Презентация стиль рококо в интерьере: Стиль рококо в интерьере — презентация онлайн

13. Итоги

Итоги
Стиль рококо не остался в
прошлом, он приемлем и в
наши дни. Оформляя
помещение в этом стиле,
можно поднять свой статус и
собственную самооценку,
наслаждаясь при этом
роскошью и изысканностью,
поднимая себе настроение.

Презентация «Оформление интерьера» — всем учителям, презентации

библиотека
материалов

Содержание слайдов

Номер слайда 1

Оформление интерьера. Учитель: Курочкина А. П.

Номер слайда 2

ИНТЕРЬЕР —это не просто внутреннее пространство, но еще и внутреннее состояние человека.

Номер слайда 3

Функциональные  качества  способствуют  нормальным  условиям  жизни  семьи,  чем  рациональнее  планировка,  чем  удобнее  расставлена  мебель и  оборудование,  тем  проще  и  комфортнее  жильёГигиенические  качества – это обеспечение  звуковой  изоляции,  хорошего  воздухообмена,  нормальной  тепловоздушной  среды,  бесперебойной  работы  санитарно-гигиенического   оборудования. Эстетические  качества  интерьера – это гармония  вещей  и  пространства,  их  целостность  и  согласованность.  Выбирают  как  расположить вещи  в  пространстве,  их  соответствие  друг  другу,  озеленение.

Номер слайда 4

Дизайнер — одна из престижных и высокооплачиваемых профессий в наше время. Преимущество в этой сфере еще и потому, что выбирая профессию дизайнера, перед человеком открываются различные отрасли, где можно ее применить и добиться большого карьерного роста. Дизайн интерьера, ландшафтный, графический, дизайн автомобилей, одежды и. т.д. Задача дизайнера не просто продумать со вкусом будущую композицию того же интерьера, но и учесть ее функциональные особенности. Необычная и приятная комната с удивительным дизайном, в первую очередь, должна отвечать требованиям безопасности, комфорта и рациональности. Кроме этого, дизайнер также является «проводником» между идеями заказчика и реальностью. Он объясняет клиенту, что стоит претворять в жизнь, а что, наоборот, не имеет смысла, и пытается изобразить его задумки в виде конкретных моделей, уделяя внимание каждой детали.

Номер слайда 5

Выделяют 3 основные группы. 1. Исторический (барокко, рококо, готический, ампир)      2. Современный   (хой-тек, винтаж, лофт)  3. Этнический (русский, французский, английский, башкирский, японский)

Номер слайда 6

Интерьер в стиле барокко — изысканный и утончённый. Стиль барокко в интерьере – это роскошный аристократический стиль, который призван демонстрировать власть и богатство. Ему свойственный театральность и динамичность образов. Он позволяет подчеркнуть высокий статус владельца дома благодаря использованию ценных отделочных материалов и мебели, предметов искусства в качестве декора помещений, позолоченных поверхностей с инкрустацией.  

Номер слайда 7

Номер слайда 8

Номер слайда 9

Стиль рококо в интерьере — изысканность отделки и нежность цветовой гаммы. Стиль рококо в интерьере появился в средине 18 века как естественное продолжение развития стиля барокко. В стиле рококо создавали интерьеры дворцовых помещений, в частности королевских парадных спален и гостиных. Рококо подчеркивал великолепие убранства богатых католических соборов. Сегодня дизайнеры вновь воплощают этот изысканный стиль в обстановке загородных домов, квартир-студий, музыкальных салонов, банкетных залов ресторанов и холлов респектабельных гостиниц.

Номер слайда 10

Номер слайда 11

Номер слайда 12

Готика в интерьере – это неповторимое сочетание роскоши и мистицизма, которое обязательно придется по вкусу всем поклонникам неординарности и креативности. Готика – это уникальный стиль, который сочетает в себе элегантность и аристократизм, неповторимое величие и изысканность. Сегодня готический стиль часто применяется для оформления интерьера элитных ресторанов и дорогих отелей, позволяя их посетителям с головой окунуться в волшебную эпоху отважных рыцарей и обворожительных дам.

Номер слайда 13

Номер слайда 14

Номер слайда 15

Номер слайда 16

Стиль ампир в интерьере появился в эпоху правления императора Наполеона. Его главная задача заключалась в репрезентации власти, подчеркивании статуса и неограниченных возможностей. Еще одно название стиля – имперский или дворцовый. Ведь именно по канонам ампира выстроены интерьеры дворцов французских и российских императоров. Они величественны и монументальны, им присуща официальная парадность и строгость.

Номер слайда 17

Номер слайда 18

Номер слайда 19

Слово хай-тек пришло в наш обиход из английского языка, где означает «высокие технологии» (буквально — high technology). Этот стиль отлично подойдет креативным людям, шагающим в ногу со временем. Впервые о таком направлении, как хай-тек, заговорили архитекторы в конце семидесятых годов прошлого века. Этот стиль возник как продукт модернизма позднего периода. Через десять лет после появления он распространился повсеместно, войдя в моду. Перекликаясь с поп-артом и иллюстрациями к научно-фантастическим произведениям, хай-тек стал настоящим вызовом устоявшимся традициям, смотрясь очень живо и оригинально. Классикой жанра является парижский Центр Помпиду (1977 год). Во Франции его напропалую критиковали, говоря о том, что он страшно уродует исторический центр столицы. Но время шло, здание прижилось, и теперь французы с гордостью показывают его как одну из достопримечательностей Парижа, наряду с более старыми символами столицы Франции.

Номер слайда 20

Номер слайда 21

Номер слайда 22

 «Винтаж» — слово французское, означает «старое вино, долго хранившееся в погребах». Как и зрелый напиток, вкус которого от времени лишь улучшается, винтажные вещи, сохранившиеся со времён юности наших бабушек, с каждым годом становятся все более ценными. В этой статье блога о дизайне интерьера «Кошкин Дом» мы рассмотрим винтажный стиль в нтерьере. Собственно говоря,  к винтажным вещам относят мебель и предметы интерьера, которым больше 20 лет. Однако на самом деле для этого стиля больше подходят вещи 20х-30х годов прошлого столетия, лучше всего характеризующие эпоху, когда пластик, синтетика и другие искусственные материалы ещё не были так распространены, как, к примеру, в советское время. Винтажный стиль в интерьере — это прежде всего подчеркнутая старина и уникальность вещей, поэтому линолеум, ламинат, ковролин, натяжной потолок и другие часто применяемые в наше время техники, способны просто перечеркнуть все остальные элементы дизайна. Единственный способ применить современные материалы — это искусственно состарить их.

Номер слайда 23

Номер слайда 24

Номер слайда 25

Помещение, оформленное в этом стиле напоминает заброшенную мастерскую или фабрику. Зарождение лофта произошло в крупных промышленных городах США В 40-х – 50-х годах ХХ века. Когда цены за аренду земли в центре города выросли в несколько раз, промышленники стали переводить свои производственные цеха за черту города или на его окраину. Многие фабричные и заводские помещения опустели. Собственники не могли найти им применения, поэтому продавали за гроши. Новые владельцы огромных помещений начали сдавать их в аренду в качестве жилья для малоимущих граждан. Ну кто еще захочет жить в ангаре с голыми кирпичными стенами, вездесущими трубопроводами и высокими потолками? Наспех обставленное жилье с оборудованной кухней и ванной не имело стен и перегородок, пестрело не прикрытыми признаками прошлого применения и выглядело довольно своеобразно. Наверное, именно поэтому представители нью-йоркской богемы разглядели в нем нечто интересное и неповторимое, и начали активно заселять бывшие мастерские и чердачные помещения.

Номер слайда 26

Номер слайда 27

Номер слайда 28

Номер слайда 29

Композиция интерьера – особое расположение и соотношение его основных частей: мебель, светильники, бытовое оборудование. Зонирование — разделение пространства на отдельные зоны.

Номер слайда 30

Спасибо за внимание!

Презентация по истории мировой культуры на тему «Рококо»

Материал опубликовала

Рококо

Рококо́ (фр. rococo, от фр. rocaille — дробленый камень, декоративная раковина, ракушка, рокайль, реже рококо) — стиль в искусстве (в основном, в дизайне интерьеров), возникший во Франции в первой половине XVIII века.

Характерными чертами рококо являются изысканность, большая декоративная нагруженность интерьеров и композиций, грациозный орнаментальный ритм, большое внимание к мифологии, личному комфорту.

Рококо во Франции

Архитектура Рококо

В созданиях этой архитектуры прямые линии и плоские поверхности почти исчезают или, по крайней мере, замаскировываются фигурной отделкой; не проводится в чистом виде ни один из установленных ордеров; колонны то удлиняются, то укорачиваются и скручиваются винтообразно.

Живопись Живопись рококо, которая тесно связана с интерьером отеля, получила своё развитие в станковых и декоративных камерных формах. В росписи стен, плафонов, в гобеленах, наддверных панно преобладали современные и мифологические галантные темы, пейзажи, которые рисовали интимный быт аристократии, идеализированный портрет, который изображал модель в образе мифологического героя, пасторальный жанр. Утрачивал самостоятельное значение образ человека, фигуры превращались в детали орнаментального убранства интерьера.

Франсуа Буше «Триумф Венеры» 1740 г.

Рококо в интерьере

Интерьеры в стиле рококо были легкими и воздушными, гораздо более свободными, чем предшественники-барокко. И все-таки, комнаты оставались неизбежно роскошными. Рококо напоминал о богатстве владельцев с элегантностью и деликатностью. Такая эстетика достигалась благодаря сочетанию светлых пастельных тонов – голубой синевой, зеленым, желтым, розовым – с белой слоновой костью, полированным мрамором, золотом и серебром. Удивительные сочетания рококо – каждый материал или цвет в комнате был визуально легким и одновременно роскошным, словно полёт сквозь позолоченное облако.

Интерьеры в стиле рококо, дизайн и интерьер квартир на фото рококо

«О вкусе к неуловимым цветовым нюансам свидетельствует сам лексикон рококо,…и вместо простых цветообозначений в языке появляются изощренно-сложные: цвет бедра испуганной нимфы,…цвет опаловая безнадежность и брюшко блохи в приступе молочной лихорадки…» (С. Даниэль, «Рококо. От Ватто до Фрагонара»)

Рококо́ (фр. rococo, от фр. rocaille — дробленый камень, декоративная раковина, ракушка, рокайль, реже рококо) — стиль в искусстве (в основном, в дизайне интерьеров), возникший во Франции в первой половине XVIII века. Для рококо характерны гедонистические настроения, уход в мир иллюзорной и идиллической театральной игры, пристрастие к идиллически-пасторальной и чувственно-эротической сюжетике. Прихотливое изящество отделки, частое заимствование экзотических декоративных мотивов китайского искусства, виртуозное выявление выразительных возможностей материала присущи рокайльному декоративно-прикладному искусству.

Рококо по правилам. Законы стиля от дизайнеров:

Закон 1.

Архитектура и дизайн рококо отличается легкими и воздушными формами, игривыми и изящными орнаментами на фоне некоторой асимметричности. Архитектурный образ должен исключать все мысли о земном и увлекать в заманчивый мир грез и иллюзий.

Закон 2.

Единство архитектурного стиля и элементов внутреннего декора является новшеством и отличительной чертой стиля рококо, интерьер перестает быть скоплением разрозненных частей и обретает целостность. Элементы декора составляют единую композицию, изящные лепные орнаменты плафонов и стен, обрамленные гирляндами из цветов и стеблей, в едином порыве пускаются в пляс, подчиняясь легким, беззаботным и вместе с тем витиеватым и капризным ритмам.

Закон 3.

Мягкие и грациозные линии обретают свободу и создают иллюзию движения. Плавные полукруглые переходы (падуги) сглаживают прямые углы между стеной и потолком, создавая конусообразный или овальный свод, украшенный более легким и тонким рельефным орнаментом. Окна составляют практически единую плоскость со стеной.

Закон 4.

Свободная, подчиняющаяся лишь законам симметрии и фантазии художника игра прямых и изогнутых линий является отличительной чертой декора рококо.

Закон 5.

Увлечение зеркалами и настенной живописью органично вплетается в архитектурное убранство комнат. Следуя вдоль стен, можно было наблюдать за развитием сюжетных линий, которые получали свое продолжение в росписи потолков.

Базилика четырнадцати святых помощников (Basilika Vierzehnheiligen) — выдающийся памятник баварского рококо (фото см. ниже), расположенный в окрестностях города Бад-Штаффельштайн под Бамбергом. В интерьере храма господствует пышный алтарь, изваянный Михаэлем Фейхтмайером. Он представляет статуи святых угодников, затейливо распределённые по трём ярусам сооружения.

СТИЛЬ РОКОКО У ВАС В ДОМЕ

1. Интерьер целого дома в стиле рококо допускает легкую пестроту, не обязательно выдерживать пространство в единой цветовой гамме. Она придаст игривость всей композиции. Однако, даже контрастные детали должны иметь  приглушённую окраску, которая будет гармонировать со светлыми пастельными тонами фона — зелёными, голубыми, розовыми, кремовыми и цветом слоновой кости.

2. Позаботьтесь о том, чтобы стены вашего дома были обтянуты шёлком, который бы сочетался по фактуре с занавесями на окнах и портьерами на дверях. Сейчас шёлковые ткани для обивки стен легко имитируются велюровыми обоями. В качестве декора стен, а также дверных и оконных проёмов используются овальные медальоны с гирляндами и бантами, различные орнаменты из листьев, плодов, свитков.

3. Силами дизайнера, а технически с помощью панелей из гипсокартона и пенополиуретановой отделки сделайте пространство комнат овальным или круглым по форме, соблюдения этого стандарта требует рококо.

Презентация тканей для штор и интерьера

Хотите идти в ногу со временем и быть в курсе мировых тенденций текстильной моды, пошить шторы или оформить интерьер? Запишитесь на презентацию тканей, наши дизайнеры будут рады Вам представить уникальные коллекции 2015 года!

Немного о стилях в интерьере

Без определения назначения помещения трудно определить будущий стиль оформления интерьера.

Например, гостиная или кабинет, могут быть оформлены в набирающем популярность стиле мужского интерьера, который характеризуется практичностью, сдержанной брутальностью и благородством материалов. Если говорить о стилистическом решении текстиля в мужском интерьере, то здесь могут быть использованы ткани английского стиля или ткани стиля ардеко с витиеватыми растительными или геометрическими орнаментами, разные по фактуре и сочетанию цветов. В истинно мужском интерьере также используется современный стиль хай-тек, дополненный тканями с сильно выраженным блеском, с фактурой камня или металла, сетки, похожей на паутину. Единственное, что сложно представить в любой, даже самой демократичной мужской комнате, это всевозможные кружевные и ажурные ткани.

Такие ткани будут отлично вписываться в женский интерьер, в котором можно оформить спальню. И здесь открывается простор для фантазии дизайнера — покрывала, декоративные подушки, абажур для лампы, шторы для окон спальни, при правильном стилистическом решении текстиль в спальне создаст уют, и подарит ощущение комфорта. Женщины чаще всего обращают внимание на цвет и фактуру материала, их тянет к изысканному оформлению спальни. Роскошные ткани в стиле барокко — бархат, шёлк, дамаск, атлас, жаккард способны придать любой спальне королевское величие. Придать спальне изящества и романтичности может стиль рококо, ткани этого стиля отличаются обилием кружева и вышивки.

В «Интерьерном салоне Ирины Федоровской» в Мурманске представлены уникальные ткани для оформления в разном стиле интерьера от кухни до кабинета. Наши коллекции постоянно пополняются новыми каталогами современных дизайнерских тканей, различных по фактуре, цвету и принту.

Презентація на тему стиль рококо

Скачать презентація на тему стиль рококо PDF

Рококо — изящный стиль с замысловатыми узорами, зародившийся во Франции в начале 18 века. В это время скончался «король-солнце» Людовик XIV, и началась эпоха Регентства, а в России правил Петр Первый. Рококо – самый загадочный, уникальный стиль, господствовавший во времена французской аристократии.

Это не просто стиль, а образ жизни и мышления высшего класса, в котором сконцентрировались особенности национальной психологии. Рококо – порождение исключительно светской культуры и, прежде всего, королевского двора. Причудливый и кокетливый, стиль рококо живёт и сейчас в интерьерах современных европейцев, довольствующихся роскошью и богатством. Содержание. 1 История возникновения.

Предмет презентации: МХК Тема: Стиль рококо. Презентация подготовлена для изучения зарождения рококо. Цель урока: Рассказать ученикам об искусстве рококо построенном на асимметрии. Тема презентации раскрыта сорока девятью слайдами: Антуан Ватто. Франсуа Буше. Жан Фрагонар. Никола Ланкре. Мода рококо. Скачать презентацию. Рококо (фр. rococo, от фр. rocaille — дробленый камень, декоративная раковина, ракушка, рокайль, реже рококо) — стиль в искусстве (в основном, в дизайне интерьеров), возникший во Франции в первой половине XVIII века (во время регентства Филиппа Орлеанского) как развитие стиля барокко.

3 слайд. Характерные черты -изысканность -большая декоративная нагруженность интерьеров и композиций -грациозный орнаментальный ритм -большое внимание к мифологии, личному комфорту. 4 слайд.

Наивысшее развитие в архитектуре стиль получил в Баварии. 5 слайд. Основные элементы рокайль — завиток и картель — забытый. Остапцова Т.Н. «Рококо». Презентация к мультимедийному уроку рассматривает основные черты стиля рококо и знакомит с лучшими образцами этого стиля в архитектуре, живописи, дизайне.

Размер: Кб (zip), Опубликовано: Рекомендуем посмотреть похожие работы: 1. Ламбантова Л.В. Готический стиль.

+ презентаций ждут Вас. Скачать презентацию бесплатно.ру. Навигация. Главная. Скачать. Авто. Автоматизация. Автоматизированные информационные системы.  Прислал пользователь: kisunyakris. Скачать презентацию бесплатно в формате PowerPoint [ppt(x)]. Рококо- мотив капризно изогнутой раковины (rocaile — откуда и франц. rococo). Стиль рококо стал блестящим завершением стиля барокко. В наследство от предыдущего столетия XVIII век получает особое эстетическое сознание, если для барокко необходима вся гамма эмоций — от радости до трагедии, то для наслаждающихся рококо — лишь изысканно тонких, изящных.

3. Презентация СТИЛЬ РОКОКО 8 класс, предмет презентации: Технология. Этот материал в формате pptx (PowerPoint) содержит 35 слайдов, для просмотра воспользуйтесь проигрывателем.

Презентацию на заданную тему можно скачать внизу страницы, поделившись ссылкой в социальных сетях! Главная. Технология. Презентация СТИЛЬ РОКОКО 8 класс. Слайды и текст этой презентации.

Слайд 1. Текст слайда: СТИЛЬ. РОКОКО. Автор: учитель технологии ГБОУ СОШ № г. Санкт — Петербург Никитина Валентина Васильевна. Слайд 2. Текст слайда.

fb2, txt, PDF, djvu

Похожее:

Вишневський с. а. сімейно-побутова культура та домашня економіка

Презентація на тему рококо — dom-v-teple.ru

Скачать презентація на тему рококо djvu

Презентация на заданную тему содержит 13 слайдов. Для просмотра воспользуйтесь проигрывателем, если материал оказался полезным для Вас — поделитесь им с друзьями с помощью социальных кнопок и добавьте наш сайт презентаций в закладки! Презентации» МХК» Презентация Стиль Рококо. Слайды и текст этой презентации.

Слайд 1.  Стиль рококо пришёл не смену стилю барокко с его пышностью, живописностью и торжественным великолепием. Название «рококо» произошло от раковины с причудливыми завитками и превосходно характеризует особенности этого стиля. В стиле рококо декларировалась близость к природе.а придворные дамы и кавалеры часто изображали пастушков и пастушек.

Рококо (фр. rococo, от фр. rocaille — дробленый камень, декоративная раковина, ракушка, рокайль, реже рококо) — стиль в искусстве (в основном, в дизайне интерьеров), возникший во Франции в первой половине XVIII века (во время регентства Филиппа Орлеанского) как развитие стиля барокко.

3 слайд. Характерные черты -изысканность -большая декоративная нагруженность интерьеров и композиций -грациозный орнаментальный ритм -большое внимание к мифологии, личному комфорту. Текстовое содержимое слайдов презентации: Автор: Пчелинцева Лариса Петровна,учитель музыкиМБОУ «Лицей № 9»г. Воронежа рококо вариации П. И. Чайковский «Вариации на тему рококо» Вопросы для игры «Кто быстрее?» 1.

Что обозначает слово вариации?2. Слово рококо произошло от французского «рокайль», что означает 3. В какой стране лет назад стали сочинять музыку в стиле рококо?4. Кто из русских композиторов написал вариации на тему рококо?5. Сколько вариаций содержит произведение П. Чайковского «Вариации на тему рококо»?. Слайды из презентации «Рококо» к уроку МХК на тему «Культура Нового времени». Автор: user. Чтобы увеличить слайд, нажмите на его эскиз.

Чтобы использовать презентацию на уроке, скачайте файл «dom-v-teple.ru» бесплатно в zip-архиве размером КБ. Скачать презентацию.

Рококо. содержание презентации «dom-v-teple. ru». №. Слайд. Текст. 1. Стиль рококо. Учитель ИЗО,МХК. МОУ Ильинской СОШ Лебедь С.Г. 2. Рококо. Стиль рококо.  Интерьеры построек рококо оформлялись скульптурными и резными украшениями, живописью на фантастические темы и множеством зеркал.

8. Интерьер в стиле Людовика XV. Текст слайда: Рококо (фр. rococo, от фр. rocaille — дробленый камень, декоративная раковина, ракушка, рокайль, реже рококо) — стиль в искусстве (в основном, в дизайне интерьеров), возникший во Франции в первой половине XVIII века (во время регентства Филиппа Орлеанского) как развитие стиля барокко. Слайд №3.  Текст слайда: Эпоха рококо принесла моду на пастельные, приглушённые (по сравнению с эпохой барокко) тона: нежно-голубой, бледно-жёлтый, розовый, серо-голубой.

Если в эпоху барокко все женщины выглядят значительными и зрелыми (им как будто всем за тридцать), то рококо — это время юных нимф и пастушек, которым никогда не будет больше двадцати.

Слайды из презентации «Рококо» к уроку МХК на тему «Культура Нового времени». Автор: user. Чтобы увеличить слайд, нажмите на его эскиз. Чтобы использовать презентацию на уроке, скачайте файл «dom-v-teple.ru» бесплатно в zip-архиве размером КБ.

Скачать презентацию. Рококо. содержание презентации «dom-v-teple.ru». №. Слайд. Текст. 1. Стиль рококо. Учитель ИЗО,МХК. МОУ Ильинской СОШ Лебедь С.Г.

2. Рококо. Стиль рококо.  Интерьеры построек рококо оформлялись скульптурными и резными украшениями, живописью на фантастические темы и множеством зеркал. 8. Интерьер в стиле Людовика XV. 1 Презентация на тему Рококо. Скачать эту презентацию. Cлайд 1. Рококо. Работа Студента 1 курса Художественного образования Вечернего отделения Кобякова Руслана.

Санкт-Петербург, год. Cлайд 2. Содержание. Европейская культура Нового времени. Эпоха просвещения. Барокко. Здесь Вы можете изучить и скачать урок-презентацию на тему «Стиль рококо» бесплатно. Доклад-презентация для класса на заданную тему содержит 21 слайдов. Для просмотра воспользуйтесь проигрывателем, если презентация оказалась полезной для Вас — поделитесь ей с друзьями с помощью социальных кнопок и добавьте наш сайт презентаций в закладки!

Презентации» Разное» Стиль рококо.   Рококо́ (от фр. rocaille — декоративная раковина, ракушка, рокайль), реже рококо — стиль в искусстве (в основном, в дизайне интерьеров), возникший во Франции в первой половине XVIII века Рококо́ (от фр. rocaille — декоративная раковина.

PDF, fb2, EPUB, doc

Похожее:

Дизайн интерьера в стиле рококо: стиль и элементы — Видео и стенограмма урока

История дизайна в стиле рококо

История стиля рококо восходит примерно к 1730-м годам. Французская политическая жизнь изменилась после смерти Людовика XIV в 1715 году. Людовик был могущественным монархом, который постоянно занимал дворян и аристократов придворной жизнью и демонстрировал свою королевскую власть в темных, драматических и богато украшенных дворцах, таких как Версаль. Его сыну Людовику XV было всего пять лет, когда он унаследовал трон, поэтому Францией правил регент, и дворяне могли больше сосредоточиться на своих личных делах.

Это был мир, в котором зародилось рококо. Французские аристократы, свободные от придворной торжественности, проводили больше времени в своих частных владениях, устраивая пышные вечеринки и в целом наслаждаясь жизнью. Поскольку они часто развлекали гостей, дизайн интерьера был главным приоритетом, но это не было королевским барочным дизайном Версаля. Получилось нечто столь же роскошное и роскошное, но без торжественности.

Аристократы нанимали опытных дизайнеров и мастеров, чтобы они наполняли свои дома роскошными, легкими, воздушными и причудливыми изделиями ручной работы. В большинстве случаев они просто переделывали интерьеры существующих зданий, не строя полностью новые дома. Это одна из причин, почему рококо не сильно ассоциируется с архитектурой, но ассоциируется с дизайном интерьера. Среди наиболее известных дизайнеров и мастеров, создавших этот зарождающийся стиль рококо, были гравер Пьер Ле Потр, ювелир и дизайнер Жюст-Орель Мейссонье, резчик Николя Пино, архитектор Жан Обер и дизайнер Жермен Боффран.

The Rococo Aesthetic

Так что же представлял собой этот стиль интерьера в стиле рококо? Начнем с общей эстетики.Интерьеры в стиле рококо были легкими и воздушными. Они чувствовали себя свободными, необремененными и отвергали сдерживающую торжественность стиля барокко Людовика XIV. Однако в то же время интерьеры в стиле рококо были неизбежно роскошны. Все в них было богато, блестяще, элегантно и нежно.

Эта эстетика была достигнута за счет использования светлых пастельных тонов в сочетании с белым цветом слоновой кости, полированным мрамором, золотом и серебром. Каждый материал или цвет в комнате в стиле рококо должен быть визуально легким, а также роскошным, создавая общее ощущение плавания в позолоченном облаке. Эта эстетика сохранялась не только в стенах и потолках комнаты, но и в мебели, столовых приборах, серебре, картинах и украшениях. Все должно было соответствовать друг другу, и все должно было быть выполнено вручную квалифицированными мастерами. В конце концов, французские аристократы 18 века были не из тех, кто скупился.

Декорации и мотивы

С таким акцентом на искусство ручной работы и украшения, а также на богатый орнамент, действительно не должно вызывать удивления то, что интерьеры в стиле рококо были невероятно детализированы.Фактически, именно внимание к деталям действительно определяет рококо. Название стиля происходит от французского слова rocaille , которое представляет собой декоративную морскую ракушку или каменный мотив.

Мотивы в стиле рококо всегда были органическими: не только морские ракушки, но и листья, виноградные лозы, птицы, животные и цветы. Эти мотивы были обнаружены изящно вырезанными на мебели и каминных полах, обработаны лепкой на стенах и потолках и даже отлиты из золота и серебра. Французские органические мотивы имели тенденцию быть более стилизованными, в то время как эти мотивы в таких местах, как Великобритания, могли быть немного более репрезентативными.

Чтобы представить эти мотивы, дизайнеры в стиле рококо использовали причудливые асимметричные изгибы по всей комнате. В дизайне интерьера в стиле рококо, казалось бы, невозможно найти прямую линию. S- и C-образные кривые были особенно популярны, особенно во Франции. Асимметричные, изогнутые формы рококо усиливали органическое качество искусства, создавая впечатление, что роскошные формы просто росли на стенах, как виноградник из серебра и золота.

Вот насколько богаты аристократы Франции в то время; это буквально выглядело так, как будто они выращивали золото.Возможно, неудивительно, что этот стиль был в значительной степени отвергнут вместе с самой аристократией с началом Французской революции. Рококо был стилем дизайна интерьера, который сочетал в себе идиллическое и беззаботное богатство. Революция стремилась сохранить не такую ​​эстетику.

Итоги урока

Хорошо, давайте сделаем пару минут для повторения. Как мы узнали, стиль Рококо определил большую часть французского искусства 18 века, но возник и больше всего ассоциировался с дизайном интерьеров.Рококо, которое происходит от слова рокайль , которое представляет собой декоративный мотив морской ракушки или камня, интерьеры были легкими, воздушными и причудливыми, наполненными пастельными тонами, золотом, серебром, мрамором и слоновой костью. Органические мотивы прорисованы изогнутыми, асимметричными узорами по всему помещению.

Каждый предмет мебели, декора и столовые приборы соответствовали этой беззаботной, беззаботной, но роскошной эстетике. В конечном итоге стиль рококо был отвергнут, поскольку Франция повернулась к более серьезным вопросам и политическим реформам, но большую часть 18 века аристократия не видела своей роли в обществе. Это было внутри, и именно здесь процветало рококо.

Рококо — презентация онлайн

1.

Казымбекова Коркем TFL — 42

2. Рококо — это художественное направление и стиль 18-го века, влияющее на многие аспекты искусства, включая живопись, скульптуру.

Рококо — это художественное движение 18-го века и
стиль, затрагивающий многие аспекты искусства, включая
живопись, скульптура, архитектура, интерьер
дизайн, оформление, литература, музыка, театр.

3. Характеристики стиля рококо:

легкий, вычурный, женственный подход к декору
озабоченность общества романтическим взглядом на жизнь и
склонность к эротике и поверхностности
реакция на жесткую «грандиозную манеру» придворной жизни при Людовике XIV

4. Архитектура рококо

Томас Джефферсон. В 1796 году Джефферсон начал строить для себя большой дом на небольшом участке
гора недалеко от Шарлоттсвилля, Вирджиния (Монтичелло в переводе с итальянского означает «маленькая гора»). Он
продолжал строить и модифицировать дом до своей смерти в 1826 году. Дом
выражение эпохи Просвещения, с такими функциями, как встроенный календарь и
теплица. Дизайн выполнен в неоклассическом стиле с использованием элементов греческого и
-го языков. Римская архитектура.

5. Зеркальная комната — Дворец Амалиенбург (Мюнхен, 1734 г.)

Павильон Королевского дворца
релаксация Франсуа де
Кавалеры, которые почти
в одиночку
отвечает за распространение
стиля рококо до
г. Бавария, а затем и
остальная часть Германии и
Австрия.
Буазери
Интерьерная скульптурная стена
Обшивка
(обычно от пола до потолка)… as
правило, обогащенное резьбой,
золочение, роспись (реже
инкрустация)

6. Архитектура рококо в основном фокусируется на интерьере здания, например, в бальном зале.

7. Архитектура рококо на самом деле является более поздней версией стиля барокко.

, стиль
Постройки в стиле рококо
имеют тенденцию быть мягче
и изящнее.

8. Мебель и украшения

Французское рококо демонстрирует свой антиклассический характер несколькими способами:
отказ от использования классических ордеров в опорах и конструкциях
элементы,
объятия асимметрии,
беспокойное и мерцающее движение.
использование асимметричных свитков,
раковины гребешка, удлиненные изгибы S и C,
Людовик XIV
Людовик XV
Людовик XVI
Стул теперь был разработан для человеческого тела, в отличие от
. скульптурный подход к мебели в стиле классического барокко.
Рококо
Мебель, повторяющая модели поведения
• Tête-a-tête (или доверенное лицо): размещение двух человек
• Канапе с доверенным лицом (закрыто с обоих концов на
угловое сиденье. )
• Четырехместный

11.

«Брачный договор»
Жан-Антуан Ватто, 1713
«Французский театр»
Жан-Антуан Ватто, 1714
«Удовольствия от бала»
Жан-Антуан Ватто, 1717
«
Качели »
Жан
Оноре
Fragonard
1766
«Украденное
» Поцелуй »
Жан
Оноре
Fragonard
Конец 1780-х годов
«Молодой
» Девушка
Чтение »
Жан
Оноре
Fragonard
1776
“Модель
Триумф
года Венера »
Франсуа
Буше
1740
«Туалетная вода» — Франсуа Буше, 1742
«
» Маркиз де
Помпадур
”
Франсуа
Буше
1756
«Дом
» Карт »
Жан
Симеон
Шарден
1735

22.Платье рококо

Нежная пена рококо была
отражены в стилях одежды. С 1720-х годов
до революции французский вкус доминировал
Европа.
Стиль рококо распространился на Англию, Испанию,
г. Центральная Европа и даже Россия. Это
период аристократической небрежности и
г. ностальгия пришла к окончательному выводу в
кровопролитие и беспорядки французов
Революция.
В революционный период 1787 — 1795 гг.,
г. последние остатки аристократического платья были
г. сметены вместе с лицами, которые
носил их.На картине ниже изображена модель
. изящная праздность образа жизни.
Признание в любви
Жан-Франсуа Де Трой (Франция, 1731 г.)
1715-1790 гг. Мужской костюм сохранен искусственным
г. Елизаветинский силуэт — стеганый дублет и
галифе и накрахмаленный воротник — за первые две
десятилетия века.
Рубашки имеют узкую льняную ленту, завязанную на отметке
. шея, шейный платок.
Жилет доходил до колен и имел длину
г. богатая парча: ткань, сотканная с использованием ткани
продуманный дизайн.
На этой картине изображен типичный силуэт
. первые три десятилетия века. Парики, много
уменьшен в размерах с конца 17 века,
были перевязаны в очередь черной лентой,
и порошкообразный. Туфли на низком каблуке и на большом
серебряные пряжки.
Признание в любви
Жан-Франсуа Де Трой (Франция, 1731 г.)
1715-1790 гг., С елизаветинского периода,
г. женское платье было задействовано в какой-то форме
корсет и поддержка юбки.Несколько форм
нижняя часть играет важную роль в
женский силуэт с 1720 по 1775 год.
Женский костюм отразил повседневность и
расслабленное настроение начала
век.
В течение столетия предметы костюма
распространился, и множество аксессуаров
были куплены по новой прихоти
причуда
Мешочек (сакв): свободный с рисунком
складки на спине, которые упали с
плечом к полу, надевалась на куполообразный обруч.

Разъяснение истории и происхождения дизайна интерьера

Поскольку профессия дизайнера интерьеров насчитывает чуть более 100 лет, мы изучаем истоки истории дизайна интерьеров и семь легендарных декораторов, которые сделали себе имя, когда индустрия начала набирать обороты в начале 1900-х годов. Здесь есть все, что вам нужно знать, от древних египтян до зарождения современного дизайна интерьеров.

Это может показаться немного элементарным, но давайте начнем с основ услуг по дизайну интерьера.Дизайн интерьера определяется как искусство и наука улучшения интерьера пространства с целью создания изысканной и эстетически приятной среды. Дизайнер интерьеров — это человек, обученный выполнять планы, исследовать, координировать и управлять декоративными проектами со знанием дела. Профессия дизайнера интерьера разнообразна и включает в себя планирование пространства, концептуальную разработку, осмотр объекта, программирование, исследования, общение с клиентами, управление проектами и строительством и, конечно же, выполнение желаемого дизайна.

До того, как профессия приобрела известность, дизайн интерьера инстинктивно стал строго согласовываться с архитектурой зданий. Профессия дизайнера интерьеров возникла с ростом общества среднего класса и сложной архитектуры, которая стала популярной во время промышленной революции. Стремление наилучшим образом использовать пространство, наряду с вниманием к благополучию пользователей и функциональному дизайну, продолжает продвигать возможности развития и улучшения жизни современных итераций в профессии дизайнера интерьеров.Тем не менее, профессия дизайнера интерьеров явно отделена от работы декоратора интерьеров, это прозвище, более широко используемое в США. Термин «декоратор интерьера» реже используется в Великобритании, где профессия дизайнера интерьеров остается нерегулируемой и, к сожалению, до сих пор не считается официальной профессией.

Еще в древней Индии архитекторы выступали в роли дизайнеров интерьеров, чтобы полностью реализовать свое видение. Об этом свидетельствуют упоминания архитектора Вишвакармы — одного из богов, фигурирующих в индийской мифологии.Эти ссылки включают скульптуры, иллюстрирующие древние тексты и события, происходившие во дворцах, построенных в Индии 17-го века.

В Древнем Египте «дома души» или модели домов дарили в гробницах в качестве сосудов для приношений пищи. Из этих вызывающих воспоминания безделушек можно расшифровать подсказки об интерьере различных резиденций нескольких египетских династий, включая обновления вентиляции, портиков, колонн, лоджий, окон и дверей.

На протяжении XVII и XVIII веков и в первой половине XIX века украшение интерьера было исключительной заботой домохозяйки, профессионального обойщика или мастера, которые могли надежно посоветовать дизайн интерьера дома, основываясь на своем художественном чутье.Кстати, архитекторы также обращались к мастерам и мастерам для создания дизайна интерьера своих зданий.

Практика дизайна интерьеров восходит к древним египтянам, которые украшали свои наивные дома из глины базовой мебелью, усиленной шкурами животных, простым текстилем, графическими биографическими и духовными фресками, скульптурами и расписными урнами. Изысканные золотые украшения, найденные в египетских гробницах (таких как царь Тутанхамон), и побрякушки подчеркивали необходимость в более богатых украшениях, которые символизировали бы более богатых и могущественных египтян.

Римская и греческая цивилизации продвинули египетское искусство дизайна интерьеров и аксессуаров, прославляя гражданскую гордость за счет изобретения общественных зданий с куполообразной крышей. Для своих домов изысканная греческая деревянная мебель отличалась замысловатым декором из слоновой кости и серебра, в то время как римляне сконцентрировались на сочетании красоты и комфорта, а домашние интерьеры обеих цивилизаций были спроектированы так, чтобы отражать богатство, социальный и политический статус. Римская мебель часто делалась из камня, мрамора, дерева или бронзы, и ее делали удобной с помощью подушек и выразительных гобеленов.Чтобы возвысить свои дома, и римляне, и греки принесли вазы и создали завораживающие мозаичные полы, а также настенные росписи и фрески, чтобы сделать свое пространство уникальным для них.

После этого периода декоративного орнамента произошло внезапное движение к точности из-за жестоких войн, продолжающихся по всей средневековой Европе и подъема христианской церкви. Не зря, придуманный «Темными веками», в истории дизайна интерьера той эпохи были мрачные деревянные панели, минималистичная и исключительно практичная мебель и пол из каменных плит.Даже более состоятельные покровители той эпохи придерживались приглушенных, отрезвляющих цветов, добавляя дополнительные декоративные элементы, такие как гобелены и каменная кладка.

После Средневековья европейцы снова были вдохновлены на введение цвета и декоративных украшений в свои дома. В XII веке был создан мрачно-романтический готический стиль, чтобы наилучшим образом использовать естественный свет и недавно появившиеся открытые интерьеры.

На протяжении 15 и 16 веков во время французского Возрождения вновь обращалось внимание на искусство и творчество в дизайне интерьеров.Архитекторы того времени начали создавать дома с существенными декоративными элементами, включая мраморные полы, декоративные инкрустированные изделия из дерева, картины и мебель, сделанные из лучших материалов. Беглый взгляд на королевские дворцы, виллы и часовни эпохи непременно выделит лучшее из дизайна интерьера эпохи Возрождения.

После эпохи Возрождения замысловатые и сложные образцы итальянского барокко захватили всю Европу. Версальский дворец во Франции, например, замечательно использовал элементы дизайна интерьера в стиле барокко, такие как цветной мрамор и камень, витражи, богато расписанные потолки и спиральные колонны.К 18 веку европейские дизайнеры интерьеров сделали стиль рококо все более популярным, опираясь на азиатский керамогранит, цветочные принты и мебель, инкрустированную экзотическими деталями, такими как слоновая кость и перламутр. Затем последовал неоклассический стиль конца 18 века, отдаленный взгляд на знаменитые элементы дизайна, найденные в Древнем Риме, с использованием ярко окрашенного шелка, атласа и бархата.

С начала 1800-х годов и позже в дизайне интерьеров в Европе и Америке часто проявлялось больше свободы и эклектики.И в течение следующих двух столетий множество инновационных и современных движений в дизайне интерьера будут приходить и выходить из моды по мере того, как меняются времена, включая ар-деко, ар-нуво, викторианский стиль и индустриальный стиль Баухаус. Однако XIX век стал свидетелем высшей оценки и популяризации дизайна интерьеров. Не только королевские резиденции и дома богатых горожан, но и возможности улучшающего жизнь дизайна интерьера стали достигать критических масс в конце 1800-х годов.

И к 20-му веку функциональность стала ключевым компонентом подхода к дизайну интерьера, поскольку растущее присутствие бытовой техники, такой как печи, стиральные машины и телевизоры, поставило новую задачу перед дизайнерами интерьеров, которым приходилось проектировать помещения с более чем эстетические соображения в виду.

На рубеже 20-го века начинающие дизайнеры и многочисленные издания все активнее пытались преодолеть влияние крупных высококлассных торговых точек на мир дизайна интерьеров.Перед этим английская писательница-феминистка Мэри Хавейс в 1880-х годах написала серию популярных эссе, в которых высмеивала волнение честолюбивого класса буржуазных людей, стремящихся поспешно обставить свои дома в строгих, но мягких условиях, которые им предлагались, диктуя торговые точки. Ее ответ заключался в том, что люди должны использовать возможность для создания особого подхода к стилю дизайна, уникально адаптированному к их потребностям и образу жизни. «Одно из моих самых сильных убеждений и один из первых канонов хорошего вкуса заключается в том, что наши дома, такие как раковина рыбы и птичье гнездо, должны отражать наш индивидуальный вкус и привычки», — писала она.

Медленный переход к декоративному искусству, рассматриваемому как отдельная художественная профессия, помимо мудрости продавца, предлагаемой производителями и розничными торговцами, был ускорен в 1899 году с открытием Института британских декораторов; с Джоном Диббли Крейсом, исполняющим обязанности его президента. Институт представлял более 200 дизайнеров интерьеров со всей страны. А к 1915 году Лондонский справочник увидел увеличенный список из 127 человек, работающих профессиональными декораторами интерьеров, из которых только 10 были женщинами.Рода и Агнес Гарретт были первыми зарегистрированными женщинами, получившими профессиональную подготовку в качестве дизайнеров дома в 1874 году. В то время считалось, что их работа по дизайну сравнима с легендарным маэстро интерьеров Уильямом Моррисом. В 1876 году их руководство — предложений по украшению дома в живописи, изделиях из дерева и мебели — еще больше укрепило их авторитет и распространило их взгляды на подходы к художественному дизайну интерьера для жаждущего дизайна среднего класса.

«До недавнего времени, когда мужчина хотел обставить, он посещал всех дилеров и выбирал мебель по частям….Сегодня он посылает за продавцом художественной мебели и принадлежностей, который осматривает все комнаты в доме и применяет свой художественный ум к этому предмету », — как писал The Illustrated Carpenter and Builder в 1900 году.

Вернувшись в Америку, Кэндис Уиллер, считавшаяся одной из первых женщин-дизайнеров интерьеров, поощряла совершенно новый взгляд на американский дизайн интерьеров. Она была ключевой фигурой в разработке первых курсов дизайна интерьера для женщин в ряде крупных американских центров и в то время была признана авторитетным специалистом в области домашнего декора. Еще одним заметным влиянием на недавно классифицированную профессию декоратора было The Decoration of Houses , широко читаемое и консультируемое руководство по дизайну интерьера, написанное Эдит Уортон и главным архитектором Огденом Кодманом в 1897 году в США. В популярной книге авторы сочли интерьер в викторианском стиле и дизайн интерьера неуместным. Холодные, темные и угрюмые дома, украшенные тяжелой мебелью, викторианскими аксессуарами и мягкими креслами, перестали быть жизнеспособными. Они считали, что в стиле дизайна слишком большое внимание уделяется мягкой мебели, а не продуманному планированию пространства и архитектурным деталям, что делает комнаты унылыми, неудобными, неприкосновенными и, следовательно, слишком драгоценными.Их книга до сих пор считается знаковым моментом, и их успех способствовал росту профессиональных дизайнеров интерьеров, придерживающихся аналогичных позиций.

Как видите, мир дизайна интерьера прошел замечательный путь со времен древних египтян, поскольку сегодня дизайнеры имеют неограниченный доступ к бесконечному количеству дизайнерских движений, стилей мебели и влияний прошлого. Но на самом деле семь дизайнеров интерьера, на которых мы сосредоточились, действительно изменили наш подход к дизайну интерьера к лучшему.

ИСТОРИЯ ДИЗАЙНА ИНТЕРЬЕРА:

Каменный век 6000–2000 гг. До н.э.

Первые признаки подхода к дизайну интерьера были отмечены в доисторических жилищах с изображением флоры и фауны. Эти жилища были сделаны из глины, шкур животных и палочек.

Европа эпохи неолита с 2000 по 1700 гг. До н.э.

Появляется первая керамика ручной работы, которая использовалась как в практических, так и в декоративных целях.

Древний Египет 2700

Расцвет королевских семей впервые увидел людей, живущих в постройках, помимо глиняных хижин.Новые строения украшались фресками, изображающими их историю и верования. И у них была основная мебель и предметы декора, такие как вазы и скульптуры, которые видели впервые.

Греческая империя с 1200 по 31 год до н.э.

Развитие цивилизации и образа жизни привело к тому, что граждане впервые стали украшать свои дома в своем собственном уникальном стиле, а более богатые греки обладали мебелью, инкрустированной декоративными деталями из слоновой кости и серебра. Знаковые и выразительные колонны и колонны были ключевыми мотивами в эту эпоху, и греки также создали стандартные правила и процедуры для строительства зданий.

Римская империя 753 г. до н.э. — 480 г. н.э.

Суровый век, когда члены королевской семьи не могли демонстрировать свое богатство просто через дома. Римляне украшали свои дома фресками и мозаикой, а в мебели использовались когтистые ноги.

Темные века с 900 по 1500

В «Темные века» не было интереса к дизайну интерьера: люди предпочитали простые обшитые деревянными панелями стены, минималистичную мебель и пол из каменных плит.

Византийская империя 500 до 1500

В этот период центральное место занимали грандиозные купола и декадентский декор.

Период Возрождения 1400 — 1600

Красота дизайна интерьера была главной особенностью в период Возрождения: величественная мебель и искусство, выполненное в ярких тонах, с роскошными тканями, такими как шелк и бархат, и мраморными поверхностями. А поскольку ковры были слишком дорогими и дорогими даже для самых богатых посетителей, их использовали в качестве настенного искусства, когда это было возможно.

Готика с 1140 по 1400

В ответ на темные века декоративный орнамент и смелые цвета снова стали заметными элементами дизайна интерьера.Двумя отличительными чертами той эпохи, которая сохранилась до наших дней, является большее количество окон для более светлых домов наряду с открытой планировкой этажей.

Барокко 1590-1725

Эффектные и ультра-богатые художественные элементы, созданные по рецепту роскошных интерьеров, с витражами, витыми колоннами, цветным мрамором, расписными потолками, позолоченными зеркалами и большими люстрами.

Традиционное с 1700 по настоящее время

Традиционный дизайн интерьеров, воплощенный в формальном духе, остается основой и по сей день.Традиционный дизайн интерьера — это широкий термин, обозначающий различные стили дизайна и движения, не привязанные к одному направлению или духу.

Традиционный дизайн воссоздает прославленную, богатую историю прошлого, контрастируя с явно современными элементами, что придает элегантный вид красивому дизайну и подчеркивает европейский декор 18 и 19 веков. Это неподвластный времени стиль дизайна, который вызывает легкий гламур и комфорт и является отличным направлением для тех, кто ценит антиквариат, классическое искусство, симметрию и дизайн с богатой историей.

Рококо 1700

Гиперэлегантный и богато детализированный стиль дизайна, основанный на ботанических силуэтах, дизайн интерьера в стиле рококо, наряду с азиатским фарфором, включает уникальные элементы, такие как панцирь черепахи и жемчужные украшения.

Промышленная революция 1760-1820 годов

На протяжении всей промышленной революции дизайн интерьера был доступен для более широкой аудитории и был более доступен для населения в целом, чем когда-либо прежде.Это в значительной степени связано с более легкими процессами печати, что повлекло за собой широкое распространение публикаций о моде и образе жизни, а также тем фактом, что предметы роскоши стали все более доступными.

Неоклассический стиль с 1780 по 1880 год

Черпая вдохновение в архитектурных деталях и мотивах древнегреческой и римской культур, в эту эпоху в оформлении мебели использовались бронза и золото, а в мягкой мебели — шелк, бархат и атлас. Тенденция сочетания обоев и предметов интерьера также укрепилась.

Тропики 1880-х годов до наших дней

По мере того, как Британская империя пронизывала такие страны, как Индия, и территории, такие как Вест-Индия, они объединили элементы дизайна интерьера из своей родной страны и регионов, которые они занимали, чтобы создать пьянящую смесь традиционного и экзотического.

Эстетическое движение с 1800-х до наших дней

Помня об «искусстве ради искусства», Эстетическое движение стало для радикалов способом выразить свою неприязнь к нынешнему, утомленному дизайну интерьеров.Ключевым моментом здесь было то, что практичность и функциональность важнее красоты.

Тоскана 1840-х до наших дней

Ориентируясь на очаровательную и умиротворяющую природу Тосканы в Италии, дизайн интерьера в этот период был сосредоточен на простой простоте с оттенками роскоши в меру.

Искусство и ремесла с 1860 по 1910 год

Чтобы подчеркнуть свое несогласие с массовым производством обычных предметов в связи с инновациями промышленной революции, люди обратились к традиционным ремеслам и классическим элементам для производства мебели.

Деревенский стиль 1870-х до наших дней

Интерьер в загородном стиле с мебелью ручной работы и просторными комнатами открытой планировки с деревянными балками и колоннами.

Деревенский декор представляет собой идеальное сочетание комфортного, непринужденного дизайна и практичного, функционального декора, которые вместе создают теплый деревенский интерьер. Натуральные материалы служат основой и отправной точкой для создания завидного деревенского домашнего декора, воспевающего подлинную красоту природных материалов для создания уютного и красивого пространства.

Модернизм 1880-1940

Модернистское движение подчеркнуло простоту, ясность формы и отказалось от шума в дизайне. Среди ведущих фигур этого движения — Мис ван дер Роэ, Ле Корбюзье и Ээро Сааринен, чьи подписи на его вечно популярном столе Сааринен и стуле Сааринен являются воплощением стиля дизайна.

Модерн 1890-1920

Энтузиазм движения в стиле ар-нуво заключался в привнесении естественных силуэтов, созданных на основе ботанических элементов, которые придали эпохе характерные изогнутые линии и органичные формы.

Колониальное возрождение с 1905 года до наших дней

Популярный в США и вдохновленный столетним юбилеем, колониальное возрождение черпало вдохновение в неоклассическом и грузинском исторических стилях. Безусловно, самый популярный стиль того времени до Второй мировой войны, некоторые считают, что запуск автомобиля помог пробудить интерес людей к историческим ссылкам, поскольку они смогли свободно посещать задокументированные достопримечательности.

Эклектика с 1900-х до наших дней

Некоторые историки указывают на рост потребности в дизайнерах интерьеров, которые понимали, как смешивать различные стили дизайна с авторитетом, для резкого увеличения числа дизайнеров в отрасли, поскольку эклектичный стиль взял на себя эстетическое вдохновение.

Эклектичный стиль — это гармония и соединение разрозненных стилей, сопоставление текстур и контрастных цветов для создания единой, красиво оформленной комнаты, которая не будет неуместной в журнале по домашнему декору, поскольку это один стиль дизайна, который требует воодушевление и отличный глаз. А поскольку эклектичный дизайн интерьера основан на экспериментах и ​​играх, получайте удовольствие от свободы, которую он дает.

Новое время с 1918 по 1950 год

С акцентом на скудные интерьеры и смелые основные цвета, современный дизайн интерьеров отказался от типично богато украшенных и чрезмерно декорированных эстетических тенденций в дизайне того времени.

Баухаус 1920-1934

Прославленное по сей день своими грандиозными, но минималистичными и красиво выполненными жестами и основанное немецким архитектором Вальтером Баухаусом, который также создал школу искусства и дизайна Bauhaus в Веймарской Германии, движение быстро произвело на свет некоторых из самых влиятельных архитекторов. скульпторы, графические дизайнеры, производители мебели и индивидуалисты в области дизайна середины и конца 20 века.

Страна с 1920 по 1970 год

С нотками, заимствованными из традиционной обстановки фермерского дома, деревенский стиль был практичным, но с качественной винтажной мебелью.

Современный взгляд на интерьер в стиле кантри — идиллическая классика. Отказ от чисто традиционного стиля кантри; современный кантри допускает более игривые и нюансированные аспекты наряду с минимальными нотами.

Ар-деко 1920-1960-х годов

Этот механизм представляет собой опьяняющую смесь стилей дизайна начала 20-го века, включая конструктивизм, кубизм, модернизм, баухаус, ар-нуво и футуризм. Ар-деко — один из самых известных стилей дизайна интерьера, олицетворяющий современность, повседневный гламур и элегантность.Эра в значительной степени полагалась на чистые линии, простые угловатые формы, смелые цвета и стилизованные узоры, такие как зигзаги и оптические фигуры. Для дополнительного гламура декоративные украшения и металлические поверхности также были отличительными чертами той эпохи.

Материалы, используемые в дизайне интерьера в стиле ар-деко, гладкие и светоотражающие для повседневного гламура в доме. В этом стиле присутствует много металликов; от золота до серебра, нержавеющей стали и хрома. Они придают любому помещению элегантный и роскошный вид, и их можно использовать везде.Представьте себе современную гостиную в стиле ар-деко с золотым журнальным столиком со стеклянной столешницей, хромированными лампами и ковром с ярким геометрическим рисунком в черном, золотом и белом цветах. Стекло также часто используется в дизайне ар-деко; будь то зеркала, столы со стеклянной столешницей, скульптурные элементы или ваза или лампа в стиле ар-деко, поскольку стекло добавляет элегантности комнате в стиле ар-деко.

Средиземноморье с 1920-х гг. По сегодняшний день

Чтобы вызвать ощущение прибрежных европейских стран, были использованы текстуры терракоты, камня и узорчатой ​​плитки, а также кованое железо и водные оттенки.

Сюрреализм 1925-1930

Сюрреалисты, такие как известные художники, включая Сальвадора Дали, Андре Бретона и Макса Эрнста, использовали это авангардное движение, чтобы освободить людей от их ассоциаций с тем, что было нормальным и в конечном итоге предсказуемым в дизайне, музыке, искусстве и даже дизайне интерьеров.

середина века, модерн с 1930-х годов до наших дней

Хотя термин «модерн середины века» не был введен до середины 80-х, и хотя никто на самом деле не знает, что это настоящая временная шкала, эпоха представляет собой сочетание практичности после Второй мировой войны, оптимизма эпохи 50-х, приземленности эпохи 60-х и эпохи 70-х. тона и текстуры аккуратно обернуты в стильную оду скандинавской простоте.

Можно назвать это реакцией на декаданс и позолоченную душность дизайна интерьеров и архитектуры вплоть до 40-х годов, если хотите, поскольку во время своего создания современный декор середины века был полным опровержением и перезапуском для чувств.

Атмосфера свежая и маковая, с оттенками ретро и полностью манящая своим стремлением к комфорту и практичности, заключенная в красивый дизайн, который никогда не выходит из моды. В отличие от других эстетических движений, современный декор середины века имеет обтекаемый дизайн, поскольку форма следует за функцией, подчеркивая используемые материалы, а не превращая их в то, чем они не являются.

Скандинавский модерн с 1930-х годов до наших дней

Этот механизм подчеркивает достоинства красивых и практичных предметов, которые легко доступны по цене и доступны, поэтому механизм остается популярным по сей день.

Скандинавский дизайн интерьера, принадлежащий к школе модернизма, представляет собой дизайнерское направление, характеризующееся акцентом на функционализм и простоту. Также сюда входит использование натуральных материалов, таких как кожа, дерево и конопля. Кроме того, на скандинавский дизайн интерьера часто влияет связь с природой, которая сочетает в себе естественные формы, абстракцию и использование природных элементов.

Переходные 1950-е годы к сегодняшнему дню

С изобретением телевидения, которое стало популярным в большинстве домов в США, внутреннее оформление телевизоров помогло удовлетворить аппетит масс к декору больше, чем когда-либо.

Переходный стиль — это сочетание традиционной и современной мебели, материалов и декоративных элементов, которые предоставляют вам больше свободы при желании с легкостью украсить свой дом, поскольку нет конца направлениям, в которых вы можете следовать стилю дизайна.По сути, переходный дизайн интерьера — это сочетание различных дизайнерских стилей, объединенных одновременно, чтобы создать единый дизайн в одной комнате.

Постмодернизм 1978 — Сегодня

Это движение, рожденное как вызов тому, что люди считали общей вежливостью модернистского движения. Одной из главных фигур был итальянский архитектор и дизайнер Этторе Соттсасс с его фирменными игривыми формами, абстрактными принтами и яркими цветными сюжетами.

Современные 1980-е годы до наших дней

Современный дизайн интерьера является классическим, но в то же время полностью актуальным и неподвластным времени, благодаря легкому и бережному подходу к декору, чтобы он никогда не выглядел устаревшим.

В то время как современный декор может казаться холодным, ограничивающим и откровенно минималистичным, современный стиль успокаивает и безмятежен, он приправлен акцентом на архитектурные элементы, декоративные детали, внимание к смелым масштабам и лаконичной цветовой палитре, чтобы создать теплое пространство с легкая изысканность.

Простота, чистые линии, игра текстуры и спокойный драматизм — основа создания идеально сбалансированного дома в современном стиле.

ЭЛСИ ДЕ ВОЛЬФ

Провозглашенная «первым в Америке декоратором интерьеров», жизнь Эльси де Вульф была такой же богатой, как и комнаты, которые она украшала, как она изображена выше в знаменитом позолоченном пальто от кутюр в стиле звездного неба Эльзы Скиапарелли. Легендарный де Вульф может похвастаться столь же безумно романтичной и авантюрной биографией. Получив образование в Шотландии и представив ее при дворе королевы Виктории, она вернулась в США и стала актрисой, где у нее был уникальный «бостонский брак» (термин для двух одиноких женщин, живущих вместе из книги Генри Джеймса Бостонцы ) с успешный литературный агент и любовница Элизабет Марбери.

Ее сценический стиль и костюмы — одежда от кутюр из Парижа — сделали ее влиятельным законодателем вкуса среди зрителей в ее аудитории, что привело к тому, что она прославилась как самая хорошо одетая женщина в мире.Ее первый набег на дизайн интерьера был полным отказом от мрачного и задумчивого викторианского декора в доме, в котором они жили вместе с Марбери. После того, как она успешно изменила стиль их дома, убрав беспорядок, упростив и сведя к минимуму его сильно орнаментированный интерьер, она стала первым декоратором интерьера, получившим заказ на дизайн.

Этот заказ должен был украсить первый элитный общественный клуб для женщин в Нью-Йорке, знаменитый Colony Club, который мог похвастаться множеством известных членов с такими фамилиями, как Уитни, Морган, Гарриман и Астор. Де Вульф вскоре стала самым популярным дизайнером интерьеров своего времени, и в 1913 году она опубликовала первую книгу по дизайну интерьеров «Дом с хорошим вкусом».

Она отметила неожиданное, смешав анималистичные принты с шинуазри, была близка к стилям Регентства и Чиппендейла, а также к черно-белым цветовым решениям и была пионером в представлении бежевого цвета в декоре.

Ее самые известные проекты включают дома Condé Nast, Fricks и Hewitts. Ее антивикторианская позиция и более яркие, воздушные, менее сложные и более минималистичные изысканные комнаты остаются популярными по сей день.

ЖАН-МИШЕЛЬ ФРАНК

Неудивительно, что художники постоянно черпают вдохновение в окружающем мире. Легко представить себе пьянящее влияние Парижа 1930-х годов на самого знаменитого декоратора и дизайнера интерьеров того времени, Жана-Мишеля Франка. К счастью для него, его проекты часто были сосредоточены на размещении Пикассо и Брака во всех помещениях, которые он украшал, а его команда влиятельных друзей включала всех из художников Левобережного Парижа, таких как Ман Рэй, и светских людей, таких как Рокфеллеры.

Считается минималистом с богатыми наклонностями, его многослойность божественного максимализма делает его работы еще более интригующими и вдохновляющими. Как дизайнер мебели, его силуэты были лаконичными, утонченными и украшенными роскошными деталями. Подумайте о замысловатых слюдяных ширмах, бронзовых дверях, аксессуарах из кварца, а также о серии мебели, покрытой шагреневой кожей, и клубных стульях из овчины, которые он разработал для легендарного производителя предметов роскоши Hermès. Белый был его фирменным оттенком, который в то же время выглядел одновременно сдержанным и сложным.Фрэнку также приписывают создание одного из самых знаковых минималистских предметов мебели в истории — стола Парсонса, который он часто покрывал самой роскошной отделкой.

Наряду с внимательным взглядом на великолепный дизайн и чутьем на лучшее качество, Фрэнк взял элементы повседневной жизни, чтобы сделать пространство более доступным, привлекательным и реалистичным. Сегодня его работы по-прежнему отмечаются в музеях, его мебель выставляется на рекордных аукционах, и вы даже можете купить репродукции его самых знаковых произведений, созданных для Hermès.

СЕСТРНЫЙ ПРИХОД

Известная своим проницательным взглядом на снисходительный вкус, сестра Пэриш создала стиль американского кантри, один из самых устойчивых стилей дизайна за последние полвека. Рожденный привилегией и родословной, образ Пэриш в стиле American Country был воплощен в ее взгляде на English Country, хотя и с большей теплотой, характером, домотканой и очаровательной привлекательностью.

Она начала свою карьеру в качестве неподготовленной домохозяйки, которая украшала свой дом с большой помпой.Поймав внимание знакомых домохозяек из высшего общества, которые заказывали ей ремонт своих домов, Хэдли обратила внимание на необходимость доступного дизайна во время Великой депрессии и назвала себя «бюджетным декоратором» для тех, кто хочет обновить свои дома в трудные времена. экономические времена эпохи.

Ее декоративный стиль был полным отказом от коллекции ее отца тяжелого темного антиквариата, поскольку она больше склонялась к женственным тикающим полоскам, глазурованному ситецу, лоскутным одеялам, коврикам с крючками и неформальным мягким креслам, включая элементы из прошлого.

«Инновации — это часто способность заглянуть в прошлое и вернуть то, что хорошо, что красиво, что полезно, что долговечно».

Ее дизайн был романтичным, теплым и элегантным для таких клиентов, как Брук Астор, но она была известна своей едкой, устрашающей фигурой и неумолимой оценкой пространства своих клиентов.

Дизайнерская фирма

Parish видела, как многие влиятельные дизайнеры сделали себе имя рядом с ней, включая легендарного Альберта Хэдли, с которым она работала вместе около 30 с лишним лет — их профессиональные отношения часто считаются одним из самых успешных совместных партнерств в мире. интерьеров по сей день.

АЛЬБЕРТ ХЭДЛИ

Признанный отцом переходного дизайна интерьеров, прославленный своим мастерским сочетанием гламура и функциональности и часто называемый «деканом американских декораторов», портфель проектов Альберта Хэдли мог похвастаться такими именами высшего общества, как Рокфеллер, Астор, Гетти и Меллон.

Однако для Хэдли громкие имена никогда не превалировали над блестящим дизайном. «Имена на самом деле не главное», — сказал он журналу New York в 2004 году.«Это то, чего можно достичь для самого простого человека. Гламур — это его часть, но гламур не суть. Дизайн — это дисциплина и реальность, а не фантастика за пределами реальности ».

Родившийся в Теннесси, Хэдли переехал в Нью-Йорк после службы во Второй мировой войне, где он учился и преподавал в Школе дизайна Парсона и стал известен своим современным стилем декора и своим инстинктивным чувством баланса и тем, что работало вместе. Он умело создавал смелые сочетания стилей дизайна с мантрой, сосредоточенной на идее «никогда не меньше, никогда больше».”

В поисках партнера с большим техническим талантом, а не инстинктом, определившим ее карьеру, сестра Пэриш привлекла Хэдли в свою команду в 1962 году. Компания Parish-Hadley Associates на протяжении десятилетий модернизировала дома элитных семей Америки и наиболее известна тем, что занималась косметическим ремонтом. жилые помещения Белого дома Кеннеди, а также частные дома семьи Кеннеди. После кончины Пэриша Хэдли продолжал работать и после середины 80-х над проектами, в которых использовалось интересное сочетание стилей дизайна, в отличие от любого другого дизайнера его поколения.

ДОРОТИ ПАКЕТ

Уже давно провозглашенная Коко Шанель в мире украшений, работы Дорти Дрейпер были бесстрашно яркими, роскошными, радостными и полными индивидуальности. Комнаты, которые она спроектировала, имели сдержанную цветовую палитру классического черного и белого, в то время как другие подчеркивали негабаритные графические узоры и ее энергичные сочетания Technicolor розового и зеленого, бирюзового и цитрусовых оттенков. Двоюродный брат сестринского прихода, Дрейпер был первым зарегистрированным коммерческим декоратором интерьеров, основав в 1923 году первую официальную фирму по дизайну интерьеров — Architectural Clearing House.

«Почти все считают, что в [внутреннем убранстве] есть что-то глубокое и загадочное или что вам нужно знать всевозможные сложные детали о периодах, прежде чем вы сможете пошевелить пальцем. Ну, нет. Украшение — это просто удовольствие: удовольствие от цвета, осознание баланса, чувство освещения, чувство стиля, интерес к жизни и забавное наслаждение умными аксессуарами того времени », — написала она в своей книге 1939 года. Украшать — это весело!

Названный самым влиятельным законодателем вкусов в Америке в 1960 году, Дрейпер придала свой легендарный стиль «современное барокко» нескольким знаковым зданиям, включая столовую в Метрополитен-музее в Нью-Йорке, отели Fairmont и Mark Hopkins в Сан-Франциско, а также большинство из них. впечатляет, полная реконструкция отеля Greenbrier в Западной Вирджинии, который все еще выглядит как смородина 70 с лишним лет спустя.

ДЭВИД ХИКС

Первоначально внештатный иллюстратор рекламы в Лондоне, Дэвид Хикс начал свою карьеру в сфере декораций после того, как в одном журнале был опубликован материал, изменивший правила игры, который он сделал в доме своих родителей.

Hicks сломал стереотипы и пошел против традиционно сдержанных и претенциозных английских методов декорирования и стал мастером неожиданных, но связных смесей. Его эклектичные интерьеры часто отличались ярким сочетанием буйных цветов, узоров, изделий и стилей дизайна, которые были заманчивыми и впечатляющими.

Мир дизайна, любимый к 1960-м годам, его самые известные проекты включали комнаты для принца Чарльза и принцессы Анны, а также великолепный ночной клуб на океанском лайнере и яхте короля Саудовской Аравии Фахда. В 1970-х годах Хикс начал производить фирменные обои, ткани и постельное белье для своих дизайнерских бутиков в восьми странах.

БИЛЛИ БОЛДУИН

Хотя Билли Болдуин прославился своим комплексным подходом к дизайну интерьеров, он терпеть не мог термин «дизайнер интерьеров», предпочитая называть его «декоратором» — его любимое название.Он считал, что хорошее качество комнат является главным принципом, а качество и комфорт — ключевыми.

«Я всегда считал, что архитектура важнее декора. Масштаб и пропорции приносят непреходящее удовлетворение, которого нельзя достичь, только глазируя торт », — сказал он.

Его интерьеры были четкими и безупречными, и, в отличие от своих современников, он работал с существующей мебелью клиента и инстинктивно переделывал ее. От замечательного обновления квартиры Коула Портера в Уолдорф Тауэрс до комплекса Джеки О в Скорпиосе и до богато многослойной красной гостиной Дианы Вриланд на Парк-авеню, тщательное внимание к масштабу и пропорциям было движущей силой для Болдуина.Мастер практического декора, подчеркнутого смелыми оттенками, принтами и хорошо продуманным кураторством, обзор работ Болдуина демонстрирует, насколько актуальны его работы по сей день.

Стили Тюдор и рококо, взаимосвязь с мотивами и модой

Контекст 1

… в котором исторические и культурные ценности сочетаются с материалами и технологиями, чтобы уловить современный подход. Дизайн-образование, в котором история, культура и теоретические знания пересекаются с применением, было исследовано с помощью различных исследований в системе образования.Понятно, что применяемый метод, включающий видение, восприятие и понимание, более эффективен, чем классический метод, ориентированный на словесное выражение и слушание, для студентов, изучающих архитектуру интерьера. В образовании по архитектуре интерьера причины неудач или достижений в образовании по дизайну, в котором история, культура и теоретические знания пересекаются с применением, были исследованы с помощью различных исследований в системе образования. Метод выражения, один из методов обучения, усиленный использованием других методов, направлен на воспитание людей, которые понимают, обсуждают и подвергают сомнению полученные знания.Человек, который правильно изучает историю и культуру и постигает теоретические знания, будет более успешным и осведомленным о процессе проектирования в образовании по архитектуре и внутренней архитектуре. Это исследование исследует скорость обучения, продолжительность сохранения знаний и показатели успешности студентов в теоретическом курсе мебели с использованием абстракции. Целью абстракции является сохранение знаний для -1). Абстракция используется для абстрактных понятий, реализующих последний этап получения знаний (URL-2).Обычно считается, что абстракция уводит людей от конкретных реальностей, когда ее определяют как переход от конкретного к абстрактному. Однако абстракция передает людям суть событий и фактов и приближает их к реальности, а не удаляет их, потому что абстракция — это метод, используемый для того, чтобы снова достичь конкретного и постичь конкретное единство и взаимосвязь в его частях. С другой стороны, абстракция в архитектуре и архитектуре интерьера проявляется на различных этапах от начала процесса до конца и проявляется в последнем продукте.Абстракционные подходы дизайнера (1993). Считается, что абстракция создаст творческие и оригинальные проекты, охватывающие суть, путем повышения осведомленности студентов, изучающих архитектуру / интерьер, и эти проекты повысят творческие способности дизайнера и предложат пользователям различные варианты выбора (Nezor 2010). Драматургия, используемая в образовании, позволяет людям лучше узнать себя и раскрыть свои творческие аспекты. Например, было понято, что люди, испытавшие драму, могут выражать свои творческие аспекты вербально или невербально и улучшили свой язык тела или письменные выражения, а сила их вербальной передачи была развита с помощью драмы в образовании. С другой стороны, в обучении известно, что активизация сенсорных устройств, насколько это возможно, посредством упражнений и переживаний, является важным принципом. Творческая драма может использоваться как метод во многих дисциплинах системы образования. Согласно распространенному мнению, цель драмы в образовании — обеспечить лучшее понимание любой концепции, предмета или текста, усвоить их как отдельного человека или группу, выразить их мысли путем анализа их внутреннего мира и обсуждения (Orta 2009) . Изучение драмы и использование языка тела в образовании можно интегрировать с современной системой образования, удалив стереотипы; таким образом, студенты будут больше интересоваться предметом.Понятно, что прикладной метод, включающий видение, восприятие и понимание, более эффективен, чем классический метод в зависимости от словесного выражения и слушания в концептуальных курсах для студентов-архитекторов. В дополнение к этому, влияние двух различных применяемых методов на студентов измерялось в этом исследовании. В интерьерную архитектуру от преподавателя входят (например, античная архитектура после 20-го деко, де-стиль, Баухаус, середина 20-го века, поп-культура, постмодернизм и конец 20-го века).Метод и техника, использованные в этом исследовании, представляют собой подход, который был изучен с помощью курса методов, и техники, используемые в современную эпоху, были опробованы для использования с курсом истории и дизайна мебели до 20-го века в классическую эпоху. В исследовании, проводимом в 2011-2012 учебном году, участвовали юниоры, изучающие курс истории мебели. Исследование состоит из трех этапов (рисунок 1). Первый метод — это курсовая техника, которая с 1994 года применяется как в классическом, так и в современном стилях мебели.Курс проводился с презентациями в Power Point, включая визуальные изображения. В конце курса студентам было предложено нарисовать образцы мебели, относящейся к теме, а также интерпретировать текущую мебель, относящуюся к теме, которая изучалась после 2005 года (Рисунок 1). реализовано для современных стилей мебели. В результате положительной реакции студентов это исследование было применено и в 2010 году. Обе методики применялись отдельно, и их сравнивали, разделив класс на две группы.Поскольку успех увеличился, эта техника была предназначена для использования в мебели классической эпохи. Во втором методе курс проводился с презентацией в формате Power Point, в которой абстракция мебели была сделана с помощью языка тела. Темы подкреплялись отрывками из модных фильмов и фильмов, а в обсуждениях обсуждались особенности самой модной мебели той эпохи. В конце курса студентов попросили объяснить и абстрагироваться от вещей, которые они могли вспомнить в связи с темой курса, путем рисования.Содержание курса было представлено с помощью метода выражения и визуального представления на протяжении всего семестра, а особенности и мебель той эпохи были представлены классу с визуальным представлением. Студентам было предложено приложение, и в конце каждого курса студентам было предложено нарисовать мебель той эпохи от руки (рис. 2). В то время как черты эпохи передавались с помощью визуального представления, техника выражения была обогащена жестами за счет абстрагирования мебели эпохи (рис. 3).Был задан вопрос, как можно лучше абстрагироваться, обсуждая образцы и компоненты мебели, которые несут в себе характеристики эпохи. В то же время были установлены отношения между студентами и кино, музыкой и модой, которые напоминают упомянутую эпоху. Что касается ответов, то особенности эпохи пытались эффективно подчеркнуть, взяв отрывки со съемочной площадки и обсудив отражение одежды эпохи в эпоху модерна. Студентов попросили повторить те же абстракции с учителем, используя жесты в классе (рис. 4).Их попросили нарисовать все, что они могли вспомнить, связанные с упомянутой эпохой, мебель и ее компоненты в конце курса, используя технику от руки. В 2010 году для оценки реакции на этот метод был применен небольшой опросник. Были заданы три открытых вопроса: 1. Как вы оцениваете использование жестов и языка тела в ходе курса? 2. Каковы преимущества использования абстракции мебели в курсе? Согласно ответам данной анкеты, в анкете 2011 года использовалась техника закрытых вопросов.Визуальная графика была сформирована путем оценки данных. Ответы анкеты имели относительно более высокие значения (Таблица …

Неоклассический стиль интерьера — элегантность 18 века. | Идеи дизайна интерьера

Неоклассический стиль — это элегантность и изысканность. Этот стиль более скромный и приглушенный, чем явная демонстрация богатства, излучаемая эпохой рококо конца 1700-х годов. Элегантные линии и концепция роскоши менее грубоваты, чем у более заметного предшественника.Английский архитектор Роберт Адам сыграл важную роль в использовании различных элементов западной архитектуры и интерпретации этих разных культур в новом стиле, в котором римская и греческая архитектура были в авангарде вдохновения. В наши дни неоклассические интерьеры стали популярны за их неподвластную времени элегантность. Здесь мы представляем наиболее важные черты этого стиля и связанного с ним образа жизни.

Неоклассический стиль интерьера — особенности и функциональность.

Цвета: Цвета в неоклассическом стиле в основном мягкие: кремовый, серый, синий, желтый и зеленый.Черный, красный, золотой и серебряный блеск используются в основном как цветные пятна, чтобы подчеркнуть общий стиль. Нежная и широко распространенная цветочная тема создает шикарный вид от пола до потолка.

Неоклассический дизайн интерьера — цвета и меблировка.

Мебель. Мебель в стиле неоклассицизма проста, но симметрична. Типична мебель из темного дерева, а номера украшены красивыми орнаментами, каменными и мраморными полами и персидскими коврами.Ткани роскошные, но не вычурные — дамасский шелк, парча, лен, бархат.

Неоклассический.

Украшения. Урны, кувшины, фарфор, керамика и статуи Веджвуда типичны для неоклассической мебели и подчеркивают роскошный внешний вид. Большие зеркала, цветы, произведения искусства и декоративная лепнина украшают стены и потолки в неоклассическом стиле.

Неоклассическая эстетика сочетает в себе роскошь и богатство с непринужденной атмосферой, создавая элегантную ауру и шарм.

Элегантная гостиная с элементами неоклассицизма.

Высокий потолок в гостиной.

Роскошь неоклассицизма.

Яркая палитра цветов и декоративный потолок.

Роскошный салон в неоклассическом стиле.

Японские элементы в сочетании с неоклассическим стилем.

Неоклассицизм.

Декор в стиле ар-деко — идеи дизайна интерьера элитной квартиры Идеи для обстановки в стиле лофт Дизайн интерьера современной квартиры в урбанистическом стиле. Декор, вдохновленный винтажным стилем 40-х годов. Типичная мебель в традиционном стиле Отделка дома в средиземноморском стиле Викторианский стиль — роскошные и роскошные украшения Номер в стиле шебби-шик — романтика и нежные цвета Современная мебель с концепцией деревенского быта в тосканском стиле. Рисунок в стиле рококо — больше напоминает эпохи прекрасного искусства Мебель и декор в стиле модерн — главная характеристика модерна. Оформление в марокканском стиле «Тысяча и одна ночь» Инсталляция в стиле ретро — мебель и цвета 60-х Современный дизайн интерьера и изысканный стиль стимпанк. Декор в стиле поп-арт — выразительный и художественный. Эклектичный стиль оформления — это не хаос, а смешение стилей. Дизайн интерьера современной квартиры в урбанистическом стиле. 18 идей для современного дома с двором в испанском стиле

Курсы по архитектуре и дизайну интерьера

АРКА Х 443.16

Этот курс представляет собой интенсивное изучение истории декоративного искусства с упором на практическое применение в современном дизайне интерьера.

Следующая дата начала: TBA

АРКА X 443,40

Этот концентрированный шестинедельный курс исследует уместность, время, эстетику, функции и доступность аксессуаров в дизайне жилых интерьеров.

Формат: удаленный

Следующая дата начала: 6 января 2022 г.

АРКА X 498.10

Этот курс демонстрирует вербальные и графические навыки, необходимые для создания идеального портфолио и дизайна презентации.

Формат: удаленный

Следующая дата начала: 6 января 2022 г.

АРКА Х 468.6Б

Этот продвинутый курс SketchUp разработан, чтобы дать вам необходимые навыки для разработки модели для презентаций и конструирования.

Формат: онлайн

Следующая дата начала: 25 октября 2021 г.

АРКА 707

Краткий обзор инструментов и методов, используемых для создания эффективных архитектурных фотографий практически любой камерой.

Следующая дата начала: TBA

АРКА 700

Узнайте о карьерных возможностях и преимуществах нашей национальной программы магистра архитектуры интерьера и о том, как она поможет вам достичь ваших личных и профессиональных целей.

Формат: информационная сессия

Следующая дата начала: 28 октября 2021 г.

АРКА Х 497.5

Этот курс служит введением в бизнес-процедуры, встречающиеся в практике дизайна интерьера.

Формат: удаленный

Следующая дата начала: 4 января 2022 г.

АРКА 708

Откройте для себя множество архитектурных и интерьерных стилей Города Ангелов.

Следующая дата начала: TBA

АРКА X 452.1

Этот курс охватывает изучение восприятия цвета, его перестановок и размеров с использованием как традиционных, так и современных методов.

Формат: удаленный | Онлайн | Лично

Следующая дата начала: 3 января 2022 г.

АРКА Х 471.125

Этот семинар и студийный курс исследуют идеи, воображение и вдохновение, лежащие в основе разработки концепций дизайна.

Формат: удаленный

Следующая дата начала: 4 января 2022 г.

АРКА X 443,17

Этот курс представляет собой интенсивное изучение истории декоративного искусства с акцентом на то, как азиатский и исламский стили повлияли на барокко и рококо, которые, в свою очередь, повлияли на модерн.

Следующая дата начала: TBA

АРКА X 443.18

Этот курс представляет собой интенсивное изучение истории декоративного искусства с акцентом на то, как древнеегипетский, греческий и римский стили повлияли на ранний и поздний неоклассицизм, что, в свою очередь, повлияло на ар-деко.

Формат: удаленный

Следующая дата начала: 17 февраля 2022 г.

АРКА Х 467.17А

Этот начальный курс дизайна интерьера фокусируется на базовом рисовании и черчении от руки.

Формат: удаленный | Онлайн | Лично

Следующая дата начала: 3 января 2022 г.

АРКА X 466E

Этот курс исследует весь спектр построенных линейных рисунков, включая аксонометрию, одноточечную перспективу и создание моделей.

Формат: удаленный | Онлайн | Лично

Следующая дата начала: 3 января 2022 г.

АРКА X 466F

Этот курс помогает студентам переводить двухмерные планы этажей в трехмерные пространства.

Формат: удаленный | Лично

Следующая дата начала: 4 января 2022 г.

АРКА Х 468.20

Этот практический курс знакомит дизайнеров с Adobe Photoshop и Illustrator. Узнайте, почему использование этих профессиональных инструментов важно для творческого процесса проектирования.

Формат: удаленный | Онлайн

Следующая дата начала: 4 января 2022 г.

АРКА Х 468.5А

Этот курс охватывает основные команды AutoCAD, используемые для создания и редактирования двухмерных чертежей САПР.

Формат: удаленный | Онлайн

Следующая дата начала: 6 января 2022 г.

АРКА X 468.13A

Этот практический семинар знакомит с основными концепциями и инструментами Revit, программы информационного моделирования зданий для архитекторов и дизайнеров интерьеров.

Формат: Интернет | Удаленный | Лично

Следующая дата начала: 4 января 2022 г.

АРКА X 468.5B

Это продолжение Digital Presentation II охватывает основные команды, необходимые для построения и просмотра в 3-D. Инструкция охватывает точное рисование стен, дверей, окон, деталей и других трехмерных объектов.

Формат: онлайн

Следующая дата начала: 4 января 2022 г.

АРКА X 438.13B

Этот расширенный курс Revit охватывает команды редактирования, обмен информацией, инструменты просмотра, визуализацию, аннотации и конструкторские документы.

Формат: удаленный | Лично

Следующая дата начала: 8 января 2022 г.

АРКА X 454A

Это введение в основы дизайна поможет вам развить навыки восприятия, чувствительность, творческую осведомленность и технические способности, необходимые для работы с различными средами дизайна.

Формат: Интернет | Удаленный | Лично

Следующая дата начала: 3 января 2022 г.

АРКА X 454B

Этот курс изучает абстрактное структурирование в 2-х и 3-х мерном дизайне, использование строительных материалов и основы модульных систем, их модификаций и вариаций.

Формат: Интернет | Удаленный | Лично

Следующая дата начала: 3 января 2022 г.

АРКА X 443,45

Этот курс исследует принципы и применение фен-шуй в дизайне интерьера.

Следующая дата начала: TBA

АРКА 703

Этот курс представляет собой юмористическую и увлекательную прогулку по истории внутренней архитектуры, дизайна интерьера, мебели и аксессуаров.

Следующая дата начала: TBA

АРКА 704

Этот курс представляет собой юмористическую и увлекательную прогулку по истории внутренней архитектуры, дизайна интерьера, мебели и аксессуаров.

Следующая дата начала: TBA

АРКА Х 438

Этот курс предлагает введение в процесс дизайна коммерческих и жилых интерьеров.Узнайте о принципах дизайна, истории дизайна в Лос-Анджелесе и Южной Калифорнии и многом другом.

Формат: удаленный | Лично

Следующая дата начала: 3 января 2022 г.

АРКА Х 461,4

Этот курс исследует процесс проектирования мебели, от стадии концепции до разработки продукта.

Следующая дата начала: TBA

АРКА 706

Вдохновитесь внесением некоторых изменений с помощью простых для понимания «решений» дизайна интерьера, которые помогут вам обновить и изменить стиль вашего дома в Новом году.

Следующая дата начала: TBA

АРКА X 427.8A

Часть первая из четырех частей обзора экологического искусства западного мира.Этот курс охватывает эгейскую, греческую, римскую, раннехристианскую и византийскую культуры, включая раннее средневековье, романский и готический периоды.

Формат: удаленный

Следующая дата начала: TBA

АРКА X 427. 8B

Часть вторая из четырех частей обзорного курса по искусству окружающей среды западного мира, прослеживающего архитектуру от итальянского Возрождения до начала 19 века во Франции, Англии и Америке.

Формат: Интернет | Пульт

Следующая дата начала: 5 января 2022 г.

АРКА X 427.8C

Этот курс прослеживает архитектуру и декоративное искусство 19 века. Охваченные периоды включают Французскую империю, готическое возрождение, викторианскую эпоху, движение искусств и ремесел и другие.

Формат: удаленный | Онлайн

Следующая дата начала: TBA

АРКА X 427.8D

Часть четвертая из четырех частей обзорного курса по искусству окружающей среды западного мира, в котором прослеживаются основные направления в архитектуре, дизайне интерьеров, мебели и декоративном искусстве 20-го века.

Формат: удаленный | Онлайн

Следующая дата начала: 5 января 2022 г.

АРКА X 430C

Этот студийный курс рассматривает вопросы, связанные с планированием пространства в коммерческом дизайне. Студенты создают концепции дизайна для сложных многоуровневых требований проекта.

Формат: удаленный

Следующая дата начала: 3 января 2022 г.

АРКА Х 471.19

Этот студийный курс развивает способность студента решать сложные проектные задачи, включая вопросы анализа клиентов, планирования пространства и выбора компонентов интерьера.

Формат: удаленный

Следующая дата начала: 3 января 2022 г.

АРКА Х 433

Первый из серии студийных курсов, студентам предоставляется возможность применить фундаментальные принципы дизайна к планировке внутренних пространств с учетом эргономики и человеческого фактора.

Формат: удаленный | Лично

Следующая дата начала: 4 января 2022 г.

АРКА X 430A

Этот студийный курс знакомит студентов с процессом соединения комнат и пространств архитектурными прогулками. Студенты проектируют небольшой дом на одну семью и учатся создавать атмосферную среду.

Формат: удаленный | Лично

Следующая дата начала: 5 января 2022 г.

АРКА X 497.10

Этот курс служит введением в принципы договорного права применительно к отношениям между дизайнером интерьера и клиентом.

Формат: онлайн

Следующая дата начала: 4 января 2022 г.

АРКА X 497.11

Этот курс знакомит с основополагающими правовыми принципами, касающимися трудового права, права интеллектуальной собственности, закона о недобросовестной конкуренции и других конкретных юридических тем, применимых к бизнесу по дизайну интерьеров.

Формат: онлайн

Следующая дата начала: 2 ноября 2021 г.

АРКА 710

Этот семинар исследует, чему дизайнеры интерьера могут научиться, изучая фильмы.

Формат: удаленный

Следующая дата начала: 16 октября 2021 г.

АРКА Х 498.22

Этот курс исследует использование дизайна интерьера в кино, исследуя стили от неоклассики до модерна середины века.

Следующая дата начала: TBA

АРКА X 467.27B

Этот курс изучает основы строительства и материалов как коммерческих, так и жилых зданий.

Формат: удаленный

Следующая дата начала: 6 января 2022 г.

АРКА Х 498.12

Этот курс демонстрирует необходимые знания и методы для создания фотореалистичных визуализаций интерьеров с использованием 3ds Max и движка визуализации V-Ray.

Формат: удаленный

Следующая дата начала: TBA

АРКА 711

Узнайте о специальных возможностях iPad для разработки концепции на ранней стадии.

Формат: онлайн

Следующая дата начала: 20 ноября 2021 г.

АРКА Х 467.15

Этот курс охватывает базовые темы освещения, включая свет и текстуру, цвет, схемы крепления, схемы переключения и многое другое.

Формат: удаленный | Лично

Следующая дата начала: 4 января 2022 г.

АРКА Х 498

Этот заключительный студийный курс изучает методы интеграции архитектурного и интерьерного дизайна, а также механических и электрических элементов и систем.

Формат: удаленный

Следующая дата начала: 3 января 2022 г.

АРКА X 498.1

Эта передовая студия специализируется на независимых исследованиях и разработке индивидуального описания проекта и программы строительства.

Формат: удаленный

Следующая дата начала: 5 января 2022 г.

АРКА Х 467.11А

Этот курс знакомит с инструментами и методами, используемыми при фотографировании архитектуры, интерьеров, визуализации, планов, дизайнерских досок и масштабных моделей.

Формат: онлайн

Следующая дата начала: TBA

АРКА Х 473

Эта стажировка дает студентам возможность приобрести практический опыт работы в отрасли.

Формат: независимое обучение / стажировка

Следующая дата начала: 3 января 2022 г.

АРКА Х 498.2

Этот курс обеспечивает детальное изучение различных фаз проекта внутренней архитектуры, различая жилые и коммерческие, а также различные методы, относящиеся к маленьким и большим офисам.

Формат: удаленный

Следующая дата начала: TBA

АРКА 702

Введение в основы дизайна жилых интерьеров.

Следующая дата начала: TBA

АРКА Х 497

Продемонстрировать владение навыками и мыслительными процессами, лежащими в основе практики внутренней архитектуры.

Формат: удаленный

Следующая дата начала: 5 января 2022 г.

АРКА 709

Вводное руководство по реконструкции жилых домов для удовлетворения потребностей дизайнеров, домовладельцев и потенциальных покупателей в современном стиле жизни.

Формат: удаленный

Следующая дата начала: 10 ноября 2021 г.

АРКА Х 406.6

Этот вводный курс исследует текущую информацию о проблемах и подводных камнях реконструкции жилых домов.

Следующая дата начала: TBA

АРКА Х 468.6А

Этот всеобъемлющий практический семинар охватывает основные команды 2-D и 3-D, необходимые для создания 3-D объектов в SketchUp.

Формат: онлайн

Следующая дата начала: 3 января 2022 г.

АРКА 705

Узнайте, как быстро передать свои идеи с помощью набросков на этом бесплатном семинаре.

Следующая дата начала: TBA

АРКА X 427,7

Этот вводный курс по поверхностным материалам для дизайнеров интерьера охватывает выбор и использование текстиля, настенных покрытий, твердых и мягких поверхностей, напольных покрытий, ковров, керамической и виниловой плитки, дерева и пластика.

Формат: удаленный | Лично

Следующая дата начала: 4 января 2022 г.

АРКА Х 467.55

Этот курс посвящен устойчивому дизайну, а также процессам и инструментам для внесения изменений в использование ограниченных ресурсов нашей планеты.

Формат: удаленный

Следующая дата начала: TBA

АРКА X 427.20

Это введение в правила строительства и безопасности жизнедеятельности охватывает несколько важных аспектов соответствия нормам, от разработки проекта до управления строительством.

Формат: удаленный

Следующая дата начала: 5 января 2022 г.

Механизм культуры: 2014

Рококо был стилем не только изобразительного или декоративного искусства, но также музыки, литературы, театра, моды и садового дизайна. Интерьеры в стиле рококо отличались витиеватостью, пастельными тонами, изогнутыми линиями, ракушками, галькой и цветочными мотивами.Действительно, термин «рококо» происходит от французского rocaille (камень) и coquilles (ракушка) (http://en.wikipedia.org/wiki/Rococo). Другие формы искусства следовали беззаботному духу визуальных элементов рококо; например, в литературе и театре рококо есть темы чувственности, легкомыслия и остроумия.

Прежде чем объяснять влияние рококо на другие формы искусства, стоит упомянуть несколько широко известных произведений в стиле рококо. Картина Жана Оноре Фрагонара «Качели» воплощает кокетливый характер рококо, а также пастельные тона и цветочные мотивы.Кроме того, Wieskirche в Штайнгадене, Германия (показанная ниже) является ярким примером богато украшенного интерьера в стиле рококо. Стулья Chippendale также были торговой маркой дизайна мебели в стиле рококо.

Жан-Оноре Фрагонар «Качели», http://www.bc.edu/bc_org/avp/cas/his/CoreArt/art/ancien. html

Wieskirche, http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Wieskirche_rococo_interior.jpg

Стул Чиппендейл, http://www.museumfurniture.com/chippendale/

Музыка рококо также была сложной, беззаботной и игривой, с большой тональностью.Музыкальное произведение в стиле рококо можно услышать на сайте http://www.youtube.com/watch?v=3pOn6oCprpw (Чайковский, Вариации на тему рококо).

Соответственно, цель «философии рококо литературного производства». .было вводить новшества, доставлять удовольствие и создавать сообщества »(рецензия Amazon на книгу Эллисон Стедман« Художественная литература в стиле рококо во Франции, 1600-1715: Seditious Frivolity (Transits: Literature, Thought & Culture, 1650-1850) »). In Stedman’s В книге (первая глава которой доступна в Интернете) автор исследует эти чувственные, часто экспериментальные литературные произведения.Она также освещает женщин-писателей в стиле рококо, таких как д’Ольнуа, Лерьье, Мюрат и Дюран. http://www.amazon.com/Rococo-Fiction-France-1600-1715-Literature/dp/1611484367.

Что касается театра рококо, «в книге Рококо говорится, что никакая другая культура» не создала более остроумного, элегантного и дразнящего диалога, полного неуловимого и маскирующего языка и жестов, утонченных чувств и тонкой критики «, чем театр рококо. особенно Франции »(Рококо — Google Libri, Books.google.it, полученный из http://en.wikipedia.org/wiki/Rococo). Адаптации итальянских театральных произведений Commedia dell’Arte были заметны в период рококо. В этих пьесах представлены стандартные персонажи, такие как «разлученные любовники … высокомерный солдат … тиранический страж и часто заблуждающаяся пожилая женщина» (http://rococoperiodstyles.wordpress.com/2013/05/31/the-french- рококо/). Сами театральные здания во время рококо были цветочными и богато украшенными, например, Residenztheater в Мюнхене, Германия, который сравнивается с (более сильно украшенным) Teatro alla Scala в Милане.

Residenztheater, http://kulturreise-ideen.de/theater/theatergeschichte/Tour-historische-theater-deutschland-oesterreich-schweiz.html

Видеотрейлеры на http://vimeo.com/residenztheater показывают типы театральных постановок за последнее время в Residenztheater, а также в спектаклях текущего сезона (хотя веб-сайт на немецком языке, видео по-прежнему демонстрируют визуальный опыт этих спектаклей). Хотя некоторые из этих драм кажутся беззаботными, другие кажутся более серьезными и интенсивными и отклоняются от первоначального замысла этого театра в стиле рококо!

Мода рококо тоже была вычурной и декоративной.Женщины носили широкие юбки, чтобы подчеркнуть пышные формы; иногда юбки были настолько широкими, с обручами и слоями ткани, что женщинам приходилось проходить через двери боком. Сайт Метрополитен-музея подробно исследует платье в стиле рококо и содержит изображения моды и текстиля в стиле рококо. «Элегантная жизнь восемнадцатого века протекала среди зеркал, отражавших непосредственное, а некоторые сказали бы эфемерное сияние моды» (Иволга Каллен, Музей Виктории и Альберта, http: // www. metmuseum.org/toah/hd/eudr/hd_eudr.htm).

http://www.metmuseum.org/toah/works-of-art/2001.472

По иронии судьбы, один из самых известных садов рококо находится в Англии, хотя в основном англичане держались подальше от стиля рококо (они тоже думали, что это Французский) или производил менее фривольные рисунки в стиле рококо. Однако сад Пейнсвик в стиле рококо в Глостершире олицетворяет богатую и органичную красоту садового дизайна в стиле рококо. Как видно на двух картинках ниже, дизайн сада в стиле рококо гораздо более свободный и извилистый, чем упорядоченное барокко.

http://www.gardens-guide.com/gardenpages/_0026.htm

http://www.icotswolds.com/rococo-garden/

Видео на http://www.rococogarden.org.uk/AboutUs/TheGardenWalk.aspx представляет собой виртуальную прогулку по пышным красивым садам Пейнсвик в стиле рококо.

И отсылка к рококо в поп-культуре … Мадам дю Барби, 1997.

http://barbie.vystrcil.com/bobmackie.htm

Сводка полезных ссылок:

http: // www.youtube.com / watch? v = 3pOn6oCprpw

http://vimeo.com/residenztheater

http: / /www.metmuseum.org/toah/hd/eudr/hd_eudr.htm

http://www.rococogarden.org.uk/AboutUs/TheGardenWalk.aspx

.

V&A · Стиль рококо – введение

Рококо был, пожалуй, самым бунтарским из стилей дизайна. Часто описываемый как окончательное выражение движения барокко, он был исключительно декоративным и театральным — стиль без правил. По сравнению с порядком, утонченностью и серьезностью классического стиля рококо считалось поверхностным, дегенеративным и нелогичным.

Рококо впервые появился во Франции в 1720-х и 30-х годах как стиль, разработанный мастерами и дизайнерами, а не архитекторами, что объясняет, почему он встречается в основном в мебели, серебре и керамике.

Рококо получил свое название от французского слова rocaille, что означает скала или разбитая раковина – природные мотивы, которые часто составляли часть узоров, наряду с рыбами и другими морскими украшениями. Лист аканта ( Acanthus mollis ), или, скорее, сильно стилизованная его версия, также был фирменным мотивом. Еще одной ключевой особенностью дизайна является изогнутый асимметричный орнамент, форма которого часто напоминает буквы «S» и «C», а одна половина рисунка не соответствует другой.

Рококо процветало в английском дизайне между 1740 и 1770 годами. Впервые оно появилось в Англии в серебре и орнаментальной гравюре в 1730-х годах, когда ключевую роль в его развитии сыграли художники-иммигранты и ремесленники, в том числе беженцы-гугеноты из Франции, такие как Поль де Ламери. распространение.

Большое значение имела также Академия Сент-Мартинс-Лейн, известная сегодня как Королевская академия художеств, которая была организована в 1735 году художником Уильямом Хогартом (1697–1764) из кружка художников и дизайнеров, собравшихся в кофейне Слотера на верхнем этаже. конец Сент-Мартинс-лейн, Лондон. Этот художественный набор, в который входили, среди прочего, книжный иллюстратор Юбер-Франсуа Гравело (169 г.9 — 1773) и художник Андиен де Клерман (умер в 1783 г.), а уроки рисования, которые они проводили в академии, оказали большое влияние на введение и продвижение стиля рококо в Англии.

Многие считали, что стране не хватает дизайна и необходимых навыков, чтобы конкурировать с импортными французскими товарами, что привело к инициативам по улучшению стандартов дизайна в те годы, когда рококо был в ходу в Великобритании. С 1742 года дизайнеры мебели и краснодеревщики Матиас Лок и Генри Копленд опубликовали серию гравюр, на которых была представлена ​​​​характерно британская форма завитков в стиле рококо. Этот стиль получил широкое распространение в резьбе по дереву и других декоративных работах и ​​впоследствии доминировал в дизайне британского рококо до середины 1760-х годов. Впервые в Британии большинство гравюр имели оригинальный дизайн, а не копии континентального производства. Тем не менее, британские дизайнеры продолжали подражать современным французским изделиям из серебра, фарфора и мебели, которые производились в верхней части рынка.

В 1740-х и 1750-х годах в Англии было издано множество сборников орнаментов в стиле рококо, выпущенных Локком и Коплендом. Их популярность обусловлена ​​сложными и неправильными трехмерными формами стиля рококо и его упором на разнообразие и изобретательность, что предъявляло высокие требования к навыкам проектирования и моделирования британских мастеров. Эти проекты были в основном предназначены для мастеров и дизайнеров и оказали огромное влияние на распространение стиля рококо. Вместо того, чтобы копировать весь дизайн, резчики по дереву черпали их для вдохновения, вырезали и добавляли свои собственные идеи.

Самый влиятельный отдельный набор оттисков выкроек был выпущен в виде сборника дизайнов мебели. «Директор джентльмена и краснодеревщика» Томаса Чиппендейла Старшего был опубликован сначала частями, а затем в виде сборника в 1754 году. Эта книга открыла новые горизонты как в качестве источника дизайнерских идей, так и в качестве сборника образцов для потенциальных клиентов. Выкройки оказали наибольшее влияние на мелких производителей мебели, в основном за пределами Лондона.

Откройте для себя выбор принтов с узорами из Директора джентльменов и краснодеревщиков в нашем слайд-шоу ниже:

Фоновое изображение: Эскиз рамы в морской тематике, пластина № 187 в книге «Джентльмен и директор краснодеревщика» Томаса Чиппендейла, издание 1762 года, Лондон. Музей №. 2594. © Музей Виктории и Альберта, Лондон,

Рококо: стиль и декор

Истоки и история рококо

Кредит: Википедия

Стиль рококо, также известный как позднее барокко, возник во Франции в начале 1700-х годов. Термин рококо происходит от французского слова «rocaille», что означает декоративный камень или работу из ракушек. Этот стиль проявляется в архитектуре, декоративно-прикладном искусстве и изобразительном искусстве того времени.

Стиль рококо ассоциируется с правлением короля Людовика XV и представляет собой более легкое исполнение стиля барокко. В то время как в барокко было больше драматизма и тяжелых эмоций, рококо столь же декоративен, но в более беззаботной манере.

Стиль рококо олицетворял собой светскую высокую моду, в то время как стиль барокко был направлен на демонстрацию силы церкви.

Первоначально рококо развивалось в интерьерах и декоративно-прикладном искусстве, но вскоре распространилось и на архитектуру. Это был светский стиль, используемый для интерьеров частных резиденций, но он имел духовный аспект, который привел к его использованию и в церковных интерьерах, особенно в Португалии и Центральной Европе.

Этот стиль использовался, в частности, для оформления специальных помещений, таких как салоны, которые предназначались для приема гостей и проведения собраний. Французские аристократы предпочитали этот стиль, и вскоре он стал популярен среди большей части аристократического класса, который хотел продемонстрировать, что они модны. В 18 веке он стал популярен в Европе, особенно в Польше, Германии и России.

Дизайн интерьера в стиле рококо

Авторы и права: Peter H на Pixabay

Для тех, кто любит стиль 17-го и 18-го века, стиль рококо является фаворитом для интерьеров.

Именно поэтому он лучше подходит для домов с большим бюджетом на интерьер и отделку. Все в рококо неизбежно богато, хотя и смягчено по сравнению со стилем барокко.

Стиль рококо в вашем доме:

Пастельная цветовая палитра

Фото: Cottonbro от Pexels

Использование светлых пастельных тонов является важным фактором, и они сочетаются с золотым, серебряным, полированным мрамором и белым цветом слоновой кости. Цвета и материалы, используемые в комнатах в стиле рококо, должны быть роскошными, но визуально легкими. Эта цветовая палитра выдержана во всем, от стен и потолков до картин и мебели.

Кривые линии и асимметричные значения

Кредит: Simi Iluyomade на Unsplash

Вы можете забыть о симметрии и больше сосредоточиться на широких формах и свитках. Плавные линии и округлые формы – черты стиля рококо.

Сложный орнамент

Фото: Sophie Louisnard на Unsplash

Можно использовать элементы китайского стиля, такие как гобелен с восточным пейзажем или китайский веер, поскольку восточная роскошь повлияла на стиль рококо. Могут быть добавлены фигуры или изображения мифологической или эротической тематики. Подумайте об образах амуров, нимф и древних богов. Также можно использовать зеркала или картины в позолоченных рамах или старинные часы. Узорчатые ковры и тяжелые портьеры будут органично смотреться в комнате в стиле рококо.

Роскошные материалы

Предоставлено: Mathias P.R. Reding на Unsplash

Ткани, добавляющие нотку элегантности, такие как шелк, атлас или бархат, могут использоваться для изготовления постельных принадлежностей, обивки и т. д. Изысканные ткани с вышивкой придают дорогой вид. Хрустальные светильники, статуэтки или вазы придают комнате нотки рококо.

Удобная, но роскошная мебель

Фото: metmuseum.org

Массивный камин в гостиной с полками. Элегантные письменные столы и скамейки или декоративные столы. Мягкие кресла, диван или кушетка из дорогих материалов. Стулья, столы или диваны с резными и закругленными ножками. Если вы посмотрите на мебель, созданную Жюст-Орель Мейссонье (1695-1750), вы получите представление о том, как выглядела мебель в стиле рококо в ту эпоху. Его экстравагантная и декоративная мебель была характерна для стиля рококо.

Примеры стиля рококо:

Качели

Кредит: khanacademy .org

Картина Жана-Оноре Фрагонара «Качели» — это картина в стиле рококо, которая остается непревзойденной по романтике и фривольности. Он был заказан бароном Луи-Гийомом Байе де Сен-Жюльеном, который хотел нарисовать его, смотрящего на юбку своей любовницы.

Мужчина в костюме смотрит на нее с влюбленной улыбкой на лице. Позади нее в тени стоит пожилой мужчина, дергая поводья качелей. Навязчивая деталь и гедонистический сюжет картины делают ее иконой стиля рококо. Эта картина 1767 года остается источником визуального удовольствия и творческого вдохновения.

«Любовное письмо», Франсуа Буше

Фото: Wikimedia.org

«Любовное письмо» (1750 г.) — картина Франсуа Буше, написанная маслом на холсте и являющаяся еще одним образцом стиля рококо. Эта картина известна и под другими именами; «Два доверенных лица», «Тайная почта влюбленных» и «Посланник».

На нем изображены две молодые женщины, лежащие в пышном саду или, может быть, в лесистой сельской местности.

Однако, как и другие персонажи Буше, эти женщины не обращают внимания на свои обязанности и предпочитают проводить день, бездельничая, собирая цветы и отправляя письма. Художник усиливает визуальный опыт своей изысканной кистью и тонкой игрой со светом и тенью. Жан Оноре Фрагонар был одним из лучших учеников Буше и позже использовал его стратегию в своих работах.

Версальский дворец

Кредит: Зигмунд на Unsplash

Версальский дворец или Версальский дворец является архитектурным образцом стиля рококо. Этот роскошный дворец был построен Людовиком XIV и имеет 700 комнат и обширные сады. Архитектор Луи Ле Вау, декоратор интерьеров Шарль Ле Брун и ландшафтный дизайнер Андре Ле Нотр работали над воплощением постройки в величественном стиле французского барокко.

Повсюду массивная мраморная отделка, сильно позолоченная гипсовая лепнина, красно-золотая обивка и скульптурные буфеты. Зеркальный зал во дворце — одна из самых известных комнат, которую посещают туристы со всего мира.

И есть 17 зеркальных арок, отражающих 17 аркадных окон, которые выходят на прекрасные дворцовые сады. В каждой арке 21 зеркало, арки закреплены между мраморными пилястрами с вырезанными на них бронзовыми символами Франции. Экстравагантные сады Версальского дворца также были вдохновлены стилем рококо с цветочными партерами, скульптурами, фонтанами и ухоженными газонами.

Дворец Солитьюда

Кредит: schloss-solitude .de

Дворец Солитьюда — прекрасно сохранившийся дворец, которому удалось пережить века, оставаясь удивительно неизменным. По заказу герцога Карла Ойгена это уникальное сочетание рококо и классицизма.

У него два этажа, окружающая терраса и перрон, как и у других старых увеселительных построек того времени. Однако помещения дворца были сравнительно вполне современными, так как их декор отражает переход от рококо к классицизму. В этой структуре почти нет плоской поверхности, которая не украшена. Повсюду бросается в глаза богатая орнаментация, цветы, фигуры и позолота.

Лакированные столы с шинуазри и пастельными тонами отражают элементы, характерные для позднего рококо. Проекты были начаты французским архитектором Филиппом де ла Гипьером и закончены Рейнхардом Фердинандом Генрихом Фишером. Увеселительные пруды, театры из живых изгородей и лабиринты в строго организованном саду были типичными чертами стиля рококо.

Екатерининский дворец / Царское Село

Фото: tsarvoyages.com

Екатерининский дворец в Санкт-Петербурге, Россия, является одним из крупнейших дворцов в стиле рококо в мире. Это была летняя резиденция русских царей и находится примерно в 25 километрах от города в Пушкине.

Дворец строился четыре года и был завершен в 1756 году. Позже Екатерина Великая изменила и фасад дворца. Дворец является великолепным образцом стиля барокко и славится роскошным внешним видом. Лепной фасад был сложным и облицован более чем 100 килограммами золота. Крышу украшали статуи, а в качестве декоративных элементов — атланты, пилястры и кариатиды с позолотой, покрывающей поверхности. Интерьеры дворца выполнены Растрелли в стиле рококо. Мраморные амуры и богато украшенные перила украшают Парадную лестницу.

Зал Света или Большой Зал представляет собой полную ширину дворца в его 1000 квадратных метров. Он обеспечивает вид в обоих направлениях и имеет высокие арочные окна.

Дизайн интерьера в стиле рококо воплощает в себе изысканность, чувственность, элегантность, таинственность и комфорт. Если вы хотите, чтобы ваш дом выглядел элегантно и гламурно, стиль рококо — идеальный выбор. Пастельные оттенки и позолоченный гламур делают его популярным стилем дизайна интерьера, с которым вы не ошибетесь. Это больше, чем стиль интерьера, это образ жизни.

Если вы хотите прочитать больше статей, подобных этой, не стесняйтесь посетить нашу главную домашнюю страницу, чтобы увидеть самую последнюю статью, или перейдите на вкладку «Статья» на вкладке заголовка, чтобы просмотреть статьи по категориям. Мы регулярно обновляем статью 5 и 20 числа каждого месяца.

И если вы хотите связаться с нами, не стесняйтесь найти нас на странице Facebook Design by Bareo.

До скорой встречи 🙂

Оригинал статьи: –

Редактировать и проверять: Than.

Перевести: AP Studio

Поделиться публикацией

Цвет Таиланда

Искусство и культура ru, автор: The Clover enBy admin .bareo 10 апреля 2022 г.

ЦВЕТА ТАИЛАНДА EN TH  The Clover апрель 2022 г.  Искусство и культура Таиланд — страна с долгой историей и богатой культурой со множеством интересных мест. традиции. В течение года по всей стране проходит множество увлекательных фестивалей. Есть много разных событий, но 6 фестивалей, в частности, особенные.…

Подробнее

Индиго краситель

Искусство и культура en, Руководства по декору En, Living Young En, автор: Beyond En, автор: The Clover enBy admin .bareo 10 марта 2022 г.

Indigo Dye EN TH  The Clover март 2022 г. Living Young Индиго краситель или индиго синий считается старейшим текстильным красителем в мире. Это уникальный темно-синий цвет с зеленоватыми оттенками. Традиционное искусство создания этого красителя передавалось из поколения в поколение и используется до сих пор. Почти…

Подробнее

De Stijl: стиль и декор 10 февраля 2022 г. художественное движение под названием De Stijl. Этот контекст поможет вам понять основную концепцию, а также позволит вам оценить внешний вид Мондриана и многое другое. Вы получите представление о его происхождении и развитии…

Подробнее

Поп-арт: стиль и декор

Архитектура, искусство и культура, руководства по декору, автор: The Clover enBy admin .bareo 10 января 2021 г. Движение поп-арта 1950–1960-х годов действительно оставило свой след и в последнее время снова стало популярной темой. Если вы интересуетесь культурой поп-арта и хотите узнать больше…

Подробнее

Арт-деко: стиль и декор

Архитектура En, Искусство и культура en, Руководства по декору En, автор: The Clover enBy admin . bareo 10 декабря 2021 г.

Art Deco: Style & Decor EN TH  The Clover Декабрь 2021 г.  Искусство и культура в стиле ар-деко создают Вернись? Да! И если вам интересен этот эффектный стиль 20 века, мы вам все расскажем! Истоки и история ар-деко Кредит: Библиотека Конгресса на Unsplash…

Подробнее

Ар-нуво: стиль и декор

Архитектура En, Искусство и культура en, Руководства по декору En, автор: The Clover enBy admin .bareo 25 ноября 2021 г.

Art Nouveau: Style & Decor EN TH  The Clover ноябрь 2021 г.  Art & Culture Origins and History of Art Модерн Модерн — это орнаментальный стиль искусства, распространенный между 1890 и 1910 годами в Европе и Соединенных Штатах. Он характеризовался использованием длинных и извилистых органических линий и применялся…

Подробнее

Рококо: стиль и декор

Искусство и культура en, Руководства по декору En, автор: The Clover enBy admin . bareo 5 ноября 2021 г.

Rococo: Style & Decor EN TH  The Clover ноябрь 2021 Искусство и культура Истоки и история рококо Кредит: Википедия Стиль рококо, также известный как позднее барокко, возник во Франции в начале 1700-х годов. Термин рококо происходит от французского слова «rocaille», что означает декоративный камень или работу из ракушек. Этот стиль…

Подробнее

Барокко: стиль и декор

Искусство и культура en, Руководства по декору En, автор: The Clover enBy admin .bareo 20 октября 2021 г.

Барокко: Стиль и декор EN TH  The Clover  октябрь 2021 г.  Искусство и культура Стиль барокко Фото: Alexandre Brondino на Unsplash Барокко — очень сложный и богато украшенный стиль из Европы 17 века. Хотя оно зародилось в Италии, оно начало распространяться на Францию, а затем влияние барокко быстро распространилось по…

Подробнее

ПОДРОБНЕЕ

АРХИТЕКТУРЫ В ИТАЛЬЯНСКОМ СТИЛЕ В ТАИЛАНДЕ

АРХИТЕКТУРЫ В ИТАЛЬЯНСКОМ СТИЛЕ В ТАИЛАНДЕ EN TH The Clover Сентябрь 2022 г. Архитектура Примерно в 1857 году тайская архитектура начала адаптироваться к концепции изменений в обществе, культуре и правительстве. Это привело к развитию острова Раттанакосин, и было построено множество храмов, дворцов, дорог, мостов через каналы и памятников. Итальянский…

Подробнее

ЧУДЕСНЫЕ АРХИТЕКТУРЫ ТАИЛАНДА

MARVEL ARCHITECTURES OF THAILAND EN TH  The Clover август 2022 г. Жить молодым Большинство людей знакомы с известными архитектурными сооружениями, такими как Эйфелева башня в Париже или Колизей в Риме. Пока вы путешествуете повсюду, чтобы посмотреть на эти места, вы также должны рассмотреть архитектурные чудеса, которые стоит посетить в Таиланде.…

Подробнее

Люстра в интерьере

ЛЮСТРА в дизайне интерьера RU TH  The Clover, июль 2022 г. Руководства по декору Введение Если вы ищете вариант окружающего освещения, который также выступает в качестве элемента декора в вашем помещении, возможно, вы захотите рассмотреть люстры. В этой статье вы узнаете об этих эстетичных светильниках, которые выдержали испытание…

Подробнее

Свет и дизайн

СВЕТ И ДИЗАЙН RU  The Clover Июнь 2022 г. Руководство по декору Введение Свет играет огромную роль во всей нашей жизни. Здесь мы более подробно поговорим о важности освещения в дизайне интерьера. Наш дом — это место, где мы проводим большую часть времени, поэтому интерьер влияет на нашу жизнь.…

Подробнее

Освещение в дизайне интерьера

Освещение в дизайне интерьера RU TH  The Clover May 2022 Руководство по декору Введение В этой статье мы познакомим вас с освещением, используемым в дизайне интерьера. Основное внимание будет уделено цветовой температуре и освещенности, подходящей для каждой комнаты. Прочитав это, вы поймете, как выбирается интенсивность света для разных пространств.…

Подробнее

Цвет Таиланда

ЦВЕТА ТАИЛАНДА EN TH  The Clover апрель 2022 Искусство и культура Таиланд – страна с многовековой историей и богатой культурой со множеством интересных традиций. В течение года по всей стране проходит множество увлекательных фестивалей. Есть много разных событий, но 6 фестивалей, в частности, особенные.…

Подробнее

Индиго краситель

Краситель индиго EN TH  The Clover March 2022  Living Young Краситель индиго или синий индиго считается старейшим текстильным красителем в мире. Это уникальный темно-синий цвет с зеленоватыми оттенками. Традиционное искусство создания этого красителя передавалось из поколения в поколение и используется до сих пор. Почти…

Подробнее

De Stijl: стиль и декор

DE STIJL : Style & Decor EN TH  The Clover февраль 2022 г.  Искусство и культура Давайте посмотрим на художественное движение под названием De Stijl. Этот контекст поможет вам понять основную концепцию, а также позволит вам оценить внешний вид Мондриана и многое другое. Вы получите представление о его происхождении и развитии…

Подробнее

Поп-арт: стиль и декор

POP ART: Style & Decor EN TH  The Clover, январь 2022 г.  Искусство и культура. Введение. Авторы и права: MoMA.50-е-1960-е действительно оставили свой след и в последнее время снова стали популярной темой. Если вы интересуетесь культурой поп-арта и хотите узнать больше…

Подробнее

Арт-деко: стиль и декор

Арт-деко: стиль и декор RU TH  The Clover, декабрь 2021 г.  Искусство и культура Возвращение ар-деко? Да! И если вам интересен этот эффектный стиль 20 века, мы вам все расскажем! Истоки и история ар-деко Кредит: Библиотека Конгресса на Unsplash…

Подробнее

ПОДРОБНЕЕ

Лунный свет в городе (Часть 2): Сон на луне RU

Лунный свет в городе (Часть 2) : Сон на луне Бангкок, Тайланд Кондоминиум 2-6 человек 300 кв.м. Современная роскошь О нас Спите спокойно и наслаждайтесь прекрасным сладким сном в безмятежной и ослепительной атмосфере, как будто вы спите на Луне. В прошлом месяце мы познакомили вас с общей площадью 300 квадратных метров…

Подробнее

Лунный свет в городе (Часть 1): Путешествие на Луну RU

Лунный свет в городе (Часть 1) : Путешествие на Луну Бангкок, Таиланд Кондоминиум 2-6 человек 300 кв. м. Современная роскошь О нас В городском хаосе расположилась квартира площадью 300 квадратных метров, безмятежная, элегантная и яркая, как лунный свет среди вселенной. Дизайн номера в стиле Modern Luxury с концепцией «The…

Подробнее

Чудесный подарок

The Wonderful Gift Бангкок, Таиланд Кондоминиум 4 чел. 66 кв.м. Современная роскошь О нас У каждого есть свои особенные люди, и мы всегда хотим подарить им что-то, чтобы сделать их счастливыми или поделиться с ними своим счастьем, будь то физический или нематериальный подарок, большой или маленький. Это один из проектов, представляющих…

Подробнее

Милость госпожи [Часть 2]

Mesdame’s Grâce [Часть 2] Бангкок, Таиланд 2-этажный дом 4 человека 122 кв.м. Classic Contemporary О нас Мы уже говорили о полуобщественной зоне нижнего этажа в Mesdame’s Grâce [Часть 1], поэтому в этом месяце мы познакомим вас со спальней дам дома. Дизайн каждой спальни в соответствии с предпочтениями каждого владельца…

Подробнее

Милость госпожи [Часть 1]

Mesdame’s Grâce [Часть 1] Бангкок, Таиланд 2-этажный дом 4 человека 122 кв.м. Классический современный О чистом белом, элегантном, милом и полном уюта — так можно назвать эту двухэтажную резиденцию, дизайн которой соответствует предпочтениям дам дома. Как назывался этот проект, «Mesdame’s» означает женские, а «Grace» — их удовольствие…

Подробнее

Пастельно-серая резиденция

Pastel Grey Residence Бангкок, Таиланд Кондоминиум 2 чел. 45 кв.м. Modern Contemporary О Pastel Grey Residence — это уютная жилая квартира площадью 45 квадратных метров, спроектированная в стиле Modern Contemporary, с акцентом на пространство и функциональность, а также создающая приятную и уютную атмосферу в помещении с использованием пастельных серых тонов. Space Living and Dining…

Подробнее

Чистый современный люкс

The Pure Modern Suite Бангкок, Таиланд Кондоминиум 5 человек 255,50 кв.м. Modern О проекте The Pure Modern Suite — это проект дизайна интерьера зоны общественного пользования для кондоминиума площадью 255,50 квадратных метров, выполненного в стиле модерн. Линии и формы используются для создания современной и элегантной атмосферы в доме. Натуральный…

Подробнее

Медицинский центр ARG [Часть 3]: Зал в вестибюле

Медицинский центр ARG [Часть 3] :: The Lobby Lounge :: Дакка, Бангладеш Медицинский центр 300 – 400 человек 1700 кв.м. Fusion Futuristic About Hospital больше не является единственным выбором для вас, чтобы проверить и позаботиться о своем здоровье. «Медицинский центр» — это альтернативный вариант, который вы можете с легкостью посещать ежегодно…

Подробнее

Медицинский центр ARG [Часть 2]: VIP-зал

Медицинский центр ARG [Часть 2] :: VIP-зал :: Дакка, Бангладеш Медицинский центр 300 – 400 человек 1700 кв. м. Fusion Futuristic About Hospital больше не является единственным выбором для вас, чтобы проверить и позаботиться о своем здоровье. «Медицинский центр» — это альтернативный вариант, куда вы можете с легкостью…

Подробнее

Марокканская современность

The Moroccan Contemporary Бангкок, Таиланд 2-этажный дом 3-5 человек 400 кв.м. Стиль Fushion О 2-этажной резиденции с марокканской и современной атмосферой. Каждое пространство разработано в соответствии с требованиями владельца, в то же время имеет максимально полное использование функций вместе с выбором цветов, которые делают резиденцию живой и яркой. Space Foyer Dining & Pantry 2nd…

Подробнее

ПОДРОБНЕЕ

Искусство рококо — взгляд на роскошный и беззаботный период рококо

Стиль рококо в декоративно-прикладном искусстве, архитектуре, интерьере, скульптуре и живописи зародился в Париже начала 18 века. Это буйное и элегантное движение распространилось по Франции и другим европейским странам, таким как Австрия и Германия. Стиль рококо роскошен, экстравагантен и беззаботен.

Содержание

• 1 Краткое введение в стиль рококо
  • 1.1 Происхождение термина рококо
• 2 История стиля рококо
  • 2.1 French Rococo
  • 2.2 Italian Rococo
  • 2.3 Southern German Rococo
  • 2.4 British Rococo
• 3 The Art and Design of the Rococo Period
  • 3.1 Rococo Interior Design
  • 3.2 Rococo Furniture
  • 3.3 Rococo Architecture : Барокко и рококо
  • 3.4 Рококо Живопись
  • 3.5 Рококо Скульптура
  • 3.6 Рококо Фарфор
  • 3.7 Рококо Музыка
  • 3.8 Рококо Мода
• 4 Постепенное снижение стиля Rococo
• 5 Знаменитые артисты Rococo
  • 5.1 Francois Boucher (1703-1770)
  • 5.2 Jean-Honore Fragonard (1732-1806)
  85 5 5. 3985 5.3985 5.3985
  • . )
  • 5.4 Elisabeth Louise Vigee le Brun (1755-1842)
  • 5.5 Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770)
  • 5.6 Giovani Antonio Canal (1697-1768)
  • 5.7 Thomas Gainsborough (1727-1788)

Краткое введение в стиль рококо

С точки зрения определения рококо, если когда-либо и существовал аристократический стиль французского искусства, то это рококо. Узоры в стиле рококо были невероятно театральными и декоративными, призванными произвести впечатление и сообщить о богатстве. Стиль рококо, отличающийся легкостью, изогнутыми формами, асимметричными значениями, природными мотивами и игривыми темами, поистине уникален.

Стиль эпохи рококо отличается причудливостью. По сравнению с предшествовавшим ему стилем барокко стиль рококо имел гораздо более светлую цветовую палитру. Легкость и элегантность пронизывают дизайн рококо с пастельными тонами, большим количеством золота и белым цветом слоновой кости. Многие дизайнеры интерьеров в стиле рококо использовали зеркала для создания ощущения легкости и простора.

Изогнутые формы были отличительной чертой дизайна рококо, с закрученными завитками и изогнутой мебелью. Контркривые и неровности отражали естественные формы, такие как растения и морские раковины. Изогнутые узоры включали змеевидные линии или извилистые линии, изгибавшиеся в разных направлениях, как лозы растений.

Одной из отличительных черт эпохи рококо является отсутствие точного баланса в орнаментальных элементах. Асимметрия есть как в отделке, так и в предмете мебели или архитектуры в целом. Мебель и архитектурные конструкции часто включали асимметричные завитки С-образной формы. Асимметричные значения также включали изображение ракушек и других форм, вдохновленных природой. Предметы мебели в стиле рококо, такие как шкафы и кушетки, часто имели несбалансированные декоративные элементы. Несмотря на отсутствие баланса в декоре, общее ощущение баланса сохраняется.

Особенно заметный декоративный мотив, используемый в живописи, скульптуре и дизайне интерьера в стиле рококо, вдохновлен природой. Многие из изогнутых форм были основаны на органических формах, таких как волны, морские раковины и другие мотивы морской тематики. Также были распространены мотивы листьев, с завитыми листьями виноградной лозы, похожими на стилизованные листья аканта. Хотя эти формы были органичными по своему вдохновению, они часто были преувеличены и позолочены.

Игривый и беззаботный сюжет – отличительная черта живописи и скульптуры в стиле рококо. Часто картины в стиле рококо были основаны на темах любви, игривости и природы. Классические мифы также были популярны среди художников рококо. Популярные темы рококо — еще один пример того, как дизайн рококо отвергает традиции стиля барокко.

Три орнаментальных мотива в стиле рококо, 1889 г.; Жюль Лашез, CC0, через Wikimedia Commons , и цемент. К концу 17 века люди стали использовать этот термин для описания декоративного мотива, возникшего в стиле позднего Людовика XIV. Этот орнаментальный мотив представлял собой морскую ракушку, переплетенную с листьями аканта.

Впервые термин rocaille был использован для обозначения определенного стиля в 1736 году ювелиром и дизайнером Жаном Мондоном. Мондон опубликовал каталог дизайнов мебели и других декоративных украшений в стиле рокайль. В этих конструкциях для мебели, декоративных дверных проемов и стеновых панелей использовались изогнутые раковины в сочетании с извилистыми лозами или пальмовыми листьями.

В 1825 году, почти столетие спустя, впервые был напечатан термин рококо. В этом контексте термин рококо описывал старомодный стиль прошлого века. Термин использовался на протяжении 19го века для описания архитектуры, музыки, скульптуры и дизайна, которые были чрезмерно декоративными. С тех пор искусствоведы приняли термин рококо как стиль европейского искусства 18-го века.

Несмотря на споры об историческом значении стиля рококо, он признан отдельным стилем европейского дизайна.

История стиля рококо

Стиль рококо начался с дизайна интерьера и мебели. Как реакция на строгую жесткость эпохи барокко, дизайн рококо был чрезмерно орнаментальным. Иногда историки искусства называют период рококо поздним барокко, который начался во Франции как реакция на формальный стиль Людовика XIV. Когда правление Людовика XIV закончилось, аристократы и богатые вернулись в Париж. Там они стали украшать свои дома в стиле рококо. Дизайнеры интерьеров, граверы и художники, в том числе Жюст-Орель Мейссонье, Николя Пино, Пьер Ле Потр и Жан Берен, разработали более интимный стиль украшения дворянских домов.

Французское рококо

Рококо процветало во Франции между 1723 и 1759 годами. Дизайн французского рококо был наиболее заметен в салонах. Салон представлял собой комнату нового стиля, которая была разработана, чтобы развлекать и впечатлять гостей. В парижском отеле Hotel de Soubise салон Princess является прекрасным примером салонов в стиле рококо.

Интерьер салона de la princesse в Hôtel de Soubise, Париж; NonOmnisMoriar, CC BY-SA 3.0, через Викисклад

Исключительное мастерство было определяющим фактором французского стиля рококо, особенно в рамах картин и зеркал. В этих рисунках часто использовались переплетенные формы растений, вылепленные из гипса и позолоченные. Эти извилистые изгибы и дизайн, вдохновленный природой, также были популярны в дизайне мебели. Ведущие французские мебельщики, такие как Шарль Крессент и Мессонье, были сторонниками стиля рококо.

Стиль рококо доминировал во французском искусстве и дизайне до середины 18 века, когда открытия римских древностей привели французскую архитектуру к неоклассическому стилю.

Итальянское рококо

Стиль рококо был особенно популярен в Италии. Венеция была эпицентром итальянского рококо. Итальянские конструкции в стиле рококо, такие как венецианские комоды, использовали те же декоративные украшения и изогнутые линии, что и французский rocaille , но с небольшими дополнениями. Многие венецианские картины были раскрашены цветами , пейзажами или сценами известных художников. Шинуазри, или европейское подражание китайским и другим восточноазиатским художественным традициям, также было популярно в итальянском рококо.

Джованни Баттиста Тьеполо был известным художником-декоратором периода итальянского рококо. Тьеполо расписывал потолки и фрески палаццо и церквей. В 1750-х годах Тьеполо вместе со своим сыном отправился в Германию, и они украсили потолки Вюрцбургской резиденции. Еще одним известным итальянским художником в стиле рококо был Джованни Баттиста Крозато. Кросато наиболее известен своей квадратурной росписью потолка бального зала Ca Rezzonico.

Потолочная фреска Тьеполо в Вюрцбургской резиденции; Myriam Thyes, CC BY-SA 4.0, через Wikimedia Commons 

Венецианская стеклянная посуда была важной частью итальянского периода рококо. Именно в это время процветало цветное и часто гравированное муранское стекло. Изделия из стекла, такие как зеркала с богато украшенными рамами и разноцветные люстры, экспортировались по всей Европе.

Южногерманское рококо

Именно в Южной Германии и Австрии стиль рококо достиг своего расцвета. Опубликованные работы французских архитекторов и дизайнеров представили стиль рококо Германии, и он продолжал доминировать в немецком искусстве и дизайне между 1730-ми и 1770-ми годами. В то время как немецкие дизайнеры и архитекторы черпали вдохновение во французских архитекторах, таких как Жермен Боффран, и дизайнерах интерьеров, таких как Жиль-Мари Оппенордт, немецкая архитектура и дизайн в стиле рококо поднялись на новую высоту.

Архитектурный стиль рококо был перенят немецкими архитекторами, которые нагрузили его еще более богатой отделкой и сделали его гораздо более асимметричным. Декоративный стиль рококо до сих пор доминирует в немецких церквях. Архитекторы создавали кривые и встречные кривые из лепного украшения, создавая узоры, которые изгибались и поворачивались, а стены и потолки не имели прямых углов. Особенно популярным мотивом была лепнина, которая, казалось, ползла по стенам и потолку. Это богато украшенное украшение часто было посеребренным или позолоченным, создавая потрясающий контраст с бледно-пастельными или белыми стенами.

Первым зданием в стиле рококо был павильон Амалиенбург в Мюнхене. Дизайнер и архитектор бельгийского происхождения Франсуа де Кювильес отвечал за проектирование этого здания и черпал вдохновение во французских павильонах Марли и Трианон. Павильон Амалиенбург изначально был построен как охотничий домик и имел платформу на крыше для охоты на фазанов. В интерьере был Зеркальный зал, созданный Иоганном Батистом Циммерманном. Экстравагантность этого здания была далеко за пределами архитектуры французского рококо.

Павильон Амалиенбург в Мюнхене, вид на восток; Цифровой кот, CC BY-SA 4.0, через Wikimedia Commons 

Еще одним исключительным примером немецкой архитектуры рококо является Вюрцбургская резиденция. Этот впечатляющий дворец имел более барочный внешний вид, но интерьер отражал легкий стиль рококо. Резиденция была спроектирована в консультации с французскими художниками Робером де Коттом и Жерменом Боффраном, а также Тьеполо, итальянским художником в стиле рококо, который создал фреску над трехуровневой лестницей. Лестница была центральным элементом этой резиденции, как и лестница во дворце Августусбург. Во дворце парадная лестница поднимала посетителей вверх через видение скульптуры, картин, украшений и изделий из железа.

Хотя стиль рококо с самого начала был светским стилем, в немецкий период было много церквей в стиле рококо. На протяжении 1740-х и 1750-х годов архитекторы в стиле рококо спроектировали несколько паломнических церквей по всей Баварии. Интерьеры этих церквей имеют ярко выраженный стиль рококо. Яркими примерами являются Верскирхе Доминикуса Циммермана, которая имела простой внешний вид с небольшим количеством украшений и простых цветов. Однако при входе в церковь вас встречает деамбулаторий овальной формы, который заливает церковь светом. Синие и розовые лепные колонны хора контрастируют с белыми стенами, а гипсовые ангелы окружают купольный потолок.

Британский рококо

Хотя влияние рококо не ощущалось в Великобритании так сильно, как в других странах Европы, британские шелка, фарфор и изделия из серебра действительно черпали вдохновение в стиле рококо. Теоретическая основа красоты рококо была частично заложена Уильямом Хогартом, который утверждал, что S-образные изгибы и волнообразные линии рококо являются основой красоты и изящества в природе и искусстве.

Стиль рококо не сразу пришел в Англию. Британская мебель долгое время следовала неоклассической модели Палладио под руководством дизайнера Уильяма Кента. Кент был влиятельной фигурой, проектировавшей мебель для лорда Берлингтона. Именно с лордом Берлингтоном Кент путешествовал по Италии между 1712 и 1720 годами. Кент привез идеи и модели Палладио и спроектировал мебель для Чизвик-хауса, дворца Хэмптон-Корт и Холкхэм-холла среди других.

Появление красного дерева в Англии около 1720 года было самым значительным событием в стиле рококо того времени. Наряду с ореховым деревом для изготовления мебели стало популярным красное дерево. Наиболее близок к стилю рококо был дизайнер мебели Томас Чиппендейл. Каталог дизайнов мебели в стиле шинуазри, рококо и готики под названием Справочник джентльменов и краснодеревщиков, , был опубликован Чиппендейлом в 1754 году. Хотя мебель Чиппендейла, безусловно, была вдохновлена ​​рококо, он не использовал инкрустации или маркетри в своей мебели. в отличие от французских дизайнеров.

Томас Джонсон был еще одной важной фигурой в британской мебели в стиле рококо. В 1761 году Джонсон опубликовал свой собственный каталог мебели в стиле рококо, в том числе мебель, основанную на индийских и китайских мотивах.

Искусство и дизайн эпохи рококо

Как вы видели, в Европе существовало множество вариантов дизайна. В то время как Южная Германия влюбилась в архитектуру рококо, англичане предпочитали мебель в стиле рококо. Будь то живопись, скульптура, мебель или архитектурный дизайн, мы можем увидеть особый стиль рококо.

Дизайн интерьера в стиле рококо

Дизайн интерьера был изюминкой периода рококо. Хотя стиль рококо стал доминировать в живописи, скульптуре и даже музыке, он начинался как стиль дизайна интерьера. В то время как в архитектуре обычно основное внимание уделяется внешнему дизайну, дизайнеры в стиле рококо привнесли его внутрь. Вершина дизайна интерьера в стиле рококо заключена в салоне.

Париж, Hôtel de Soubise, Музыкальная палата; Parsifall, CC BY-SA 3.0, через Викисклад

Что такое салон рококо?

Салон, очень похожий на салон или гостиную, предназначен для развлечения и впечатления гостей. Первоначально предназначенный для богатой аристократии, салон был местом, где они могли похвастаться своим невероятным богатством и вести интеллектуальные беседы. В то время философия Просвещения считала, что внешняя архитектурная среда поощряет определенный образ жизни.

Салоны в стиле рококо представляли собой центральные помещения, оформленные в типично экстравагантном и роскошном стиле рококо.

Салоны отличались типичными изысканными украшениями в стиле рококо, серпантинными линиями, светлыми пастельными тонами, замысловатыми узорами, асимметрией и большим количеством золота. Планировка салонных комнат часто была асимметричной, тип дизайна, известный как , контрастный . Украшением интерьера были скульптурные формы на стенах и потолках с абстрактными, лиственными и ракушечными фактурами.

Salon de Monsieur le Prince — особенно известный пример. Еще одним ярким примером салона в стиле рококо является салон Жермена Боффрана в парижском отеле Soubise. Во всех этих салонах есть потолки, стены и лепнина с замысловатыми украшениями в виде S-образных изгибов, естественных форм и форм раковин.

Мебель в стиле рококо

Салон был способом отразить социальный статус, а мебель в салоне — другим. В период рококо произошел взрыв в производстве мебели. Дизайн мебели подчеркивал легкость эпохи рококо. Предметы мебели были сделаны физически легче, чтобы их можно было легко перемещать. Мебель также стала более нежной и изысканной, с тонкими изогнутыми ножками стола.

Мебель в стиле рококо стояла отдельно, а не прислонялась к стене. Эта особенность также помогла добавить легкости и универсальности комнате, желаемой аристократией.

Красное дерево стало популярной древесиной для изготовления мебели в стиле рококо, потому что оно было прочным. Прочность красного дерева означала, что мебельщики могли изготавливать изящную мебель, которая не ломалась. В период рококо появилось много специализированной мебели, в том числе стул voyeuse . Зеркала с резными и украшенными рамами также становились все более популярными в эпоху рококо. Дизайнеры интерьера использовали зеркала, чтобы усилить ощущение света и простора в комнате.

Маленькие кресла из ломбардской мастерской, ок. 1750 г., из бального зала дворца Сормани; Sailko, CC BY 3.0, через Wikimedia Commons

Архитектура рококо: барокко против рококо

Архитектура рококо XVIII века была более изящной, легкой и более сложной, чем стили барокко. Хотя архитектура рококо в чем-то была похожа на барокко, в других она существенно отличалась.

Архитектурный стиль барокко и рококо

Как и в случае с дизайном интерьера и мебелью, в архитектуре рококо подчеркивалась асимметрия дизайна и форм, в то время как в стиле барокко все было наоборот. Архитектура барокко была в целом более серьезной, с использованием религиозных тем протестантской Реформации, в то время как архитектура рококо была более беззаботной, шутливой и светской. В то время как зданий в стиле барокко были спроектированы для большого публичного величия, архитектура рококо подчеркивала конфиденциальность.

Изгибы и декоративные элементы в стиле рококо, которые мы видим в мебели и внутренней отделке, также перенесены в архитектурный дизайн. Фирменная цветовая палитра рококо, состоящая из золота, белого и пастельных тонов, также была важной чертой архитектуры рококо.

Некоторые известные здания в стиле рококо включают португальский Национальный дворец Келуш, Екатерининский дворец в России, Китайский дом в Потсдаме, дворцы Фалькенлуст и Аугустусбург, части Версальского замка и дворец Шарлоттенбург в Германии. Итальянский архитектор Франческо Бартоломео Растрелли известен своими роскошными и роскошными проектами и работал в России. Филип де Ланге работал как в голландской, так и в датской архитектуре, а Маттеус Даниэль Поппельманн был архитектором позднего барокко, который помогал в реконструкции немецкого города Дрезден.

Фасад Екатерининского дворца в Пушкине, Россия; W. Bulach, CC BY-SA 4.0, через Wikimedia Commons

Живопись в стиле рококо

Тонкий и беззаботный характер дизайна в стиле рококо, пожалуй, наиболее заметен в картинах той эпохи. Используя светлую палитру рококо пастели, золота и белого цвета, а также другие элементы дизайна рококо, такие как асимметричные кривые и змеевидные линии, живопись рококо легко различима. Невероятное внимание к деталям, игривые темы и пастельная цветовая палитра являются важными чертами живописи в стиле рококо.

Безупречное внимание к деталям

Вдохновленные художниками эпохи Возрождения, картины в стиле рококо отличаются невероятным вниманием к деталям. Французский художник Франсуа Буше особенно известен своим подходом к живописи, ориентированным на детали. Буше удается запечатлеть мельчайшие тонкости богато украшенных костюмов и создать прекрасно детализированные сцены.

Игровые сюжеты

Возможно, темы картин в стиле рококо лучше всего отражают веселую атмосферу этого периода искусства. Темы юности, любви, игры, классических мифов, идиллических пейзажей и портретов типичны для живописи рококо. Французскому художнику Антуану Ватто приписывают популяризацию игривой темы рококо. Ватто известен как отец fete galante Жанр фестивалей живописи, вечеринок в саду и других мероприятий на открытом воздухе. Ватто писал сцены пасторальных пейзажей и общения причудливых людей. Часто изображались греческие богини, амуры и другие мифологические существа, которые в игровой форме смешивали реальность с фантазией.

La Partie carrée («Четверка», ок. 1713 г.) Антуана Ватто; Антуан Ватто, общественное достояние, через Викисклад

Цветовая палитра рококо

Цветовая палитра живописи эпохи рококо существенно отличается от палитры более раннего периода барокко. Художники эпохи барокко использовали глубокие и эмоциональные цвета, в то время как художники рококо, такие как Жан-Оноре Фрагонар, создавали беззаботные сцены в светлых пастельных тонах. Качели Фрагонара — одна из самых известных картин периода рококо. Светло-зеленые завитки листвы окружают женщину в светло-розовом платье, кокетливо сбрасывая с туфельки на качелях.

Качели (1767) Жана-Оноре Фрагонара; Жан-Оноре Фрагонар, общественное достояние, через Wikimedia Commons 

Скульптура в стиле рококо

Скульптура периода рококо была динамичной, театральной и красочной. Ощущение движения во всех направлениях пронизывает эти скульптуры. Скульптуры были тесно связаны с архитектурой и живописью, и их часто можно было найти внутри церквей.

Скульптура раннего французского рококо намного легче классического стиля Людовика XIV. Мадам де Помпадур покровительствовала скульптуре в стиле рококо и заказала несколько работ для своих садов и замков. Скульптура купидона, вырезающего любовные дротики из булавы Геркулеса, — известная скульптура в стиле рококо работы Эдма Бушардона. Вы можете найти другие образцы скульптуры в стиле рококо вокруг фонтанов Версаля, такие как Фонтан Нептуна работы Николя-Себастьяна Адама и Ламберта-Сигисберта Адама, созданный в 1740 году. После их успеха Фридрих Великий пригласил этих скульпторов для создания скульптуры фонтана для своего дворца в 1740 году. Пруссия.

Купидон (1744) Эдма Бушардона; Национальная художественная галерея, CC0, через Wikimedia Commons 

Ведущий французский скульптор Этьен-Морис Фальконе наиболее известен своей статуей Петра Великого в Санкт-Петербурге. Он также создавал небольшие работы из терракоты или бронзы для богатых коллекционеров. Фальконе был не единственным скульптором, производившим небольшие серии скульптур для коллекционеров. Жан-Батист Пигаль, Мишель Клодион, Жан-Луи Лемуан и Луи-Симон Буазо создали серию скульптур.

Итальянец Антонио Коррадини был одним из ведущих скульпторов в стиле рококо в Венеции. Он путешествовал по Европе, некоторое время работал в Санкт-Петербурге на Петра Великого, а также при австрийских и напальских императорских дворах. Скульптуры Коррадини вызывают у них более сентиментальное чувство, и он создал ряд изящных скульптур женщин под вуалью.

Фарфор в стиле рококо

В эпоху рококо начали появляться небольшие фарфоровые скульптуры. Первоначально созданные для замены сахарных скульптур на больших обеденных столах, фарфоровые фигурки вскоре стали популярными в качестве украшений для каминов. По мере роста числа европейских фарфоровых фабрик на протяжении 18 века небольшие фарфоровые скульптуры стали доступны людям среднего класса. С течением века количество надглазурных украшений на этих красочных фарфоровых скульптурах также увеличивалось.

Фарфоровая фабрика в Мейсене является старейшей в Европе и оставалась самой важной примерно до 1760 года. Иоганн Иоахим Кандлер был главным модельером на фабрике в Мейсене. Франц Антон Бустелли, немецкий скульптор, работал на Нимфенбургском фарфоровом заводе и был известен своим ассортиментом красочных фигурок, которые продавались по всей Европе. Следуя его примеру, Этьен-Морис Фальконе стал директором Севрского фарфорового завода. Здесь он серийно создавал различные мелкомасштабные скульптуры на темы беззаботности и любви.

Слушатели у колодца (1756 г. ) Франца Антона Бустелли; Rufus46, CC BY-SA 3.0, через Wikimedia Commons

Музыка рококо

Хотя музыка рококо не так хорошо известна, как поздние классические и ранние формы барокко, она занимает место в истории музыки. Музыкальный стиль рококо, как и большая часть движения рококо, развился из эпохи барокко. Во Франции галантный стиль , или элегантный стиль музыки, был интимной музыкой, легкой, утонченной и сложной. Влиятельные французские композиторы рококо включают Луи-Клода Дакена, Жана Филиппа Рамо и Франсуа Куперена. В Германии два сына Иоганна Себастьяна Баха, Иоганн Кристиан Бах и Карл Филип Эмануэль Бах стали пионерами музыки рококо или «чувствительного стиля».

Во второй половине 18 века наблюдается негативная реакция на чрезмерное использование украшений и орнаментов в стиле рококо. Кристоф Виллибальд Глюк возглавил это реакционное движение, которое в конечном итоге стало классическим стилем. Вариации на тему рококо Петра Ильича Чайковского сочинены в стиле рококо, хотя написаны не в эпоху рококо.

Мода в стиле рококо

Экстравагантность, утонченность, орнаментация и элегантность стиля рококо не были потеряны в моде рококо. Женская мода в 18 веке была сложной и богато украшенной в истинном стиле рококо. Начавшись в Королевском дворе, эта мода вскоре распространилась на кафе и салоны буржуазии.

К концу правления Людовика XIV струящееся платье, известное как robe volante , стало популярным. Лиф, округлая нижняя юбка и крупные складки, ниспадающие на спину, были отличительными чертами этого платья. Темная и богатая цветовая палитра тканей сочеталась с тяжелыми и смелыми элементами дизайна. После смерти короля Людовика XIV стили моды начали меняться с тенденциями рококо.

Мода в стиле рококо была более легкомысленной, гораздо более легкой и более откровенной. А пастельная цветовая палитра , обилие бантов, кружев, оборок, оборок, глубокий вырез декольте характеризовали женскую моду в стиле рококо. Новое платье, известное как robe a la Francaise , имело узкий лиф и обычно большое количество бантов из лент спереди. Это платье имело широкие корзины и было богато украшено цветами, кружевами и лентами. Жан-Антуан Ватто, художник, изображающий замысловатые детали стежков, кружев и других украшений на богато украшенных платьях, стал источником вдохновения для 9.0567 Складки Ватто .

Женский халат à la français e, Англия, около 1765 г. Шелковый атлас с узором из утка и шелковой тесьмой; Музей искусств округа Лос-Анджелес, общественное достояние, через Wikimedia Commons Это были широкие обручи, которые удлиняли бедра в стороны, надевались под платье. Эти предметы вскоре стали неотъемлемой частью моды в стиле рококо. Культовый образ эпохи рококо — платье с расширенными бедрами и чрезмерным количеством украшений. Для особых случаев требовались очень широкие корзины, некоторые из которых достигали 16 футов в диаметре. Обручи меньшего размера предназначались для повседневной носки.

Этот стиль одежды возник в Испании 17 века и изначально предназначался для того, чтобы скрыть беременный живот.

Золотой век моды в стиле рококо наступил примерно в 1745 году, когда во Франции стала популярной более восточная и экзотическая культура, известная как a la turque . Мадам де Помпадур сыграла неотъемлемую роль в продвижении этого стиля, когда она заказала картину Шарля Андре Ван Лоо с изображением себя в образе турецкой султанши. В 1760-х годах появился менее формальный стиль моды. В полонезе, более коротком платье, вдохновленном польской модой, были видны лодыжки и нижняя юбка. Платье полонез также позволяло женщинам передвигаться со значительно большей легкостью.

Robe a l’anglais , или английское платье, был еще одним популярным стилем во второй половине 18-го века. Это платье включало в себя более мужские модные элементы, такие как длинные рукава, широкие лацканы и короткий жакет. Пышная юбка с небольшим шлейфом, но без корзин, облегающий лиф и небольшая кружевная косынка на шее завершали ансамбль. Редингот, сочетание пальто и накидки, был еще одним новым элементом моды в стиле рококо.

В дополнение к множеству различных предметов одежды, аксессуары были неотъемлемой частью моды рококо в 18 веке. Аксессуары, такие как ожерелья и украшения, добавляли роскоши и декадентского декора платьям. Женщины в коротких рукавах были обязаны носить перчатки на официальных церемониях.

Постепенный упадок стиля рококо

Вскоре упор рококо на галантность и декоративную мифологию вызвал реакцию. Французская академия начала преподавать более Классический стиль искусства , и де Трой, выдающийся художник-классик, стал директором Академии в 1738 году. Хотя период рококо был в упадке во Франции, он продолжал процветать в Австрии и Германии.

Мадам де Помпадур была видной и влиятельной фигурой на протяжении 18-го века, продвигая искусство и моду в стиле рококо и способствуя его упадку. В 1750 году мадам де Помпадур отправила своего брата и нескольких художников, в том числе архитектора Суффло и гравера Шарля-Николя Кочина, в двухлетнюю поездку для изучения итальянских археологических и художественных разработок. Эта группа вернулась, увлеченная классицизмом, и Абель-Франсиус Пуассон де Вандьер, брат мадам де Помпадур, стал маркизом.

Маркиза де Помпадур в жардиньере (ок. 1754–1755) Шарля-Андре ван Лоо; Шарль-Андре ван Лоо, общественное достояние, через Wikimedia Commons Кочин, влиятельный художественный критик, осудил стиль Буше, который он назвал petit style. Скорее, Кочин призвал к более величественному стилю живописи и архитектуры, подчеркивающему благородство и классическую древность.

Жак-Франсуа Блондель и Вольтер присоединились к громкой критике поверхностного характера искусства рококо. 1760-е годы ознаменовали начало конца стиля рококо, поскольку художники начали призывать к искусству с целью и ценностью. Рококо официально скончался к 1785 году и был заменен неоклассицизмом.

Насмешки над рококо как поверхностным и легкомысленным распространились в Германии к концу 18 века. Хотя рококо и удалось сохранить популярность в Италии и некоторых землях Германии, оно было полностью стерто с лица земли к 9 в. 0567 Ампир Вторая волна Неоклассицизм .

Известные художники рококо

В эпоху рококо появилось так много художников, архитекторов и скульпторов. Из многих есть несколько, которые произвели неизгладимое впечатление на мир декоративного искусства, в том числе Франсуа Буше, Элизабет Луиза Виже ле Брун и Джованни Баттиста Тьеполо.

Франсуа Буше (1703-1770)

Из всех выдающихся художников рококо Буше, безусловно, заслуживает места в этом списке. Известен своими изображениями древнеримской и греческой мифологии, картины Буше сформировали направление стиля рококо. Будучи молодым студентом-искусствоведом, Буше учился в период позднего барокко и путешествовал по Италии. Он также изучал голландский пейзажный стиль.

Буше в свое время стал очень известен среди французских художников. Сладострастная манера, в которой Буше изображал фигуры на своих картинах, принесла ему значительную известность. На многих картинах Буше изображены пастухи и различные формы домашнего скота в пасторальных сценах. Из его произведений Триумф Венеры (1740) считается его самым известным, но он тесно конкурирует с Завтрак (1739) и Пожиратели винограда (1749).

«Триумф Венеры» (1740 г.) Франсуа Буше; Франсуа Буше, общественное достояние, через Викисклад

Жан-Оноре Фрагонар (1732-1806)

Французский гравер и художник в стиле рококо Жан-Оноре Фрагонар — один из самых известных художников периода рококо. Хотя он жил в конце 18 века, когда рококо начал приходить в упадок, он создавал гедонистические картины. При жизни Фрагонар также написал несколько работ для королевской семьи, в том числе Встреча (1771).

Фрагонар познакомился с Буше, когда ему было всего 18 лет, и хотя Буше отказался работать с Фрагонаром из-за отсутствия у него опыта, он отправил его учиться к Жану-Батисту-Симеону Шардену. Несмотря на отсутствие у него раннего опыта, Фрагонар стал одним из самых плодовитых художников в истории французского искусства. Особенно известная картина Фрагонара — «Украденный поцелуй » (1788 г.).

Украденный поцелуй (конец 1780-х) Жана-Оноре Фрагонара; Жан-Оноре Фрагонар, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Жан-Антуан Ватто (1684-1721)

Хотя он умер до Золотого века рококо, Жан-Антуан Ватто был одной из самых влиятельных фигур в Движение. Именно Ватто приписывают новаторство в стиле рококо, которого он достиг, объединив свое собственное художественное чутье с элементами таких мастеров, как Питер Пауль Рубенс и Тициан.

Стиль Ватто был особенно красочным, с яркими оттенками и большой глубиной. Многие работы Ватто типичны для стиля рококо своим театральным видом. Ватто также прославился своей невероятной способностью улавливать мельчайшие и сложные детали, особенно в богато украшенных предметах одежды. Пожалуй, самая известная картина Ватто — «9».0567 Паломничество на остров Кифера, , которое он завершил в 1717 году. Другие известные работы включают Пьеро (1719) и Посадка на Китеру (1717).

Паломничество на Китеру , так называемое Посадка на Киферу (1717) Антуана Ватто; Антуан Ватто, общественное достояние, через Wikimedia Commons0480 год во французской истории, Ле Брюн больше всего известна своими роскошными портретами. Когда Ле Брун развила свои художественные способности, ей не разрешили посещать ни одну из формальных художественных школ или академий. К счастью, ее отец был художником и научил ее рисовать.

Всего в 15 лет Ле Брюн начал работать профессиональным художником. Несмотря на сексизм того времени и многих, кто избегал ее работы, Ле Брюн была помещена в Королевскую академию в 28 лет королем Людовиком XVI и 9 лет.0479 Мария Антуанетта . Ле Брун написала одни из самых известных картин в истории Франции, самой известной из которых была картина «Мария-Антуанетта в придворном платье» (1778).

Мария Антуанетта в придворном платье (1778) Элизабет Луизы Виже Ле Брун; Художественно-исторический музей, общественное достояние, через Wikimedia Commons 

Джованни Баттиста Тьеполо (1696-1770)

Знаменитый венецианский художник Тьеполо известен своими очень декоративными и чрезмерно сложными картинами, часто изображающими королевские фигуры. У Тьеполо был уникальный стиль в период рококо, он учился у нескольких художников под влиянием 9-го века.0479 Высокое Возрождение . В результате его образования стиль Тьеполо представлял собой сочетание рококо и ренессанса.

Из его многочисленных работ Бракосочетание императора Фридриха и Беатриче Бургундской (1752), вероятно, является его самым известным. Это невероятно значимое историческое событие изображено в типичном для рококо стиле. Богато украшенный зал с арками, развевающимися занавесками и элегантно одетыми фигурами украшает полотно этой знаменитой картины.

Брак Фридриха Барбароссы и Беатриче Бургундской (1727-1804) Джованни Доменико Тьеполо; Джованни Доменико Тьеполо, общественное достояние, через Wikimedia Commons 

Джовани Антонио Канал (1697-1768)

Более известный как Каналетто, Джовани Антонио Канал был одной из самых известных фигур рококо 18-го века. Художник итальянского происхождения рано подал художественные надежды и стал одним из самых известных художников как в рококо, так и в венецианской школе.

Каналетто, много путешествовавший по Европе, прославился своими невероятно реалистичными городскими пейзажами. Среди самых известных картин его юности Вход в Большой канал, Венеция (1730) и Двор каменщиков (1725). Каналетто завершил обе эти картины, когда во Франции начало расти движение рококо. Именно благодаря действиям Каналетто рококо распространилось в Италию.

Canaletto’s Вход в Большой канал , c. 1730 г.; Canaletto, общественное достояние, через Wikimedia Commons 

Томас Гейнсборо (1727–1788)

Выдающийся британский художник в стиле рококо Гейнсборо известен прежде всего своими портретами со сложной детализацией и элегантными пейзажами. Гейнсборо был одним из самых выдающихся членов Академии Сент-Мартинс-Лейн, основанной Юбером Франсуа Гравело после того, как рококо пересекло Ла-Манш из Франции.

Известный как один из самых известных британских художников 18-го века, картины Гейнсборо в стиле рококо являются одними из самых знаменитых. Хотя многие из самых любимых картин Гейнсборо — это пейзажи, его самая известная картина в стиле рококо — это «Голубой мальчик» , которую он написал в 1770 году.  Томас Гейнсборо, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Полный роскоши, золота и экстравагантности стиль рококо 18 века узнаваем сразу. Хотя это движение просуществовало недолго, оно, безусловно, произвело впечатление, и многие художники этого периода остаются важными историческими фигурами.

Взгляните на нашу веб-историю об искусстве рококо здесь!

Заметки для студентов и любителей рококо

Стиль рококо процветал в Западной Европе примерно с 1700 по 1780 год. Термин происходит от французского слова, обозначающего причудливый камень или раковину. Это подразумевает изысканное, элегантное чувство и стиль.

Наиболее полное выражение рококо нашло во Франции, где ведущие представители были художники Франсуа Буше, Жан Оноре Фрагонар и Антуан Ватто. Они работали в основном для королевских и аристократических клиентов. Их картины значительно отличались по стилю и тематике от предшествующих Период барокко. Типичная барочная живопись создавалась на героическом и грандиозном масштабе, и обычно представлены христианские религиозные сюжеты. Картины в стиле рококо были интимными по масштабу и деликатными по манере. Они часто изображали сцены из классической мифологии. Художники рококо также создали новую категорию живописи. называется fête galante. На этих картинах были изображены собрания элегантно одетых фигуры в парках и садах.

За пределами Франции в этот период были и другие художники, работавшие в яркий, живой стиль, характерный для рококо. Среди них Джованни Баттиста. Тьепполо в Италии и Томас Гейнсборо в Англии.

Декоративно-декоративный стиль рококо применялся также в архитектуре, мебель, фарфор, гобелены, оперные и театральные декорации. Архитектура рококо сложилась во Франции около 1720 г. в период Режанса (1715-1723 гг.) — периода когда Филипп, герцог Орлеанский, был регентом младенца Людовика XV — и распространил в другие страны в течение следующих шестидесяти лет.

В период рококо развивался стиль украшения в котором вновь появилось большинство знакомых тем барокко, но они были обработаны с легкостью и асимметричной свободой, которые делали их подходящими для украшения комнат и квартир, задуманных на гораздо менее грандиозном шкала. Старое деление стены на панели сохранилось, но линии молдингов теряли свою жесткость и ломались кривыми или гирляндами с цветами или оканчивающимися замысловатыми завитками или изделиями из ракушек. Зеркала были использовались щедро, а вместо дерева иногда применяли штукатурку и плитку. обшивка. Для полов и дымоходов использовался цветной мрамор или имитация мрамора.

Стулья, зеркала, рамы для картин утратили свои старые квадратные формы, а карниз над дверью на глазах растворялся в восточном пейзаже, или пучок кукурузы, перевязанный лентами. Архитектура рококо достигла своего великолепие дворцов, монастырей и церквей южных Германия и Австрия.

Китайцы и вкусы готики

Стиль рококо никогда не был полностью принят в Англии, но многие интерьеры включены его аспекты, в частности, с помощью штукатурки, небольших декоративных такие предметы, как зеркала и фарфор, а также мебель. Потолки иногда окрашены, а декоративная штукатурка, как правило, была в белом и золотом цветах. Штукатурка был почти неизвестен в Англии до 18 века, а теперь стал очень модный. Он идеально подходил для извилистых завитков в стиле рококо. потолок. В частности, ответвления рококо – «китайский вкус» и «готика». Вкус» были в моде в Англии. Были изданы книги, которые советовали господам как они могли бы улучшить свои дома, украсив их в итальянском (палладианском) стиле, готика, или китайская манера. К середине века такие дома, как Клейдон, где можно увидеть все эти стили, не был редкостью.

«Китайский вкус», иногда называемый шинуазри, был стилем украшение на основе романтизированных псевдовосточных мотивов. Оно достигло своего высоты в Англии в 1740-х и 1750-х гг. «Готический вкус» был стилем архитектуры и мебели очень слабо основаны на средневековой готической архитектуре. Беседки, коттеджи и дачи, которые составляли основную продукцию архитекторов-готиков были, по сути, обычные коттеджи 18-го века на к которому был прибит ряд зубчатых замков и несколько гипсовых горгулий. Появление в 1730-х годах это было почти сплошь и английское явление. Земляничная горка, Лондонский дом Горация Уолпола, полностью оформленный в этом стиле в 1740-х годах, был самым влиятельным готическим домом своего времени. Эти специализированные стили обычно видели прежде всего в мебели и отделке — например, в очень популярные китайские обои с ручной росписью и лакированная мебель — и вряд ли когда-либо как неотъемлемая часть схемы украшения.

Рококо не был жестким стилем, который расцвел за один короткий период; это было скорее настроение, которое повторялось в последующие века. После его популярность в Европе пошла на убыль, она внезапно вновь появилась в Англии и произвела Брайтонский павильон. В викторианскую эпоху он исчез, только чтобы вернуться снова в конце века в стиле модерн. Но никогда не было так выразительно как и в середине 18 века, когда его расцвет совпал с творчеством крупных мастеров, таких как Томас Чиппендейл, чье имя стало повсеместно ассоциируется с английской мебелью в стиле рококо.

Мебель в стиле рококо

Томас Чиппендейл был самым известным английским дизайнером мебели и публикация его режиссера в середине века сделала его домочадцем имя. Большинство рисунков в нем были в стиле рококо, а также были некоторые тип шинуазри, известный как китайский Чиппендейл. Он также использовал готический оконный узор, вершины и крокеты к мебели, которая в остальном была классической по дизайну.

Именно в это время во Франции появились драпированные туалетные столики. В сохранении со стилем рококо имели пышные юбки и украшались лентами и цветы. Иногда у них даже были свои навесы, дополняющие существующая меблировка.

Мебель в стиле рококо вкратце:

• Влияние французского рококо, китайского языка и готики;
• Основная древесина красного дерева;
• Резные ножки-кабриоли;
• Кулачковые и шаровые опоры;
• Резьба и китайские мотивы на спинках стульев;
• Ткани парча, кожа, велюр.

Цвета рококо

• Во Франции в стиле рококо использовались нежные цвета, такие как розовый, белый, желтый, лазурно-голубой и цвет слоновой кости вперемешку с кремовым и золотым;
• Аппликация на прозрачных цветах была в моде.

Напольные покрытия в стиле рококо

Коврики, часто восточного дизайна – ковры с мелким рисунком и на китайском языке рисунки на синем фоне были типичными.

Здания в стиле рококо

Claydon House, Polsden Lacy (зал в стиле рококо), замок Powderham (лестница Холл, Белая гостиная, Первая библиотека), Хагли-холл (Столовая). Комната, Гостиная), Замок Бельвуар (Салун Елизаветы), Викторианский и Музей Альберта (Музыкальная комната Норфолкского дома).

The Chinese Taste Buildings

Claydon House, Pagoda at Kew, Woburn Abbey (Chinese Dairy), Shugborough (Китайский чайный домик), Монастырь Ностелл (Китайская спальня), Дом Солтрам (Китайская спальня).

Здания готического вкуса

Арбери-холл, Дом Строберри-Хилл, Замок Крофт, Аббатство Лейкок, Ли Прайори (Библиотека), Музей Викторианской эпохи и Альберта.

© Адриенн Чинн — Лондон

Стиль рококо (18 век)

Обзор движения в стиле рококо | TheArtStory.

Картины, ставшие визитной карточкой эпохи, были созданы во славу грандиозных идеалов рококо и страсти к аристократическому образу жизни и развлечениям. Движение, зародившееся во Франции в начале 1700-х годов, превратилось в новый, непревзойденный союз декоративного и изобразительного искусства, который стал визуальным лексиконом, проникшим в континентальную Европу 18-го века.

Ключевые идеи и достижения

• Жанровые картины были популярным способом изобразить смелую и радостную жажду жизни эпохи рококо. Сюда входили fete galante , или произведения, обозначающие развлечения на свежем воздухе, эротические картины, наполненные чувством причудливого гедонизма, аркадские пейзажи и портреты «знаменитостей», в которых обычные люди изображались в роли известных исторических или аллегорических персонажей.
• Искусство и архитектура рококо несли сильное чувство театральности и драматизма под влиянием сценографии. Влияние театра можно было увидеть в новаторских способах вплетения живописи и декоративных предметов в различные среды, создавая атмосферу полного погружения.
• Детальная работа процветала в эпоху рококо. Лепные рельефы в виде рамок, асимметричные узоры с мотивами и завитками, скульптурные арабески, позолота, пастель и tromp l’oeil — наиболее известные методы, которые использовались для достижения плавной интеграции искусства и архитектуры.
• Термин «рококо» впервые был использован Жаном Мондоном в его Premier Livre de forme rocquaille et cartel (Первая книга о формах и обстановке рококо) (1736 г.) с иллюстрациями, изображающими стиль, используемый в архитектуре и дизайне интерьера. Термин произошел от французского rocaille , что означает «работа из ракушек, галька», используется для описания фонтанов или садовых гротов эпохи Высокого Возрождения, в которых использовались морские ракушки и галька, встроенные в лепнину, для создания сложного декоративного эффекта.

Произведения и художники в стиле рококо

Развитие искусства

1717

Посадка на Китеру

Художник: Жан-Антуан Ватто

Эта картина в пасторальном платье изображает множество любовных пар в элегантной или пасторальной обстановке. Кифера, мифический остров, где Венера, богиня любви, родилась из моря. Жесты и язык тела вызывают воспоминания, так как мужчина, стоящий ниже центра, обнявший талию женщины рядом с ним, кажется, искренне умоляет ее, в то время как она оборачивается, чтобы задумчиво взглянуть на другие пары. Обнаженная статуя богини возвышается с пьедестала, украшенного цветами справа, как будто руководит празднеством. Слева она дважды изображена в золотой статуе, которая помещает ее на нос лодки. Обнаженные путти появляются на протяжении всей сцены, паря в небе слева или появляясь между парами и толкая их вперед, а природа — вялое, но плодородное присутствие. В целом картина прославляет путешествие любви. Как писал современный критик Джеб Перл, «парные влюбленные Ватто, запертые в своей мучительной, восхитительной нерешительности, являются эмблемами постоянно приближающейся и постоянно удаляющейся возможности любви».

Как писал искусствовед Холли Брубах, «образы Ватто идеально подвешены между моментом непосредственно перед и моментом после. .. люди, которых он изображает, заняты разыгрыванием не одного, а нескольких возможных сценариев». Его фигуры — не столько узнаваемые личности, сколько аристократические типы с гладкими напудренными лицами, которые вместе создают своеобразную хореографию цвета и удовольствия.

Этой работой Ватто, подаренной Академией, он стал пионером galante , или картина ухаживания, и положило начало рококо. Как писал Джонатан Джонс, «В туманных, тающих пейзажах картин… он недвусмысленно связывает пейзаж и желание: если искусство Ватто оглядывается на придворных любовников средневековья, оно начинает современную историю чувственности во французском искусстве».

Холст, масло. Лувр, Париж

c. 1718-19

Пьеро

Художник: Жан-Антуан Ватто

На этой картине (ранее известной как Жиль) изображен Пьеро, традиционный персонаж итальянского языка комедия дель арте . Он возвышается в центре сцены в том, что кажется садом, и он смотрит на зрителя с опущенным выражением лица, когда доминирует его белый атласный костюм, его вздымающийся живот освещается. Он кажется почти двухмерным вырезом. Другие стандартные персонажи окружают его, но Пьеро остается отдельно, как будто он вышел из их сцены. Негативное пространство в левом верхнем углу еще больше подчеркивает изоляцию Пьеро. Как писал Джонатан Джонс, «Ватто проявляет вымысел картины», поскольку персонаж «в своем дискомфорте и отчуждении восстает не только против своей стандартной роли в комедии, но и против своей роли в этой картине. пьеса также является выходом из художественной литературы, написанной Ватто».

Ватто был пионером художественного представления театральных миров, характерного жанра рококо, и он также преобразовал характер Пьеро из своего рода неуклюжего, влюбленного дурака в фигуру отчужденной тоски. Как писал Джонс, «представление театральных, социально маргинальных миров, вслед за Ватто, занимает центральное место во французском современном искусстве, от певцов кафе импрессионистов до танцоров и проституток Тулуз-Лотрека и арлекинов Пикассо». Поскольку фигура Пьеро стала фигурой альтер-эго художника, эта картина повлияла на ряд более поздних художественных течений и художников, включая декадентов, символистов и художников, таких как Андре Дерен, как видно из его Арлекин и Пьеро (ок. 1924 г.). Влияние также распространилось на поп-культуру, как показано в раннем выступлении Дэвида Боуи в пьесе Линдси Кемп « Пьеро в бирюзе » (1967), где Боуи сказал: «Я Пьеро. театр. То, что вы видите на сцене, не зловещее. Это чистый клоун. Я использую себя как холст и пытаюсь нарисовать правду нашего времени».

Холст, масло. Лувр, Париж

c. 1730

Вход на Большой канал

Художник: Каналетто

Этот знаменитый пейзаж изображает вход в Гранд-канал в Венеции, где несколько гондольеров и их пассажиров маневрируют горизонтально по полотну. Их асимметричное расположение создает движение, поскольку три гондолы поднимаются вверх в центре и уводят взгляд зрителя вдаль, что еще больше подчеркивается перспективой зданий справа и церкви слева. Тонкое использование местных цветов придает произведению ощущение золота и ощущение идиллической жизни того времени, чему способствовала любовь венецианской школы к аркадским пейзажам, которая в значительной степени повлияла на эстетику рококо.

Каналетто был пионером в рисовании с натуры и передаче атмосферных эффектов определенного момента, что заставило некоторых ученых рассматривать его работы как предвосхищение импрессионизма. Как писал Джонатан Джонс, «тонкое ощущение игры света на архитектуре… делает Каналетто таким соблазнительным». В то же время его новаторское использование топографии, передающее местность с научной точностью, повлияло на последующих художников, как заметил историк искусства Джон Рассел, «он ухватился за свой родной город, как будто ни одна деталь его бурлящей жизни не была слишком маленькой или слишком тривиальной. чтобы заслужить его внимание».

Венеция была известной остановкой британских аристократов во время Гранд-тура, и большая часть работ Каналетто была продана этой публике. Британский торговец произведениями искусства Оуэн Суини призвал его рисовать небольшие, даже размером с открытку, топографические виды для продажи туристам, а банкир и коллекционер произведений искусства Джозеф Смит стал известным покровителем, продав большое количество своих работ королю Георгу III. . В 1746 году Каналетто переехал в Лондон, где писал сцены Лондона, такие как его Вестминстерский мост (1746). С тех пор его работа сохранила свою популярность и влияние: она была показана в фильме Дэвида Бикерстаффа 9.0007 Canaletto and the Art of Venice (2017), и эта картина использовалась в видеоигре Merchant Prince II (2001).

Холст, масло. Музей изящных искусств, Хьюстон, Техас

1733-34

Мыльные пузыри

Художник: Жан-Батист Симеон Шарден

На этой картине изображены двое играющих детей. Мальчик постарше, наклонившись вперед, дует в тростник, расширяя светящийся мыльный пузырь. Младший ребенок в тени, в шапке с пером, выглядывает из-за уступа, его взгляд также сосредоточен на мерцающем пузыре. Цветовая палитра, приглушенная различными оттенками насыщенного коричневого и черного, подчеркивает контрастный свет и румяное сияние рук и лица мальчика, так что зритель тоже осознает приглушенное погружение в детскую игру. Краска, нанесенная толстым пастозным слоем, передает тактильные фактуры камня, ткани, кожи. Работа создает ощущение детской невинности, сосредоточенной на эфемерной радости, но в то же время аллюзивной, поскольку современники художника зарегистрировали мыльный пузырь как символ быстротечности жизни.

Реалистичные жанровые сцены Шардена, вдохновленные голландскими художниками-жанристами Золотого века, стали его уникальным вкладом в эпоху рококо. В отличие от большинства художников, которые сосредоточились на аристократии и ее развлечениях, он изображал домашние сцены, играющих детей и натюрморты, отражая дань уважения рококо неторопливым времяпрепровождениям. Как также писал Джонс, Шарден рисовал «мир удовольствий среднего класса», а «французская эстетика повседневности … впервые появляется в картинах Шардена и сделала его культовой фигурой для современных французских художников и писателей». Его работы оказали влияние на Гюстава Курбе, Поля Сезанна, Эдуарда Мане и Винсента Ван Гога, среди прочих.

Холст, масло. Музей Метрополитен, Нью-Йорк

1751

Туалет Венеры (La Toilette de Vénus)

Художник: Франсуа Буше , классическая богиня любви, сопровождаемая тремя херувимами и двумя белыми голубями. Она сидит на шезлонге, спинка которого обрамлена золотом рокайль , увенчанная статуей лежащего херувима. №

Голубые шторы, переливающиеся светом и тенью, открывают частичный вид на красивый сад и создают атмосферу отдыха. Фигуративная обработка идеализирована, почти нарисована аэрографом, в то время как обстановка богато детализирована и декоративна, создавая общий эффект, воплощающий саму концепцию роскоши.

Буше преобразил период рококо своими чувственными изображениями знатных граждан той эпохи, светских знаменитостей и прошлого, создав свой собственный особый живописный бренд. Мадам де Помпадур, настоящая «кто есть кто того времени», поручила Буше написать эту работу для своей личной гардеробной в замке Бельвю. Картина была данью ей, поскольку она сыграла главную роль Венеры в La Toilette de Venus (1750) в Версале.

Как писал историк искусства Мелисса Ли Хайд, портреты Буше часто указывали на «интересное сочетание театральных/исполняемых идентичностей и живых идентичностей», демонстрируя «страсть к тому, что мы могли бы назвать искусством внешнего вида, и понимание этого искусства как средство для формирования и представления идентичности».

В течение нескольких десятилетий неоклассицизм отверг работы Буше за те же качества, которые сделали их столь популярными среди аристократического класса. Его работы только недавно начали подвергаться переоценке историками искусства, такими как Мелисса Ли Хайд и Джед Перл, а современные художники Джон Каррин и Лиза Юскаваге назвали Буше прямым влиянием.

Холст, масло. Метрополитен-музей, Нью-Йорк

1756

Портрет мадам де Помпадур

Художник: Франсуа Буше

Этот портрет мадам де Помпадур в полный рост подчеркивает стильную элегантность, когда она полулежит в пышном зеленом шелковом платье с узором из розовых роз на лифе и вырезе. Интерьер комнаты, обрамленный драпировками из золотой парчи, с изысканными золотыми картельными часами, выставленными над камином, не менее великолепен. Символичны и детали: книжный шкаф, полный книг, разбросанные по полу книги и часы в форме лиры, украшенные лавром, символизируют любовь к литературе, музыке и поэзии. Она передает атмосферу уверенности и приятного расслабления, ее розовые высокие каблуки выглядывают из-под юбки, две прекрасные розы лежат у ее ног. Тем не менее, работа также изображает ее интеллектуальное влияние, открытую книгу в левой руке, перо и конверт на столе справа. Поворот ее взгляда влево был в то время позой, которая представляла собой погружение в философские размышления. В результате работа представляет собой своеобразную социальную иконографию, каждый элемент которой тщательно подобран и стилистически унифицирован для создания образцового образа.

Художественный критик Сьюзи Менкес назвала этот портрет «одним из первых и наиболее успешных создателей собственного имиджа», мадам де Помпадур заказала этот портрет вместе с другими Буше и попросила показать их, пока они были в процессе, поэтому она могла указать, как она хотела выглядеть. Как отметил Менкес, «лестные и декоративные картины» Буше были ранним художественным примером «обращения со знаменитостями таблоидов». В 1756 году Помпадур была назначена фрейлиной при дворе, и историк искусства Элиз Гудман предполагает, что изображенный здесь момент, отмеченный 8:20 на часах, должен был ознаменовать «ее возвышение, когда на высоте аристократической самоуверенности … она удалилась в свою библиотеку-будуар, чтобы насладиться своим новым положением и насладиться любимыми занятиями».

Образы Мадам Помпадур, созданные Буше, настолько характеризовали движение рококо, что писатели Жюль и Эдмон де Гонкуры написали: «В письме о вкусах французов, которое является частью собрания эфемерных рукописей, датируемых 1751 годом… Я нашел кареты а-ля Помпадур, сукно колорит Помпадур, рагу а-ля Помпадур… нет ни одного кусочка туалета женщины, который не был бы а-ля Помпадур».

Холст, масло – Старая пинакотека, Мюнхен, Германия

1767-68

Качели

Художник: Жан-Оноре Фрагонар

Эта культовая работа изображает причудливую женщину, летящую на качелях в зеленом саду с цветущими качелями. как экстравагантный розовый цветок, когда молодой денди падает обратно в кусты слева, его лицо краснеет от волнения, чтобы заглянуть ей под юбку. В тени справа пожилой мужчина тянет за канаты качелей, чтобы подтолкнуть молодую женщину вперед. Под ней два обнимающихся херувима, а слева еще один амур стоит на пьедестале, подняв руку к губам в наставлении. Изображение было скандальным для своего времени из-за густо наслоенных сексуальных аллюзий.

Выразительные мазки Фрагонара создают водоворот между фигурой и листвой, так что сама природа кажется захваченной волнением момента. В то же время художник использовал свет и тень, чтобы направить взгляд зрителя на поэтапное раскрытие произведения. Зритель замечает сначала женщину на качелях, затем молодого мужчину и, наконец, пожилого мужчину в тени справа. Эффект представляет собой своего рода сценическое освещение, создающее драму и повествование.

Творчество Фрагонара было заново открыто писателями Эдмундом и Жюлем Гонкурами в L’Art du XVIIIe siècle (Искусство восемнадцатого века) (1865 г. ), и его работы впоследствии оказали влияние на импрессионистов, особенно на Пьера-Огюста Ренуара и Берту Моризо, которая также была его внучкой. Качели стали художественным и культурным символом. Его пересмотрели современные художники Йинка Шонибаре и Кент Монкман в своих работах. Художник по воздушным шарам Ларри Мосс упомянул об этом в своей 3D-инсталляции The Swing для своей серии Masterworks в Центре искусств Фелпса в 2013 году.0003

Холст, масло. Коллекция Уоллеса, Лондон

1752

Аллегория планет и континентов

Художник: Тьеполо , и свет. Слева от центра стоит греческий бог солнца Аполлон с сияющим шаром позади него, призывая солнечных коней справа от себя. На карнизе группы аллегорических фигур с изображением животных обозначают Европу, Азию, Америку и Африку, а боги, символизирующие планеты, кружатся вокруг бога солнца. Марс, бог войны, возлежит с обнаженной Венерой на темном облаке под Аполлоном, а Меркурий с кадуцеем в руке летит вниз сверху слева.

Эта картина была написана для ослепительного потолка лестницы, которую он создал в Вюрцбургской резиденции в Германии для принца-епископа Карла Филиппа фон Гриффенклау. Нарисованная на огромном своде, обработка Tiepolo trompe l’oeil произвела драматическое впечатление на контрасте с неоклассической лестницей из белого мрамора, спроектированной Бальтазаром Нейманом. Картина Тьеполо в разделе «Европа» включает портрет архитектора, а также фон Гриффенклау. Кроме того, художник изобразил своего сына Джандоменико и художника Антонио Босси, оба из которых работали с ним над проектом, а также автопортрет.

Эта фреска остается самой большой в мире, она составлена ​​таким образом, что отдельные части картины можно было рассматривать с определенной остановки, как если бы перспектива соответствовала положению зрителя. Нововведением Тьеполо было его расположение пастелей в дополнительной схеме, так что напряжение цвета подчеркивало бы повествовательное движение и драматические позы фигур, создавая живой эффект. Результат был назван sprezzatura , или «заученная небрежность». Как писал искусствовед Кейт Кристиансен, Тьеполо «прославляет воображение, переводя мир древней истории и мифов, писаний и священных легенд на грандиозный, даже театральный язык». Именно это качество воображения Тьеполо влияло на Франсиско Гойю на протяжении всей его карьеры, как в его ранних проектах гобеленов, так и позже в его гравюрах, когда он опирался на таинственные и иногда причудливые гравюры Тьеполо в 9-м веке.0007 Capricci (ок. 1740–1742) и Scherzi di fantasia (ок. 1743–1757).

Холст, масло

c. 1770

Голубой мальчик

Художник: Томас Гейнсборо

На этом портрете в полный рост изображен мальчик в синих атласных бриджах до колен и камзоле с кружевным воротником, который без улыбки смотрит на зрителя. Держа шляпу с плюмажем в правой руке, а другую руку положив на бедро, он передает уверенность в себе и чуточку чванства. Состоящий из слоев косых и тонких мазков с нежными оттенками сланца, бирюзы, кобальта, индиго и лазурита, синий цвет становится сияющим, почти электрическим на фоне бурного и каменистого пейзажа.

Первоначально считалось, что на картине изображен Джонатан Баттал, сын богатого торговца, но современные ученые определили, что модель, скорее всего, является помощником художника и племянником Гейнсборо Дюпон. Как писала искусствовед Кимберли Крисман-Кэмпбелл, работа «представляет собой своего рода косплей времен Гражданской войны в Англии, популярный для балов-маскарадов в 18 веке», изображающий мальчика в костюме кавалера, который носили аристократы-роялисты 1630-х годов. Его поза и выражение лица также играют роль, поскольку кавалеры отличались не только своей стильной одеждой, но и своим беспечным и удалым отношением. Таким образом, произведение Гейнсборо, самое популярное, имеет tour de force , сочетающий мастерскую портретную живопись с исследованием костюма и своим художественным ответом на работы Антониса ван Дейка, известного своими портретами двора короля Карла I и кавалеров, которые его поддерживали. Тем не менее, используя в основном синий цвет, который традиционно считался более подходящим для фоновых элементов, Гейнсборо также бросил вызов традиционным эстетическим предположениям.

Работа несет в себе традиционную визуальную привлекательность рококо и игру с костюмированными фигурами, но Гейнсборо также добавил новаторские элементы реализма, как видно на пуговицах, туго зашнуровывающих дублет, и предвосхитил романтизм, изобразив одинокую фигуру на фоне бурного неба. Гейнсборо пришел, чтобы продемонстрировать британское рококо светскими портретами своих богатых клиентов.

Картина сразу же имела успех во время своего дебюта в 1770 году в Королевской академии художеств в Лондоне и стала настолько ассоциироваться с британской культурной самобытностью, что, когда в 1921 году герцог Вестминстерский продал ее американскому магнату Генри Хантингтону, она вызвала скандал. Немой фильм Фридриха Вильгельма Мурнау Knabe in Blau ( The Boy in Blue ) (1919) был вдохновлен картиной, как и песня Коула Портера Blue Boy Blues (1922). Поп-артист Роберт Раушенберг и современный художник Кехинде Уайли были вдохновлены этой работой, а художник Алекс Исраэль сослался на нее в своем Автопортрет (Доджерс) (2014‒2015). Выставленная в Хантингтонском музее вместе с портретом Томаса Лоуренса девушки в розовом, Pinkie (1794), эта работа приобрела еще большую культурную значимость, поскольку обе картины были использованы в пилотном телесериале Eerie, Indiana ( 1991) и в качестве декораций к эпизодам сериала Оставь это Биверу (1957-1963).

Холст, масло — Библиотека Хантингтона, Сан-Марино, Калифорния

1782

Автопортрет в соломенной шляпе

Художник: Элизабет Луиза Виже-Лебрен

Этот автопортрет подчеркивает аристократическую, но небрежную элегантность и художественное мастерство. Одетая в мерцающий шелк, ее белые манжеты привлекают внимание к ее вытянутой правой руке, белый воротничок подчеркивает смелый вырез ее декольте, в левой руке она держит палитру и кисти. Соломенная шляпа с широкими полями, окруженная яркими цветами и спортивными формами, становится фокусом акцента работы на игре света, так как верхняя часть ее лица мягко затенена, подчеркивая ее уверенный прямой взгляд, в то время как солнечный свет освещает правую. сторона ее лица и ее верхняя часть туловища. Две длинные хрустальные серьги играют контрапунктом, отражая свет и тень. Фоном является только небо, голубое яйцо малиновки обрамляющее ее лицо, и общий эффект, как писал историк искусства Саймон Шама, «привлекательная, но тщательно рассчитанная небрежность».

На эту работу повлияла картина Питера Пауля Рубенса Le Chapeau de Paille ( Соломенная шляпа ) (1622-1625). Увидев его в Антверпене, Лебрен писал: «Это восхитило и вдохновило меня до такой степени, что я сделал свой портрет в Брюсселе, стремясь добиться тех же эффектов».

Женщины-художницы по большей части занимались портретной живописью. Среди известных женщин-художников рококо были Розальба Каррьера, Аделаида Лабиль-Гьяр и Анжелика Кауфман. Самой известной была Виже Лебрен, которая в возрасте двадцати трех лет стала официальным художником королевы Марии-Антуанетты. Нововведения Лебрена были в портретной живописи, как писал Шама: «Никто, как быстро стало очевидно, не мог конкурировать с этой молодой женщиной как безыскусный художник», и ее «великий прорыв заключается в том, чтобы переделывать женщин, незапамятных времен узник мужского взгляда, в безошибочную хозяйку собственного присутствия».

Холст, масло. Национальная галерея, Лондон

Начало рококо

В живописи на рококо в первую очередь повлияло использование венецианской школой цвета, эротических сюжетов и аркадских пейзажей, а школа Фонтенбло положила начало дизайну интерьера в стиле рококо. .

Венецианская школа

Известные художники Джорджоне и Тициан, среди прочих, повлияли на акцент периода рококо на кружащиеся цвета и эротические сюжеты. Пастырский концерт (ок. 1509 г.), впервые приписываемый Джорджоне, хотя теперь большинство ученых считают его одной из ранних работ Тициана, был классифицирован Лувром как Fête champêtre , или вечеринка на открытом воздухе, когда он впервые стал частью музейной коллекции. . Работа эпохи Возрождения, изображающая двух обнаженных женщин и двух мужчин-аристократов, играющих музыку в идеализированном пасторальном пейзаже, сильно повлияла на развитие рококо Fête galante или картин ухаживания. Этот термин относился к историческим картинам приятного прошлого и стал популярным в работах Жана-Антуана Ватто.

Школа Фонтенбло 1528-1630

В 1530 году король Франциск I, известный меценат, пригласил итальянского художника Россо Флорентино ко французскому двору, где, заложив основу придворного стиля французского маньеризма, Россо основал Школу Фонтенбло. Школа стала известна своим уникальным стилем дизайна интерьера, в котором все элементы создавали четко поставленное единство. Россо впервые использовал большие лепные рельефы в качестве рамок, украшенные декоративными и позолоченными мотивами, которые сильно повлияли на акцент рококо на сложной обстановке.

Золочение было ключевым вкладом Фонтенбло, придавая изысканное великолепие предметам, как это видно на знаменитой солонке Беневенто Челлини (1543), которую Франциск I заказал из золота. Даже простые элементы интерьера в стиле рококо стали сильно подчеркнуты, о чем свидетельствует популярность картельных часов, встраивающих обычные часы в замысловатые декорации, которые напоминали скульптуры и органично дополняли общий вид окружающих их интерьеров.

Эпоха рококо Дизайн

Рококо дебютировал в дизайне интерьеров, когда гравер Пьер Ле Потр работал с архитектором Жюлем Ардуэном-Мансаром над замком Марли (1679-1684), а затем в Версале в 1701 году, когда он реконструировал личные апартаменты Людовика XIV. Ле Потр впервые применил арабески, используя s-образную или с-образную линию, размещенную на белых стенах и потолках. Он также использовал вставки с позолоченными деревянными панелями, создавая причудливый и легкий стиль. Ле Потр был прежде всего известен как ornemaniste , или дизайнер орнамента, что отражает популярную в то время роль ремесленников и мастеров в развитии высокодекоративного стиля.

Remove Ads

Во время правления Людовика XIV Франция стала доминирующей европейской державой, и сочетание большого богатства и мирной стабильности заставило французов обратить свое внимание на личные дела и наслаждение мирскими удовольствиями. Когда король умер в 1715 году, его наследнику Людовику XV было всего пять лет, поэтому Регентство во главе с герцогом Орлеанским правило Францией, пока дофин не достиг совершеннолетия. Герцог был известен своим гедонистическим образом жизни, а эстетика рококо казалась идеальным выражением чувствительности эпохи. Вступив на престол в 1723 году, Людовик XV также стал известным сторонником и покровителем архитектуры и дизайна в стиле рококо. Поскольку Франция была художественным центром Европы, художественные дворы других европейских стран вскоре последовали ее примеру в своем энтузиазме по поводу подобных украшений.

Жан-Антуан Ватто

Жан-Антуан Ватто возглавил период рококо в живописи. Родившийся в Валансьене, маленькой провинциальной деревне в Бельгии, которая недавно присоединилась к Франции, его раннее развитие в искусстве и рисовании привело к его раннему обучению у местного художника. Впоследствии он отправился в Париж, где зарабатывал на жизнь изготовлением копий произведений Тициана и Паоло Веронезе. Он присоединился к мастерской Клода Одрана, известного декоратора, где познакомился и стал художественным коллегой Клода Жилло, известного своим украшением комедия дель арте , или комические театральные постановки. В результате работы Ватто часто выражали театральный подход, показывая фигуры в костюмах среди декораций на заднем плане, освещенных искусственным светом.

В 1712 году Ватто принял участие в конкурсе Prix de Rome Королевской академии живописи и скульптуры, и Академия приняла его в качестве полноправного члена. Его «приемная» для Академии, Посадка на Киферу (1717), фактически положила начало рококо. Академия ввела термин Fête galante , или ухаживание, для обозначения произведения, таким образом устанавливая категорию, которая должна была стать доминирующим элементом живописи в стиле рококо. Fête galante картин изображали fête champêtre , или вечеринку в саду, популярную среди аристократического класса, где, одетые как на бал или в костюмах, они пили, обедали и предавались любовным занятиям в аркадских садах и парках. . Художественная тема не только нравилась частным меценатам, но и ее мифологизированные пейзажи и декорации соответствовали стандартам Академии, причислявшей историческую живопись, в том числе мифологические сюжеты, к высшей категории.

Клод Одрен был официальным хранителем Люксембургского дворца, и, работая с ним, Ватто скопировал серию из двадцати четырех картин Питера Пауля Рубена «Жизнь Марии Медичи» (1622-25), которая была выставлена ​​в дворец. Серия Рубена, сочетающая аллегорические фигуры и мифологические сюжеты с изображениями королевы и аристократического двора, продолжала формировать творчество Ватто. Рубенс впервые применил технику trois crayons , что означает три мелка, технику использования красного, черного и белого цветов для создания колористических эффектов. Ватто освоил эту технику до такой степени, что его имя стало ассоциироваться с ней, и она была широко принята более поздними художниками рококо, в том числе Франсуа Буше.

Франсуа Буше

Под влиянием Рубенса и Ватто Франсуа Буше стал самым известным художником зрелого периода рококо, начиная с 1730 года и продолжавшегося до 1760-х годов. Известный своей картиной, сочетающей аристократическую элегантность с эротическим обращением с обнаженной натурой, как показано в его «Туалет Венеры » (1751 г. ), он был одинаково влиятельным в декоративно-прикладном искусстве, театральных постановках и дизайне гобеленов. Он был назначен первым художником короля в 1765 году, но наиболее известен своим давним сотрудничеством с мадам де Помпадур, официальной первой любовницей короля Людовика XV и известной покровительницей искусств. В результате своего мастерства в искусстве и дизайне рококо и своего королевского покровительства Буше стал «одним из тех людей, которые представляют вкус века, которые выражают, олицетворяют и воплощают его», как писали известные авторы Эдмон и Жюль де Гонкур. .

Удалить рекламу

Мадам де Помпадур

Мадам де Помпадур, урожденная Жанна-Антуанетта Пуассон, была названа «крестной матерью рококо» из-за ее центральной роли в продвижении стиля и превращении Парижа в художественную столицу Европы. Она повлияла на дальнейшее применение рококо благодаря покровительству художникам, таким как Жан-Марк Натье, скульптор Жан Батист Пигаль, дизайнер обоев Жан-Батист Ревейон и гравер по драгоценным камням Жак Гуай. Официальная первая любовница короля с 1745 по 1751 год, она оставалась его доверенным лицом и доверенным советником до своей смерти в возрасте 42 лет из-за туберкулеза. Ее роль и статус стали де-факто определение королевского покровительства.

Рококо: концепции, стили и направления

Французское рококо

Франция была центром развития рококо. В дизайне салон, комната для развлечения, но и для того, чтобы произвести впечатление на гостей, был главным нововведением. Самым известным примером был «Салон принцессы» Шарля-Жозефа Натуара и Жермена Боффрана (1735-1740) в резиденции принца и принцессы де Субиз. Белые стены цилиндрического интерьера, позолоченное дерево и множество зеркал создавали эффект легкости и воздушности. Арабески, часто намекающие на римские мотивы, купидоны и гирлянды, были представлены золотой лепниной и пластинчатым рельефом. Асимметричные кривые, иногда полученные из органических форм, таких как морские раковины или листья аканта, были тщательно продуманными и преувеличенными. Минимальный акцент на архитектуре и максимальный акцент на декоре станет краеугольным камнем движения рококо.

Живопись была неотъемлемой частью движения рококо во Франции, и известные художники, которые возглавили этот стиль, Антуан Ватто, а затем Франсуа Буше, повлияли на все элементы дизайна от интерьеров до гобеленов и моды. Среди других известных художников были Жан-Батист ван Лоо, Жан-Марк Натье и Франсуа Лемуан. Лемойн был известен своими историческими аллегорическими картинами, как видно из его Апофеоза Геракла (1733-1736), нарисованного на потолке Салона Геркулеса в Версале. Примечательной особенностью французской живописи в стиле рококо была манера, в которой ряд известных семей художников, таких как ван Лоос и Койпели, поддерживали последовательный стиль и предмет в своих мастерских.

Итальянское рококо

Живопись заняла ведущее место в итальянском рококо, примером чему служат работы венецианского художника Тьеполо. Сочетая акцент венецианской школы на цвете с quadratura или потолочными росписями, шедеврами Тьеполо были фрески и большие запрестольные образы. Известный во всей Европе, он получил множество королевских заказов, таких как его серия потолочных росписей в Вюрцбургской резиденции в Германии и его Апофеоз испанской монархии (1762-1766) в Королевском дворце в Мадриде.

Итальянское рококо также было известно своими великими художниками-пейзажистами, известными как «живописцы», особенно Джованни Антонио Канал, известным просто как Каналетто. Он впервые применил двухточечную линейную перспективу при создании популярных сцен каналов и зрелищ Венеции. Его работы, такие как «Венеция : Санта-Мария-делла-Салюте » (ок. 1740 г.), пользовались большим спросом у английских аристократов. В 1700-х годах для молодых английских аристократов стало обычным совершать «большие путешествия», посещая известные достопримечательности Европы, чтобы изучить классические корни западной культуры. Поездки положили начало своего рода аристократическому туризму, и Венеция была известной остановкой, известной своей гедонистической карнавальной атмосферой и живописными видами. Эти молодые аристократы также часто были коллекционерами и покровителями произведений искусства, и большинство работ Каналетто было продано английской публике, а в 1746 году он переехал в Англию, чтобы быть ближе к своему художественному рынку, и прожил там почти десять лет.

Удалить рекламу

Пастельные портреты Розальбы Карриеры, как миниатюрные, так и в натуральную величину, а также ее аллегорические работы пользовались спросом во всей Европе, так как ее приглашали при королевских дворах Франции, Австрии и Польши. Она впервые применила пастель, которая раньше использовалась только для подготовительных рисунков, в качестве средства для рисования, и, связав мел в палочки, разработала более широкий диапазон мазков и подготовленных цветов. Ее портрет Людовика XV в образе дофина (1720-1721) установил новый стиль портретной живописи в стиле рококо, подчеркнув визуальную привлекательность и декоративный эффект.

В архитектуре Италия продолжала подчеркивать барокко с его прочной связью с католической церковью до 1720-х годов, когда архитектор Филиппо Юварра построил несколько северных итальянских дворцов в стиле рококо. Его шедевром был дворец Ступиниджи (1729-1731), построенный как охотничий домик короля Сардинии в Турине. В то же время интерьеры в стиле рококо стали популярными в Генуе, Сардинии, Сицилии и Венеции, где этот стиль приобрел региональные вариации, особенно в дизайне мебели. Итальянские интерьеры в стиле рококо были особенно известны своими люстрами и зеркалами из венецианского стекла, а также богатым использованием шелковой и бархатной обивки.

Немецкое рококо

Увлечение Германии рококо бурно выразилось и прежде всего в архитектурных шедеврах и дизайне интерьеров, а также в прикладном искусстве. Примечательным элементом немецкого рококо было использование ярких пастельных тонов, таких как сиреневый, лимонный, розовый и синий, как видно в дизайне Франсуа де Кювилье Амалиенбурга (1734-1739), охотничьего домика для императора Священной Римской империи Карла VII в Мюнхен. Его Зеркальный зал в Амалиенбурге был описан историком искусства Хью Хонор как образец «легкой элегантности и тонкой тонкости».

Немецкие дизайнерские мотивы с использованием асимметрии и s- и c-изогнутых форм часто опирались на цветочные или органические мотивы и использовали больше деталей. Немецкие архитекторы также новаторски исследовали различные возможности дизайна помещений, вырезая стены или делая изогнутые стены, и сделали расположение новых зданий важным элементом эффекта, как это видно в Аббатстве Мельк Якоба Прандтауэра (1702-1736)

Английский рококо

Использование в Англии рококо, которое называлось «французским стилем», было более сдержанным, так как излишества стиля встречались с мрачным протестантизмом. В результате rocaille , представленный гравером-эмигрантом Юбером-Франсуа Гравело и серебряником Полем де Ламери, использовался только в качестве деталей и случайных мотивов. Примерно в 1740 году стиль рококо начал использоваться в британской мебели, особенно в проектах Томаса Чиппендейла. Его каталог Справочник джентльменов и краснодеревщиков (1754), иллюстрирующий дизайн в стиле рококо, стал популярным отраслевым стандартом.

Удалить рекламу

Рококо оказал большее влияние на британских художников, таких как Уильям Хогарт, Томас Гейнсборо и швейцарка Анжелика Кауфман. В его Анализ красоты (1753) Хогарт выступал за использование змеевидной линии, считая ее более органичной и эстетически идеальной. Гейнсборо сначала учился у Гравело, бывшего ученика Буше, чья пернатая манера письма и цветовая палитра повлияли на портретную живопись Гейнсборо в сторону текучести света и цвета. Хотя Анжелика Кауфман родилась в Швейцарии, большую часть своей жизни она провела в Риме и Лондоне. С 1766 по 1781 год она жила в Лондоне, где влиятельный сэр Джошуа Рейнольдс особенно восхищался ее портретами. Одна из двух женщин, избранных в Королевскую академию художеств в Лондоне, она сыграла значительную роль как в продвижении стиля рококо, так и, впоследствии, неоклассицизма.

Более поздние разработки — после рококо

В 1750 году мадам де Помпадур отправила своего племянника Абеля-Франсуа Пуассона де Вандьера изучать развитие итальянского искусства и археологии. Вернувшись с энтузиазмом к классическому искусству, Вандьер был назначен директором Королевских зданий, где он начал выступать за неоклассический подход. Он также стал известным искусствоведом, осудив малый стиль Буше, или «маленький стиль». Известные мыслители того времени, в том числе философ Вольтер, искусствовед Дидро, также критиковали рококо как поверхностное и декадентское. Эти тенденции, наряду с растущим революционным рвением во Франции, привели к тому, что к 1780 году рококо потеряло популярность.0003

Новое движение неоклассицизм, возглавляемое художником Жаком-Луи Давидом, подчеркивало героизм и нравственную добродетель. Студенты-художники Дэвида даже спели насмешливую песнь «Ванлоо, Помпадур, рококо», выделив стиль, одного из его ведущих художников и его самого известного покровителя. В результате к 1836 году оно использовалось для обозначения «старомодных», а к 1841 году — для обозначения произведений, считавшихся «безвкусно вычурными или богато украшенными». Негативные коннотации продолжались и в 20 ^-х -х годах, как видно из 19-го века. 02 Century Dictionary description «Следовательно, rococo используется… для обозначения чего-либо слабо претенциозного и безвкусного в искусстве или литературе».

Дизайн и живопись в стиле рококо разошлись, поскольку дизайн в стиле рококо, несмотря на новые тенденции в столице, продолжал оставаться популярным во французских провинциях. В 1820-х годах при восстановленной монархии короля Луи-Филиппа возрождение стиля «Второе рококо» стало популярным и распространилось на Великобританию и Баварию. В Великобритании возрождение стало известно как викторианское рококо и продолжалось примерно до 1870 года, а также повлияло на возрождение американского рококо в Соединенных Штатах, возглавляемое Джоном Генри Белтером. Этот стиль, широко используемый в высококлассных отелях, в 2099 году получил название Le gout Ritz.1980-е век. Однако в живописи рококо потерял популярность, за исключением жанровых картин Шардена, высоко оцененных Дидро, которые продолжали оказывать влияние и позже окажут заметное влияние на Поля Сезанна, Эдуарда Мане и Винсента Ван Гога.

Эдмунд и Жюль де Гонкур заново открыли для себя крупного художника рококо Жана-Оноре Фрагонара в L’Art du XVIIIe siècle ( Искусство восемнадцатого века ) (1865). Впоследствии он оказал влияние на импрессионистов, особенно на Пьера-Огюста Ренуара и Берту Моризо, а также на современных художников, таких как Йинка Шонибаре, Кент Монкман и Лиза Юскавадж.

Удалить рекламу

Также заново открытая братьями де Гонкур, комедия дель арте Ватто сюжетов оказала влияние на Пабло Пикассо, Сезанна и Анри Матисса, а также на многих поэтов, таких как Поль Верлен и Гийом Аполлинер, композитор Арнольд Шенберг, и хореограф Джордж Баланчин.

Термин рококо и художники, связанные с ним, начали подвергаться критическому пересмотру только в конце 20 ^-х века, когда движения поп-арта и работы таких художников, как Дэмиен Херст, Кехинде Уайли и Джефф Кунс создали новый контекст для искусства, выражающий те же витиеватые, стилистические и причудливые обработки.