.

Не делайте ошибку, думая, что все, что старше 70 лет, прекрасно. Имущество создателя по-прежнему владеет авторскими правами. Если художник умер в 1970 году, работа защищена до 2040 года.

Вы можете копировать старого мастера, если хотите, или старую фотографию в этом отношении. Многие студенты-художники сидят в галереях и рисуют картины.

«Доярка» Йоханнеса Вермеера

Интересно также отметить, что художники одного жанра или одного периода времени нередко копируют друг друга. Художники всегда так делали.

В разных культурах разные взгляды на копирование произведений искусства. В некоторых культурах это считается большим нарушением, чем в других. Любой, кто путешествует по Азии, поймет, что копирование не вызывает такого осуждения, как на Западе.

Можно ли копировать искусство и продавать его?

Любой желающий может обратиться к владельцу произведения искусства и попросить разрешения на его воспроизведение. Художник может позволить вам использовать свое изображение только один раз в обмен на деньги или рекламу. У них может вообще не быть возражений. Если они сами не профессионалы, они могут быть даже довольны.

Профессиональные художники нуждаются в какой-либо форме оплаты, и обычно это роялти от лицензирования работы для определенной цели. Иногда этим занимаются сами артисты или чаще их агенты.

Если вам не повезло и художник не хочет, чтобы его работа использовалась, идите дальше и найдите другой источник.

Проблемы возникают, когда намерения обмануть. Если у вас нет разрешения, это воровство. Это не дань уважения, не вдохновение и не комплимент. Это брать что-то у другого человека, что иначе вы не смогли бы или не стали бы создавать сами.

Копирование произведения с целью пародии также является областью, которую вам, возможно, придется защищать. Вам придется спорить о «добросовестном использовании».

Но что, если вы скопируете только часть изображения?

Выбирать части изображения и использовать их без разрешения — серая зона. Если копия составляет значительную часть оригинала, это нарушение авторских прав, но если она составляет незначительную часть исходного изображения, тогда это менее очевидно.

Это зависит от намерения, есть ли какая-либо коммерческая выгода от использования и является ли «приобретенный» раздел явно узнаваемым.

В основном я рисую wildli fe по своим фотографиям и иногда изображение не в фокусе, плохо обрезано или нуждается в какой-то корректировке. У меня есть большая часть информации, но мне нужны недостающие детали.

Что мне делать? Вернуться в поле или посетить зоопарк, чтобы еще раз сфотографировать ногу или ухо животного? Конечно нет. Я нахожу изображение в Интернете и использую его.

Прочтите этот пост: Как начать рисовать дикую природу и стать художником дикой природы

Я делаю что-то подобное, если иногда мне нужно добавить аутентичную листву.

Я не вижу ничего плохого в очень незначительных изменениях, сделанных таким образом.

Можно ли скопировать фотографию знаменитости и продать ее?

Нет, в общем, нельзя просто нарисовать или раскрасить знаменитость и продать. Есть две причины, по которым это может иметь неприятные последствия.

Живая знаменитость — это бренд, и их имидж защищен. Вам понадобится разрешение модели, чтобы иметь какие-либо права. Это не будет предлагаться бесплатно.

Даже если вы делаете свои собственные фотографии, вы не можете использовать изображение знаменитости в коммерческих целях.

Если знаменитость умерла, и вы хотите использовать старое изображение, фотограф или его имущество по-прежнему имеют авторские права, поэтому вам все равно потребуется разрешение на их использование.

Единственный способ избежать наказания за использование знаменитости — изменить изображение до неузнаваемости с оригинальной фотографии. Энди Уорхол использовал эту защиту. Ему это сошло с рук при жизни, но, что интересно, его фонд отказался от апелляции к Линн Голдсмит за кражу ее образа Принца.

Можно ли скопировать изображение для татуировки?

Считается плохой практикой наносить татуировку работы другого художника без разрешения. Это потенциально нарушение авторских прав, если художник может доказать, что татуировка обесценила его / ее дизайн и лишила его прибыли, которую он мог бы получить в противном случае.

Естественно, большинство художников не в состоянии обратиться в суд, да и мало кто захочет. По сути, это вопрос целостности. Этически татуировщик должен уважать права другого художника, и большинство из них это делает. Остальным может сойти с рук копирование работы, изменив изображение настолько, чтобы объявить его своим.

На протяжении многих лет я встречал многих людей, которые представляли себе одно из моих изображений на своем теле, с моего согласия или без него. Лично мне все равно, меня это не расстраивает. Меня больше интересует качество работы, и я видел несколько шокеров. Есть много плохих татуировщиков.

Мой самый украденный образ!

Самая запоминающаяся встреча у меня была с корейцем, который остановился как вкопанный, когда заметил мой портрет льва. Он закатал рукав, и вот оно. Он сделал татуировку еще на Дальнем Востоке и по чистой случайности прошел мимо меня, того самого художника, который ее создал, за полмира отсюда. Он был поражен и так счастлив, что тоже купил отпечаток.

Можно ли копировать и продавать персонажей Диснея?

Вы не можете копировать и продавать изображения Disney без разрешения. В прошлом Disney была довольно строгой в отношении своих авторских прав и товарных знаков.

Это касается комиксов Marvel, «Звездных войн» и любого другого фэнтезийного творения. Вы не имеете права воспроизводить работы или использовать производные.

Вы не можете копировать персонажей, которые они нарисовали, но вы можете использовать некоторые из предметов , которые они использовали. Многие из самых известных персонажей Диснея основаны на произведениях, авторские права на которые давно истекли. Вы можете интерпретировать их по-своему или даже копировать старые иллюстрации.

Например:

• Алиса в стране чудес
• Питер Пэн
• Робин Гуд
• Книга джунглей
• Белоснежка
• И это лишь некоторые из них. Список можно продолжить.

Если вы предпочитаете видеообучение, я нашел этот бесценный курс. Эрика Вулф-Мюррей — специалист по интеллектуальной собственности и работает с ведущими компаниями, включая Disney. Вы должны послушать ее видео, я думаю, вы будете впечатлены. Щелкните здесь или на изображении.

Учитесь у лучших

Можете ли вы скопировать чей-то художественный стиль?

Оригинальность встречается редко, большинство художников научились своему ремеслу, пытаясь копировать стиль других художников. Но вот в чем дело, вы можете начать с копирования стиля другого художника, но очень скоро выработается собственный стиль.

Нельзя обойти стороной тот простой факт, что репетиторы преподают свои знания и техники по-своему, и их ученики будут следовать их инструкциям. Результаты неизбежно будут подделкой.

Нельзя просто перенять их стиль. Ваши усилия будут второстепенными, навсегда бедными родственниками, как второсортная трибьют-группа.

Прочтите это, это поможет: Как найти свой стиль рисования: 8 способов развить свои навыки

Копирование стиля — это только трамплин на пути к поиску собственного способа работы. У всех нас есть свои уникальные стили, и мы меняем направления, когда на нас влияют другие. Пока экспериментируем, идем дальше.

Я помню, как меня обвинили в копировании другого художника, когда я впервые начал продавать свои рисунки. Я понимал, что между мной и другим известным художником есть сходство, потому что мы оба рисовали животных, но мне все равно было больно, когда вся моя тяжелая работа была отброшена так небрежно.

Похоже, некоторые критики путают использование одного и того же средства со стилем. Что ты можешь сказать? Мы использовали совершенно разные методы, но что, если мы этого не сделали? Что, если бы у нас был похожий подход, могли бы вы действительно «владеть» техникой? Я так не думаю.

Некоторые художники настолько уникальны, что никто не может скопировать их стиль, но большинство людей просто рисуют и раскрашивают в меру своих способностей. В конце концов, копировать другого художника — глупая затея.

Как защитить вашу работу от копирования

Если вы творческий человек, будь то в бизнесе или просто для развлечения, то есть вероятность, что в какой-то момент кто-то скопировал вашу работу.

Как предотвратить кражу ваших изображений? Что делать, если кто-то украл ваши изображения?

Водяной знак на каждое изображение, вести учет и происхождение. Укажите свое авторское право, имя и дату где-нибудь на оригинальном произведении, отправьте копию себе заказным письмом и оставьте ее неоткрытой в качестве доказательства. Выполните обратный поиск изображения для своего произведения искусства, свяжитесь с владельцем и попросите удалить изображение или попросите оплату.

Один из способов предотвратить случайную кражу — отключить функцию «Сохранить как» по щелчку правой кнопкой мыши. Вы можете сделать это, добавив код на свой сайт или используя плагин.

Я не захожу так далеко. Если кто-то хочет украсть изображение, он все равно сделает снимок экрана, и если у кого-то есть разумная причина сохранить ваше изображение, это их остановит.

Авторитетные сайты удалят украденные изображения, если вы сможете доказать их происхождение, но в остальном это Дикий Запад, и вы мало что можете с этим поделать.

Большинство артистов не в состоянии пользоваться судами. Лучшее, что вы можете сделать, это пригрозить судебным иском, а это пустая угроза, особенно если кража совершена за границей.

Нужно ли художникам защищать авторские права на свои работы?

Авторское право для художников — запутанная тема. Должен ли я защищать авторские права на свою работу? Должен ли я регистрироваться в правительстве? Остановит ли это кого-то от кражи?

Художникам часто говорят, что они должны охранять авторские права на свои работы, но правда ли это, и если да, то как? Это приводит к путанице, а иногда и к бездействию.

Я постараюсь помочь и сделать это достаточно простым для понимания.

Произведениям искусства автоматически присваивается авторское право в момент их создания. Вы не обязаны регистрировать свое искусство и не обязаны делать это по закону.

Однако разумно вести записи. Поместите символ © с вашим именем и годом где-нибудь на картинке.

Символ © указывает на то, что это произведение защищено авторским правом его владельца, который имеет исключительные права на его воспроизведение, распространение его копий, создание на его основе производных работ (таких как переводы или сокращения), публичное исполнение его версий.

Граждане США также могут зарегистрировать авторские права на свои произведения искусства в Бюро регистрации авторских прав для защиты от нарушений.

Регистрация не требуется для защиты в соответствии с законодательством США , хотя регистрация дает дополнительные преимущества, такие как предоставление доказательств prima facie того, что вы являетесь владельцем авторских прав, и может помочь вам возместить убытки в случаях нарушения. Есть сборы, в настоящее время $ 35 за одну штуку.

В Великобритании нет государственной службы регистрации. Вместо этого вы можете отправить копию себе заказным письмом и/или отправить другую копию юристу для безопасного хранения.

Нужно ли добавлять водяной знак на произведение искусства в Интернете?

Многие люди не понимают важности защиты своей интеллектуальной собственности. Важно защитить вашу работу от использования другими, но может быть трудно донести эту идею.

В Интернете полно людей, которые без разрешения возьмут вашу работу и используют ее в своих целях. Этим людям наплевать на законы об авторском праве, и они могут создать вам серьезные проблемы, если будут использовать ваши изображения ненадлежащим образом.

Одним из решений является добавление водяных знаков ко всем изображениям на вашем веб-сайте. Это должно помочь напомнить людям, что они не могут просто брать изображения из Интернета и использовать их как свои собственные.

Лучший способ добавить водяной знак в файл — использовать фоторедактор. Я использую Photoshop, но в Интернете есть бесплатные фоторедакторы. Попробуйте использовать бесплатный онлайн-сайт, например Pixlr.com или Canva.com (партнерские ссылки), чтобы добавить водяной знак.

Обе платформы имеют отличные бесплатные версии и доступные платные версии.

Если вы хотите научиться фотошопу, у Cat Coquillette есть очень популярный класс на Skillshare (партнер).

Отличные отзывы

Pixlr.com удивительно универсален и выполняет все основные операции по редактированию фотографий, которые вам могут понадобиться. У него есть простой и очень простой редактор под названием Pixlr X или, для более уверенных пользователей, Pixlr E с большим количеством функций.

В платной версии Pixlr.com есть все, что вам нужно, без рекламы. Вы также можете скачать его.

Если вы еще не используете Canva. com, почему бы и нет? Это упрощает проектирование, и существует множество шаблонов. Существует ежемесячный план членства, который разблокирует все функции, включая библиотеку стоковых фотографий, инструмент для удаления фона и многое другое. Проверьте это .

Это комплексный курс Skillshare , который научит вас максимально эффективно использовать Canva.

Домашняя страница Canva

Для готовых дизайнов и макетов попробуйте Креативный рынок .

Вернемся к делу…

Не поддавайтесь паранойе и не наклеивайте на изображение огромный символ авторского права. Помните, что если ваш водяной знак слишком большой и навязчивый, это может отвлечь внимание от работы.

Не переусердствуйте

Разместите его в ненавязчивом месте, чтобы люди знали, что это ваша работа, не отвлекаясь полностью от изображения.

Мне нравится добавлять символ авторского права и имя в правом нижнем углу изображения. Я знаю, что его можно обрезать, но любой, кто полон решимости украсть вашу работу, все равно это сделает.

Я думаю, это средство от бездумного воровства.

Вы также можете пойти другим путем и незаметно добавить свое имя к изображению в крошечных секретных местах. Воры ищут основной водяной знак и не будут думать о поиске скрытых слов внутри изображения.

Насколько большим должен быть файл изображения в сети?

Никогда не загружайте большие файлы в Интернет, если вы не хотите, чтобы они были скопированы.

Совершенно очевидно, что люди возьмут вашу работу, если увидят оригинал на экране вашего компьютера. Есть несколько способов обойти это, но сейчас давайте сосредоточимся на размере файла и на том, насколько важно не загружать большие файлы онлайн, чтобы избежать копирования ворами.

В идеале, ширина изображения в Интернете не должна превышать 1200 пикселей.

Большинство произведений искусства в Интернете имеют размеры ниже этих. Например, изображения в Instagram ограничены размером 1080×1080 пикселей. Сообщения Pinterest больше по размеру и составляют 1500L x 1000W пикселей, но очень немногие люди заполняют все свои пины отдельными изображениями.

Небольшие файлы могут отлично выглядеть в Интернете, но при распечатке они теряют качество. Хотя существует программное обеспечение, которое может увеличивать файлы, они не могут волшебным образом восстановить небольшие файлы Jpg с разрешением 72 DPI до необходимого качества печати.

У вас больше шансов, что ваше искусство будет украдено и перепрофилировано для Интернета, или открыто скопировано и украдено.

Я увидел одно из своих изображений, напечатанное на футболке, которую парень носил на улице. Кто-то, должно быть, отсканировал один из моих отпечатков и подумал, что добавление чего-то к изображению делает его своим. Кровавая щека.

Как найти ваши изображения в любом месте в Интернете

Если вы когда-нибудь задумывались, использует ли кто-то ваши изображения, есть способ узнать это

Обратные поисковые системы изображений позволят вам узнать, как называется растение и кто может использовать ваше изображение без разрешения.

Используйте поисковые системы с обратным изображением, такие как Google Reverse Image Search или TinEye, чтобы выявить виновных!

Поисковая система Google по обратному изображению имеет очень подробную и точную систему для поиска в определенных областях в Интернете. TinEye также надежен, но у него не так много изображений в базе данных, как у Google.

Перейдите в Google Images и щелкните значок камеры. В диалоговом окне добавьте URL-адрес или загрузите изображение. Нажмите «Поиск по изображению».

Для поиска с помощью TinEye необходим URL-адрес файла JPEG или изображения JPG в Интернете. Вы также можете загрузить изображение со своего компьютера на веб-сайт TinEye, а затем использовать функцию обратного поиска изображений, чтобы идентифицировать другие изображения, идентичные или очень похожие по содержанию.

TinEye также хорош тем, что специально ищет изображения, которые были загружены с веб-сайтов, поэтому, если кто-то загрузил вашу работу без разрешения на сайт социальной сети, TinEye сможет ее найти.

Что делать, если кто-то копирует ваши работы в Интернете

Итак, вы нашли сайт, использующий ваши изображения без разрешения, что вы об этом думаете?

Одно из решений — ничего не делать. Если сайт не использует вашу работу для зарабатывания денег или прибыли, а просто использует ее для личного пользования, в чем смысл? Вы всегда можете попросить их отметить вас и добавить ссылку, это справедливо.

Другой вариант — связаться с ними и попросить удалить изображения. Если они соблюдаются, то можно считать это удачным разрешением ситуации.

Вы также можете запросить плату или лицензионные отчисления, если они хотят лицензировать изображение.

Если это не сработает, попробуйте связаться с их веб-хостинговой компанией. Большинство из них удалят контент, нарушающий авторские права, после уведомления правообладателя.

Если ваше произведение искусства появилось на сторонней платформе, например, в компании Print-on-Demand, свяжитесь с ними, и они, скорее всего, удалят работу, нарушающую авторские права.

Если вам посчастливилось иметь большую базу поклонников, вы можете сплотить других на свою сторону и создать такой шум в сети, что вор отступит и ускользнет обратно в свою киберзмеиную яму.

Если это не сработает и вы хотите обратиться в суд. Отправьте письмо о прекращении и воздержании или отправьте уведомление об удалении DMCA.

Если ничего не помогает, вы можете подать иск о нарушении авторских прав на ваше произведение искусства, чтобы возместить убытки, такие как упущенная выгода или гонорары, когда оно использовалось без разрешения.

Но давайте будем честными, вы когда-нибудь собирались зайти так далеко?

Когда все сказано и сделано, стоит ли напрягаться? Конечно нет, так что пусть это будет.

Можно ли копировать и продавать искусство? — Заключительные мысли

Хорошая новость заключается в том, что существует множество способов защитить ваши работы от копирования.

Вы можете использовать водяные знаки, теги авторских прав и уменьшать размеры изображений. Вы можете найти свои «заимствованные» изображения в Интернете, и большинство людей уберут их без суеты.

Большинство людей не жулики, но многие люди легкомысленны. Не расстраивайтесь.

Я надеюсь, что это руководство помогло вам показать вам различные способы обеспечения безопасности вашей работы в Интернете.

«Прыжки и границы» Кевина Хейлера

Если вам нравится мой фотореалистичный стиль, это инструменты для рисования, которые я использую : (Партнерские звенья Amazon)

• ПЕНДЕЛЬ МЕХАНИЧЕСКИЙ КРАНГИЛЫ 9292929292929292929292929292.
.
• Бумага для картриджей Daler-Rowney Heavyweight
• Jakar Battery Eraser

• 9 Eraser Tombo 9 Monoraser Tombo0257
• Faber Castell Putty Eraser
• Blu Tack

If you want an alternative to Amazon, check out Arteza (affiliate)

---

Make your own art and learn продать их.