Художники бразильские: Художники бразильского модернизма и Неделя современного искусства 1922

Художники бразильского модернизма и Неделя современного искусства 1922

Обложка каталога Недели современного искусства

В феврале 1922 года в Сан-Паулу прошла знаменитая «Неделя Двадцать Второго», как ее называют искусствоведы – фестиваль искусств, ставший поворотным моментом для всей культуры Бразилии, отправной точкой, с которой началась эпоха бразильского модернизма. Помимо выставок новаторской живописи и скульптуры там прошли лекции и концерты, поэтические выступления и театральные показы – все это в новых, зачастую шокирующих форматах. Фестиваль задумывался не только чтобы показать стране и миру новые имена и направления в искусстве, но и с целью прекратить конфликт между молодыми модернистами и Бразильской Академией Литературы, которая возглавляла культурный истеблишмент страны и придерживалась академических традиций. Событие прозвучало как провокационное и противоречивое, многие новаторские и даже радикальные для той эпохи художественные высказывания вызвали сопротивление и негодование как критиков, так и публики.

Сами участники в итоге не составили единого культурного движения, расколовшись на несколько направлений и групп. Самыми известными стали «антропофаги» («каннибалисты»), стремившиеся «поглотить и переварить» влияния европейского и североамериканского искусства, с тем чтобы произвести что-то новое на этой плодородной почве, и националисты, искавшие чистые аутентичные источники для создания подлинно бразильского искусства (некоторых впоследствии это привело к радикальным националистским или даже фашистским политическим взглядам). Несмотря на все противоречия и критику, Неделя современного искусства оставила неизгладимый след и по-прежнему является реперной точкой в деле изучении бразильской культуры, а город Сан-Паулу, в то время бывший буржуазным, богатым, но культурно незначительным, превратился в бастион модернизма, в оппозиции к более консервативному тогда Рио-де-Жанейро. В нашей статье мы расскажем о нескольких самых ярких живописцах-участниках «Недели Двадцать Второго», определивших развитие бразильского искусства ХХ века.

Эмилиано Ди Кавальканти (1897 — 1976)
Уроженец Рио-де-Жанейро еще в юности переехал в Сан-Паулу, отказавшись от карьеры юриста. Он начинал как книжный иллюстратор и карикатурист, а в 1922 году стал одним из организаторов Недели современного искусства. За свои симпатии к коммунистической партии подвергался преследованиям и дважды оказывался в тюрьме. Подолгу жил в Европе, был знаком с Матиссом и Пикассо. Хотя Ди Кавальканти в разное время испытывал явное влияние кубизма, символизма и европейского экспрессионизма, со временем он стал одним их самых узнаваемых бразильских художников, изображая в своей яркой цветастой манере характерных персонажей и жанровые сцены: карнавал и самбу, обитателей фавел и рыбацких деревушек, мулаток и рабочих. Его самые известные работы: «Самба», «Пятеро девушек», «Цыгане», «Рыбацкая деревня», «Мулатки», «Карнавал».

• Пятеро девушек
• Музыканты
• Самба

Анита Малфатти (1889 — 1964)
Будущая художница родилась в Сан-Паулу и с детства страдала атрофией правой руки, приучившись работать левой. Изначально обучалась живописи у своей матери, а затем поступила в Берлинскую академию искусств в поисках новых идей. Здесь на ее творчество огромное влияние оказал немецкий экспрессионизм, художественное течение, предлагавшее выражать эмоции, не боясь исказить формы и пропорции и используя непривычные цветовые сочетания. Анита стала первой художницей, познакомившей бразильскую публику с идеями экспрессионизма, вначале на персональных выставках, а затем на знаменитой «Неделе Двадцать Второго». Ее работы вызвали шквал критики, но парадоксальным образом это послужило их популярности. Статья «Паранойя или мистификация», вышедшая во время Недели современного искусства, в попытке разгромить новшества стала топливом для их развития. В произведениях Мальфатти ярко проявились основные новаторские приемы: динамика, напряженность, широкий мазок, уход от традиционной светотени, свободная композиция. Ее произведения находятся во многих музеях и коллекциях современного искусства, среди них «Русская студентка», «Человек семи цветов», «Дурочка», «Желтый человек», «Женщина с зелеными волосами».

• Человек семи цветов
• Желтый мужчина
• Русская студентка

Висенте ду Регу Монтейру (1899 — 1970)
Художник, скульптор, дизайнер и поэт родился в бразильском штате Пернамбуку, в юности учился в Париже в нескольких художественных академиях и мастерских и затем в течение жизни подолгу путешествовал и жил в Европе, периодически возвращаясь в Бразилию. Сблизившись с бразильскими модернистами, в особенности Ди Кавальканте и Тарсилой ду Амарал, выставил на Неделе современного искусства несколько своих работ, однако сам не присутствовал на событиях фестиваля. Несмотря на связи с Европой, ду Регу Монтейру в течение всего художественного пути исследовал национальные бразильские мотивы, в том числе религиозные сюжеты и культуру коренных жителей. В его живописи ощущалось влияние скульптуры: тела его персонажей всегда могучи и выпуклы. Во второй половине жизни художник много преподавал живопись и дизайн в бразильских школах и университетах.

Среди его известных работ – «Ремесленник», «Женщина с курицей», «Лучник», «Пьета».

• Ремесленник
• Мадонна с младенцем
• Женщина с курицей

Джон Грац (1891 — 1980)
Уроженец Швейцарии, получивший там же художественное образование, оказался в Бразилии волей судьбы: познакомился с будущей супругой во время учебы в Женевской школе искусств и приехал вместе с ней в Сан-Паулу. Здесь, благодаря дружбе с писателем Освальдом де Андраде, он знакомится с представителями художественной и интеллектуальной общественности. В 1922 выставляет свои работы на знаменитом фестивале. В 1932 году становится одним из основателей Сообщества деятелей современного искусства SPAM. Больше всего Грац известен благодаря своей работе дизайнера и декоратора, определившей облик многих роскошных резиденций Сан-Паулу, где он придумывал и контролировал всё от росписи стен до дизайна и производства мебели. Считается, что именно он познакомил бразильскую элиту со стилем ар-деко.

Среди его известных живописных работ – «Квинтет», «Магия» и «Амазонки».

• Амазонки
• Дизайн жилого дома
• Индейская девушка у окна

Двое следующих художников, хотя и не выставлявшие свои работы на «Неделе Двадцать Второго», считаются видными фигурами бразильского модернизма.

Освалду Гоелди (1895 — 1961)
Еще один швейцарец по происхождению, Освалду Гоелди родился в Рио, вырос в Белене и в молодости учился на исторической родине в Швейцарии, в Берне, а затем в Женевской школе искусств. Однако творчество в рамках академической среды угнетало его, и он не закончил формальное образование, предпочитая индивидуально учиться у нескольких художников. В это время помимо живописи Гоелди осваивает искусство ксилографии, которое в дальнейшем с большим успехом применяет в деле книжной иллюстрации, благодаря которой он наиболее известен в Бразилии и в мире. Интересно, что среди прочего он создавал иллюстрации к произведениям Ф.М. Достоевского.

Уже после возвращения в Бразилию Гоелди сближается со многими яркими фигурами бразильского модернизма, среди которых Ди Кавальканти, Анибал Машаду, Рональд де Карвалью. Художнику принадлежит цитата: «Каждая линия [гравюры] – это кусочек нерва, содержащий всю страсть варварского сердца». Его работы хранятся во многих коллекциях современного искусства Латинской Америки и Европы; среди самых известных – «Вор», «Рыбаки», «Дождь».

• Вор
• Дождь
• Иллюстрация к роману «Преступление и наказание»

Исмаэль Нери (1900 — 1934)
В жилах художника, эссеиста, поэта и философа Исмаэля Нери текла кровь бывших чернокожих рабов и коренных жителей Южноамериканского континента, но несмотря на такое происхождение он никогда не увлекался идеями национализма или изображениями аутентичных бразильских сюжетов. Он учился сначала в Национальной школе искусств в Рио, а затем в знаменитой Академии Жюлиана в Париже, где испытал сильнейшее влияние сюрреализма, кубизма и экспрессионизма.

Его любимой темой всегда было изображение человека: его тела, облика, характера. Художник умер совсем молодым, заразившись туберкулезом. Его работы были большей частью забыты вплоть до шестидесятых годов, когда они были включены в программу Биеннале Искусств в Сан-Паулу, а затем представлены на нескольких именных выставках. Самые известные из них – несколько автопортретов, а также «Адалжиса (Портрет жены художника)», «Влюбленные», «Жажда любви», «Женская фигура».

• Фигура
• Адалжиса
• Влюбленные

СОВРЕМЕННЫЕ ХУДОЖНИКИ БРАЗИЛИИ: kolybanov — LiveJournal

kolybanov (kolybanov) wrote,
2017-02-07 00:57:00 kolybanov

kolybanov
2017-02-07 00:57:00

Category: Автор — lira_lara. Это цитата этого сообщения

СОВРЕМЕННЫЕ ХУДОЖНИКИ БРАЗИЛИИ.

СОВРЕМЕННЫЕ ХУДОЖНИКИ БРАЗИЛИИ. 

 

Современная бразильская художница Мария Нэш (Maria Nash) родилась 5 января 1968 года, в городе Гояс в центре Бразилии, она самая младшая из трех детей в семье г-на и г-жи Кавальканти де Соуза. Родители Марии ещё в раннем детстве заметили её художественный талант. Тем не менее, семья не поощряла желание девочки продолжить карьеру в изобразительном искусстве. Мария была вынуждена подчиниться воле консервативного отца 

 

 

 

 

 

Маркос Виниций (Marcos Vinicius) — талантливый бразильский художник. Рисовать начал ещё в детстве и с тех пор навсегда влюбился в искусство. Родился 26 ноября 1976 года, в городе Кампинас, провинция Сан-Паулу, Бразилия.

 

 

 

 

 

 

 

Карлос Эстебан Резано Васильчик (Carlos Esteban Resano Vasilchik) — современный бразильский художник, родился в Буенос Аиресе, 22 октября 1956 года. До 1976 года он жил в Буэнос-Айресе, после чего переехал в город Мар дель Плата, провинции Буэнос-Айрес, где несколько лет изучал архитектуру. В 1982 году Карлос получил диплом по специальности архитектор  

 

 

 

 

 

 

Нельсон Магалхаес Сильва (Nelson Magalhaes Silva) — талантливый бразильский художник, родился в Покоэс-Баия, Бразилия, в 1964 году, в 9 лет переехал в Сан-Паулу, в возрасте 13 лет получил свою первую работу, связанную с изобразительным искусством. На сегодняшний день живописью он занимается почти 30 лет. Нельсон изучал искусство в центре культуры    

 

 

 

 

Серхио Хелле (Sergio Helle) талантливый бразильский художник. В настоящее время живет и работает в городе Форталеза. Создает работы, которые сочетают в себе новейшие цифровые инструменты с традиционными методами живописи.

 

 

 

 

 

 

 

Чарльз Майкл Лавесо, родился в Сан-Каэтану-ду-Сул, Бразилия, в 1978 году, но провел там лишь несколько месяцев жизни, по прошествии которых его родители переехали в город Кампинас, где будущий художник провел детство и юность. Чарльз родился без части правой руки и предплечья, но за это был вознагражден Богом талантом художника. Он всегда любил рисование, будучи ребенком, копировал персонажей комиксов. Так или иначе, но в начале 1993 года, по словам художника, он помнит это так, как будто это было вчера, он впервые увидел настоящего художника на ярмарке искусств в городе Кампинас, делающегокарандашами реалистичные рисунки по фотографии.

 

Среди многих качеств работы Луис Карлос Морхильи, мы должны выделить правильное использование освещения, цвета и его оттенков. Картины Морхильи не имеют привязки ко времени, кажется, в них все знакомо и не вызывает удивления, но и 100 лет назад его работы смотрелись бы современно. Его пейзажи почти всегда пасторали, дома и человеческие фигуры деревенских жителей всегда очень точные, а натюрморты всегда легки и изящны. Это универсальный художник, гармонично совмещающий традиции и современность, а широта тем и уверенные мазки показывают его зрелым художником.

 

 

 

 

Работы бразильского художника Луиса Густаво Мартинса (Luiz Gustavo Martins), так же известного как MARTINSLAND, навеяны женской красотой и нежностью. Отличительной чертой работ Луиса является своеобразный взгляд на эти определения, возможно, потому, что он хочет свести к минимуму эротизм, свойственный каждой женщине и выдвинуть на передний план качества, не менее достойные восхищения.  

 

 

 

 

 

Современный художник Жильберто Жеральдо (Gilberto Geraldo) родился в Сан-Паулу, Бразилия. Любовь к живописи достаточно четко проявилась в возрасте, примерно, 11 лет и в это же время Жильберто поставил перед собой четкую целью — стать художником. В возрасте 16 лет, он был принят в члены Союза художников Сан-Паулу. Тем не менее он не расслабился и не спасовал перед преждевременным и неожиданным успехом своей карьеры, а лишь с новой силой стал продвигаться дальше в своих исследованиях, в поиске совершенства в своей живописи. Его учителями были Сальвадор Родригес Юниор, Санто Балло и Джованни Опиду.

 

Современный бразильский художник Яссир Валзакхи (Jesser Valzacchi) родился в городе Катандува, провинция Сан-Паулу в 1983 году, в семье художников. Так получилось, что с самого детства Яссир жил среди искусства. Рисовать начал в 1997 году, тогда это было всего лишь хобби, но постепенно он втянулся и через год, в 1998-ом, его интерес к изобразительному искусству стал расти день ото дня и вскоре стал неотъемлемой частью жизни.

 

 

 

 

 

Работы талантливого уличного художника из Бразилии Зеха Палито всегда излучают позитив и добро. Главный персонаж его картин — это сказочный единорог. Зех утверждает, что источником идей и вдохновения ему служат музыка, дети, поп-культура, мода, негритянская культура, конструктивизм, стрит-арт и стиль ретро а-ля 80-ые. С помощью своего творчества художник стремится донести миру, что самое главное в жизни это счастье, любовь и гармония. Антонио Ли бразильский художник с уникальной способностью соединять людей. Он соединяет людей с лошадьми, другими людьми, даже шлем водолаза для художника не преграда, все его работы очень … сюрреалистические и интимные. Пишет он, в основном, акриловыми красками на холсте

 

 

 

 

 

Роналдо Бонер младший (Ronaldo Boner Junior) талантливый современный  художник. Прославился своими картинами маслом. Родился в 1974 году, в городе Араракуара на юго-востоке Бразилии, штат Сан-Паулу. Еще ребенком, в шестилетнем возрасте, продемонстрировал склонность к живописи, свои первые картины маслом он написал в возрасте 10 лет, они понравились всем, кто их видел, поэтому Роналдо решил более серьезно отнестись к своему увлечению и начал изучать масляную живопись в мастерской известного бразильского художником Роанхело Бочарин, который вскоре обратил внимание на его незаурядные способности Роналдо и убедил его обратиться к знаниям других опытных художников.

 

 

Карлос Кейруз современный бразильскийхудожник, родился 14 декабря 1958 года в городе Ресифи-Pе, Бразилия. Полное имя Альберто Карлос Кейруз де Фран, карьеру художника начал в 1981 году, любитель цветов и прекрасных форм, переносящий зрителя с помощью живописи сквозь свои изображения в сказочные миры, которые показывают вселенную человека, наводненную мечтами о красоте, любви и духовности.

 

 

 

 

Хуарес Мачадо известный бразильский художник, прославившийся своими картинами в стиле арт-деко. Он родился в городе Джойнвилль 16 марта 1941. Художник, скульптор, иллюстратор, мультипликатор, мим, писатель, фотограф, а также актер. В 1954 году он переехал в Куритиба, где поступил в Школу музыки и изобразительных искусств Парана. В 1964 году прошла его первая персональная выставка в галерее Кокако, Куритиба, положившая начало успешной карьере. Следующая выставка состоялась в Рио-де-Жанейро в 1966 году, куда он позже переехал и прожил там более двадцати лет.

 

Ниже вы увидите удивительные иллюстрации ручной работы, сделанные на ткани бразильской художницейЛилией Тризотто. Рисует она специально для любителей живописи на футболках, используя яркие краски и насыщенные цвета

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Ирисни Боско родился в городе Сан-Паулу, Бразилия, 22 августа 1952 года. Профессиональную деятельность начал в качестве дизайнера и постепенно встал на путь искусства. В основном, он художник-самоучка, после многих лет работы в жанрах от классики до импрессионизма, не мог удержаться и не пробовать себя в жанреабстракционизм, следуя той же естественной эволюции, что и многие великие мастера прошлого, которые пришли в абстракционизм из классической школы, пройдя сквозь различные течения в живописи. Используя свои знания цвета, текстуры и материалов, Ирисни заслужил звание эксперта в вопросах изобразительного искусства и добился внимания критиков и коллекционеров.

 

Рисунки карандашом. Diogenes Dantas

Диоген Дэнтас (Diogenes Dantas) современный бразильский художник из. Известен тем, что пишет реалистичные рисунки карандашом. Родился 30 декабря 1990 года в Карнауба дос Дантас, Бразилия. Изучал изобразительное искусство в Федеральном университете штата Рио Гранде ду Норти (UFRN), Бразилия, по специальности дизайнер. Однако считает, что еще многому должен научится, и поэтому в свободное время не упускает возможности улучшить навыки в этой области.

 

 

 

 

Свою художественную карьеру Элиана Бонини начала еще в колыбели. Живя и взрослея среди творцов разнообразных проявлений, музыкантов, скульпторов и художников, Элиана неизменно влюбилась в живопись. Среда, где культурное богатство почти полностью состоит из произведений членов семьи, как предков, так и ныне живущих, украшенная скульптурами, керамикой написанными маслом картинами — стала отправной точкой карьеры художницы. Среди известных членов семьи — ее брат, художник и реставратор произведений искусства Роберто Бонини де Моура.

 

 

 

Доминик Леконт (Dominique Lecomte) родился во Франции, где после школы поступил, а через несколько лет окончил художественное училище по специальности дизайнер-конструктор в области архитектуры. По завершении учебы он работал в психиатрической клинике в Швейцарии, в начале 70-х, Доминик начал писать маслом и в то же время он сделал свою первую выставку. Однако контакт с миром искусства состоялся задолго до этого, будущий художник начал рисовать когда ему исполнилось всего лишь семь

 

 

 

Это тоже портреты. Lucas Simoes

Портреты, вырезанные бразильским художником Лукасом Симоесом (Lucas Simoes) выглядят довольно удивительно, если не сказать — странно. Собраны они из десятков слоев одной и той же фотографии. Он приглашает близких друзей и просит в течении фотосессии рассказать ему какую-нибудь историю из своей жизни, в его намерения не входит услышать тайну, он просто хочет еще лучше узнать человека, для той же цели он просит каждого из них выбрать песню для него, чтобы слушать в наушниках, пока он фотографирует их.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Серия сообщений «бразильские художники»:
Часть 1 — СОВРЕМЕННЫЕ ХУДОЖНИКИ БРАЗИЛИИ.
Часть 2 — МАСКИ.(Claudio Souza Pinto)
Часть 3 — Художник Evandro Schiavone
…
Часть 24 — ТЕСТ: Цыганское гадание от Шувани и шаманские картины Susan Seddon Boulet
Часть 25 — Susan Seddon Boulet/ Сьюзен Седдон Буле: Танец Шамана
Часть 26 — ЛЮБЛЮ… это двух половинок основа. Бразильский художник Alberto Carlos Queiroz

Оригинал записи и комментарии на LiveInternet.ru

• Сильно удивил Сапожник, тем что причислил себя к сохранившим здравый смысл

  Ещё раз говорю, что сейчас не видеть пандемию и не понимать её масштаб может только слепой, глухой, равнодушный и бессердечный. Дело не в том,…

• ПРЕСВЯТАЯ БОГОРОДИЦА

  …

• Осенние пейзажи в восточной живописи

  Автор — Rietta. Это цитата этого сообщения Осенние пейзажи в восточной живописи «>…

Photo

Hint http://pics. livejournal.com/igrick/pic/000r1edq

Бразильские художники Os Gemeos в Москве

Современные художники Os Gemeos из Сан-Паулу рассказали о семье, своем родном городе и творчестве. Мы записали самое интересное

Бразильцы Os Gemeos приобрели известность как граффитчики, но сегодня от такого определения открещиваются, предпочитая, чтобы их называли современными художниками. Братья-близнецы Отавио и Густаво Пандольфо, между которыми существует почти космическая связь, работают в паре вот уже тридцать лет. Их отличительным знаком стали желтые человечки, появляющиеся на большинстве граффити. На счету Os Gemeos — участие в выставке Street Art, которую лондонская Tate Modern провела в 2008 году, сотрудничество с марками от Nike до Louis Vuitton и другие крупные проекты. Первая персональная выставка Os Gemeos два года назад прошла в Бостонском институте современного искусства.

«Нашу связь друг с другом очень трудно объяснить. Мы считаем ее чем-то магическим, рожденным вместе с нами. У нас есть и другие братья, но с ними нет подобного контакта. Мы работаем вместе около тридцати лет и даже не пытаемся это понять».

«На сегодняшний день у вас есть все возможности: днем вы можете быть журналистом, а ночью — работать с граффити»

«Наша мама тоже художник, она вышивает. Старший брат Урнальдо — скульптор. С ранних лет мы видели их работы, наблюдали за процессом. Очень хорошо, что в нашей работе участвуют и другие члены семьи — наша сестра, например».

«В Сан-Паулу нет порядка, этот город не следует правилам и очень богат в плане информации. Мы родились в центре и выходили рисовать на улицы. Там мы научились всему, что теперь умеем». 

«В 80-е граффити стало нашим ключом к самым бедным и богатым уголкам города. Сан-Паулу — это место, в котором нужно научиться жить. Если не сможешь — он поглотит тебя. Мы нашли выход — выживать с помощью рисования — и хотели показать его людям».

«В Сан-Паулу очень развито искусство: мы попросили одну компанию, и нам позволили расписывать поезда. Таким образом мы решили нести искусство в массы. Мы поверили в наше дело, и все получилось, хотя это было непросто».

«В Рио-де-Жанейро мы расписывали поезда в рамках социального проекта, пригласив к участию немецких, итальянских и американских художников. Он охватил самые бедные города. В этом проекте участвовали местные школы: мы проводили там мастер-классы, а дети пытались нарисовать то же самое, что видели на поездах».

«Нельзя сравнить то, что происходит в мире граффити, с современным искусством».

«C ранних лет мы пытались найти «наш» цвет. Однажды мы разглядели в желтом именно то, что нам нужно. Этот яркий цвет каждый должен добавить в свою жизнь. Точно так же стоит дополнить свой образ ярко-желтым браслетом или колье, чтобы хорошо выглядеть».

«Сан-Паулу — очень серый город, и нам хотелось раскрасить его».

«Мы родились в центре и выходили рисовать на улицы. Там мы научились всему, что теперь умеем»

«Мы выросли в то время, когда гаджетов и интернета не было. Это очень на нас повлияло. Важно следовать тому, что заложено в нас природой. В наше время, когда все виртуально-фейковое, должен быть физический контакт. Наше искусство нельзя сделать виртуальным».

«Раньше у нас не было доступа к информации. В этом есть и негатив, и позитив. В Бразилию никто не приезжал. Мы не знали, что происходит, вырывали страницы из книг в библиотеке. Но именно это отчасти способствовало созданию нашего аутентичного стиля».

«У нас литовские корни, и нам было бы интересно посетить страны Восточной Европы. Что касается Москвы, здесь мы были дважды. Мы следим за культурными событиями в Москве и местными художниками. Нам очень нравится то, что делает «Группа Война», например, которая в Бразилии также известна. Очень важно, чтобы такие проекты были, чтобы молодежь заявляла о себе, не опускала голову».

«Работа над рисунком — это живой процесс, скульптура же — возможность перевести его в объем».

«Мир современного искусства очень закрыт. Мы решили работать на выставках, чтобы перенести уличную среду в галереи».

«Многие люди хотят рисовать просто потому, что это в моде. Но только тот, кто отдается этому со всей душой, делает по-настоящему хорошую работу».

«На сегодняшний день у вас есть все возможности: днем вы можете быть журналистом, а ночью — работать с граффити».

Бразильские художники превратили минские улицы в художественные галереи

Важнейшее культурное событие субботы – закрытие фестиваля уличного искусства «Vulicа Brasil», в рамках которого бразильские художники вместе с белорусскими авторами создавали муралы, скульптуры, граффити и микро-стрит-арты.

Финальный аккорд этого уличного праздника прозвучит на Октябрьской улице, которая на эти выходные стала пешеходной.

«Цвета делают людей счастливыми. Цветовые вибрации, волны влияют на наше настроение», – говорит один из организаторов фестиваля Мила Котка.

В этом году в фестивале приняли участие пять художников из Бразилии и более десяти из Беларуси. Примечательно, что каждый из них работает в своем стиле и по своей тематике.

Опрошенные «Белсатом» жители Минска рассказали, что им нравятся украшенные таким образом столичные дома:

«Ярко, красочно, красиво. Очень классный фестиваль для Минска, я считаю».
«Такого в Минске я еще не видел. Здесь очень красиво, мне очень нравится. Я влюбился в эту улицу!»

Во время фестиваля можно было наблюдать не только как создаются арт-объекты, но и участвовать в мастер-классах по арт-техникам, побывать на презентации коллекции одежды и эко-аксессуаров, посетить воркшоп по урбанистике. Сегодня же на Октябрьской есть все – танцы, театр, кино, визуальные искусства, музыка, гастрономия, мода, ярмарка, спорт и лекции.

«Мы только что с ребятами стояли и обсуждали, что это Минск нашей мечты: футбол на самой главной тусовочной улице Беларуси, по сути, превосходные красивые люди ходят, у всех классное настроение, футбол пляжный – самое главное. Беларусь моей мечты, скажем так», – говорит один из гостей фестиваля.

Украсить здания, сделать выходные минчан и гостей столицы незабываемыми – это не единственная цель фестиваля. Его задача еще и в том, чтобы оставить после праздника как можно меньше экологических следов: например, рекламные баннеры не выбросят в мусор, а сделают из них сумки и кошельки, новая жизнь ждет и использованные баллоны из-под краски. Не останется мусора, при этом надолго останутся яркие воспоминания и произведения уличного искусства.

Благодаря «Vulica Brasil» за четыре года в Минске создали 38 арт-объектов, несколько скульптур и архитектурных конструкций, а вместе с этим наша столица стала превращаться в разноцветную со своим неповторимым характером.

Мария Арцыбашева/ИР, «Белсат»

Ди Кавальканти — 20 произведений

Ди Кавальканти (настоящее имя Эмилиану Аугусту Кавалканти ди Албукерке Мелу, порт.-браз. Emiliano Augusto Cavalcanti de Albuquerque Melo, 6 сентября 1897 — 26 октября 1976, Рио-де-Жанейро) — бразильский художник-модернист. Один из трёх крупнейших бразильских художников, наряду с современниками Кандиду Портинари и Лазарем Сегалом.

Ди Кавальканти родился в Рио-де-Жанейро, и с детства испытал влияние городской артистической среды в доме своего дяди. Он изучал право в течение нескольких лет, но не закончил курс обучения. После этого в 1917 году он переехал в Сан-Паулу. В том же году в книжном магазине в Сан-Паулу прошла его выставка, включившая карикатуры с явным влиянием символизма. В 1918 году художник вошёл в группу интеллектуалов, включавшую, в частности, Мариу де Андраде, Освалда де Андраде, Гильерме де Алмейду и других. В 1922 году он принял участие в организованной этой группой Неделе искусства (порт. Semana de Arte). Его работы, выставленные в рамках Недели, отражали влияния символизма и экспрессионизма. В 1921 году он женился на своей двоюродной сестре Марии.

С 1923 по 1925 год Ди Кавальканти жил в Париже, работая корреспондентом газеты «Correio da Manhã» и одновременно посещая занятия в Академии Рансона, где он познакомился с такими художниками, как Пабло Пикассо, Анри Матисс, Жорж Брак и Фернан Леже. В 1925 году Ди Кавальканти поселился в Рио-де-Жанейро.

После знакомства с модернизмом в Европе он решил работать в стиле, более подчеркивающем национальный характер бразильского искусства. Одновременно он вступил в Бразильскую коммунистическую партию. Наряду с живописью, он занялся также дизайном интерьеров.

В 1932 году была образована художественная группа Sociedade Pró-Arter Moderna (SPAM), в которую входили такие художники, как Лазар Сегал и Анита Малфатти. Целью группы было распространение модернизма в Бразилии путём организации крупных художественных выставок. Первая выставка 28 апреля 1933 года имела такой успех, что уже во второй выставке, проходившей осенью того же года, приняли участие большинство крупных бразильских художников, включая Портинари и Ди Кавальканти.

Ди Кавальканти дважды сидел в тюрьме за свои коммунистические убеждения. Первый раз он оказался в заключении в 1932 году, после чего познакомился со своей будущей второй женой, художницей Ноемией Моурау. В 1936 году они оба оказались в заключении.

С 1937 по 1940 годы Ди Кавльканти с женой провели в Европе. В частности, он получил золотую медаль в Париже на выставке «Art Technique». За эти годы художник создал около 40 работ, которые они с женой были вынуждены оставить во Франции, когда в 1940 году бежали из страны перед неминуемой угрозой немецкой оккупации. Эти работы были обнаружены в 1966 году в подвале посольства Бразилии в Париже. С 1940 года Ди Кавальканти жил в Сан-Паулу. После этого он в основном интересовался специфически латиноамериканскими темами. В 1951 года в Сан-Паулу прошла биеннале латиноамериканского искусства, где выставлялись его работы. В биеннале по личному приглашению Ди Кавальканти участвовали (и лично посетили выставку) Диего Ривера и Давид Сикейрос.

В 1977 году бразильский кинорежиссёр Глаубер Роша снял фильм о художнике.

Тема, постоянно встречающаяся в произведениях художника — женское тело. Большинство его работ — жанровые сцены, в ярких цветах, похожие по манере на живопись Сикейроса и Риверы, но без политического подтекста. После 1940 года в его живописи полностью преобладают бразильские сюжеты: мулатки, негры, карнавал и тропические пейзажи.

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

ещё …

Шесть форм искусства, о которых вы могли не слышать

Искусство теней

Когда тени впервые стали использовать в искусстве, неизвестно, но современные работы выглядят впечатляюще. Известные художники в этой области – Куми Ямашиту и Фред Эрдекенс.

В работах часто раскрывают темы ужасов или урбанизации. Например, команда Тима Нобла и Сью Вебстер в произведении Dirty White Trash использовали мусор для того, чтобы создать тени двух людей, которые сидят спинами друг к другу, курят и пьют.

Другой художник теней Рашад Алекперов использует красочное стекло, чтобы создавать картины на пустой стене.

Тим Нобл и Сью Вебстер «Dirty White Trash», источник Tim Noble and Sue Webster

Искусство из телесных жидкостей

В этом искусстве художники в основном используют мочу и кровь как людей, так и животных. Например, бразильский художник Виниций Кесада рисует картины только своей собстенной кровью. Он известен серией картин под названием «Кровавый блюз». Эти картины создают мрачную атмосферу. Одна из его известных работ — Мистер Обезьяна.

Художник Герман Нитч называет свое творчество «Театр оргий и мистерий». В одном из своих представлений он использовал пять убитых свиней и 600 литров крови. Главными в его мистериях являются темы жертвенности, страдания, смерти и возрождения, выраженные предельно натуралистично, пишет Aroundart.ru

Виниций Кесада «Мистер Обезьяна», источник Vinicius Quesada

Рисование на грязных машинах

Да, это, оказывается, тоже может быть искусством. Мы привыкли к надписям «помой меня», но американский графический дизайнер Скотт Уэйд  прославился именно рисунками на грязных машинах, на которых можно увидеть красивые замки, портреты людей и прочее другое. Он предпочитает работать на стекле, покрытым несколькими слоями грязи, но часто использует масло и фен для живых выступлений.

Фюмаж

Это одна из техник сюрреализма, в которой используется дым от пламени свечи, спички или газовой лампы, чтобы создавать рисунки. Эту технику ввел в практику в 1920-х годах австрийский художник Вольфганг Паален.

Экологическое искусство

Одним из примеров сочетания искусства, экологии и технологий являются башни Smog Free. Это конструкции, покрыты металлическими лепестками. Они служат фильтром для смога и очищают воздух в мегаполисах.

В городском смоге 42% процента углерода, который входит и в состав алмазов. Так появились Smog free rings, сердце которых спрессованная пыль смога Пекина и Роттердама. Стоимость каждого равна пожертвованию, которого достаточно для очистки 1000 м3 воздуха, пишет Forbes.

Smog free rings, Фото Studio Roosegaarde, источник Forbes 

VR-искусство

Виртуальная реальность — это не просто  модное слово в мире технологий, а большая платформа для художников.

Джо Напкил занимается скульптурой в виртуальной реальности. На него повлияли научно-фантастические фильмы и фильмы ужасов. Он работал над фильмами «Звездний путь» и «Мстители».

Здесь не только создают картины и скульптуры. Например, Джордан Вольфсон представил проект под названием «Настоящее насилие» — опыт, не имеющий аналогов. Он заставляет испытать настоящее насилие. Ты видишь, как один человек нападает на другого, и ты не знаешь, выживет ли он.

Работа Джо Напкил, источник Dextra 

Бразильский художник создает новый мурал в Тольятти | TLT.ru

В Тольятти в рамках фестиваля SamaraGround 2021 начинают работать художники, которые создадут новые муралы на зданиях. Всего их будет шесть, месторасположение трех уже известно.

Один из них появится на фасаде спорткомплекса «Старт» на улице Республиканской. Два других на здании общежития Поволжского государственного университета сервиса (ул. Ушакова) и на высотном здание на ул. Белорусской, 33. В последнем случае мурал будет посвящен Тольятти.

Работу на фасаде «Старта» с 5 сентября готовит бразильский уличный художник L7Matrix (Луис Густаво Мартинс), сообщили в пресс-службе фестиваля. Используя в работе чернила, лак, мягкую и масляную пастель, акрил и аэрозольную краску, создает свой уникальный стиль рисования. Его работы сочетают геометрические элементы и цветные головоломки с реалистичностью, достигаемой за счет внимания к деталям.

«Мое творчество совмещает хаос и красоту. Приехать в Россию для меня было важно, потому что мне очень интересна русская культура. Я хочу узнать о ней что-то новое, — рассказал L7Matrix. — Я хочу получить вдохновение от России сделать подарок ее
жителям. Это очень интересно — путешествовать и показывать свое искусство людям, чтобы вдохновлять их и вдохновляться самому».

Международный арт-проект Samara Ground Art Festival проходит в Самарской области уже во второй раз. В этом году кроме Самары в нем участвует и Тольятти. Художники за время фестиваля нарисуют 15 муралов. Девять из них – в Самаре, шесть — в Тольятти. Улицы городов украсят новые скульптуры. Всего их будет три. Две — в Самаре и одна — в Тольятти.

Первый Samara Ground состоялся год назад. Тогда международный арт-проект собрал в Самаре известных деятелей искусства со всего мира. Фасады в историческом центре города расписали столичный художник Андрей Бергер, автор из Казани Рустам QBic, Ares Badsector из Турции и аргентинский мастер Малкольм Рокс. Знаменитый каллиграф Покрас Лампас из Санкт-Петербурга расписал подпорную стену на Маяковском спуске.

бразильских художников — Обмен картин на миллион долларов для бразильских художников

Часто наши уроки, галереи и столовые заполнены европейскими художниками, однако в работах бразильских художников есть восхитительная смелость в геометрических формах, ярких цветах и ​​кампаниях. История об обмене живописью в MAM в Рио вдохновила на создание этого поста размышлений о чудесах менее известных бразильских художников.

Обмен картин на миллион долларов для бразильских художников

В этом мире есть два типа людей: те, которые будут продавать картины своей бабушки, как только они покажут проблеск ценности; и те, кто ценит самые изысканные украшения, переданные им от дальних родственников.

Боюсь, что подхожу к первой категории. Точные настроения излучает Музей современного искусства в Рио-де-Жанейро.

MAM попал в заголовки газет, потому что он ухватился за возможность продать картину стоимостью в несколько миллионов долларов, под видом того, что Поллак не был бразильским наследием. Бразилия — националистов , и ей не нужно ввозить иностранные картины, когда ее граждане полны талантов.

Речь идет о Джеймсе Поллаке, образно названном… No.16 , который вскоре поступит на аукцион. Скорее всего, его мгновенно выхватит один из художественных музеев Крестного Отца.

Музей современного искусства в Рио-де-Жанейро, подаренный бывшим вице-президентом США Нельсоном Рокфеллером, не сомневается в том, что американский или европейский музей позаботится о Поллаке. Тем временем прибыль может быть направлена ​​на защиту работ бразильских художников.

Так кто же эти загадочные бразильские художники?

Вот список из десяти лучших и самых влиятельных бразильских художников.

1. Тарсила-ду-Амарал Абапору в Тарсила-ду-Амарал, Музей латиноамериканского искусства в Буэнос-Айресе (МАЛБА)

Искусство Тарсила до Амарала протягивает руку и шлепает вас по лицу яркими изображениями и яркими красками. От него исходят смелые узоры и формы, которые я так часто вижу на одежде бразильянок.

Поразительно, но так просто.

Амарал выросла на богатой кофейной плантации, но, как и многие бразильские художники из этого списка, она получила образование в Европе.Ее картина «Антропофагия» является самой дорогой в истории Бразилии и много говорит о дискриминации в стране, оставшейся после рабства.

Лучшие места, чтобы увидеть картины Тарсила ду Амарал:

Мома в Нью-Йорке: https://www.moma.org/calendar/exhibitions/3871

Музей латиноамериканского искусства в Буэнос-Айресе: https://coleccion.malba.org.ar/

Познакомьтесь с картинами Амарала в этой цифровой галерее.

2.Семья Брахер

Карлос Брахер происходит из известной семьи художников, которые живут в реальном замке в Жуис-де-Фора.

Отец был немецким иммигрантом, который приехал и начал продавать два товара. Пиво и изделия из фарфора ручной работы. Эти изделия из фарфора расписывала сама семья, поэтому дети учились рисовать с раннего возраста. Хотя магазины, возможно, закрылись, как и основанная ими художественная школа, дети остаются великими бразильскими художниками.

Лучшие места, чтобы увидеть картины Карлоса Брахера:

У Брахера есть две картины в зале заседаний президента палаты депутатов бразильского конгресса в столице Бразилиа. Вы сможете увидеть картины во время одной из бесплатных экскурсий.

3. Ромеро Бритто

Ромеро Бритто — художник в стиле поп-арт. Его искусство светится на вашем лице и часто появляется на женских сумочках.Его довольно сложно не заметить.

Бритто известен тем, что жертвует деньги и картины на детские больницы, а также финансирует экологические проекты по защите тропических лесов Амазонки.

Лучшие места, чтобы увидеть картины Ромеро Бритто:

Галерея Ромеро Бритто в Майами, Флорида: https://dicasdaflorida.com.br/2012/10/galeria-do-romero-britto-em-miami.html

Galleria 3rd в Нью-Йорке: https://www.galleriaonthird.com/romero-britto

4.Роберто Бурле Маркс Бурле Маркс справа из частного собрания.

Не совсем бразильский художник, Бурле Маркс на самом деле специализируется на ландшафтном дизайне и ботанике. Он предпочитает изогнутые формы, похожие на переплетенные волны, его работы в садах и картинах легко заметить.

Пожалуй, наиболее заметными его произведениями могут быть Aterro de Flamengo в Рио-де-Жанейро, откуда открывается захватывающий вид на гору Сахарная голова. Вдобавок к этому он спроектировал большинство парков в столице Бразилии, Бразилиа, в которых его работа идет рука об руку с работой архитектора Оскара Нимейера.

Лучшие места, чтобы увидеть сады и картины Роберто Бурле Маркса:

Aterro do Flamengo, пляжный парк в районе Фламенго в Рио-де-Жанейро: https://www.pps.org/places/parque-do-aterro-do-flamengo

Проект парка Ибирапуэра, Сан-Паулу, Бразилия: https://parqueibirapuera.org/ibirapuera-park/

Художественный музей Сан-Паулу Ассис Шатобриан: https://masp.org.br/

Национальный музей изящных искусств Рио-де-Жанейро: https: // mnba.gov.br/portal/

Присмотритесь к цифровой галерее Маркса.

5. Сирон Франко Картина Сирона Франко из частной коллекции

Искусство Сирона Франко часто шокирует, поскольку он использует свое искусство для борьбы с нарушениями прав человека или окружающей среды.

Одна известная атрибуция принадлежит ядерной катастрофе в Гоянии. Трагедия, малоизвестная за пределами самой Бразилии. История гласит, что компания сбросила ядерные отходы на окраине города в штате Гояс.После этого местные дети по незнанию вошли на место и, обнаружив флуоресцентный материал, начали с ним играть. Потом даже принесли части домой, чтобы показать их своей общине. Некоторые хранили ядерный материал в своих домах в течение многих лет, и было уже слишком поздно, когда начали проявляться симптомы радиоактивного облучения.

Точно так же во время конференции «Рио + 20» по всемирным экологическим целям было продемонстрировано искусство Сирона, отрицающего ущерб, нанесенный преступным пожаром, охватившим португальца Серрадо, также находящегося в его родном штате.

Siron — великий художник, позволяющий созерцать действия людей и их последствия, которые переживут ошибочные или небрежные действия.

6. Франсиско Галено Картина Франсиско Галено с небоскребами из частной коллекции

Картины Галено — это яркие, геометрические и абстрактные репродукции городских пейзажей. Его картины — это всплеск живости в комнате.

Где посмотреть картины Франсиско Галено:

В Бразилиа Галено расписал всю внутреннюю часть маленькой церкви (Igrejinha Nossa Senhora de Fátima).Иллюстрации рассказывают историю появления Святой Фатимы в Португалии, историю, которая дала церкви свое название.

Узнайте больше о том, что посмотреть и чем заняться в Бразилиа, здесь.

Взгляните на цифровую галерею работ Галено здесь.

7. Арканджело Ианелли

Ианелли — бразильский художник, удостоенный множества наград, получивший высокую оценку за его технически впечатляющее использование цвета. Специализируется на абстрактном искусстве, рисуя формы с замысловатыми деталями освещения.Его картины с коробкой будут стоить дороже, чем ваш дом.

Лучшие места, чтобы увидеть работы Ианелли:

Pinacoteca do Estado de São Paulo: https://pinacoteca.org.br/en/works/

Национальный музей изящных искусств: https://mnba. gov.br/portal/

Взгляните на цифровую коллекцию работ Ианелли здесь.

8. Candido Portinari Мир, 1952-1956 гг. Штаб-квартира ООН, Кандидо Портинари Война, 1952-1956 гг. Штаб-квартира ООН, Кандидо Портинари

Портинари заказал произведение искусства для штаб-квартиры Организации Объединенных Наций, которое, как утверждается, представляет собой объединение стран, происходящее внутри организации.Портинари также использовал токсичные вещества в своих красках, что, несмотря на пылкие предупреждения, в конечном итоге привело к его смерти от отравления свинцом в 1962 году.

Для более подробного обзора Candido Portinari прочтите журналистское выступление Андреа Фернандес.

Лучшие места, чтобы увидеть картины Портинари:

MoMa в Нью-Йорке: https://www.moma.org/artists/4705

Национальный музей изящных искусств: https://mnba.gov.br/portal/colecoes/pintura-brasileira

Музей латиноамериканского искусства в Буэнос-Айресе: https: // coleccion. malba.org.ar/

Веб-сайт Портинари является отличным источником дополнительной информации и содержит цифровую коллекцию его работ.

9. Альберто да Вейга Гиньяр Ouro Preto от Alberto da Veiga Guignard на выставке MoMa в Нью-Йорке.

Если говорить о травматической жизни, у Альберто да Вейга Гиньяр было все.

Родился с заячьей губой, затем покончил жизнь самоубийством отца, оставил его новая жена во время медового месяца и полностью сломал большую часть своей жизни.Вместо этого Вейга Гиньяр посвятил свое время своим произведениям искусства и создал шедевр, который был продан на аукционе за 5,3 миллиона долларов.

Лучшие места, чтобы увидеть картины Гинара:

MoMa в Нью-Йорке: https://www.moma.org/collection/works/78407

Узнайте больше о Гиньяре (на португальском языке) и посмотрите примеры его работ здесь.

10. Альфредо Вольпи На выставке в MoMa

Вольпи любит красить флаги. Представленная ниже бразильская версия овсянки с флагами используется на фестивалях урожая под названием Хунинос.Праздники Хунины сосредоточены вокруг продуктов на основе осенней кукурузы, сладкого медового вина и яблок ириски. Отмечаемые в сельской местности, они внутренне связаны с католическими святыми урожая.

Лучшие места, чтобы увидеть картины Вольпи:

MoMa в Нью-Йорке: https://www.moma.org/artists/4705

Национальный музей изящных искусств: https://mnba.gov.br/portal/

Взгляните на картины Вольпи в этой виртуальной галерее.

---

Изменение культурных стереотипов

В качестве заключительной мысли, возможно, мы сможем подытожить мужество простить музею МАМ за , избегающих небразильских произведений искусства , поскольку страна трещит по швам с коренными бразильскими художниками .

Действительно, бразильское искусство простирается от деревенских пейзажей, поп-арта, геометрических фигур до шедевральных коричневых коробок, и оно может удовлетворить любой вкус.

Немного углубившись в историю Бразилии через искусство, можно изменить многие стереотипные представления о культуре Бразилии.

Таким образом, обнадеживает понимание того, что Бразилия — это намного больше, чем крошечные бикини и барабаны самбы.

современных бразильских художников купить прямо сейчас

Мэрисол Ньевес, старший специалист по латиноамериканскому искусству Christie’s в Нью-Йорке, представляет семь современных художников, которые появились в Бразилии в период бурного творчества.

1950-е годы были периодом оптимизма в Бразилии, поскольку страна стала развитой индустриальной экономикой.Через своих художников и музыкантов развивалась новая форма утопического модернизма, которая бросила вызов политическому и культурному господству Европы и Соединенных Штатов и создала прецедент для будущих художественных новшеств.

Группа молодых художников превратила жесткую абстракцию в нечто чувственное и поэтическое. Эстетика стала известна как неоконкретизм, и ее смелые цвета, динамичное использование пространства и акцент на чувственном опыте показали миру, что геометрия может быть выразительной, политической и физической.Это было началом периода радикальных и творческих нововведений в искусстве, литературе, музыке и архитектуре в Бразилии.

«Послевоенное бразильское искусство представляет собой выдающуюся главу в истории глобального модернизма, начиная с конструктивизма и неоконкретизма и кончая тропиками, концептуальным искусством и абстракцией», — поясняет старший специалист по латиноамериканскому искусству Марисол Ньевес.

Эти экспериментальные художники создавали работы, используя материалы повседневной жизни, и, несмотря на разнообразие стилей, Ньевес утверждает, что существовала общая тема: «бразильская идея vivência , или тотальный жизненный опыт, который проявляется в их объятиях участия, процессуальное и междисциплинарное искусство.’

«Недавние выставки привлекли внимание к ранее недооцененным художникам и расширили рынок современного бразильского искусства» — Марисол Ньевес

Начиная с той беспрецедентной эры художественного оптимизма, бразильские художники продолжали продвигать свои энергичные планы, даже несмотря на политические волнения, и мир искусства принимает это к сведению.

Недавние выставки в ведущих музеях США и Европы таких ключевых бразильских деятелей, как Тарсила до Амарал, Лигия Кларк, Сильдо Мейрелеш и Лигия Папе, «привлекли внимание к ранее малоизвестным художникам и расширили рынок современного и современного бразильского искусства. ‘, — говорит специалист.

Сегодня современные и современные художники, такие как Серхио Камарго, Антонио Диас, Тунга и Жак Лейрнер, регулярно участвуют в международных выставках и биеннале, арт-ярмарках и аукционах.Цены на топовые работы легко могут достигать 500 000 долларов и выше.

Здесь Марисол Ньевес перечисляет семь бразильских художников, в которых можно инвестировать сейчас, иллюстрированные работами, выставленными на продажу на Christie’s.

Жеральдо де Баррос (1923–1998)

Один из самых влиятельных бразильских художников 20-го века, Жеральдо де Баррос считается пионером конкретного искусства, но он также известен своими революционными нововведениями в фотографии.Художник начал фотографировать, когда ему было 16 лет, и быстро начал играть со средой — вырезать, царапать и рисовать негативы, а также экспериментировать с мультиэкспозицией и фотографией с отверстиями.

В 1950 году он представил результаты как фотоформ в Museu de Arte de São Paulo, что принесло ему стипендию в Европу, где находился Untitled (Atelier de Vieira da Silva, Франция) (1951/1981), ниже. сделал. Работа представляет собой дезориентирующее и динамичное изображение студии художника Виейры да Силва в Париже.

Жеральдо де Баррос (1923–1998), Без названия (Ателье де Виейра да Силва, Франция) .Снято в 1951 году. Отпечатано в 1981 году. Бумага, серебряно-желатиновый отпечаток. 15¾ x 12 дюймов (40 x 30,5 см). Эстимейт: 1500-2000 долларов. Предлагается в Latin American Art Online, 16-26 ноября 2019 г., онлайн

Амилкар де Кастро (1920-2002)

Неоконкретизм зародился в Рио-де-Жанейро в 1950-х годах, и одной из его ключевых фигур был скульптор Амилкар де Кастро.Сегодня его поразительные работы по производству оксидированной стали и чугуна можно найти по всей Бразилии, особенно за пределами собора Сан-Паулу.

Ни один материал не был слишком сложным для де Кастро, который использовал природу как кисть, позволяя своим тяжелым металлическим конструкциям ржаветь и разрушаться, отражая разложение городской среды.

Без названия (1990), приведенный ниже, из его серии «Cut and Fold», и, как говорит Ньевес, «экспериментирует с двухмерным и трехмерным пространством, которое непрерывно трансформируется игрой света и тени».

Амилкар де Кастро (1920-2002), Без названия .Казнен в 1990 году. Утюг. 2½ x 5⅞ x 5¾ дюймов (6,4 x 14,9 x 14,6 см). Эстимейт: 4000-6000 долларов. Предлагается в Latin American Art Online, 16-26 ноября 2019 г., онлайн

Сержиу Камарго (1930–1990)

Скульптор-конструктивист Серхио Камарго обучался у мастера-модерниста Лучио Фонтана в Буэнос-Айресе перед поездкой в ​​Китай и Францию, где он стал членом оптико-кинетической Groupe de Recherche d’Art Visuel (GRAV).

По словам Ньевеса, это было в середине 1960-х годов, когда художник начал создавать свои «теперь уже культовые» белые рельефы из дерева и мрамора, из которых Без названия (1979), внизу справа, является одним. «Их скошенные поверхности, смещенные и мягко светящиеся, подчеркивают опалесценцию белого каррарского мрамора и поэтику минималистского монохромного».

Более поздняя модель Untitled (1989), внизу слева, сделанная из черного мрамора, играет с негативом и позитивом, поглощая и отражая окружающий свет.

Артур Луис Пиза (1928-2017)

Артур Луис Пиза принадлежал к поколению молодых латиноамериканских художников, прибывших в Париж в 1950-х годах, и наиболее известен своими коллажами и металлическими сборками.Он изучал гравюру у мастера-гравера Джонни Фридлендера и был удостоен Национальной премии в области гравюры в 1959 году.

В 1960-х он начал раздвигать границы гравюры — сначала экспериментируя с коллажами, а затем со скульптурными рельефами. Без названия (2004) принадлежит к серии скульптур, известных как «плетения», в которых цветные геометрические бляшки плавают между ячейками, открывающимися, как книга.

Артур Луис Пиза (1928-2017), Без названия , казнен в 2004 году.Оцинкованная сетка, акрил, цинк. 13⅛ x 14¼ x 8¼ дюймов (33,4 x 36,2 x 21 см). Эстимейт: 4000-6000 долларов. Предлагается в Latin American Art Online, 16-26 ноября 2019 г., онлайн

Як Лейрнер (р. 1961)

Як Лейрнер постоянно присутствует на международных выставках и биеннале с середины 1980-х годов и известна своими скульптурными коллекциями, которые учитывают остатки потребительской культуры.

Подпитываемая панк-роком и страстью к коллекционированию, ее самая известная и, возможно, самая известная работа — это серия под названием Pulmão (Lung) , которую она начала в 1987 году, в том же году, когда она представляла Бразилию на Венецианской биеннале. . Скульптуры были сделаны из остатков 1200 пачек Мальборо, которые художник выкурил более трех лет.

Картонная упаковка была натянута на полиуретановый шнур и сегодня висит в Музее современного искусства в Нью-Йорке, а целлофановые упаковки сложены внутри коробки из оргстекла, чтобы создать минималистичную скульптуру.Ньевес объясняет, что Pulmão (Lung) отражает «остаточные эффекты потребления, от личных до этических и экономических».

Як Лейрнер (род.1961), Pulmão (Легкое) . Выполнено в 1991 году. Ящик из плексигласа, целлофан. 8½ x 3⅜ x 2⅜ дюйма (21,6 x 8,6 x 6,1 см). Эстимейт: 12-18 тысяч долларов. Предлагается в Latin American Art Online, 16-26 ноября 2019 г., онлайн

Тунга (1952-2016)

Среди новаторского поколения бразильских концептуалистов загадочный Тунга, пожалуй, наиболее известен своими сюрреалистическими скульптурами и крупномасштабными инсталляциями, изображающими тело, литературу и мифологию.Художественный руководитель Музея искусств Сан-Паулу Адриано Педроса назвал его работы «непостижимыми».

«Как бы старательно и старательно вы ни старались, — говорит он, — вы не можете схватить это или удержать твердо и целиком в своих руках или уме. Работа соблазняет и обманывает, ускользает сквозь пальцы, проваливается в трещины, ставит уловки и ловушки ».

Без названия (1997), ниже, относится к группе работ, в которых терракотовые скульптуры выкованы в бронзу, а затем раскрашены, чтобы они выглядели как живые.«Я стараюсь продвигать материалы, насколько это возможно, придавая им символическую функцию», — объяснил Тунга в 2014 году. Благодаря этой трансформации эти жестокие, инертные объекты «фактически перевоплощаются», — говорит Ньевес. «Их поверхности кажутся похожими на плоть и мягко блестят».

Тунга (1952-2016), Без названия , казнен в 1997 году.Бронза. 5¾ x 5⅝ x 10½ дюймов (14,6 x 14,3 x 26,7 см). Эстимейт: 10-15 тысяч долларов. Предлагается в Latin American Art Online, 16-26 ноября 2019 г., онлайн

Зарегистрируйтесь сегодня

Интернет-журнал Christie’s каждую неделю доставляет на ваш почтовый ящик наши лучшие функции, видеоролики и новости аукционов

Подписывайся

Елизавета Жобим (р.1957)

Наследница богатых традиций конструктивизма в Рио-де-Жанейро, Элизабет Жобим построила свою практику на соотношении цвета, формы и линии, часто ломая и переделывая повторяющиеся узоры в своих крупномасштабных инсталляциях, чтобы дезориентировать зрителя.

«Это как камень в обуви или заикание, — говорит она, — но вы продолжаете идти, а энергия продолжает течь».

Елизавета Жобим (род.1957), Без названия , выполнено в 2001 году. Бумага, акрил. 39 x 55 дюймов (99 x 139,7 см). Эстимейт: 6000-8000 долларов. Предлагается в Latin American Art Online, 16-26 ноября 2019 г., онлайн

Untitled (2001), см. Выше, изначально задумывался как часть большой инсталляции рисунков и выполнен в ее фирменном ультрамариновом синем цвете.Нивес описывает свою работу как «широкие жесты полупрозрачного синего пигмента, каскадно растекающегося по поверхности, при этом формы, казалось бы, расширяются и меняются на наших глазах, предлагая движение и глубину».

Прошлое / Будущее / Настоящее: Современное бразильское искусство из Музея современного искусства, Сан-Паулу

О ВЫСТАВКЕ

Поскольку в Музее современного искусства Сан-Паулу находится одна из самых важных коллекций бразильского искусства в мире, эта выставка представляет лишь одно созвездие произведений искусства среди множества других, которые можно было вообразить.Он не задуман как исчерпывающий обзор современного художественного производства в Бразилии, а скорее для того, чтобы внести свой вклад в продолжающийся разговор о том, что такое бразильское искусство и чем оно может быть.

Представленные художники: Альбано Афонсу, Кейла Алавер, Эфрейн Алмейда, Рафаэль Ассеф, Дора Лонго Баия, Родриго Брага, Вальтерсио Кальдас, Рогерио Канелла, Карлито Карвалоса, Леда Катунда, Лия Чайя, Сандра Синто, Фошелле Костино, Хосе Челле Коэнно, Хосе Рошелле Коэн. Ленора де Баррос, Антонио Диас, Иран-ду-Эспириту-Санту, Марсиус Галан, Анна Белла Гейгер, Кармела Гросс, Джунгли Тадеу, Люсия Кох, Нельсон Лейрнер, Жак Лейрнер, Хосе Леонильсон, Артур Лешер, Лаура Лима, Антонио Мануэль, Синтия Марселле, Марепе , Родриго Матеус, Сильдо Мейрелеш, Беатрис Милхазес, Одирес Мласьо, Марсело Москета, Педро Мотта, Вик Мунис, Эрнесто Нето, Риван Нойеншвандер, Назарет Пачеко, Розана Паулино, Пазе, Пенна Преаро, Флориан Раисс, Кайо Рейзевья И Тунга, Тьяго Роча Питта, Регина Сильвейра, Валеска Соарес, Ана Мария Таварес, Тунга, Адриана Вареджао, Касио Васконселос, Лаура Винчи, Карлос Зилио, Марсело Соккио.Прошлое / будущее / настоящее: современное бразильское искусство из Музея современного искусства в Сан-Паулу организовано Художественным музеем Феникса в сотрудничестве с Museu de Arte Moderna, Сан-Паулу (MAM-SP). Эта выставка стала возможной благодаря щедрости Фонда Дайан и Брюса Халле, фонда J.W. Фонд Кикхефера и Фонд Маргарет Т. Моррис.

ВИДЕО ССЫЛКА

КРЕДИТ ИЗОБРАЖЕНИЯ

Odires Mlászho, Marcus Aurelius (из серии: Cavo um fóssil repleto de anzóis ) (Марк Аврелий [из серии: Я выкопал окаменелость, полную крючков]), 1996.Фотография. Музей современного искусства, собрание Сан-Паулу, дар Хосе Миндлина. Фото Одиреса Мласьо.

Все изображения и кредитные линии

11 афро-бразильских художников, которых стоит послушать

В 2020 году то, что мы называем афро-бразильской музыкой, станет сложной мультивселенной, запутывающими звуками и переживаниями, которые выходят далеко за рамки самбы, маракату или аксе. Современная афро-бразильская музыкальная сцена не имеет границ, и артисты вне поля зрения сыграли важную роль в построении этой новой парадигмы.Хотя большинство этих художников, в том числе Tuyo, Gilsons и Majur, вне международного внимания, их творческий гений, талант и подлинность не менее фантастичны, чем у таких известных имен, как Эльза Соарес.

Нестандартное мышление, эти певцы, композиторы и мульти-инструменталисты консолидируют другой взгляд на афро-бразильскую музыку: тот, который отказывается от лейблов и экспериментирует со всеми возможными звуковыми текстурами.От южно-бразильского футуристического фолк-трио до мощных R&B песен небинарного певца из Баии — список ниже знакомит вас с 11 неосновными афро-бразильскими музыкантами, которых вы, вероятно, не слушали, но определенно должны.

---

Gilsons

Название говорит само за себя: Gilsons — это трио, состоящее из José Gil, João Gi l и Francisco Gil , сына и внуков, соответственно, Gilberto Gi l, одного из самых престижных композиторов. Музыкальной популярной Бразилии (MPB).Несмотря на то, что трио родилось в 2018 году, только в ноябре прошлого года они выпустили свой первый EP — Várias Queixas . Название EP также является самым известным треком Гилсона, крутой поп-версией одноименной и оригинальной песни Olodum , знаменитого «bloco Afro» из Баии. EP также включает в себя собственные композиции потомков Жилберто Хиля, такие как Vento Alecrim, похожий на Várias Queixas, и Cores e Nomes, но медленный.

Местриньо

Mestrinho do Acordeon означает «Маленький мастер аккордеона» на португальском языке. Имя вовсе не является преувеличением: он в совершенстве владеет искусством музыки форро, одного из самых важных жанров, представляющих музыкальную идентичность Северо-Восточной Бразилии.Убежденный сторонник бразильской региональной музыки, певец, аккордеонист, композитор и уроженец сельской местности Серджипи, Местринью уже играл с такими громкими именами, как Dominguinhos и Gilberto Gil . В 2018 году он выиграл Бразильскую музыкальную премию как лучший региональный певец-мужчина. Несмотря на то, что его музыка глубоко уходит корнями в эстетику форро, 32-летний артист также увлекается другими музыкальными жанрами. Его последний и третий альбом Grito de Amor (2019) не только вдохновлен музыкой Stevie Wonder , но и представляет собой интересный сплав американского джаза, поп-музыки и, конечно же, музыки форро.

Марввила

Пагода — это преимущественно мужская музыка, но Марввила , 20-летняя женщина из Рио с низким и задушевным голосом, осталась замечательным исключением на этой музыкальной сцене. Несмотря на то, что певица впервые стала известна как участница The Voice Brasil в 2016 году, ее карьера вышла на новый уровень всего несколько месяцев назад, когда она участвовала в прямом эфире с Ludmilla , огромной звездой поп-фанка в Бразилии.Выступление Марвиллы в шоу Людмилы было настолько выдающимся, что она недавно подписала контракт с Warner Music. Não é Por Maldade , в котором участвовали Марввила и Людмила, уже вошла в список 100 лучших песен Spotify и теперь входит в число самых слышимых песен-пагодов на этой платформе. Помимо пагода, в музыке Марвиллы переплетаются поп, фанк и другие городские жанры.

Него Альваро

Для любителей «самба кариока» прослушивание Nego Álvaro станет восхитительным сюрпризом.Композитор, певец и исполнитель на перкуссии самбы, Альваро также является давним участником Samba do Trabalhador , одной из самых известных групп «роды самбы» в Рио-де-Жанейро. У артиста записано два альбома, последний из которых, Nego Alvaro Canta Sereno e Moa , был номинирован на премию Latin Grammy Awards 2019 как лучший альбом MPB. Несмотря на то, что самба является его основным музыкальным жанром, Него Альваро привнес в свой последний альбом разнообразные бразильские и латинские ритмы, от меренге до «самбы-де-рода».«

Tuyo

Если современная афро-бразильская музыка не знает границ, то Tuyo является олицетворением этого нового движения. Трио из Куритибы (юго-восток Бразилии), состоящее из сестер Lay и Lio и Jean , объединило свой вкус к поп-музыке, R&B и экспериментальной электронной музыке в один творческий процесс.Помня об этих влияниях и с помощью синтезаторов, Tuyo создал в Бразилии новаторское звучание. Теперь их музыка известна как футуристический афро-фолк. В то время как первый альбом Tuyo ( Tuyo , 2016) делает ставку на лоу-фай, их последняя работа выражает более интенсивный диалог между поп- и электро-элементами. Уже записавшись с Oshun , женским дуэтом из Вашингтона, Tuyo имеет фантастические версии ремиксов на свои последние альбомы, Pra Doer и Pra Mentir .В их последнем сингле Sem Mentir (2020) вложены футуристические тексты и неплохая доза синтезаторов.

Сержиу Перере

Sérgio Pererê похож на алхимика, который превращает звуки природы в нечто, чего раньше не слышали. Сочетание уникальных перкуссионных аранжировок (включая такие инструменты, как джембе и мбира) с величественным вокальным тембром, музыка Pererê имеет своего рода сакральную ауру, которую трудно объяснить словами.Прогресс-рок и блюз оказали влияние на него с самого начала, поэтому певец, композитор и мульти-перкуссионист из Минас-Жерайса экспериментирует с множеством афро-бразильских и африканских музыкальных произведений, рассказывая истории о жизни, памяти, привязанности и африканском происхождении. Несмотря на пандемию, Pererê планирует выпустить пять новых альбомов в 2020 году. Два из них, Maurício Tizumba и Sérgio Pererê Ao Vivo и Revivências , уже доступны на стриминговых платформах.

Тяжелый бейл

«Звуки, от которых твоя задница подпрыгивает», описание на странице Heavy Baile в Facebook не может быть более точным.Просто послушайте Heavy Baile, и вы почувствуете это: мощная энергия фанк-кариоки, дополненная элементами электронной музыки, — это чистое золото. Задуманная ди-джеем и музыкальным продюсером Лео Джусти, и состоящая из MC Tchelinho, DJ Thai и танцоров Sabrina Ginga, Ronald Sheick e Neguebites , группа также известна своими выступлениями на такие темы, как расширение возможностей женщин и травка. легализация. Это также подчеркивает танцевальную культуру «пассиньо» в их видеоклипах. В 2019 году клип «Ciranda» был номинирован на премию UK Music Video Awards в категории «Лучшая хореография в видео».

Доралис

В Doralyce все политическое. Она — темнокожая, лесбиянка, феминистка из северо-восточной Бразилии, выпускница юридического факультета и бывшая подруга Мариэль Франко . В музыке она нашла наиболее яркое выражение своей политической активности. Выпущенный в 2017 году первый и самый известный хит Доралис, Miss Beleza Universal , заимствует ритм у фанк-кариоки, чтобы поставить под сомнение стандарты красоты в обществе.Ее последний релиз, Festa Boa , воспевает гендерное разнообразие и сексуальную свободу со смесью фанка, бреги и электронной музыки.

Уриас

Карьера Уриаса началась с правильного шага. Не прошло и года, как она выпустила свой первый EP, а она уже стала сенсацией на сцене LGBTQIA +. Также известный тем, что дружит с трансгендерной поп-звездой Паблло Виттар , Уриас не беспокоится о том, чтобы вписаться в музыкальный жанр.В то время как ее EP объединяет поп, хип-хоп и электронную музыку, она также охватывает исполнителей MPB, регги и пагода на YouTube. Песни Уриаса часто вращаются вокруг того, что значит быть трансгендерной женщиной в Бразилии. «Diaba», самый известный хит Уриаса, представляет собой лирический и аудиовизуальный протест против гендерной дискриминации и насилия. Видеоклип «Diaba» был отмечен на Berlin Music Awards 2020 в категории «Лучшее художественное руководство».

Тигана Сантана

Виртуозность Tiganá Santana неоспорима.Певец, композитор и гитарист из Сальвадора-да-Баия, Сантана, который также является философом, использует музыку, чтобы сломать евроцентрические традиции и укрепить африканское наследие и его ценности. Это движение происходит акустически, когда он использует свою гитару как ударный инструмент и инструмент гармонии, и вербально: полиглот, Сантана считается первым бразильским музыкантом, сочинившим музыку на африканских языках, таких как киконго, кимбунду, волоф и мандинка. В музыке Тиганы пьесы настолько гармонично сочетаются, что иногда трудно сказать, что священно, а что нечестиво, какие части были вдохновлены звуками Баии или, например, звуками Гвинеи.Глубина музыкальных исследований Сантаны уже принесла ему международное признание: согласно World Music Charts, его альбом Tempo & Magma (2015) стал четвертым по популярности альбомом в Европе. Последний оригинальный альбом Сантаны Vida-Código (2019) уже доступен на потоковых платформах.

MAJUR

Также из Сальвадора Баии — Majur , небинарный певец, обладатель голоса R & B-дивы и автор текстов, которые бросают вызов нынешним властным отношениям.Певец с самого раннего возраста, Маджур приобрел значительный импульс за последние два года после того, как спел с такими именами, как Caetano Veloso, Daniela Mercury, Emicida, и Liniker, еще один известный небинарный исполнитель и один из самых крупных исполнителей Majur. кумиры. Colorir , ее первый EP, был выпущен в ноябре 2018 года. Сочетая в себе звуки R&B, «гитарра байана», фанка, соула, попа и афро-бразильских барабанов, музыка Маджура эклектична, которую сама певица называет World Music и афро-футурист.Расизм, культурное присвоение и отношения — вот некоторые из общих тем в таких песнях, как хит Africaniei .

Бразильские художники

Художники по национальности: Бразильские художники Хронологический список Используйте ctrl-F (ПК) или command-F (Mac) для поиска имени 905 905 -1962 905 66 905 905 905 Barane 905 Жоао Батиста Кастаньето 1851-1900 Художник Педро Александрино Боргес 1856-1942 905 Viscon 905 905 905 905 Viscon 905 905 905 Viscon 905 1944 Художник Артур Тимотео да Коста 1882-1923 Художник Тарсила до Амарал 5905 905 905 Маляр 1889-1964 Художник Ласар Сегалл 1891-1957 Художник Виктор Брешере 905 905 905 905 Ди Кавальканти 1897-1967 905 43 Художник Флавио де Карвалью 1899-1973 Художник Хосе Панчетти 1902-1958 Художник Томи Отаке 1913-2015 Художник Геркулес Барсотти 905 905 905 905 1915-1988 Художник Лигия Кларк 1920-1988 Художник по инсталляции Арканджело Янелли 905 905 905 905 905 905 905 905 905 905 1924-1997 Па между Oyvind Fahlstrom 1928-1976 Артур Луис Пиза Родился 1928 905 905 905 905 905 905 905 Серджио Камарго 1930-1990 Скульптор Анна Белла Гейгер Родилась в 1933 году Антон Байн 905 Хелио Оитичика 1937-1980 Сьюзан Седдон Буле 1941-1997 905 905 Себастия Сильдо Мейрелеш Родился в 1948 году Художник по инсталляции Беатрис Милхазес Родился 1960 Як Лейрнер Родился в 1961 году Скульптор Вик Мунис Родился в 1961 году Фотограф 905 905 905 905 905 905 905 905 905 905 905 905 905 905 905 905 905 Эрнесто Нето 905 Риван Нойеншвандер Год рождения: 1967

6 выдающихся картин в Бразилии

Нет

Богатая история изобразительного искусства Бразилии находит отражение в музеях страны, в которых хранятся известные коллекции бразильского и международного искусства.В этих коллекциях всего шесть картин.

Более ранние версии описаний этих картин впервые появились в книге 1001 Paintings You Must See Before You Die под редакцией Стивена Фартинга (2018). Имена писателей указаны в скобках.

---

• Аллегория четырех континентов — Америка (ок. 1820)

  Художником, изображающим эту идеализированную сцену туземца, не пострадавшего в пейзаже, был Хосе Теофило де Хесус, главный персонаж баийской школы рисование.Де Хесус работал по религиозным заказам, создавая изящно окрашенные фрески на потолках церквей в столице Баии. Ему также было поручено написать портрет Педро I, первого императора Бразилии. Картина « Аллегория четырех континентов — Америка» , написанная примерно после 400 лет угнетения, сопротивления и социальной дезинтеграции, представляет собой необычайно мирное изображение коренных народов Бразилии. Эти народы Баии на востоке и юге Бразилии изначально были ге, а затем тупинамба, которые встретили первых европейцев в 1500 году.Целями колониальной эпохи были контроль, получение доходов и обращение в веру в соответствии с королевской политикой и папскими интересами. Пейзаж «Аллегория четырех континентов — Америка » необычен для баийской живописи. Увлечение де Хесуса этим жанром раскрывает его интеллектуальные корни в европейской живописной традиции. Его использование краски предполагает движение, гармонию и множество пышных, естественных деталей. Приглушенный, но яркий цвет и необычная серая зелень создают идиллическое, первозданное ощущение изобилия, хотя неясно, является ли ящик у ног коренных жителей подношением или подарком.Тесно связанный с интересами церкви и правительства второй половины XIX века, де Хесус представляет историческую сцену из прошлого Баии, как если бы это была просто ручная тропическая иллюзия. Картина находится в коллекции Museu de Arte da Bahia в Сальвадоре. (Сара Уайт Уилсон)

• Цветочное платье (1891)

  Эдуард Вюйар жил со своей матерью 60 лет, когда она управляла своим корсетером в нескольких квартирах по всему Парижу.После того, как ее муж умер в 1878 году, мать Вуйяра открыла швейный бизнес. Именно во время таких частных наблюдений ребенок-домосед отточил свой взгляд на детали с помощью цветов, материалов, узоров и форм платьев. Многие из самых трогательных работ этого французского художника, в том числе «Цветочное платье », запечатлевают с изысканной интимностью его мать и сестра, которые шьют и сортируют ткани вместе с другими женщинами в мастерской. Под влиянием Поля Гогена и японских гравюр на дереве Вюйар делил студию с Пьером Боннаром, и вместе они разработали стиль интимизма.Затем с другими художниками они сформировали Постимпрессионист Набис (на иврите «пророк»). Эта группа стремилась выйти за рамки чисто цветового подхода Гогена к созданию красивых символических гармоний. Безусловно, Вюйар великолепно запечатлел эти гармонии в своих маленьких, «уютных» сценах, подчеркнутых плоскими узорами, взятыми с самих тканей. Частичное отражение (в данном случае подчеркнуто узорчатого платья) в каминном зеркале было техникой, которую Вюйар неоднократно использовал.Что удивительно, так это то, как он смог спроецировать это интимное видение на большие фрески (он рисовал фрески и рисунки во многих общественных зданиях), не теряя своей уверенности и детальной наблюдательности. Эта картина находится в коллекции Museu de Arte de São Paulo. (Джеймс Харрисон)

• Пять девушек из Гуаратингеты (1930)

  Эмилиано Ди Кавальканти родился в Рио-де-Жанейро и участвовал в организации Недели современного искусства 1922 года. Он представил 12 своих картин на влиятельной выставке, которая познакомила мир с бразильским модернизмом.В 1923 году Ди Кавальканти отправился в Париж, где он находился в кругах Пабло Пикассо, Жоржа Брака и Анри Матисса. Five Girls из Guaratingueta — это олицетворение яркой космополитической чувствительности Ди Кавальканти. На этом полотне в стиле кубизма, которое является частью коллекции Museu de Arte de São Paulo, женские стильные аксессуары подчеркивают, казалось бы, случайное расположение смелых линий на их пышных изгибах. Губы фигур, полная грудь и кокетливые глаза с тяжелыми веками вносят вклад в общее ощущение соблазнения и томного эротизма на холсте.Девушки сексуальны и изысканны, а мягкая, мясистая, розовая окружающая их обстановка указывает на то, что мир вокруг них также пропитан чувственностью. (Ана Финель Хонигман и Сара Уайт Уилсон)

• Портрет императора Педро II (1855)

  Несмотря на свое европейское происхождение, Педро II родился в Рио-де-Жанейро, что делает его единственным коренным монархом Бразилии. Он вступил на престол в возрасте 14 лет и за время своего 49-летнего правления заложил основы современной Бразилии.Когда его написал Луис де Миранда Перейра Висконде де Менезеш в возрасте 31 года, Педро II уже был любимым либералом, прогрессивным императором, который поощрял индустриализацию, отмену рабства и модернизацию Бразилии. Портрет императора Педро II — классический портрет в стиле барокко, посвященный великому и популярному правителю. Мало что известно о Менезесе; однако сложное выражение лица императора свидетельствует об исключительном таланте. В красивом лице императора Менезеш отразил проницательность, чувство долга и игривое любопытство.Он также использует остатки классического европейского портретного стиля, чтобы проиллюстрировать обширную приземленность тропической Бразилии. Картина отличается высокой декоративностью и удивительно гармоничным сочетанием позолоты и землистых тонов. Педро II считается представителем своего смешанного наследия, а также воплощением его надежд на развитие гибридного и индустриального общества Бразилии. С модернизацией монархия стала все большим препятствием для экономической мощи Бразилии и интеграции крупномасштабной иммиграции из Европы.Хотя Педро II по-прежнему популярен среди людей, он был отстранен от власти и сослан в 1889 году. Он умер в 1891 году в Париже, Франция; его останки вместе с останками его жены были перезахоронены в Бразилии в 1922 году. Эта картина находится в коллекции Национального исторического музея в Рио-де-Жанейро. (Ана Финель Хонигман и Сара Уайт Уилсон)

• Натюрморт с папайей, арбузом и кешью (1860)

  Агостиньо Жозе да Мота родился и умер в Рио-де-Жанейро, но до возвращения в Бразилию учился в Европе. учить искусству.Его натюрморт с папайей, арбузом и кешью представляет собой драматическую игру ярких и мрачных оттенков, напоминающую детализированные текстуры и реалистичные световые эффекты натюрмортов времен Золотого века Голландии. Когда он написал это элегантное изображение, которое находится в коллекции Национального музея искусств в Рио-де-Жанейро, Мота уже был одним из самых известных пейзажистов Бразилии. Его работа в Риме с итальянцем Карло Маджини, известным художником-натюрмортами, и заказ императрицы Бразилии на создание натюрморта, побудили Моту овладеть этим жанром.В то время как пейзажи представляют собой основную часть его работ, натюрморты Мота подчеркивают наиболее убедительные качества его техники, демонстрируют его навыки композиции и атмосферы и отражают его тонкое наблюдение за природой. Созданный в период позднего барокко в бразильском искусстве, сочетание европейских и местных влияний в натюрморте с папайей, арбузом и кешью характерно для своего времени и чувственной эстетики Моты. Mota создает общее ощущение живописной гармонии, выделяя насыщенные апельсины, живые розовые и мягкие желтые цвета фруктов на приглушенном землистом фоне.Точно так же он сопоставляет формы фруктов, так что индивидуальная геометрия точно разрезанной папайи и грубо разрезанного арбуза дополняют друг друга. Мота повлиял на традиции живописи Бразилии в период потрясений, когда Бразилия стала индустриальным обществом. (Ана Финель Хонигман и Сара Уайт Уилсон)

• Кофе (1935)

  Кандидо Портинари, сын итальянских иммигрантов, родился на кофейной плантации недалеко от Сан-Паулу и изучал искусство в Рио-де-Жанейро и Париже.Как и многие его сверстники, он находился под влиянием французского модернизма и рисовал сцены из повседневной жизни Бразилии в стиле, сочетающем кубизм и политически мотивированный бразильский неореализм. В 1922 году Портинари участвовал в «Неделе современного искусства» Сан-Паулу, влиятельном фестивале искусства, спонсируемом богатыми местными кофейными баронами. В том же году он также присоединился к Коммунистической партии Бразилии, активным членом которой он оставался на протяжении всей своей жизни. Coffee изображает тяжелую жизнь сельскохозяйственных рабочих на кофейных плантациях.Картина, написанная с драматическим движением и большим сочувствием, изображает рой мужчин и женщин, тащащих громоздкие мешки с кофейными зернами, в то время как бригадир в униформе направляет их своей агрессивно заостренной рукой. Геометрическое повторение линий рабочих и рядов деревьев усиливает ощущение тяжелого труда, но использование теплых тонов Портинари нейтрализует жесткие углы композиции и очеловечивает рабочих. Он изображает их тела с конечностями, преувеличенными, чтобы выразить истощение, и животной массой, предназначенной для представления звериного образа жизни, который они вынуждены вести.При жизни Портинари пользовался международным успехом и дружил с влиятельными кругами поэтов, писателей, журналистов и дипломатов. Однако в 1948 году он был вынужден бежать из Бразилии, когда начались преследования коммунистов. Он вернулся в Бразилию в 1951 году, но умер в 1962 году от отравления свинцом, вызванного использованием им краски на основе свинца. Coffee находится в коллекции Национального музея белорусских искусств в Рио-де-Жанейро. (Ана Финель Хонигман и Сара Уайт Уилсон)

Современные бразильские художники, за которыми вы должны следить

Бразильская арт-сцена была необычной в последние пару десятилетий, и найти похожую ситуацию в любой точке мира непросто. .Это связано с плачевным финансовым положением этой страны, которое разрушало ее в течение многих лет, оставляя вмятины во всех аспектах бразильской жизни, включая сцену и рынок местного искусства. Однако, вопреки распространенному мнению, основанному на здравом смысле, художественная сцена не обязательно связана с финансовым состоянием страны. Бразильское искусство доказывает это на протяжении многих лет. Сан-Паулу и его уличное искусство являются лучшим примером того, что деньги не являются обязательным условием для создания фантастических произведений, способных вызвать трепет во всем мире.За последние пару лет рынок этой страны сделал еще один серьезный шаг вперед в своем восстановлении — до недавнего времени большая часть бразильского искусства продавалась внутри страны, что отражало рост процветающего среднего класса и стагнацию влияния искусства за пределами страны. К счастью, интерес из-за рубежа растет, и Бразилия постепенно становится одним из самых интересных экзотических рынков в мире, хотя он все еще не пользуется такими преимуществами, как рынки Европы и Северной Америки.

Но что у него есть, так это целая творческая армия ассоциированных художников, которые диктуют динамичную сцену современной Бразилии. У них есть художники, скульпторы и архитекторы, которые могут стоять плечом к плечу со всеми своими коллегами из-за рубежа, и, кроме того, бразильцам удалось создать их, не ставя под угрозу среду, которая сделала их знаменитыми, даже когда вся страна финансово разваливалась — the Впечатляющая сцена уличного искусства .

Кроме того, такие города, как Сан-Паулу и Рио, стали местом проведения таких мероприятий, как ярмарка ArtRio и биеннале в Сан-Паулу , которые вызывают большой интерес у любителей искусства и коллекционеров со всего мира. Внимание, вызванное всеми этими вышеупомянутыми обстоятельствами, позволяет выявить один откровенный факт — Бразилия за последнее десятилетие создала впечатляюще богатое искусство, как в финансовом, так и в творческом смысле. И с годами он будет только улучшаться и появляться все больше бразильских художников.С учетом всего вышесказанного мы представляем вам список из восьми активных бразильских художников, за которыми вы должны внимательно следить, поскольку они являются одними из лиц, ответственных за художественное возрождение своей страны.

Featured Image: Os Gemeos — Без названия в Сан-Паулу, Изображение предоставлено juliadubdotcom. Все изображения используются только в иллюстративных целях.

Беатрис Мильхазес

Беатрис Мильхазес — художница из Рио-де-Жанейро, известная своими невероятно яркими коллажами, гравюрами, картинами и инсталляциями, чрезвычайно динамичными и красочными.Несмотря на то, что она очень гордится своим бразильским наследием, ее произведения также глубоко укоренены в обеих европейских традициях — Милхазес смешивает элементы обеих культур в попытке экспериментировать с инновационными способами объединения этих двух в одно целое. Ее точные, тщательно продуманные изделия украшены наборами мотивов арабески, первые следы которых можно найти в бразильской керамике и карнавальных декорациях, которыми славится Рио-де-Жанейро, а также в кружевных изделиях и архитектуре в стиле барокко Старого континента. В своей работе Милхазес ищет интересные геометрические структуры в мире вокруг нее, применяя подход Мондриана к искусству и дисциплинированно интерпретируя повседневную среду, направляя ритм бразильцев на всех уровнях культуры этой страны.Работы Мильхазеса высоко оценены искусствоведами и включены в самые престижные галереи и международные коллекции по всему миру.

Показанное изображение: Беатрис Милхазес — Далия Пурпура, 2016 — Изображение любезно предоставлено Беатрис Милхазес

Кристиан Роза

Я никогда не выбираю живопись, она выбирает меня. Этими словами художник Кристиан Роза объясняет, почему он создает свои впечатляющие произведения искусства.Он в основном концентрируется на создании абстрактных, крупномасштабных композиций с использованием смешанной техники на холсте, которые сделали его знаменитым, но Роза также имеет опыт работы с фотографией и кино, что делает его более универсальным художником с широкими возможностями выражения. Хотя его более ранние картины имели толстые, массивно обработанные поверхности, более зрелые произведения Розы радикально меньше вмешиваются и отображают гораздо больше пустого пространства. Его картины состоят из геометрических фигур, начертанных участков, линий и других знаков, которые кажутся вставленными случайным образом, но Кристиан оспаривает, что он работает вместе с концепциями автоматизма.Он использует такие материалы, как масляная палочка, карандаш, древесный уголь, аэрозольная краска и смола, полагаясь на последние два, чтобы привнести яркие цвета в свои, в остальном в основном, монохромные композиции. Когда Розу попросили объяснить, о чем его сильно абстрактное искусство, художник заявил следующее: Речь идет о темной стороне: неудачах, возвращении на ноги и наилучшем решении проблем, чтобы люди были похожи: «Черт возьми, это же». дерьмо выглядит офигенно.

Featured Image: Christian Rosa — Посмотрим, 20165 — Изображение предоставлено artuner.com

Сильдо Мейрелеш

Один из молодых членов бразильского неоконкретного движения, бросившего вызов правительственной системе, Сильдо Мейрелеш является авангардом концептуального искусства в своей родной стране, и его влияние нашло отклик во всем мире, оказывая огромное влияние по сей день. Работы Мейрелеша охватывают множество сред, поскольку его искусство носит концептуальный характер, а это означает, что в его инсталляциях используется все необходимое для выполнения желаемой работы. Искусство Cildo ставит под сомнение условности восприятия и исследует участие зрителя как в реализации, так и в представлении произведений искусства — Моя работа всегда ищет какое-то общение с этой неопределимой широкой сущностью, называемой публикой , как однажды сказал Мейрелеш.Хотя большая часть его усилий была направлена ​​на исследование чувственного восприятия, зрелые работы Мейрелеша в значительной степени сосредоточены на повышении осведомленности о социальных структурах в Бразилии и остальном мире, побуждая зрителей противостоять политическим ситуациям. Сильдо Мейрелеш был центром многочисленных музейных обзоров и галерейных выставок, а также ключевым участником нескольких выпусков Венецианской биеннале .

Показанное изображение: Cildo Meireles — Как строить соборы, 1987 — Изображение предоставлено whitedesigoridesi.com

Эдуардо Кобра

Без малейшего сомнения, уличное искусство — одна из самых знаменитых форм искусства в Сан-Паулу, Бразилия. В этом городе созданы одни из самых впечатляющих произведений этого жанра, и среди сотен художников Эдуардо Кобра часто используется как лучший пример того, как один художник может быть авангардом потрясающей арт-сцены мегаполиса. Этот легендарный художник известен своими крупномасштабными яркими фресками, наполненными смелыми линиями, которые исследуют посткубистские концепции в изображении предметов.Его фрески часто изображают портреты некоторых из самых знаковых людей на протяжении всей истории, реконструируя их изображения, чтобы послать желаемое сообщение, обычно связанное с борьбой с загрязнением, глобальным потеплением, уничтожением лесов и войной. Эдуардо использует яркие цвета и смелые линии, оставаясь верным теме калейдоскопа во всем своем творчестве — техника повторения квадратов и треугольников позволяет ему оживлять предметы. Кобра также создает трехмерные работы, хотя они гораздо менее популярны, чем его произведения уличного искусства.

Featured Image: Eduardo Kobra — Etnias — Изображение через cbc.ca

Эрнесто Нето

Благодаря своему характерному и необычному визуальному языку, Эрнесто Нето создает одни из самых завораживающих скульптурных инсталляций в Южной Америке. Все его работы основаны на идее взаимодействия и чувственного опыта, эффективно превращая аудиторию в участника и важный сегмент пост-творческой жизни искусства. Опираясь на такие концепции, Нето создает обширную экспериментальную площадку, на которой ожидается, что зрители будут взаимодействовать с окружающей средой и впоследствии подвергать сомнению свои естественные чувства.Он сочетает в себе концепции, взятые из минималистской скульптурной практики, бразильского неоконкретизма и биоморфной архитектуры. Эрнесто часто выбирает необычные материалы, объединяя внешнюю и внутреннюю структуры, создавая четкий контраст между органическим и искусственным. Его завораживающие произведения действительно единственные в своем роде, поскольку Нето попадает в редкую категорию визуальных художников, чьи работы необходимо испытать на собственном опыте, чтобы оценить их в полной мере, создавая гораздо более сильную связь между Эдуардо и идеями архитектуры, чем с его коллегами. скульпторы и мастера по инсталляции.

Рекомендуемое изображение: Эрнесто Нето — Сила цветочного кристалла, 2014 — Изображение взято с aspenartmuseum.org

Os Gemeos

Представляя единственный дуэт в нашем списке, бразильские художники Os Gemeos — близнецы художников-граффити ( Отавио и Густаво Пандольфо ), которые поставили перед собой задачу превратить скучные городские поверхности в красочные огромные произведения искусства. Этот редкий случай, когда два идентичных брата-близнеца являются феноменальным артистическим дуэтом, является одним из самых знаменитых совместных проектов во всем Сан-Паулу, что говорит о многом, учитывая городскую художественную сцену этого города.Как обычно делают близнецы, Os Gemeos когда-то мечтала о золотом оттенке — этот мотив стал торговой маркой в ​​их искусстве, поскольку он полон персонажей с желтыми лицами. Близнецы известны своими зачастую сюрреалистическими огромными фресками, которые впоследствии убедили многих случайных зрителей в том, что уличное искусство находится на неправильной стороне закона. Помимо городов вокруг Бразилии, красочные изображения Отавио и Густаво украшают здания в таких городах, как Берлин, Лиссабон, Нью-Йорк, Москва, Афины и Краков. Сегодня признанные и вызывающие восхищение как на национальном, так и на международном уровне, художники используют свой комбинированный визуальный язык, импровизацию и чувство игривости, чтобы интуитивно создавать множество проектов по всему миру.

Featured Image: Os Gemeos — Без названия в Сан-Паулу — Изображение с 1amsf.com

Saint Clair Cemin

Объединяя иррациональное, непонятное и бессознательное в одно творческое соединение, Saint Clair Cemin — художник, ответственный за абстрактные, органические фигуры, которые связаны и исследуют самые глубокие человеческие эмоции. Хотя его стиль очень уникален, некоторые корни скульптур Сен-Клера Семина можно найти в концепциях, пришедших из Древней Греции, ар-нуво и сюрреализма, а также в наивном и народном искусстве его бразильского наследия.Его скульптуры представляют собой сопоставление разных миров и уровней сознания — впечатляющий концептуальный фон для среды скульптуры, именно поэтому этот художник использует различные материалы для достижения желаемого результата. Из-за своей неугомонной натуры Сен-Клер Семин часто меняет места жительства, в которых он живет и создает, неустанно ища новые вдохновляющие и стимулирующие среды.

Featured Image: Saint Clair Cemin — World as Flow, 2012 — Изображение с сайта artsobserver.com

Себастьян Сальгадо

Часто признаваемый самым талантливым и влиятельным фотографом Бразилии, Себастьян Сальгадо прославился своими смелыми черно-белыми снимками, в которых исследованы некоторые из скрытых истин нашей планеты. Сальгадо, которого хвалят за способность запечатлеть предельную искренность вещей в кадре своей камеры, фотографировал людей, животных и пейзажи, буквально открывая при этом их души. В поисках полной честности некоторые из его усилий, к сожалению, привели Себастьяно в самые темные уголки Земли, заставив его стать свидетелем множества болезненных зрелищ.Посвященный внесению изменений и вдохновению тех же изменений в других, Сальгадо использует среду фотографии как язык, который говорит о чудесах, которые мы все должны стремиться сохранить.

Featured Image: Sebastiao Salgado — Gold Mine, Serra Pelada, State Para, Brazil, 1986 — Изображение любезно предоставлено Себастьяно Сальгадо

.