Готика картина: Картина «Американская готика», Грант Вуд — описание
Картина «Американская готика», Грант Вуд — описание
Американская готика — Грант Вуд. 1930. Холст, масло. 74 x 62 см
Без преувеличений можно сказать, что картина «американская готика» является одной из самых узнаваемых в мире, сравнимой с «Джокондой» Да Винчи, «Поцелуем» Мунка или «Сотворением Адама» Микеланджело. За годы своего существования шедевр стал жертвой множества пародий и мемов. Существует даже весьма зловещее толкование сюжета. Но какой же смысл вкладывал в свою «Американскую готику» сам автор?
Картина была создана в 1930 г. во время Великой депрессии. В городе Элдон Грант Вуд приметил аккуратный дом, созданный в стиле плотницкой готики. Художник захотел изобразить дом и его потенциальных жителей – отца и дочь, старую деву (по другим данным это жена и муж). В качестве моделей выступили сестра живописца и его личный дантист. Необычная экспозиция картины – это ничто иное, как подражание фотографиям тех лет.
Герои изображены очень чётко и ясно. Мужчина смотрит на зрителя, в его руках крепко сжаты вилы. Женщина со строгим пучком на затылке смотрит в сторону, на ней передник со старомодным узором. Автор позволил из лаконичной причёски девушки выбиться лишь одному пучку. В суровых лицах героев и их сжатых губах многие искусствоведы находят враждебность и откровенное уродство. Другие же очень авторитетные исследователи угадывали в работе сатиру на чрезмерную замкнутость и ограниченность жителей маленьких городков.
Между тем, сам Вуд сетовал, что публика неверно трактует его работу – он видел в сельских жителях именно ту, действенную силу, которая может противостоять экономическим проблемам, вызвавших Великую депрессию. Эти жители городков и деревень полны решимости и отваги бороться с проблемами. Художник говорил, что герои его работы – образ собирательный, ассоциирующийся у него со всей Америкой. Однако жители городка Элтон не вняли объяснениям автора, они были возмущены и разгневаны тем, как Вуд представил их в своей работе.
Дочь это или жена? Ответ на этот вопрос также очень интересен. Зритель склонен «считывать» эту героиню, как жену, сестра же Вуда, которая была моделью, настаивала на том, что это дочь. Ей просто хотелось видеть себя в знаменитой работе моложе, ведь во время позирования ей было всего 30 лет.
Вилы являются центральным элементом картины. Строгие, прямые линии зубцов этого сельскохозяйственного инструмента читаются и в других деталях полотна. Швы рубашки мужчины почти идеально повторяют контуры вил. Кажется, вся работа состоит из обращения к прямым вертикальным линиям – экстерьер дома, шпиль, вытянутые окна и сами лица персонажей. Дантист Байрон Маккиби, которого мы видим в образе отца-мужа, вспоминал, что художник как-то отметил: ему нравится его лицо, потому что оно сплошь состоит из прямых линий.
Публика с интересом отнеслась к работе Гранта Вуда, едва она появилась на выставке в Институте искусств Чикаго. Это поразительно, но не все согласились с авторской трактовкой произведения, хотя и признавали, что живописцу удалось очень точно «схватить» американский национальный дух.
После того, как Великая Депрессия уступила место обычной стабильной жизни, зритель, наконец, смог увидеть картину глазами создателя, разглядеть не суровых, но непоколебимых американцев, которые готовы не драться, а противостоять всем неприятностям.
«Американская Готика» Вуда — картина, которая уже более 80 лет является мишенью для едких шуток и пародий
Знаменитая картина Гранта Вуда и пародия на нее.
В России картина «Американская Готика» практически неизвестна, а между тем в Америке она является поистине национальной достопримечательностью. Написанная в 1930 году художником Грантом Вудом, она до сих пор будоражит умы и является объектом многочисленных пародий. А началось все с маленького домика и необычного окошка в готическом стиле…
Художник Грант Вуд. Автопортрет
Американский художник Грант Вуд родился и вырос в штате Айова, писал он реалистичные, местами утрированные, портреты и пейзажи, посвященные простым американцам, сельским жителям Среднего Запада, выполненные с невероятной точностью до мельчайших деталей.
А началось все с маленького белого сельского домика, с остроконечной крышей и готическим окном, в котором, судя по всему, проживала семья небогатых фермеров.
Этот простой домик в городе Элдон, на Юге Айовы, настолько впечатлил художника и напомнил ему детские годы, что он решил нарисовать его, а заодно и тех американцев, которые, по его представлениям, могли в нем жить.
Картина «Американская Готика»
Сама картина совершенно незамысловата. На переднем плане на фоне дома изображены пожилой фермер с вилами и его дочь в строгом пуританском платье, в качестве моделей художник выбрал знакомого 62-летнего зубного врача Байрона МакКиби и свою 30-летнюю дочь Нэн. Для Вуда это картина была воспоминанием о детстве, тоже проведенном на ферме, поэтому некоторые личные вещи своих персонажей (очки, передник и брошь) он намеренно изобразил старомодными, такими, какими помнил их с детства.
Совершенно неожиданно для автора картина выиграла на конкурсе в Чикаго, и после того, как ее опубликовали в газетах, Грант Вуд сразу стал знаменитым, но не в хорошем смысле слова, а наоборот. Его картина не оставила равнодушным ни одного человека, который ее увидел, и реакция у всех была крайне негативной и возмущенной. Виной тому были главные герои картины, олицетворявшие, по замыслу художника, простых сельских жителей американской глубинки. Слишком уж грубыми и непривлекательными выглядели угрожающего вида фермер с тяжелым взглядом и его дочь, полная обиды и возмущения.
Детей же эта картина по-настоящему пугала, они боялись страшного дедушку с жуткими вилами, полагая, что на чердаке своего дома он спрятал труп.
Вуд не раз говорил, что в его картине нет ни насмешки, ни сатиры, ни зловещего подтекста, а вилы просто символизируют тяжелый фермерский труд.
Зачем было ему, выросшему в сельской глубинке, любящему ее природу и людей, смеяться над ее жителями?
Но, несмотря на бесконечную критику и негативное отношение, картина Вуда становилась все популярнее. А в годы Великой депрессии она даже стала символизировать национальный непоколебимый дух и мужественность.
Модели, изображенные Грантом Вудом, фотографируются у картины
А домик, изображенный на картине, сделал знаменитым небольшой городок Элдон, в котором проживает всего около тысячи человек. Взглянуть и сфотографироваться около него приезжают туристы со всего света.
Знаменитый дом
Памятник «Американской готике» в Чикаго
В конце 20 — начале 21 века вновь резко возрос интерес к этой картине, породивший огромное количество пародий на нее. Здесь и насмешки с использованием черного юмора, и пародии на известных персонажей с подменой главных героев картины, их одежды или заднего плана, на фоне которого они изображены.
Вот лишь некоторые из них:
Эволюция американского общества
Стоит сказать, что пародии весьма популярны в среде художников.
В том числе и такие, как юмористичный пин-ап в духе соцреализма.
Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:
Нравится
Известные готические картины – взгляд на наиболее влиятельное искусство готического периода Хотя большинство произведений этого жанра представляли собой архитектурные проекты, такие как соборы и витражи, а также скульптуры и иллюминированные рукописи, также были созданы некоторые известные панно и фрески.
Несколько ключевых художников выделились в искусстве готического периода, создав самые известные картины. Сегодня большинство примеров известного готического искусства, подробно описанных ниже, существуют как выдающиеся произведения в истории искусства. Содержание
- 1 Что такое готическое искусство?
- 2 10 самых известных готических картин
- 2.1 Маэста ди Санта-Тринита (1283–1291) Чимабуэ
- 2.2 Мадонна Ручеллаи (1285) Дуччо
- 2.3 Бегство в Египет (13904-1) Джотто
- 2.4 Поклонение волхвов (1305) Джотто
- 2.5 Плач (Оплакивание Христа) (1306) Джотто
- 2.6 Огниссанти Мадонна (1306) Джотто
- 2.7 Maestà del Duomo di Siena (1308-1311) Дуччо
- 2.8 Благовещение со святыми Маргаритой и святым Ансаном (1333 год) Симоне Мартини и Липпо Мемми
- 2.9 Коронация Богородицы (1432) Fra1 Angelico 900
- 2.10 Мадонна с младенцем (1480) Карло Кривелли
Что такое готическое искусство?
Это движение, также известное просто как готическое искусство, возникло в Северной Франции после начала 9 в.
0003 Романский период искусства в начале 12 -го века. Быстро распространившись по Западной Европе, а также по большей части Центральной, Северной и Южной Европы, готическое искусство продемонстрировало немедленную популярность стиля после его появления. Основной формой искусства, появившейся в этот период искусства, была готическая архитектура , которая развивалась вместе с развитием общего готического искусства.
Поначалу этот новый стиль не затронул Италию, поскольку художники внутри страны все еще находились под сильным влиянием Византийское искусство техник этого периода. Таким образом, переход от романского искусства, вдохновленного Византией, к готическому искусству был медленным, и поначалу на небольших участках проявлялись лишь тонкие намеки на готические элементы, такие как декоративные детали.
Чимабуэ и Дуччо, которые считались двумя величайшими итальянскими художниками Средневековья, были первыми художниками, которые заметно отошли от византийского искусства в пользу готики.
Воскрешение Лазаря (1310-1311) Дуччо ди Буонинсенья; Дуччо ди Буонинсенья, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Благодаря огромному вкладу Чимабуэ и Дуччо, они стали пионерами в дальнейшем развитии знаменитого готического искусства. В конце концов они работали под руководством Джотто, который продолжал развивать и влиять на еще более реалистичных персонажей в своих работах. Ко второй половине 13 -го -го века итальянская готическая живопись наконец начала процветать сама по себе. Произведенные произведения искусства продемонстрировали более прямое движение к натурализму, поскольку картины и скульптуры изображали фигуры с более реалистичными размерами, выражениями и оттенками.
Живопись готического периода была выставлена в четырех основных стилях, включая панно, фрески, иллюминацию рукописей и витражи.
Начали развиваться некоторые техники, такие как использование ракурса и светотени для изображения очень выразительных фигур.
По мере роста популярности стиля готические картины в виде фресок были заменены большими разноцветными витражами в церквях и соборах. Таким образом, самые известные готические картины, известные сегодня, входили в состав этих архитектурных сооружений.
Освобождение Святого Петра (1444) Конрадом Витцем; Konrad Witz, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Наши лучшие 10 самых известных готических картин
Движение готического искусства оказалось очень влиятельным, поскольку оно привело к созданию некоторых из самых красивых работ. в истории искусства. Большинство известных произведений готического искусства, которые существуют, были сделаны с ярко выраженным религиозным тоном, поскольку их целью было размещение в церкви, соборе или монастыре.
Хотя можно перечислить множество столь же значимых картин и даже больше скульптур, мы рассмотрим 10 самых известных готических картин всех времен.
Maestà di Santa Trinita (1283-1291) by Cimabue
| Artist | Cimabue |
| Date Painted | 1283 – 1291 |
| Medium | Tempera on панель |
| Dimensions | 385 cm x 223 cm (152 in x 88 in) |
| Where It Is Currently Housed | Uffizi Gallery, Florence |
Italian Medieval artist Cimabue painted the Maestà di Santa Trinita первоначально для церкви Санта-Тринита во Флоренции, где он оставался до тех пор, пока не был раскопан для размещения в официальной галерее Уффици. Считается готической картиной с заметными элементами ренессанса, Maestà di Santa Trinita представляет Мадонну с младенцем, сидящую на золотом троне, предположительно находящемся на Небесах.
Санта-Тринита-Маэста (Мадонна на троне; Мадонна с младенцем на троне с восемью ангелами, Мадонна Санта-Тринита) (1290–1300) Чимабуэ; Чимабуэ, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Четыре ангела изображены по обе стороны от Мадонны симметрично, так как все они держат башни, как будто поддерживая их.
Только два ангела на самом верху повернуты к ней лицами, а остальные смотрят в другую сторону. Когда ангелы накладываются друг на друга, их крылья образуют узор, который, кажется, оценивается по цвету, что помогает направлять взгляд зрителей вверх, чтобы сфокусироваться на Мадонне таким образом, чтобы подчеркнуть их важность.
Под этим небесным изображением помещен портрет четырех важных пророков, смотрящих сквозь три арки. Их вставка помогла создать авторитет и силу, связанные с традицией. В рамках Maestà di Santa Trinita Чимабуэ продемонстрировал заметный отход от плоских изображений и стилизованных фигур византийского стиля.
Это было видно по добавлению движения в эту работу, когда Чимабуэ пытался добавить движение через натуралистическую драпировку одежды Мадонны.
The Rucellai Madonna (1285) by Duccio
| Artist | Duccio |
| Date Painted | 1285 |
| Medium | Tempera on gold and panel |
| Размеры | 450 см x 290 см (180 дюймов x 110 дюймов) |
| Где сейчас находится | Галерея Уффици, Флоренция |
Мадонна Ручеллаи0068 существует как самая старая и самая известная работа готического художника Дуччо.
Первоначально он был заказан для церкви Санта-Мария-Новелла во Флоренции общиной, которая регулярно собиралась в церкви, чтобы восхвалять Мадонну. В 1591 году она была перенесена в более крупную семейную часовню Ручеллаи, а в начале 19 века была перенесена в галерею Уффици.
Ручеллаи Мадонна (ок. 1285 г.) работы Дуччо; Дуччо ди Буонинсенья, CC BY 2.0, через Wikimedia Commons
Известная как крупнейшее в истории панно XIII века, Мадонна Ручеллаи изображает Богородицу с младенцем, сидящую на золотом троне в окружении шести ангелов. Показано, что ее плечи покрыты знаменем, которое символизировало ее честь и репутацию, в то время как Младенец Христос носит обычные древние красно-золотые одежды вокруг талии. Говорят, что с протянутой правой рукой Младенец Христос даровал благословение.
Кажется, что каждый из шести ангелов стоит на коленях, что создает впечатление, что они временно приостановлены во времени.
Считалось, что это произошло потому, что Мадонна Ручеллаи считалась проявлением святого образа, который обычно видели прихожане. Боковой наклон трона, а также слегка наклонное положение Богородицы демонстрируют прием, часто использовавшийся художниками в 13 -м -м веке для придания своим картинам элемента пространственной глубины.
Бегство в Египет (1304-1306) Джотто
| Artist | Giotto |
| Date Painted | 1304 – 1306 |
| Medium | Fresco |
| Dimensions | 200 cm x 185 cm (78 in x 73 in) |
| Где он находится в настоящее время | Капелла Скровеньи, Падуя, Италия |
Культовый итальянский художник Джотто написал множество невероятно известных произведений искусства, о которых до сих пор говорят. Поскольку его стиль перекликается между поздним готическим искусством и проторенессансом, в его картинах можно увидеть смесь техник.
Одна из его значительных фресок включает Бегство в Египет , основанный на библейской истории, взятой из Евангелия от Матфея 2:13–23. В настоящее время его все еще можно посетить в капелле Скровеньи в Италии. Египет с Марией и их сыном Иисусом после того, как их посетили три царя, известные как волхвы. История гласит, что после этого визита Иосифу во сне явился ангел и сказал ему уйти, так как царь Ирод планировал убить младенца. В то время как Джотто назвал свою картину термином «полет», зрители вместо этого видят медленную процессию, происходящую в пустыне.
№ 20 Сцены из жизни Христа : 4. Бегство в Египет (1304-1306) Джотто; Джотто ди Бондоне, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Поскольку показано, что фигуры движутся с поспешностью, создается впечатление, что это путешествие очень важно.
Через созданную тонкую композицию Джотто целенаправленно поместил в свою картину как людей, так и животных. Осел, на котором сидят Мария и Иисус, показан как основание пирамиды на заднем плане, а Мария и ее сын — как вершина сооружения. Включение осла продемонстрировало смирение, с которым Иисус Христос появился в мире. Показан как просто беззащитный младенец, сидящий на самом скромном из животных, Бегство из Египта изображает их поиски убежища.
Adoration of the Magi (1305) by Giotto
| Artist | Giotto |
| Date Painted | 1305 |
| Medium | Fresco |
| Dimensions | 200 cm x 185 см (78 дюймов x 73 дюйма) |
| Где сейчас находится | Капелла Скровеньи, Падуя, Италия |
Еще одним известным произведением готического искусства, созданным Джотто, было «Поклонение волхвов» , которое также находилось в часовне Скровеньи в Италии. Эта картина принадлежит к серии из семи других картин, изображающих жизнь Христа, и все они были написаны Джотто. Поклонение волхвов — это традиционное название, данное сюжету Рождества Иисуса, которое представляет трех волхвов, отправившихся в Вифлеем, чтобы навестить младенца.
Поклонение волхвов (1303) Джотто; Джотто ди Бондоне, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Джотто создал эту фреску по мотивам библейской истории о трех волхвах, которые посетили младенца Иисуса и подарили ему золото, ладан и смирну. Поскольку за последнее десятилетие в искусстве было замечено множество различных изображений этой истории, Джотто «Поклонение волхвов» существует как яркое, но нежное воспроизведение этой истории.
Когда он был впервые нарисован, небо было изображено ярким синим цветом, который подчеркивал Вифлеемскую звезду, представленную стреляющей кометой в центре неба, которая, как считается, напоминает комету Галлея.
Единственный другой яркий цвет, который можно увидеть в работе Джотто, — это бордово-красный платья Марии, который сильно контрастировал с бежевым и белым, которые носили другие фигуры. Это также использовалось, чтобы привлечь к ней внимание при просмотре работы, поскольку персонаж фрески, которым был младенец Иисус, сидит у нее на коленях. Кроме того, простота, используемая для изображения детской кроватки и фона, позволяет смешивать незначительные элементы, пока не будут сосредоточены только самые важные аспекты.
Lamentation (The Mourning of Christ) (1306) by Giotto
| Artist | Giotto |
| Date Painted | 1306 |
| Medium | Fresco |
| Dimensions | 200 см x 185 см (79 дюймов x 73 дюйма) |
| Где сейчас находится | Капелла Скровеньи, Падуя, Италия |
Третье известное произведение готического искусства, созданное Джотто и находится в капелле Скровеньи Плач (Оплакивание Христа) . Эта картина стала частью большой фрески, которую Энрико Скровеньи заказал в качестве надгробного памятника и формы искупления грехов его отца, совершенных в католической церкви.
Это позднеготическое произведение искусства изображает скорбящего Христа, которого поддерживает его мать, в то время как Мария Магдалина держит его за ноги, а другие скорбящие окружают его.
№ 36 Сцены из жизни Христа : 20. Плач (Оплакивание Христа) (1304-1306) Джотто; Джотто ди Бондоне, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Поскольку несколько ангелов летят над Христом, два апостола изображены стоящими у каменной стены, которая эффективно отделяла человеческую сцену от небес. Поза ангелов, а также их опущенные крылья передают их божественное напряжение в ситуации, свидетелями которой они являются. Композиция, разработанная Джотто, помогла подчеркнуть лицо мертвого Христа как фокус, поскольку лица всех людей обращены к нему.
Отношение Джотто к человеческим эмоциям как к реалистичному и мощному инструменту очевидно в Плач (Оплакивание Христа) . И язык тела, и выражение лица скорбящих передают их глубокую боль и горе по поводу смерти Христа, изображая очень мрачную сцену.
Огниссанти Мадонна (1306) Джотто
| Художник | Джотто | |
| 1306 | ||
| Medium | Tempera on panel | |
| Dimensions | 325 cm x 204 cm (128 in x 80 in) | |
| Where It Is Currently Housed | Uffizi Gallery, Florence |
Последним произведением Джотто, которое мы включили в наш список, является его Ognissanti Madonna , известное как очень важная веха в истории искусства. Сделанный в виде большого алтаря, Ognissanti Мадонна была написана для церкви Ognissanti во Флоренции, откуда и получила свое название. По ходу истории эта картина также была известна под названием «Мадонна на троне» .
Огниссанти Мадонна (Мадонна на троне) (ок. 1300-1305) Джотто; Джотто ди Бондоне, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Следуя очень традиционной христианской теме, Джотто нарисовал Деву Марию с младенцем Христом, сидящим у нее на коленях, в окружении ангелов и святых. Это конкретное изображение Девы Марии называлось «Маэста», и в то время оно было очень популярным. Это изображение можно увидеть в 9 картинах Чимабуэ.0067 Маэста-ди-Санта-Тринита (1283–1291).
Джотто изобразил Деву Марию с Младенцем в виде твердых, четко очерченных фигур, которые, казалось, твердо стояли на троне. Они также были написаны более правдоподобно и по-человечески, что демонстрировало его уход от плоских поверхностей. Размещение Марии на троне показывает стремление Джотто к перспективе, поскольку ее присутствие на стуле помогло передать идею реальной среды.
Кроме того, складки на одежде, которую носят все фигуры, вносят движение в работу, которая существует как еще одно подтверждение реальности.
Maestà del Duomo di Siena (1308-1311) by Duccio
| Artist | Duccio |
| Date Painted | 1308 – 1311 |
| Medium | Tempera золото на дереве |
| Размеры | 213 см x 396 см (84 дюйма x 156 дюймов) |
| Где сейчас находится | Museo dell ‘Opera Metropolitana del Duomo, Испания |
Среди многих известных готических картин, созданных Дуччо, есть его Maestà del Duomo di Siena , который был заказан городом Сиена, Италия, в 1308 году. Эта картина существует как наиболее значительная часть его карьеры, поскольку это, пожалуй, величайшее панно из когда-либо созданных.
Этот двухсторонний алтарь изображал большую Мадонну с Младенцем, сидящих на троне на передних панелях, которые с обеих сторон окружены множеством святых и ангелов на соседних панелях.
Следуя по стопам многих других произведений искусства, в которых использовалась Дева Мария с младенцем в 14 веке, картина Дуччо, безусловно, является самой красивой и экстравагантной из когда-либо написанных. И снова Мадонна с Младенцем изображены прочно восседающими на золотом троне, что помогло сосредоточить на них внимание как на главных фокусах картины.
Маэста Дуомо ди Сиена (1311) Дуччио; Дуччо ди Буонинсенья, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Дуччо поместил пределлу под картину, на которой были изображены семь сцен из детства Христа. Над средней панелью также были изображены вершины жизни Девы Марии, а вся оборотная сторона картины была покрыта различными сценами из жизни Христа.
Сегодня основную панель можно найти в Museo dell ‘Opera Metropolitana del Duomo в Сиене, в то время как другие панели алтаря находятся в Национальной галерее в Лондоне, коллекции Фрика в Нью-Йорке и Национальной галерее Искусство в Вашингтоне, округ Колумбия
Annunciation with St.
Margaret and St. Ansanus (1333) by Simone Martini and Lippo Memmi| Artist | Simone Martini and Lippo Memmi |
| Date Painted | 1333 |
| Medium | Темпера и золото на панели |
| Размеры | 305 см x 265 см (120 дюймов x 104 дюйма) |
| Где сейчас находится | Галерея Уффици, Флоренция |
Картина «Благовещение со святыми Маргаритой и святым Ансанусом» была написана итальянскими готическими художниками Симоне Мартини и Липпо Мемми и изначально предназначалась для бокового алтаря Сиенского собора. Центральная панель считается одним из шедевров Мартини, поскольку она демонстрирует его новаторское использование линий, слитых с ощущением движения и человеческого выражения. Говорят, что помимо пророков Мемми нарисовал святую Маргариту справа и святого Ансана слева, несмотря на то, что его работам не хватало изысканности Мартини.
На центральной панели, которая считается наиболее важным аспектом произведения, изображено Благовещение.
Благовещение и два святых (1333) Симоне Мартини и Липпо Мемми; Симоне Мартини, общественное достояние, через Wikimedia Commons
Архангел Гавриил, несущий оливковую ветвь, изображен стоящим на коленях перед Марией, которая идентифицируется с правой стороны панели по ее темным одеждам. Говорят, что Гавриил сообщил ей, что вскоре у нее будут роды с сыном Божьим. Однако лицо Марии изображено с выражением недоверия, так как она, кажется, отшатнулась от объявления.
Между этими двумя фигурами можно увидеть вазу с лилиями, которая, как говорят, символизирует чистоту. Над ними видна группа ангелов, переплетающих крылья, с латинскими словами «Радуйся, Мария, благодатная, Господь с Тобой». Эти работы выбиты диагональной линией, идущей от уст ангелов к Марии.
Коронация Богородицы (1432) Фра Анджелико
| Художник | Фра Анджелико |
| Date Painted | 1432 |
| Medium | Tempera on panel |
| Dimensions | 112 cm x 114 cm (44 in x 45 in) |
| Where It Is Currently Housed | Uffizi Gallery , Флоренция |
Другим известным готическим художником был Фра Анджелико , написавший Коронация Богородицы . Анджелико написал еще одно идентичное произведение между 1434 и 1435 годами, также названное 9.0067 Коронация Богородицы , который сегодня можно найти в Луврском музее в Париже. В период ранней готики коронация Марии была одним из распространенных сюжетов, изображаемых художниками, и эта картина ничем не отличается.
Incoronazione della Vergine ( Коронация Богородицы) (1434-1435) Фра Анджелико; Фра Анджелико, общественное достояние, через Wikimedia Commons
На этой готической картине с позолоченным фоном Анджелико изображена коронация над раем. В центре работы изображен Христос, венчающий Богородицу. Обе эти фигуры окружены яркими солнечными лучами, которые символизировали божественный свет.
Как и другие картины и готические рисунки Анжелики, это произведение имеет мистический оттенок.
Под Христом и Девой Марией изображена большая толпа святых, ангелов и других блаженных фигур, которые усилили действие коронации. Заметной фигурой в толпе является Мария Магдалина, которую можно увидеть стоящей на коленях с правой стороны среди святых женщин. В последний ряд зрителей входят ангелы-музыканты с длинными тонкими трубами. Весь состав Коронация Богородицы , наряду с великолепным использованием цвета, демонстрирует большое влияние, которое оказал на него учитель Анджелико.
Madonna with Child (1480) by Carlo Crivelli
| Artist | Carlo Crivelli |
| Date Painted | 1480 |
| Medium | Tempera and gold on wood |
| Размеры | 36,5 см x 23,5 см (14,3 дюйма x 9.2 in) |
| Где сейчас находится | Метрополитен-музей, Нью-Йорк |
Последнее произведение искусства, которое мы включили в наш список самых известных готических картин, — это Мадонна с младенцем , картина Карло Кривелли. Первоначально созданная для церкви Сан-Франческо-ад-Альто в Анконе, Италия, говорят, что стиль работы разнообразен, поскольку можно увидеть разные художественные элементы. Мадонна с Младенцем , прекрасно сохранившаяся на протяжении многих лет, существует как самая изысканная картина, когда-либо созданная Кривелли.
Мадонна с младенцем (1480) Карло Кривелли; Карло Кривелли, CC0, через Wikimedia Commons
Изображена похожая на фарфор Мадонна в роскошном одеянии, пытающаяся удержать младенца своими невероятно изящными руками. Младенец Иисус крепко сжимает щегла, сидящего на маленькой подушке на выступе стены. Нимбы, которые носят Мадонна и Младенец, покрыты драгоценностями, которые создают впечатление экстравагантных тарелок, в отличие от более небесного качества, которое обычно использовали многие коллеги-художники Кривелли.
В этом произведении Кривелли создана атмосфера меланхолии, так как выражение лица Мадонны почти предвещает природу последних дней Христа на земле. Это еще больше усиливается изображением младенца Иисуса на этом произведении, который в то время был просто невинным ребенком. Говорят, что включение щегола с его ярко-красной головой также указывает на это затруднительное положение, поскольку цвет напомнил зрителям о крови из головы Христа, когда он был увенчан терновым венцом при распятии.
После просмотра нашего списка 10 самых известных готических картин, которые будут созданы, в большинстве работ можно увидеть очень похожие темы и сюжеты. Эта эпоха оказалась очень значительным художественным периодом, так как в это время были созданы одни из самых изысканных религиозных готических рисунков и картин. Однако многие другие не менее примечательные произведения были созданы в период готического искусства. Если вам понравилось читать о картинах выше, мы рекомендуем вам изучить других художников и картины, которые были созданы.
Взгляните на нашу веб-историю готических картин здесь!
Готическое искусство | Британика
Шартрский собор
Все медиа
- Похожие темы:
- Готическая архитектура Высокая готика Поздняя готика Раннее готическое искусство
Просмотреть весь связанный контент →
Готическое искусство , живопись, скульптура и архитектура, характерные для второй из двух великих интернациональных эпох, которые процветали в Западной и Центральной Европе в средние века. Готическое искусство развилось из романского искусства и просуществовало с середины 12 века до конца 16 века в некоторых областях. Термин «готика» был придуман итальянскими писателями-классицистами эпохи Возрождения, которые приписывали изобретение (и то, что для них было неклассическим уродством) средневековой архитектуры варварским готским племенам, которые разрушили Римскую империю и ее классическую культуру в V веке н. э. . Этот термин сохранял свой уничижительный оттенок до 19 века.века, когда произошла положительная критическая переоценка готической архитектуры. Хотя современные ученые давно поняли, что готическое искусство не имеет ничего общего с готами, термин «готика» остается стандартным в изучении истории искусства.
Архитектура была самой важной и оригинальной формой искусства в готический период. Основные структурные характеристики готической архитектуры возникли в результате усилий средневековых каменщиков решить проблемы, связанные с поддержкой тяжелых каменных потолочных сводов на широких пролетах. Проблема заключалась в том, что тяжелая каменная кладка традиционного арочного цилиндрического свода и пахового свода оказывала огромное давление вниз и наружу, которое имело тенденцию выталкивать стены, на которые опирался свод, наружу, тем самым разрушая их. Таким образом, вертикальные опорные стены здания должны были быть очень толстыми и тяжелыми, чтобы сдерживать направленную наружу тягу цилиндрического свода.
Средневековые каменщики решили эту сложную задачу около 1120 года с рядом блестящих нововведений. В первую очередь они разработали ребристый свод, в котором изогнутые и пересекающиеся каменные ребра поддерживают сводчатую поверхность потолка, состоящую из простых каменных панелей. Это значительно уменьшило вес (и, следовательно, направленное наружу) потолочного свода, и, поскольку вес свода теперь приходился на отдельные точки (ребра), а не вдоль непрерывного края стены, можно было использовать отдельные широко расставленные вертикальные опоры для поддержки ребер. заменить сплошные толстые стены. Круглые арки бочкообразного свода были заменены остроконечными (готическими) арками, которые распределяли тягу в большем количестве направлений вниз от самой верхней точки арки.
Поскольку комбинация ребер и опор освобождала промежуточные вертикальные пространства стен от их опорной функции, эти стены можно было сделать тоньше и даже можно было открывать большими окнами или другим остеклением. Важным моментом было то, что направленная наружу ребристая сводчатая арка передавалась через внешние стены нефа, сначала на прикрепленный внешний контрфорс, а затем на отдельно стоящий пирс с помощью полуарки, известной как летающий контрфорс. Контрфорс опирался на верхнюю часть нефа (таким образом, противодействуя тяге свода наружу), пересекал низкие боковые проходы нефа и заканчивался отдельно стоящим контрфорсом, который в конечном итоге поглощал тягу свода потолка.
Эти элементы позволили готическим каменщикам строить гораздо более крупные и высокие здания, чем их романские предшественники, и придавать своим постройкам более сложные планы. Умелое использование аркбутанов позволило построить чрезвычайно высокие тонкостенные здания, внутренняя конструктивная система которых из столбчатых опор и ребер усиливала впечатление парящей вертикальности.
Можно выделить три последовательные фазы готической архитектуры, соответственно называемые ранней, высокой и поздней готикой.
Оформите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчас
Эта первая фаза длилась с момента зарождения готического стиля в 1120–1150 годах примерно до 1200 года. Сочетание всех вышеупомянутых структурных элементов в едином стиле впервые произошло в Иль-де-Франс (регион вокруг Парижа), где преуспевающее городское население имел достаточно средств, чтобы построить великие соборы, олицетворяющие готический стиль. Самым ранним сохранившимся готическим зданием было аббатство Сен-Дени в Париже, начатое примерно в 1140 году. Строения с такими же точными сводами и цепочками окон по периметру вскоре были начаты с Нотр-Дам-де-Пари (начало 1163 года) и Лаонского собора (начало 1163 года). 1165). К этому времени стало модным рассматривать внутренние колонны и ребра так, как будто каждое из них состоит из группы более тонких параллельных элементов. Был разработан ряд из четырех отдельных горизонтальных уровней или этажей в интерьере собора, начиная с аркады на уровне земли, над которой проходили одна или две галереи (трибуна, трифорий), над которыми, в свою очередь, проходил верхний этаж с окнами, называемый фонарем. . Колонны и арки, используемые для поддержки этих различных возвышений, способствовали строгой и сильно повторяющейся геометрии интерьера. Постепенно развивалась оконная ажурность (декоративная ребристость, разделяющая оконный проем), наряду с использованием витражного (цветного) стекла в окнах. Типичный французский собор ранней готики оканчивался в восточной части полукруглым выступом, называемым апсидой. Западный конец был гораздо более впечатляющим, представляя собой широкий фасад, сочлененный многочисленными окнами и стрельчатыми арками, с монументальными дверными проемами и увенчанный двумя огромными башнями. Длинные стороны фасада собора представляли собой сбивающее с толку и запутанное множество опор и контрфорсов. Основная форма готической архитектуры в конечном итоге распространилась по Европе в Германию, Италию, Англию, Нидерланды, Испанию и Португалию.
В Англии фаза ранней готики имела свой особый характер (воплощенный в Солсберийском соборе), который известен как ранний английский готический стиль ( c. 1200–1300). Первым зрелым образцом стиля был неф и хор Линкольнского собора (начат в 1192 году).
Ранние английские готические церкви во многих отношениях отличались от своих французских аналогов. У них были более толстые и тяжелые стены, которые не сильно изменились по сравнению с романскими пропорциями; акцентированные, повторяющиеся молдинги по краям межкомнатных арок; экономное использование высоких, стройных остроконечных стрельчатых окон; и опоры нефа, состоящие из центральной колонны из светлого камня, окруженной рядом более тонких примыкающих колонн из черного мрамора Пурбек.
Ранние английские церкви также установили другие стилистические особенности, которые должны были отличать всю английскую готику: большая длина и мало внимания к высоте; почти одинаковый акцент на горизонтальных и вертикальных линиях в струнах и возвышениях интерьера; квадратное окончание восточного торца здания вместо полукруглого восточного выступа; скудное использование контрфорсов; и частичная, асимметричная концепция плана церкви.