Художник современный: Современный художник (Художник-практик) – Карта профессий БВШД

9 современных художников, за которыми надо следить

Назвать кого-то «вторым Бэнкси» уже давно звучит как сомнительный комплимент – кроме Бэнкси есть десятки актуальных художников, упаковывающих социальные или чисто эстетические высказывания в разноцветные (или черно-белые) уличные картинки. Вместе с лимитированной арт-серией Hennessy Very Special, воплотившей своенравный и независимый дух стрит-арта, рассказываем о современных уличных (и не только) художниках, за которыми надо следить, а также о городах, куда стоит поехать, чтобы посмотреть на их работы.

 

Felipe Pantone

  Сайт  |  Instagram

 

 

Фелипе Пантоне родился в Буэнос-Айресе, в 10 лет переехал Испанию, а в 12 – начал рисовать граффити. Впрочем, официальное образование в области изящных искусств он тоже получил – в Валенсии, где и находится его студия. Пантоне – это псевдоним. Когда художник начинал заниматься стрит-артом, его ник был Paint One, но в процессе это все слилось в одно слово.

А вот если ты встретишь Фелипе где-то на улице, ты его не узнаешь – художник принципиально не фотографируется. Стиль Фелипе напомнит тебе о каллиграфии, винтажной типографике и оп-арте, художественном течении второй половины XX века, которое использовало оптические иллюзии и геометрические абстракции, дающие зрителю впечатление движущихся узоров. Художник много путешествует, поэтому темы динамичности, трансформации, современных технологий и их связи с искусством тоже важны в его творчестве: он даже пишет об этом в своем манифесте, который так и называется – Dynamic Phenomena.

Сейчас Фелипе продолжает рисовать на улицах, устраивает собственные выставки и сотрудничает с разными компаниями. Например, Пантоне стал первым современным художником, сделавшим фильтры специально для Instagram, а в этом году стал автором этикетки лимитированной серии Hennessy Very Special Limited Edition и арт-объекта — инсталляции, состоящей из ста пронумерованных элементов, каждый из которых можно купить и персонализировать.

Это продолжение одного из проектов художника – Configurable Art. Он считает, что в мире, где все подвержено кастомизации – от телефона до кроссовок – любой желающий может собрать и собственный арт-объект из предложенных Пантоне паттернов, глитчей и элементов компьютерной графики. Configurable Art — это взаимодействие технологий, интернета и искусства. Принципу динамичности и тут нашлось место: художественные элементы, которые можно использовать для создания рисунка, обновляются.

Ближайшее произведение Фелипе – монументальное граффити на боковой стене торгового центра «Атриум» в Москве и 24-метровaя инсталляция «Фонтан данных» внутри. Работы Пантоне также можно увидеть в арт-квартале Винвуд в Майами, Риме, Гонконге и других городах – из последних творений нас больше всего впечатлила трехмерная инсталляция в Siam Center

(Бангкок, Таиланд).

Если не собираешься никуда ехать, можешь не сходя с места заценить его мурал в виде QR-кода (самый большой в мире, как утверждает сам художник) высотой 25 метров и шириной 30. Оригинал находится в бельгийском Хасселте, но отсканировать можно на сайте художника.

 

 

 

Vhils

  Сайт   |  Instagram

 

 

Вилс родился в Лиссабоне и рос там в то время, когда атмосфера в Португалии была весьма терпима к граффити, а рисовать на улице было безопасно и намного интереснее, чем сидеть у телевизора. Так что Вилс начал ставить теги на пути в школу, потом переключился на поезда – он жил возле пригородной железнодорожной линии, потом стал выбираться в другие города Португалии и Европы, присоединяться к арт-группам и участвовать в выставках. В конце концов добрался и до Лондона, где закончил престижный колледж искусств и дизайна, а в 2008-м Бэнкси (ну да, какая статья про стрит-арт без Бэнкси!) пригласил его поучаствовать в фестивале стрит-арта в Лондоне. Дальше были другие фестивали, выставки и биеннале современного искусства, работы по всему миру – в галереях и на улицах.

Это тот самый автор, работы которого ты узнаешь в любом городе мира из-за специфической фактуры и техники: это портреты людей, созданные с помощью абразивных инструментов и жидкостей, разрушения штукатурки стен, скретчинга и даже контролируемых взрывов. Часть работы всегда остается незаконченной – дальше в дело вступает окружающая среда, под воздействием которой произведение продолжает меняться. Вилс напоминает, что стрит-арт – это не только краска, а еще и дрель, молоток и зубило, и в его случае уличное искусство больше похоже на археологические работы, открывающие то, что лежит под поверхностью. Создание некоторых его произведений занимает не меньше месяца. Среди героев портретов – и реальные герои, узнаваемые жителями города, и неизвестные люди, превращенные в иконы, например, жители трущоб в Рио-де-Жанейро, чьи лица появились на стенах, оставшихся после сноса домов.

Много масштабных творений Вилса ты встретишь на улицах Лиссабона и других городов Португалии (чекай карту). Не пропусти крутую коллаборацию с Шепардом Фейри, которая сочетает фирменные яркие краски Шепарда с фирменным грубым многослойным стилем Вилса. Если до Лиссабона ехать далеко, можешь сгонять в Киев. Там на улице Михайловской – портрет Сергея Нигояна, первого погибшего во время Евромайдана, а в Москве – портрет Маяковского, практически выгравированный на многослойной штукатурке.

 

 

 

JonOne

  Сайт  |  Instagram

 

 

Джон начал рисовать граффити в 1980 году в Нью-Йорке, где в то время наркотики достать было легче, чем краску. Атмосфера была довольно унылая и беспросветная, и люди, которые просто писали свои имена на стенах, казались настоящим символом свободы и бунта. Джон присоединился к ним со своим маркером, начав со стен собственного дома, а когда это не встретило поддержки у жильцов, переключился на метро – ведь это настоящий музей стрит-арта, который мчится через весь город. Было опасно: на краску не хватало денег и ее пришлось украсть, можно было попасть под поезд, пока прячешь баллончик с краской. Джон стал выделяться: пока остальные рисуют графику, он переключается на абстракции, его начинают звать на выставки и арт-тусовки, а один новый богатый знакомый приглашает в Париж. 

В Нью-Йорк он уже не вернулся, а остался в парижском арт-сквоте Hospital Ephemeral, где жило множество художников и который стал его студией. Джон рисует не только на стенах, но и на холсте: работа, созданная в Hospital Ephemeral, была продана за рекордную для стрит-арта цену во Франции (€ 25 000). Теперь у него своя студия, орден Почетного легиона и внушительный список коллабораций: помимо бутылки Hennessy, он раскрасил самолет Боинг-777 и банковскую карточку. Впрочем, это не мешает ему ходить в испачканных краской брюках (в них он демонстративно фотографируется на фоне своих картин). Все его работы абстрактны и могут напомнить тебе стиль Джексона Поллока и Жана-Мишеля Баския – точки, линии и потеки краски в неоновых оттенках.

 

Прямо сейчас ты можешь увидеть его работы в Париже на выставке Art Élysées в секции урбан-арта в рамках Парижской недели искусства. Еще один шанс – выставка Blue Night в Galerie Droste (Katernberger Str. 100) в Вуппертале, которая продлится до 23 ноября. Несколько работ есть в постоянной коллекции Ghost Gallery в Марселе.

 

 

 

Scott Campbell

  Сайт

 

 

Скотт Кэмпбелл – художник и татуировщик со своей студией в Нью-Йорке, который делал тату Роберту Дауни-младшему, Пенелопе Крус, Стингу и другим знаменитостям. Скотт изучал биохимию и планировал стать медицинским иллюстратором, но бросил учебу, переехал в Сан-Франциско и начал заниматься татуировками, путешествовал по Азии (зарабатывая себе на дорогу снова-таки тем, что делал тату), а потом осел в Нью-Йорке, открыв свою студию Saved Tattoo в Бруклине – первым звездным клиентом стал Хит Леджер.

 

Помимо тату, Скотт занимается созданием арт-объектов, творческими коллаборациями и перформансами. Одним из них была акция, когда он сделал татуировки 23 посетителям выставки. Через дыру в стене. Какими будут тату, участники, конечно, заранее не знали. 

Художник выставлялся в московском «Гараже» и лондонском Covent Garden. У работ Скотта всегда потенциал скандала: сшитые куски свиной кожи с набитыми татуировками, объекты, созданные из вещей, найденных в тюрьме в Мехико, художественно разрезанные долларовые купюры, графика на яичной скорлупе, реплика отвертки из золота и драгоценных камней. 

 

 

Ryan McGinness

  Сайт  |  Instagram

 

 

Цветы, флуоресцирующие мандалы, похожие на причудливую радужку глаза и странные уличные знаки – это фирменный стиль нью-йоркского художника Райана МакГиннесса. Он вырос на культуре серферов и скейтбордистов, проходил стажировку в Музее Энди Уорхола – отзвуки всего этого ты и встретишь в его работах, использующих яркие краски, образы поп-культуры и логотипы корпораций.

Среди его работ – оформление скейт-парка в Детройте, где художник перепридумал визуальный стиль запрещающих уличных знаков, сделав их сюрреалистичными и абсурдными. Продолжением взаимодействия художника с уличной средой стала инсталляция Sign Trees, выглядящая как «деревья» из уличных знаков – на которых вместо привычных простых символов появляются голова оленя, метроном или сложный орнамент. Разгадывать, что именно предписывает или запрещает такой знак, можно бесконечно. Однажды сюрреалистичные знаки художника появились прямо на улицах Нью-Йорка, причем ответственным за производство и установку был городской департамент транспорта.

Бруклин тоже получил свою порцию странных зеленых знаков, а парк Хай-Лайн – светящуюся неоновую инсталляцию в виде фигур женщин. Работы художника найдешь в постоянных коллекций музеев современного искусства в Нью-Йорке, Сан-Диего, Цинциннати.

 

 

Shepard Fairey

  Сайт  |  Instagram

 

 

Даже если ты не знаешь его имени, ты точно знаешь его работы: тот самый портрет Барака Обамы с надписью Hope и Большой брат с надписью Obey – это изображение французского борца Андре Руссимоффа по кличке Giant.

Начиналось все совсем не на улице: Шепард ходил в консервативную частную школу и жил довольно скучной жизнью, пока не открыл для себя скейтбординг и панк-рок, начав разрисовывать доски и одежду для друзей. В результате он закончил целых две художественных школы, причем довольно престижные – школу искусств в Калифорнии и Род-Айлендскую школу искусства и дизайна, одну из старейших художественных школ США. В Калифорнии Шепард увлекся хип-хопом и задумался о расизме и социальной справедливости – эта тема до сих пор важна в его работах.

В какой-то момент Шепард напечатал наклейку с надписью Obey, раздавал ее друзьям-скейтбордистам и сам расклеивал ее повсюду. Позднее это стало отдельным брендом стривира – Obey Clothing. Шепарда арестовывали 18 раз, но сейчас у него есть своя галерея и студия дизайна в Лос-Анжелесе, причем в том, что касается галереи, он заботится не о прибыли, а о том, чтобы дать площадку молодым художникам. 

Шепард делает муралы, плакаты и коллажи из старых газет и обоев – ему нравится, чтобы работа была текстурной и многослойной, нравится, что работу на улице кто-то может заклеить, добавив к ней еще один слой. Так процесс свободного творчества не прекращается. Его стиль – портреты, напоминающие работы Энди Уорхола и пропагандистские плакаты, обычно с политическим подтекстом (Шепард делает плакаты для благотворительных организаций и протестных маршей). Художник любит порассуждать о философии, цитирует Хайдеггера и Ороуэлла, так что если хочешь не только визуальной, но и интеллектуальной пищи, почитай его манифест и эссе. 

Стикеров и муралов Шепарда полно по всему миру. Выделим три: мурал в Москве «Искусство должно распространяться повсюду» (фасад трамвайного депо имени П.Л. Апакова на Мытной), вдохновленный советским авангардом и конструктивизмом с его простыми формами и базовыми цветами; мурал в Йоханнесбурге – портрет Нельсона Манделы в честь 25 годовщины начала протестов против апартеида, и мурал с изображением Марианны, символа Французской республики в Париже, посвященный жертвам атак 2015 года. Ни к чему не призываем, но если у тебя давно чесались руки попробовать себя в качестве уличного художника, то знай, что на сайте Шепарда можно скачать те самые стенсилы Obey.  

 

 

Os Gemeos

  Сайт  |  Instagram  |  Facebook

 

 

Бразильских близнецов ты, скорее всего, знаешь: их фирменные желтые гиганты могут взглянуть на тебя со стены практически любого города мира. 
Близнецы родились в 1974-м году в Сан-Паулу (мама и старший брат – художница и скульптор), а в 12 лет увлеклись хип-хоп культурой и граффити. Сан-Паулу – живой и хаотичный город, улицы которого они и начали расписывать. Интернета и смартфонов тогда не было, поэтому в поисках информации братья иногда вырывали страницы из книг в библиотеке, а в поисках вдохновения обращались к бразильской культуре. И пока другие художники вовсю переходят на виртуальное искусство, для них по-прежнему важно искусство физическое. Постепенно братья вливались в бразильскую арт-тусовку, а после интервью в журнале об уличном искусстве становятся знаменитыми.

Сегодня рисунки близнецов можно увидеть в Австралии, Аргентине, Германии, Греции, Испании, Португалии, США, Франции и Чили. В Рио-де-Жанейро они расписывали поезда в рамках социального проекта вместе с немецкими, итальянскими и американскими художниками и местными школами: художники проводили мастер-классы, а дети создавали свои рисунки. Огромные работы Os Gemeos появлялись на стенах шотландского замка Кельбурн XIII века, лондонской галереи Tate Modern и минской заводской улицы Октябрьской. Узнать Os Gemeos просто – желтые человечки (братья говорят, что этот образ – то, как они видят себя во сне) и сказочные вселенные. Наслаждайся.

 

 

 

Futura

  Instagram

 

 

Futura – один из первых уличных художников в США, который лично знал многих активистов уличной сцены периода волны граффити 70-х. Псевдоним – дань любви к фильму «Космическая одиссея 2001» Стенли Кубрика. В целом, жизнь Futura похожа на путь многих других современных художников: начинал с граффити-тегов, перешел к абстрактной живописи на холстах, попал с уличных стен в музеи и галереи, коммерциализировал свое искусство, став дизайнером – но штука в том, что все это он сделал на двадцать лет раньше. И пока другие вдохновлялись Энди Уорхолом и Жаном-Мишелем Баския, он был знаком с ними лично.

Futura довольно быстро понял, что теги и буквы в нью-йоркской подземке его не устраивают, и перешел к абстрактной живописи, напоминающей о космосе, звездных туманностях и солнечных системах (они могут напомнить тебе композиции Кандинского из точек и линий). Художник несколько лет служил в флоте, что позволило ему повидать многие страны мира, а вернувшись домой, вернулся и к уличному искусству в местной арт-тусовке. Сейчас его работы можно найти в Нью-Йорке, Париже и Лондоне – больше в музеях, чем на улицах. Новаторским (для того времени – дело было в 2000-х) стал мультимедиа арт-проект Defumo, когда культурный центр в Италии трое известных стрит-арт художников за неделю превратили в музыкальный клуб. Документация проекта связала между собой муралы, фотографию, видео, анимацию, аудиозаписи и музыку – это было действительно дело будущего. 

Наконец, Futura был одним из первых, кто превратил свое творчество в успешный бизнес. В самом начале 90-х он путешествовал в музыкальном туре вместе с британской панк-рок группой и вживую создавал граффити-работы во время их концертов. Потом он занимался дизайном уличной одежды и обложек для дисков, а его абстрактная живопись выставлялась на сольных выставках в Нью-Йорке, Париже и Барселоне.

 

 

Kaws
 

 Instagram

 

 

Еще одна классическая история успеха: нью-йоркский граффитчик из 1990-х становится признанным художником и дизайнером, создавая скульптуры для именитых заказчиков. Его работы узнаешь по главному герою – печальному серо-коричневому клоуну и другими переработанным героям популярной культуры с глазами-крестиками (под общим названием Companion).

Изначально Kaws занимался только рисунками, причем он получил профессиональное художественное образование и днем создавал анимацию, а ночью выходил на улицу в качестве граффитчика. Потом перешел на 3D-скульптуры, создавая их размером от нескольких сантиметров до 10 метров из алюминия, дерева и бронзы – и в этом оказался ключ к коммерческому успеху. Первой такой скульптурой был виниловый Микки-Маус, в других героях можно узнать переосмысленных Симпсонов, смурфов, Снуппи и Губку Боба – в общем, все иконы поп-культуры. Их сейчас можешь увидеть в музеях и коллекциях по всему миру, включая музеи современного искусства в Нью-Йорке, Сан-Диего и Детройте. В качестве дизайнера он создает игрушки, одежду, скейтборды – все вещи исключительно limited edition, а однажды сделал свою версию трофея премии  MTV Video Music Awards.

 

 

 

Мы сделали этот материал вместе с Hennessy – брендом, который поддерживает современное искусство. Каждый из художников, ставших героями этой статьи, имеет за плечами опыт арт-коллаборации с Hennessy. Ежегодно на протяжении 9 лет бренд выбирает одного яркого современного стрит-артиста и предлагает ему сделать свой дизайн лимитированной серии Hennessy Very Special. В этом году в твою коллекцию может попасть бутылка от Felipe Pantone – а это достойный экспонат. Следи за Hennessy: вдруг работа твоего любимого художника попадет к ним на этикетку в следующем году?

 

 

Фото: официальные страницы художников

ООО «Дигеста Диджитал»
УНП ‎192317837

Топ-11 современных художников, задающих тон живописи в современном мире

Эти современные художники заходят за границы живописных канонов, чтобы показать обратную сторону реальности. Одни создают удивительные фантазийные миры, другие – отображают реальность настолько реалистично, что их картины путают с фотографиями.

Современное искусство – это свобода самовыражения и неограниченность выбора инструментов живописи, благодаря которым мастер создает свой шедевр. Однозначный плюс современности – пространство для поиска вдохновения стало шире, а смыслы – более глубокими. Некоторые картины современных художников просто переворачивают сознание. Мы подобрали 11 метров современного искусства, которые задают тон живописи в современном мире.

1. Андреа Коуч, США

Андреа создает полотна, напоминающие оптимистичные сюжеты послевоенной Америки прошлого века и фантазийный сюр из иллюстраций фантазийных романов, где главная героиня – обычная среднестатистическая инопланетянка. Женщина как воплощение легкости и юности, необремененная болью потерь. Легкая, почти воздушная, танцующая на законах мироздания – вот ее героиня. В ней есть и улыбка Монро и ветер, поднимающий юбку Мерлин. Легкомысленность и мудрое женское спокойствие. Гармония Инь, совершенная во всем.

2. Питер Дойг, Канада

Пейзажист умеет рисовать очень родное, похожее на воспоминания из детства: родительский дом, зимний день, который пахнет пирогами из форточки и оглашается криком дерущихся котов. Неясные воспоминания, которые уже потеряли четкий образ, но ощущаются на холстах памяти эскизом счастливых дней. Художник создает композицию, которая мало кому удается столь хорошо при перенасыщенности переднего плана. Простые сюжеты, как сказали бы – «не достойные кисти художника». А они оказываются стоящими. Во всех смыслах. Например, работа «Розедейл» была продана с молотка за 28, 8 миллионов долларов.

3. Аурелио Бруни, Италия

Полотна художника – невозможное, казалось бы, сочетание сюрреализма с реализмом. Что-то из Библейских книг, что-то – от сонной сиесты солнечного города, что-то – от выдержанного вина и неудержимой любви. Чувственность, как мурашки по коже. Прорисованной с невероятной точностью детали создают у зрителя эффект присутствия или даже прикосновения. Картины художника очень атмосферные и чистые по эмоциональному звучанию. В суете современных будней их созерцание – идеальный камертон для человеческой души.

4. Александр Балос, Польша

Масло и души – кажется, что Александр пишет именно этими материалами. Его картины чем-то напоминают демониаду Врубеля, однако герои слишком, до банальности, смертны. Их обнаженность не имеет ни эротизма, ни гендерного эмоционирования. Она – про колесо сансары, про то, что за спиной у каждого в конце пути. Про тяжесть этой ноши и ее незримость. Балос заигрывает с бесовщиной, вуалируя ею взгляды героев. Смело – да! Сложено, почти пугающе и бесконечно талантливо.

5. Виниций Кесада, Бразилия

Кесада занимает особое место в списке самых провокационных художников современности. Он проводит своего зрителя по тонкой грани здравого смысла, оставляя послевкусие, как от повестей Эдгара По. Превратить тлен в нетленное – возможно в этом главный посыл художника. Так или иначе-от его картин становится не по себе, хочется поскорее уйти и смотреть на них вечно. Все в дело в том, что художник пишет кровью и мочой, причем крови использует по пол-литра в месяц. Картины от плоти и крови Творца своего, не иначе. Кровь и живописный джазовый сплин в сюжетах возводят Виниция на Олимп не только лучших художников, но и самых интересных философов современности.

6. Антонио Финелли, Италия

Финелли пишет гиперреалистичные портреты стариков, сохраняя во взгляде каждого каждую каплю опыта, чувств и пережитого. Художник работает преимущественно карандашом, отчего его портреты приобретают сходство с монохромными фотоснимками.

Взгляды, сформированные прожитым и пережитым, морщины – каждая из которых – зарубка судьбы. Почему так? Лица людей – самые честные холсты. На которых написана их судьба. Все портреты входят в серию «Автопортрет».

Живописец подчеркивает по-большому счеты, что мы все идем по одной дороге и, сколько с нее не сворачивай – время не обмануть. Лесть молодости быстротечна, и только в зрелости зеркало покажет тебя настоящим.

7. Хэлен Флокхарт, Шотландия

О чем пишет картины Хэлен? О прекрасной незнакомке в красном, о таинственном незнакомце, о любви, о первом танго двоих, которые еще не знакомы, но уже пылают. О дожде, о вечере, опускающим завесу тайны на мегаполис, о неясных очертаниях счастья где-то в будущем или воспоминаниях о нем где-то в прошлом. Картины художника атмосферны, как Париж осенью и пламенны, как фламенко, ноты которого летят со струн прекрасного юноши под каблуки танцующих сеньорит.

8. Войцех Бабски, Польша

Войцех Бабски создает портреты женщин, которые как будто написаны просто с мужских фантазий, взбудораженных джазовыми импровизациями. Он тонко чувствует мистерии цвета, мистику тоновой игры и тончайшие эмоции своих героинь. Его модели – Музы, Мечты, Иллюзии. В них ровно столько страсти, сколько необходимо для вечной любви и ровно столько соблазна, сколько требуется для потери рассудка. Цветовые пятна формируют изгибы их тела и черты лица, сливаются в одно. И при этом сиянии создается не грязно-серый, а самобытный и немножко дерзкий образ его картин.

9. Фелипе Пантоне, Испания

Мастер монументальности и король граффити. Пантоне не удовлетворяется рамками холста и пишет свои картины на улицах многомиллионных городов. Здесь же проходят выставки мастера. Заполняющий пространство цветовой шторм его абстракций по праву можно назвать крупнейшей стихией современного стрит-арта. Уйдет ли этот стиль живописи в анналы «классической» – прогнозировать сложно, так как сами полотна в музей не заберешь, поэтому ловите момент и наслаждайтесь картинами современного художника.

10. Денис Чернов, Украина

О таланте львовского художника слава идет далеко за пределами Украины. Мастер рисует удивительно реалистичные, трепетные и трогательные портреты своих Маргарит, восторгая ценителей современного искусства хрупкостью эмоций и мягкостью линий. Героини украинского художника обнажены и закрыты, тотально женственны и осязаемы. Кроме портретов, Чернов рисует графические пейзажи, наполненные солнцем и легким ветерком, а также исторические картины.

11. Бэнкси, Англия

Бэнкси — самый загадочный художник современности. Гений контркультуры таинственный графист Бэнкси уже долгое время тревожит умы всего мира. Его работы выставляются в самых известных галереях, оцениваются в несколько миллионов долларов, но его лица до сих пор не видел никто. Партизанский стиль гения, берущее начало в модернизме, заставляет восхищаться и следить за его творчеством людей со всего мира. До сих пор неизвестно, кто прячется за маской гения — обычный житель Англии или известный художник современности.

Вот, пожалуй, основные законодатели трендов в мире современного искусства, которые вышли из рамок слова «изобразительное» и превратили его в «трансформирующее», «изменяющее способ восприятия мира». Зритель задается вопросом: «как у художника получается видеть вот так?» и в поисках ответа сам начинает рассматривать мир с новых, непривычных точек зрения. Включать фантазию там, где суть скрыта за стереотипами, учится чувствовать эмоцию, момент, его первооснову. Это дорогого стоит в мире сиюминутных картинок и нарочитого примитивизма, захватившего многих иллюстраторов.

В онлайн галерее картин маслом Struchaieva Art вы можете найти и купить картины разных тематик и жанров. Я пишу картины масляными красками и сухими пигментами, использую специальные прочные подрамники и шерстяные холсты. Также, возможна печать картин на холсте или фото бумаге в необходимом размере.

лучших современных художников | Восхождение Арт

Rise Art демонстрирует оригинальные работы ведущих современных художников мира. Независимо от того, создаете ли вы большие или маленькие картины, абстрактные или фотореалистичные, наш список художников предложит что-то для каждого коллекционера.

У лучших современных художников есть три общих черты:

1. Они раздвигают границы традиционной живописи.
2. Они открывают путь для новых художественных начинаний для художников, работающих в области скульптуры, фотографии, инсталляции, печати и многого другого.
3. Они не боятся проверять пределы «удобного для потребителя» контента.

Наши кураторы собрали подборку ведущих современных художников, которые продолжают формировать, продвигать и выделять мир современного искусства.

«Автопортрет многострадального художника, страдающего от многочисленных переживаний», 2016 г., автор Такаси Мураками

Такаши Мураками, включенный в пятерку лучших азиатских художников по версии Rise Art и основатель движения Superflat, уже более двадцати лет производит фурор в сфере современного искусства.

Опираясь на визуальное измерение японской графики и изобразительного искусства, он исследует поверхностность потребительской культуры. Его фирменные переэкспонированные символы поп-культуры и отчетливо яркие мультяшные мотивы, получившие признание во всем мире, представляют собой интеллектуальный, дальновидный вопрос о современной жизни. Противоречивый, но уважаемый во всем мире, постмодернистский крестовый поход Такаши привел к созданию явно неортодоксального нового изобразительного искусства, по одной картине, вдохновленной мангой.

Неизбежное, 2019, Джо Хескет

Авангардистка из Ланкашира Джо Хескет известна своими дикими полуабстрактными картинами, изображающими жизнь молодой женщины в Британии 21 века. Художник использует юмор, чтобы подчеркнуть нелепость устойчивых патриархальных стандартов, и грубые, порой враждебные цветовые палитры, чтобы исследовать темы трансгрессии и гротеска.

Наравне с Фрэнсисом Бэконом, Паулой Риаго и Виллемом де Кунингом по стилю Джо Хескет прославилась своим неземным, но слишком знакомым взглядом на мужское господство и женское угнетение через выразительный подход к фигуративной живописи и скульптура.

Собака на сене, Патрик Хьюз

Патрик Хьюз, ключевая фигура современной британской живописи, возглавил реверсивное искусство. Своего рода художественная оптическая иллюзия, реверсивное искусство бросает вызов зрителю, ставя под сомнение свое понимание перспективы.

Знаменитые трехмерные абстрактные работы Патрика продолжают оказывать непреходящее влияние на то, как мы воспринимаем пространство и перспективу в искусстве.

Без названия II, 2016, Брюс Маклин

К 27 годам шотландский художник Брюс МакКлин уже провел свою первую персональную выставку в престижной галерее Тейт в Лондоне. Брюс художник со многими шляпами. Его творчество простирается от юмористических серий фотографий, наиболее известных из которых высмеивает так называемую помпезность скульптур Генри Мура в 70-х, до ярких ботанических картин в смешанной технике 00-х.

Будь то осуждение освященных веками условностей искусства или просто наслаждение экспрессионистским отображением цвета, его проекты неизменно удивляют, восхищают и вызывают глубокие размышления.

Ров на Милденхолл-Фен, 2016, Фред Ингрэмс

Фреда Инграмса исключили из художественной школы. Однако вы ни за что не догадаетесь, глядя на его любопытные и характерные пейзажи. Фред, вдохновленный Восточным побережьем Англии, рисует пейзажи с теми же эмоциями и вниманием, что и портрет любимого человека. Всплески хаоса сочетаются с плавными тонкими линиями в таких работах, как «Ветреный день на Хейлз-Фен».

Возможно, неудивительно, что Фрэнсис Бэкон сразу же влюбился в работу Фреда. Влюбленный в их живую и нежную беспорядочность, мастер абстрактных фигур купил себе одну.

Современные художники, которых стоит посмотреть

Пока вы читаете это, многие опытные и выдающиеся художники усердно работают над совершенствованием своего мастерства и предлагают освежающие, наводящие на размышления работы. Вот несколько начинающих художников, которые войдут в историю.

Тим Фаулер

Я знаю, 2013, Тим Фаулер

Также экспериментирует с яркими, насыщенными цветовыми палитрами художник-абстракционист Тим Фаулер , который вместо того, чтобы добиваться буквального изображения, пытается запечатлеть что-то более глубокое в своем искусстве. Угловатый вид и деконструированные формы его фигур имеют отголоски графики и стрит-арта. Художник также вкрапляет характерный мягкий розовый оттенок в свои картины, привнося в сцены определенную теплоту и интимность и бросая вызов ядовитой мужественности.

Микела Генри Лоу

Serene, 2018, Микела Генри Лоу

Начинающая современная художница Микела Генри Лоу исследует разнообразие и особенности чернокожих женщин в своих прекрасно выполненных узорчатых женских портретах. Эти работы с яркими смелыми цветами и непринужденными, манящими сюжетами заслуживают внимания и уважения. Ее завораживающие образы чернокожих женщин — это ода красочной, неоднородной природе черной культуры и женской идентичности.

Александр Балбышев

Клянусь, это был не я, 2020, Александр Балбышев

Ищете художников, восстающих против культурных условностей? Добавьте Александра Балбышева в свой список. Наряду с несколькими ЛГБТК+-художниками, бросающими вызов гетеронормативному давлению арт-индустрии, проекты Александра передают микрофон сообществу ЛГБТК+. Его фигуративные картины обнаженной натуры исследуют мужскую чувственность. Сочетая яркие, кульминационные цвета и грубые, цепляющие взгляд сюжеты, Александр создает выразительные, бескомпромиссно сексуальные работы. Столь же провокационны его воссозданные портреты Ленина и советской эпохи.

Ники Хэйр

В мечтах начинаются обязанности, 2022, Ники Хэйр

Окунувшись в творческие воды, Ники Хэйр, казалось, исчезла из мира искусства. Около 20 лет спустя, после успешной карьеры в конном спорте, артист с удовольствием вернулся. Работая с широким спектром средств массовой информации, Ники деконструирует мир вокруг нас, представляя его с разных сторон и часто используя атмосферу уличного искусства и абстрактного экспрессионизма. Она расшатывает обыденность, придавая ей непостоянство и неуравновешенность.

Ли Шан Чонг

ла плавник нет. 2205, 2017, Ли Шан Чонг

Сингапурский художник-портретист Ли Шан Чонг исследует эмоциональную хрупкость каждого из нас. Включенная в список лучших мировых художников Rise Art, продвигающих разнообразие с помощью портретной живописи, ее картины не ограничиваются каким-либо материалом или предметом. Они столь же разнообразны по контексту, сколь и ярки по цвету и эмоциям.

Метафорические картины плачущих атласоподобных субъектов, несущих мир на своих плечах, визуализируют чувства, которые мы часто боимся разоблачать, и обеспечивают катарсическое освобождение.

Современные художники, чьи работы вы должны знать

Сделать выбор из десяти современных художников , чьи работы вы должны знать, было непросто. Сегодня так много талантливых и замечательных художников, которые создают увлекательные и увлекательные работы, пока мы говорим. Поскольку у нас было место только для десяти из них, мы попытались сделать перекрестным отбором , представив вам молодых и состоявшихся художников, мужчин и женщин, которые работают образно и в области абстракционизма . Как мы уже писали о лучших американских художниках, наш сегодняшний список сосредоточен на работах некоторых из лучших международных художников , которые, вероятно, вам знакомы, и если они не знакомы, это прекрасная возможность узнать больше о их практика.

Взгляните на нынешних мастеров живописи и узнайте что-то новое о (вас)наших любимых художниках!

Адриан Гени — «Кошмар», 2007 г.

Адриан Гени

Наш список начинается с одного из замечательных художников Восточной Европы . Родившийся в Румынии в 1977 году, Адриан Гени получил международное признание в середине 2000-х. Его стиль часто хвалят за его мощное и драматическое качество, достигаемое за счет использования нетрадиционных техник рисования. Любопытством в его работах является отсутствие мазков кистью, поскольку Адриан Гени отказывается использовать кисти, создавая жесты и спонтанные образы только с помощью своего мастихина 9.0126 . Жуткие и беспорядочные, его картины показывают энергичные сцены слияния исследования бессознательного с важными событиями европейской истории . Его работы представлены галереей Pace в Лондоне, хотя многие из его картин собраны по всему миру и являются частью некоторых важных государственных коллекций.

Тала Мадани — Танец, 2015 — Фотография — Джош Уайт — предоставлено Дэвидом Кордански Галерея2

Тала Мадани

Тала Мадани — одна из самых интересных фигур в молодое поколение иранских художников . Хотя она живет в США с десятилетнего возраста, ее причудливые персонажи напоминают стереотипных ближневосточных мужчин . В основном она известна своими сатирическими комментариями об абсурдных мужских ритуалах, игрой с понятием гендерных ролей и сексуальности . В своих современных картинах она обращается к агрессивному мужскому поведению , связанному с мужественностью, юмористическим и ироничным образом, помещая своих мужественных персонажей среднего возраста в смущающие и недостойные ситуации. В настоящее время ее выставка под названием Смайлик без носа выставлен в галерее Дэвида Кордански в Лос-Анджелесе, так что загляните, если будете поблизости.

Дженни Сэвилл — Стратегия, 1993/1994. Холст, Масло (Триптих) — 274 х 640 см

Дженни Сэвилл

Дженни Сэвилл появилась на арт-сцене как одна из художников, связанных с Молодыми британскими художниками , и получила признание благодаря поддержке Чарльза Саатчи, владельца галереи Саатчи. В основном она работает в традиционной области фигуративная живопись хотя ее область интересов не то, что мы регулярно видим и ожидаем. Ее крупномасштабные картины бросают вызов нашим 90 125 представлениям о красоте 90 126 с помощью серии обнаженных тел, представляющих 90 125 гротескных 90 126 и 90 125 иногда искаженных тел 90 126 . Тучные женщины и тела между полами — вот некоторые из тем, которыми знаменита Дженни Сэвилл, представляя телесность настолько прочно, насколько это можно запечатлеть на холсте. Ее современные картины часто интерпретируются как — феминистское высказывание , получившее высокую оценку за его нетрадиционные качества.

Чарльз Мейтон — Абстрактное выражение как избыточное высказывание, 2014 (триптих). Холст, гуашь, масло — 158 х 161 см, деталь

Charles Mayton

Charles Mayton — художник из Нью-Йорка, работающий в области абстракционизма . Его современные картины часто бывают авторефлексивными , созерцающими саму среду. Метапоэтический дискурс доминирует в его работах, поскольку он исследует различные способы документирования художественного вдохновения на холсте. Абстрактные и концептуальные картины Чарльза Мейтона говорят о сами и процесс их изготовления . Пробелы в виде семиотических символов можно рассматривать как торговую марку его работ , трещины в яркой и красочной поверхности, оставленные зрителям для заполнения смысла. Он также вовлечен в диалог с прошлым , способ, которым фрагменты из прошлого могут быть реконструированы и оживлены в различных культурных и интеллектуальных контекстах.

Mamma Andersson — Looters, 2010. Акрил, масло на панели — 48 x 59дюймы

Mamma Andersson

Mamma Andersson — известная современная шведская художница, чьи работы можно увидеть во всем мире в составе самых выдающихся музейных коллекций. Одними из самых узнаваемых ее работ являются мистических пейзажей , вдохновленных присущим скандинавскому народному искусству. Другие работы из ее творчества включают частную, домашнюю обстановку и жанровые сцены. Интимные и меланхоличные, ее работы бросают вызов представлениям о космическом экстерьере или интерьере, создавая сверхъестественную атмосферу, знакомую и манящую, но далекую от зрителя. Ее стиль включает в себя сопоставление толстых слоев краски с четкими промежутками между , иногда напоминающими работы французских импрессионистов. Мама Андерссон была лауреатом премии Carnegie Art Award в 2006 году, одной из самых престижных премий в области современной скандинавской живописи.

Слева: Conor Backman — Satellite Painting, 2015 г. Заливка цвета морской волны поверх окрашенной панели — 16 x 12 дюймов / Справа: Clock Painting for Sir Isaac Newton, 2014 г. Масло на холсте поверх панели, модифицированная банка с краской, задняя часть -окрашенный оргстекло — 23 х 17 х 1 дюйм

Conor Backman

Conor Backman — современный американский художник, который работает в различных средах и чьи картины часто сливаются с другими формами искусства. Он экспериментирует в области живописи , часто пересекая ее со своей скульптурной практикой . Его новаторские работы бросают вызов восприятию зрителей, и большая часть из них связана с тем, что они выполнены в технике trompe l’oeil . Будь то оптическая иллюзия или через использование внешних объектов прикрепленных к холсту, его работы часто достигают трехмерных эффектов . Возможно, он является одним из ведущих экспериментаторов среди нынешних современных художников США.

Элизабет Пейтон — Джарвис, 1996 г.

Элизабет Пейтон

Элизабет Пейтон получила признание в середине 1990-х годов, когда она стала широко известна своими портретами поп-икон , знаменитостей и людей, с которыми она была эмоционально связана . Ее творчество всегда подвергалось критике за сильное влияние поп-арта Энди Уорхола. На протяжении многих лет Пейтон изображал целый ряд знаменитостей, от Дэвида Боуи и Николь Кидман до альтернативных групп, таких как The Strokes и Pulp. Ее 90 125 идеализированных и радостных портретов 90 126 выполнены в основном масляными красками, хотя иногда она работает акварелью, карандашом или углем. Празднование Элизабет Пейтон молодежной культуры восьмидесятых и девяностых годов было одним из самых важных художественных начинаний, направленных на то, чтобы привнести стили фигуративной живописи снова на месте происшествия .

Обязательно ознакомьтесь с работами Элизабет Пейтон на нашей торговой площадке!

Ян Фрэнсис — Немецкий павильон 1929, 2014. Смешанная техника на деревянной панели — 46 см x 61 см

Ян Фрэнсис

Ян Фрэнсис — один из самых интересных художников молодого поколения британских художников . Его образование в иллюстрации оказало большое влияние на все его работы. Его картины выполнены в смешанной технике застрял между изобразительным искусством и графическим дизайном. Драматические декорации его картин комментируют состояние человека в эпоху постмодерна , обращаясь к проблемам сенсационности, гиперреальности и симулякров, доминирующих в современном обществе. Ян Фрэнсис наиболее известен своими сложными и многослойными картинами , часто изображающими насилие и жестокость в стиле видеоигр и городской среде.

Бретт Амори — Ожидание № 126, 2012 г. Масло на деревянной панели — 48 x 48 дюймов

Бретт Эмори

Бретт Эмори, проживающий в настоящее время в Окленде, широко известен своей серией картин Ожидание , посвященных проблеме отчуждения в современном обществе . Вдохновленная New Topographics , группа фотографов 70-х сосредоточилась на реалистичном изображении ландшафта. Сорок лет спустя Бретт Эмори начал документировать одиноких людей на улицах Сан-Франциско, где он прожил более десяти лет. Но это было только первоначальное вдохновение, поскольку позже мы видим только следы задокументированных мест. К размывая задокументированный пейзаж , люди, изображенные на картинах, склонны выглядеть еще более разъединенными и обособленными личностями, превращаясь в аллегории одиночества и одиночества . Недавно Бретт Эмори работал над менее меланхоличными образами, рисуя 90 125 более красочных 90 126 сцен городской среды.

Михаэль Борреманс — Черная плесень / Огненные конечности, 2015. Картон, масло, 9 1/8 x 11 1/2 дюйма, 23 x 29,2 см

Михаил Борреманс

Последним в нашем списке, но не менее важным, является Микаэль Борреманс, художник и режиссер из Бельгии. Его стиль живописи напоминает старых мастеров , что не случайно, поскольку его влияние варьируется от фламандской школы до искусства восемнадцатого века и классических произведений импрессионистов. Как режиссер , он также одарен, когда дело доходит до захвата драматических и театральных моментов. Загадочные и таинственные, иногда даже тревожно выглядящие, его портреты часто выполнены в нетрадиционным способом , с объектами, отвернутыми от зрителей или иногда сведенными только к их частям тела, достигая гротескного эффекта на зрителей.