Художники модные: Искусство + мода: художники, которые повлияли на коллекции осень-зима 2019

Содержание

50 самых дорогих ныне живущих российских художников

7. Оскар Рабин
Лидер «лианозовской группы» (московские художники-нонконформисты 1950–1960-х), организатор скандальной Бульдозерной выставки 1974 года. Первым в Советском Союзе стал продавать работы частным образом. В 1978 году был лишен советского гражданства. Живет и работает в Париже. В 2006 году стал лауреатом премии «Инновация» за вклад в искусство. Работы находятся в собраниях Третьяковской галереи, Русского музея, Московского музея современного искусства, Музея Циммерли Ратгерского университета, входят в коллекции Александра Глезера, Вячеслава Кантора, Александра Кроника, Иветы и Тамаза Манашеровых, Евгения Нутовича, Аслана Чехоева.
Год рождения: 1928
Произведение: «Город и луна (Социалистический
город)». 1959
Дата продажи: 15.04.2008
Цена (GBP)1: 171 939
Общая капитализация (GBP): 5 397 000
Место: 3
Средняя стоимость работы (GBP): 27 964
Число повторных продаж: 45

Зураб Церетели
Крупнейший представитель и без того монументального искусства. Автор памятника Петру I в Москве и монумента Добро побеждает Зло перед зданием ООН в Нью-Йорке. Основатель Московского музея современного искусства, президент Российской академии художеств, создатель Галереи искусств Зураба Церетели, работающей при вышеупомянутой академии. Скульптуры Зураба Церетели, помимо России, украшают Бразилию, Великобританию, Грузию, Испанию, Литву, США, Францию и Японию.
Год рождения: 1934
Произведение: «Сон Афона»
Дата продажи: 01.12.2009
Цена (GBP)1: 151 250
Общая капитализация (GBP): 498 000
Место: 19
Средняя стоимость работы (GBP): 27 667
Число повторных продаж: 4

9. Виктор Пивоваров
Один из основоположников московского концептуализма. Как и Кабаков, изобретатель жанра концептуалистского альбома; как и Кабаков, Булатов и Олег Васильев — успешный иллюстратор детских книг, сотрудничавший с журналами «Мурзилка» и «Веселые картинки ».

С 1982 года живет и работает в Праге. Произведения находятся в собраниях Третьяковской галереи, Русского музея, ГМИИ им. А. С. Пушкина, Kolodzei Art Foundation (США), в коллекциях Владимира и Екатерины Семенихиных, Игоря Цуканова.
Год рождения: 1937
Произведение: «Триптих со змеей». 2000
Дата продажи: 18.10.2008
Цена (GBP)1: 145 250
Общая капитализация (GBP): 482 000
Место: 20
Средняя стоимость работы (GBP): 17 852
Число повторных продаж: 6

10. Александр Меламид
Половина творческого тандема Комар — Меламид, распавшегося в 2003 году. Вместе с Виталием Комаром участник Бульдозерной выставки (где погиб их Двойной автопортрет, основополагающее произведение соц-арта). С 1978 года живет и работает в Нью-Йорке. О том, в каких известных собраниях находятся произведения Меламида, созданные им самостоятельно, информации нет.

Год рождения: 1945
Произведение: «Кардинал Жозе Сарайва Мартинш». 2007
Дата продажи: 18. 10.2008
Цена (GBP)1: 145 250
Общая капитализация (GBP): 145 000
Место: 36
Средняя стоимость работы (GBP): 145 000
Число повторных продаж: —

11. Франсиско Инфанте-Арана
Владелец, пожалуй, самого увесистого среди российских художников списка выставок. Участник группы кинетистов «Движение», в 1970-е нашел свой вариант фотоперформанса, или «артефакт» — геометрические формы, интегрированные в природный ландшафт.
Год рождения: 1943
Произведение: «Выстраивание знака». 1984
Дата продажи: 31.05.2006
Цена (GBP)1: 142 400
Общая капитализация (GBP): 572 000

Место: 17
Средняя стоимость работы (GBP): 22 000
Число повторных продаж: —

12. Владимир Немухин
Метафизик. Классик второй волны русского авангарда, участник «лианозовской группы», один из участников Бульдозерной выставки, куратор (или инициатор) важных выставок 1980-х, когда неофициальное советское
искусство только-только осознавало себя.
Год рождения: 1925
Произведение: «Неоконченный пасьянс». 1966
Дата продажи: 26.04.2006
Цена (GBP)1: 240 000
Общая капитализация (GBP): 4 338 000
Место: 4
Средняя стоимость работы (GBP): 36 454
Число повторных продаж: 26

13. Владимир Янкилевский
Сюрреалист, одно из главных имен послевоенного московского неофициального искусства, создатель монументальных философских полиптихов.
Год рождения: 1938
Произведение: «Триптих № 10. Анатомия души. II.» 1970

Дата продажи: 23.04.2010
Цена (GBP)1: 133 250
Общая капитализация (GBP): 754 000
Место: 14
Средняя стоимость работы (GBP): 12 780
Число повторных продаж: 7

14. Александр Виноградов и Владимир Дубосарский
Живописный проект Картины на заказ, начатый ими в безнадежные для живописи 1990-е годы, получил по заслугам в 2000-е. Дуэт стал популярен у коллекционеров, а одна картина попала в коллекцию Центра Помпиду.
Год рождения: 1963, 1964
Произведение: «Ночной фитнес». 2004
Дата продажи: 22. 06.2007
Цена (GBP)1: 132 000
Общая капитализация (GBP): 1 378 000
Место: 11
Средняя стоимость работы (GBP): 26 500
Число повторных продаж: 4

15. Сергей Волков
Один из героев перестроечного искусства, известный экспрессивными картинами с глубокомысленными высказываниями. Участник советского аукциона Sotheby’s

в 1988 году.
Год рождения: 1956
Произведение: «Двойное видение.
Триптих»
Дата продажи: 31.05.2007
Цена (GBP)1: 132 000
Общая капитализация (GBP): 777 000
Место: 12
Средняя стоимость работы (GBP): 38 850
Число повторных продаж: 4

16. АЕС + Ф (Татьяна Арзамасова, Лев Евзович, Евгений Святский, Владимир Фридкес)
Проекты АЕС отличались хорошей подачей в разгильдяйские 1990-е, чем и запоминались. Сейчас делают большие анимационные фрески, транслируемые на десятках экранов.
Год рождения: 1955, 1958, 1957, 1956
Произведение: «Воин № 4»
Дата продажи: 12.03.2008
Цена (GBP)1: 120 500
Общая капитализация (GBP): 305 000
Место: 27
Средняя стоимость работы (GBP): 30 500
Число повторных продаж: —

17. Лев Табенкин
Скульптор и живописец со скульптурным видением, как будто лепящий своих героев из глины.

Год рождения: 1952
Произведение: «Джазовый оркестр». 2004
Дата продажи: 30.06.2008
Цена (GBP)1: 117 650
Общая капитализация (GBP): 263 000
Место: 28
Средняя стоимость работы (GBP): 26 300
Число повторных продаж: 7

18. Михаил (Миша Шаевич) Брусиловский
Свердловский сюрреалист, автор многосмысленных аллегорий.
Год рождения: 1931
Произведение: «Футбол». 1965
Дата продажи: 28.11.2006
Цена (GBP)1: 108 000
Общая капитализация (GBP): 133 000
Место: 38
Средняя стоимость работы (GBP): 22 167
Число повторных продаж: —

19. Ольга Булгакова
Одна из главных фигур интеллигентской «карнавальной » живописи брежневской эпохи. Член-корреспондент
Российской академии художеств.
Год рождения: 1951
Произведение: «Сон о красной
птице». 1988
Дата продажи: 22.11.2010
Цена (GBP)1: 100 876
Общая капитализация (GBP): 219 000
Место: 31
Средняя стоимость работы (GBP): 36 500

Число повторных продаж: —

20. Александр Иванов
Абстракционист, который известен в первую очередь как бизнесмен, коллекционер и создатель Музея Фаберже в Баден-Бадене (Германия).
Год рождения: 1962
Произведение: «Love». 1996
Дата продажи: 05.06.2013
Цена (GBP)1: 97 250
Общая капитализация (GBP): 201 000
Место: 33
Средняя стоимость работы (GBP): 50 250
Число повторных продаж: —

21. Иван Чуйков
Независимое крыло московского живописного концептуализма. Автор серии картин-объектов Окна. Как-то в 1960-х сжег все живописные работы, отчего до сих пор печалятся галеристы.
Год рождения: 1935
Произведение: «Без названия». 1986
Дата продажи: 12.03.2008
Цена (GBP)1: 96 500
Общая капитализация (GBP): 1 545 000
Место: 10
Средняя стоимость работы (GBP): 36 786
Число повторных продаж: 8

22. Константин Звездочетов
В молодости участник группы «Мухомор», называвшей себя «отцами «новой волны » в Советском Союзе» —
с полным основанием; с наступлением творческой зрелости участник Венецианской биеннале и кассельской
Documenta. Исследователь и ценитель визуального в советской низовой культуре.
Год рождения: 1958
Произведение: «Perdo-K-62M»
Дата продажи: 13.06.2008
Цена (GBP)1: 92 446
Общая капитализация (GBP): 430 000
Место: 22
Средняя стоимость работы (GBP): 22 632
Число повторных продаж: 2

23. Наталья Нестерова
Одна из главных арт-звезд брежневского застоя. Любима коллекционерами за фактурный живописный стиль.
Год рождения: 1944
Произведение: «Мельник и его
сын». 1969
Дата продажи: 15.06.2007
Цена (GBP)1: 92 388
Общая капитализация (GBP): 1 950 000

Место: 9
Средняя стоимость работы (GBP): 20 526
Число повторных продаж: 15

24. Максим Кантор
Живописец-экспрессионист, выступавший в павильоне России на Венецианской биеннале в 1997 году — а также публицист и писатель, автор философско-сатирического романа Учебник рисования о подноготной российского художественного мира.
Год рождения: 1957
Произведение: «Структура демократии». 2003
Дата продажи: 18.10.2008
Цена (GBP)1: 87 650
Общая капитализация (GBP): 441 000
Место: 21
Средняя стоимость работы (GBP): 44 100
Число повторных продаж: 2

25. Андрей Сидерский
Создает живопись в изобретенном им стиле пси-арт. Перевел на русский сочинения Карлоса Кастанеды и Ричарда Баха.
Год рождения: 1960
Произведение: «Триптих»
Дата продажи: 04.12.2009
Цена (GBP)1: 90 000
Общая капитализация (GBP): 102 000
Место: 42

Средняя стоимость работы (GBP): 51 000
Число повторных продаж: —

26. Валерий Кошляков
Известен картинами с архитектурными мотивами. Крупнейший представитель «южнорусской волны». Часто использует картонные коробки, пакеты, скотч. Первая выставка с его участием прошла в общественном туалете в Ростове-на-Дону в 1988 году.
Год рождения: 1962
Произведение: «Версаль». 1993
Дата продажи: 12.03.2008
Цена (GBP)1: 72 500
Общая капитализация (GBP): 346 000
Место: 26
Средняя стоимость работы (GBP): 21 625
Число повторных продаж: 8

27. Алексей Сундуков
Лаконичные, свинцовые по цвету картины о «свинцовых мерзостях» обыденной российской жизни.
Год рождения: 1952
Произведение: «Суть бытия». 1988
Дата продажи: 23.04.2010
Цена (GBP)1: 67 250
Общая капитализация (GBP): 255 000
Место: 29
Средняя стоимость работы (GBP): 25 500
Число повторных продаж: 1

28. Игорь Новиков
Принадлежит к генерации московских художников-нонконформистов конца 1980-х годов.
Год рождения: 1961
Произведение: «Кремлевский завтрак, или Москву на продажу». 2009
Дата продажи: 03.12.2010
Цена (GBP)1: 62 092
Общая капитализация (GBP): 397 000
Место: 24
Средняя стоимость работы (GBP): 15 880
Число повторных продаж: 3

29. Вадим Захаров
Архивариус московского концептуализма. Автор эффектных инсталляций на глубокомысленные темы, представлял Россию на Венецианской
биеннале.
Год рождения: 1959
Произведение: «Барокко». 1986–1994
Дата продажи: 18. 10.2008
Цена (GBP)1: 61 250
Общая капитализация (GBP): 243 000
Место: 30
Средняя стоимость работы (GBP): 20 250
Число повторных продаж: —

30. Юрий Красный
Автор художественных программ для детей со специальными потребностями.
Год рождения: 1925
Произведение: «Курильщица»
Дата продажи: 04.04.2008Цена (GBP)1: 59 055
Общая капитализация (GBP): 89 000
Место: 44
Средняя стоимость работы (GBP): 11 125
Число повторных продаж: 8

31. Сергей и Алексей Ткачевы
Классики позднесоветского импрессионизма, ученики Аркадия Пластова, известные своими картинами из жизни русской деревни.
Год рождения: 1922, 1925
Произведение: «В поле». 1954
Дата продажи: 01.12.2010
Цена (GBP)1: 58 813
Общая капитализация (GBP): 428 000
Место: 23
Средняя стоимость работы (GBP): 22 526
Число повторных продаж: 4

32. Светлана Копыстянская
Известна инсталляциями из живописных полотен. После московского аукциона Sotheby’s в 1988 году работает за границей.
Год рождения: 1950
Произведение: «Морской пейзаж»
Дата продажи: 13.10.2007
Цена (GBP)1: 57 600
Общая капитализация (GBP): 202 000
Место: 32
Средняя стоимость работы (GBP): 22 444
Число повторных продаж: 2

33. Борис Орлов
Скульптор, близкий соц-арту. Знаменит своими работами в ироничном «имперском» стиле и мастерской выделкой бронзовых бюстов и букетов.
Год рождения: 1941
Произведение: «Матрос». 1976
Дата продажи: 17.10.2013
Цена (GBP)1: 55 085
Общая капитализация (GBP): 174 000
Место: 34
Средняя стоимость работы (GBP): 17 400
Число повторных продаж: 1

34. Вячеслав Калинин
Автор экспрессивных картин из жизни городских низов и пьющей богемы.
Год рождения: 1939
Произведение: «Автопортрет с дельтапланом»
Дата продажи: 25.11.2012
Цена (GBP)1: 54 500
Общая капитализация (GBP): 766 000
Место: 13
Средняя стоимость работы (GBP): 12 767
Число повторных продаж: 24

35. Евгений Семенов
Известен фотосерией с больными болезнью Дауна, исполняющими роли евангельских персонажей.
Год рождения: 1960
Произведение: «Сердце». 2009
Дата продажи: 29.06.2009
Цена (GBP)1: 49 250
Общая капитализация (GBP): 49 000
Место: 48
Средняя стоимость работы (GBP): 49 000
Число повторных продаж: —

36. Юрий Купер
Прославился ностальгическими полотнами с предметами старого быта. Автор пьесы Двенадцать картин из жизни художника, поставленной в МХТ им. А. П. Чехова.
Год рождения: 1940
Произведение: «Окно. Улица Дасса, 56». 1978
Дата продажи: 09.06.2010
Цена (GBP)1: 49 250
Общая капитализация (GBP): 157 000
Место: 35
Средняя стоимость работы (GBP): 2 754
Число повторных продаж: 14

37. Александр Косолапов
Соц-артист, чьи работы стали мишенью для всевозможных нападок. Во время ярмарки «Арт Москва — 2005» одна из его работ была уничтожена религиозным фанатиком с молотком.
Год рождения: 1943
Произведение: «Мальборо Малевич». 1987
Дата продажи: 12.03.2008
Цена (GBP)1: 48 500
Общая капитализация (GBP): 510 000
Место: 18
Средняя стоимость работы (GBP): 15 938
Число повторных продаж: 1

38. Леонид Соков
Ведущий скульптор соц-арта, соединивший фольклор с политикой. В числе знаменитых произведений Прибор для определения национальности по форме носа.
Год рождения: 1941
Произведение: «Медведь, бьющий молотом по серпу». 1996
Дата продажи: 12.03.2008
Цена (GBP)1: 48 500
Общая капитализация (GBP): 352 000
Место: 25
Средняя стоимость работы (GBP): 13 538
Число повторных продаж: 7

39. Владимир Овчинников
Один из патриархов неофициального искусства Ленинграда. Православный вариант Фернандо Ботеро.
Год рождения: 1941
Произведение: «Ангелы и железнодорожные пути». 1977
Дата продажи: 17.04.2007
Цена (GBP)1: 47 846
Общая капитализация (GBP): 675 000
Место: 16
Средняя стоимость работы (GBP): 15 341
Число повторных продаж: —

40. Константин Худяков
Автор картин на религиозные сюжеты. Сейчас работает в цифровой художественной технике.
Год рождения: 1945
Произведение: «Тайная вечеря». 2007
Дата продажи: 18.02.2011
Цена (GBP)1: 46 850
Общая капитализация (GBP): 97 000
Место: 43
Средняя стоимость работы (GBP): 32 333
Число повторных продаж: —

41. Эрнст Неизвестный
Икона советского нонконформизма — с тех пор, как открыто возражал генсеку Никите Хрущеву на вернисаже легендарной выставки к 30-летию Московского союза художников. После этого сделал памятник на могиле Хрущева и монумент перед зданием европейской штабквартиры ООН.
Год рождения: 1925
Произведение: «Без названия»
Дата продажи: 08.06.2010
Цена (GBP)1: 46 850
Общая капитализация (GBP): 2 931 000
Место: 8
Средняя стоимость работы (GBP): 24 839
Число повторных продаж: 13

42. Анатолий Осмоловский
Один из главных деятелей московского акционизма 1990-х, теоретик искусства, куратор, издатель и руководитель исследовательско-образовательной программы «Институт «База», лауреат первой Премии Кандинского.
Год рождения: 1969
Произведение: «Хлеб» (из серии «Язычники»). 2009
Дата продажи: 23.04.2010
Цена (GBP)1: 46 850
Общая капитализация (GBP): 83 000
Место: 46
Средняя стоимость работы (GBP): 11 857
Число повторных продаж: —

43. Дмитрий Врубель
Живописец-фотореалист, известный главным образом благодаря картине с изображением целующихся Брежнева и Хоннекера (а точнее, благодаря авторской репродукции на Берлинской стене).
Год рождения: 1960
Произведение: «Fraternal kiss (triptych)». 1990
Дата продажи: 25.11.2013
Цена (GBP)1: 45 000
Общая капитализация (GBP): 115 000
Место: 40
Средняя стоимость работы (GBP): 16 429
Число повторных продаж: 2

44. Леонид Ламм
Автор инсталляций, соединивших мотивы русского авангарда и сцены советского тюремного быта. Живет в Америке. В 1970-е по ложному обвинению провел три года в тюрьмах и лагерях.
Год рождения: 1928
Произведение: «Яблоко II» (из серии «Седьмое небо»). 1974–1986
Дата продажи: 16.12.2009
Цена (GBP)1: 43 910
Общая капитализация (GBP): 115 000
Место: 41
Средняя стоимость работы (GBP): 14 375
Число повторных продаж: —

ТОП-15 модных брендов, поддерживающих художников • ARTANDHOUSES

Поддержкой искусства в разной мере сегодня занимаются практически все крупнейшие модные и ювелирные марки. Одни приглашают художников для разовых коллабораций — создать принты для коллекций или украсить пространство бутика инсталляцией, другие раздают гранты и дают доступ к историческому наследию и мастерским. В преддверии нового выставочного и премиального сезона ARTANDHOUSES вспоминает самые крупные инициативы знаменитых брендов, направленные на поддержку художников.

Hermès

www.fondationdentreprisehermes.org

Фонд французского дома Hermès — парижский Fondation d’entreprise Hermès — активно поддерживает творческие инициативы сразу по нескольким направлениям. Он спонсирует выставки и перформансы, вручает премии в области искусства, дизайна и фотографии, а также организует арт-резиденции.

Выставки современных художников проходят в шести галереях Фонда по всему миру — в La Verrière и во временном арт-пространстве на площади Гран-пляс в Брюсселе, Atelier Hermès в Сеуле, Aloft at Hermès в Сингапуре, Le Forum в Токио, а также в Художественном музее Saint-Louis в Сен-Луи-ле-Бич на северо-востоке Франции.

Кроме того, молодые художники приглашаются в арт-резиденции при мануфактурах Hermès — стекольной, кожевенной, текстильной. Участников отбирают известные мастера — менторы программы. Молодые художники изучают производственный процесс, а затем создают собственные арт-объекты.

Ежегодно в рамках международной конкурсной программы New Settings Фонд выбирает перформанс-проекты с сильной визуальной составляющей. Лучшие идеи получают полную финансовую поддержку, а сами постановки показывают в культурных организациях-партнерах — музеях и театрах Парижа. Некоторые из них также представляют на фестивале Crossing The Line в Нью-Йорке. В 2016 году для участия в программе были отобраны тринадцать международных проектов.

Раз в два года Fondation d’entreprise Hermès вручает международную награду для молодых дизайнеров — Prix Émile Hermès. Фонд также поддерживает премию Prix Marcel Duchamp для французских художников и иностранных мастеров, работающих во Франции, премию Prix Henri Cartier-Bresson в области документальной фотографии и программу резиденций по арт-фотографии Immersion.

Бьянка Аржимон, участница арт-резиденции Holding Textile Hermès (Лион, Франция)
Фото: Tadzio
© Fondation d’entreprise Hermès

Перформанс в рамках программы Fondation d’Entreprise Hermès «New Settings №7”
2017
© James Kerwin

Cartier

www.fondationcartier.com

Фонд современного искусства легендарного ювелирного и часового бренда Cartier в Париже стал первой культурной институцией во Франции, основанной компанией. Арт-центр был открыт в 1984 году и задумывался как площадка для экспериментов. Спонсируя создание произведений искусства и выставок, Фонд стремится открыть публике новые имена, а также неожиданные стороны известных художников.

В 1994 году Fondation Cartier переехал в новое стеклянное здание, спроектированное знаменитым французским архитектором Жаном Нувелем. При этом из-за меньшего пространства пришлось пожертвовать программой арт-резиденций, зато количество заказанных художникам проектов возросло. Среди тех, кого французской и европейской публике когда-то представил именно Фонд Cartier, японский художник Такаси Мураками, французский дизайнер Филипп Старк, американский гений видео-арта Билл Виола и многие другие. Всего в коллекции Фонда — более тысячи произведений искусства, которые когда-то создавались специально для пространства арт-центра.

Fondation Cartier также привлекает художников к серии мероприятий Nomadic Nights — это могут быть дискуссии на культурные и социальные темы, перформансы, концерты и показы фильмов.

Здание Fondation Cartier в Париже
Фото: © Patrick Gries

Малик Сидибе
«Nuit de Noël»
1963
Fondation Cartier pour L’Art Contemporain, Париж
© Malick Sidibé
Работа будет представлена на выставке «Malick Sidibé, Mali Twist» в Fondation Cartier, октябрь 2017 — февраль 2018

Hugo Boss

group.hugoboss.com/en/group/sponsoring/art-sponsoring/hugo-boss-prize, group.hugoboss.com/en/group/sponsoring/art-sponsoring/hugo-boss-asia-art-award

Hugo Boss первым среди брендов запустил собственную премию для художников. С 1996 года немецкий модный дом вручает одну из самых влиятельных наград по современному искусству Hugo Boss Prize совместно с Фондом Соломона Гуггенхайма. Победитель определяется раз в два года на основе решения экспертного жюри из художественных критиков и кураторов из разных стран. Организаторы не ищут будущих арт-звезд, они отмечают заслуги тех, кто уже достиг успехов в мире современного искусства. При этом премия не устанавливает ограничений в плане возраста, пола, национальности художника. Победитель получает грант в размере $100 тыс., а также возможность проведения персональной выставки в Музее Соломона Гуггенхайма в Нью-Йорке.

Среди обладателей награды такие мастера, как американец Мэтью Барни, художник тайского происхождения Риркрит Тиравания, француз Пьер Юиг, палестинка Эмили Джасир, немец Ханс-Петер Фельдман и вьетнамец Дан Во. В 2016-м Hugo Boss Prize получила кореянка Аника Йи, известная своими работами с обонянием и тактильностью.

В 2013 году бренд запустил специальную премию для художников из Китая и Юго-Восточной Азии — Hugo Boss Asia Art. Она, подобно Hugo Boss Prize, вручается в сотрудничестве с музеем раз в два года. Однако, в отличие от «старшей», азиатская премия создана для поддержки начинающих талантов. Работы четырех финалистов премии показывают на групповой выставке в Rockbund Art Museum в Шанхае, который является партнером премии.

Инсталляция победительницы Hugo Boss Prize 2016 Аники Йи
Фото: David Heald
© Solomon R. Guggenheim Foundation

Max Mara

www.collezionemaramotti.org

Итальянский модный бренд вручает награду Max Mara Art Prize for Women раз в два года совместно с Whitechapel Gallery в Лондоне. Запущенная в 2005 году премия создана для начинающих художниц, работающих в Великобритании. Победительница определяется решением жюри, которое состоит из арт-критика, куратора, галериста и коллекционера. Во время конкурсного отбора пять финалисток представляют экспертам свои предложения по проектам, которые они хотели бы осуществить за время шестимесячной арт-резиденции в Италии.

Итоговую работу победительницы сначала показывают в Whitechapel, а после приобретают для Collezione Maramotti, арт-пространства бренда в итальянском городке Реджо-Эмилия. Раньше в нем находился головной офис Max Mara, а сегодня можно увидеть художественную коллекцию, собранную основателем бренда Акилле Марамотти. Она насчитывает несколько сотен работ итальянских и иностранных художников, созданных после 1945 года. Среди мастеров, представленных в коллекции, — Жан-Мишель Баския, Альберто Бурри, Лючо Фонтана, Пьеро Мандзони, Билл Виола и другие. Арт-центр также сотрудничает с современными художниками, которые создают для пространства арт-объекты и перформансы. Так, например, в 2013 году здесь проходила выставка российского художника Евгения Антуфьева.

Победительница премии Max Mara Art Prize for Women 2016 Эмма Харт за работой
Фото: Andrea Piffari
Предоставлено Collezione Maramotti

Победительница премии Max Mara Art Prize for Women 2016 Эмма Харт
Фото: Thierry Bal

Bulgari

www.maxxi.art/en/events/maxxi-bulgari-prize/

Одна из крупнейших ювелирных компаний мира — итальянская Bulgari с 2012 года ежегодно вручает премию Bulgari Art Award современному живописцу из Австралии. Бренд выделяет $50 тыс. на приобретение работы художника для музея-партнера — Художественной галереи Нового Южного Уэльса в Сиднее. Кроме этого, $30 тыс. предоставляются победителю в качестве гранта на его участие в арт-резиденции в Италии.

В 2017 году Bulgari также запустила совместную премию с Национальным музеем искусств MAXXI в Риме. Кандидатами на ее получение могут стать молодые художники, которые за последние два года представляли свои проекты в Италии. Планируется, что трех финалистов объявят в октябре 2017 года во время арт-ярмарки Frieze в Лондоне, а в мае следующего года их работы покажут на выставке в MAXXI. Имя победителя, работу которого приобретут для музея, станет известно в октябре 2018 года. В жюри премии входят представители MAXXI, а также арт-директора и кураторы из разных стран.

Томислав Николич
«Just before the most significant events, people are particularly prone to deny the possibilities of the future / cause all we’re doing is learning how to die / Как раз перед самыми значительными событиями люди особенно склонны отвергать возможности будущего, потому что всё, что мы делаем, это учимся умирать»
2014–2017

Ильдико Ковакс
«Onda»
2015
Фото: Stephen Oxenbury

Furla

www. fondazionefurla.org

В 2017 году итальянский бренд аксессуаров Furla представил новую концепцию сотрудничества с миром искусства, за которую теперь отвечает независимый арт-центр Peep-Hole в Милане. Его философия и миссия в том, чтобы максимально раскрыть творчество художника через интенсивную образовательную программу. Подобного подхода основатели Peep-Hole придерживаются в партнерстве с Furla.

В основе новой арт-концепции бренда — циклы тематических мероприятий Furla Series, которые включают выставки, перформансы и лекции в сотрудничестве с ведущими итальянскими культурными организациями. Премьера состоится в сентябре 2017 года в Музее современного искусства Новеченто в Милане, где до апреля 2018 будут показывать творчество пяти авторов из разных стран.

C 2000 по 2015 год бренд вручал премию Furla Award перспективным итальянским художникам. Победитель определялся решением итальянского и международного жюри путем многоступенчатого отбора. От Fondazione Furla он получал финансовый грант на создание работы, которая затем выставлялась в Галерее Кверини Стампалья во время Венецианской биеннале.

Работы Луки Тревисани, победителя Furla Award 2007, представленные на выставке «Growing Roots» к 15-летию премии
Палаццо Реале, Милан

Работа, представленная на выставке Джимми Дерэма «Венеция: вещи, работа и туризм» в музее Фонда Кверини Стампалья, Венеция
2015
При поддержке Fondazione Furla

Trussardi

www.fondazionenicolatrussardi.com

Fondazione Nicola Trussardi в Милане работает над продвижением современного искусства с 1996 года. При нем нет музея или коллекции, это, по словам известного куратора Ханса Ульриха Обриста, организация-кочевник, которая в сотрудничестве с известными художниками переосмысляет и по-новому открывает для зрителя общественные пространства — памятники, когда-то значимые, но теперь забытые здания, а также почти недоступные, но исторически важные места. Так, благодаря Фонду было отреставрировано несколько миланских палаццо, для которых затем создавали работы современные мастера.

Среди художников, с которыми сотрудничал Фонд, – Сара Лукас, Маурицио Каттелан, Майкл Элмгрин и Ингар Драгсет, Урс Фишер, Питер Фишли и Дэвид Уайсс, Пол Маккарти и Тино Сегал. В 2015 году при поддержке Фонда и его партнеров американо-венгерская художница Агнеш Денеш, известная своими работами на экологические темы, засеяла в центре Милана пять гектаров пшеницы на месте будущего городского парка.

С 2002 года арт-директором фонда является Массимилиано Джони. В 2013 году он стал самым молодым куратором Венецианской биеннале, а совсем недавно выступал куратором ретроспективы Рэймонда Петтибона «Облако ложного прочтения» в Музее современного искусства «Гараж» в Москве.

Работа бельгийского художника Франсиса Алиса «Не переходите мост до тех пор, пока не достигнете реки» на выставке «Неустанная земля» в Fondazione Nicola Trussardi в Милане
20 – 28 августа 2017 года

Benetton

www. fabrica.it

В 1994 году сооснователь итальянского бренда одежды United Colors of Benetton Лучано Бенеттон и фотограф Оливьеро Тоскани открыли в предместьях города Тревизо исследовательский коммуникационный центр Fabrica. В качестве директора они хотели пригласить Фиделя Кастро, но кубинский лидер от предложения отказался.

Fabrica — это своего рода креативная лаборатория; на отреставрированной вилле XVII века собираются и творят молодые таланты со всего мира. В течение года сорок участников в возрасте до двадцати пяти лет слушают лекции, посещают мастер-классы, а также работают над собственными проектами. В программе центра три основных линии: дизайн, редакторская работа и социальные кампании. Поэтому проекты участников связаны с визуальными коммуникациями, фотографией, видео, музыкой и журналистикой.

Стипендиаты Fabrica разрабатывали социальные арт-кампании для многих международных организаций, таких как ООН и ЮНИСЕФ. Кинематографические проекты участников также становились призерами самых известных фестивалей и премий, среди которых Каннский и Венецианский кинофестивали, премии «Оскар» и «Golden Globes», а также международный фестиваль креатива «Каннские львы». В 2016 году проект команды Fabrica «Узнавание» («Recognition») получил премию IK Prize от галереи Tate в Лондоне за лучшую digital-инновацию в сфере культуры.

Центр Fabrica в предместье Тревизо
Фото: Francesco Radino

Библиотека центра Fabrica
Фото: Fabrica

Ermenegildo Zegna

www.zegnart.com, www.fondazionezegna.org

Бренд мужской одежды поддерживает искусство на двух уровнях — в рамках арт-платформы компании ZegnArt и Фонда Zegna.

ZegnArt состоит из нескольких инициатив: Public, Art in Global Stores и Special Projects. Благодаря программе Public поддержку получают художники на развивающихся рынках — опытному мастеру заказывают создание паблик-арт объекта совместно с местной культурной институцией, а начинающий автор принимает участие в четырехмесячной арт-резиденции в Италии.

В рамках программы Art in Global Stores художники создают работы для бутиков бренда по всему миру. Например, в 2016 году в лондонском магазине были представлены гобелены южноафриканского художника Уильяма Кентриджа. Для вдохновения он использовал исторические учетные книги семьи Дзенья, которая владеет брендом уже в четвертом поколении. Третье направление ZengArt — специальные проекты в партнерстве с культурными организациями со всего мира.

Фонд Zegna, основанный в 2000 году, проводит выставки и резиденции для художников (в рамках партнерских премий) в культурном центре Casa Zegna в итальянском городке Тривьеро. История здания восходит к 1930-м годам, когда в нем жила семья Дзенья. Кроме того, Фонд реализует паблик-арт программу All’Aperto, приглашая международных художников создавать работы для Тривьеро.

Инсталляция Лилианы Моро «29,88 SQ KM», созданная в рамках программы All’Aperto Фонда Zegna
Фото: Marco Cappelletti DSL Studio

LVMH/Louis Vuitton

www. lvmh.com, www.fondationlouisvuitton.fr

Помимо организации выставок в собственном музее — парижском Foundation Louis Vuitton — и культурных пространствах при бутиках Louis Vuitton в Мюнхене, Венеции, Токио и Париже, компания также проводит арт-резиденции LVMH Metier d’Art для молодых художников в своих мастерских. Цель программы — создать диалог между художниками и ремесленниками, открыть первым секреты работы с материалами и вдохновить вторых на использование арт-приемов в работе.

Так, в 2016 году французский художник Томас Майландер изучал кожевенное производство на юге Франции, а в 2017 году в мастерскую недалеко от Барселоны отправилась скульптор и художник Амандин Гюрюсага.

Инсталляция китайского художника Хуана Юн Пина «Empires» на выставке Monumenta при поддержке LVMH
2016
© Adagp, Париж, 2016

Prada

www.fondazioneprada.org

Бизнес-партнеры по модному дому Prada, супруги Патрицио Бертелли и Миучча Прада — страстные коллекционеры. В 1993 году они создали Фонд Prada для поддержки современного искусства. Сегодня у организации три площадки — галерея в здании палаццо Ка’ Корнер делла Реджина в Венеции, арт-комплекс и пространство Osservatorio в Милане.

У Fondazione Prada активная выставочная и образовательная программа. Например, сейчас в миланском арт-комплексе показывают VR-инсталляцию Алехандро Иньярриту о миграции, в пространстве Osservatorio можно увидеть работы японского фотографа Сатоси Фудзивары, а в венецианском палаццо — многосоставной проект «Лодка протекает. Капитан лгал».

Выставочное пространство Fondazione Prada Osservatorio (выставка «Give me Yesterday»)
Фото: Delfino Sisto Legnani & Marco Cappelletti
Предоставлено Fondazione Prada

Loewe

www.craftprize.loewe.com

Креативный директор Loewe Джонатан Андерсон часто в своих интервью говорит о том, что искусство помогает люксовым брендам обрести характер и установить эмоциональную связь с аудиторией. Один из источников вдохновения для Андерсона — это творения художников-ремесленников.

История Loewe началась в середине XIX века с небольшого магазина при мастерской в Мадриде. Памятуя о своих корнях, в 2016 году бренд и его Loewe Foundation учредили премию для лучших ремесленников – Loewe Craft Prize. Призовой фонд награды составляет €50 тыс. При этом, в отличие от многих корпоративных премий, подать заявку на Loewe Craft Prize художники со всего мира могут самостоятельно. Арт-объекты, представляемые на суд международного жюри, должны соответствовать таким категориям, как прикладное искусство, ювелирное мастерство, мебельное производство, а также работа с различными материалами — металлом, текстилем и кожей.

В 2016 году победителем стал немецкий художник Эрнст Гамперль, работающий с деревом. Следующего обладателя награды объявят в мае 2018 года.

Победитель Loewe Craft Prize 2016 Эрнст Гамперль и члены жюри премии
© Loewe

Gucci

www. gucci.com/us/en/st/stories, www.guccimuseo.com

Марку отличает нестандартный подход к сотрудничеству с миром искусства: она привлекает молодые таланты к созданию капсульных коллекций, уличных граффити, а также к участию в digital арт-кампаниях. Такой неклассический формат патронажа открывает миру новые имена и часто играет определяющую роль в карьере молодых художников.

Так, в 2015 году по приглашению бренда художники, фотографы и иллюстраторы размещали в социальных сетях работы на основе принтов марки с хэштегом #GucciGram. Годом позже креаторы со всего мира размещали арт-видео в рамках онлайн-проекта #24HourAce, приуроченного к запуску новых кроссовок. В этом году, проводя кампанию, посвященную новой модели часов, бренд еще раз доказал, что с использованием технологий, да и с юмором у него всё в порядке. Художники создавали интернет-мемы на тему «TFWGucci» («That Feeling When Gucci» — «То чувство, когда Gucci…»), высмеивая культуру потребления и желание похвастаться.

Героев своих арт-коллабораций креативный директор Gucci Алессандро Микеле находит в социальных сетях. В 2016 году бренд выпускал капсульную коллекцию совместно с бруклинским граффистом Тревором «Trouble» Эндрю. Свои работы художник отмечал стилизованным двойным “G” и публиковал их в Instagram под псевдонимом GucciGhost, чем и привлек внимание дизайнера. Иллюстраторов Джейди Фиш и Анджелу Хикс Алессандро Микеле также заметил в социальных сетях. В 2017 году обе художницы участвовали в создании коллекций Gucci, а по мотивам их работ были созданы гигантские граффити «Gucci Art Wall» в Нью-Йорке и Милане.

В 2011 году марка с помпой открыла и Gucci Museo во Флоренции, где несколько лет показывает выставки о собственной истории, а также экспозиции современного искусства.

Иллюстратор Джейди Фиш на фоне Gucci Art Wall в Нью-Йорке

Tiffany & Co.

www.tiffany.com/jewelry/fall-magazine-arts-culture/explore

Американский ювелирный дом с 2017 года выступает спонсором биеннале Уитни в Нью-Йорке. Партнерство запланировано и на последующие две выставки — в 2019 и 2021 годах.

В рамках сотрудничества с брендом кураторы биеннале этого года отобрали пять молодых художников, которые создали арт-объекты после общения с мастерами Tiffany. Главным условием проекта было то, что художники сохранят полную творческую свободу и смогут проявить свою индивидуальность.

Результаты были представлены в витринах бутика Tiffany на 5-й авеню и в магазине Музея Уитни, а вырученные от продажи средства пошли на нужды музея. Некоторые из работ получились весьма неожиданными. Гарольд Мендес создал пять серебряных сосудов в виде посмертной маски доколумбовой эпохи, а Аджай Куриан — десять лимитированных визитных карточек из серебра.

Шара Хьюз, участница коллаборации с Tiffany в рамках биеннале Уитни 2017
Фото: Tiffany & Co.

Работа Рауля де Нивса для Tiffany в рамках партнерства бренда с биеннале Уитни
2017
Фото: Ricky Zehavi

Swarovski

www.swarovskifoundation. org

Созданный в 2013 году фонд ювелирного бренда ежегодно вручает премию Art Icon совместно с лондонской Whitechapel Gallery. Наградой отмечается художник, который, по мнению экспертного жюри, внес значительный вклад в развитие искусства. В честь победителя устраивается выставка его работ, а также прием Art Icon Event, на котором собираются несколько сотен представителей арт-сообщества.

Среди обладателей награды Swarovski Art Icon — колорист и график Говард Ходжкин, Ричард Лонг, работающий в жанре ленд-арта, перформанса и фотографии, мастер перформанса и видео-арта Джоан Джонас и живописец Питер Дойг.

Фонд Swarovski также сотрудничает с центром современного искусства Palais de Tokyo в Париже. Благодаря финансовой поддержке Фонда художники получают карт-бланш на интерпретацию центрального пространства этой институции.

Работа победителя премии Art Icon от Swarovski Foundation и галереи Whitechapel Ричарда Лонга
Без названия
2012
глиняные отпечатки на дереве
Фото: Steve Jackson

4 художника, которые повлияли на мир моды | Vogue Ukraine

В разные времена художники сотрудничали с модными брендами, задавали тренды индустрии, а некоторые даже стали иконами стиля. Vogue.ua рассказывает о том, как сюрреализм просочился в моду, мексиканский наряд обрел новую жизнь, а крупный горох родом из Японии украсил аксессуары Louis Vuitton.

Сальвадор Дали

Тонкие вздернутые кверху усы и безумный взгляд – таким все знают величайшего сюрреалиста XX века Сальвадора Дали. Этот экспрессивный выдумщик гордился тем, что он испанец и тем, что он Дали. Художнику было интересно все: от живописи и фотографии до театра и, конечно же, моды. Экспериментировать с одеждой он начал после знакомства с дизайнером Эльзой Скиапарелли. Их тандем подарил миру моды с десяток неординарных нарядов. Среди них, к примеру, платье-лобстер, в котором герцогиня Виндзорская в 1937 году снялась для журнала Vogue. Позже подобное платье с огромным золотым омаром создал модный дом Prada, а Анна Винтур выбрала его для выхода в свет. Когда Дали сфотографировал свою супругу Галу с туфлей на голове, ему пришла идея такой шляпки и Скиапарелли тут же воплотила ее в жизнь. Среди необычных задумок художника также экстравагантное вечернее платье-скелет и платье-слеза, для которого ему пришлось разработать специальную технику печати по ткани.

Вскоре сюрреалист увлекся еще и ювелирным делом. Он рисовал эскизы необычных украшений, а его друг Карлос Алемани воплощал их в жизнь. Так появились часы в виде глаза, «Рубиновые губы», серьги-телефоны, брошки-руки, «Космический слон» — больше тридцати необычных ювелирных украшений. Кроме того, Дали тесно сотрудничал с модными изданиями. Для журнала Vogue он создал шесть обложек, одной из его лучших работ стало оформление праздничного декабрьского номера. Вскоре французский Vogue вышел с автопортретом художника на обложке.

Фрида Кало

Картины мексиканской художницы Фриды Кало были ее автобиографией. Она ничего не приукрашала, рисуя собственную боль, страхи и страдания. Именно поэтому ее картины могут показаться жуткими. В 18 лет она попала в автокатастрофу, после чего всю жизнь терпела физическую боль, а брак с художником Диего Риверой принес ей немало и душевных страданий. Фрида стойко выносила все жизненные испытания: постоянные проблемы со здоровьем, измены мужа, аборты, выкидыши. Она запомнилась не только своим творчеством и силой духа, но и стилем.

Чтобы угодить мужу, Фрида начала носить национальный мексиканский наряд. Так появились юбки в пол, которые, к тому же, скрывали ее ссохшуюся от полиомиелита ногу, яркие многослойные блузки, массивные аксессуары, разнообразные шали и венки из цветов. Такую Фриду запечатлели на обложке французского Vogue, а в 1980-х годах ее стиль начали массово интерпретировать дизайнеры во всем мире. В 1997 году Жан-Поль Готье создал целую коллекцию, вдохновленную корсетами Фриды Кало. Кроме него стиль художницы переосмысливали Valentino, Dolce&Gabbana, Alexander McQueen, Moschino, Alberta Ferretti, Etro. В образе Фриды в разное время снялись Клаудия Шиффер, Моника Белуччи, Бейонсе, модели Гвиневер ван Синус и Карли Клосс

Энди Уорхол

Энди Уорхол был уверен, что мода — это не просто вещи, которые люди надевают, выходя куда-нибудь, но и повод выбираться из дома. Он был символом богемного Нью-Йорка 1960-тых, все время пребывал в окружении дизайнеров и моделей: Ива Сен-Лорана, Валентино, Хальстона, Дианы фон Фюрстенберг. Даже сам попробовал себя в качестве модели – сотрудничал с агентством Zoli и Ford.

Как и Дали, его привлекали разнообразные направления в искусстве. Начинал Уорхол как коммерческий иллюстратор в глянце, оформлял витрины магазинов, создавал дизайн рекламных плакатов, а позже увлекся фотографией, видеоартом, кино. В своей мастерской Уорхолл часто устраивал вечеринки, о которых писали в газетах и светских хрониках. Любовь к моде и светской жизни сподвигла Уорхола основать журнал Interview, где знаменитости брали интервью у других знаменитостей. Стиль Уорхола был достаточно скромным: он любил джинсы (даже шутил, что хотел бы в них умереть) и рубашки, кожаные куртки, классические костюмы и не обходился без седого парика. Его образ послужил вдохновением для многих дизайнеров еще при жизни художников. А знаменитые работы Уорхола в стиле поп-арт до сих пор используют для своих коллекций модные дома. Уже в конце 1960-тых Ив Сен-Лоран создал коллекцию одежды, в которой были представлены платья с коллажами-портретами Уорхола. Позже французский дизайнер Жан-Шарль де Кастельбажак переосмыслил нарисованные художником банки супа Campbell’s и создал бумажное платье, назвав его The Souper Dress.

В 1990-тых Джанни Версаче украшал платья знаменитыми поп-арт портретами Мэрилин Монро и Джеймса Дина, нарисоваными Уорхолом. Эти же портреты использовали в качестве принта на кроссовках Nike. Ранние фэшн-иллюстрации Энди Уорхола в свое время нашел и бельгиец Раф Симонс, украсив ими сумки Dior. А в 90-тых появилось даже платье “Andy Warhol Dress” с автопортретом художника.

Яёй Кусама

В свои 88 лет японская художница Яёй Кусама носит яркие парики, одежду в горох и продолжает творить в своем фирменном стиле polka-dots. Гипнотические точки сделали ее одной из самых известных, узнаваемых и дорогих художниц в мире. Стиль Кусамы сложно определить как что-то однозначное – это смесь минимализма, сюрреализма, поп-арта и абстрактного экспрессионизма. Свои первые работы она начала создавать еще в юности, чтобы справиться с мучившими ее галлюцинациями. Психические расстройства обогащали художницу идеями и в то же время способствовали становлению ее экстравагантного имиджа в мире искусства. Горошек был незаменимым элементов всех ее работ: живописи, инсталляций, даже перформансов и хэппенингов. Кусама создала несколько удивительных пространств, сочетая в одном месте polka dots с зеркалами и светом. Оказавшись в такой комнате сложно понять границы этого пространства, как и удержаться от фотографии. Так, после выставки Кусамы Infinity mirrors в Вашингтонском музее Хиршхорна в прошлом году, инстаграм был переполнен креативными фотографиями внутри арт-объекта.

Кусама верна своему искусству даже в повседневной жизни – носит яркую одежду в разноцветный горох. А в 2012 году художницу пригласил к сотрудничеству бренд Louis Vuitton. Кусама не только украсила одежду и аксессуары марки фирменным горошком, но и разрисовала временный бутик в Лондоне. В витрине магазина расположился и необычайно правдоподобный манекен, воплощающий образ самой художницы.

Читайте также:

5 необычных примеров паблик-арта

Мода и произведения искусства: картины художников «ожили» в осенних коллекциях

Редактор американского Vogue Лэйрд Боррелли-Перссон, пытаясь отвлечься от потока новостей о распространении коронавируса, начала пересматривать показы коллекций сезона осень-зима 2020 и обнаружила кое-что интересное. Знаковые образы с подиума напомнили ей знаменитые произведения искусства, на которых изображены герои времен Средневековья и эпохи Возрождения.

Marine Serre осень-зима 2020

Undercover осень-зима 2020; «Девушка с птицей» из цикла гобеленов «Дама с единорогом», 1500-е, автор неизвестен; Comme des Garçons осень-зима 2020

Roksanda осень-зима 2020; Артур Рэкхем «Леди и лев», 1909; Ann Demeulemeester осень-зима 2020

Удивительное сходство поражает. Большинство образов отсылают нас к творчеству прерафаэлитов. По словам куратора Метрополитен-музея Дженнифер Мигер, это движение зародилось в Англии 1848 году на фоне «политических потрясений, массовой индустриализации и социальных проблем». Художники отказывались от условностей Викторианской эпохи и академических традиций, воспевая наследие живописцев эпохи раннего Возрождения.

Acne Studios осень-зима 2020; «Рассказчики Декамерона», миниатюра XV века; Loewe осень-зима 2020; Haider Ackermann осень-зима 2020

Ann Demeulemeester осень-зима 2020; Rodarte осень-зима 2020; Джон Уильям Уотерхаус «Леди из Шалот смотрит на Ланселота», 1895; Jil Sander осень-зима 2020

Прерафаэлиты часто черпали вдохновение в литературе. Например, в «Декамероне» Джованни Боккаччо, сюжет которого разворачивается во время страшной чумы. На картинах художников герои предстают в струящихся платьях и свободных туниках с драпировками — похожие образы мы видели в коллекциях Jil Sander, Rodarte, Ann Demeulemeester и других брендов. Взгляните сами — полотна Джона Уильяма Уотерхауса и Данте Габриэля Россетти словно «ожили» на подиуме. Это еще одно доказательство того, что мода и искусство неразрывно связаны.

Acne Studios осень-зима 2020; Джон Уильям Уотерхаус «Судьба», 1900

Zanini осень-зима 2020; Данте Габриэль Россетти «Сон наяву», 1878; Zanini осень-зима 2020

Портрет женщины, автор неизвестен, 1560-е; Paco Rabanne осень-зима 2020

Джон Уильям Уотерхаус «Декамерон», 1916

Jonathan Simkhai, Roksanda, Loewe, Undercover осень-зима 2020

Laird Borrelli-Persson / vogue. com

Современные художники и модные бренды: какие коллаборации они выпускают

Можно долго рассуждать, зачем бренды одежды и обуви и ювелирные дома объединяются с художниками. Но то, что получается в итоге, зачастую выглядит намного круче, чем совместные творения двух дизайнеров. Собрали для вас несколько особенно удачных коллабораций – новых и не очень.

1. Reebok и Покрас Лампас

Весна 2018

Художников приглашают разрисовывать не только строгие, вечерние или просто необычные подиумные образы. В 2018 году Покрас Лампас украсил спортивные костюмы Reebok каллиграфической надписью CrossFit (правда, нужно постараться, чтобы прочесть ее).

2. Acne Studios и Робби Баррат

Зима 2020

Робби Баррат – совсем юный современный художник. Для своих картин он использует не холст и кисти, а искусственный интеллект. В этом году Баррат объединился со шведским модным домом Acne Studios, чтобы создать коллекцию, вдохновленную полотнами старых мастеров живописи. Нейросеть взяла за основу работы, например, Караваджо и Рубенса. Так получились вещи с жаккардовыми принтами и размытыми фрагментами картин.

3. Dr. Martens и Жан-Мишель Баския

Лето 2020

Самого художника уже нет в живых, зато есть его работы. Их и использовали Dr. Martens. Две хорошо знакомые нам модели ботинок – низкие 1460 и высокие 1461 – украсили картинами Жан-Мишеля Баския. Британский бренд выбрал «Задурманенные головы» и обложку сингла Beat Bop Rammellzee и K-Rob. В Москву эти модели не прибыли. Но при желании их можно заказать в зарубежных интернет-магазинах.

4. Gentle Monster и группа художников

Лето 2020

Вообще, Gentle Monster не выпускают одежду, да и художники использовали не картины в привычном их понимании. Но мы все равно включили эту коллаборацию в нашу подборку. Южнокорейская марка оптики Gentle Monster предложила группе художников создать коллекцию для виртуальной реальности в рамках проекта Redefinition of Eyewear. Чтобы примерить аксессуары, не нужно ничего заказывать и ждать доставку – достаточно зайти в инстаграм бренда в раздел «маски». Среди авторов – Джеймс Мерри, Икеучи Хирото, Шалва Никвашвили, Лиз Секстон, Lyle Xox, Дамиен Блоттьер, Эсме Вагеманс, Дэйзи Мэй Коллингридж.

5. Swatch и Андрей Бергер

Лето 2020

История о том, как стрит-арт покоряет высоты. В рамках проекта Swatch x You бренд часов сотрудничает с художниками. Работает это так: созданные в коллаборации дизайны можно по желанию нанести на ремешок часов в специальном поп-ап-пространстве в ГУМе. На этот раз выбор пал на барнаульского стрит-арт-художника Андрея Бергера. Его паттерны уже можно использовать.

6. Ray-Ban и Вова Перкин

Весна 2021

Эта первая коллаборация бренда с современным российским художником. У рисунка, изображенного на чехле для очков, есть целая история. По словам художника, персонаж, изображенный на аксессуаре, «улыбается и радуется, зная, что каждый доверяет ему такую ответственность». Он защищает вашу оптику ручками-замками и поднимает настроение ярким костюмом и смешными ботинками. Эксклюзивная серия будет продаваться в избранных магазинах марки в мае и июне.

Вероятно, вам также будет интересно:

Каким российские художники увидели настоящее и будущее после пандемии?

8 необычных российских художников, за работами которых стоит следить

Покрас Лампас рассказал, что зашифровано в «Метасупрематическом кресте»

10 художников, которые покорили цвет

Яркие пятна, брызги света, искрящийся воздух — эти художники видят мир трогательно красивым и восхитительно цветным.
AdMe.ru предлагает взглянуть на мир глазами этих волшебников. Вашему вниманию подборка картин современных импрессионистов, мастерски владеющих цветом и светом.

Работы болгарского художника Цвиатко Кинчева в стиле импрессионизма — это цифровая живопись: они выполнены на компьютере, в программе Photoshop. Невероятно сочные творения художника подчеркивают красоту и яркость окружающего мира.

Голландский художник Вильям Хенритс работает акварелью, акрилом и пастелью. Его творения — это удивительная нежность, звенящий воздух, которым дышат его краски, его изящные линии. Работы Вильяма известны во всем мире в виде высококачественных постеров и литографий.

Юрий Петренко родился в Сочи. Профессионально занимается живописью около 20 лет. Сочные цвета, милые домики, корабли и море. От его картин веет жарким солнцем и соленым ветерком. Работы находятся в частных коллекциях практически во всех странах мира.

Армянский художник Овик Зограбян появился на свет в семье известного художника и скульптора Никогоса Зограбяна. За характерными для импрессионизма штрихами проступает уникальный стиль самого художника. Его уютные цветные города, яркие домики наполнены солнцем и счастьем.

Линда Вайлдер — канадская художница. Линда обожает писать пейзажи, а мастихин — один из любимых ее инструментов. Яркие, точные мазки, тонко подмеченные оттенки и линии — картины Линды есть в корпоративных и частных коллекциях в Канаде и по всему миру.

Китайско-американский художник Кен Хонг Лунг тонко чувствует цвет и умеет передать магию покоя. Его рыбацкие деревни и пейзажи берегов стали сенсацией в художественных кругах Гонконга. Кен считается одним из лучших мировых художников-неоимпрессионистов. Его называют хозяином заколдованных пейзажей, мечтательных настроений и магических отражений света и цвета.

Йохан Мессели живет и работает в Бельгии. Его картины отражают уютный мир тенистых провинциальных двориков, старинных калиточек и добрых окошек. Йохан умеет передать небрежными штрихами умиротворение и тихое счастье. Работает художник маслом и пастелями.

Джилл Чарук — современная канадская художница. Двадцать лет творила в индустрии одежды и интерьера. Она обожает утрировать цвета, усиливать контрасты. Ее яркие картины получили международное признание, они есть в коллекциях современного искусства в Северной Америке, Мексике и Европе. Джилл пишет в основном маслом и акрилом.

Леонид Афремов — всемирно признанный художник-импрессионист. Уроженец города Витебска, Республика Беларусь. Художник использует мастихин, работает в основном масляными красками. Вдохновение, по его собственным словам, черпает из многочисленных путешествий. Леонид видит мир ярким, сочным и умеет поделиться своим чудесным видением.

Эжен Джей Папроски родился в Чикаго. Большинство картин импрессиониста написаны на пленэре. Он любит быстро уловить суть, поймать настроение города и выплеснуть точно подмеченную эмоцию на холст. Некоторые картины художника находятся в стенах Белого дома, американских посольствах в Кувейте и Уругвае.

Мода как инструмент современных художников

Рады представить вам спецпроект PinchukArtCentre и Marie Claire «Мода в искусстве», в рамках которого эксперты Исследовательской платформы арт-центра подготовят серию статей о взаимодействии искусства и моды, о вкладе художников в развитие fashion-индустрии и о месте одежды в произведениях искусства. Сегодня говорим о том, как художники используют инструменты моды.

В заставке использован фрагмент работы Ильи Исупова «Не время ли уже идти», 1988

Ксения Малых — искусствоведка, кураторка, руководительница Исследовательской платформы PinchukArtCentre.

Художники всегда где-то рядом с модой и дизайном одежды. Коллаборации художников с модельерами приводят к новым эстетическим открытиям. Коллекции, вдохновленные работами художников, могут открыть или воскресить к ним интерес массового потребителя. Но на границе жанров могут возникнуть и полотна Джексона Поллока как принты на плащах и сумках, «Банка супа» Уорхола превратится в орнамент платья, а певица Билли Айлиш объединится с художником Такаси Мураками и они выпустят совместную коллекцию.

Работы дизайнеров одежды всегда утилитарны, даже самые дерзкие образы не лишены функции одежды. Работы же современных художников не ограничены в формах практически ничем. Одежда в современном искусстве — площадка для высказывания. Если художник обращается в своей практике к одежде, скорее всего он апеллирует к символам массовой культуры, гендерным ролям и гендерным стереотипам, отношениям «личное-публичное» или использует одежду как плоскость для манифеста.

Художница Алина Копица столкнулась, как и многие другие, с бюрократическими особенностями оформления брака с иностранцем. Кроме увесистого пакета официальных документов, художница была вынуждена ответить на многие очень личные вопросы анкеты, которые должны пролить свет на то, насколько хорошо будущие супруги знают друг друга. А вот для оформления визы гостя в Германию двумя годами ранее ей нужно было предоставлять частную переписку.

Для того чтобы другое государство открыло перед тобой свои границы, нужно сделать то же, но со своими личными границами. Это вопиющее вторжение художница переосмыслила в акте, который можно приравнять к эксгибиционизму. Она напечатала переписку со своим партнером на свадебном платье. Мол, читайте, мне не жалко!

Алина Копица. Свадебное платье, печать на ткани, соавтор дизайна – Екатерина Мусина, 2015/16. Фотографии предоставлены художницей

А для художника Николая Карабиновича одежда — такая же форма, которую он использует в своей художественной практике, как и любая другая (видео, песни, тексты, цвет стен, караоке и много другое). Карабинович происходит из мультикультурной одесской семьи. Это происхождение во многом определяет его практику: его работы о самоидентификации в мультикультурном обществе и о коллективной памяти.

Есть в его арсенале и нерегулярные практики — проекты, которые пунктиром проложены по его творческому пути, к которым он возвращается время от времени. По его мнению художник неразрывно связан с понятиями «мода» и «модный».

В 2016 году он выпустил первую футболку, апеллирующую к культовому бренду BOY LONDON. Сам бренд возник в конце 1970-х в Лондоне на почве рассвета бунтарской культуры. Изначальная идеология бренда была направлена на непонятую, разочарованную молодежь и бесстрашных мятежников. Сам магазин, где бренд зародился, функционировал скорее как панк-клуб с вечеринками, перформансами и периодическим разгоном толпы полицейскими. Бренд переживал несколько новых запусков и волн популярности в разных странах. Периодически бренд сталкивается со скандальными обвинениями в сходстве их логотипа с нацистским орлом.

Карабинович подошел к переосмыслению этого явления с присущей ему иронией и в этот раз по-партизански. Он использовал метод паразитирования на бренде (как часто вовсе не в художественных целях делают производители в основном в Китае) и изменил смысл бренда, поменяв всего одну букву.

Фотографии предоставлены художником

Goy (гой) — означает не еврей (не-иудей в иудаизме). И, придерживаясь до конца принципов функционирования fashion-индустрии, он выпустил эти футболки в малом тираже и распространяет через интернет.

Обнаружив другую неожиданную рифму, которая смешивает совершенно разные культуры, Карабинович выпустил свитшот OY VEY с портретом Шандора Ла-вея (ой-вей — Ла-вей).

Фотографии предоставлены художником

Ой-вей — известное идишское восклицание, означающее примерно «оох». А Антон Шандор Ла-вей — важный представитель американской треш-культуры, основатель «Церкви Сатаны», идеолог современного сатанизма и автор «Сатанинской библии».

Так Николай Карабинович сводит в одной работе совершенно разные культуры, как диджей — треки, что не случайно, ведь диджейство является любимым хобби художника.

Художница Леся Хоменко использует традиционный инструмент — живопись, занимается ее переосмыслением. Она одновременно и использует, и опровергает наработки предыдущих поколений живописцев. Например, недавно она решила нарушить все технологии и вместо холста стала использовать бифлекс — сильно тянущуюся ткань, которая в основном используется для танцевальных и спортивных костюмов, купальников. Она пишет человека на бифлексе, а потом, натягивая его на подрамник, искажает фигуру. Эти работы она выставляет не на стенах, а на полу, под углом, натягивает не полностью — демонстрируя, что она чувствует себя свободно с этим материалом.

Серия «Леся Хоменко и ее школа» 2018. Фотографии предоставлены художницей

Однажды Леся Хоменко в свой день рождения решила сделать перформанс. Она приготовила угощения, позвала гостей. А сестра Леси, дизайнер одежды Яся Хоменко, по заданию Леси пошила ей нарядное платье. Платье переходило в скатерть, покрывающую стол. Так художница и простояла весь вечер, принимая поздравления, но как часть праздничного стола, не имея возможности отойти и присоединиться к вечеринке.

Перформанс Леси Хоменко «Праздничный стол» Фотография предоставлена художницей

А через несколько лет Яся Хоменко инструментализировала Лесю как художницу. В коллаборации сестер Яся дала задание Лесе нарисовать драпировки (складки ткани). Эти картины стали принтом на ткани, из которой Яся пошила платья. На фотографиях и не разобрать, реальны складки или нарисованы. Здесь сошлись интересы обеих Хоменко. Для Леси — это продолжение исследования границ живописи, а для Яси — эксперимент с присущими ей нотками абсурда.

Коллаборация Леси Хоменко с брендом _xomenko_

Мода вдохновляется современным искусством, современное искусство вдохновляется модой и использует ее формы и механизмы. Так взаимное наполнение приводит к новым произведениям и направлениям мысли, и делает современную культуру еще более разнообразной.

6 коллабораций Visionary Art и Fashion | Мы смотрим на художников, стирающих границы между модой и искусством, от сотрудничества с мировыми брендами до сотрудничества с независимыми дизайнерами.

От сотрудничества с мировыми брендами до сотрудничества с независимыми дизайнерами — мы смотрим на художников, стирающих границы между модой и искусством.

Между модой и современным искусством всегда существовала синергия.От сотрудничества между модными домами и художниками до современных творцов, занимающихся производством одежды, мы рассмотрим шесть художников, которые помогли устранить барьер между искусством и модой.

KAWS

Назовите успешный модный бренд, и вполне вероятно, что они обращались к KAWS с просьбой о сотрудничестве в какой-то момент за последние 25 лет. От брендов роскошной моды, включая Dior и Comme des Garçons, до модных брендов уличной одежды, включая Bathing Ape и Supreme, KAWS сделал все.

В своем последнем сотрудничестве KAWS объединился с японским брендом роскошной моды Sacai, чтобы создать то, что основатель и дизайнер Титосэ Абэ, как сообщается, называет «носимым искусством». Коллекция, запуск которой начнется в июле, также является результатом сотрудничества с Nike, которая создала специальную обувь, соответствующую яркой серии одежды.

Яёи Кусама

В 2012 году японский современный художник Яёи Кусама объединился с Louis Vuitton, чтобы создать потрясающую коллекцию.По словам Марка Джейкобса, коллекция Vuitton-Kusama, включающая сумки, одежду и аксессуары, была направлена на «знакомство широкой публики с Яёи Кусамой и современным искусством в целом».

YAYOI KUSAMA X LOUIS VUITTON

Но даже если публика не была знакома с Кусамой, помешанный на пятнах художник не был новичком в моде. В 1960-х Кусама запустила собственную линию одежды прет-а-порте. Подражая ее традиционному мотиву в горошек, в одежде были стратегически прорезанные дыры, что превращало ее владельца в часть дизайна.

Такаши Мураками

Основатель движения «суперплоскость» Такаши Мураками известен тем, что игнорирует разделение между высоким и низким искусством. Включая традиционную японскую культуру в свои работы, его картины, гравюры и скульптуры вдохновлены яркими цветами и смелым дизайном. На протяжении своей блестящей карьеры Мураками сотрудничал с рядом модных брендов, включая Louis Vuitton, Billionaire Boys Club, Vans, Porter, Crocs и Uniqlo.

В 2020 году Мураками объединился с брендом уличной одежды Supreme, чтобы создать оригинальную футболку для сбора средств для HELP USA, фонда, созданного для поддержки семей, столкнувшихся с бездомностью в результате пандемии. Футболка была настолько успешной, что с продаж некоммерческой организации было собрано более 1 миллиона долларов, что позволило ей построить доступные дома и предоставить приюты нуждающимся молодым людям.

TAKASHI MURAKAMI X SUPREME

Дэмиен Херст

Британский современный художник Дэмиен Херст известен своим увлечением смертью.Будь то мотив черепа, таксидермия бабочки или акула в формальдегиде, Херст никогда не уклонялся от борьбы со смертностью. Несмотря на невероятный успех, в течение многих лет в начале его карьеры болезненность и в некоторой степени безумие произведений Херста не поддавались моде. Так было до тех пор, пока икона британской моды Александр Маккуин не предложил художнику в 2013 году сотрудничество.

Также известный своим использованием мотива черепа, Александр МакКуин в сотрудничестве с Херстом создал серию из тридцати шарфов ограниченного выпуска с изображениями черепов и бабочек.Унаследованный от одержимости Херста энтомологией, геометрические формы дизайна перекликались с работами Херста, сохраняя при этом фирменный стиль Маккуина. Непрерывное партнерство оказалось чрезвычайно успешным, и почти десять лет спустя сотрудничество Hirst x McQueen стало важной вехой в богатой истории модного дома.

ДАМИЕН ХЕРСТ X АЛЕКСАНДР МАККУИН

Ёситомо Нара

Йошитомо Нара, пионер современного искусства, японский художник, известный своими оригинальными рисунками детей и животных.Исходя из японской эстетической традиции каваи, что означает «привлекательность», картина Нары изображает детей с широко открытыми глазами, которые кажутся столь же милыми, сколь и зловещими.

Для весны / лета 2021 года модельер Стелла Маккартни восприняла прогрессивный панк-стиль рисунков Нары, сотрудничая с художником, чтобы создать We are punk, линию одежды унисекс с дизайном Нары. От шелковых брюк до вязаных джемперов — весь ассортимент одежды преодолевает разрыв между субкультурой, искусством и модой.

YOSHITOMO NARA X STELLA MCCARTNEY

Брэдли Теодор

Известный своим классическим стилем Диа-де-лос-Муэртос, Теодор создает красочные полотна, украшенные цветами и черепами. Его динамичные мазки и яркая цветовая палитра делают его работы идеальным выбором для украшения одежды.

В 2018 году, чтобы отпраздновать 50-летие культовой замшевой обуви Puma, компания в сотрудничестве с Брэдли Теодором создали поразительно смелую коллекцию осень / зима.Кроссовки, топ и черные спортивные штаны T7 с подходящей курткой. Одежда включает в себя культовый скелетный мотив Теодора, а также яркие цветные пятна, напоминающие его аппликацию кистью. Калейдоскопическое сотрудничество имело такой успех, что в 2019 году Теодор воссоединился с брендом, чтобы создать более крупную коллекцию из 23 предметов.

BRADLEY THEODORE X ПУМА

модельеров — чем занимаются модельеры?

Модельеры помогают создавать миллиарды платьев, костюмов, обуви и другой одежды и аксессуаров, ежегодно приобретаемых потребителями.Дизайнеры изучают модные тенденции, создают эскизы одежды и аксессуаров, выбирают цвета и ткани и следят за окончательным созданием своих дизайнов. Дизайнеры одежды создают и помогают производить мужскую, женскую и детскую одежду, включая повседневную одежду, костюмы, спортивную одежду, официальную одежду, верхнюю одежду, одежду для беременных и интимную одежду. Дизайнеры обуви помогают создавать и производить обувь и сапоги разных стилей. Дизайнеры аксессуаров помогают создавать и производить такие предметы, как сумки, ремни, шарфы, шляпы, чулочно-носочные изделия и очки, которые добавляют завершающие штрихи к образу.Некоторые модельеры специализируются на дизайне одежды, обуви или аксессуаров, а другие создают модели во всех трех модных категориях.

Процесс проектирования от первоначальной концепции проекта до конечного производства занимает от 18 до 24 месяцев. Первым шагом в создании дизайна является изучение современной моды и прогнозирование будущих тенденций. Некоторые дизайнеры проводят свои собственные исследования, в то время как другие полагаются на отчеты о тенденциях, публикуемые торговыми группами индустрии моды. Отчеты о тенденциях показывают, какие стили, цвета и ткани будут популярны в конкретном сезоне в будущем.Производители текстиля используют эти отчеты о тенденциях, чтобы создавать ткани и выкройки, а модельеры — наброски эскизов. Затем дизайнеры посещают производителей или торговые выставки, чтобы закупить образцы тканей и решить, какие ткани использовать с каким дизайном.

После выбора дизайна и ткани создается прототип изделия из более дешевых материалов, а затем примеряется модель, чтобы увидеть, какие изменения необходимо внести в дизайн. Это также помогает дизайнерам сузить выбор дизайна для продажи.После того, как были сделаны окончательные корректировки и выбор, образцы изделия сшиваются из реальных материалов, а затем продаются розничным торговцам одеждой. Многие дизайны демонстрируются на модных и торговых выставках несколько раз в год. Розничные торговцы на выставках размещают заказы на определенные товары, которые затем производятся и распределяются по магазинам.

Компьютерное проектирование (САПР) все чаще используется в индустрии дизайна одежды. Хотя большинство дизайнеров сначала делают наброски вручную, все больше и больше их переводят на компьютер.САПР позволяет дизайнерам просматривать дизайны одежды на виртуальных моделях и в различных цветах и формах, тем самым экономя время, требуя меньшего количества корректировок прототипов и образцов позже.

В зависимости от размера своей дизайнерской фирмы и своего опыта модельеры могут иметь разный уровень участия в различных аспектах дизайна и производства. В крупных дизайнерских фирмах модные дизайнеры часто являются ведущими дизайнерами, которые несут ответственность за создание дизайна, выбор цветов и тканей и надзор за техническими дизайнерами, которые превращают дизайн в конечный продукт.Они несут ответственность за создание прототипов и шаблонов и работают с производителями и поставщиками на этапах производства. В крупных дизайнерских домах также есть свои выкройки, портные и швей, которые создают основные выкройки для дизайна и шьют прототипы и образцы. Дизайнеры, работающие в небольших фирмах, или те, кто плохо знаком с этой работой, обычно выполняют большую часть технических, выкройных и швейных задач в дополнение к дизайну одежды.

Модельеры, работающие на оптовых торговцев или производителей одежды, создают модели для массового рынка.Эти дизайны производятся в различных размерах и цветах. Небольшое количество дизайнеров высокой моды (от кутюр) работают не по найму и создают индивидуальный дизайн для индивидуальных клиентов, как правило, по очень высоким ценам. Другие дизайнеры высокой моды продают свои изделия в собственных розничных магазинах или обслуживают специализированные магазины или универмаги высокой моды. Эти дизайнеры создают смесь оригинальной одежды и одежды, соответствующей устоявшимся модным тенденциям.

Некоторые модельеры специализируются на дизайне костюмов для исполнительских видов искусства, кино и телевизионных постановок.Работа художников по костюмам аналогична другим модельерам. Однако дизайнеры костюмов проводят обширные исследования стилей, которые носят в период представления, или они работают с режиссерами, чтобы выбрать и создать соответствующую одежду. Они делают эскизы дизайнов, подбирают ткани и другие материалы, а также следят за производством костюмов. Они также должны оставаться в рамках бюджета костюма для конкретного предмета производства.

Условия труда
Модельеры, нанятые производственными предприятиями, оптовыми торговцами или дизайнерскими фирмами, обычно работают в обычные часы в хорошо освещенных и комфортных условиях.Дизайнеры-фрилансеры обычно работают по контракту или по работе. Они часто корректируют свой рабочий день в соответствии с графиками и сроками своих клиентов, встречаясь с клиентами по вечерам или в выходные дни, когда это необходимо. Дизайнеры-фрилансеры, как правило, работают дольше и в небольших, более загруженных местах и вынуждены угодить клиентам и найти новых, чтобы поддерживать стабильный доход. Независимо от условий работы, все модельеры иногда работают сверхурочно, чтобы уложиться в сроки производства или подготовиться к показам мод.

Глобальный характер модного бизнеса требует постоянного общения с поставщиками, производителями и покупателями в Соединенных Штатах и во всем мире. Большинство модельеров несколько раз в год ездят на выставки и показы мод, чтобы узнать о последних модных тенденциях. Дизайнеры также могут часто ездить, чтобы встретиться с поставщиками тканей и материалов, а также с производителями, которые производят готовую одежду.

Требуется образование и подготовка
Модельерам обычно требуется ассоциированный специалист или степень бакалавра в области дизайна одежды.Некоторые модельеры также сочетают диплом дизайнера одежды с дипломом о бизнесе, маркетинге или модном мерчандайзинге, особенно те, кто хочет открыть свой собственный бизнес или розничный магазин. Базовая курсовая работа включает в себя цвет, текстиль, шитье и пошив одежды, изготовление выкройки, историю моды, компьютерное проектирование (САПР) и дизайн различных типов одежды, например мужской или обуви. Также полезны курсовые работы по анатомии человека, математике и психологии.

Национальная ассоциация школ искусства и дизайна аккредитует около 300 высших учебных заведений с программами в области искусства и дизайна.Большинство этих школ присуждают дипломы в области дизайна одежды. Многие школы не разрешают формальное участие в программе до тех пор, пока ученик не завершит базовые курсы искусства и дизайна. Претенденты обычно должны представить эскизы и другие примеры своих художественных способностей.

Начинающие модельеры могут получить эти необходимые навыки во время стажировки в дизайнерских или производственных фирмах. Некоторые дизайнеры также получают ценный опыт, работая в розничных магазинах в качестве личных стилистов или портных по индивидуальному заказу.Такой опыт может помочь дизайнерам приобрести навыки продаж и маркетинга, одновременно узнав, какие стили и ткани хорошо смотрятся на разных людях.

Дизайнеры также могут познакомиться с потенциальными работодателями, представив свои проекты в студенческих или любительских конкурсах. Из-за глобального характера индустрии моды опыт работы в одном из международных центров моды, таких как Милан или Париж, может быть полезным.

Другие требуемые навыки (Другая квалификация)
Дизайнеры должны хорошо разбираться в цвете и деталях, обладать чувством баланса и пропорции, а также ценить красоту.Модельерам также необходимы отличные коммуникативные навыки и навыки решения проблем. Несмотря на развитие компьютерного дизайна, возможность рисовать эскизы остается важным преимуществом в дизайне одежды. Хорошее портфолио — коллекция лучших работ человека часто является решающим фактором при получении работы.

Помимо творческих способностей модельерам необходимо иметь навыки шитья и выкройки, даже если они не выполняют эти задачи самостоятельно. Дизайнеры должны понимать эти навыки, чтобы дать надлежащие инструкции по созданию одежды.Модельеры также нуждаются в хороших навыках продаж и презентаций, чтобы убедить клиентов приобрести их дизайн. Хорошая командная работа и коммуникативные навыки также необходимы, потому что бизнес все чаще требует постоянного контакта с поставщиками, производителями и покупателями по всему миру.

Модельеры — Чем они занимаются — Страница 2

Академические программы по интересам

Модный дизайн

Модный дизайн — это прикладное искусство, посвященное дизайну одежды и аксессуаров для образа жизни, созданное с учетом культурных и социальных влияний определенного времени.

Некоторые дизайнеры высокой моды работают не по найму и создают дизайн для индивидуальных клиентов. Другие дизайнеры высокой моды делают все возможное, чтобы …более

Модный мерчандайзинг

Fashion Merchandising готовит студентов к широкому спектру профессий на мировом рынке. Учебная программа обучает студентов планированию, закупке, распределению и продвижению товаров, применению технологий для этой задачи и развитию человеческих ресурсов, предназначенных для …более

Профиль работы модельером | Prospects.ac.uk

Модельеры используют свою техническую перспективу и творческое чутье для работы над дизайном новой и оригинальной одежды

Как модельер, вы будете изучать текущие модные тенденции, прогнозировать, что будет популярно среди потребителей, и вдохновение из окружающего мира для создания свежих и оригинальных дизайнов.

Вы выбираете ткани, цвета и узоры, создаете образцы дизайна и корректируете их, пока не будете довольны конечным продуктом.

Вы можете работать над своим собственным заданием или получить задание, над которым нужно работать, со спецификациями, касающимися цвета, ткани и бюджета. В крупных компаниях вы, вероятно, будете работать в составе группы дизайнеров, возглавляемой креативным директором, тогда как если вы работаете в небольшой компании в качестве единственного дизайнера или на себя, вы будете нести ответственность за все проекты.

Обычно вы специализируетесь в одной области дизайна, например, в спортивной, детской, обуви или аксессуарах.

Типы модельеров

Основные направления работы модельеров:

high street fashion — это место, где работает большинство дизайнеров и где одежда производится массово (часто в Европе или Восточной Азии).Модели покупок, сезонные тенденции и влияние знаменитостей играют ключевую роль в этом процессе дизайна. Это коммерческая область, в которой работают СМИ.
ready-to-wear — признанные дизайнеры создают коллекции прет-а-порте, выпускаемые относительно небольшими тиражами.
haute couture — требует много времени, затрачиваемого на изготовление одноразовой одежды для подиума. Дизайн обычно поддерживает бренд и создает «образ».

Обязанности

Задачи зависят от рынка, на котором вы работаете, но обычно вам необходимо:

создать или визуализировать идею и произвести дизайн вручную или с помощью автоматизированного проектирования (CAD)
создавать доски настроения для показа клиентам
быть в курсе возникающих модных тенденций, а также общих тенденций, связанных с тканями, цветами и формами.
планировать и развивать диапазоны, часто на основе темы
работать с другими в команде дизайнеров, например, покупатели и прогнозисты, для разработки продуктов, отвечающих требованиям
, на постоянной основе поддерживать тесные связи с командами продаж, закупок и производства, чтобы обеспечить соответствие продуктов потребителю, рынку и цене
понимать дизайн с технической точки зрения, т.е.е. изготовление выкроек и технических спецификаций для дизайнов
посещение торговых выставок и производителей для поиска, выбора и покупки тканей, отделки, застежек и украшений
адаптация существующих дизайнов для массового производства
разработка выкройки, которая вырезается и сшивается в образцы одежды, и контролирует создание их, включая примерку, детализацию и адаптацию
контроль производства
переговоры с клиентами и поставщиками
демонстрация ваших дизайнов на модных и других выставках
работа с моделями, чтобы опробовать ваши дизайны, а также носить их на подиум на показах мод
руководить маркетингом, финансами и другой коммерческой деятельностью, если работает по найму.

Опытные дизайнеры в более крупных компаниях могут больше сосредоточиться на аспекте дизайна, когда мастера по раскрою и станки готовят образцы одежды. В небольших компаниях эти и другие задачи могут быть частью роли дизайнера.

Заработная плата

Начальные зарплаты в индустрии моды часто низкие. Ассистенты дизайнера могут стоить от 16 000 до 18 000 фунтов стерлингов.
Младший дизайнер может рассчитывать на заработок примерно 25 000 фунтов стерлингов в год.
Типичные зарплаты на уровне старшего дизайнера и креативного директора варьируются от 42 000 фунтов стерлингов до более 85 000 фунтов стерлингов.

Заработная плата зависит от вашего опыта, географического положения и типа работодателя.

Данные о доходах предназначены только для справки.

Рабочее время

В рабочее время обычно включаются дополнительные часы для соблюдения сроков проекта.

Чего ожидать

Условия работы варьируются в зависимости от компании, от современного специализированного офиса до небольшой дизайн-студии. Внештатные дизайнеры могут работать дома или в арендованной студии.
С ростом онлайн-торговли открытие бизнеса или самостоятельная работа становится все более распространенным явлением, даже сразу после окончания учебы. Обширные исследования рынка и деловая хватка имеют решающее значение для успеха любого модного бизнеса.
Большинство возможностей доступно в Лондоне и на юго-востоке, а также в некоторых крупных городах на северо-западе и в Шотландии, с центрами промышленности в Мидлендсе.
Карьерный успех зависит от сочетания творчества, настойчивости, устойчивости и хороших коммуникативных и сетевых навыков.
Есть возможности поехать, чтобы встретиться с поставщиками, изучить новые тенденции и посетить торговые и модные показы как в Великобритании, так и за рубежом.

Квалификация

Дизайн одежды — отрасль с очень высокой конкуренцией, и вам, как правило, потребуется степень, HND или базовая степень по предмету, который сочетает в себе как технические, так и дизайнерские навыки. Соответствующие темы включают:

искусство и дизайн
мода и дизайн одежды
модный бизнес
покупка одежды, маркетинг и коммуникация
швейная техника
графический дизайн
текстиль и текстильный дизайн.

Изучая курсы, внимательно изучайте изучаемые предметы, связи отдела с индустрией моды и имеющиеся возможности для трудоустройства, демонстрации своей работы и создания своего портфолио.

Некоторые курсы одобрены ScreenSkills через их схему аккредитации Tick как предлагающие актуальное для отрасли обучение. Список аккредитованных курсов, связанных с модой, см. В разделе «Курсы ScreenSkills Tick».

Хотя вам не нужна аспирантура, вы можете захотеть развить свои навыки в определенной области, такой как менеджмент дизайна одежды, мужская одежда или обувь.

Если ваша степень не связана, вам необходимо получить опыт работы в отрасли или в смежной области, например, в розничной торговле модной одеждой. Возможно, вы захотите получить степень магистра в области моды или текстильного дизайна. Искать курсы для аспирантов по моде и текстильному дизайну.

Иногда можно поступить без ученой степени, если у вас есть опыт работы в моде, искусстве и дизайне, но вам необходимо получить опыт работы в отрасли, чтобы развивать свои знания.

Навыки

Вам нужно будет продемонстрировать:

креативность, инновации и чутье
глаз на цвет и чувство ткани и материалов
способность генерировать идеи и концепции, проявлять инициативу и мыслить не только коробка
навыки проектирования и визуализации вручную или с помощью компьютерного проектирования (CAD)
технические навыки, включая выкройку и шитье
навыки и знания в области швейных технологий
проактивный подход
коммерческая осведомленность и бизнес-ориентация
самореклама и уверенность
навыки межличностного общения, общения и взаимодействия
способность вести переговоры и влиять на других
навыки командной работы
хорошая организация и управление временем.

Опыт работы

Получение опыта работы жизненно важно, и любой опыт работы в дизайн-студии поможет вам развить свои навыки и наладить сеть контактов в отрасли. Может пригодиться и опыт работы в розничной торговле.

Во время учебы воспользуйтесь возможностями для развития своего портфолио посредством стажировок и стажировок в Великобритании или за рубежом. Некоторые курсы включают год сэндвича в модной компании. Этот тип размещения может дать возможность работать над более масштабным промышленным проектом.

Станьте волонтером на модных мероприятиях или создайте собственное модное шоу и контактируйте с фотографами, которые ищут модельеров. Максимально используйте показы дипломов, чтобы продемонстрировать свои работы, и посетите модные и торговые выставки, такие как Лондонская неделя моды, чтобы почерпнуть идеи и советы.

Работодатели ожидают увидеть портфолио, наглядно демонстрирующее ваши способности разрабатывать и производить одежду и аксессуары.

Работодатели

Большинство дизайнеров модной одежды и одежды работают в крупных уличных магазинах и независимых лейблах.Их можно нанять в собственной дизайн-студии на базе производственной или розничной организации.

Другие работают в специализированных дизайн-студиях, обслуживающих рынки модной одежды и дизайнерской готовой одежды, и их работа может включать создание дизайнов для ряда производственных или розничных компаний.

Тем не менее, дома с лучшим дизайном представляют собой относительно небольшой рынок по сравнению с сектором высокой уличной моды.

Некоторые модельеры находят работу за границей у дизайнеров из Европы и США.Каталог контактных данных модных компаний, включая компании и модные организации по всему миру, можно найти в Apparel Search.

Существуют возможности для самозанятости. Модельеры-фрилансеры могут продавать свою работу через торговые ярмарки и через агентов, или напрямую контактируя с покупателями из более крупных предприятий или специализированных магазинов одежды.

Ряд организаций предлагают специальное обучение и поддержку для открытия модного бизнеса. Британский совет моды предлагает ряд инициатив, а The Design Trust предлагает курсы и онлайн-ресурсы о том, как вести собственный творческий бизнес.

Конкуренция за дизайнерские вакансии очень высока во всей отрасли, особенно в дизайне женской одежды.

Ищите вакансии по адресу:

Возможности трудоустройства часто гарантируются с помощью спекулятивных приложений и эффективных сетей. Важно попытаться построить отношения с более известными дизайнерами и компаниями, независимо от того, ищете ли вы постоянные или внештатные вакансии.

Кадровые агентства, специализированные издания и модные сети являются важным источником контактов и вакансий.К специализированным кадровым агентствам, представляющим разные уровни рынка, относятся:

Откройте для себя 5 способов попасть в дизайн одежды.

Повышение квалификации

Культура отрасли во многом определяется тем, что люди учатся на работе. Однако саморазвитие важно на протяжении всей вашей карьеры, и вам нужно будет взять на себя ответственность за то, чтобы поддерживать свои навыки и знания в актуальном состоянии.

Изначально любое обучение, вероятно, будет связано с изучением практических процессов, которые использует ваш работодатель, и с описанием любых соответствующих технологических разработок.Более крупные фирмы могут предоставлять бизнес-тренинги и компьютерное обучение, которое может включать автоматизированное проектирование (САПР) или другое специализированное программное обеспечение, такое как Photoshop и Illustrator.

Чтение отраслевой прессы и модных блогов, посещение торговых и модных показов, а также посещение поставщиков также важны для того, чтобы быть в курсе тенденций и моды.

Лондонский колледж моды, входящий в Лондонский университет искусств, предлагает ряд специализированных краткосрочных курсов и однодневных семинаров, связанных с модой.Также можно получить степень магистра, чтобы развить свои навыки в определенной области моды, такой как управление модой, выкройка и технология одежды или женская одежда.

Перспективы карьерного роста

Развитие вашей карьеры будет зависеть от конкретной области дизайна, в которой вы обучались, вашего опыта работы и вашей профессиональной репутации. Еще одним определяющим фактором будет тип компании, в которой вы работаете, и возможности карьерного роста в ней.

Прогресс может быть медленным, особенно в начале карьеры.Проявление активности и установление контактов в отрасли очень важно, особенно в секторе, где люди часто меняют работу, чтобы продвинуться по карьерной лестнице и где существует большое давление с целью выработки новых коммерчески жизнеспособных идей.

Обычно вы начинаете свою карьеру в качестве помощника.

Затем переход к роли с более творческим вкладом, включающий предложение концепций и дизайнерских идей, хотя вряд ли вы окажете большое влияние на важные решения.

Имея несколько лет опыта в дизайне, можно продвинуться с должности старшего дизайнера до должности главного дизайнера или креативного директора.На этом уровне вы будете нести значительную ответственность за общие проектные решения и влияние на диапазон, но, поскольку это управленческая должность, другие будут выполнять фактическую проектную работу.

Должности технического директора и менеджеров по качеству представляют собой альтернативные пути развития. Другие варианты карьеры в индустрии моды включают:

колорист
иллюстратор моды
предсказатель моды
стилист моды
резак / сортировщик выкройки.

Модельеры все чаще занимаются дизайном товаров для дома и подарков, что открывает новые возможности для карьерного роста.

Существуют также возможности для самозанятости или перехода к смежным профессиям, таким как розничная торговля, фотография, модный стиль или журналистика.

Узнайте, как Софи стала дизайнером сумок на BBC Bitesize.

Написано редакторами AGCAS

Апрель 2021 г.

Посмотрите, насколько хорошо вы соответствуете этому профилю работы и более чем 400 другим профессиям.

Сопутствующие вакансии и курсы

опыт работы

Bootcamp с финансированием по цифровому маркетингу

UpSkill Digital
Без зарплаты
Лондон

Перейти на вакансию

выпускник

Младший дизайнер по цифровым технологиям

Просмотреть вакансию

модельеры и художники определение

Характер работы

Дизайнеры — это люди с желанием творить.Они сочетают в себе практичность знания с художественными способностями превращать абстрактные идеи в формальный дизайн за товары, которые мы покупаем, одежду, которую мы носим, веб-сайты, которые мы используем, публикации, которые мы читаем, а также жилые и офисные помещения, в которых мы живем. Дизайнеров обычно специализируются в определенной области дизайна, например, автомобили, промышленное или медицинское оборудование, бытовая техника, одежда и текстиль, цветочные композиции, публикации, веб-сайты, логотипы, вывески, фильмы или телешоу, интерьеры домов или офисных зданий, товары дисплеи, или кино, телевидение и театральные постановки.

Первый шаг в разработке нового дизайна или изменении существующего заключается в определении потребностей клиента, конечная функция которого дизайн предназначен, и его привлекательность для клиентов или пользователей. При создании дизайн, дизайнеры часто начинают с исследования желаемых характеристик дизайна, такие как размер, форма, вес, цвет, используемые материалы, стоимость, простота использования, посадка, и безопасность.

Затем дизайнеры готовят эскизы или схемы вручную или с помощью компьютер, чтобы проиллюстрировать видение дизайна.После консультации с клиент, креативный директор или команда разработчиков продукта, дизайнеры создавать детальные проекты, используя чертежи, структурную модель, компьютерное моделирование, или полномасштабный прототип. Многие дизайнеры используют автоматизированное проектирование (САПР). инструменты для создания и лучшей визуализации конечного продукта. Компьютерные модели позволяют легко и гибко исследовать большее количество вариантов дизайна, тем самым снижая затраты на проектирование и сокращая время, необходимое для доставки продукта. на рынок.Промышленные дизайнеры используют автоматизированный промышленный дизайн (CAID) инструменты для создания дизайнов и машиночитаемых инструкций, которые сообщают с автоматизированными производственными инструментами.

Дизайнеры иногда руководят помощниками которые воплощают в жизнь свои творения. Дизайнеры, ведущие собственный бизнес, также может уделять много времени развитию новых деловых контактов, изучение оборудования и потребностей в помещениях, а также выполнение административных задач, например, просмотр каталогов и заказ образцов.Потребность в обновлении компьютерное и коммуникационное оборудование — постоянное внимание многих дизайнеры, особенно в области промышленного и графического дизайна.

Дизайн включает в себя множество различных областей. Многие дизайнеры специализируются в определенной области дизайна, тогда как другие работают более чем в одной области.

Коммерческие и промышленные дизайнеры разрабатывают бесчисленное количество произведенных продукция, в том числе самолеты; машины; детские игрушки; компьютерное оборудование; мебель; бытовая техника; медицинское, офисное и рекреационное оборудование.Они сочетают художественный талант с исследованиями использования продукта на потребителях. потребностей, а также о маркетинге, материалах и методах производства для создания самый функциональный и привлекательный дизайн, который будет конкурировать с другими на рынке. Промышленные дизайнеры обычно концентрируются на узкой специальности. например, кухонная техника, салоны автомобилей или оборудование для литья пластмасс.

Модельеры дизайн одежды и аксессуаров.Какая-то высокая мода дизайнеры работают по найму и разрабатывают для индивидуальных клиентов. Другая высокая мода дизайнеры обслуживают специализированные магазины или универмаги высокой моды. Эти дизайнеры создают оригинальные предметы одежды, а также одежду, соответствующую установленным Модные тенденции. Однако большинство модельеров работают на производителей одежды, создание дизайна мужской, женской и детской одежды для массовых рынок.

Цветочные дизайнеры вырезать и расположить живые, сушеные или искусственные цветы и листву в дизайны по заказу заказчика.Они проектируют композиции, обрезая цветы и составляя букеты, спреи, венки, посудные сады и террариумы. Они могут встретиться с клиентами, чтобы обсудить договоренность или работа по письменному заказу. Цветочные дизайнеры отмечают в зависимости от случая, предпочтения клиента в отношении цвета и тип задействованного цветка, цена выполненного заказа, время, в которое цветочная композиция или растение должны быть готовы, и место, куда оно должен быть доставлен.Разнообразие обязанностей, выполняемых флористами зависит от размера магазина и количества нанятых дизайнеров. В небольшая операция, цветочные дизайнеры могут владеть своими магазинами и делать почти все, от выращивания и покупки цветов до ведения финансовой отчетности.

Графические дизайнеры планируют, анализируют и создают визуальные решения для проблемы со связью. Они используют различные печатные, электронные и кинопленки. СМИ и технологии для выполнения дизайна, отвечающего требованиям общения с клиентами потребности.Они рассматривают когнитивные, культурные, физические и социальные факторы в планирование и выполнение проектов, подходящих для данного контекста. Графический дизайнеры используют компьютерное программное обеспечение для разработки общего макета и производства дизайн журналов, газет, журналов, корпоративных отчетов и др. публикации. Они также производят рекламные дисплеи и маркетинговые брошюры. для продуктов и услуг, разработка отличительных логотипов для продуктов и предприятий, и разработать системы знаков и указателей, называемые экологической графикой, для бизнес и правительство.Все большее количество графических дизайнеров разрабатывают материалы для веб-страниц в Интернете, компьютерных интерфейсов и мультимедийных проектов. Графические дизайнеры также создают титры, которые появляются до и после телепрограммы и фильмы.

Дизайнеры интерьера повышают функциональность, безопасность и качество внутренние пространства частных домов, общественных зданий, а также деловых или институциональных объекты, такие как офисы, рестораны, предприятия розничной торговли, больницы, гостиницы и театры.Планируют также интерьеры существующих построек. которые подвергаются ремонту или расширению. Большинство дизайнеров интерьеров специализируются. Например, одни могут сосредоточиться на дизайне жилых помещений, а другие — на по бизнес-дизайну. Третьи могут специализироваться дальше, сосредоточив внимание на конкретных комнаты, такие как кухни или ванны. Со вкусами, потребностями и бюджетом клиента имея в виду, дизайнеры интерьера готовят чертежи и спецификации для ненесущих внутреннее строительство, меблировка, освещение и отделка.Все чаще дизайнеры используют компьютеры для планирования макетов, потому что компьютеры делают это легко изменить планы, чтобы включить идеи, полученные от клиента. Интерьер дизайнеры также проектируют освещение и архитектурные детали, такие как корона молдинги, встроенные книжные полки или шкафы согласовывают цвета и выбирают мебель, напольные покрытия и оконная отделка. Дизайнеры интерьера должны проектировать пространство в соответствии с федеральными, государственными и местными законами, включая строительство коды.Дизайн общественных мест также должен соответствовать стандартам доступности для инвалиды и пожилые люди.

Витрины и витрины , или витрины , планировать и устанавливать коммерческие дисплеи, например, в окнах и интерьерах розничных магазинов или торговых выставок. Тех, кто работает над экстерьером возводить основные украшения для магазинов, в том числе здания и витрины, а также огни. Дизайнеры интерьеров магазинов обставляют отделы магазинов, устраивают настольные дисплеи и манекены.В крупных торговых сетях макеты магазинов обычно разрабатываются на корпоративном уровне через центральный конструкторский отдел. Чтобы сохранить визуальную идентичность сети и гарантировать, что конкретный образ или тема продвигается в каждом магазине, дизайны раздаются индивидуальным магазины по электронной почте, загруженные на компьютеры, оснащенные соответствующими программное обеспечение для проектирования и адаптировано для удовлетворения требований к размеру и размеру каждого магазина в отдельности.

Дизайнеры декораций и экспонатов создают декорации для кино, телевидения и театральные постановки и оформление специальных выставочных экспозиций.Художники-декораторы изучать сценарии, совещаться с режиссерами и другими дизайнерами и проводить исследования для определения исторического периода, моды и архитектурных стилей, подходящих для производства, на котором они работают. Затем они создают эскизы или масштаб модели для руководства при строительстве реальных декораций или выставочных пространств. Дизайнеры выставок работают с кураторами, арт-директорами и директорами музеев и выставок. спонсоров, чтобы определить наиболее эффективное использование доступного пространства.

Условия труда

Условия труда и места занятости различаются. Дизайнеры, работающие на производственных предприятиях, крупные корпорации или дизайнерские фирмы обычно работают в обычные часы в хорошо освещенных и удобные настройки. Дизайнеры небольших дизайнерских консалтинговых фирм, или фрилансеры, как правило, работают по контракту или на работе. Они часто корректируют свой рабочий день в соответствии с графиками и сроками своих клиентов, встреча с клиентами в вечернее время или в выходные дни при необходимости.Консультанты и индивидуальные дизайнеры, как правило, работают дольше и меньшая, более перегруженная среда.

Дизайнеры могут вести бизнес в своих офисах или студиях или в клиенты дома или в офисе. Они также могут путешествовать в другие места, например как выставочные залы, дизайнерские центры, выставочные площадки клиентов и производственные мощности. Дизайнеры, которым платят по заданию, вынуждены угодить клиентам. и находить новые, чтобы поддерживать стабильный доход.Все дизайнеры иногда сталкиваются с разочарованием, когда их проекты отклоняются или когда их работа не такая творческая, как хотелось бы. С повышенной скоростью и изощренностью компьютеров и современных коммуникационных сетей, дизайнеры могут создавать международные проектные группы, обслуживают географически более рассредоточенную клиентуру, исследуют разработать альтернативы, используя информацию в Интернете, и закупить расходные материалы в электронном виде, все с помощью компьютера на рабочем месте или в студии.

Иногда промышленные дизайнеры могут работать сверхурочно, чтобы встретиться с сроки. Точно так же графические дизайнеры обычно работают в обычное время, но может работать по вечерам или в выходные в соответствии с графиком производства. Напротив, декораторы и дизайнеры выставок работают сверхурочно; часто они под давлением, требующим быстрых изменений. Витрины и витрины товаров триммеры могут тратить большую часть своего времени на проектирование дисплеев в своем офисе или студии, но те, кто также конструирует и устанавливает дисплеи, могут иметь перемещать пиломатериалы и тяжелые материалы, а также выполнять столярные и малярные работы.Модельеры могут работать долгие часы, чтобы уложиться в сроки производства или подготовиться для модных показов. Кроме того, модельеры могут быть обязаны путешествовать на производственные площадки в США и за рубежом. Дизайнеры интерьеров обычно работают с соблюдением установленных сроков и могут тратить дополнительные часы на завершение работы. Кроме того, они обычно приносят на встречи с клиентами тяжелые и громоздкие книги с образцами. Цветочные дизайнеры обычно работают в обычное время в приятной рабочей обстановке. но заказы на праздники, свадьбы и похороны часто требуют сверхурочных.

Занятость

Дизайнеров в 2002 г. занимало около 532 000 рабочих мест. частный предприниматель. Занятость распределилась следующим образом:

человек.

Графические дизайнеры	212 000
Цветочные дизайнеры	104 000
Выставочные стенды и оконные триммеры	77 000
Дизайнеры интерьера	60 000
Коммерческие и промышленные дизайнеры	52 000
Модельеры	15 000
Дизайнеры декораций и экспонатов	12 000

Наемных дизайнеров работали в различных отраслях, в зависимости от по своей дизайнерской специальности.Например, графические дизайнеры в основном работали в специализированных дизайнерских услугах; газета, периодическое издание, книга и каталог издатели; а также рекламные и сопутствующие услуги. Цветочные дизайнеры были сосредоточены в розничных цветочных магазинах или цветочных отделах продуктовых магазинов. Выставочные стенды с товарами и оконные ножницы были разбросаны по множеству розничных и оптовых торговцев. Дизайнеры интерьеров в основном работали в специализированных дизайнерские услуги или в розничных мебельных магазинах.Большинство коммерческих и промышленных дизайнеры работали на производстве или в архитектуре, машиностроении, и сопутствующие услуги. Модельеры обычно работали над производством одежды. или оптовая продажа одежды, штучных товаров и понятий. Установить и дизайнеры выставок работали в основном с компаниями исполнительского искусства, кино и видеоиндустрия, а также радио- и телевещание.

В 2002 г. значительная часть дизайнеров работала по найму и работала внештатно. работать полный или неполный рабочий день в дополнение к оплачиваемой работе в дизайне или другим занятием.

Обучение, другая квалификация и повышение квалификации

Почти треть дизайнеров самозанятый
почти в пять раз больше, чем для всех профессиональных и связанных профессий.

Креативность имеет решающее значение во всех дизайнерских профессиях; большинство дизайнеров нужна степень бакалавра, а кандидатам со степенью магистра иметь преимущество.

Ожидается острая конкуренция по большинству рабочих мест, несмотря на средний прогноз рост занятости, потому что привлекается много талантливых людей карьере дизайнера.

Креативность имеет решающее значение во всех дизайнерских профессиях. Люди в этой области должен обладать сильным чувством эстетики, глазом на цвет и детали, чувство равновесия и пропорции, а также любовь к красоте. Дизайнеров также нужны отличные коммуникативные навыки и навыки решения проблем. Несмотря на развитие компьютерного дизайна, способность рисовать эскизы остается важным Преимущество в большинстве типов дизайна, особенно в модном дизайне.Хорошее портфолио сборник лучших работ человека часто является решающим фактором в поиске работы.

Степень бакалавра требуется для большинства дизайнерских должностей начального уровня, кроме цветочного дизайна и визуального мерчендайзинга. Эстетические способности важны в цветочном дизайне и визуальном мерчендайзинге, но формальная подготовка обычно не обязательно. Многие кандидаты в промышленный дизайн получают степень магистра. степени, чтобы увеличить свои шансы на выбор на открытые позиции.

Дизайн интерьера — единственная область дизайна, регулируемая государством. По данным Американского общества дизайнеров интерьеров, 22 штата и Регистр округа Колумбия или лицензия дизайнеров интерьера. Прохождение Квалификационный экзамен Национального совета по дизайну интерьера требуется. для регистрации или лицензирования в этих юрисдикциях. Чтобы иметь право на сдавать экзамен, абитуриент должен иметь не менее 6 лет комбинированного образования и опыт работы в дизайне интерьеров, из которых не менее 2 лет составляют высшее образование в области дизайна.Поскольку регистрация или лицензирование не обязательно во всех государствах, членство в профессиональной ассоциации свидетельство квалификации и профессионализма дизайнера интерьера. стоя, и может помочь в привлечении клиентов.

В области дизайна одежды работодатели ищут специалистов со степенью 2 или 4 года. которые разбираются в текстиле, тканях и украшениях, и о тенденциях в мире моды. Дизайнеры декораций и выставок обычно иметь высшее образование в области дизайна.Степень магистра изящных искусств от аккредитованного университетская программа дополнительно устанавливает квалификацию дизайнера. Для набора дизайнеров, членство в United Scenic Artists, Local 829, признано на национальном уровне как достижение профессионального статуса в данной области.

Большинство цветочных дизайнеров учатся на работе. Когда работодатели нанимают стажеров, они обычно ищут выпускников средней школы, у которых есть чутье за аранжировку и желание учиться. Завершение формального обучения дизайну, тем не менее, это актив для цветочных дизайнеров, особенно тех, кто интересуется в продвижении до главного флориста или в открытии собственного дела.Профессионально-технические училища предлагают программы по цветочному дизайну, обычно продолжительностью менее года, 2- и 4-летние программы по цветоводству, садоводство, цветочный дизайн или декоративное садоводство предлагаются сообществом и младшие колледжи, колледжи и университеты. Американский институт of Floral Designers предлагает своим членам экзамен на аккредитацию показатель профессиональных достижений в цветочном дизайне.

Формальное обучение для некоторых дизайнерских профессий также доступно в двух- и 3-летние профессиональные школы, выдающие сертификаты или ассоциированные степени в дизайне.Выпускники двухгодичных программ обычно квалифицируются как ассистенты дизайнеров, или они могут поступить на формальную программу бакалавриата. Бакалавр Степень изящных искусств предоставляется в 4-летних колледжах и университетах. В Учебный план в этих школах включает искусство и историю искусств, принципы дизайн, проектирование и эскизы, а также специализированные исследования для каждого из индивидуальные дизайнерские дисциплины, такие как производство одежды, текстиль, механика и архитектурный рисунок, компьютеризированный дизайн, скульптура, архитектура, и базовая инженерия.Гуманитарное образование или программа, которая включает обучение бизнесу или управлению проектами вместе с курсами по мерчандайзингу, маркетинг и психология, наряду с обучением искусству, рекомендуется для дизайнеры, которые хотят работать на фрилансе. Кроме того, лица с обучением или опытом в архитектуре претендовать на некоторые профессии дизайнера, особенно интерьер дизайн.

Работодатели все чаще ожидают, что новые дизайнеры будут знакомы с компьютерными технологиями. программное обеспечение для проектирования как инструмент дизайна.Например, промышленные дизайнеры используют компьютеры широко используются в аэрокосмической, автомобильной и электронной промышленности. Дизайнеры интерьеров используют компьютеры для создания множества вариантов интерьера. изображения космического дизайна можно вставлять, редактировать и заменять легко и без добавленная стоимость, позволяющая клиенту увидеть и выбрать один из нескольких конструкции.

Национальная ассоциация школ искусства и дизайна аккредитует подробнее более 200 высших учебных заведений с программами в области искусства и дизайна.Наиболее из этих школ присуждается степень в области искусства, а некоторые — в области промышленного, интерьерный, текстильный, графический или модный дизайн. Многие школы не позволяют формальное поступление на программу бакалавриата, пока студент успешно закончил год базовых курсов по искусству и дизайну. Кандидатам может потребоваться подавать эскизы и другие образцы своего художественного мастерства.

Фонд исследований в области дизайна интерьера также аккредитует программы дизайна интерьера, которые приводят к получению степени бакалавра.Есть около 120 аккредитованных профессиональных программ в США, расположенных в основном в школах искусства, архитектуры и домоводства.

Люди в области дизайна должны быть креативными, изобретательными и настойчивыми. и должны уметь выражать свои идеи письменно, визуально и устно. Поскольку вкусы в стиле и моде могут быстро меняться, дизайнерам необходимо быть начитанным, открытым для новых идей и влияний и быстро реагировать на изменения тенденции.Навыки решения проблем и способность работать самостоятельно и под давлением важные черты характера. Людям в этой сфере нужна самодисциплина самостоятельно начинать проекты, планировать свое время и уложиться в сроки и производственные графики. Хорошее деловое чутье и способность продавать важно, особенно для тех, кто работает на фрилансе или ведет собственный бизнес.

Начинающие дизайнеры обычно проходят обучение без отрыва от производства и обычно им потребуется от 1 до 3 лет обучения, прежде чем они смогут перейти на более высокие должности.Опытные дизайнеры в крупных фирмах могут выйти на должности главного дизайнера, дизайнера. руководитель отдела или другие руководящие должности. Некоторые дизайнеры оставляют профессия, чтобы стать учителем в школах дизайна или в колледжах и университетах. Многие преподаватели продолжают консультироваться в частном порядке или работают с небольшими проектами. студии, чтобы дополнить их учебные занятия. Некоторые опытные дизайнеры открывать собственные фирмы.

Перспективы вакансий

Ожидается, что общая занятость дизайнеров будет расти примерно так же быстро, как в среднем по всем профессиям до 2012 года по мере роста экономики а потребители, предприятия и производители продолжают полагаться на услуги предоставлено дизайнерами.Однако дизайнеры в большинстве областей, за исключением цветочного дизайна ожидается острая конкуренция за свободные места. Карьера дизайнеров привлекает многих талантливых людей. Физическим лицам с небольшим или нулевым формальным образованием в области дизайна, а также с теми, у кого нет креативность и настойчивость, будет очень трудно установить и поддерживать карьеру по профессии.

Среди дизайнерских специальностей предполагается, что графические дизайнеры предоставят самые новые рабочие места.Спрос на графических дизайнеров должен увеличиться, потому что быстро растущего рынка веб-информации и расширения рынка видео развлечений, включая телевидение, фильмы, видео, и предназначенные для выхода в Интернет.

Растущий спрос на дизайн интерьера частных домов, офисов, ресторанов и другие предприятия розничной торговли и учреждения, которые заботятся о быстром Рост пожилого населения должен стимулировать рост занятости дизайнеров интерьеров.Ожидается, что новые рабочие места для цветочных дизайнеров будут в основном связаны с относительно высокие потребности в замене у розничных флористов, которые возникают из-за сравнительно низкая стартовая заработная плата и ограниченные возможности продвижения по службе. Большинство новых рабочих мест для демонстраторов товаров и оконных триммеров также приведет от необходимости замены работников, выходящих на пенсию, перехода на другую работу, или покинуть рабочую силу по другим причинам.

Повышенный спрос на промышленных дизайнеров будет связан с постоянным упором на на качество и безопасность продукции, спрос на новые товары, которые простой и удобный в использовании, а также разработка высокотехнологичных продуктов в медицине, транспорте и других областях.Спрос на модельеров должен оставаться сильным, потому что многие потребители продолжают искать новую моду и свежие стили одежды. Рост занятости для модельеров будет однако замедлится из-за спада в швейной промышленности. Несмотря на то, что число дизайнеров декораций и экспонатов растет быстрее, чем в среднем, мало кто из них работает. отверстия появятся, потому что занятость небольшая.

Прибыль

Средний годовой доход коммерческих и промышленных дизайнеров составил 52 260 долларов США. в 2002.Средние 50 процентов заработали от 39 240 до 67 430 долларов. Низший 10 процентов зарабатывали менее 28 820 долларов, а самые высокие 10 процентов зарабатывали больше чем 82 130 долларов США. Средний годовой доход составил 61 530 долларов в архитектурных, инженерных и и сопутствующие услуги.

В 2002 году средний годовой доход модельеров составлял 51 290 долларов. средние 50 процентов зарабатывали от 35 550 до 75 970 долларов. Самые низкие 10 процентов заработали менее 25 350 долларов, а 10 процентов самых высоких — более 105 280 долларов.

В 2002 году средний годовой доход цветочных дизайнеров составлял 19 480 долларов. средние 50 процентов зарабатывали от 15 880 до 23 560 долларов. Самые низкие 10 процентов заработали менее 13 440 долларов, а самые высокие 10 процентов заработали более 29 830 долларов. Средний годовой доход составил 21 610 долларов в продуктовых магазинах и 18 950 долларов в цветочных магазинах.

В 2002 году средний годовой доход графических дизайнеров составлял 36 680 долларов. средние 50 процентов зарабатывали от 28 140 до 48 820 долларов.Самые низкие 10 процентов заработали менее 21 860 долларов, а самые высокие 10 процентов заработали более 64 160 долларов. Средний годовой доход в отраслях, в которых занято наибольшее количество графическими дизайнерами были:

Рекламные и сопутствующие услуги	$ 39 510
Специализированные дизайнерские услуги	38,710
Полиграфическая деятельность и сопутствующая вспомогательная деятельность	31 800
Издатели газет, периодических изданий, книг и справочников	31 670

В 2002 году средний годовой доход дизайнеров интерьеров составлял 39 180 долларов.В средние 50 процентов зарабатывали от 29 070 до 53 060 долларов. Самые низкие 10 процентов заработали менее 21 240 долларов США, а 10 процентов самых высоких людей заработали более 69 640 долларов США. Средний годовой доход в отраслях, в которых занято наибольшее количество дизайнеров интерьеров:

Архитектурные, инженерные и сопутствующие услуги	$ 41 680
Специализированные дизайнерские услуги	39 870
Мебельные магазины	36,320

Средний годовой доход продавцов товаров и витрин составляли 22 550 долларов в 2002 году.Средние 50 процентов зарабатывали от 18 320 до 29 070 долларов. Самые низкие 10 процентов заработали менее 15 100 долларов США, а самые высокие 10 процентов. заработал более 40 020 долларов. Средний годовой доход отдела составил 22 130 долларов США. магазины.

Средний годовой доход дизайнеров декораций и выставок составлял 33 870 долларов в год. 2002. Средние 50 процентов зарабатывали от 24 780 до 46 350 долларов. Низший 10 процентов зарабатывали менее 17 830 долларов, а самые высокие 10 процентов зарабатывали больше чем $ 63 280.

Американский институт графических искусств сообщил о среднем годовом доходе за 2002 год. для графических дизайнеров с повышенным уровнем ответственности. На уровне персонала графические дизайнеры заработали 40 000 долларов, а старшие дизайнеры, которые могут руководить младший персонал или обладают полномочиями принимать решения, отражающими их знание графического дизайна, заработал 55 000 долларов. Индивидуальные дизайнеры, которые работали на фрилансе или работали по контракту с другой компанией, сообщил средний доход 55000 долларов.Директора по дизайну, креативные руководители дизайнерских фирм или штатных сотрудников отделы корпоративного дизайна заработали 85 000 долларов. Графические дизайнеры с собственностью или партнерские интересы в фирме, или которые были руководителями фирмы в некоторые другие мощности заработали 93 000 долларов.

Приведенная выше информация была получена из Бюро статистики труда Министерства труда США (http://www.bls.gov/oco/ocos090.htm) 1 июля 2005 г.

Мода Руководство по определению дизайнера

Фенди

Gucci

Подиум

Джинсы Designer

Не забудьте проверить Раздел «Модельеры по именам».

Дизайнер Руководство по определениям

Мода Определения торговых марок

Корпорации швейной промышленности

Как стать модельером

Модельеры: А Б В Г Д Е Ж З И Й К Л М Н О П Р С Т У Ф Х Ц Ч Ш Щ Ъ Ы Ь Э Ю Я

45 Всемирно известные модельеры. Вы должны учиться, чтобы узнавать о моде

Я не люблю покупать одежду так сильно, как смотреть на нее.Это особенно верно, когда речь идет об этой изысканной одежде, созданной великими модельерами (хотя я все равно не могу позволить себе ее покупать). Глядя на эту невероятно красивую одежду, падаю в обморок и восхищаясь этой невероятно красивой одеждой — это как можно ближе к получению формального модного образования. Так что я никогда не упускаю шанс сделать это.

Это модельеры, знаменосцы моды. Эти новаторские дизайнеры много раз переписывали историю моды своими новаторскими идеями и развлечениями в виде великолепной, великолепной одежды и сопутствующей атрибутики (обуви, сумок, парфюмерии, очков и т. Д.).

Альберта Ферретти

Итальянский дизайнер; она занимается дизайном под своим собственным брендом Alberta Ferretti. Ее творения смелые и роскошные, но в то же время очень женственные и неземные, что делает ее предпочтительным дизайнером для многих знаменитостей.
Embed from Getty Images

Alessandro Dell ’Acqua

Итальянский модельер; Он создает готовую одежду, обувь, парфюмерию, сумки и очки. Он известен своей чувственной женственной и современной модной одеждой.

Alexander McQueen

Британский модельер; Он известен тем, что привносит в моду чувство бунта благодаря своим противоречивым и шокирующим стилям, но, тем не менее, удивительно креативным и новаторским.Ему приписывают тренд на джинсы с заниженной посадкой. Он скончался в 2010 году. Посетите эту доску Pinterest, чтобы увидеть некоторые из его дизайнов.

Александр Ван

Тайваньско-американский модельер, один из самых успешных молодых дизайнеров; он запустил свою первую коллекцию женской одежды в 2007 году и с тех пор пользуется огромным успехом. Его одежда представляет собой сочетание городского шика в центре города и растрепанного крутого рок-гранджа; Его называют «мастером футболок» из-за того, что он делает упор на повседневные футболки и платья-футболки в своей коллекции.Посетите его веб-сайт для получения более подробной информации.

Амансио Ортего и Розалия Мера

Это испанские дизайнеры, стоящие за модным брендом Zara. Бренд следует философии мгновенной моды, создавая недорогие копии дизайнерских творений. Он добился большого успеха в разработке новых дизайнов и открыл магазины в большинстве стран мира.
Вставить из Getty Images

Anna Sui

Американский модельер китайского происхождения Анна Суи представила свою первую коллекцию в 1981 году и открыла более 50 бутиков в восьми странах по всему миру.У ее причудливого стиля много преданных поклонников.
Узнайте больше о дизайнере на ее сайте: annasui.com

Анна Молинари

Итальянский модельер, основавшая модный дом Bluemarine. Ее компания создает романтическую и яркую одежду. Ознакомьтесь с некоторыми из ее ярких дизайнов на этой доске Pinterest

Cristóbal Balenciaga

Знаменитый испанский дизайнер, который прославил пальто-кокон, юбку-баллон, платье-тунику, платье-рубашку и талию в стиле ампир.Он стал известен после мировой войны и основал свой собственный бренд. Он стал известен как мастер высокой моды. Этот конструктор-новатор скончался в 1972 году.

Подробнее о нем можно прочитать здесь.

Betsey Johnson

Американский модельер, известный своими причудливыми творениями в стиле хиппи, яркими цветами и диковинными стилями

Узнайте больше о ее творениях на ее веб-сайте

Calvin Klein

Он начал модный бренд Calvin Kelin 1960-х годов, известный своим минимализмом и классическим стилем.Дизайнерские джинсы — это почти синоним Calvin Klein. Бренд представляет джинсы, повседневные коллекции, коллекции нижнего белья и даже парфюмерию.

Узнайте больше о дизайнере и творениях здесь

Christian Dior

Этому французскому модельеру приписывают введение нового образа, который характеризует объемные юбки в моде. контрастируют с суровыми стилями времен мировых войн. Он был одним из модельеров, сделавших Париж мировой столицей моды.

Christian Lacroix

Французский модельер с очень роскошным пышным стилем одежды.

Colette Dinnighan

Дизайнер из Австалии, уроженец Южной Африки. Одежда Колетт была украшена бисером, тонкие кружева замысловато обработаны блестками, что сделало коллекцию блестящей.

Diane Von Furstenberg

Этот бельгийско-американский модельер известен своим платьем с запахом, которое стало культовым в моде.Она запустила свой бренд в 1970-х годах и выпускала готовую одежду, обувь, сумки и аксессуары. DvF славится своими смелыми и креативными принтами и дизайном.
Вставить из Getty Images

Dolce & Gabbana

Доменико Дольче и Стефано Габбана Итальянские модельеры, основавшие дом моды Dolce & Gabbana.

Подробнее о бренде здесь

Донна Каран

Основательница бренда Донна Карен Нью-Йорк.(DKNY) Она придумала коллекцию из 7 сменных предметов, которые можно было использовать с утра до вечера. Позже DKNY расширился, включив в него детскую одежду, аксессуары для дома, косметические товары и джинсы.

Ознакомьтесь с другими коллекциями этого бренда здесь.

Дрис Ван Нотен

Очень известный бельгийский модельер. Совсем недавно он продал контрольный пакет своего бизнеса.

Узнайте больше о его коллекциях здесь

Эмануэль Унгаро

Известный французский модельер; Он известен своим обильным использованием цветов, принтов и узоров, а также сверкающих украшений в своих творениях.

Узнайте больше о его творениях здесь

Эмилио Пуччи

Это известный итальянский дизайнер, известный своим смелым чувством цвета, принтов и ярким дизайном. Он скончался в 1992 году.

Габриэль Коко Шанель

Она — один из величайших модельеров всех времен и один из самых влиятельных. Ее вневременная одежда произвела революцию в первые годы 20 века. Очень дальновидная женщина, намного опередившая свое время, она, как говорят, впервые представила маленькое черное платье, а также заставила женщин носить брюки как модную одежду.Ее бренд Chanel продолжает пользоваться успехом. Она скончалась в 1971 году.

Вставить из Getty Images

Габи Агион

Габи Агион — французский дизайнер египетского происхождения, основавший всемирно известный модный бренд Chloe. Фраза «pret-a porter», обозначающая готовую одежду дизайнеров, была придумана Габи Агион. Доступная и удобная модная одежда, которую можно было купить «со стойки», была революционной концепцией того времени. Она одела многих прославленных клиентов, таких как Жаклин Кеннеди, Брижит Бардо, Мария Каллас и Грейс Келли.. Узнайте больше о ее происхождении и росте здесь

Gianfranco Ferre

Итальянский модельер. Википедия называет его «архитектором моды». Он скончался в 2007 году. Он известен своей большой личностью и красивым пошивом даже повседневных платьев. Его ярко-красивые и идеально скроенные платья, костюмы и бальные платья сделали его знаменитым.

Джанни Версаче

Всемирно известный итальянский модельер, основавший бренд Versace с линией роскошной одежды, аксессуаров и даже косметики.

Джорджио Армани

Знаменитый итальянский модельер; Его бренд известен своей стильной элегантной мужской одеждой на заказ. Guardian называет его покровителем моды в Италии

Юбер Джеймс Марсель Таффин де Живанши

Французский дизайнер, основавший модный дом Givenchy в 1952 году; Он был известен своей красивой одеждой от кутюр, воплощающей французскую элегантность, и пользовался благосклонностью многих знаменитостей, таких как Одри Хепберн.

Guccio Gucci

Итальянский дизайнер, основавший известный модный бренд Gucci. Он открыл свой первый магазин кожаных изделий и небольшой багажный магазин в 1921 году. Он известен своими прекрасно обработанными кожаными аксессуарами, которые он также воссоздал из конопли и льна.

Issey Miyake

Известный японский модельер, известный своими коллекциями, основанными на высоких технологиях. современные и изысканные

Узнайте о нем здесь

Kenneth Cole

Американский дизайнер, основавший бренд, Kenneth Cole.

Kenzo Takada

Японский дизайнер, основавший лейбл Kenzo. Одежда отличается молодежными городскими мотивами и яркими принтами и узорами. Говорят, что он привлек внимание всего мира к японской моде.

Лучано Бенеттон

Основатель всемирно известного модного бренда Benetton.

Мария Нина Риччи

Французский модельер, создатель модного дома Nina Ricci.Она специализируется на разработке элегантных женских платьев.

Нино Черрути

Итальянский модельер, основавший дом высокой моды Cerruti. Он основал Hitman, фирму, специализирующуюся на производстве мужской одежды, сочетающую итальянские традиции пошива одежды с повседневной шикарной мужской одеждой.

Норман Норрелл

Это профессиональное имя дизайнера Нормана Дэвида Левинсона. Он был пионером американской индустрии моды и считается отцом американской высокой моды.Его одежда создавалась под его собственным лейблом Norman Norell Ltd. и отличалась своей простотой, даже когда была роскошной.

Оскар де ла Рента

Очень известный американский модельер, родившийся в Доминиканской Республике, Оскар де ла Рента известен своими уникальными женственными платьями, которые украшали множество знаменитостей на протяжении многих лет.
Вставить из Getty Images

Pierre Balmain

Французский модельер 1914 года рождения; он основал дом моды Balmain.Пьер Бальмен создавал роскошные вечерние платья и роскошные свадебные платья.

Роберто Кавалли

Итальянский модельер; Он наиболее известен своим брендом роскошной одежды Roberto Cavalli. Он известен созданием пескоструйной обработки джинсов. Его гламурный стиль одежды с экзотическими принтами и яркими стилями сделал его очень популярным.

Стелла Маккартни

Модный дизайнер британского происхождения, которая была известна еще до своего рождения, потому что она дочь звезды Битлз Пола Маккартни; На модной сцене она поразила ценителей моды своей женственной одеждой и продолжает это делать.Она является активистом по защите окружающей среды и использует в своей работе только ткани и материалы, не содержащие животных, что добавляет ей очарования.
Вставить из Getty Images
Тодд Олдхэм

Он американский дизайнер с беззаботным стилем моды. В 1999 году он перестал заниматься дизайном одежды.

Thomas Jacob Hilfiger

Американский модельер, стоящий за модным брендом Tommy Hilfiger, известным своей одеждой в классическом американском стиле; Этот бренд специализируется на спортивной и повседневной одежде, а также имеет в своем активе множество ароматов.

Thomas Burberry

Томас Барберри основал культовый британский бренд Burberry в 1856 году; Бренд многократно доказал свой характер и известен своим уникальным рисунком в клетку, а также тем, что он превратил плащ в икону моды. Это один из крупнейших предприятий по производству брендовой одежды в Европе.

Vera Wang

Этот американский модельер, бывший редактор журнала Vogue, по преимуществу предприниматель. Она превратила небольшой бутик, который обслуживала свадебный сегмент, в большой бизнес стоимостью в миллиард долларов или больше.30 лет в свадебном бизнесе сделали ее королевой в этом сегменте, и никто так не занимается свадебным бизнесом, как Вера Ван. Я должен остановиться?
Вставить из Getty Images

Valentino

Валентино Гаравани — итальянский дизайнер, основавший флагманскую компанию Valentino SPA с Haute Couture и линиями готовой одежды от компании Valentino. Он одевает всемирно известных знаменитостей, таких как Элизабет Тейлор и Жаклин Кеннеди.

Посмотрите его красивые платья в этом виртуальном музее.

Вивьен Вествуд

Британский модельер, очень нестандартный в своем подходе к жизни и моде; Вивьен Вествуд в основном создавала современную одежду в стиле панк.
Вставить из Getty Images
Йоджи Ямамото

Всемирно известный японский дизайнер одежды, имеющий одноименный лейбл Йоджи Ямамото. Линия готовой одежды для женщин этого бренда носит название Y’s. Его фирменный стиль — оверсайз-силуэты в черном цвете.

Ив Анри Донат Матье-Сен-Лоран

Французский модельер, основавший знаменитый дом моды Yves Saint Laurent (YSL).Он начинал как помощник Кристиана Диора. В 1960-х он основал собственный дом моды, и теперь он стал мировым брендом. Он известен своими сшитыми на заказ женскими костюмами. Он сделал шикарную готовую одежду доступной для простых людей. Ив Сен-Лоран скончался в 2008 году, став легендой.

Если вы хотите, чтобы вас считали одними из лучших дизайнеров моды, вам нужно начать правильно — с образования мирового уровня в области моды в престижном учебном заведении. Прочтите этот пост о лучших школах / колледжах мира, предлагающих лучшие курсы по дизайну одежды

Похожие сообщения: 40+ стилей моды — можете ли вы узнать свой? ; 40 различных модных субкультур; 12 модных личностей; 7 форм женского тела; Карта сайта sewguide.

10 лучших модельеров мира

Самые красивые и величественные платья, которые использовались известными моделями и знаменитостями, были созданы самыми известными модельерами со всего мира. Благодаря своим уникальным навыкам и талантам они покорили сердца многих в модной индустрии и на местном рынке. Их творения стали источником вдохновения для других людей, стремящихся когда-нибудь стать модельером.

Каждый созданный ими дизайн продается на мировом рынке сотнями и тысячами.Эти популярные личности показали миру, насколько они квалифицированы и процветают сегодня. Лидеры моды, включая Prada, Armani, D&G и Gucci, преуспели в большом мире моды. Они также покорили сердца многих женщин и мужчин по всему миру, особенно тех, кто мечтал носить их прекрасные творения.

Несмотря на их всемирно известные имена, не все знали правдивую историю их успехов, потому что некоторым из них пришлось начинать с нуля и скромно, чтобы достичь того, чем они являются сейчас.

Ниже приведен список 10 лучших модельеров мира:

1. Ральф Лорен

Прежде чем он стал известным дизайнером, ему пришлось сначала поработать в розничном бизнесе, и вскоре он приступил к созданию своих линий одежды, парфюмерии, аксессуаров и даже мебели. В 1967 году он основал свою компанию по производству одежды Ralph Lauren Corporation, базирующуюся в Нью-Йорке. Весь стиль Лорен необычен и известен как шедевр моды. По данным Forbes, собственный капитал Лорен составляет 7 миллиардов долларов.

2. Джорджио Армани

Джорджио Армани, который был признан первым модельером с красной ковровой дорожки и очень популярен благодаря своим изобретениям в области мужской одежды, которые покорили желания каждого мужчины во всем мире. После запуска собственного бизнеса в 1975 году Армани создал множество величественных костюмов для футбольных спортсменов и итальянских олимпийцев и даже одел Брюса Уэйна в «Темную ночь» в 2008 году. Удивительно, но Армани также рисует многие наряды Леди Гаги для многих громких событий, таких как MTV. и премии Грэмми.По данным Forbes, собственный капитал Армани составляет 8,6 миллиарда долларов.

3. Джимми Чу

Малазийский модный стилист, прославившийся своей ручной резьбой по стилю женской обуви. Будучи талантливым и уникальным мастером, Чу преуспел в создании самой стильной обуви по всему миру, и его дизайн впервые был замечен в Vogue. В 1996 году была основана компания Jimmy Choo Ltd., которая сейчас занимается розничной продажей аксессуаров, сумок и парфюмерии. Чу также утверждает, что он сапожник принцессы Дианы. По оценкам самого богатого, его состояние составляет около 50 миллионов долларов.

4. Жан-Поль Готье

Считающийся самым влиятельным французским дизайнером в мире моды, Жан Поль Готье освоил создание индивидуальной одежды, которая соответствует его высококлассному индивидуальному дизайну, а также одежды прет-а-порте (или прет-а-порте). . Ему удалось прославиться в мире моды и продемонстрировать свой неординарный стиль. После того, как он открыл свой дизайнерский бизнес в 1982 году, его работы получили широкое признание. По данным The Richest, его состояние составляет около 100 миллионов долларов.

5. Марк Джейкобс

Еще один модельер-победитель, покоривший мир моды, — Марк Джейкобс. Прежде чем Джейкобс начал свою коллекцию в 1986 году и официально представил лейбл Marc Jacobs, он работал продавцом в магазине одежды Charivari в Нью-Йорке. Как талантливый директор, он также тесно сотрудничал с Louis Vuitton и основал библиотеку, и это имело большой успех. На данный момент Джейкоб управляет и владеет более чем 200 розничными магазинами по всему миру.Ожидаемый чистый капитал Марка Джейкобса составляет 100 миллионов долларов, согласно данным The Richest.

6. Роберто Кавалли

Роберто Кавалли, известный своим гламурным принтом, кожаной одеждой и джинсовой тканью, является одним из самых влиятельных модных стилистов во всем мире. После того, как Кавалли запустил свою торговую марку в 1960-х годах, он начал работать над созданием мужской одежды и очков и представил свою линию Just Cavalli, которая привлекала подростковую аудиторию наборами нижнего белья, парфюмерией, украшениями и аксессуарами. Его состояние поднято до 500 миллионов долларов, согласно данным The Richest.

7. Calvin Klein

Calvin Klein хочет оставить свое наследие в мире моды с помощью своих фирменных дизайнов. Кляйн основал свою собственную компанию в 1968 году после того, как изучил моду и прошел обучение на мастера по пошиву одежды. Его компания разрабатывала одежду и, в частности, пальто и костюмы. На этот раз штаб-квартира Calvin Klein Inc. находится в центре Манхэттена и специализируется на производстве духов, ювелирных украшений и спортивной одежды. По оценкам TheRichest, собственный капитал Кляйна составляет до 700 миллионов долларов.

8. Валентино Гаравани

Известный просто как Валентино, этот 83-летний дизайнер проработал в индустрии моды бесчисленное количество лет и приобрел большой опыт в своей области. Раньше он ходил по работе в некоторые роскошные дома моды, такие как Guy Laroche и Deese’s, а после этого в 1960 году он основал Valentino Spa в Италии. Он создавал одежду для предыдущей первой леди США Жаклин Кенеди. Теперь дизайн Valentino может сделать каждую женщину потрясающей и очаровательной благодаря его популярному текстилю Valentino Red.По данным The Richest, собственный капитал Гаравани составляет около 1,5 миллиарда долларов.

9. Миучча Прада

Несмотря на то, что ее дедушка не хочет, чтобы к бизнесу были привлечены члены их семьи, Миучча Прада присоединилась к компании, основанной ее дедом в 1970 году. самый известный и уважаемый бизнес в сфере роскошной моды во всем мире. Теперь Prada торгует огромными модными акциями, которые поддерживают техно-минималистичный дизайн, включая сумки, чемоданы и обувь.Согласно Forbes, состояние Prada достигло 2,7 миллиарда долларов.

10. Dolce & Gabbana

Доменико Дольче и Стефано Габбана — два популярных итальянских модных стилиста, которые сотрудничают для управления производством модного дома Dolce and Gabbana в 1985 году. Они начинают с дизайна нижнего белья, купальных костюмов и парфюмерии, а в последнее время занимаются производством обуви, сумок и косметики. . Их совокупная чистая стоимость составляет 5,3 миллиарда долларов, говорит Борн Рич.

Каждый человек уникален.Мы выбираем одежду и стараемся сочетать ее с нашими личностями и увлечениями. Эти модные стилисты, которые так много сделали в модном бизнесе, удовлетворяют потребности каждого конкретного человека, создавая превосходные и самые замечательные предметы одежды. Креативность и внимание к деталям — это таланты, благодаря которым эти артистические люди стали всемирно признанными фигурами.

вопросов и ответов | Что носят художники и почему это важно

Отличный выбор одежды: Автопортрет Сары Лукас с жареными яйцами (1996). Фото: © Сара Лукас; любезно предоставлено штаб-квартирой Сэди Коулз, Лондон

Художники часто бывают очень самобытными костюмерами, но, по словам Чарли Портера, их выбор одежды показывает гораздо больше, чем их чувство стиля.В своей новой книге What Artists Wear модный критик предлагает путешествие по модному выбору современных художников, от фирменного денима Энди Уорхола до калейдоскопических костюмов Яёи Кусамы, от костюмов Гилберта и Джорджа до функциональных. наряд Барбары Хепворт и повседневная одежда Мартин Симс. Портер объясняет, как в руках и на спине художников одежда может сама по себе стать мощным средством самовыражения. Портер объясняет, как одежда художников, будь то на работе или на отдыхе, может по-новому взглянуть на их процессы, свою жизнь и свою работу, а также побудить всех нас внимательно и внимательно присмотреться к собственному выбору гардероба.

«У меня было очень конкретное правило, согласно которому Пикассо получал только одну строчку [в книге]» Чарли Портер

The Art Newspaper: Что вдохновило вас написать Что носят художники ?

Чарли Портер: Триггером стала статья, которую я написал для Financial Times в 2015 году, когда в Тейт Модерн шла выставка Агнес Мартин.Я был абсолютно очарован фотографией Мартина в ее студии в 1960 году. На ней была очень примитивная, функциональная, стеганая одежда, кремовая, с ромбовидной прострочкой — верх и низ. Меня привлекла сама одежда. Они выглядели такими необычайно современными.

В то время я писал о подиумах, где одежда была сделана для ношения только один раз, и в ней никто не жил. Но мне становилось все более и более ясно, что об одежде можно сказать еще много интересного, а не только о ее производстве.

От костюмов Джорджии О’Кифф до цветовых блоков Дэвида Хокни, вы посмотрите на то, как художники взаимодействуют и играют с различными предположениями и стереотипами.

Мы глубоко вошли в то время, когда художники вкладывают себя в свою работу по-разному, будь то откровенно как Синди Шерман или как Хелен Каммок, которая могла ходить по экрану в кадре, чтобы переставить камеру, но все же сознательно присутствовала . Большинство из нас одеваются для работы, которую мы делаем, но, учитывая стиль работы художников, они, скорее всего, не будут следовать никаким правилам, поэтому они одеваются гораздо более инстинктивно и гораздо более напрямую связаны с тем, как они видят себя внутри. общество.

Глядя на художников, вы можете посмотреть на роль одежды в обществе и на то, как она передает послания власти, класса, расы и пола, и как художники подрывают это, или пытаются идти вразрез с этим, или пытаться и найти рабочую одежду, в которой они могут действовать как люди, например, как Агнес Мартин.

Барбара Хепуорт в Сент-Айвсе в 1957 году. Фото: Пол Поппер / Popperfoto через Getty Images / Getty Images

Ваша книга не только о том, что носят художники, но и о том, как они носят свою одежду.Мне нравится, что у вас есть целая глава под названием «Раскраски на одежде».

Мне нравилось писать эту главу, потому что она раскрывает физическую сущность работы и то, что нужно художнику, чтобы сделать эту работу. Энн Труитт — удивительный пример этого: смешивая свои собственные краски и пигменты, создавая эти необычные скульптуры с одним или двумя цветовыми полями. Она хотела высвободить цвет и дать ему жизнь, и она видела себя такой же цветной. Результатом стала эта чрезвычайно грязная одежда и эта чрезвычайно грязная студия.Глядя на эту куртку, которая все еще есть у ее дочери, и на краску на куртке, вы можете понять, сколько труда потребовалось ей, чтобы воплотить это искусство в жизнь. Вы можете увидеть то же самое и с Филлидой Барлоу: необычайный труд и практические навыки, необходимые для того, чтобы эта работа существовала.

Вы также представляете ряд менее известных фигур, таких как американская перформансистка Линн Хершман Лисон и тайваньский художник Техчинг Се.

Я хотел провести больше времени с некоторыми из этих фигур, которым они не уделяли должного внимания.У меня было очень конкретное правило, что Пикассо, например, получал только одну строчку; достаточно. Это установило планку и означало, что другие могут пройти через нее.

Брюки Ричарда Таттла (1979), созданные в мастерской и музее тканей в Филадельфии. Фото: Уилл Браун, Собрание Ткани Мастерской и Музея.

Вы начинаете книгу с пошива одежды и заканчиваете повседневной одеждой — оба способа одежды являются культурно значимыми.

Надеюсь, когда вы проследуете эту дугу от одного к другому, вы почувствуете какое-то чувство освобождения. Если вы носите костюм, вы говорите на языке белой мужской силы, и это для людей, которые носят костюмы. Почему костюм, являющийся абсолютно мужской одеждой, является униформой власти? Но и кэжуал очень проблематичен в том смысле, что он был заимствован роскошной модой у цветных рабочих, у которых нет финансов, но есть все эти невероятные знания стиля.

Мартин Симс и Сондра Перри так красноречиво говорят об этом. Книга заканчивается тем напряженным, взволнованным состоянием, в котором искусство находится в данный момент, когда художники пытаются вырваться из институтов или ломают то, что от них ожидают. Мы заканчиваем премией Тернера 2019 года, когда четыре художника решают попросить их стать коллективом, так что все заканчивается в этом месте ажиотажа, использующем повседневную одежду для проникновения и подрыва общества.

Гилберт и Джордж в своих фирменных костюмах в фильме Филипа Хааса «Поющая скульптура» (1992) Фото: © Гилберт и Джордж; Предоставлено White Cube

Вы также завершаете книгу громким призывом ко всем нам исследовать не только одежду художников, но и нашу собственную.

Сара Лукас говорит, что она хочет, чтобы предметы ее собственной одежды, которые она использует в своей работе, заменяли ее, как если бы она была прямо здесь, перед зрителем. И когда вы видите другого человека, вы также видите себя. Если мы смотрим на то, как художники носят одежду — чтобы жить, подрывать общество или пытаться изменить или радикализировать общество, — мы также можем сделать то же самое.

50 самых дорогих ныне живущих российских художников

ТОП-15 модных брендов, поддерживающих художников • ARTANDHOUSES

Hermès

Cartier

Max Mara

Bulgari

Furla

Trussardi

Benetton

Ermenegildo Zegna

LVMH/Louis Vuitton

Prada

Loewe

Gucci

Tiffany & Co.

Swarovski

4 художника, которые повлияли на мир моды | Vogue Ukraine

Мода и произведения искусства: картины художников «ожили» в осенних коллекциях

Современные художники и модные бренды: какие коллаборации они выпускают

1. Reebok и Покрас Лампас

Весна 2018

2. Acne Studios и Робби Баррат

Зима 2020

3. Dr. Martens и Жан-Мишель Баския

Лето 2020

4. Gentle Monster и группа художников

Лето 2020

5. Swatch и Андрей Бергер

Лето 2020

6. Ray-Ban и Вова Перкин

Весна 2021

Вероятно, вам также будет интересно:

10 художников, которые покорили цвет

Мода как инструмент современных художников

От сотрудничества с мировыми брендами до сотрудничества с независимыми дизайнерами — мы смотрим на художников, стирающих границы между модой и искусством.

KAWS

Яёи Кусама

Такаши Мураками

Дэмиен Херст

Ёситомо Нара

Брэдли Теодор

модельеров — чем занимаются модельеры?

Академические программы по интересам

Профиль работы модельером | Prospects.ac.uk

Типы модельеров

Обязанности

Заработная плата

Рабочее время

Чего ожидать

Квалификация

Навыки

Опыт работы

Работодатели

Повышение квалификации

Перспективы карьерного роста

Сопутствующие вакансии и курсы

Bootcamp с финансированием по цифровому маркетингу

Младший дизайнер по цифровым технологиям

модельеры и художники определение

45 Всемирно известные модельеры. Вы должны учиться, чтобы узнавать о моде

10 лучших модельеров мира

1. Ральф Лорен

2. Джорджио Армани

3. Джимми Чу

4. Жан-Поль Готье

5. Марк Джейкобс

6. Роберто Кавалли

7. Calvin Klein

8. Валентино Гаравани

9. Миучча Прада

10. Dolce & Gabbana

вопросов и ответов | Что носят художники и почему это важно

Добавить комментарий Отменить ответ