Поделки дизайнерские: Дизайнерские поделки своими руками (25 фото)
Замечательные «поделки» дизайнера Хайме Айона • Модернус.ру
В чем же заключается секрет популярности мадридского дизайнера Хайме Айона? Почему влиятельные издания и журналы используют в отношении его персоны такие громкие эпитеты как «создающий дизайн современности» и «самый влиятельный дизайнер мира»? Карьера Jaime Hayon пошла в рост в 1997 году с работы в известной итальянской компании Benetton Group, где он занимал должность директора отдела дизайна по 2003 год. Одновременно с основной работой Хайме с 2000 года начал развивать собственные дизайнерские проекты и вполне успешно, которые в итоге переросли в нечто большее, и в 2003 году он уходом из корпорации и открывает собственную студию дизайна. Казалось бы, вполне банальное и привычное начало творческого пути для начинающего дизайнера, но не для Айона. Многовекторность и бурный энтузиазм были заметны изначально, параллельно он успевал курировать множество выставок и участвовать в них как художник. В итоге, работы молодого дизайнера и художника уже украшают экспозиции ведущих музеев и галерей мира – Лондонский музей дизайна, Венский музей искусств и ремёсел, Цент Помпиду в Париже, Гронингенский музей, Vivid и Aram Gallery, а так же множества менее известных выставочных залов по всему миру.
Секрет успеха – авторский подход во всём!
Несомненный талант и неординарный стиль Хайме впервые проявился и был замечен на выставке «Средиземноморское цифровое барокко», которая проходила в известной лондонской галерее Дэвида Гилла. Его экспозиция, оформленная в духе постмодернизма, была по достоинству оценена зрителями и критиками – глянцевые керамические кактусы флуоресцентных расцветок спорили за место под солнцем с блестящими образами фигур свиней и гусей, заканчивался этюд фоном в духе Пабло Пикассо. Этот эксперимент определил дальнейшую творческую карьеру Хайме, как состоявшегося дизайнера. Его работа для этой выставки обозначила приемы, которыми он пользуется, по сей день – глянцевые поверхности, текучие формы и объемы, совмещение натуральных и искусственных материалов, историческая преемственность и современная цифровая эстетика. В качестве материалов Айон предпочитает работу с натуральными материалами, используя их в непривычной форме – дерево, керамика, металл.
Его творчество постоянно пересекается с желанием создать свою собственную вселенную, это отражается в нетипичном подходе к дизайну и вполне профессиональном отношении к своей работе. Таким образом, Хайме пытается, и вполне успешно, как, оказалось, сочетать в своём творчестве художественный и реалистичный подход. Применяя весь накопленный опыт в своей работе, отодвигая границы – он создаёт свой фантастический мир на пересечении с реальностью, который рассказывает свою замкнутую историю, окружённую деталями и иллюзиями. Использование подобных приёмов, позволило Jaime Hayon совместить современное искусство и традиционные стили отделки, создавая в итоге что-то новое, но, тем не менее, неизменно вызывающее эмоциональную реакцию и подвигающего зрителя к участию.
Дизайн интерьеров – не без иронии
Может показаться, что столь экстравагантный подход к творчеству может оттолкнуть внимание заказчиков? Нет, обстоятельства сложились по другому, как раз подобные решения в дизайне привлекли к себе внимание множества luxury-брендов и элитных компаний со всего мира.
Заказы посыпались, как из рога изобилия, например, шикарный проект для женевского салона Faberge в полной мере отразил подход автора к дизайну – сочетание минимализма в оформлении, грамотно подобранной геометрии и цветовых решений. Применение в отделке сопутствующих дорогих материалов – конечно, только довершили общую концепцию. Каррарский мрамор, использованный в отделке салона, уравновешивает постмодернизм и органично вписывается в классическое оформление, дополняя его цветовым спокойствием.
Другим экспериментальным проектом Айона стала разработка интерьера для мадридского ресторана La Terraza Del Casino – в его интерьере дизайнер прекрасно совмещает традиционный и современный подход. Можно смело утверждать, что проект получился весьма интересным и неординарным, современное прочтение классики, создающее атмосферу «Алисы в стране чудес». Интерьер ресторана оформлен в мягких бело-голубых тонах, а массивные колонны напоминают огромные шахматные фигуры, расставленные на клетчатом полу.
Как признаётся сам Айон «ресторан La Terraza Del Casino стал для меня экспериментальной площадкой, где гармонично сочетаются высокая кухня и дизайн как искусство». Без всякого сомнения, владельцы остались довольны подобным авторским экспериментом Хайме Айона, ведь La Terraza Del Casino пользуется неизменным успехом даже у самых привередливых и избалованных посетителей.
Для дизайн-проекта оформления кувейтского ювелирного салона Octium известный дизайнер использовал инновационный подход. Все предметы присутствующие в обстановке и отделке салона имеют плавные текучие формы и контрастную фактуру – сочетание глянцевых и матовых поверхностей, полированное дерево, мягкий текстиль, стекло и золочение. Вся продукция салона выставлена не в привычных витринах, а в причудливых колоннах вырастающих прямо из поверхности демонстрационных столов. Как уже говорилось, все элементы отделки и мебельной обстановки имеют плавную форму, гармонично перетекая и дополняя друг друга. В целом, дизайн салона Octium чем-то напоминает футуристический интерьер будущего, как себе его представляли в 50-60-х годах прошлого века.
Чего только стоит дизайн главного выставочного стола необычной формы, подстолье которого представляет собой набор разных перекрещивающихся ножек.
Дизайн выставочных экспозиций
Помимо интерьерных проектов Хайме Айон активно занимается оформлением выставочных экспозиций для различных компаний. Так в 2017 году он создал дизайн павильона для мебельной компании Wittmann на выставке в Милане. Для не менее известной фирмы Caesarstone он разрабатывает экспозицию под названием «Люди каменного века» в итальянском Palazzo Serbelloni. В оформлении данного павильона по максимуму используются различные сочетания натурального камня и витражного стекла. Хайме Айону удалось передать фантастический дух, наполненный животными, европейскими сказками и традиционными мифами. В целом, для оформления экспозиции было использовано больше 40 узнаваемых цветов и текстур Caesarstone. Стоит отметить, что это только два ярких примера из последних работ дизайнера, Хайме имеет приличное портфолио в данном направлении, так как плотно занимается выставочной деятельностью долгие годы.
Мебель, освещение и предметный дизайн Хайме Айона
Испанский дизайнер в немалой степени проявил свой авторский подход и неповторимый стиль в предметном дизайне, его работы в этой сфере также заслуживают пристального внимания. Экстравагантная люстра Sparkle Shady создана дизайнером по заказу бренда Swarovski и состоит из комбинации подвесов различной формы и размера, при этом общая композиция не имеет фиксированной структуры. Такое решение дает возможность при необходимости менять расположение и высоту абажуров, что соответственно меняет и освещение. С другой стороны, имеется и второе преимущество, световую композицию можно расширять и изменять по желанию, добавляя в неё предметы и других наборов. Тоже касается и самих абажуров – есть два варианта, изготовленные с использованием кристаллов Swarovski и выполненные в натуральной коже.
Новая линейка светильников Copa Cabana созданная командой Хайме Айона для бренда Metalarte. Вся коллекция изготавливается из керамики с различным глянцевым покрытием – хром, золото, медь, черная и белая эмаль.
В серию входят все типы осветительных приборов – подвесные светильники, бра, торшеры, а также люстры с различной комбинацией абажуров. Еще одна интересная работа, исполненная Хайме для датского бренда Fritz Hansen – это оригинальный диван Favn, не путайте с фавном из мифологии римской империи, на датском языке это означает «объятие». Так описывает своё творение сам автор – у меня было желание создать диван по принципу раковины, с жестким панцирем, но нежная и комфортная внутри. Форма дивана должна обхватывать человека, погружать в себя и обволакивать.
Смешное безумие! Дизайнерские поделки | nakonu.com
Много людей делают разные вещи… Одни из них хорошие, другие плохие, а третьи нельзя описать никак иначе кроме как «что это за …». Причём самое интересное, что чем более дурацкая вещь получается у человека, тем громче он кричит, что она классная, уникальная и вообще такая есть только у него и Владимира Владимировича.
Ну и правильно, ведь не выбрасывать же такую «красоту» на мусорку (иначе у мусорщика может случиться инфаркт).
Одни из таких «дизайнерских» поделок были сделаны ужасно неправильно, другие и вовсе не должны были существовать в реальном мире, но как бы то ни было все они очень смешные и мы с удовольствием приглашает вас похихикать над ними вместе с ней.
Представляем вам 25 дурацких вещей, которые люди сделали своими руками и пытались выдать за крутой дизайн.
Здесь была бабуля
Лампа из старых очков. Главное, чтобы ничего не загорелось..
Функциональность 0, крутость +100
Кто-то решил сделать ковёр из шлангов и пластиковых стяжек
Приберегите свое мнение до момента, когда увидите эту «майку» спереди
Слава Богу, что вариант с детскими черепами отпал
Пристройка к дому из кузова фургона
Вообще классно, но самый фейерверк начнётся, когда сработает подушка безопасности
Мёртвые кровососущие насекомые на ногтях? Конечно!
Чтобы из далека было видно, что работаешь на мебельном
Если ты можешь это сделать, то это вовсе не означает, что ты должен
Туфли на каблуке из стельки и подручных средств
Монеты с ароматом мяты
А вместо наполнителя семечки
Всего один вопрос — зачем?
С — стиль! Осторожно, возможно даже стайл
Для тех, кто ненавидит вилки.
. и свою квартиру
Драже без арахиса? Не бывать этому!
Кресла, которые отлично подошли к обложке альбома группы «Doors»
Когда попросил хозяина съёмной квартиры купить стол повыше
Когда хочешь носить джинсы не только на ногах, но и на ступнях
Пособие о том, как в 23 простых шага сделать бокал для вина из куклы
К сожалению, в таких руках вы не сможете держать предметы больше, чем показано на фото
Кто-то сделал чучело снежного человека из задницы оленя и пытается продать его за $ 250
Стильная подставка для дисков, сделанная из молочного пакета
И ещё один стильный аксессуар, которым можно не только поразить Лагерфельда, но и от лохов отбиваться
Источник: Умкра
Влиятельные художники и дизайнеры декоративно-прикладного искусства —
Содержание
Художники декоративно-прикладного искусства от Уильяма Морриса до Густава Стикли, Уильям де Морган и Кристофер Дрессер.
В 1861 году английский дизайнер Уильям Моррис начал движение декоративно-прикладного искусства, стремясь улучшить вкусы викторианской публики.
Многие художники и дизайнеры того времени поддерживали движение «Искусства и ремесла».
Эти художники и дизайнеры декоративно-прикладного искусства помогли создать идеал, благодаря которому многие рабочие гильдии достигли выдающегося положения.
И в котором зародились и процветали вечерние школы и социальные ремесленные проекты.
Известные художники и дизайнеры декоративно-прикладного искусства
- Чарльз Войзи (1857-1941)
- Уолтер Кейв (1863-1939)
- Маккей Балли-Скотт (1865-1945)
- Уильям Бенсон (1854-1924)
- Кристофер Дрессер (1834-1904)
Чарльз Фрэнсис Аннесли Войси (1857–1941).
CFA Войси был архитектором и дизайнером, сыном преподобного Чарльза Войси, основателя Теистической церкви.
Получив первоначальное образование архитектора, а затем поработав учеником в офисе Дж.
П. Седдона, он в 1882 году основал собственное дизайнерское бюро, где первоначально сосредоточился на декоративных работах, в том числе на собственных проектах тканей и обоев.
В 1881 году вступил в Гильдию художников-ремесленников.
В 1888 году он построил свой первый дом по заказу М. Х. Лакина в Бишопс Итчингтон.
Вскоре он разработал свой характерный стиль; линейный, простой и практически без декоративной отделки поверхности. Его проекты широко публиковались, выставлялись в Обществе выставок искусств и ремесел с 1888 года и пользовались большим влиянием.
Мебель Войси была изготовлена компанией FC Nielsen. Его изделия из металла от Thomas Elsley & Co., а текстиль от Alexander Morton, GP&J. Baker, AH Lee, JW&C Ward, Stead McAlpin, Thomas Wardle, Turnbull & Stockdale, Donald Brothers, Foxton’s, Templeton’s, Tomkinson & Adam и проданы в магазины Liberty & Co., Story’s и Wylie & Lochead.
В 19:00 он завершил строительство своего собственного дома The Orchard at Chorley Wood, Hertfordshire, для которого спроектировал большую часть мебели.
В 1914 году , с началом Первой мировой войны, его архитектурная практика практически прекратилась, но в 1920-х годах он снова занялся декоративным дизайном.
Учитывая его квакерское прошлое, в его лучших работах есть почти шейкерская сдержанность, к которой он добавил простую элегантность, хорошо подходящую для современной минималистской философии чистых линий.
Дизайн мебели Voysey до сих пор воспроизводится рядом производителей в Англии и Америке.
Уолтер Фредерик Кейв (1863-1939)
Уолтер Кейв был приписан к сэру Артуру Бломфилду и после некоторого времени, проведенного за границей, открыл свою собственную практику в Лондоне в 1889 году.
Он был членом внутреннего круга Искусств Гильдии рабочих и использовал формы выражения, очень близкие к формам CFA Voysey.
В 1897 году он взял на себя одну из комиссий Войзи, дом в Стэтхэм-парке, Лондон.
За ним последовали и другие дома в стиле Voyseyesque, но позже он изменил свой стиль на более французский классический.
Он также проектировал мебель, осветительные приборы и рисовал.
Маккей Хью Бейли Скотт (1865-1945)
Родился в Кенте, старший сын из четырнадцати детей шотландского лэрда. Первоначально его отправили в сельскохозяйственный колледж, где его готовили к управлению семейными владениями в Австралии.
Однако его способности к рисованию привели его к Чарльзу Дэвису, архитектору Бат-Сити.
Женившись в 1889 году, он уехал на остров Мэн и начал работать архитектором.
Там он познакомился с дизайнером Арчибальдом Ноксом и позже сотрудничал с ним в разработке и исполнении витражей, железных решеток и каминных колпаков для домов, которые он там проектировал.
В 1897 году он сотрудничал с Ч.Р. Эшби в реконструкции дворца великого герцога в Дармштадте.
В 1901 году переехал в Бедфорд, Англия, и через производителя мебели Джона П. Уайта выпустил каталог мебели. Он продавался в торговых залах Liberty, а также в собственных выставочных залах Уайта на Бонд-стрит в Лондоне.
Бэйли Скотт вышла на пенсию в 1939 году
Уильям Артур Смит Бенсон (1854-1924)
Родился в Лондоне, в семье преуспевающего адвоката. Член-учредитель Гильдии работников искусства.
Уговорил Уильяма Морриса в 1880 году, с которым он познакомился в Оксфорде, открыть мастерскую в Хаммерсмите, Лондон, специализирующуюся на металлообработке.
В 1882 году переехал в более просторное помещение, а в 1887 году открыл выставочный зал на Бонд-стрит в Лондоне.
Его знаменитые лампы и осветительные приборы были выставлены в Maison de l’Art Nouveau Сэмюэля Бинга в Париже.
Бенсон также проектировал обои и мебель для Morris & Co, став их управляющим директором в 1896 году. Он также разрабатывал дизайн мебели для JS Henry & Co.
Уильям А. С. Бенсон вышел на пенсию в 1920 году. ) Кристофер Дрессер родился в Глазго в семье акцизного инспектора. Он учился в Государственной школе дизайна, а затем читал лекции на факультете науки и искусства в Южном Кенсингтоне, специализируясь на ботанике. Кристофер Дрессер был одним из самых влиятельных британских дизайнеров 19 века, он помог реформировать современное производство. Он учился у Генри Коула, Ричарда Редгрейва и своего наставника Оуэна Джонса. Ботаника оказала огромное влияние на его творчество, которое придерживалось идеи, что что-то простое может быть красивым и выполнять четкую функцию. Он опубликовал ряд работ, исследуя взаимосвязь между ботаникой и дизайном, а позже заинтересовался японским искусством. В конце 1860-х годов он включил проекты мебели Берджеса и Брюса Талберта. К 1868 году Кристофер Дрессер сменил множество ролей от дизайнера до писателя и учителя. Он получил признание благодаря своим письмам и лекциям в Королевском обществе искусств, а также благодаря своим более ранним проектам обоев, тканей и керамики для таких компаний, как Minton и Wedgwood. В 1871 году он сделал свои первые проекты для Coalbrookdale Co В 1875 году он начал проектировать для Elkingtons. В 1876 году Дрессер отправился в Америку, а затем в Японию, собирая образцы японских товаров от имени Tiffany & Co в Нью-Йорке. В нем было все для дома, и все предметы были либо разработаны, либо одобрены Dresser. К сожалению, к 1883 году Альянс был ликвидирован, и большая часть товаров перешла к Либерти. К тому времени имя Dresser стало нарицательным, он позволял обычным людям приобретать качественные и эффективные вещи в переходный период в индустрии дизайна. Когда-то его называли «, возможно, величайшим из коммерческих дизайнеров, навязывавшим свою фантазию и изобретательность обычной продукции британской промышленности». , Ault, Linthorpe, Mintons, Benham & Froud и William Couper среди прочих. К концу 19 века искусство и ремесла стали доминирующим стилем в дизайне домашних интерьеров для британского среднего и высшего классов. Arts and Crafts не просто хотели создавать красивые предметы ручной работы. Они также были заинтересованы в попытке интегрировать здания и их интерьеры в унифицированные «тотальные» схемы дизайна. Это означало проектирование мебели, металлических изделий, керамики и других предметов специально для соответствия новой, социально преобразующей модели домашнего пространства — идея о том, что жизнь в окружении простых, «честных» конструкций улучшает мировоззрение и моральный облик человека. Дома, спроектированные в соответствии с принципами искусства и ремесел, выглядели бы дерзко просто для викторианцев, привыкших к богато украшенным интерьерам, которые были в моде с середины XIX века.
Вершина дизайнерской карьеры Кристофера Дрессера пришлась на 1880 год, когда на Нью-Бонд-стрит в Лондоне через Альянс художественных мебельщиков был открыт магазин.
Широкий ассортимент дизайнерских решений Christopher Dresser охватывает почти все аспекты дизайна интерьера и меблировки
дизайн для дома · V&A
Опираясь на национальные и региональные традиции, Дом искусств и ремесел прославлял индивидуальное выражение, простоту и «честные» формы. Наши коллекции содержат огромное количество предметов — от столовых приборов до мебели — которые выражают идеалы декоративно-прикладного искусства. К ним относятся объекты, созданные многими из самых известных деятелей Движения, в том числе Уильямом Де Морганом, Чарльзом Робертом Эшби, Филипом Уэббом и Чарльзом Войзи.
Полезность имела первостепенное значение для дизайнера декоративно-прикладного искусства, поэтому не было экстравагантных или ненужных украшений, а конструкция объекта часто выставлялась напоказ. Сохранение и подчеркивание натуральных качеств материалов также было ключевым, как и производство простых, часто народных (относящихся к обычным, бытовым и функциональным) формам. Природа была важным источником идей, многие образцы декоративно-прикладного искусства были вдохновлены британской флорой и фауной.
Ключевые британские имена в дизайне декоративно-прикладного искусства для дома включают:
Чарльз Роберт Эшби (1863 – 1942)
Как и многие его коллеги по декоративно-прикладному искусству, Чарльз Роберт Эшби работал в самых разных областях дизайна, от внутренней отделки до ювелирных изделий. Он основал Гильдию и школу ремесел в 1888 году, чтобы помочь реализовать потенциал ремесленников, работающих в лондонском Ист-Энде.
Эрнест Барнсли (1863–1926) и Сидни Барнсли (1865–1926)
Эрнест Барнсли и его младший брат Сидни получили образование архитекторов. После окончания школы Сидни прошел обучение у лондонского архитектора Нормана Шоу, сторонника «староанглийского» стиля, а Эрнест у Джона Дандо Седдинга, влиятельного дизайнера декоративно-прикладного искусства.
В молодости Уильям Артур Смит Бенсон завершил свое обучение в офисе Бэзила Чампни, архитектора, который помог возродить поздний готический стиль, любимый Движением искусств и ремесел.
Через Champneys Бенсон познакомился с Уильямом Моррисом, который призвал его основать небольшую мастерскую по производству точеных металлических изделий. В отличие от Морриса, Бенсон полностью использовал потенциал механического производства и проектировал исключительно для него. Член-основатель Гильдии работников искусства (основанной в 1884 году), Бенсон создал коммерчески успешный ассортимент масляных и электрических осветительных приборов, а также домашней утвари из меди, латуни, гальванического покрытия и серебра. После смерти Морриса в 189 г.6 января Бенсон стал управляющим директором компании Morris & Co., для которой он также разрабатывал мебель и обои. Светильник, разработанный Уильямом Артуром Смитом Бенсоном, изготовленный W.A.S. Benson and Co. Ltd., около 1902 г., Англия. Музей №. М.16-1979. © Музей Виктории и Альберта, Лондон Годфри Блаунт (1859 – 1937)
Художник Годфри Блаунт находился под сильным влиянием идей ведущего искусствоведа викторианской эпохи Джона Раскина.
В 1896 году Блаунт и его жена Этель переехали в Хаслемер в Суррее, чтобы присоединиться к сестре Этель, Мод, и ее мужу Джозефу, которые основали Haslemere Peasant Industries. Эта группа ремесленных предприятий, основанных на мастерских, вместе сформировала художественное сообщество, целью которого было получение «двойного удовольствия от прекрасной обстановки и счастливой работы». Позже Блаунты основали собственное предприятие под названием «Общество крестьянских искусств», которое использовало местных женщин для производства ворсовых ковров ручной работы и простых вышитых аппликаций на льняных полотнах, известных как «крестьянские гобелены». Сделанные по эскизам Блаунта, гобелены использовались в качестве дверных занавесок, оконных занавесей, покрывал и драпировок и стали очень модными в художественных кругах.
Артур Стэнсфилд Диксон (1856 – 1929)
Получивший образование архитектора, Артур Стэнсфилд Диксон был другом Уильяма Морриса и Чарльза Роберта Эшби, а также был знаком с Филипом Уэббом, ведущим архитектором Движения искусств и ремесел.
Эрнест Гимсон (1864 – 1919)
Именно здесь Гимсон впервые встретил Эрнеста Барнсли, а через него и своего брата Сидни, обоих коллег-архитекторов-дизайнеров, с которыми Гимсон позже основал художественное сообщество, основанное на ремеслах, в Саппертоне в Глостершире. Сосредоточившись в основном на мебели, Гимсон и Барнсли интегрировали свою работу в жизнь местного сообщества, обучая жителей деревни ремеслам. Дизайнеры также сами научились навыкам: Гимсон научился делать традиционные стулья со спинкой-лесенкой. В соответствии с идеалами искусства и ремесел, конструкции Гимсона очень просты, часто с использованием местной древесины, открытых штифтов и соединений типа «ласточкин хвост» или, в его более поздних изделиях из металла, таких элементов, как заклепки. Кресло, Эрнест Уильям Гимсон, 1892 – 1904, Англия. Музей №. ЦИРК.232-1960. © Музей Виктории и Альберта, Лондон Чарльз Ренни Макинтош (1868 – 1928) Дизайнер ряда новаторских и бескомпромиссно современных пространств в Глазго, в том числе знаменитой городской Школы искусств, Чарльз Ренни Макинтош создавал объекты на заказ, чтобы соответствовать лаконичной эстетике его архитектурного схемы.
Хотя он также производил изделия из металла, текстиль и витражи, именно мебель Макинтоша остается самым известным элементом его неархитектурной продукции. Ремесленное производство и уважение к региональным традициям объединили его с мышлением в области искусств и ремесел, а также с готовностью раскрыть детали строительства. На протяжении всей своей карьеры Макинтош тесно сотрудничал со своей женой Маргарет Макдональд, выпускницей факультета искусств. Их совместные схемы отличаются интеграцией «женских» графических форм (таких как мгновенно узнаваемая розовая «Роза Глазго») в простую и все более прямолинейную мебель и другие предметы. Уильям Де Морган (1839 – 1917)
Уильям Де Морган был другом Уильяма Морриса и разработал витражи и плитку для компании Морриса, Morris, Marshall, Faulkner & Co. Де Морган наиболее известен своим плодовитым производством плитка, вдохновленная ремесленной керамикой Ближнего Востока и итальянского Возрождения.
Изразцы с ручной росписью, которые чаще всего устанавливаются в каминах, стали неотъемлемой частью интерьеров декоративно-прикладного искусства с 1860-х годов. Де Морган создал и руководил собственными мастерскими, а также приобрел опыт по обжигу глянцевой глазури наподобие исторической керамики из исламского мира и мавританской Испании. Он также произвел некоторые из самых характерных изделий движения художественной керамики, создав украшенные вазы и чаши, которые представляют собой полную противоположность стандартизированной фабричной керамике.
Уильям Хоусон Тейлор (1876 – 1935)
«Керамика Раскина» была керамической мастерской в Сметвике, Стаффордшир, которая была основана в 1898 году Эдвардом Ричардом Тейлором, художником и учителем, оказавшим влияние в своей роли главы Бирмингемская муниципальная школа искусств и ремесел. Керамика Тейлора была названа в честь критика, социального теоретика и художника Джона Раскина, чьи реформистские принципы красоты, ремесла и качества Тейлор хотел применить в производстве керамики.
Под руководством сына Тейлора Уильяма «гончарная мастерская Раскина» стала одной из самых творческих керамических студий Движения искусств и ремесел. Вдохновленные китайской керамикой династий Сун и Мин, Уильям и его команда дизайнеров экспериментировали с новыми видами глазури, производя инновационные, яркие чайные сервизы, горшки, вазы, пуговицы, миски и украшения.
Чарльз Войзи (1857 – 1941)
Пройдя обучение у ведущих специалистов по проектированию церквей и загородных домов, Чарльз Войзи в 1881 году основал собственное архитектурное бюро. Сторонник честного, продуманного дизайна, Войзи создал ряд зданий, чьи скудно украшенные и просто обставленные интерьеры строго соответствовали друг другу. к принципам искусства и ремесел. Наряду со своей архитектурной работой он добился больших успехов в дизайне обоев и тканей, а также производил плитку, керамику и изделия из металла, а также большое количество предметов мебели.
Нарочито простые и характеризующиеся тонким использованием кривых и сдержанным декором, столы, стулья и столы Voysey изысканны, но неформальны. Используя минималистский подход «меньше значит больше», который в то время мог показаться революционным, Войзи предвосхитил открытый, непритязательный стиль модернизма.
Что это
Филип Уэбб (1831–1915)
Филип Уэбб наиболее известен как архитектор Красного дома (1859 г.), новаторского дома искусств и ремесел, построенного по заказу и в соавторстве с Уильямом Моррисом. Уэбб также создал большую часть мебели Red House на заказ и впоследствии стал успешным главным дизайнером мебели в фирме, которую он основал вместе с Моррисом и рядом их современников. Уэбб установил эталон мебели для искусств и ремесел, производя сдержанный дизайн ручной работы, напоминающий средневековую эпоху, а затем и традиционный сельский стиль.