Авторы скульптур: 12 самых известных скульпторов современности • Интерьер+Дизайн — ISaloni

Содержание

Скульптура

Коллекция западноевропейской скульптуры насчитывает более шестисот памятников. За годы существования музея сформировалось собрание, которое в настоящий момент имеет в своем составе произведения от VI до XX столетия.

Первыми памятниками, подаренными в Музей изящных искусств, были скульптуры из коллекций М.С. Щекина (1910) и А.А. Хомякова (1911). В первые послереволюционные годы сюда поступали скульптуры из национализированных собраний. В 1924 году в Музее был открыт ряд живописных залов, в которых первые оригинальные произведения заняли свое достойное место. Планомерное комплектование скульптурных подлинников стало возможным после 1924 года, когда музей вышел из подчинения Университета и начал рассматриваться как музей западноевропейского искусства в Москве. Был организован специальный Отдел скульптуры, куда поступили произведения из расформированного Румянцевского музея, музея бывшего Строгановского училища, музея мебели, из ряда частных собраний (Д.И. Щукина, И.

С. Остроухова, О. Браза и др.). В результате коллекция обогатилась образцами полихромной деревянной скульптуры XV–XVI веков, произведениями бронзовой пластики XVI–XVII веков, работами французских мастеров XVIII века — Лемуана, Каффиери, Гудона, Клодиона. После закрытия в 1948 году Музея нового западного искусства, оттуда в ГМИИ поступило свыше 60 скульптур — произведения Родена, Майоля, Бурделя, Цадкина, Архипенко и др. Раздел современной скульптуры создан главным образом благодаря дарам самих скульпторов.

Систематизация коллекции ведется по трем основным принципам: материалам, хронологии и национальным школам.

В составе фонда представлены все основные скульптурные материалы: терракота, гипс, фарфор, бронза, чугун, дерево, камень. Самую обширную группу (более 400 памятников или две трети коллекции) составляет бронза. Вторая по величине группа – деревянная скульптура (более 100 памятников), где представлены произведения, начиная с XII века. В еще меньшую группу объединяются камень, терракота, гипс и бисквит (неглазурованный фарфор).

Свои идеи скульптор сначала воплощает в глине и гипсе. Как правило, эти авторские экземпляры не сохраняются. Окончательный, выверенный вариант мастер создает, как правило, в гипсе или терракоте, представляя их на суд заказчика. Такие эскизы, боцетто – также редки. Именно они являются моделями для воспроизведения, подобно тому как рисунок становится основой для перевода его на доску для гравирования и дальнейшего тиражирования. Среди терракот нужно различать авторские модели и воспроизведения (редукции) и в этом случае штамповки оригинальной модели. Эти нюансы – отпечаток живого прикосновения мастера или механического оттиска – нужно учитывать в изучении терракот Клодиона, Карпо или Каррьер-Беллеза, представленных в собрании ГМИИ.

C бронзой сам скульптор, как правило, не работает. Это наиболее удобный и долговечный материал для репродуцирования модели. В собрании музея находятся отливки, выполненные в мастерской и при участии самого скульптора, как «Бюст Вольтера» А. Гудона, и сделанные по его моделям позднее, как «Портрет Мольера» А.

Гудона. В таком случае важным является точность воспроизведения авторской модели, а также количество экземпляров, полученных с одной формы: как и в случае с печатанием гравюр малое число оттисков гарантирует сохранность формы и качество репродукций. Совершенствование технологии бронзового литья в XIX веке позволило тиражировать модели скульпторов в большом количестве и разном масштабе и воспроизводить известные памятники древности, как отлив статуи «Софокла»- восходящей к произведению IV века до н.э., который создал А. Калла. Современные бронзовые отливки по нормам международного права имеют маркировку, указывающую на количество экземпляров и порядковый номер данного отлива.

Мрамор – это также превосходный материал для воплощения авторских замыслов. В нем модели повторяются порой не только многократно, но и в разных масштабах. Как и в случае с бронзой, здесь важно не только определение местонахождения и авторства модели, но и уточнение ее размеров. Так, «Амуры, борющиеся за сердце» — мраморная композиция по модели французской работы последней трети XVIII в. Она известна во многих мраморных и бронзовых экземплярах большего и меньшего размера, а также в терракоте. Остается открытым вопрос о времени создания копий с этой популярной модели. Эти вопросы актуальны как для памятников эпохи Возрождения, так и позднейших.

В изучении деревянной скульптуры нужно учитывать ее место в многосоставной алтарной композиции.

Среди национальных школ следует выделить итальянскую, французскую, немецкую, испанскую.

Сложилось так, что именно итальянские скульптуры стали первыми дарами музею. Самые ранние из них относятся к эпохе Возрождения. В инвентарях значатся работы мастерской Я. делла Кверча, Б. да Майано, А. Бусти, А. делла Роббиа, Дж. Рустичи и др. В составе фонда копии с работ Росселино, А. делла Роббиа, Дж. Болоньи. Нельзя сказать, что эта коллекция мрамора, терракоты и майолики репрезентативна. Однако в ней есть, бесспорно, качественные вещи. Это «Сцена битвы» Рустичи

1, «Поклонение младенцу Христу» Андреа делла Роббиа, рельеф Бамбайи.

Более многочисленна группа итальянской бронзы, в основном XVI–XVII вв. Она насчитывает около сорока предметов. Почти половина из них – из коллекции Д.И. Щукина. Среди ренессансных памятников повторения античных статуй, плакетки, самостоятельные композиции. В группе бронз есть отливки XIX в., а именно повторения работ Дж. Болоньи, а также моделей Я. Сансовино, Д. Ричарелли.

Особую группу бронз составляют отливки более 30 см высотой, работы мастеров барокко. В последние годы установлены авторы некоторых моделей: Ф. Сузини, А. Альгарди, А. Корнаккини .

Среди произведений XVII в. выделяются парные мраморные бюсты работы Дж. Фоджини. В музеях мира существует несколько экземпляров этих моделей, что вызывает интерес исследователей к проблемам авторства и датировки мраморов. Одной из задач является поиск оригинала, выполненного при жизни и/или в мастерской автора, а также уточнение условий заказа и изготовления повторений, что предполагает изучение архивов.

Скульптуры из дерева отнесены по стилистическим признакам к итальянской школе XVII – XVIII вв.

Из произведений XVIII–XIX вв. в коллекции мраморный бюст работы Б. Кавачеппи, две бронзовые статуи Ф. Ригетти и одна композиция А. Кановы. Искусство XX в. представляют лишь отдельные памятники известных мастеров этого столетия – Дж. Манцу , Эм. Греко и Ф. Мессины, полученные после их персональных выставок в Музее.

Если итальянские памятники положили начало музейной коллекции западноевропейской скульптуры, то собрание произведений французских мастеров стало наиболее многочисленным среди других школ за счет приобретений 1970-1980 – х годов. Оно позволяет представить творчество практически всех известных скульпторов Франции XVII–начала XX вв.

Памятники, выполненные из дерева и числящиеся в инвентарях как работы XVI в., мало изучены и не включены в экспозицию. Мастера XVII в. и начала XVIII в. хорошо представлены бронзовыми отливками разного времени, размеров и качества выполнения. Единую группу составляют бронзы с композиций XVII-XVIII вв.: «Диана на охоте» Ансельма II Фламана, «Похищения» Ф. Жирардона и Г. Марси, конные группы Г. и Н. Кусту, группы Лепотра и Куазево. Кроме того, существует целый ряд мелких бронзовых скульптур этого периода. Среди них и повторения известных античных образцов, и оригинальные композиции.

Скульптура середины – второй половины XVIII в. более разнообразна по материалам и богата именами. Здесь представлены работы по моделям Клодиона, Гудона, Лемуана, Каффиери, Пажу, Леконта и др. В этой группе преобладают портретные бюсты, что соответствует приоритетам эпохи Просвещения. Среди повторений популярных в свое время работ Гудона, Пажу и Леконта следует выделить подписной, датированный, но, к сожалению, оставшийся безымянным мраморный бюст дамы работы Лемуана и превосходный бюст Пьера Корнеля в терракоте работы Ж.-Ж. Каффиери. К прекрасным терракотам этого периода относятся три произведения Клода Мишеля, прозванного Клодионом, причем разных жанров: ваза, лежащая фигура и двухфигурная композиция. Эту группу дополняют бронзы, либо выполненные в стиле мастера, либо подписанные его именем.

Среди скульптур Ж. А. Гудона, современника Клодиона, есть как прижизненные работы автора, так и бронзы позднейшего времени. Произведения Буазо, Пигаля, Фальконе и работа Гудона – мраморный бюст «Дианы» относятся к повторениям XIX в.

Французская портретная пластика первой трети XIX века представлена такими именами, как Ф. Массон, Д. Анжерский, Д. Фуаттье.

Мастера XIX в. в коллекции представлены достаточно полно: в ней значатся все крупные имена эпохи. Среди материалов, из которых изготовлены модели памятников, преобладает бронза при очень незначительном присутствии мрамора и терракоты. И эта ситуация объяснима. Техника изготовления изделий из бронзы как репродукционная, развивалась тогда особенно интенсивно благодаря техническим изобретениям, каким стал пантограф А. Калла, облегчивший и воспроизведение модели, и ее масштабирование. В этой части коллекции в небольших размерах воспроизведены монументальные работы Ф. Рюда, Карпо, К. Менье и других мастеров, скульпторов-анималистов А.

Бари, Ж. Мена и Вальтона, исторические и мифологические композиции Гехтера, Жерома и Каррьер-Беллеза, жанровые фигуры Леви, Ьуше, Левассера и другие. Здесь можно проследить все художественные направления эпохи: неоклассицизм, романтизм, реализм, символизм. Что особенно ценно — в коллекции музея находится двенадцать произведений О. Родена, центральной фигуры в пластике XIX столетия. Помимо композиций, связанных с «Вратами ада», в ней имеются два портрета – «Бюст Гюго» и «Голова Малера» и «Надгробный памятник бактериологу Г.Н. Габричевскому». Скульптуры А. Майоля составляют не менее яркую, хотя и однородную по материалу (только бронза) группу. Продолжая разговор о французской скульптуре рубежа веков, следует назвать произведения Бурделя, А. Матисса, а также русских мастеров, работавших во Франции уже в XX веке – О. Цадкина и Ж. Липшица. Однако, французская скульптура XX столетия представлена единичными экземплярами, как правило, дарами, какими являются композиции Лорана и Армана.

К немецкому собранию относят порядка сорока произведений деревянной скульптуры XVI–XVII вв. и около десяти памятников XVIII–XIX столетий. Это рельефы и отдельно стоящие фигуры. Шедевром этой части коллекции является «Адам с яблоками», миниатюрная статуэтка, опубликованная неоднократно, в том числе в обобщающем труде М.Я. Либмана, посвященном немецкой скульптуре XIV–XVI вв.². Прекрасными образцами деревянной скульптуры XVI столетия являются фигура «Святого Роха» и рельеф неизвестного мастера «Положение во гроб». Специальные исследования помогут точнее определить еще несколько достойных экспонатов этой группы, а также экспонатов из собрания немецкой бронзы XVI–XVII вв., состоящего из десяти памятников (более поздних работ еще меньше). Единичные мраморы — произведения Р. Шадова и Ф. Биссена – относятся к первой трети XIX в. Самой представительной группой после дерева XVI–XVII вв. является пластика конца XIX – XX вв., насчитывающая более сорока произведений, преимущественно из бронзы.

Группа испанской деревянной скульптуры очень малочисленна – не более двадцати произведений. Однако ее художественные особенности столь значимы, что практически о каждой работе можно говорить отдельно. Самая ранняя — «Мадонна с младенцем» — относится к XII в. Устойчивость художественной традиции и неизменность технологических приемов усложняют датировку испанской, (да и не только), деревянной скульптуры. Статуя «Петр-мученик» – тому пример. К работам XX столетия относятся единичные произведения С. де Сантьяго.

Особое место занимает коллекция деревянной скульптуры из Африки. Она поступила в музей из Государственного музея нового западного искусства вместе с французской скульптурой из бывших морозовской и щукинской коллекций. В ее составе шесть произведений, которые датируются периодом не позднее второй половины XIX в. Столь ранняя датировка делает эти экспонаты собрания эталонными для изучения других подобных коллекций.

В послевоенный период сложились коллекции современной польской, чехословацкой, болгарской и наиболее интересной и представительной венгерской скульптуры. Среди произведений, подаренных музею в последние годы, выделяются работы Х. Арпа и Ф. Ботеро.

Армянские средневековые хачкары, современная венгерская пластика, африканская традиционная и нидерландско-фламандская деревянная, английская средневековая, монументальная словацкая и югославская скульптура (этот ряд можно продолжить) – составляют в коллекции музея оригинальное целое.

Список литературы

Аксененко М.Б. Морис Дени о «Помоне» и «Флоре»// Советская скульптура. 79/80. М., 1981. С.254–256.
Аксененко М.Б. Монументальный ансамбль М. Дени и А. Майоля в московском особняке И.А. Морозова// Советское искусствознание. ХХ век. Вып. 27. М., 1991. С.423–448.
Анималистическая скульптура XIX – начала XX века в собрании ГМИИ им. А.С. Пушкина и частных собраний. М., 2000.
Баранов А.Н. Произведения Майоля для особняка И. Морозова// Советская скульптура 79/80. М., 1981. С.244–253.
Бурдель Эмиль Антуан. Скульптура и графика (из музеев Франции). Каталог выставки. Л., 1972.
«В кругу семьи». Живопись и скульптура из собрания Государственного музея изобразительных искусств имени А.С. Пушкина. М., 2014.
Василенко К. Деревянная скульптура и живопись на дереве XV–XVIII веков// Юный художник, 1996, № 9–12. С.10–14.
«Вечные темы искусства». Каталог выставки. ГМИИ им. А.С. Пушкина. 1 декабря 2015 – 31 января 2016 г. М., 2015.
Высоцкая Ю.А. Опыт каталогизации коллекции оригинальной скульптуры, поступившей в ГМИИ им. А.С. Пушкина в период 1917–1947 гг. Дипломная работа. РГГУ. Факультет истории искусств. 2004 г.
Голицынский музей на Волхонке. Каталог выставки. М., 2004.
ГМИИ им. А.С. Пушкина. Выставка новых поступлений 1959–1969. Живопись. Графика. Скульптура. Прикладное искусство. Монеты. Медали. М., 1970.
ГМИИ им. А.С. Пушкина. Выставка новых поступлений. 1970–1980. Каталог. М., 1982. (вступ. статья Сененко М.С. о скульптуре С. 69, каталог скульптуры – С.100–104.
ГМИИ им. А.С. Пушкина. Выставка новых поступлений. 1981–1986. М., 1989.
ГМИИ им. А.С. Пушкина. Выставка новых поступлений. Живопись, скульптура, декоративно-прикладное искусство. М., 2003. С.17.
Государственный музей изобразительных искусств им. А.С. Пушкина. Каталог картинной галереи. М., 1948.
Государственный музей изобразительных искусств им. А.С. Пушкина. Каталог картинной галереи. Живопись, скульптура. М., 1961.
Государственный музей изобразительных искусств им. А.С. Пушкина. Каталог картинной галереи. Живопись. Скульптура. Миниатюра. М., 1986.
Государственный Музей изобразительных искусств. К 100–летию со дня основания музея. М., 1998.
ГМИИ им. А.С. Пушкина. Восточные древности. Античное искусство. Старые мастера. Искусство стран Европы и Америки XIX-XX веков. Русское искусство. М., 2013.
Государственный музей нового западного искусства. Иллюстрированный каталог. М., 1928.
Греко Эмилио. Каталог. Л., 1979.
Демская А. А. Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина М., 1979; 2-е изд. М., 1983.
Западно-европейская скульптура XV – начала XVI века в музеях Советского Союза. Сост. М.Я. Либман. Л., 1988.
Искусство тропической Африки в собраниях СССР. М., 1966.
Либман М.Я. Еще раз о статуэтке обнаженной женщины, расчесывающей волосы// Сообщения Государственного музея изобразительных искусств. М., 1980. С.113–117.
Либман М.Я. Из собрания скульптуры ГМИИ: Исчезнувший и «вновь возникший» шедевр Андреа делла Роббиа; Рельеф Агостино Бусти, прозванного Бамбая; Бюст кардинала Леонардо Медичи работы Джованни Батиста Фоджини// Сообщения ГМИИ им. А.С. Пушкина. М., 1966 Вып.III. С.41–51.
Либман М.Я. «Голова мальчика» из собрания Пурталес и ее возможный автор// Сообщения ГМИИ им. А.С. Пушкина М., 1975. Вып.V. С.63–72.
Либман М.Я. Немецкая скульптура 1350–1550 гг. М., 1980.
Либман М.Я. Рельеф со сценами из младенчества Христа в собрании Государственного музея изобразительных искусств им. А.С. Пушкина. // Труды ГМИИ им. А.С. Пушкина. М., 1960. С. 188–199.
Либман М.Я. Статуэтка «Адама» из ГМИИ и зальцбургская школа резчиков 1520-1530-х гг.// Музей-3. Художественные собрания СССР. М., 1982. С.170–174.
Либман М.Я. Статуэтка Атласа в Государственном музее изобразительных искусств имени А.С. Пушкина// Сообщения Института истории искусств АН СССР. 1960. Вып.3–113. С.154–164.
Либман М.Я. Статуэтка нагого мальчика// Сообщения Государственного музея изобразительных искусств, 1980. Вып.6. С.117–118.
Либман М.Я. Статуэтка Эразма Тривульцио и родственные ей бронзы// Классическое искусство за рубежом. М., 1966. С.45–51.
Малицкая К.М. Испанская статуя XVII века в Государственном Музее изобразительных искусств им. А.С. Пушкина// Сообщения Государственного Музея изобразительных искусств им. А.С. Пушкина. М., 1980. С.45–48.
Матисс. Живопись, скульптура, графика. Л., 1969.
Мессина Франческо. Скульптура. Графика . Каталог выставки. М., 1978.
Мифологические, исторические и литературные сюжеты в произведениях западноевропейской живописи и скульптуры. М., 1994.
Морозова С.С. Бюст вице-канцлера А.М. Голицына работы Бартоломео Кавачеппи в собрании ГМИИ им. А.С. Пушкина. – «Итальянский сборник» М., 2005. Вып.4. С.256–260.
Морозова С.С. Группа итальянских бронз XVII–XVIII вв. в собрании ГМИИ им. А.С. Пушкина// Итальянский сборник. М., 2009. Вып.5. С.188–195.
Морозова С.С. Клодион и «клодионы». Стиль мастера. М., 2009. С.191–203.
Морозова С.С. Коллекция западноевропейской скульптуры в Государственном музее изобразительных искусств им. А.С. Пушкина. Проблемы изучения// Вестник Московского университета. Серия 8. История. М.,2009. С.61–73
Морозова С.С. Скульптура в век историзма// Лики истории. Каталог. М., 2009. С.186–187, 190–197.
Морозова С.С. О коллекционировании западноевропейской скульптуры в России второй половины XVIII века (по архивным материалам)// Русское искусство нового времени. М., 1996. С.61–73.
Морозова С.С. Скульптура // Жизнь музея. Годовой отчет 2007. М., 2008. С.49–52.
Морозова С.С. Скульптура с бульвара Распай. –Amant alterna camenae. Сборник статей к 60-летию И.И. Тучкова. М., 2017. С.313-321.
Морозова С.С. Скульптурное собрание вице-канцлера князя А.М. Голицына (по архивным материалам)// Канова и его эпоха. Сб. научных статей. М., 2005. С.160–168.
Морозова С.С. Собрание скульптуры в Румянцевском музее// Музей и коллекционеры. Эра Румянцевского музея. Картинная галерея. Из истории формирования ГМИИ им. А.С. Пушкина. М., 2010. С.133–149.
Морозова С.С. Терракоты Клодиона: проблемы атрибуции// Лазаревские чтения. Искусство Византии, Древней Руси, Западной Европы. Материалы научной конференции 2009 г. М., 2010. С.410–423.
Морозова С.С. Две бронзовые скульптуры эпохи Людовика XIV в коллекции ГМИИ им. А.С. Пушкина. –«Атрибуция, сохранность и реставрация музейных памятников. Часть 2. Древнерусская живопись, изобразительное искусство и скульптура, вопросы хранения и реставрация. Материалы I научно- практической конференции 13-16 октября 2009 года. М., 2013./ Труды Государственного исторического музея. Выпуск 188. С 228-238.
Морозова С.С. Из опыта изучения скульптурных комплексов в частных московских коллекциях последней трети XIX — начала XX века. — Павел Третьяков. Предшественники и последователи: частное и музейное коллекционирование XVIII -начала XX века: сборник материалов Международной научной конференции, приуроченной к 180-летию со дня рождения П.М. Третьякова. М.: Гос. Третьяковская галерея, 2014. С. 244-263.
Морозова С.С. Портреты Медичи. Мраморная серия эпохи барокко. – Итальянский сборник. Выпуск. 7. М., 2015. С. 157-166.
Никитюк О.Д., Полякова Н.И. Коллекция скульптуры// Музей-3. М., 1982. С.84–93.
Никитюк О.Д. Французская скульптура XIX – начала XX вв. Альбом-каталог (рукопись)// ОР ГМИИ им. А.С. Пушкина . Ф.5. Оп.II. Разд. III. Ед. хр. 33.
Никитюк О.Д. Тема труда и образ человека труда в творчестве К. Менье (1831–1905)// 50 лет Государственному музею изобразительных искусств им. А.С. Пушкина. М., 1962. Сб. статей. С.282–293.
Памятники Музея изящных искусств в Москве. М., 1926.
Произведения искусства из собрания московского коллекционера Е.В. Полосатовой. Дар музею: каталог выставки. М., 1985.
Расторгуев В.А. О бюсте Франческо дель Неро в Итальянском дворике ГМИИ. Опыт исследования одной музейной этикетки. –Amant alterna camenae. Сборник статей к 60-летию И.И. Тучкова. М., 2017. С.236-261.
Роден и его время. Каталог выставки.
Романович С.Д. «Женский портрет» работы Осипа Цадкина// Сообщения ГМИИ им. А.С. Пушкина. М., 1975. Вып.V. С.73–76.
Сененко М.С. История картинной галереи// Музей–3. М., 1982, С. 44
Сергеев Б.С. Начальный этап раскрытия красочного слоя на рельефе «Положение во гроб» (Германия, конец XV – начало XVI вв.)// Тезисы докладов научной сессии, посвященных итогам работы Государственного музея изобразительных искусств имени А. С. Пушкина за 1985 г. М., 1986. С.46.
Терновец Б.Н. Французская скульптура в Москве// Среди коллекционеров. М, 1922. №10. С.3–15.
Тугендхольд Я.А. Первый музей новой западной живописи. М., 1923.
Федотова Е.Д. К вопросу о предполагаемых копиях произведений Кановы из собрания ГМИИ им. А.С. Пушкина// Итальянский сборник. М., 2000. Вып.2. С.182–189.
Шилейко В.К. Терракотовая «Сцена битвы» и ее связь с композицией этого античного сюжета у Леонардо да Винчи// Труды Государственного Музея изобразительных искусств им. А.С. Пушкина. М., Л. 1939. С.19–24.
Шилейко-Андреева В.К. Бронзовая группа работы Якопо Сансовино// Жизнь музея. №3 Год II М., 1927. С.28–29.
Androssow S.O. Florentines Bronzen des spaetbarock in Museen der UDSSR// Mitteilungen des Kunsthistorischen institutes in Florenz, 1980. Bd. XXIV, Heft 2. S.237–250.
Bode W. Denkmaeler der Renaissance Sculptur Toscanas. Muenich. 1905. Vol. 6.S. 83. Pl.264a
Liebmann, М. Eine Bildnisbueste Wladislaws IV. VonGeorg Pfruendt// Pantheon. 1967. №25. S.171–175.
Liebmann, M. Studien zur deutschen Kleinplastik. Eine Adam-Statuette im Puschkin-Museum zu Moscau und die Salzburger Bildschnitzerwerkstattung 1510-1530// Jahrbuch der bildenden Kunst.1961. Bd. XII. S.197–202.
MORÓZOVA Svetlana «Dos esculturas españolas en Moscú: nuevos estudios» — Carlos Mata Induráin y Anna Morózova (eds.), Temas y formas hispánicas: arte, cultura y sociedad, Pamplona, Servicio de Publicaciones de la Universidad de Navarra, 2015. P. 279-294/ ISBN: 978-84-8081-450-8. [Biblioteca Áurea Digital, BIADIG, 28]
Schileico-Andreewa, Vera. Zwei unbecannte Bronzestatuetten aus der Vischer-Werkstatt //Jahrbuch der Preussischen Kunstsammlungen, 1929, S.183–185.

______________________

¹ Композиция Рустичи в последние годы активно изучается во Франции и Италии, так как московская группа является одним из пяти существующих повторений. Сотрудничество с другими музеями позволит в скором времени получить новые сведения об этом памятнике.

² Либман М.Я. Немецкая скульптура 1350–1550 гг. М., 1980. С.302; Он же. Статуэтка «Адама»… С.170–174.

Пермские боги

Скульптуры в православии — явление необычное. Еще в 1722 году Святейший синод запретил использовать их в богослужении. Но жители северных регионов продолжали вырезать фигуры Спасов, ангелов и православных святых из дерева и размещать их в церквях. Самую обширную коллекцию деревянной православной скульптуры в России исследователи собрали и сохранили в Пермском крае.

Находки Николая Серебренникова

Николай Чудотворец из города Чердынь Пермского края. Фотография: Александр Буторин / фотобанк «Лори»

Никола Можай из села Покча Чердынского района Пермского края. Пермского края. Фотография: Анатолий Косолапов / фотобанк «Лори»

Святой Николай Можайский из деревни Зеленята Очерского района Пермского края. Фотография: Анатолий Косолапов / фотобанк «Лори»

Пермские скульптуры первым обнаружил краевед Николай Серебренников в 1922 году. Изваяния высотой в человеческий рост стояли в заброшенной часовне на старом кладбище. Ученому они напомнили и языческих идолов, и православных святых одновременно — находки решено было переместить в Ильинский краеведческий музей.

За следующие три года Серебренников вместе с этнографом Александром Сыропятовым организовали несколько экспедиций в отдаленные села пермской земли и собрали там еще 280 подобных скульптур. Такое количество экспонатов могло вместить только крупное хранилище — собрание выставили в только что открывшемся Пермском художественном музее.

Творцы [пермских] скульптур, не имея образования, по интуиции достигли создания таких прекрасных произведений.

Больше всего православных фигур находили в церквях на севере Пермского края: в Усолье на берегу Камы и вверх по реке — в Соликамске, Чердыни. Среди них были отдельные скульптуры — фигуры Николая Можайского, Параскевы Пятницы, Иисуса Христа, а также скульптурные группы и целые резные иконостасы.

Жители отдаленных деревень относились к фигурам по-разному. Часть прихожан воспринимала их как украшение храма, остальные же почитали как идолов: одевали, подносили еду, задабривали дарами. Именно из-за такого, особого отношения к изваяниям исследователи стали называть скульптуры «богами».

Собирать их оказалось непросто: жители не всегда отдавали скульптуры добровольно. Изваяния провожали с плачем, в некоторых селениях фигурам сооружали гробы и устраивали им «похороны». Жители деревень были уверены: чужаки уничтожат их святых. Однако благодаря краеведам-собирателям «пермские боги» уцелели в советские годы, в отличие от другого церковного имущества.

Как ваяли пермских богов

Деревянная фигура Иисуса Христа. Фотография: Анатолий Косолапов / фотобанк «Лори»

Спаситель из деревни Усть-Косьва Ильинского района Пермского края. Фотография: Александр Буторин / фотобанк «Лори»

Деревянная фигура Иисуса Христа из города Соликамска Пермского края. Фотография: Александр Буторин / фотобанк «Лори»

Сюжеты

Чаще всего вырезали распятия и Иисуса, который ожидает казни в темнице. Его изображали сидящим, с палкой в руке и терновым венцом на голове. Пермские резчики были мастерами разного уровня: в коллекцию Серебренникова попали и примитивные фигуры, и истинные произведения искусства. Но, как правило, и те и другие старались запечатлеть выражение смирения и печали на лице страдающего Христа.

Экспонаты Пермской галереи

Саваоф на облаках из города Лысьва Пермского края. Фотография: museum.ru

Распятие из города Усолья Пермского края. Фотография: rusforce.online

Саваоф из деревни Половинка Оханского района Пермского края. Фотография: Александр Буторин / фотобанк «Лори»

Одно из произведений Дмитрия Домнина — монументальная скульптура «Саваоф» — хранится в собрании Пермской художественной галереи, как сейчас называется бывший краевой художественный музей. Домнин изобразил Бога Отца — Саваофа, сидящего в облаках. В руках Господь Саваоф держит скипетр и державу. Скульптура в основном барельефная и крепится вплотную к стене. В Лысьве она венчала иконостас сельской церкви.

Также в Пермской галерее находятся необычные распятия, на которых Иисуса изображали с лицом монголоидного типа, как у местных народов. Одна из таких скульптур — распятие из Усолья первой половины XVIII века. Это крупное изваяние, фигура Иисуса в нем — почти в человеческий рост. Видно, что автор хорошо знал анатомию: соблюдены пропорции тела, проработаны пучки мышц и выступающие кости.

В отличие от усольского распятия у соликамского «Сидящего Иисуса» европейские черты лица. Резчик изобразил его без одежды, в терновом венке. Из-под шипов будто бы льется кровь, а на теле — следы избиений. Вырезаны даже самые мелкие детали: складки век, морщины, локоны волос и выступающие сухожилия на руках. «Сидящий Иисус» из Соликамска — самая реалистичная из пермских фигур.

Автор: Лидия Туляганова

Эксперты оценили скульптуру глины на Болотной набережной в Москве :: Город :: РБК

Архитектор отметила, что москвичи не готовы к подобным скульптурам, а само произведение «вызывает больше споров и дискуссий, чем желания прикоснуться к прекрасному».

Как отметил РБК директор Музея имени Андрея Рублева, специалист в области современного искусства и архитектуры Михаил Миндлин, если в самом центре города появляются современные здания, то должны появляться и современные арт-объекты. «Люди брызжут слюной, истекают ядом и желчью из-за яркого и интересного арт-объекта, который поставлен всего на несколько месяцев в центре города. У необразованных и ограниченных людей возникают странные ассоциации — это объясняется тем, что у кого чего болит, тот о том и говорит», — иронизирует Миндлин.

Читайте на РБК Pro

Он пожаловался, что современное искусство вызывает у «консервативной, ограниченной, малообразованной части публики» отторжение, так как ее «клишированное сознание затормозилось на уровне эстетики XIX века». Миндлин также отметил, что ранее работы Рембрандта ван Рейна, Франсиско Гойи называли антиискусством, а произведения Ван Гога — антиэстетикой, в то время как сейчас в любом кафе можно встретить репродукции их работ.

«Мы не слышим волны негодования, когда появляются памятники псевдотрадиционной эстетики, псевдоклассические, сомнительного качества и уровня, выполненные плохо, не выдерживающие критики с художественной точки зрения. При этом современная скульптура вызывает вопли», — заключил Миндлин.

Работа Фишера «Большая глина № 4» — это отлитая из алюминия 12-метровая увеличенной копия комка глины, который этот швейцарский скульптор как-то раз смял в руках. Появление скульптуры в Москве вызвало множество негативных отзывов в российских социальных сетях, и по следам события РБК обратился за комментарием в фонд современного искусства V-A-C, который работает с домом культуры «ГЭС-2».

Эрмитаж сообщил о жалобе на обнаженные скульптуры

В пресс-службе фонда V-A-C в Facebook пояснили, что произведение посвящено «осмыслению акта созидания и преображения материи в руках человека». Куратор Франческо Бонами заявил, что Фишер своей скульптурой «обращается к творческому началу, которое есть в каждом из нас». Перед привозом в Москву это произведение гастролировало по разным городам Европы, а в столице России оно пробудет несколько месяцев.

Выставка «Скульптура. От имени автора»

Соавторами выставки выступили яркие представители московской школы скульптуры Михаил Дронов, Сергей Мильченко, Дмитрий Тугаринов и Александр Цигаль, демонстрирующие свои работы, созданные в разные годы.
Работы художников поколения, родившегося в период оттепели, являются основой собственного фондового собрания скульптуры ГМВЦ «РОСИЗО», активное формирование которого совпало с началом их активной творческой деятельности в 70-80-е годы XX века.
В экспозиции условно можно выделить два раздела. Первый знакомит с историей фондового собрания скульптуры ГМВЦ «РОСИЗО» и дает представление о московской художественной жизни последней трети XX века через работы на тот момент еще молодых скульпторов, ставших впоследствии знаковыми фигурами отечественной арт-сцены. Во втором, представляющем собой анфиладу персональных залов Михаила Дронова, Сергея Мильченко, Дмитрия Тугаринова и Александра Цигаля, представлены работы каждого из участников выставки, который вступает в диалог со зрителем «от своего имени».  Волнующие участников и зрителей темы обсуждаются в процессе документального фильма, который был создан специально для выставки.
Сергей Мильченко в своем персональном зале совершенно неожиданно предстает в роли сюрреалиста, показывая серию скульптур «Face Code», созданных по рисункам художника Анатолия Брусиловского. Концепция зала Александра Цигаля выстраивается вокруг серии работ «Мишени», в которую входят портреты людей совершенно разных эпох, оказавшихся в разных смыслах «под прицелом». Михаил Дронов демонстрирует свои новые работы, созданные за последние несколько лет. Скульптор Дмитрий Тугаринов также обращается к портретному жанру, но в контексте своей художественной жизни, делая моделями друзей и коллег, в частности, Натту Конышеву и Арона Буха.
Разговор художника о его собственном творчестве без посредников со зрителем, словно с гостем его мастерской, – это возможность более личного и благодаря этому глубинного понимания скульптуры. После просмотра выставки этот вид искусства становится ближе и понятнее.
Волнует ли художников во все времена одно и то же? Определяет ли каждое новое поколение что-то свое в искусстве? Каковы критерии актуальности художника, в самом широком смысле этого слова? Ответы на эти вопросы зритель может попытаться найти на выставке «Скульптура. От имени автора».

Московский государственный академический художественный институт имени В. И. Сурикова

Скульптура — один из старейших и сложнейших видов изобразительного искусства.

В отличие от живописи и графики она трехмерна, обладает реальным объемом, живет в пространстве, требует восприятия с разных точек зрения, под разными углами и ракурсами, постепенно раскрывая художественный образ. Очень разнообразны виды и жанры скульптуры: монументальная, монументально-декоративная, станковая (портрет и композиция), скульптура малых форм, рельеф, медальерное искусство. Каждый из этих видов пластики имеет свои особенности и законы, которые предстоит в совершенстве освоить студентам, избравшим для себя эту специальность.

Факультет скульптуры МГАХИ им. В.И. Сурикова сравнительно немногочислен. Ежегодно на него поступает до 8 человек (на бюджетной основе), из которых многие имеют специальную подготовку. Они уже окончили Московский академический художественный лицей или другие средние художественные учебные заведения. Обучение на факультете ведется по очной форме с первого курса в течение 6 лет в двух персональных мастерских, которыми руководят выдающиеся мастера современного пластического искусства. Одной из них — профессор Александр Иулианович Рукавишников, Народный художник Российской Федерации, академик, член Президиума РАХ, заведующий кафедрой скульптуры и композиции, другой — профессор Михаил Владимирович Переяславец, Народный художник России, действительный член РАХ.

Как и в других подразделениях нашего института, на факультете скульптуры приемы и методика обучения студентов строятся на прочной основе академической художественной школы с последовательным постижением законов мастерства. Для скульптора очень важно с самого начала уметь правильно построить каркас своей будущей работы, учитывая ее размер, вес и характер движения задуманной вещи. Необходимо глубокое, тщательное изучение классического рисунка, копирование античных оригиналов скульптуры и ее отдельных частей. Постижение конструкции и пластики человеческого тела и работа с обнаженной натурой, продуманное, основанное на пристальном изучении действительности построение композиции, что, собственно, и является залогом создания художественного образа. Обязательным программным требованием является знание, осмысление и практическое применение творческого наследия ведущих школ искусства от древних времен до наших дней. Учебно-творческие задачи, ставящиеся перед учащимися на факультете скульптуры, всегда новы, интересны, направлены на максимальное развитие способностей студентов. Об этом свидетельствуют результаты частых просмотров на кафедре, просмотров ректора, Ученого совета института совместно с Президиумом Российской академии художеств, на которых обсуждаются работы студентов скульптурных мастерских. Ученики неизменно получают высокие оценки.

Славные традиции корифеев отечественной скульптуры и блестящих педагогов, таких как А.Т. Матвеев, М.Б. Манизер, Н.В. Томский, Л.Е. Кербель, постоянно развиваясь и обогащаясь в соответствии с требованиями времени, поддерживаются и ныне. Сегодня и в России, и во многих странах ближнего и дальнего зарубежья работают ученики П.И. Бондаренко, М.Ф. Бабурина, О.К. Комова, замечательных художников, произведения которых давно и по праву принадлежат к классике отечественной культуры ХХ века.

А.И. Рукавишников и М.В. Переяславец учились у Льва Ефимовича Кербеля, с которым до конца его жизни поддерживали личные и творческие отношения. Теперь и за плечами любимых питомцев Л.Е. Кербеля большой путь в искусстве и преподавании. Такие разные в творчестве и мировоззрении, А.И. Рукавишников и М.В. Переяславец, сохраняя индивидуальные особенности собственных взглядов и пристрастий, создали цельную, логически выстроенную систему профессиональной подготовки и воспитания скульптора-творца.

А.И. Рукавишников — художник многогранного дарования, смелый новатор в искусстве, в совершенстве владеет законами академической школы. Его скульптуру отличает удивительная легкость, свобода, культура лепки, эти качества он умеет привить своим студентам.

М.В. Переяславец — один из одареннейших и творчески активных мастеров современного ваяния, преимущественно работающий в области монументальной и станковой скульптуры. Стремление к максимальной ясности и гармонической простоте композиционных решений, к созданию чувственно полнокровных пластических образов — отличительные свойства его творчества, привлекающие в его мастерскую все новых учеников.

Среди преподавателей факультета скульптуры, опытных, увлеченных своей работой, талантливых художников царит доброжелательная, товарищеская обстановка, которая оказывает положительное воздействие и на студентов. Народный художник Российской Федерации, профессор Николай Иванович Боровской и доцент Миронов Александр Александрович ведут рисунок на младших курсах; доцент Миронов Александр Александрович и старший преподаватель Игнатов Алексей Игоревич обучают рисунку студентов с третьего курса. Скульпторами-ассистентами в мастерской А.И. Рукавишникова является Действительный член РАХ, Заслуженный художник Российской Федерации, профессор Андрей Владимирович Балашов и Заслуженный художник Российской Федерации, старший преподаватель Долмогомбетов Галим Жиембаевич — декан факультета. В мастерской М.В. Переяславца скульптуру преподает Народный художник РФ, профессор Владимир Иванович Кошелев и Заслуженный художник РФ, член-корреспондент РАХ, доцент Мильченко Сергей Григорьевич.

Каждый учебный год завершает летняя практика, по сути продолжающая учебный процесс. Под руководством педагогов студенты выезжают в Санкт-Петербург и его окрестности, древнейший город России Переславль-Залесский, в Дом творчества им. Д.Н. Кардовского, где работают самостоятельно, пробуя свои силы в освоении различных материалов (дерева, камня и т. п.), ищут новые композиционные решения и художественные средства. Выставки работ с летней практики, которые систематически проводятся в институте, всегда бывают интересны для всего коллектива вуза.

Сегодня, когда практически исчезли училища, где готовили мастеров-исполнителей (форматоров, увеличителей, литейщиков и т.п.), требуется уже в институте знакомить студентов с художественным производством. На старших курсах факультета скульптуры студенты проходят практику литья в бронзе на заводе. Хотелось бы активнее использовать также принадлежащую РАХ учебно-производственную базу, созданную по инициативе и при деятельном участии Президента Академии З.К. Церетели.

Некоторые выпускники факультета скульптуры, ставшие за годы учебы специалистами высокого класса, вместе со своими наставниками Р.И. Рукавишниковым, М.В. Переяславцем, А.В. Балашовым и другими известными мастерами участвовали в выполнении ответственного заказа — воссоздании скульптурного убранства храма Христа Спасителя в Москве.

Монументальная скульптура — один из самых массовых видов искусства, как правило, она связана с архитектурой, с городской или природной средой. Теперь, когда в МГАХИ работает факультет архитектуры, есть возможность студентам старших курсов — скульпторам и архитекторам ставить общие задания по выполнению эскизов памятников, проектированию городских районов, ансамблей площадей, зон отдыха и т. п. Опыт и определенные навыки в решении этих важных задач, востребованных в современной жизни, полученные студентами еще в стенах вуза, помогут им обрести уверенность в дальнейшей профессиональной работе.

На шестом курсе студенты выполняют дипломную работу — завершенное художественное произведение, которое представляют на защиту Государственной экзаменационной комиссии. В этих работах авторы предстают как зрелые мастера-профессионалы со своим индивидуальным восприятием мира, свободно владеющие богатейшим арсеналом выразительных средств скульптуры.

Ироническая скульптура «Ижевский крокодил»

Ироническая скульптура «Ижевский крокодил» появилась на пересечении улиц Советской и Коммунаров в 2005 году в рамках программы Приволжского федерального округа «Культурных столиц Поволжья-2005».

Идея сделать крокодила неофициальным брендом Ижевска существовала не менее десятка лет. В царское время «ижевскими крокодилами» называли рабочих Ижевского завода за «наградные кафтаны» зеленого цвета. Непременной частью наряда был головной убор в форме «котелка».

Начиная еще с XIX века — как в царское, так и в советское время – для ижевской мифологии характерны рассказы о крокодилах, систематически сбегающих в окрестные водоемы из цирка, зверинца или появляющихся из неких иных неизвестных мест. Так, например, приложения к «Вятским губернским ведомостям» 15 июля 1899 года в рубрике «Из жизни Ижевска» опубликовали сенсационную новость, что несколько обывателей видели «крокодила, который обитает в бездонном омуте Карлутки и по временам выходит на ея берега. Теперь здесь все и каждый мудрствуют, откуда мог забраться сюда крокодил».

При поддержке ЗАО «НПО «Электромаш» в 2004 году был объявлен конкурс проектов на лучший проект памятника «Ижевскому крокодилу». Из большого количества представленных работ был выбран проект студента Института искусств Удмуртского государственного университета — Асэна Сафиуллина. Воплотил в жизнь идею автора в чугуне — скульптор Павел Медведев.

Авторы памятника называют своё творение символом свободы. Говорят, что крокодилы никогда не болеют и обладают выдающимся интеллектом. А если посидеть рядом с этим чугунным крокодилом, то обязательно станешь умнее.

Город: Ижевск

Адрес: Пересечение улиц Советской и Коммунаров

Архитектор, урбанист и Максим Галкин — о скульптуре «Большая глина № 4» на Болотной набережной

На Болотной набережной завершилась установка вертикальной скульптуры «Большая глина № 4» швейцарского художника Урса Фишера. Она представляет собой 12-метровую алюминиевую копию положенных друг на друга кусков глины, которые когда-то разминал скульптор.

Фотография арт-объекта собрала множество негативных комментариев в соцсетях — чаще всего скульптуру сравнивают с «горой фекалий».

Председатель правления Союза художников России Андрей Ковальчук отчасти разделяет мнение москвичей. Скульптор рассказал, что видел инсталляцию на фото, и она ему не понравилась.

«Мне скульптура не нравится, скажу честно. Потому что я сам скульптор, и опусов может быть очень много, но не каждый опус нужно увеличивать до 12 метров, — считает народный художник России.

— С другой стороны, я должен окончательно посмотреть в натуре, потому что бывают иногда фотографии непонятные. Но первое ощущение у меня — не положительное».

Он отметил, что искусство может быть актуальным или традиционным. В данном случае, по мнению Ковальчука, эксперты оценили эту работу как актуальную для выставления в центре Москвы.

«Значит, руководители и владельцы музея современного искусства, напротив которого установлена скульптура, посчитали, что она будет интересна зрителю. А они имеют право высказываться, — заявил скульптор. — Существуют законы и нормативные акты по установкам объектов в Москве. Если скульптура установлена на частной территории, владелец имеет право ее сохранить. Но если москвичам она мешает, они тоже могут высказываться в соцсетях, писать градоначальнику и так далее».

По мнению урбаниста и автора проекта «Архитектурные излишества» Павла Гнилорыбова, реакция москвичей обусловлена отставанием об общемировых тенденций. Он отметил, что российская художественная и скульптурная школа около 50 лет развивалась почти в полной изоляции.

«Для среднего обывателя вершина понимания — это передвижники и бытовой реализм, а вот с Малевичем уже сложности. Цель установки подобных скульптур — скорее образовательная и просветительская. Нужно показать людям, что мир скульптуры гораздо многограннее, чем просто памятник очередному усатому мужику на коне», — сказал Гнилорыбов.

Он также выразил надежду, что со временем россияне привыкнут к необычным арт-объектам и научатся воспринимать их как искусство.

«Будут ли сравнивать с горой фекалий? Будут, но через такую иронию. Сначала отрицание, а затем уже через принятие идет вовлечение в область современного искусства», — подчеркнул урбанист.

Одним из ярых критиков «Большой глины №4» стал телеведущий Максим Галкин, посвятивший ей разгромный пост в Instagram.

«Это реально ужасно, отвратительно, мерзко! Там нет реально никакого смысла, никакого искусства. Почему никто не скажет, что такие художники — это просто бездарные люди, которые прячут свою бесталанность за какой-то свободой формы», — заявил шоумен.

Инсталляция «Большая глина №4» приурочена к открытию в Москве нового центра современного искусства — Дома культуры «ГЭС-2».

«Большая глина № 4» посвящена осмыслению акта созидания и преображения материи в руках человека, — говорится в Instagram «ГЭС-2». — Произведение апеллирует к тому непреодолимому импульсу, который все мы испытывали с детства, сжимая в ладони кусок пластилина, — импульсу к трансформации податливого материала и приданию ему определенной формы».

Впервые скульптуру Фишера установили в 2015 году на Манхэттене. Через полгода ее демонтировали, а в 2017-м поставили на площади Синьории во Флоренции. Там она находилась четыре месяца. В Москве «Большая глина №4» тоже простоит несколько месяцев, но сколько именно, пока неизвестно. В 2016 году работы Урса Фишера приезжали в музей «Гараж», где проходила персональная выставка скульптора «Маленький топор».

10 самых известных скульпторов в западном искусстве, от Микеланджело до Родена

Роден, Микеланджело, Донателло — это имена провидцев-новаторов, стоящих за некоторыми из величайших скульптур в истории искусства. Скульпторы, подобные этим одаренным творцам, имеют уникальную возможность воплотить свои предметы в жизнь и манипулировать материалами, чтобы бросить вызов ожиданиям зрителей. Будь то резка мрамора или литье из бронзы, нельзя отрицать силу скульптуры.

На протяжении всей истории были известные скульпторы, которые выдержали испытание временем. Возможно, их ценят за способность создавать очень реалистичные фигуры или, может быть, их ценят за их готовность раздвигать границы и бросать вызов ожиданиям. Независимо от их стиля, мы собрали коллекцию великих скульпторов, которые создали одни из самых узнаваемых произведений западного искусства в истории.

Этот взгляд на 10 известных скульпторов — от древних греков до модернистов 20-го века — показывает хронологию развития западного искусства. Без вклада каждого художника было бы трудно представить визуальную культуру в том виде, в котором мы ее знаем сейчас.

Узнайте больше о 10 известных скульпторах, которые помогли сформировать западное искусство и культуру.

Пракситель (действующий 4 век до н.э.)

«Афродита Книдская» Мрамор, римская копия с греческого оригинала IV века Праксителя. (Фото: Museo Nazionale Romano di Palazzo Altemps [общественное достояние], через Wikimedia Commons)

Несмотря на то, что о великих скульпторах Древней Греции много узнать, одно имя выдержало испытание временем.

Благодаря работам великих авторов, таких как Плиний Старший и Витрувий, название « Praxiteles » стало синонимом древнегреческой скульптуры. Ни одна из его оригинальных статуй не сохранилась, но мы знакомы с его работой благодаря римским копиям оригиналов. Афродита из Книдоса — его самая известная работа и первый пример женской фигуры в натуральную величину, изображенной в обнаженном виде. Эта работа будет влиять на то, как женская форма изображалась в скульптуре на долгие века.

Донателло (ок. 1386 — 1466)

«Кающаяся Магдалина» Донателло (Фото: Divot [Public domain], via Wikimedia Commons)

Итальянский скульптор Донателло сыграл основополагающую роль в продвижении искусства и культуры в эпоху итальянского Возрождения. В основном он работает во Флоренции, но многие его работы до сих пор можно найти в городе. Его бронзовая статуя Давида — знак значительных изменений в искусстве, поскольку это была первая отдельно стоящая обнаженная фигура со времен античности и знаменует начало скульптуры эпохи Возрождения.

Поразительный реализм его дерева Penitent Magdalene показывает, насколько Донателло опередил свое время.

Микеланджело (1475 — 1564)

«Давид» Микеланджело. (Фото: Stock Photos from Marta Pons Moreta / Shutterstock)

Хотя он тесно связан с фресковым искусством из-за его впечатляющего потолка Сикстинской капеллы, Микеланджело действительно скульптор в душе. Он считал, что в каждом мраморном блоке есть произведение искусства, ожидающее выхода, и ему просто нужно было сколоть его, пока оно не появится.Его культовая статуя Давида остается непреходящим символом итальянского Возрождения и продолжает вдохновлять поколения художников. Скульптор до самой смерти, Микеланджело был предан своему делу, и он продолжал работать вплоть до недели своей смерти в возрасте 88 лет.

Джанлоренцо Бернини (1598 — 1680)

«Плутон и Персефона» Бернини. (Фото: Stock Photos from wjarek / Shutterstock)

Пожалуй, ни один другой художник не определяет эпоху барокко так, как Джанлоренцо Бернини , чья впечатляющая карьера длилась почти 70 лет. Вундеркинд Бернини в подростковом возрасте создавал крупномасштабные мраморные скульптуры. Позже он станет архитектором базилики Святого Петра — следуя по стопам Микеланджело — где он создал культовую площадь и колоннаду базилики, а также ее центральный бронзовый навес. Мастер материалов, Бернини известен своей удивительной способностью создавать движения и вызывать эмоции в своей работе. В его руках мрамор превращается в мягкую плоть, которая выглядит настолько реальной, что хочется протянуть руку и сжать ее.

Огюст Роден (1840-1917)

Актерский состав из оперы «Мыслитель» Родена. (Фото: стоковые фотографии Шона Нила / Shutterstock)

Французский скульптор Считается, что Огюст Роден ввел скульптуру в современную эпоху. Получив классическое образование, он привлек международное внимание после того, как его работы были представлены на Всемирной выставке. Роден продолжает оставаться одним из самых известных художников в мире, его выдающаяся работа « Мыслитель» видна в различных отливках по всему миру. Роден известен своей способностью отказаться от реализма и декора в пользу использования текстуры, деталей поверхности, а также света и тени для передачи эмоций. Его внимание к внутренним эмоциям и страданиям является поворотным моментом в истории искусства и служит отличительной чертой модернизма.

Константин Бранкузи (1876 — 1957)

«Бесконечная колонна» Бранкузи. (Фото: Stock Photos from Radu Bercan / Shutterstock)

Один из самых влиятельных скульпторов 20 века, Константин Бранкузи, , был пионером модернизма.На румынского художника сильно повлияли народные традиции, хотя он также искал вдохновения в культурах за пределами Европы. Его скульптуры известны своими чистыми геометрическими линиями, о чем свидетельствует его знаменитая серия Bird in Space . Бранкузи также создал мастерскую скульптуру на открытом воздухе. Бесконечная колонна — одно из трех произведений, созданных им в память о румынских героях Первой мировой войны. Сложенные друг с другом формы представляют собой половину ромбовидной формы на вершине тотема, который символизирует бесконечность.

Альберто Джакометти (1901-1966)

Швейцарский скульптор Альберто Джакометти , пожалуй, наиболее известен своими тонкими вытянутыми фигурами. Их грубая текстура позволяет зрителям увидеть силу скульптора, который также был художником и гравером. В течение шестилетнего периода, начиная с 1938 года, Джакометти сосредоточился на скульптурах небольшого размера, каждая из которых имела высоту не более 2,75 дюйма. Работа Джакометти часто рассматривается при обсуждении экзистенциализма и условий жизни человека.Многие ученые предположили, что его удлиненные фигуры связаны с отсутствием смысла в жизни 20-го века.

Генри Мур (1898-1986)

«Лежащая фигура» Генри Мура. (Фото: Стоковые фотографии Рона Эллиса / Shutterstock)

Известный своими полуабстрактными скульптурами для публики, английский художник Генри Мур был выдающимся скульптором после Второй мировой войны как в Великобритании, так и за рубежом. В его работах чаще всего изображены наклоняющиеся фигуры с повторяющейся темой Матери и Дитя.Фигуры Мура часто делятся на несколько частей, но его чистые линии позволяют зрителям эффективно видеть фигуру в абстрактной форме. Поклонники его творчества захотят посетить его поместье площадью 60 акров в Перри Грин, Хартфордшир. Сейчас он принадлежит Фонду Генри Мура и хранит самую большую коллекцию его работ.

Сол Левитт (1928-2007)

«Башня» Сола Левита. (Фото: общественное достояние через Википедию)

Признанный основоположником минимализма и концептуализма, Sol LeWitt приобрел известность в конце 1960-х годов.Американский художник предпочел термин «структуры» скульптуре. Он очень интересовался модульными структурами, которые часто имели кубическую природу, и большая часть его работ выполнялась из штабелированных шлакоблоков. Позже он начал использовать криволинейные формы и насыщенные цвета, что полностью отличалось от его предыдущей работы. Многогранный художник Левитт также известен своими настенными рисунками, гуашью и архитектурными проектами.

Луиза Буржуа (1911-2010)

«Маман» Луизы Буржуа.(Фото: Stock Photos from tichr / Shutterstock)

Наиболее известная благодаря своим работам и инсталляциям, французско-американский скульптор Луиза Буржуа получила международное признание в 1982 году после того, как Музей современного искусства провел ее первую ретроспективу. К этому времени ей было уже за 70, и она сделала успешную карьеру. Основываясь на собственном жизненном опыте, ее скульптуры часто исследуют темы семьи, сексуальности и смерти. В 1990-х Буржуа начала использовать паука как символ в своем искусстве. Maman был отлит как тираж из шести бронзовых изделий и стоит на высоте более 30 футов. Работа — ода матери скульптора, которая умерла в детстве, и говорит о ее силе и защите над своей семьей.

Статьи по теме:

Как естественная красота эллинистической скульптуры веками покоряла мир

Эта безрукая скульптура — один из самых ценных шедевров Лувра

8 реальных людей, ставших звездами самых известных картин истории искусства

Как мраморные скульптуры вдохновляли художников и привлекали внимание публики на протяжении тысячелетий

10 лучших парков скульптур в мире

Вы должны знать этих скульпторов

NAQT | Вы должны знать этих скульпторов

Микеланджело (1475–1564): флорентийский «человек эпохи Возрождения», также известный своей архитектурой (купол церкви Св.Петра), живопись ( Страшный суд и потолок Сикстинской капеллы), поэзия и военная инженерия. Его скульптурные шедевры включают Давида , Пьета , Вакха и ряд предметов для гробницы Папы Юлия II (в том числе Умирающий раб и Моисей ). Он предпочитал работать с каррарским мрамором.
Огюст Роден (1840–1917): французский скульптор, известный бурными отношениями с «учреждением» Школы изящных искусств ay-kohl day boh-zar и его любовницей, коллегой-художницей Камиллой Клодель.Его работы включают Эпоха бронзы , Оноре де Бальзака , Бюргеры Кале и массивные двери для Музея декоративного искусства ( Врата ада ), вдохновленные Данте Адом . Эта последняя работа включала его самое известное произведение, Мыслитель .
Джан Лоренцо Бернини (1598–1680): римлянин, который — с редко задаваемым вопросом о Франческо Борромини — определил движение барокко в скульптуре. Бернини в основном известен своими отдельно стоящими работами, в том числе David и The Ecstasy of St.Тереза . «Давид » Бернини отличается от «Давида » Микеланджело тем, что герой показан «в движении», повернувшись телом, чтобы бросить камень. Бернини также известен своими огромными фонтанами в Риме, включая Тритон и Фонтан Четырех рек .
Донателло (1386–1466): флорентийский скульптор, который помог определить скульптуру эпохи Возрождения в отличие от скульптуры готического периода. Он известен Св. Марка, и Св.Георгия в Орсанмикеле OR-sahn mee-KAY-lay (флорентийская церковь), лысый Zuccone (что означает «тыквенная голова», хотя и изображает пророка Хаббакука) и первая конная статуя, отлитая с тех пор. Римские времена, Gattamelata в Падуе. Он также известен владением барельефной формой schiacciato .
Лоренцо Гиберти (1378–1455): флорентийский скульптор и ювелир, обучавший Донателло и Филиппо Брунеллески. Он наиболее известен двумя парами бронзовых дверей на флорентийском баптистерии (ассоциированном с Дуомо или флорентийским собором).Он изготовил единую панель с низким рельефом, чтобы выиграть конкурс 1401 года (победив Брунеллески) для комиссии по разработке 28 панелей для северных дверей. После этого ему было поручено спроектировать десять панелей для восточных дверей. Эта последняя работа, безусловно, самая известная, была названа Микеланджело «Вратами рая».
Гуцон Борглум (1867–1941): американец, известный тем, что создал гору Рашмор в Блэк-Хиллз в Южной Дакоте. Он также известен «Кобылы Диомеда » и незаконченной (и позже замененной) данью героям Конфедерации на Stone Mountain в Джорджии.
Фидий (ок. 480 — ок. 430 до н. Э.): Афинянин, считающийся величайшим из всех классических скульпторов. Он создал статую Зевса из хризелефантина (золото и слоновая кость) в Олимпии (одно из чудес древнего мира, ныне утраченное) и статую Афины в Парфеноне (ныне утрачено). Его поддерживал деньгами Делосской лиги (то есть Афинской империи), которой руководил его друг Перикл; Позже он был разорен обвинениями в коррупции, которые обычно считались частью политической кампании против Перикла.
Константин Брынкуши (1876–1957): румынский скульптор, который был важной фигурой модернизма. Он наиболее известен по картинам Поцелуй (не путать с работой Родена или картиной Климта), Спящая муза и Птица в космосе . Таможня США пыталась обложить его произведения налогами как «промышленные товары», поскольку они отказались признать их произведениями искусства, хотя Бранкузи выиграл судебный процесс по этому вопросу.
Дэниел Честер Френч (1850–1931): американец, создавший «Минутного человека» для Конкорда, штат Массачусетс, и «Стоящий Линкольн », для столицы штата Небраска, но наиболее известен благодаря сидящей статуе в Мемориале Линкольна.
Фредерик-Огюст Бартольди (1834–1904): французский скульптор, известный прежде всего как создатель скульптуры «Свобода, освещающая мир» , более известной как Статуя Свободы. Он также казнил Белфорского льва и статую маркиза де Лафайета на Юнион-сквер в Нью-Йорке.

Недурно NAQT! вопросы практики изобразительного искусства полностью состоят из жеребьевок и премий по изобразительному искусству, изобразительному музыкальному искусству и исполнительскому искусству.

Узнать больше Заказать сейчас

Улдис Зариньш с Сандисом Кондрацем ;: 97809

109: Amazon.com: Книги Сделано под брендом — Анатомия для скульпторов ©

Визуальные художники — это визуальные мыслители!
Наша миссия — зарядить их энергией, сделав анатомию для художников наглядной и понятной. Книга по анатомии с четкими изображениями, которые содержат необходимую информацию, необходимую для создания реалистичной фигуры человека. Получите:

— Множество визуальных ориентиров людей
— Сложные знания о человеческой фигуре, объясненные в простом вопросе (голова, верхняя конечность, нижняя конечность, туловище и фигура)
— Самые важные мышцы тела и их форма, в движение и статика, образуют различные углы и положения тела
— Основные различия мужской анатомии и женской анатомии
— Символы пропорций фигуры и головы (возраст и пол)

Анатомия для художников
Это началось как скульптурная книга, потому что Автор, Уидис Зариньш, скульптор с более чем 25-летним опытом и профессор анатомии в Академии художеств.В настоящее время он используется в 3D-моделировании, цифровом искусстве, живописи, компьютерной графике, дизайне персонажей, традиционной или цифровой скульптуре и т. Д. Художники во всем мире искусства находят это в своей повседневной работе.

Content is king
В дополнение к 3D-моделям есть фотографии живых моделей с разных углов и положений тела, наложенные на цветные диаграммы мышц. Книга охватывает все, что касается человеческого тела с головы до ног. Большинство картинок в книге говорят сами за себя.

Не догадываюсь
Интернет не так полон информации по актуальной теме, как может показаться на первый взгляд. Со временем кажется, что вы не можете найти нужные справочные материалы, которые искали. Это заставляет импровизировать. Импровизация без реального понимания человеческой фигуры приносит недостатки и разочарования.

Основная идея книги — понять человеческую фигуру и ее движения. Это позволяет человеку не просто «копировать» природу, а понимать ее и совершенствоваться в своей работе.

Анархизм и англо-европейский авангард Марк Антлифф

Скульпторы против государства рассматривает отношение анархистской идеологии к авангардной скульптуре через исследование трех культовых художников, чьи работы изменили европейский модернизм: Умберто Боччони, Якоба Эпштейна и Анри Годье-Бжеска. Обращаясь к таким сложным темам, как сексуальное освобождение, гомосексуализм, история эмоций, этика насилия и тактика ненасильственного сопротивления, Марк Антлифф демонстрирует, как скульптурные процессы формировались формами анархизма, рассчитанными на развитие радикального сообщества.

Анархистский взгляд на государство как на состояние ума и набор социальных отношений является центральной темой, которую Антлифф использует для исследования не только искусства Боччони, Эпштейна и Годье-Бжески, но и связанной с ним эстетики радикальных корифеев, таких как Оскар Уайльд. , FT Маринетти и Эзра Паунд. Взяв за отправную точку Уникальные формы непрерывности в космосе Боччони, Могилу Оскара Уайльда Эпштейна и Иератическую голову Эзры Паунда Гаудье-Бжески , Антлифф утверждает, что эти скульпторы рассматривали искусство как радикальный катализатор единого целого. новое сочетание межличностных отношений и психологических установок, противоположных тем, которые пропагандируются государством.

Сильно аргументированный и основанный на обширных архивных исследованиях, Скульпторы против государства предлагает новое понимание этих художников, даже если он проливает свет на то, почему современная анархическая теория необходима для понимания глубокого культурного влияния модернизма в двадцатом веке. Работы Антлиффа будут интересны студентам и исследователям модернистского искусства и литературы, особенно тем, кто изучает пересечения между художественной практикой и политикой.

« Скульпторы против государства — существенный и значительный вклад в существующую литературу по эстетике анархизма. Antliff смело вступает в новую концептуальную территорию, форму чтения и материальность против политического дискурса и художественной критики в течение короткого периода, предшествующего началу Первой мировой войны, именно тогда, когда такие отношения стали восприниматься как некоторые из фундаментальных указателей модернизма ». —Адам Жоллес, автор книги Кураторский авангард: сюрреализм и выставочная практика во Франции, 1925-1941 гг.

«Работа Марка Антлиффа сыграла решающую роль в преобразовании нашего понимания модернистского искусства и авангарда.Благодаря тщательной исследовательской работе он показал, что идеологические и философские аспекты художественного производства в начале двадцатого века имеют жизненно важное значение как для понимания модернизма, так и для интерпретации конкретных произведений искусства. Скульпторы против государства — важная литература как для историков искусства, так и для изучающих анархизм »- Пол Эдвардс, автор книги Wyndham Lewis: Painter and Writer

Марк Антлифф — заслуженный профессор Мэри Грейс Уилсон в Университете Дьюка.Он является автором многих книг, в том числе Изобретение Бергсона: культурная политика и парижский авангард и Авангардный фашизм: мобилизация мифов, искусства и культуры во Франции, 1909–1939 .

Список иллюстраций

Благодарности

Введение: анархизм тогда и сейчас

1. «Жизненная радость»: цензура, гомосексуализм и могила Оскара Уайльда Джейкоба Эпштейна

2. Создание антидемократического восстания 162-го века2. Формы непрерывности в космосе

3.Анри Годье-Бжеска La Guerre sociale : Сатира, апачи и антимилитаризм

4. В вихре: Анри Годье-Бжеска, Эзра Паунд и скульптурный номинализм

Заключение: анархистская эстетика и идеология; Формирование состояний ума

Примечания

Библиография Индекс

Больше не забывают: Хетти Андерсон, скульпторская модель, покорившая славу

Эта статья является частью серии некрологов «Замкнутые» о выдающихся людях, чьи смерти, начиная с 1851 года, остались незамеченными в The Times.

Ее подобие нанесено на памятники и золотые монеты. В высокой позолоченной конной скульптуре Августа Сен-Годена, посвященной генералу гражданской войны Уильяму Текумсе Шерману на площади Гранд-Арми на Манхэттене, она представляет крылатую греческую богиню Победы, шагающую в сандалиях впереди его лошади с вытянутой рукой. Но хотя ее изображение можно найти во многих местах в Соединенных Штатах, о модели Хетти Андерсон мало что известно.

Известно, что она появилась на Манхэттене в 1890-х годах, светлокожая афроамериканка, которая присоединилась к его культурной жизни после того, как избежала горьких предрассудков на Юге.Скульпторы и художники стремились изобразить то, что в одной газетной статье описывалось как «кремовая кожа, кудрявые волосы и теплые карие глаза».

Но Андерсон получила меньше внимания средств массовой информации, чем некоторые из ее современников, такие как модели Эвелин Несбит и Одри Мансон, которые были замешаны в скандалах с убийствами и сексуальными домогательствами. И со временем имя Андерсон перестало ассоциироваться с известными артистами, которые наняли ее.

К моменту ее смерти, 10 января 1938 года, в возрасте 64 лет, весь мир почти забыл о ней.

Ее история оставалась в тени до 1990-х годов, когда исследователь Уиллоу Хэганс, которая также является двоюродной сестрой Андерсона, начала публиковать научные статьи о ней, которые г-жа Хейганс писала со своим мужем Уильямом Э. Хэгансом.

Впервые супруги узнали об Андерсоне примерно в 1980 году от бабушки Уильяма Хаганса Джин Уоллес МакКэмпбелл Ли. Они узнали, что, хотя Андерсон была афроамериканкой, ее светлая кожа привела к тому, что счетчики населения причислили ее к белой. (Непонятно, что она рассказывала людям о своей расе.)

Нет никаких доказательств того, что Андерсон занималась маркетингом, несмотря на свои высокие комиссионные.

«Она была тихим, целеустремленным человеком, очень профессиональным и уважаемым как могущественное существо, в результате чего были созданы прекрасные произведения искусства», — сказала Уиллоу Хэганс по телефону.

Андерсон родилась Харриетт Юджиния Дикерсон в 1873 году в Колумбии, Южная Каролина. Ее мать, Кэролайн Скотт, была швеей. Ее отец указан в документах как Бенджамин Дикерсон.

Исследования, в том числе выводы ее двоюродного брата Амира Бея, показывают, что до гражданской войны правительство считало семью Андерсона «свободными цветными людьми»; они владели землей и получали зарплату.

Но жестокое соблюдение законов Джима Кроу на юге и финансовые трудности в конечном итоге вынудили Андерсон и многих ее родственников уехать на север. Они с матерью сняли квартиру на Манхэттене на Амстердам-авеню на 94-й улице.

Андерсон — неизвестно, почему она использовала это имя — иногда работала клерком и швеей, посещая занятия в Лиге студентов-художников, легендарной некоммерческой школе на Манхэттене. Она также проводила недели в загородных студиях скульпторов, в том числе в Честервуде, в поместье Дэниела Честера Френча в Стокбридже, штат Массачусетс.

Вскоре к ней подходили художники, чтобы позировать им, и газеты хвалили ее «героическую» внешность.

«В греческой скульптуре нет ничего лучше, чем ее фигура», — писала New York Journal and Advertiser в 1899 году, добавляя: «Ее фигура внушительна, осанка королевская, и она известна своей идеальной ногой».

«Поскольку она была настолько востребована, — сказал Хейганс, — она могла выбирать, для каких художников она хотела бы позировать».

Сходство Андерсона можно увидеть в скульптурах Френча в Конгресс-парке в Саратога-Спрингс, штат Северная Каролина.Y .; на кладбищах в северном Нью-Джерси и Конкорде, штат Массачусетс; и у входов в Художественный музей Сент-Луиса и Бостонскую публичную библиотеку.

Считается, что скульптор Адольф Александр Вайнман изобразил ее как одетую в тогу богиню гражданской славы, венчающую правительственный небоскреб Нью-Йорка, который теперь называется Манхэттенское муниципальное здание Дэвида Н. Динкинса. (Некоторые считают, что именно Мансон вдохновила Civic Fame.)

Художник Джон Ла Фарж изобразил ее гибким афинским божеством на фреске в Боуден-колледже в штате Мэн.На гравированном портрете шведского художника Андерса Цорна она кажется спрятанной за изможденным Сен-Годеном во время сеанса моделирования.

Она была любимицей Сен-Годена, который назвал ее «самой красивой моделью, которую я когда-либо видел».

«Она мне очень нужна», — однажды написал он другу. В черновике своих мемуаров он написал, что зависел от ее выносливости в том, чтобы «позировать терпеливо, устойчиво и основательно в желаемом духе» — в его случае с кружащимися тогами на памятниках и на золотых монетах.

В 1908 году, вскоре после смерти Сен-Годенса, Андерсон получил авторское право на свой бронзовый бюст с ее изображением. Его семья хотела сделать копии для продажи, но она отказалась, настаивая на том, что они останутся наиболее ценными, поскольку «единственные из существующих», и одолжила их музеям.

В 1910 году, при закрытии ретроспективы Сен-Годена в Индианаполисе, рабочие случайно отправили бюст семье скульптора. Андерсон написал директору музея резкое письмо. «Вы совершили серьезную ошибку, позволив моему бюсту уйти из-под вашей опеки», — написала она и отправила его «туда, куда я не хотела, чтобы он ушел.”

В 1990 году Хагансы купили бюст Сен-Годена на аукционе Christie’s в Нью-Йорке.

Сын Сен-Годенса, Гомер, который руководил работами своего отца после смерти скульптора, пришел в ярость из-за неповиновения Андерсона и попытался скрыть ее связь с его отцом.

В конце 1910-х годов, когда возможности моделирования стали исчезать, Андерсон работал классным помощником в Метрополитен-музее. К тому времени у музея были отливки «Победы» и «Скорбящая победа», мраморное подобие Френча.

К 1920-м годам Андерсон вышел на пенсию с ухудшением здоровья.

В свидетельстве о смерти ее профессия указана как «модель». Она и ее мать похоронены в безымянных могилах на преимущественно белом кладбище в Колумбии, недалеко от останков членов семьи президента Вудро Вильсона и мемориалов Конфедерации.

В прошлом году лейбл, описывающий актерский состав Victory на шоу, посвященном 150-летию Met, назвал Андерсон «чернокожей женщиной, которая позировала многим артистам в Нью-Йорке». Броски победы также можно найти в Художественном музее Карнеги в Питтсбурге, Художественном музее Толедо в Огайо и на Национальном кладбище Арлингтона.В 2017 году еще одна Victory была продана на Christie’s за более чем 2 миллиона долларов.

Честервуд владеет гипсовыми слепками правой ступни и правой руки. Изображения Андерсона также циркулировали на рынке в виде гравюр Цорна и монет Сен-Годена; В июне 1933 года его золотая монета за 20 долларов была продана на аукционе Сотбис в Нью-Йорке почти за 19 миллионов долларов.

Этой осенью в музее Боудуна афинское воплощение Андерсона вырисовывается над выставкой под названием «Женщина любого цвета: черные женщины в искусстве.«В 2023 году работы, вдохновленные Андерсоном, будут представлены в передвижной выставке Американской федерации искусств« Памятники и мифы: Америка скульпторов Августа Сен-Годенса и Дэниела Честера Френча ».

Поздно вечером несколько месяцев назад Тайер Толлес, хранитель американских картин и скульптур в Метрополитене, смотрел на памятник Шерману на Гранд-Арми-Плаза. «Внимание к деталям — это просто захватывающе», — сказала она.

Свет заходящего солнца отражался на позолоченных кончиках пальцев статуи и перьях крыльев модели в расцвете сил.

10 скульпторов по дереву, которых вы должны знать: когда дизайн встречается с мечтой

Работающий руками есть чернорабочий.
Тот, кто работает руками и головой, является мастером.
Тот, кто работает руками, головой и сердцем, — художник.
— Святой Франциск Ассизский

… и это, вероятно, причина того, что все дизайнеры, представленные в этой программе, являются не чем иным, как самими художниками.Деревянное мастерство возрождается и уважается больше, чем когда-либо прежде — будь то машинное или ручное производство, маленькое или большое; Искусство создания предметов с большим вниманием и деталями стало важным. Каждый хочет обладать уникальными, оригинальными и единственными в своем роде изделиями. Также говорят, что работа с деревом имеет терапевтический эффект — это также может быть причиной того, что дизайнеры в центре внимания так хорошо владеют своим ремеслом.

Я считаю, что важно понимать любой материал и понимать его почти эмоционально, чтобы вы могли отдать должное конечному продукту.Дерево, используемое в мебели, — это то, что мы часто видели — и, вероятно, даже переросли его. Дизайнеры, представленные ниже, удивляют нас своим мастерством в работе с деревом, методами обработки дерева и применением в уникальных форматах и продуктах.

Вот 10 моих любимых дизайнеров, работающих с деревом, в произвольном порядке.

1. Джулиан Уоттс

Джулиан Уоттс из Сан-Франциско процветает на стыке искусства, ремесел и дизайна, делая функциональные, интуитивно понятные объекты более незнакомыми и новыми уязвимыми.Ссылаясь на человеческое тело, мир природы и простые органические формы, он бросает вызов идее полезности в дизайне, раскрывая мистику повседневных предметов.

Вазы из веток, автор — Джулиан Уоттс. Изображение предоставлено Джулианом Уоттсом.
Отверстие в чаше художника из Сан-Франциско. Изображение предоставлено Джулианом Уоттсом.

Twig Vases, Hole in a Bowl и серия столовой посуды объединяют как предметы искусства, так и утилитарные предметы, поскольку правильные пропорции и сюрреализм создают абсолютное визуальное наслаждение.

2. Люк Хоуп

Мне очень нравятся работы Люка Хоупа, особенно мастерски вырезанные тарелки и ложки. Его работы одновременно абстрактны и функциональны, а также медленны и созерцательны с невероятной игрой света и тени из-за создаваемых им волнообразных текстур. Благодаря сильному влиянию архитектурных памятников, его изделия почти напоминают городские пейзажи, искривленные и искривленные.

Кратерная тарелка и ложка Люка Хоупа Изображение предоставлено Люком Хоупом
Мастерски высеченное блюдо от Люка Хоупа Изображение предоставлено Люком Хоупом

3.Стиан Корнтвед Рууд

Потрясающая коллекция под названием Daily Spoon, состоящая из 365 уникальных вырезанных вручную ложек из различных пород дерева, собранных со всего мира, демонстрирует его мастерство в обращении с материалом. Каждое изделие из этой коллекции достойно присутствия в нашей коллекции, ведь оно создано с особой тщательностью. Сейчас он сосредотачивается на материалах с естественными и усиленными свойствами, проектируя и создавая объекты с чисто функциональными или эстетическими характеристиками.

Коллекция Daily Spoon от Стиана Корнтведа Рууда включает 365 вырезанных вручную ложек. Изображение предоставлено Стианом Корнтведом Руудом.
Коллекция Daily Spoon, созданная Стианом Корнтведом Руудом. Изображение предоставлено Стианом Корнтведом Руудом.

4.Николас Шурей

Архитектор, ставший мастером предметов, создает красивые резные деревянные скульптуры, которые предназначены для небольших помещений и находятся где-то между мебелью и отдельно стоящими предметами. Его произведения, вдохновленные Барбарой Хепуорт, смелые, монолитные и надежные.

Деревянные шедевры Николаса Шури. Изображение предоставлено Николасом Шури.

5. Исидро Феррер

Забавная серия Исидро Феррера «Веселая ферма» для LZF Lamps — это коллекция из 19 необычных и причудливых животных, созданных из сапелли, испанского кедра и африканского черного дерева.Коллекция представляет собой прекрасную мешанину комичного и любопытного, с набором причудливых персонажей, выражающих свою индивидуальность множеством способов.

Забавная ферма Исидро Феррера. Изображение предоставлено Исидро Феррером.

6. Ариэле Аляско

По специальности скульптор, Ариэль самостоятельно создает и проектирует каждый предмет в своей студии без посторонней помощи. В настоящее время она одержима резьбой по ложкам, а я в настоящее время одержим ее коллекцией посуды с замысловатой резьбой, особенно щипцами для салата.

Дизайн Ариэле Аляско. Изображение предоставлено Ариэле Аляско.

7. Матье Делакруа

Пожалуй, самая молодая из всех работ Матье Делакруа — это высшее имя в области изысканности. Формы, предметы, материалы настолько упрощены, но все же так сложны. Его коллекция Tasso Vase — это интерпретация двух состояний: сырого и нежного, рустикального и изысканного.

Коллекция ваз Тассо, автор — Матье Делакруа. Изображение предоставлено Матье Делакруа.

8.Мари Эклунд

Шведская мастерица по дереву Мари работает с минимальным набором инструментов, используя только топор и резной нож для создания невероятно изысканных поверхностей. Она работает интуитивно, извлекая из каждой детали что-то особенное. Ее изделия вопят о ностальгии, происхождении и имеют ощущение приземленности. Каждая вещь уникальна.

Каждая часть Мари Эклунд отличается от остальных. Изображение предоставлено Мари Эклунд.

9.Клаус Мадер

Вы можете себе представить фабрику, производящую только волчки! Верно. Абсолютно чувственные и элегантные топы Trumpo разработаны самим Мадером, очень опытным плотником и страстным любителем деревянных игрушек ручной работы с использованием местного австрийского дерева. Вы не можете не взять его в руки и покрутить, а затем завороженно смотрите, как он крутится и падает.

Топы Trumpo от Клауса Мадера. Изображение предоставлено Клаусом Мадером.

10.Андреас Эмануэль Сёдерлунд

Андреас, плотник-самоучка, творит абсолютную магию своим ножом. Мое внимание привлекла одна из его ранних работ — красивая круглая тарелка, которую он создал, сочетая в себе технику резьбы по дереву и токарной обработки. Предметы простые, деревенские, и их так легко представить себе на кухонной полке.

Круглая деревянная тарелка Андреаса Эмануэля Сёдерлунда Изображение предоставлено Андреасом Эмануэлем Сёдерлундом

скульпторов — обзор | Темы ScienceDirect

Меняющееся понимание творчества

В своей книге Ion Платон обсуждает вклад творческих художников в жизнь общества, хотя и в довольно саркастической и нелестной форме.На протяжении столетий художники, скульпторы, поэты, музыканты, писатели, актеры и другие деятели искусства, а также критики и ученые часто обсуждали творчество с эстетической точки зрения, в основном сосредотачиваясь на произведениях искусства. Китайский император Хань Уди, правивший до 87 г. до н. Э., Подчеркивал другой аспект. Он видел новаторское управление как силу для улучшения благосостояния своего народа и был очень заинтересован в том, чтобы дать творческим мыслителям высокое звание на государственной службе, реформировав метод отбора мандаринов для достижения этой цели.И Фрэнсис Бэкон, и Рене Декарт, два из основоположников современной науки в начале семнадцатого века, рассматривали научное творчество как использование сил природы для улучшения условий жизни человека.

Креативность также рассматривалась как единственная уникальная «человеческая» характеристика, оплот человеческого достоинства в эпоху, когда машины, особенно компьютеры, похоже, берут на себя рутинную квалифицированную деятельность и повседневное мышление. Некоторые писатели также рассматривают его как силу природы, лежащую в основе любого роста и развития.Расширение этой точки зрения состоит в том, чтобы рассматривать творчество как элемент психического здоровья: через его воспринимаемую связь с гибкостью, открытостью, смелостью и т. Д. — качествами личности, которые рассматриваются как предпосылки и результаты здоровой личности — Считается, что творчество способствует позитивному приспособлению к жизни, хотя есть также свидетельства связи между творчеством и психическим заболеванием.

В семантическом смысле термин «творчество» используется тремя способами: он относится к набору процессов, группе личных характеристик и к результатам (например,g., «креативный» продукт). Таким образом, творчество рассматривается как причина (творческие процессы порождают продукты; творческая личность людей заставляет их вести себя определенным образом), а также как следствие (творческие продукты являются результатом особых процессов и личных свойств). Это «классический» подход, состоящий из трех составляющих (человек, процесс и продукт), который вскоре был расширен за счет включения четвертой составляющей — «давление» (т. Е. Давление окружающей среды, которое может способствовать или блокировать творчество).

Тем не менее, прикладные дискуссии в эпоху современного творчества, которые начались в 1950 году с публикации президентского послания Дж. П. Гилфорда в 1949 году Американской психологической ассоциации и были усилены «шоком от спутника» 1957 года, во многом определялись идеями психометрии и психометрии. личности, а также от образования, во многом благодаря Полу Торрансу. В более концептуальных дискуссиях доминировали писатели-гуманисты, такие как Карл Роджерс, Абрахам Маслоу или Ролло Мэй, которые считали, что его ценность заключается в предполагаемом благотворном влиянии на индивидуальное благополучие.В результате в дискуссиях о творчестве в прикладных средах, таких как школы, стали доминировать вопросы признания, измерения и развития творческого мышления (т. Е. Процесса), а цель развития творчества стала рассматриваться не как создание возвышенных художественных произведений. , но как продвижение процессов и личных свойств, связанных с творчеством. Роль преподавателей и менеджеров тогда рассматривалась как обеспечение соответствующей среды (например, прессы). В случае школьников, из-за сосредоточенности на творческом мышлении и творческих личных качествах, настойчивое требование высококачественной продукции стало рассматриваться как неважное или даже враждебное творчеству (см. Ниже).

Сразу после спутника акцент сместился на такие области, как физика и инженерия, а творчество стало рассматриваться как способ не отставать от конкурентов (особенно с тогдашним Советским Союзом в космической гонке). Понимание творчества больше не ограничивалось в основном изобразительным искусством, литературой, исполнительским искусством, музыкой и подобными художественными / эстетическими областями, но также включало такие области, как бизнес, производство, технологии, медицина, управление, образование, даже оборона, анти- терроризм и правоохранительные органы.Его продукты иногда бывают абстрактными и по сути психологическими, например, передача чувства, возбуждение эстетического восхищения, провокация нового взгляда на такие вещи или развитие нового понимания опыта или существования (в основном художественного / эстетического или философского). Однако они также могут быть конкретными, такими как создание произведений красоты или воображения, с одной стороны, или, с другой стороны, проектирование и изготовление новых устройств, машин или структур, процессов или систем для их производства, рабочих процедур и даже увеличение прибыли или сохранение национальной безопасности.Этот интерес подогревается воспринимаемой ролью творчества в содействии социальному росту и справедливости, экономическому развитию, социальной стабильности, здоровью и благополучию, а также миру и безопасности.

Современное мышление, таким образом, уделяет больше внимания продуктам, особенно «функциональным» продуктам (практичным и полезным объектам и процессам), которые можно противопоставить эстетическим продуктам («духовным», эстетически приятным объектам и процессам). Хотя они иногда рассматриваются как взаимоисключающие — например, в предисловии к его собственному роману Mademoiselle de Maupin , Теопиль Готье утверждал, что для того, чтобы что-то быть красивым, должно быть бесполезно — эстетические и практические аспекты эффективности не должны противоречить друг другу.Книга может быть коммерчески успешной и в то же время написана элегантным, даже красивым языком, или новый технологический продукт может выглядеть красиво, успешно выполняя некоторые полезные практические функции по-новому. Многие предметы или конструкции повседневного использования, такие как мебель, автомобили или здания, стремятся достичь одновременно и практической полезности, и красоты, и реклама часто претендует на то и другое. Архитектура — выдающийся пример дисциплины, в которой востребованы как красота, так и практическая полезность.

Обсуждение творчества в последнее время также стало заметным в бизнесе, с упором на преодоление конкуренции за рынки и рыночные доли. Исследования в этой области в первую очередь были сосредоточены на изобретении новых продуктов и производственных процессов, например, посредством исследований патентообладателей. В последнее время значительное внимание уделялось творческому менеджменту, то есть четвертому аспекту прессы, особенно творческому лидерству и управлению инновациями, с исследованиями, сфокусированными на продуктивности, эффективности и т. Д.Также в последнее время активно обсуждается поощрение творчества в тех областях, где это вряд ли можно было бы считать актуальным 25 лет назад — например, в менеджменте, технологическом образовании, спорте и даже в борьбе с терроризмом.

About Me

John Cena

Авторы скульптур: 12 самых известных скульпторов современности • Интерьер+Дизайн