Фото объемные картины: Объемные картины своими руками: идеи на фото

Инструменты и материалы

Для начала вам необходимо будет выбрать материал, который вы будете использовать для рамки и подрамника. Их можно выполнить из дерева или пенопласта.

Дерево более жесткое и материал на нем держится лучше. Если выбрать для изготовления картины такой материал, как пенопласт, то вам и вовсе не нужна будет рамка, так как ткань просто будет вдавливаться в поверхность пенопласта.

Для изготовления вам понадобятся ножницы, которыми вы будете резать материал. Желательно, чтобы это были специальные портновские ножницы для ткани. Также будут необходимы саморезы, маленькие гвозди и молоток, а также скобозабивной пистолет и рейки для рамки.

При выборе материала для будущей картины все ограничивается вашей фантазией и широтой выбора ткани в магазинах.

Покупая выбранный материал, стоит учитывать, что если ваша рамка выполнена из дерева, то отрез ткани должен быть немного больше вашей рамки, примерно на 7 см.

Изготовление картины

Для начала сделаем рамку из деревянных реек, соединив их саморезами. Затем приступаем к подготовке ткани. Ее следует хорошо прогладить. Чем лучше это будет сделано, тем качественнее будет выглядеть готовая картина.

После всех подготовительных работ приступаем непосредственно к изготовлению самой картины. Положите ткань изнаночной стороной на стол, а сверху положите подрамник.

Подверните края материала и прикрепите их с помощью скобозабивного пистолета.

При выполнении данной операции хорошо натягивайте ткань, чтобы не образовалось складок и вздутий. Вам останется лишь обрезать остатки ткани и прикрепить с внешней стороны рамку. Картина готова!

Как уже упоминалось, для картины на пенопласте не нужна рамка. В данном случае ткань просто приклеивается к поверхности и обрезается по размерам пенопласта. Для того, чтобы картина выглядела законченной стоит отделать и ее боковые стороны.

На них можно приклеить ленты из материала или бумаги по цвету подходящие к основному цвету картины. Не забудьте приделать крепление, чтобы можно было повесить картину на стену.

За счет того, что у тканевых картин на пенопласте нет рамки, их можно сделать таким образом, чтобы потом сделать из них цельную композицию.

Преимущества пенопласта как основы заключается еще и в том, что картины можно выполнять в форме любых геометрических фигур.

Это могут быть ромбы, круги и другие формы. Также можно цельный кусок ткани разделить на отдельные части и потом составить единую картину.

Объемные картины

Для создания объемных картин из ткани вам понадобится ткань, которая будет исполнять роль фона. Это может быть обычная белая ткань, которую вы покрасите в подходящий для вас цвет.

Затем выкраиваем необходимые элементы рисунка из другой ткани и прикрепляем их поверх фона. Это можно сделать удобным для вас способом, например, пришить или прикрепить утюгом.

Для создания объема можно использовать каркас из проволоки, который декорируется обмотанной тканью или подложить под некоторые части картины поролон или другой материал.

Главное при выполнении таких картин, чтобы не было видно швов и других соединений.

Рамка для такой картины выполняется так же, как и для обычных картин из ткани. Конечно, на создание объемной картины вы потратите гораздо больше времени и сил, но такое произведение будет смотреться намного эффектнее.

Фото картин из ткани

Вконтакте

Facebook

Twitter

Google+

Одноклассники

Картины 3D для интерьера + фото

Быстро преобразить интерьер комнаты помогут картины. Если приобретение классической живописи не доступно, на помощь придут современные технологии. Их активное применение в сфере дизайна предоставляет возможность украсить интерьер помещения уникальными картинами в формате 3D.

Картины в современном интерьере

На сегодняшний момент изображения в формате 3D пользуются широкой популярностью. Сюжетных ограничений здесь не существует, диапазон тематик обширен:

• Предпочтение отдается пейзажам, цветочным и морским мотивам.
• Большие 3D картины, выполненные с помощью художественной росписи, часто имитируют террасу, увитую растительностью, и уходящую вдаль дорожку.
• Кого-то завораживает интерьер с объемным изображением горных вершин.
• Реже останавливаются на тематике ночного мегаполиса или абстракции.

Картина 3D зачастую играет доминирующую роль в дизайне интерьера. Иногда она подчеркивает определенную деталь или задает общий тон. Формирование объемного изображения на стекле позволяет создать переливы света и мерцающие блики, которые наделяют картину и весь интерьер глубиной восприятия. Такой прием раздвигает границы пространства, придавая ему дополнительный объем.

Сюжет картин 3D варьируется в зависимости от места расположения:

• в квартире на кухне уместно повесить яркий натюрморт;
• интерьер гостиной преобразится с огнями ночного города;
• спальную комнату лучше украсить изображением с романтическим уклоном или спокойным пейзажем;
• для детской обычно подбирают сюжеты с любимыми сказочными персонажами.

Оригинальные картины 3D для интерьера на фото ниже:

Варианты создания 3D эффекта

Существуют различные способы создания изображений с эффектом 3D. Наибольшее распространение получили картины на стекле. Они могут быть привычного формата или модульные. Часто встречаются варианты фотопечати на холсте. Настоящим шедевром являются живописные рисунки, созданные рукой художника. Для простого обывателя интересным покажется опыт создания объемной картины своими руками.

Картины на стекле

Новым веянием в дизайне интерьера являются картины из стекла. При ближайшем изучении процесс их создания не отличается сложностью, главное – наличие современного оборудования и творческого штата сотрудников. На первом этапе осуществляется печать изображения на пленке. Затем ее крепят лицевой стороной на обратную поверхность стекла. Картины на стекле выглядят очень стильно в современном интерьере комнаты. Природное или искусственное освещение, попадающее на поверхность панно, создает изумительную игру красок. Для поклонников больших фотографий подобное украшение на стену будет приятным подарком.

Компании, выпускающие картины на стекле, предлагают в комплекте дистанционные держатели на стену. В зависимости от общего интерьера комнаты, они могут быть выполнены под золото и никель традиционных блестящих или матовых оттенков.

Интересные примеры фото под стеклом представлены далее:

Фотопечать на холсте

Объемное изображение на холсте станет изюминкой любого интерьера. Оформление индивидуального панно с фотопечатью не займет много времени, а в итоге получается эффектный результат. Специализированные компании предлагают широкий спектр услуг по созданию картин 3D. Рисунок можно выбрать из каталога, заказать известную репродукцию или печать собственного фото.

Изображения наносятся на натуральную хлопковую материю с применением технологии эко-сольвентной печати. Дальнейшее оформление зависит от пожеланий заказчика и дизайна интерьера:

• Холст может органично смотреться на подрамнике. Галерейная натяжка подразумевает фиксацию полотна на подрамнике таким образом, что изображение продолжается на боковых сторонах картины. Классическое обрамление при этом отсутствует.
• Завершенность и изысканность картине придаст оформление в подходящую рамку.
• Продлить сохранность предмета интерьера, оживить изображение и приблизить к подлинному произведению искусства поможет покрытие лаком.
• Достичь живописного эффекта и реалистичности 3D помогает дополнительная прорисовка акриловыми красками или специальным гелем.
• В отдельных случаях уместно воспользоваться услугой имитации под старину.

Все зависит от дизайна комнаты и сюжетной линии картины. Актуально и свежо в интерьере выглядят мульти панно, о чем свидетельствует следующая фотография:

Рисунки на пластике

Интерьер пространства для отдыха молодежи украсят картины на пластике. В этом случае ПВХ служит основой для фиксации самоклеющейся пленки с нужным фото. После этого панно подвергается ламинированию пленкой с матовым или глянцевым эффектом. Это придает изображению нужный блеск и предотвращает от механических повреждений. В зависимости от интерьера выбирают или насыщенные и яркие цвета с глянцем, или спокойную матовую поверхность. Доступная ценовая политика – отличительная черта картин на пластике. По желанию заказчика и с учетом дизайна интерьера, панно оформляется в рамку под золото или алюминий без блеска.

Искусство живописи

Никакие новейшие технологии и разработки не сравнятся с шедеврами живописи, созданными руками человека. Рисовать картины с эффектом 3D начали сравнительно недавно, и это мастерство художников не перестает удивлять искушенного зрителя. Убедиться в этом помогут следующие фото:

Такие произведения станут достойным украшением современного интерьера.

Бумажные картины

Творческим натурам придется по душе идея украсить интерьер картиной 3D из бумаги, выполненной своими руками. Для этого потребуется:

• Найти подходящее изображение, простых портретов лучше избегать.
• В зависимости от сюжета подготовить несколько цветных ксерокопий.
  
• Один лист служит основой для рабочего рисунка, на котором размечается возможное количество слоев. Оптимально остановиться на 3-5 уровнях, но все зависит от выбранной для интерьера картины.
• Ориентируясь на рабочий рисунок, из ксерокопий вырезаются все слои.
  
• На обратную сторону вырезанных фрагментов фиксируется гофрокартон. После чего все элементы собираются воедино.
  

На заключительном этапе картинку помещают в рамку и определяют достойное место в интерьере комнаты. Для практичности копии изображений лучше печатать на листах белого картона, в противном случае их приходится укреплять плотной бумагой.

Заключение

Вариантов украсить интерьер объемным изображением множество, главное – соблюдать соответствие общему стилю помещения.

Объемные картины на стене: пошаговая инструкция с фото

Сделать объемную картину своими руками – решение для неординарных людей, которые желают сделать декор дома индивидуальным и не держать стандартные рисунки.

Для создания объемных картин для стен используется самый разный материал, к примеру, делается картина из гипса, можно создать картины из ткани своими руками, создавать объемные картины на стене из шпаклевки, делать разные абстракции или аппликации, создавать барельеф, применять мозаику и многое другое. Перечень рисунков большой, важно выбрать нужное изображения, а для этого используются фото и видео из интернета, что помогут определиться с художественным дизайном и выбрать технику нанесения рисунков на стены.

Картины из шпаклевки

Рисунок на стену своими руками часто проводится при помощи шпаклевки, но вариант не для ленивых людей, зато, когда получится создать картину, она будет красиво смотреться, а стоимость – это только шпаклевка, можно применять остаток после ремонта.

Не рекомендуется изготовление проводить из сложных картин, лучше делать рельефный рисунок из простого изображения, научиться, после чего переходить к более сложным картинам, это правильный план. Шлифовка поверхности не нужна, поэтому создать картину на стене можно без пыли. Для работы нужен шпатель. Перед тем, как сделать картины из шпаклевки проводится подготовка.

Подготовка основания

Объемные рисунки наносятся на оштукатуренные и ровные стены, если это так, то поверхность подготавливается следующим образом:

1. Стена для обработки покрывается грунтовкой.
2. После просыхания делается фон, выбирая нужные цвета, шпатлевка наносится на основание шпателем, применяют валик, чтобы покрасить основание.
3. Далее, делается картинка. Акриловые составы быстро просыхают, а значит, через пару часов наносят шаблон, например, пейзаж, бабочку, фрукты камыш. Если работу выполняется мастер художественного дела, то можно нарисовать каменный город, весну, осень, птиц или природу.

Переносить рисунок на стены можно применяя трафарет, главное, не подбирать сложные настенные рисунки, дабы не появились сложности с ошпаклевыванием. Картины делаются средние по размеру. Есть два варианта нанесения штукатурки на стену:

На картине делают цветок, лист дерева и прочие рисунки на стене. По желанию можно использовать лепку, клеить дополнительные аксессуары, например сделать обрамление с помощью багета, использовать на холсте бечевку, декорации в виде канзаша, квиллинга, макраме и прочих украшений. По желанию можно применять полоски из дерева, молдинги и другие идеи.

Фото дизайна барельефа картины на стенах можно найти в сети, чтобы было понятнее, что рисовать у себя в доме, дабы интерьер был гостиный и красивый, дополнял помещение. Также делается надпись или оставляется буква, в качестве подписи автора.

Объемные картин на стене (видео)

Объемные картины из дерева

Фактурные картины на стене сделанные из дерева богато смотрятся, но для создания объемного рисунка потребуется не просто навык, но и много усилий, а также времени. Метод оформления стен необычный, а для работы нужны стамески, специальные ножи, лак, морилка, а также рамка из дерева. Выбранный объемный рисунок необходимо перенести на дерево, после чего начать вырезать контуры. От глубины выреза будет получаться объемная картина. За счет морилки получается оригинальный вид и объемность увеличивается, а готовая картина покрывается лаком, для ее защиты.

В данном случае живопись не нуждается в дополнительном использовании аксессуаров, нужно просто вырезать рисунок и повесить его на стену. Данный вид позволяет создать модульный рисунок, к примеру, триптих, но сделать нужный рельеф очень сложно. По окончанию, некоторые люди в рамку вставляют стекло. Перед созданием объемных картин из дерева, лучше посмотреть мастер-класс по резке дерева.

Объемный декупаж

Декупаж – самый легкий вид отделки стен, кроме того, такая методика позволяет оформить не только стены, но и другие поверхности, даже начинающий может проводить работу. Основной плюс – возможность делать плоский элемент объемным, применяя подручный материал. Создание объемного декупажа нуждается в следующем:

1. Цветной бумажный кусочек специально для декупажа, можно применять фольгу, обои или фотообои.
2. Клей.
3. Полимерный материал – глина.
4. Салфетка, текстиль, атласный материал.
5. Кисть.
6. Ножницы.

Поэтапно схема объемных картин для стен такова:

1. Из бумаги или другого материал вырезается нужная картинка, можно использовать печать и распечатать рисунок.
2. Далее, рисунок мочится в воде и промакивается тканью.
3. На обратную сторону наносится клей и плотно приклеивается к стене.
4. Аналогично проводится работа с другими частями рисунка, чтобы стыки совпадали, целостность не нарушалась.

Трехмерный рисунок можно получить если изображение вновь наклеить поверх уже готового рисунка. В самом конце наносится на рисунок лак. Можно использовать гофрированный картон, пластилин, бумажные ленты, флизелиновые или виниловые обои, крепированный или газетный материал, делая разноцветный и необычный рисунок. Покрыть можно любой предмет, к примеру, бутылку, двери в ванных или спальнях.

Совет! Можно изобразить зимний сад, ракушки, соленые моря. Для кухни подойдет рисунок из круп, фасоли или изобразить на стене простой торт. Это бюджетный вариант оформления, для которого можно взять любой домашний материал, что есть дома и из него сделать нужный узор, картину или рисунок на стене.

3d картина из бумаги

Делать картины для внутренних стен из бумаги дешевле всего. Классический рисунок можно пошагово создать, если приготовить:

1. Бумагу.
2. Нож.
3. Ножницы.
4. Краски.
5. Картон.
6. ПВА.
7. Рамку.
8. Гуашь.

Нужно из рамки достать стекло и наклеить на подложку искусственный или природный материал. Используется джинс, тесьма, фетр или бумага. Это и будет фон, на который человек будет смотреть. Далее, из картона вырезается рисунок, после чего его нужно подогнуть и медленно наклеить на площадку.

Правильно будет некоторые элементы окрасить и дать им высохнуть, чтобы потом клеить в рамку. Хорошо получаются совы, розы, пионы. Картину дополнит кружево, плетение, стразы, бисер, вышивка, кожа, нитка, песок, который можно клеить на пасту или ПВА. Готовую картину можно повесить в комнате на нужное место, чтобы дополнить стиль.

Используя любой мастер-класс, можно все стены в доме украсить, даже если комната маленькая, покрытие старое. Любое средство хорошо, работа проводится недолго и стеновая перегородка быстро украшается. Также определенные техники можно применять для создания открытки. Отличный план – использовать для стен не готовые объемные картины, а пазлы, что после сбора вешают на стены или пенопласт, из которого создается рисунок.

Дополнить объемные картины для стен можно подсветкой, полоской диодной ленты. Объемные рисунки на стены подойдут для любого стиля даже если это минимализм, где отлично выглядит джинсовый материал. На картине можно изобразить свою судьбу, если есть навыки художественного творчества.

Фотогалерея объемных картин на стене

Что такое папертоль? Рассказываем и показываем!

Давайте мы вам сейчас в двух словах не просто расскажем, а ещё и покажем, что же такое папертоль. Так называется вид творчества, когда вы делаете объемную картину из бумаги своими руками.

Чтобы ее создать, необходимо вырезать несколько слоёв одного изображения и наклеить их друг на друга с помощью двустороннего скотча в определенной последовательности.

Вот и всё!

Но это если прямо совсем коротко и наглядно (короче, пожалуй, некуда). Ну а если любопытство ещё не утолено и нужны подробности, то читайте далее.

За такими простыми действиями, описанными выше, таится полноценное искусство рукоделия. Ведь умение из простых подручных вещей делать самостоятельный полноценный элемент декора, который будет радовать вас и ваших близких, а также сопровождаться восторженными: «Ух ты! Хочу!» — ваших подружек, по–настоящему ценится и многое значит.

Что потребуется для сборки

Вот базовый список инструментов для создания любой папертоли:

1. Небольшие острые ножницы с прямыми кончиками для вырезания деталей.
2. Обычные канцелярские ножницы.
3. Клеевые подушечки или объемный скотч 2–5 мм (для склеивания слоев).
4. Разноцветные фломастеры для закрашивания среза деталей. Это простое действие скрывает белые края слоя, делая картину реалистичной).

Почему все это не идет в комплекте к наборам?

Потому что почти у каждой рукодельницы есть свой набор инструментов, с которым ей удобнее и привычнее работать. Также немаловажную роль играет тот факт, что добавление этих комплектующих в наборы сделает их существенно дороже, и через 5-6 купленных сюжетов у всех будет небольшой склад одинаковых ножниц или фломастеров. Решение продавать наборы по более низкой стоимости было принято из экономических соображений и с заботой о наших рукодельницах.

Однако, по многочисленным просьбам наших уважаемых рукодельниц и оптовых клиентов, мы приняли решение класть в каждый набор достаточное количество подушечек (с запасом) по цене, более выгодной, чем если покупать их отдельно. Все-таки клеевые подушечки — это универсальное и удобное решение, которое совершенно точно необходимо для сборки объемных картин.

Для покупателей, которым наличие подушечек в наборе не нужно, мы также оставляем возможность покупать наборы, состоящие только из папертольных карт. Выбор товара с подушечками или без производится на странице каждого товара, над кнопкой «В корзину».

А это сложно?

Вырезать и собрать папертоль — это удовольствие, вполне сопоставимое с ощущениями, которые вы испытываете после того, как закончили вышивку, нарисовали картину по номерам, собрали алмазную мозаику или какое–нибудь другое рукоделье.

Посмотрите наш пошаговый мастер–класс с фотографиями, чтобы иметь исчерпывающее представление о том, как создается объемная картина из бумаги. Также на эту тему у нас есть небольшой видео–урок (3 мин 48 сек).

От всего вышеперечисленного готовый результат отличается детализацией. Даже в сотый раз посмотрев на картину, вы обязательно заметите какую–нибудь новую для себя деталь в этой «живой миниатюре».

1) картина по номерам

2) папертоль от Paperlove

3) алмазная мозаика

Сюжет на фото — Солнечная Венеция.

Мы совершенно точно знаем, что нашу продукцию приобретают поклонники (а особенно поклонницы) этих популярных направлений. Теперь это наши постоянные клиенты 🙂

Вот несколько аргументов от них:

• «Папертоль выручает, когда нужно оперативно сделать необычный подарок подруге.»
• «Что–то новенькое, что легко поддается и западет в душу.»
• «Беру Paperlove чтобы размяться между вышиванием.»

Такие одинаковые, но такие разные

Другая сторона этой бумажной магии — это момент, когда оформленная картина отправляется на место, для которого она готовилась. Даже один и тот же набор прекрасно вписывается под любой интерьер и преображает его собой.

Скажем честно, мы всегда с огромным удовольствием просматриваем фотографии готовых работ, а также с трепетом отслеживаем ваши готовые работы по хештегу #PAPERLOVE.

Каждый раз нам необыкновенно приятно осознавать, что благодаря вашей изобретательности, ещё один наш набор превратился в настоящее произведение искусства. Спасибо вам за это!

Как оформить, что украсить

C тех пор как к нам пришла в голову идея сделать свою первую папертоль, наш личный список способов и вариантов декора значительно пополнился. И мы с огромным удовольствием расскажем его вам.

в обычную рамку

в рамку с прозрачным дном

в глубокую
рамку

задекорировать тарелку

магнит на холодильник

елочную игрушку

оформить бутылку

украсить фоторамку

в
скрапбукинге

декорировать шкатулку

преобразить вазу

украсить интерьер

Посмотрите на этот список в действии! Перейдите на страницу с галереей готовых работ и убедитесь в том, как это красиво и разнообразно!

Качественный подход на каждом этапе рукоделия

Мы стараемся следить за тем, чтобы наши наборы не содержали никакого брака. Даже если на папертольной карте (на этапе комплектации наборов) может проскочить какая-нибудь незначительная погрешность, которая никак не повлияет на качество готовой картины — мы отправим ее на повторную печать.

Мы тоже рукодельницы и хорошо знаем, как важен каждый этап рукоделия. Ведь даже процесс нам доставляет удовольствие! 🙂

Понятная система сложности сюжетов

Ещё до покупки сюжета вы можете ознакомиться со сложностью предстоящей работы. На каждой обложке наборов и на каждой странице товаров на нашем сайте есть пометка с указанием уровня сложности.

Ниже в таблице приведены пояснения для каждого уровня:

Paperlove гарантирует:

• Качественную печать и высокую детализацию в каждом сюжете.
• Стилистически правильно разобранный по композиции сюжет. Наши картины выглядят как реалистичные миниатюры.
• Вы получите точно такие наборы, как те, про которые мы тут рассказываем. А чтобы собрать свою композицию, вам придется сделать именно то, что мы вам написали выше. Без сюрпризов или подводных камней.

И еще 6 причин в пользу Paperlove

Наши наборы состоят из бумаги и из изображения, напечатанного на ней. Бумага у нас — самая обыкновенная. А печатаемся мы на тех станках, на которых печатаются книги! Так что наши наборы такие же безопасные, как и книги на вашей полке.

Paperlove приятно удивит всех! Уже знакомы с папертолью? Мы завоюем ваше сердце нашими сложными наборами! Не знакомы? Вы без труда покорите эту вершину рукоделия. Мы убедим вас: это подвластно каждому!

Вам не нужно дополнительно покупать (и думать, где хранить) такие вещи, как мольберты или специальные станки. Если вам необходим длительный перерыв — все поместится обратно в упаковочный пакетик. А сам набор занимает мало места.

Будьте уверены, с любым уровнем сложности сюжета вы достигнете эффектного результата! Ваши подруги и близкие скажут: «Вот это да! Как красиво, какая ты молодец!» Они её точно заметят и оценят оригинальность исполнения.

Мы максимально экономим ваше время в процессе сборки. На потенциально сложных участках расположены подсказки: как сделать или что использовать, чтобы конечный результат смотрелся изумительно.

У нас всегда есть предложения со скидками и действующие акции. Зарегистрируйтесь сейчас и покупайте наши наборы с дополнительной скидкой — 5%. Также у нас действует накопительная система скидок.

Приглашаем в Наш каталог

Познакомьтесь со всеми нашими сюжетами, которые распределены по самым популярным у рукодельниц тематикам. Также рекомендуем зайти на страницы сюжетов, ведь там:

• Много детализированных фотографий сюжетов крупным планом.
• Интересная информация о каждом сюжете.
• Есть фотографии готовых работ.

Читайте также

мастер–класс

как собрать папертоль

идеи и вдохновение

готовые работы

познакомимся?

Давайте мы вам сейчас в двух словах не просто расскажем, а ещё и покажем, что же такое папертоль. Так называется вид творчества, когда вы делаете объемную картину из бумаги своими руками.

Чтобы ее создать, необходимо вырезать несколько слоёв одного изображения и наклеить их друг на друга с помощью двустороннего скотча в определенной последовательности.

Вот и всё!

Но это если прямо совсем коротко и наглядно (короче, пожалуй, некуда). Ну а если любопытство ещё не утолено и нужны подробности, то читайте далее.

За такими простыми действиями, описанными выше, таится полноценное искусство рукоделия. Ведь умение из простых подручных вещей делать самостоятельный полноценный элемент декора, который будет радовать вас и ваших близких, а также сопровождаться восторженными: «Ух ты! Хочу!» — ваших подружек, по–настоящему ценится и многое значит.

А это сложно?

Вырезать и собрать папертоль — это удовольствие, абсолютно сопоставимое с ощущениями, которые вы испытываете после того, как закончили вышивку, нарисовали картину по номерам, собрали алмазную мозаику или какое–нибудь другое рукоделье.

От всего вышеперечисленного готовый результат отличается детализацией. Даже в сотый раз посмотрев на картину, вы обязательно заметите какую–нибудь новую для себя деталь в этой «живой миниатюре».

1) картина по номерам

2) папертоль от Paperlove

3) алмазная мозаика

Сюжет на фото — Солнечная Венеция.

Мы совершенно точно знаем, что нашу продукцию приобретают поклонники (а особенно поклонницы) этих популярных направлений. Теперь это наши постоянные клиенты 🙂

Вот несколько аргументов от них:

• Папертоль выручает, когда нужно оперативно сделать необычный подарок подруге.
• Что–то новенькое, что легко поддается и западет в душу.
• Беру Paperlove чтобы размяться между вышиванием.

Такие одинаковые, но такие разные

Другая сторона этой бумажной магии — это момент, когда оформленная картина отправляется на место, для которого она готовилась. Даже один и тот же набор прекрасно адаптируется под любой интерьер и преображает его собой.

Скажем честно, мы всегда с огромным удовольствием просматриваем фотографии готовых работ, а также с трепетом отслеживаем ваши готовые работы по хештегу #PAPERLOVE.

Каждый раз нам безумно приятно осознавать, что благодаря вашей изобретательности, ещё один наш набор превратился в настоящее произведение искусства. Спасибо вам за это!

Как оформить, что украсить

C тех пор как к нам пришла в голову идея сделать свою первую папертоль, наш личный список способов и вариантов декора значительно пополнился. И мы с огромным удовольствием расскажем его вам.

в обычную рамку

в рамку с прозрачным дном

в глубокую рамку

задекорировать тарелку

магнит на холодильник

елочную игрушку

оформить бутылку

украсить фоторамку

в скрапбукинге

декорировать шкатулку

преобразить вазу

украсить интерьер

Посмотрите на этот список в действии! Перейдите на страницу с галереей готовых работ и убедитесь в том, как это красиво и многогранно!

Качественный подход на каждом этапе рукоделия

Мы стараемся следить за тем, чтобы наши наборы не содержали никакого брака. Даже если на паперетольной карте (на этапе комплектации наборов) может проскочить какая-нибудь незначительная огрешность, которая никак не повлияет на качество готовой картины — мы отправим ее на повторную печать.

Мы тоже рукодельницы и хорошо знаем, как важен каждый этап рукоделия. Ведь даже процесс нам доставляет удовольствие! 🙂

Понятная система сложности сюжетов

Ещё до покупки сюжета вы можете грамотно оценить ваш уровень навыков. На каждой обложке наборов и на каждой странице товаров на нашем сайте есть пометка с указанием уровня сложности.

Paperlove гарантирует:

• Качественную печать и высокую детализацию в каждом сюжете.
• Стилистически правильно разобранный по композиции сюжет. Наши картины выглядят как реалистичные миниатюры.
• Вы получите точно такие наборы, как те, про которые мы тут рассказываем. А чтобы собрать свою композицию, вам придется сделать именно то, что мы вам написали выше. Без сюрпризов или подводных камней.

И еще 6 причин в пользу Paperlove

Наши наборы состоят из бумаги и из изображения, напечатанного на ней. Бумага у нас — самая обыкновенная. А печатаемся мы прям на станках, на которых печатаются книги! Так что наши наборы — ничем не вреднее книжек.

Paperlove приятно удивит всех! Уже знакомы с папертолью? Мы завоюем вас нашими сложными наборами! Не знакомы? Вы без труда покорите эту вершину рукоделия. Мы убедим вас — это подвластно каждому!

Вам не нужно дополнительно покупать (и думать где хранить) такие вещи как мольберты или специальные станки. Если вам необходим длительный перерыв – все поместится обратно в упаковочный пакетик. А сам набор занимает мало места.

Будьте уверены, с любым уровнем сложности сюжета — вы достигните эффектного результата! Ваши близкие и подруги скажут «Вау! Как красиво, какая ты молодец!». Они её точно заметят и оценят оригинальность исполнения.

Мы максимально экономим ваше время в процессе сборки. На потенциально сложных участках — там расположены подсказки, как сделать или что использовать, чтобы конечный результат смотрелся изумительно.

У нас всегда есть предложения со скидками и действующие акции. Зарегистрируйтесь сейчас и покупайте наши наборы с дополнительной скидкой — 5%. Также, у нас действует накопительная система скидок.

Приглашаем в Наш каталог

Познакомьтесь со всеми нашими сюжетами, которые распределены по самым популярным среди рукодельниц тематикам. Также, рекомендуем зайти на страницы сюжетов, ведь там:

• Много детализированных фотографий сюжетов крупным планом.
• Интересная информация о каждом сюжете.
• Есть фотографии готовых работ.

Читайте также

мастер–класс

как собрать
папертоль

идеи и вдохновение

готовые
работы

познакомимся?

Объемные картины из фрагментов потолочных плиток. Оригинальные картины из туалетной бумаги своими руками: мастер-классы, фото, видео

Придать опостылевшему дизайну интерьера новый характер и колорит, а также внести свежую струю в оформление кухни, спальни, детской помогут картины, созданные самостоятельно. Сделать уникальные картины своими руками можно из любых подручных материалов, для этого абсолютно не требуется профессиональное художественное образование. Стильные произведения искусства, занимающие по праву главенствующую роль в доме – это тот яркий акцент, который сможет оживить интерьер, заполнив его индивидуальными чертами.

На самом деле, сделать картину своими руками можно практически из чего угодно. Да-да, это не шутка. Применив фантазию, весь креатив и творческое начало, в ход реально пустить любые подручные материалы: монетки, ракушки, пуговицы, нити, отрезы тканей, листья, сушеные ягоды, небольшие ветви, столовые приборы, фурнитуру для шитья, личные фотографии и даже миниатюрные детские игрушки.

Отличное решение не только для кухни, но и для спальни, гостиной, детской. Подобные модульные композиции смотрятся целостно за счет единого ствола и ветвей, отходящих от него. Фон каждого отдельного элемента соответствует определенному сезону (осень – оранжевый, лето – изумрудный, весна – салатовый, зима – голубой). Листва из пуговиц также сделана в тональности, отвечающей представленным временам года.

Картина из пуговиц

Композиция из пуговиц «Времена года»

Еще немного пуговок

Пуговицы – идеальный материал для самостоятельного создания интерьерных картин. Используя с умом структуру, размеры, форму и материалы, можно создавать настоящие шедевры, не имея при этом художественного образования.

Порхающая бабочка

Кошка для котоманов

Морской пейзаж из пуговиц

Цветной спектр-радуга

Произведения из кожи

Несмотря на то, что кожа достаточно проста в обработке, с картиной не так просто справиться. Здесь необходимо понимание работы с материалом, знание основных свойств кожи, немалое терпение и усидчивость. Поэтому рекомендуется сперва попробовать сделать небольшие пробные композиции, а затем уже переходить к объемным, фундаментальным работам.

Наиболее часто употребляемая цветовая палитра в картинах из натуральной кожи – коричнево-бежевая. Но некоторые смельчаки с удовольствием используют зеленые, красные, оранжевые, желтые лоскуты.

Основные плюсы кожаных изображений:

• Эксклюзивность – в силу неординарности материала невозможно повторить картину один в один;
• Рельефность – глубина, возвышенности, световые блики и тени создают непревзойденный 3D эффект, благодаря которому картина «оживает»;
• Доступность – небольшие отрезы кожи можно найти как у себя дома, так и приобрести на «блошином» рынке или у сапожников буквально за бесценок.

Натюрморт из разноцветной кожи

Игра контрастов (применены красные, черные и белые лоскуты)

Выпуклые кожаные цветы

Видео мастер-класс: картина из кожи своими руками

Панно из продуктов

Одной из самых актуальных техник создания картин для кухни считается предметная аппликация. Причем в этом случае наиболее востребованы крупы, зерна кофе, небольшие сухие овощи и фрукты, кожура цитрусовых, специи и подобное.

Панно из продуктов питания гармонично смотрятся именно в интерьере кухни, так как выглядят не просто стильно, но и аппетитно.

Монохромная композиция из черной и белой фасоли

Пейзаж из различных круп и семян

Круглое панно из бобовых

Обои в рамке

Картины из обоев очень бюджетное дополнение к интерьеру. Причем творить можно сразу в нескольких техниках: аппликация, 3D формат, натяжка на деревянную основу и др. Обои хороши тем, что идеально вписываются в любое помещение по стилю – ведь используются остатки приобретенных в избытке рулонов.

Элементы орнамента

Креативный коллаж

Панно из остатков обоев

Рамки из обоев

Аппликация из сухих цветов и листьев

Необычно смотрятся на стене и картины, сделанные из заблаговременно высушенной растительности. Почки, бутоны цветов, лепестки, небольшие веточки, листья, травинки – все идет в ход. Прорисовав карандашный набросок на бумаге, сверху просто наклеиваются необходимые элементы с учетом предпочитаемого цвета и формы.

Ваза с цветами

Объемная картина из сухой растительности

Необычная аппликация из цветочных лепестков

Фотография в интерьере кухни

Для тех, кто предпочитает идти по пути наименьшего сопротивления, замечательный способ придать помещению колорита – фотокартины. В этом случае достаточно подобрать фото в интернете или из личного архива, и распечатать его на широкоформатном цветном принтере.

Фото-триптих своими руками на кухню

Тематическая композиция из нескольких фото

Фотоколлаж на холсте

Рисунки из ткани

В оформлении кухонь широко применимы и картины из ткани. Смотрятся они всегда самобытно, колоритно и стильно. Чтобы пыль и жир не проникали внутрь, по завершении создания произведения искусства текстиль обычно обрабатывают лаком. Для тканевых изделий лучше всего подходит синтетический материал, мешковина и шелк.

Текстильная аппликация в формате 3D

Плоская аппликация из лоскутков ткани

Картина из ткани, выполненная при помощи швейной машинки

• Создавая картину для интерьера своими руками, лучше всего не пестрить с красками, а использовать тональность, отвечающую оформлению кухни. Также всегда нужно придерживаться стилистики общей концепции дизайна интерьера. Например, в классическом помещении приемлемы изделия из кожи и полотна, написанные маслом. Для стиля хай-тек подойдут следующие материалы: стекло, металл, зеркало. Прованс можно заполнить растительными орнаментами и картинами из круп. Объемные произведения гармонично смотрятся в кухнях модерн и комбинированных стилях.

• Цветовая палитра должна включать три основных цвета и несколько (по желанию владельца) близких оттенков. Холодную тональность разрешено разбавлять теплыми акцентами, но при этом нужно брать цвета из противоположного спектра.

Цветовой спектр: правильные принципы сочетания оттенков

• Для выпуклых форм всегда нужно использовать чередование светлых и темных тонов. Причем лучше всего смотрятся негабаритные темные объемы на светлой плоскости. Примерно такой же принцип тандема глянцевых с матовыми материалами: матовые должны выступать над глянцевыми. Таким образом достигается большая глубина картин и максимальный 3D эффект.

• Легкий способ сделать картину оригинальной – вывести внутренний рисунок за пределы базового контура. Например, продлить изображение на рамку или, при рельефных формах, за границу рамки.

Четыре простых мастер-класса

Фото конечного результата

Понадобится:

• пустая коробка из-под конфет или любая глубокая рамка
• двусторонняя цветная бумага
• простой карандаш, ластик
• обрезки картона
• острые ножницы
• ПВА или прозрачный канцелярский клей.

Пошаговая инструкция:

1. На дне конфетной коробки нужно нарисовать большое сердце. Желательно, чтобы до рамки оставалось расстояние не менее 20… 50 мм (в зависимости от размеров коробки).
2. Сделать из картона несколько шаблонов разных размеров в форме сердечек.
3. Вырезать по картонным шаблонам разноцветные сердца из бумаги. Каждое сердечко сложить вдвое по вертикали.
4. Одинаковые по цвету и размеру сердечки склеить по две штуки. Склейка производится по ребру верхней фигуры.
5. Разложить внутри рамки композицию из двойных миниатюрных сердечек. Важно – нельзя выходить за контуры нарисованного большого сердца.
6. Приклеить все элементы согласно выложенной схеме. Клей нужно наносить только на ребра сердечек.
7. Объемная 3D картина готова! Далее можно ее украсить, разрисовав однотонную рамку или же использовав подвесной декор (конфетки на ленточках, бумажные бабочки на леске и подобное).

Рисунок своими руками

Фото конечного результата

Понадобится:

• цветной картон
• простой карандаш, ластик
• линейка
• черный маркер или фломастер
• клей ПВА
• ножницы

Такую картину самостоятельно сможет сделать даже ребенок. Ведь здесь не важны точные формы и пропорции. Главное – умело орудовать линейкой и карандашом, а также иметь хоть чуточку творческого потенциала.

Как нарисовать картину самому: шаг за шагом

Совет: Рисунок можно оставить в монохромном исполнении или раскрасить цветными карандашами, акварелью, восковыми мелками в тон интерьера.

Как самому сделать модульную композицию

Фото конечного результата

Понадобится:

• отрез ткани (размер должен быть с запасом – на каждую деталь нужен запас не менее 10 см в ширину и 10 см в высоту)
• куски фанеры и рейки из дерева для рамки
• пенопласт или ДСП для основы
• мебельный степлер
• ножницы
• рулетка или длинная линейка
• простой карандаш или мел (мел пригодится в том случае, если ткань темного цвета)

Поэтапная инструкция:

1. Два варианта создания основы под картину своими руками:

• Изготовление подрамника своими руками. Запилить торцы реек под 45 градусов и соединить их при помощи клея или степлера. Для надежности рекомендуется зафиксировать равнобедренные треугольники небольшого размера по углам рамки. Треугольники можно сделать из фанеры или ДВП. Также для жесткости конструкции можно натянуть по периметру ткань, прикрепив ее степлером.

  Изготовление подрамника своими руками

• Вырезать готовую основу строго по размеру из ДСП (16…25 мм) или подготовленного пенопласта.

  Основа из ДСП

  1. Фиксация текстильного полотна. Вырезать ткань по размеру больше подрамника с учетом всех подворотов. Далее следует немного смочить материал и только после этого приступать к натягиванию на основу. Особенной аккуратности и внимания требуют углы.

  Совет: сперва нужно натягивать длинные стороны будущей картины, а затем – короткие.

  Прежде чем зафиксировать одну из сторон, нужно убедиться, что материал не скомкан и не примят.

  1. Вот и все – модульная картина готова. По этому же принципу можно сделать и фото-украшение для интерьера.

  Декор на кухню из нитей своими руками

  Фото готовой работы

  Понадобится:

  • основа – можно использовать дерево, ламинированную ДСП, пробковую плиту и тому подобное
  • миниатюрные гвоздики с широкими шляпками (чтобы нить не соскальзывала)
  • клубок нитей средней толщины
  • ножницы
  • молоток

  Пошаговый мастер-класс

  
  

  Подобная техника самостоятельного создания картин – лишь первый шаг к изготовлению шедевральных произведений искусства из ниток. Обучившись основам, можно будет делать картины сложнейших конфигураций из разноцветных нитей.

  Картины из ниток: видео мастер-класс

  Фонтанируйте идеями, творите и вытворяйте – пусть интерьерные картины, сделанные своими руками, радуют не только вас, но и поражают, удивляют, восхищают гостей! Стильный интерьер кухни и всего дома – это заслуга инициативных хозяев, не боящихся экспериментировать.

Благодаря всевозможным способам применения материалов, которые есть у нас дома, сегодня уже не обязательно тратиться на покупку элементов декора. Например, из салфеток или туалетной бумаги быстро и несложно делаются картины, которые украсят любой жилой интерьер.

Вы не только не увидите аналогов в других квартирах, но и сможете сэкономить, так как для их создания нужно совсем немного материалов. В нескольких мастер классах картин из туалетной бумаги своими руками мы постараемся подтолкнуть вас к новым и оригинальным идеям.

Что необходимо для работы

Чтобы сделать картины из туалетной бумаги своими руками, приготовьте следующие материалы и приспособления:

• картон хорошей плотности, который будет служить основой для будущей картины;
• клей ПВА для создания объема на поверхности;
• туалетную бумагу;
• несколько кисточек, а также качественную гуашь;
• емкость для воды;
• лак для волос или акриловый аэрозоль;
• карандаш или маркер для создания отметок.

Внимание! Для создания объемных картин можно использовать и тонкие салфетки, но результат будет отличаться из-за разной фактуры материалов.

Это стандартный набор, позволяющий своими руками выполнить картины на любую тематику. Сама процедура наклеивания бумажных элементов будет зависеть от того, какими схемами и шаблонами картин из туалетной бумаги своими руками вы воспользуетесь.

Мастер-класс «Картина Жар-птицы»

Создание такой объемной картины своими руками из туалетной бумаги начинается с набросков на картоне. Старайтесь делать их как можно более четкими и яркими, поскольку при нанесении клея тонкие линии могут быть незаметны.

Совет: для перенесения эскиза на картон можно выбрать любой рисунок, предварительно распечатанный на принтере.

Теперь готовим клей: его следует развести в воде до жидкой сметанообразной консистенции. Бумагу порвите на кусочки средней величины.

Смачивайте их в клеевой заготовке, отжимайте – и укладывайте на картон в соответствии с шаблоном для образования объемных элементов рисунка.

Обратите внимание, что вовсе необязательно делать объемным все части изображения: пусть некоторые детали выделяются, например, отдельные перья на ярком хвосте Жар-птицы.

Перед нанесением гуаши можно дождаться полного высыхания клея с водой. Но краска ляжет лучше, если вы начнете окрашивать лишь слегка подсохшие бумажные элементы.

Полностью картина высохнет за два дня. После этого можно покрыть ее лаком, и останется только придать изображению завершенный вид с помощью подходящей рамки.

Картина-рыбка

В продолжение тематики фауны предлагаем вам попробовать сделать еще одну картину с изображением подводного мира. Процедура ее создания аналогична предыдущему мастер-классу: первым делом наносится эскиз на картонную поверхность, после этого выкладываются замоченные в клее элементы — и после высыхания начинается сам процесс декорирования.

Обратите внимание на наличие тонких объемных линий на рисунке: чем меньше материала будет использовано для создания отдельных деталей, тем более четкими и аккуратными получатся элементы картины. Для удобства можете задействовать не только туалетную бумагу, но и салфетки в некоторых местах: краска по-разному ляжет на такую основу, и на картине получатся оригинальные цветовые переходы.

При разукрашивании мотива-рыбки использовалась позолоченная краска, поэтому окончательный вариант картины получится с состаренным эффектом.

Вы можете реализовать и другие идеи: например, воспользоваться лаком и красками с мерцающим эффектом, блестками или вообще задействовать дополнительные материалы (бисер, пайетки, ленты) для создания еще более разнообразных элементов декора для домашних интерьеров.

Создаем пейзажные мотивы

Пейзаж – одна из самых распространенных тематик при создании самодельных картин. У вас есть возможность запечатлеть любимый уголок природы и подчеркнуть его реалистичность за счет объемных деталей.

Поскольку в пейзажных картинах больше элементов, которые должны выделяться на ровной поверхности, процедура создания таких сюжетов будет немного отличаться от других. На картонную основу нанесите клей – и приклейте бумагу по всей площади, создавая небольшие складочки в произвольном порядке.

Внимание! После этого следует подождать, пока бумага с клеем полностью высохнет, иначе вы рискуете сместить и порвать ее в процессе создания дополнительных деталей рисунка.

С помощью маркера нанесите эскиз на поверхность. Теперь приступайте к созданию холмов и камней, последовательно наклеивая кусочки туалетной бумаги, смоченные в клеевом растворе и выжатые перед поклейкой. Эти элементы тоже следует немного сжать для образования складок: так будет реалистичнее.

Далее приступайте к формированию кроны и веточек деревьев. Используйте удлиненные кусочки туалетной бумаги, скрученные в жгутики и завернутые в разные стороны. Важно, чтобы такие жгутики полностью пропитались клейкой массой, иначе некоторые части дерева раскрутятся и потеряют заданную форму.

Если на пейзажном рисунке присутствует вода, используйте для ее зарисовки горизонтальные бумажные кусочки. Полностью завершить такую картину можно примерно за двадцать минут. Немного подождите, пока детали частично не просохнут – и начинайте разукрашивать картину. Четкие переходы между оттенками лучше немного смягчить: для этого размойте границы пальцем.

После нанесения краски дождитесь полного высыхания картины – и переходите к созданию реалистичных штрихов. По воде, траве и дереву пройдитесь пальцем, предварительно смоченном в краске на тон светлее, чем первоначальный оттенок этих элементов. У вас получатся мягкие цветовые переходы.

В конце картину можно обработать лаком.

А вот еще пара очаровательных примеров картин из туалетной бумаги и клея ПВА на природную тематику, которые дополнят домашний дизайн.

Как видите, для создания реалистичного эффекта при создании подобных картин активно используются дополнительные материалы.

Картины и панно из втулок

Внимание! Для некоторых панно и картин в таком стиле необязательно готовить основу. Если элементы рисунка будут надежно соединены друг с другом, вам останется только повесить целостную композицию.

Для начала определитесь с тематикой рисунка. Один из самых распространенных вариантов – имитация изящной металлической ковки. Такие картины могут отличаться по дизайну, но все они имеют закрученные элементы, поэтому отрезанные от втулок полосы бумаги необходимо закрутить и проклеить для сохранения нужной формы.

Еще один простой пример – домашнее панно из втулок, имитирующее листочки деревьев. На одну лишь подготовку может уйти немало времени: все зависит от того, сколько листочков такого типа вы планируете наклеить на стену.

Еще один простой пример картины: из одинаковых по величине элементов делаются лепестки цветов, которые следует расположить на холсте в произвольном порядке.

Приловчившись клеить такие элементы из трубочек от рулонов, вы сможете создавать и более сложные композиции. Как вы поняли, картины из втулок создаются всего в несколько шагов: сначала нарезаются элементы (для создания завитушек, лепестков, сердец, геометрических орнаментов), затем они закручиваются для получения задуманной формы, а после этого — наклеиваются на основу или соединяются друг с другом.

Обратите внимание , что разукрашивать композицию будет легче до приклеивания всех элементов рисунка. После высыхания вы можете лишь воспользоваться лаком или блестками для создания необычных эффектов на поверхности.

Мы рассказали вам всего несколько способов, как задействовать туалетную бумагу в домашнем рукоделии. Помимо картин, вы можете создать еще много интересных аксессуаров для дома. Но начать мы советуем именно с этих мастер-классов, так как оригинальные картины своими руками вы сделаете быстро и без особых сложностей.

Видео

На видео ниже – еще один мастер-класс по изготовлению красивого панно из втулок от туалетной бумаги:

Интерьерные картины своими руками делать очень увлекательно. При этом используются самые доступные материалы, такие как: пуговицы, бумага, лимон, перья, воздушный шарик, упаковки от кексов.

Интерьерные картины своими руками

Картина из перьев

Почувствуйте себя настоящими современными художниками, создав удивительное полотно. Оно будет легким и воздушным, так как создается из перьев.

• перья;
• краска в баллончиках;
• рамка;
• большая бусина;
• клей;
• лист картона.

Картина из бумаги

Парящие бабочки непременно поднимут настроение.

• цветная бумага розовых и белых оттенков;
• лист пенопласта или пенополистирола;
• клей;
• ватман;
• ножницы.

1. Нарежьте из розовой цветной бумаги полосок нужной ширины. Расстояние между сторонами должно быть таким, каким вы хотите видеть размах крыльев этого насекомого.
2. Приложите бабочку к началу бумажной полоски, сверните ленту несколько раз, чтобы насекомому хватило места на отведенном ему квадрате. Обрисуйте бабочку и вырежьте по контурам. У вас получится сразу не одно, а несколько насекомых.
3. Таким же образом, складывая бумажные листы в виде стопки квадратов, вырежьте остальных бабочек. Используйте для этого тёмно-розовую, розовую и светло-розовую бумагу.
4. При помощи двухстороннего скотча надо обклеить лист из пенопласта или пенополистирола ватманом. Нанесите на него очертание будущей фигуры, используя смывающийся маркер или мелок. Начинайте приклеивать бабочек, заполняя ими данную фигуру. Когда работа будет завершена, можно использовать ее по назначению.

Также, как на представленной фотографии, сделайте левый контур рисунка нечетким, как будто это парящие бабочки постепенно садятся сюда.

Займитесь этим интересным творчеством с детьми. Ведь они тоже могут создавать вместе с вами оригинальные картины. Каждую бабочку можно разрисовать и приклеить на полотно.

• двусторонний картон;
• ножницы;
• леска;
• брусок;
• краска;
• шило.

У вас должно получиться несколько рядов сердечек. Покрасьте брусок и привяжите верхние части лесок к нему.

Теперь можно вешать такое красивое панно над кроватью в спальне или на стену в другом помещении.

Картины из пуговиц и пробок

Следующие дизайнерские решения подскажет бросовый материал. Ведь винные пробки обычно выкидывают, а из них можно сделать много интересного. Вот такая работа создается на основе этого материала.

Чтобы у вас получились вот такие красивые интерьерные картины, можно использовать лишь:

• пробки от бутылок;
• верёвку;
• шило.

Для следующей картины не нужна рамка. Вы просто приклеите на основную поверхность пробки рядами и можно прикрепить сюда открытку, чтобы поздравить любимого человека.

Если у вас в хозяйстве скопилось много ненужных пуговиц, тогда вы также сможете смастерить из них интерьерные картины.

• пуговицы зелёных оттенков и коричневых;
• клей;
• деревянная дощечка;
• карандаш.

Следующие также украсят интерьер.

Признаться в любви можно самым неожиданным образом. Покрасьте деревянную поверхность, когда она высохнет, приклейте сюда розовые пуговицы в виде сердечка. Увидев такой знак внимания, дорогой вам человек непременно обрадуется.

Если вы предпочитаете светлые тона, когда возьмите белую основу, нарисуйте здесь маркером или коричневым карандашом ствол. Можете дать своей творческой фантазии волю и выложить эту часть дерева, используя нитки такого цвета. Приклейте пуговицы, которые превратятся в разноцветные листики.

Метод печати интерьерных картин

Достаточно окунуть ромашку или другой цветок в краску, как из него получится прекрасный инструмент печати. Вы будете прислонять растение к белому листу бумаги и создавать оригинальные рисунки.

Если вы хотите нарисовать любимого плюшевого мишку, но у вас не получается, тогда можете сделать оттиск. Чтобы не испортить игрушку, берите водосмываемую краску. Окуните медвежонка сюда и приложите его к листу контрастной бумаги.

Если вы хотите изготовить картину на память, тогда предложите всем членам семьи проделать подобные манипуляции. При этом самая большая ладонь должна быть напечатана сначала, а затем следующие расположены в порядке уменьшения. Используйте краску разных цветов, чтобы каждый отпечаток был четко виден.

Интерьерные картины на стену за 15 минут — мастер-класс

Именно столько времени потребуется, чтобы создать следующий шедевр.

• дощечки;
• краска;
• кисть;
• клей;
• картинки.

Следующее полотно вы сотворите также быстро. Такие работы понравятся любителям гламура.

• простой карандаш;
• скотч;
• клей;
• блестки.

Если у вас нет блесток, тогда можно измельчить разбившийся елочный шар. Для этого его закрывают тканью и осторожно стучат сверху молотком.

Если вам понравились подобные интерьерные картины, тогда почти по такому же принципу создайте следующую.

• картинку;
• самоклеющиеся буквы;
• белую акриловую краску.

Если у вас ещё меньше времени, тогда можно сделать панно в таких же минималистических традициях, как и черный квадрат Малевича.

Даже остатки ткани подарят интересные идеи.

Если у вас остались небольшие лоскутки, тогда вы можете сделать вот такой объемный цветок.

Если от рукоделия осталась тесьма, ее также можно пустить в дело. Посмотрите, какие картины в интерьере вы можете создать при помощи неё.

Вот какие интересные произведения искусства можно создать за считанные минуты из доступного материала. Если вы хотите увидеть, как делают интерьерные картины другие, тогда ваше желание будет исполнено прямо сейчас.

Интерьер в жизни каждого человека заслуживает особого внимания. Передвигаясь из комнаты в комнату дома, из помещения в помещение во всех различных зданиях и сооружениях, в которых мы находимся в течение хотя бы одного дня. В каждом из этих интерьеров присутствуют картины. Особое внимание всегда привлекают композиции и картины, сделанные своими руками.

Что такое объемные картины?

В наше время занятие Hend Made становятся всё более популярными. Любуясь некоторыми изделиями, сделанными своими руками из подручных материалов поражаешься человеческой фантазии и изобретательности.

Почему нужно творить своими руками? Потому что, когда берёшь в руки обычный кусочек ткани и превращаешь его в картину это делает любую самую обычную стену комнаты намного привлекательнее. Создавая милые мелочи из подручных материалов можно постоянно усовершенствовать, менять и дополнять интерьер. Иногда не нужно покупать новую мебель или делать глобальную перестановку в комнате, достаточно проявить фантазию и превратить какую-нибудь обыденную вещь в свой авторский предмет декора. Это прекрасный подарок для родственников друзей и знакомых , они никогда не забудут о том человеке, который сделал такой подарок.

Из чего только не делают картины и различные предметы, чтобы внести неповторимость в окружающее пространство.

Картины из ткани своими руками: мастер-класс

1. Из любой ткани, которая найдётся в доме можно своими руками сделать картину шедевр . Это произведение будет уникально и наполнено той энергетикой, которую заложит в неё автор.
2. Ткань с интересным рисунком можно просто натянуть на готовую раму. Получиться самая элементарная композиция, созданная своими руками. Такая техника прекрасно подойдёт для модульной инсоляции, состоящей из 2–3 частей , связанных между собой по смыслу, форме или цвету.
3. Взять остатки из грубо фактурной ткани мебельной, джинсовой, шерстяной и т. п. Вырезать из них различные геометрические фигуры. На подготовленный заранее каркас для будущей картины (из фанеры или плотного картона ) прикрепить при помощи клеевого пистолета тканевые фигурки. Картина готова.

Объёмные картины своими руками

Создание милых и неповторимых предметов для своего домашнего интерьера это прекрасное времяпрепровождение с детьми. Дети от этого занятия получат прекрасное развитие моторики рук, вырезая из бумаги. Детская фантазия безгранична, она не поставлена в рамки взрослого общества. Творя с детьми, сам возвращаешься в детство.

Любое творческое занятие человека, развивает в нём не только фантазию, но и те скрытые грани характера и умения, о которых многие из нас даже не подозревают. Очень часто общество ставит нас в какие-то рамки и ограничения, в которых мы пребываем и существуем. Но стоит всего лишь один раз сделать что-то своими руками, и как показываем практика обязательно захочется творить ещё из чего-то того, о чём как казалось раньше даже не подозревал. Из внутренней фантазии человека состоит его душа. Не стоит бояться выпускать свои прекрасные фантазии. Нужно делиться с окружающими своим миром, выражать это в своём творчестве.

Творите — делайте мир красивее!

Сделать объемную картину своими руками – решение для неординарных людей, которые желают сделать декор дома индивидуальным и не держать стандартные рисунки.

Для создания объемных картин для стен используется самый разный материал, к примеру, делается картина из гипса, можно создать картины из ткани своими руками, создавать объемные картины на стене из шпаклевки, делать разные абстракции или аппликации, создавать барельеф, применять мозаику и многое другое. Перечень рисунков большой, важно выбрать нужное изображения, а для этого используются фото и видео из интернета, что помогут определиться с художественным дизайном и выбрать технику нанесения рисунков на стены.

Картины из шпаклевки

Рисунок на стену своими руками часто проводится при помощи шпаклевки, но вариант не для ленивых людей, зато, когда получится создать картину, она будет красиво смотреться, а стоимость – это только шпаклевка, можно применять остаток после ремонта.

Не рекомендуется изготовление проводить из сложных картин, лучше делать рельефный рисунок из простого изображения, научиться, после чего переходить к более сложным картинам, это правильный план. Шлифовка поверхности не нужна, поэтому создать картину на стене можно без пыли. Для работы нужен шпатель. Перед тем, как сделать картины из шпаклевки проводится подготовка.

Подготовка основания

Объемные рисунки наносятся на оштукатуренные и ровные стены, если это так, то поверхность подготавливается следующим образом:

1. Стена для обработки покрывается грунтовкой.
2. После просыхания делается фон, выбирая нужные цвета, шпатлевка наносится на основание шпателем, применяют валик, чтобы покрасить основание.
3. Далее, делается картинка. Акриловые составы быстро просыхают, а значит, через пару часов наносят шаблон, например, пейзаж, бабочку, фрукты камыш. Если работу выполняется мастер художественного дела, то можно нарисовать каменный город, весну, осень, птиц или природу.

Переносить рисунок на стены можно применяя трафарет, главное, не подбирать сложные настенные рисунки, дабы не появились сложности с ошпаклевыванием. Картины делаются средние по размеру. Есть два варианта нанесения штукатурки на стену:

На картине делают цветок, лист дерева и прочие рисунки на стене. По желанию можно использовать лепку, клеить дополнительные аксессуары, например сделать обрамление с помощью багета, использовать на холсте бечевку, декорации в виде канзаша, квиллинга, макраме и прочих украшений. По желанию можно применять полоски из дерева, молдинги и другие идеи.

Фото дизайна барельефа картины на стенах можно найти в сети, чтобы было понятнее, что рисовать у себя в доме, дабы интерьер был гостиный и красивый, дополнял помещение. Также делается надпись или оставляется буква, в качестве подписи автора.

Объемные картин на стене (видео)

Объемные картины из дерева

Фактурные картины на стене сделанные из дерева богато смотрятся, но для создания объемного рисунка потребуется не просто навык, но и много усилий, а также времени. Метод оформления стен необычный, а для работы нужны стамески, специальные ножи, лак, морилка, а также рамка из дерева. Выбранный объемный рисунок необходимо перенести на дерево, после чего начать вырезать контуры. От глубины выреза будет получаться объемная картина. За счет морилки получается оригинальный вид и объемность увеличивается, а готовая картина покрывается лаком, для ее защиты.

В данном случае живопись не нуждается в дополнительном использовании аксессуаров, нужно просто вырезать рисунок и повесить его на стену. Данный вид позволяет создать модульный рисунок, к примеру, триптих, но сделать нужный рельеф очень сложно. По окончанию, некоторые люди в рамку вставляют стекло. Перед созданием объемных картин из дерева, лучше посмотреть мастер-класс по резке дерева.

Объемный декупаж

Декупаж – самый легкий вид отделки стен, кроме того, такая методика позволяет оформить не только стены, но и другие поверхности, даже начинающий может проводить работу. Основной плюс – возможность делать плоский элемент объемным, применяя подручный материал. Создание объемного декупажа нуждается в следующем:

1. Цветной бумажный кусочек специально для декупажа, можно применять фольгу, обои или фотообои.
2. Клей.
3. Полимерный материал – глина.
4. Салфетка, текстиль, атласный материал.
5. Кисть.
6. Ножницы.

Поэтапно схема объемных картин для стен такова:

1. Из бумаги или другого материал вырезается нужная картинка, можно использовать печать и распечатать рисунок.
2. Далее, рисунок мочится в воде и промакивается тканью.
3. На обратную сторону наносится клей и плотно приклеивается к стене.
4. Аналогично проводится работа с другими частями рисунка, чтобы стыки совпадали, целостность не нарушалась.

Трехмерный рисунок можно получить если изображение вновь наклеить поверх уже готового рисунка. В самом конце наносится на рисунок лак. Можно использовать гофрированный картон, пластилин, бумажные ленты, флизелиновые или виниловые обои, крепированный или газетный материал, делая разноцветный и необычный рисунок. Покрыть можно любой предмет, к примеру, бутылку, двери в ванных или спальнях.

Совет! Можно изобразить зимний сад, ракушки, соленые моря. Для кухни подойдет рисунок из круп, фасоли или изобразить на стене простой торт. Это бюджетный вариант оформления, для которого можно взять любой домашний материал, что есть дома и из него сделать нужный узор, картину или рисунок на стене.

3d картина из бумаги

Делать картины для внутренних стен из бумаги дешевле всего. Классический рисунок можно пошагово создать, если приготовить:

1. Бумагу.
2. Ножницы.
3. Краски.
4. Картон.
5. Рамку.
6. Гуашь.

Нужно из рамки достать стекло и наклеить на подложку искусственный или природный материал. Используется джинс, тесьма, фетр или бумага. Это и будет фон, на который человек будет смотреть. Далее, из картона вырезается рисунок, после чего его нужно подогнуть и медленно наклеить на площадку.

Правильно будет некоторые элементы окрасить и дать им высохнуть, чтобы потом клеить в рамку. Хорошо получаются совы, розы, пионы. Картину дополнит кружево, плетение, стразы, бисер, вышивка, кожа, нитка, песок, который можно клеить на пасту или ПВА. Готовую картину можно повесить в комнате на нужное место, чтобы дополнить стиль.

Используя любой мастер-класс, можно все стены в доме украсить, даже если комната маленькая, покрытие старое. Любое средство хорошо, работа проводится недолго и стеновая перегородка быстро украшается. Также определенные техники можно применять для создания открытки. Отличный план – использовать для стен не готовые объемные картины, а пазлы, что после сбора вешают на стены или пенопласт, из которого создается рисунок.

Дополнить объемные картины для стен можно подсветкой, полоской диодной ленты. Объемные рисунки на стены подойдут для любого стиля даже если это минимализм, где отлично выглядит джинсовый материал. На картине можно изобразить свою судьбу, если есть навыки художественного творчества.

Фотогалерея объемных картин на стене

Объемная картина фрайбургской художницы Биргитт Фукс

Введение

Из скульптуры …

Картина «Формирование 3» и кадр из видео «Март»

Затем скульптуру вручную разрезают на кусочки с помощью процедуры, которая она тоже специально разработана.Каждый срез представляет собой слой в Окончательное изображение и контур каждого среза определяют пространственные границы окрашиваемой области. Таким образом, скульптура определяет трехмерный силуэт и, в конечном итоге, полное пространство изображения финальной картины.

Скульптура и итоговая проекция на примере «Фигуры 9» ​​

… Живопись …

Контур каждого среза переносится на достаточно большую малярную подставку. Структуры и изображения теперь раскрашены внутри этой формы, используя обычные техники, такие как акрил, цветной карандаш или графитовый карандаш.Однако этот процесс покраски намного сложнее по сравнению со стандартной покраской, хотя оба приводят к двумерному изображению. Финал, трехмерное представление направлено на проекцию все слои изображения, требующие частичной прозрачности отдельных слоев. Вовремя В процессе окраски должны быть задействованы конструкции в третьем измерении, т.е. е. элементы слоев выше и ниже текущего слоя. В противном случае окончательное изображение станет просто стопкой изображений, но не целостным, трехмерным картина.Кроме того, цвет краски будет определять, насколько прозрачными (или непрозрачными) станут отдельные области. потом.

Отдельный слой с соответствующей росписью акрилом

… Видео …

Представление нарисованных слоев в видео

… к презентации

Использование новых медиа-технологий позволяет создавать новые формы презентации. Наряду с классической презентацией на экране Биргитт Фукс использует другие техники тоже. Полупрозрачная и свободно вращающаяся марля, используемая в качестве проекционного экрана, поддерживает воздушность и полупрозрачность видеоработ. — своими движениями вызывает дополнительный динамический эффект.По двукратный расчет видеокадров с параллактически смещенным содержимым, программа поддерживает стереоскопическая презентация. Такой 3D-вид реализован. специальным дисплеем и поляризационными очками. Это позволяет зритель, чтобы испытать реалистичное восприятие истинного трехмерного картина.

Презентации на экране, марле и стерео экране

визуальных элементов | Безграничная история искусства

Строка

Линия определяется как отметка, которая соединяет пространство между двумя точками, принимая любую форму по пути.

Задачи обучения

Сравните и сопоставьте различные варианты использования линии в искусстве

Основные выводы

Ключевые точки

• Фактические линии — это линии, которые физически присутствуют и существуют как сплошные соединения между одной или несколькими точками.
• Подразумеваемая линия относится к пути, по которому глаз зрителя следует за формами, цветами и формами на любом заданном пути.
• S traight или classic линии обеспечивают стабильность и структуру композиции и могут быть вертикальными, горизонтальными или диагональными на рабочей поверхности.
• Выразительные линии относятся к изогнутым линиям, которые усиливают ощущение динамизма произведения искусства.
• Контур или контур линии создают границу или путь вокруг края фигуры, тем самым очерчивая и определяя ее. «Поперечные контурные линии» очерчивают различия в деталях поверхности.
• Линии штриховки представляют собой серию коротких линий, повторяющихся с интервалами, обычно в одном направлении, и используются для добавления теней и текстуры к поверхностям, в то время как линии штриховки обеспечивают дополнительную текстуру и тон поверхности изображения и могут ориентироваться в любом направлении.

Ключевые термины

• текстура : ощущение или форма поверхности или вещества; гладкость, шероховатость, мягкость и т. д. чего-либо.
• штриховка : метод отображения штриховки с помощью нескольких пересекающихся мелких линий.
• линия : путь через две или более точек.

Линия — важный элемент искусства, определяемый как знак, который соединяет пространство между двумя точками, принимая любую форму по пути.Линии чаще всего используются для определения формы в двумерных произведениях и могут быть названы древнейшими, а также наиболее универсальными формами нанесения знаков.

Есть много разных типов линий, каждая из которых характеризуется длиной больше ширины, а также путями, по которым они идут. В зависимости от того, как они используются, линии помогают определить движение, направление и энергию произведения искусства. Качество линии относится к персонажу, который представлен линией для того, чтобы в разной степени оживить поверхность.

Фактические линии — это линии, которые физически присутствуют, существующие как сплошные соединения между одной или несколькими точками, тогда как подразумеваемые линии относятся к траектории, по которой глаз зрителя следует форме, цвету и форме в произведении искусства. Подразумеваемые линии придают произведениям искусства ощущение движения и удерживают зрителя в композиции. В «Клятве Гораций » Жака-Луи Давида «» можно увидеть многочисленные подразумеваемые линии, соединяющие фигуры и действия пьесы, ведя взгляд зрителя через разворачивающуюся драму.

Жак-Луи Давид, Клятва Горациев , 1784 : Многие подразумеваемые линии соединяют фигуры и действие пьесы, ведя взгляд зрителя через разворачивающуюся драму.

Прямые или классические линии добавляют стабильности и структуры композиции и могут быть вертикальными, горизонтальными или диагональными на поверхности работы. Выразительные линии относятся к изогнутым знакам, которые усиливают ощущение динамизма произведения искусства.Эти типы линий часто следуют неопределенному пути извилистых кривых. Контур , или контур , линии создают границу или путь вокруг края фигуры, тем самым очерчивая и определяя ее. Поперечные контурные линии очерчивают различия в деталях поверхности и могут создавать иллюзию трехмерности или ощущение формы или тени.

Линии штриховки — это серия коротких линий, повторяющихся с интервалами, обычно в одном направлении, и используются для добавления теней и текстуры к поверхностям. Линии штриховки обеспечивают дополнительную текстуру и тон поверхности изображения и могут быть ориентированы в любом направлении. Слои штриховки могут добавить поверхности изображения богатую текстуру и объем.

Легкая и ценная

Значение относится к использованию светлого и темного в искусстве.

Задачи обучения

Объясните художественное использование света и тьмы (также известное как «ценность»).

Основные выводы

Ключевые точки

• В живописи изменение значений достигается путем добавления к цвету черного или белого цвета.
• Значение в искусстве также иногда называют «оттенком» для светлых оттенков и «оттенком» для темных оттенков.
• Значения, близкие к более светлому концу спектра, называются «высокоточными», а значения в более темном — «сдержанными».
• В двумерных произведениях искусства использование ценности может помочь придать форме иллюзию массы или объема.
• Кьяроскуро была распространенной техникой в ​​живописи в стиле барокко и относится к четким тональным контрастам, примером которых являются очень высокие оттенки белого, помещенные непосредственно на фоне очень сдержанных темных оттенков.

Ключевые термины

• светотень : Художественная техника, популярная в эпоху Возрождения, относящаяся к использованию преувеличенных световых контрастов для создания иллюзии объема.

Использование светлого и темного в искусстве называется ценностью. Значение можно разделить на оттенок (светлые оттенки) и оттенок (темные оттенки). В живописи, в которой используется субтрактивный цвет, изменения значений достигаются путем добавления к цвету черного или белого цвета. Художники также могут использовать штриховку, которая относится к более тонким манипуляциям со стоимостью.Шкала значений используется для отображения стандартных вариаций тонов. Значения около светлого конца спектра называются высокими, а значения в более темном — сдержанными.

Шкала значений : Шкала значений представляет различные степени освещения, используемые в произведениях искусства.

В двумерных произведениях искусства использование ценности может помочь придать форме иллюзию массы или объема. Это также придаст всей композиции ощущение освещения. Высокий контраст относится к размещению более светлых областей непосредственно против более темных, чтобы их различие было продемонстрировано, создавая драматический эффект.Высокий контраст также означает наличие большего количества черного, чем белого или серого. Низкоконтрастные изображения получаются в результате совмещения средних значений, поэтому между ними не так много видимой разницы, что создает более тонкое настроение.

В живописи в стиле барокко техника светотени использовалась для создания очень драматических эффектов в искусстве. Chiaroscuro, что в переводе с итальянского буквально означает «светлый-темный», относится к четким тональным контрастам, примером которых являются очень насыщенные белые цвета, расположенные непосредственно против очень сдержанных темных оттенков.Сцены при свечах были обычным явлением в живописи барокко, поскольку они эффективно создавали этот драматический эффект. Караваджо использовал высококонтрастную палитру в таких работах, как Отречение от Святого Петра , чтобы создать свою выразительную сцену светотени.

Караваджо, Отрицание Св. Петра , 1610 : Караваджо Отречение от Св. Петра — отличный пример того, как можно манипулировать светом в произведениях искусства.

Цвет

В изобразительном искусстве теория цвета представляет собой совокупность практических рекомендаций по смешиванию цветов и визуальному влиянию определенных цветовых сочетаний.

Задачи обучения

Выражение наиболее важных элементов теории цвета и использования цвета художниками

Основные выводы

Ключевые точки

• Теория цвета впервые появилась в 17 веке, когда Исаак Ньютон обнаружил, что белый свет может проходить через призму и делиться на полный спектр цветов.
• Спектр цветов, содержащихся в белом свете: красный, оранжевый, желтый, зеленый, синий, индиго и фиолетовый.
• Теория цвета делит цвет на «основные цвета»: красный, желтый и синий, которые нельзя смешивать с другими пигментами, и «вторичные цвета» — зеленый, оранжевый и фиолетовый, которые возникают в результате различных комбинаций основных цветов. .
• Первичные и вторичные цвета комбинируются в различных смесях для создания третичных цветов.
• Дополнительные цвета находятся напротив друг друга на цветовом круге и представляют собой самый сильный контраст для этих двух цветов.

Ключевые термины

• дополнительный цвет : Цвет, который рассматривается как противоположный другому цвету на цветовом круге (т.е. красный и зеленый, желтый и фиолетовый, оранжевый и синий).
• значение : Относительная темнота или яркость цвета в определенной области картины или другого визуального искусства.
• основной цвет : любой из трех цветов, который при добавлении или вычитании из других в различных количествах может генерировать все остальные цвета.
• оттенок : Цвет рассматривается по отношению к другим очень похожим цветам. Красный и синий — это разные цвета, но два оттенка алого — это разные оттенки.
• градация : переход в небольшой степени от одного тона или оттенка, как и цвета, к другому.
• оттенок : цвет или оттенок цвета.

Цвет — это фундаментальный художественный элемент, связанный с использованием оттенков в искусстве и дизайне. Это самый сложный из элементов из-за большого количества присущих ему комбинаций. Теория цвета впервые появилась в 17 веке, когда Исаак Ньютон обнаружил, что белый свет может проходить через призму и делиться на полный спектр цветов. Спектр цветов, содержащихся в белом свете, следующий: красный, оранжевый, желтый, зеленый, синий, индиго и фиолетовый.

Теория цвета подразделяет цвет на «основные цвета»: красный, желтый и синий, которые нельзя смешивать с другими пигментами; и «вторичные цвета» зеленого, оранжевого и фиолетового, которые являются результатом различных комбинаций основных цветов.Первичные и вторичные цвета комбинируются в различных смесях для создания «третичных цветов». Теория цвета основана на цветовом круге, диаграмме, которая показывает взаимосвязь различных цветов друг с другом.

Цветовой круг : Цветовой круг — это диаграмма, которая показывает взаимосвязь различных цветов друг с другом.

Цвет «значение» относится к относительной яркости или темноте цвета. Кроме того, «оттенок» и «оттенок» являются важными аспектами теории цвета и являются результатом более светлых и более темных вариаций значений, соответственно.«Тон» относится к градации или тонким изменениям цвета в более светлой или более темной шкале. «Насыщенность» относится к интенсивности цвета.

Аддитивный и вычитающий цвет

Добавочный цвет — это цвет, созданный путем смешивания красного, зеленого и синего света. Например, в телевизионных экранах используется аддитивный цвет, поскольку они состоят из основных цветов: красного, синего и зеленого (RGB). Субтрактивный цвет или «триадный цвет» работает как противоположность аддитивного цвета, и основные цвета становятся голубым, пурпурным, желтым и черным (CMYK).Общие применения субтрактивного цвета можно найти в печати и фотографии.

Дополнительный цвет

Дополнительные цвета можно найти прямо напротив друг друга на цветовом круге (фиолетовый и желтый, зеленый и красный, оранжевый и синий). При размещении рядом друг с другом эти пары создают самый сильный контраст для этих двух цветов.

Теплый и холодный цвет

Различие между теплыми и холодными цветами было важно, по крайней мере, с конца 18 века.Контраст, как прослеживается этимологиями в Оксфордском словаре английского языка, кажется, связан с наблюдаемым контрастом в ландшафтном свете между «теплыми» цветами, связанными с дневным светом или закатом, и «холодными» цветами, связанными с серым или пасмурным днем. Теплые цвета — это оттенки от красного до желтого, включая коричневые и коричневые. С другой стороны, холодные цвета — это оттенки от сине-зеленого до сине-фиолетового, включая большинство оттенков серого. Теория цвета описала перцептивные и психологические эффекты этого контраста.Говорят, что теплые цвета развиваются или кажутся более активными в картине, в то время как холодные цвета имеют тенденцию отступать. Говорят, что теплые цвета, используемые в дизайне интерьера или моде, возбуждают или стимулируют зрителя, а холодные цвета успокаивают и расслабляют.

Текстура

Текстура — это тактильное качество поверхности арт-объекта.

Задачи обучения

Признать использование текстуры в искусстве

Основные выводы

Ключевые точки

• Визуальная текстура — это подразумеваемое ощущение текстуры, которое художник создает с помощью различных художественных элементов, таких как линия, штриховка и цвет.
• Фактическая текстура относится к физическому рендерингу или реальным качествам поверхности, которые мы можем заметить, прикоснувшись к объекту.
• Видимые мазки и разное количество краски создают физическую текстуру, которая может добавить выразительности картине и привлечь внимание к определенным областям в ней.
• Произведение искусства может содержать множество визуальных текстур, но при этом оставаться гладким на ощупь.

Ключевые термины

• тактильно : Материальный; восприимчивы к осязанию.

Текстура

Текстура в искусстве стимулирует зрение и осязание и относится к тактильным качествам поверхности произведения искусства. Он основан на воспринимаемой текстуре холста или поверхности, включая нанесение краски. В контексте художественного произведения есть два типа текстуры: визуальная и актуальная. Визуальная текстура относится к подразумеваемому ощущению текстуры, которую художник создает с помощью различных художественных элементов, таких как линия, штриховка и цвет.Фактическая текстура относится к физическому рендерингу или реальным качествам поверхности, которые мы можем заметить, прикоснувшись к объекту, например, нанесение краски или трехмерное искусство.

Произведение искусства может содержать множество визуальных текстур, но при этом оставаться гладким на ощупь. Возьмем, к примеру, работы реалистов или иллюзионистов, которые основаны на интенсивном использовании краски и лака, но при этом сохраняют совершенно гладкую поверхность. На картине Яна Ван Эйка «Дева канцлера Ролена» мы можем заметить много фактуры, особенно в одежде и мантии, в то время как поверхность работы остается очень гладкой.

Ян ван Эйк, Богородица канцлера Ролина , 1435 : Богородица канцлера Ролина имеет много текстуры в одежде и мантии, но фактическая поверхность работы очень гладкая.

Картины также часто используют настоящую текстуру, которую мы можем наблюдать при физическом нанесении краски. Видимые мазки и разное количество краски создадут текстуру, которая добавит выразительности картине и привлечет внимание к определенным областям в ней.Художник Винсент Ван Гог, как известно, использовал много фактурной текстуры в своих картинах, что заметно по густому нанесению краски на таких картинах, как Starry Night .

Винсент Ван Гог, Звездная ночь , 1889 : Звездная ночь содержит много фактической текстуры благодаря толстому нанесению краски.

Форма и объем

Форма относится к области в двумерном пространстве, определяемой краями; объем трехмерен, имеет высоту, ширину и глубину.

Задачи обучения

Определите форму и объем и определите способы их представления в арт.

Основные выводы

Ключевые точки

• «Положительное пространство» относится к пространству определенной формы или фигуры.
• «Негативное пространство» относится к пространству, которое существует вокруг и между одной или несколькими формами.
• «Плоскость» в искусстве относится к любой площади поверхности в пространстве.
• «Форма» — это понятие, связанное с формой и может быть создано путем объединения двух или более форм, в результате чего получается трехмерная форма.
• Art использует как фактический, так и подразумеваемый объем.
• Форма, объем и пространство, действительные или подразумеваемые, являются основой восприятия реальности.

Ключевые термины

• форма : Форма или видимая структура художественного выражения.
• объем : Единица трехмерной меры пространства, которая включает длину, ширину и высоту.
• Плоскость : Плоская поверхность, бесконечно продолжающаяся во всех направлениях (например,g., горизонтальная или вертикальная плоскость).

Форма относится к области в двумерном пространстве, определяемой краями. Формы, по определению, всегда плоские по своей природе и могут быть геометрическими (например, круг, квадрат или пирамида) или органическими (например, лист или стул). Формы могут быть созданы путем размещения двух разных текстур или групп фигур рядом друг с другом, тем самым создавая замкнутую область, такую ​​как рисунок объекта, плавающего в воде.

«Положительное пространство» относится к пространству определенной формы или фигуры.Обычно позитивное пространство является предметом художественного произведения. «Негативное пространство» относится к пространству, которое существует вокруг и между одной или несколькими формами. Позитивное и отрицательное пространство может стать трудно отличить друг от друга в более абстрактных работах.

«Плоскость» относится к любой площади поверхности в пространстве. В двумерном искусстве «плоскость изображения» — это плоская поверхность, на которой создается изображение, например бумага, холст или дерево. Трехмерные фигуры могут быть изображены на плоской картинной плоскости с использованием художественных элементов, чтобы передать глубину и объем, как это видно на картине « Маленький букет цветов в керамической вазе » Яна Брейгеля Старшего.

Ян Брейгель Старший, Маленький букет цветов в керамической вазе, 1599 : Трехмерные фигуры могут быть изображены на плоской картинной плоскости с использованием художественных элементов, чтобы подчеркнуть глубину и объем.

«Форма» — это понятие, связанное с формой. Комбинируя две или более фигур, можно создать трехмерную фигуру. Форма всегда считается трехмерной, поскольку она демонстрирует объем — или высоту, ширину и глубину. Искусство использует как реальный, так и подразумеваемый объем.

В то время как трехмерные формы, такие как скульптура, по своей сути обладают объемом, объем также может быть смоделирован или имплицирован в двухмерном произведении, таком как живопись. Форма, объем и пространство — действительные или подразумеваемые — являются основой восприятия реальности.

Время и движение

Движение, принцип искусства, это инструмент, который художники используют для организации художественных элементов в произведении; он используется как в статической, так и в временной среде.

Задачи обучения

Назовите некоторые методы и средства, используемые художниками для передачи движения в статических и временных формах искусства.

Основные выводы

Ключевые точки

• Такие техники, как масштаб и пропорции, используются для создания ощущения движения или течения времени в статике визуального произведения.
• Размещение повторяющегося элемента в другой области внутри произведения искусства — еще один способ обозначить движение и течение времени.
• Визуальные эксперименты со временем и движением были впервые произведены в середине 19 века, а фотограф Эдвард Мейбридж известен своими последовательными снимками.
• Основанные на времени среды кино, видео, кинетической скульптуры и перформанса используют время и движение в самом их определении.

Ключевые термины

• кадров в секунду : сколько раз устройство формирования изображения создает уникальные последовательные изображения (кадры) за одну секунду.Аббревиатура: FPS.
• статический : фиксируется на месте; без движения.

Движение или движение считается одним из «принципов искусства»; то есть один из инструментов, используемых художниками для организации художественных элементов в произведении искусства. Движение используется как в статике, так и в среде, основанной на времени, и может показывать прямое действие или намеченный путь, по которому глаз зритель может проследить через фрагмент.

Такие техники, как масштаб и пропорции, используются для создания ощущения движения или течения времени в статичных визуальных произведениях.Например, на плоской картинной плоскости изображение, которое меньше и светлее, чем его окружение, будет казаться фоном. Другой метод наложения движения и / или времени — это размещение повторяющегося элемента в разных частях произведения искусства.

Визуальные эксперименты со временем и движением впервые были произведены в середине 19 века. Фотограф Идверд Мейбридж известен своими последовательными снимками людей и животных, идущих, бегающих и прыгающих, которые он демонстрировал вместе, чтобы проиллюстрировать движение своих объектов.Картина Марселя Дюшана «« Обнаженная спускающаяся по лестнице », № 2 » демонстрирует абсолютное ощущение движения от левого верхнего угла к правому нижнему углу произведения.

Марсель Дюшан, Обнаженная, спускающаяся по лестнице, № 2 , 1912 год : Эта работа представляет концепцию движения и времени Дюшана.

В то время как статические формы искусства обладают способностью подразумевать или предлагать время и движение, основанные на времени среды кино, видео, кинетической скульптуры и перформанса демонстрируют время и движение по самым своим определениям.Пленка — это множество статичных изображений, которые быстро проходят через объектив. Видео — это, по сути, тот же процесс, но в цифровом виде и с меньшим количеством кадров в секунду. Искусство перформанса происходит в реальном времени с использованием реальных людей и объектов, как в театре. Кинетическое искусство — это искусство, которое движется или зависит от движения для своего воздействия. Все эти медиумы используют время и движение как ключевые аспекты форм выражения.

Случайность, импровизация и спонтанность

Дадаизм, сюрреализм и движение Fluxus полагались на элементы случая, импровизации и спонтанности как инструменты для создания произведений искусства.

Задачи обучения

Опишите, как дадаизм, сюрреализм и движение Fluxus опирались на случай, импровизацию и спонтанность.

Основные выводы

Ключевые точки

• Дадаисты известны своим «автоматическим письмом» или записью потока сознания, которое подчеркивает творческие способности бессознательного.
• Сюрреалистические работы, как и работы дадаистов, часто содержат элемент неожиданности, неожиданного сопоставления и проникновения в подсознание.
• Сюрреалисты известны тем, что изобрели рисунок «изысканного трупа».
• Движение Fluxus было известно своими «событиями», которые представляли собой перформансы или ситуации, которые могли происходить где угодно, в любой форме и в значительной степени полагались на случай, импровизацию и участие аудитории.

Ключевые термины

• событие : Спонтанное или импровизированное мероприятие, особенно с участием аудитории.
• Assemblage : Коллекция вещей, собранных вместе..

Случайность, импровизация и спонтанность — это элементы, которые можно использовать для создания искусства, или они могут быть самой целью самого произведения искусства. Любая среда может использовать эти элементы в любой точке художественного процесса.

Марсель Дюшан, Писсуар , 1917 : Писсуар Марселя Дюшана является примером «готового», то есть предметов, которые были куплены или найдены, а затем объявлены искусством.

Дадаизм

Дадаизм был художественным движением, популярным в Европе в начале 20 века.Его начали художники и поэты из Цюриха, Швейцария, с сильными антивоенными и левыми настроениями. Движение отвергало логику и разум и вместо этого ценило иррациональность, бессмыслицу и интуицию. Марсель Дюшан был доминирующим членом дадаистского движения, известного выставкой «готовых вещей», то есть предметов, которые были куплены или найдены, а затем объявлены искусством.

Дадаисты использовали то, что было легко доступно, для создания так называемого «собрания», используя такие предметы, как фотографии, мусор, наклейки, проездные на автобусе и заметки.Работа дадаистов предполагала случай, импровизацию и спонтанность для создания искусства. Они известны тем, что использовали «автоматическое письмо» или письмо потока сознания, которое часто принимало бессмысленные формы, но допускало возможность потенциально неожиданных сопоставлений и бессознательного творчества.

Сюрреализм

Сюрреалистическое движение, развившееся из дадаизма в первую очередь как политическое движение, отличалось элементом неожиданности, неожиданного сопоставления и воздействия на подсознание.Андре Бретон, важный член движения, написал сюрреалистический манифест, определив его следующим образом:

«Сюрреализм, н. Чистый психический автоматизм, с помощью которого предлагается выразить устно, письменно или любым другим способом реальное функционирование мысли. Диктовка мысли в отсутствие всякого контроля со стороны разума, вне всяких эстетических и моральных забот. «

Как и до этого дадаизм, сюрреалистическое движение подчеркивало неважность разума и планирования и вместо этого в значительной степени полагалось на случай и неожиданность как на инструмент, позволяющий использовать творческие способности бессознательного.Сюрреалисты известны тем, что изобрели рисунок «изысканного трупа» — упражнение, в котором слова и изображения совместно собираются одно за другим. Многие сюрреалистические техники, в том числе изысканный рисунок трупа, позволяли создавать игривое искусство, придавая значение спонтанному производству.

Механизм Fluxus

Движение Fluxus 1960-х годов находилось под сильным влиянием дадаизма. Fluxus был международной сетью художников, которые умело сочетали воедино множество различных дисциплин, и чья работа характеризовалась использованием экстремальной эстетики «сделай сам» (DIY) и в значительной степени интермедийных произведений искусства.Кроме того, Fluxus был известен своими «хэппенингами», которые представляли собой междисциплинарные мероприятия или ситуации, которые могли происходить где угодно. Участие публики было необходимо в мероприятии, и поэтому полагалось на немало сюрпризов и импровизации. Ключевые элементы событий часто планировались, но художники оставляли место для импровизации, что стирало границу между произведением искусства и зрителем, тем самым делая аудиторию важной частью искусства.

Включение всех пяти чувств

Включение пяти человеческих чувств в одно произведение чаще всего происходит в инсталляции и перформансе.

Задачи обучения

Объясните, как инсталляция и перформанс включают пять чувств зрителя.

Основные выводы

Ключевые точки

• В современном искусстве довольно часто работа ориентирована на зрение, осязание и слух, тогда как обоняние и вкус встречаются несколько реже.
• «Gesamtkunstwerk» или «полное произведение искусства» — это немецкое слово, обозначающее произведение искусства, которое пытается воздействовать на все пять человеческих чувств.
• Искусство инсталляции — это жанр трехмерных произведений искусства, призванный изменить восприятие зрителем пространства.
• Виртуальная реальность — это термин, относящийся к среде, смоделированной компьютером.

Ключевые термины

• событие : Спонтанное или импровизированное мероприятие, особенно с участием аудитории.
• виртуальная реальность : компьютерная реальность.

Включение пяти человеческих чувств в одно произведение чаще всего происходит в инсталляционном и перформансном искусстве.Кроме того, работы, которые стремятся охватить все чувства сразу, обычно используют некоторую форму интерактивности, поскольку чувство вкуса явно должно включать участие зрителя. Исторически такое внимание ко всем чувствам относилось к ритуалам и церемониям. В современном искусстве довольно часто работа ориентирована на зрение, осязание и слух, в то время как искусство несколько реже обращается к обонянию и вкусу.

Немецкое слово «Gesamtkunstwerk», означающее «полное произведение искусства», относится к жанру произведения искусства, которое пытается воздействовать на все пять человеческих чувств.Эта концепция была выдвинута на первый план немецким оперным композитором Рихардом Вагнером в 1849 году. Вагнер поставил оперу, которая стремилась объединить формы искусства, которые, по его мнению, стали чрезмерно разрозненными. В операх Вагнера уделяется большое внимание каждой детали, чтобы добиться полного художественного погружения. «Gesamkunstwerk» — теперь общепринятый английский термин, относящийся к эстетике, но произошел от определения Вагнера, означающего включение пяти смыслов в искусство.

Искусство инсталляции — это жанр трехмерных произведений искусства, призванный изменить восприятие зрителем пространства.Набережная от Рэйчел Уайтред является примером такого преобразования. Этот термин обычно относится к внутреннему пространству, в то время как Land Art обычно относится к открытому пространству, хотя между этими терминами есть некоторое совпадение. Движение Fluxus 1960-х годов является ключом к развитию инсталляции и перформанса как средств массовой информации.

Рэйчел Уайтрид, Набережная, , 2005 : Инсталляция Уайтреда « Набережная » — это искусство, призванное изменить восприятие зрителем пространства.

«Виртуальная реальность» — это термин, относящийся к среде, смоделированной компьютером. В настоящее время большинство сред виртуальной реальности представляет собой визуальный опыт, но некоторые модели включают дополнительную сенсорную информацию. Иммерсивная виртуальная реальность развивалась в последние годы с развитием технологий и все больше затрагивает пять чувств в виртуальном мире. Художники изучают возможности этих смоделированных и виртуальных реальностей с расширением дисциплины кибератров, хотя то, что составляет киберарту, продолжает оставаться предметом споров.Такие среды, как виртуальный мир Second Life, являются общепринятыми, но вопрос о том, следует ли считать видеоигры искусством, остается открытым.

Составной баланс

Композиционный баланс относится к размещению художественных элементов по отношению друг к другу в произведении искусства.

Задачи обучения

Классификация элементов композиционного баланса в произведении искусства

Основные выводы

Ключевые точки

• Гармоничный композиционный баланс предполагает расположение элементов таким образом, чтобы ни одна часть произведения не подавляла и не казалась тяжелее любой другой части.
• Три наиболее распространенных типа композиционного баланса: симметричный, асимметричный и радиальный.
• При балансировке композиция выглядит стабильной и визуально правильной. Подобно тому, как симметрия относится к эстетическим предпочтениям и отражает интуитивное ощущение того, как вещи «должны» выглядеть, общий баланс данной композиции способствует внешним суждениям о работе.

Ключевые термины

• радиальный : расположены как лучи, исходящие от общего центра или сходящиеся к нему.
• симметрия : точное соответствие по обе стороны от разделительной линии, плоскости, центра или оси. Удовлетворительное расположение сбалансированного распределения элементов целого.
• асимметрия : Отсутствие симметрии или пропорции между частями предмета, особенно недостаток двусторонней симметрии. Отсутствие общей меры между двумя объектами или величинами; Несоизмеримость. То, что делает что-то несимметричным.

Композиционный баланс относится к размещению элементов искусства (цвета, формы, линии, формы, пространства, текстуры и значения) по отношению друг к другу.В сбалансированном состоянии композиция выглядит более устойчивой и визуально приятной. Подобно тому, как симметрия относится к эстетическим предпочтениям и отражает интуитивное ощущение того, как вещи «должны» выглядеть, общий баланс данной композиции способствует внешним суждениям о работе.

Создание гармоничного композиционного баланса включает в себя такую ​​аранжировку элементов, чтобы ни одна часть произведения не подавляла и не казалась тяжелее любой другой части. Три наиболее распространенных типа композиционного баланса — симметричный, асимметричный и радиальный.

Композиционные весы : Три распространенных типа весов — симметричные, асимметричные и радиальные.

Симметричный баланс является наиболее стабильным в визуальном смысле и обычно передает ощущение гармоничной или эстетически приятной пропорциональности. Когда обе стороны произведения искусства по обе стороны от горизонтальной или вертикальной оси плоскости изображения одинаковы с точки зрения ощущения, которое создается расположением элементов искусства, считается, что произведение демонстрирует этот тип баланса.Противоположностью симметрии является асимметрия.

Леонардо да Винчи, Витрувианский человек , 1487 : Леонардо да Винчи Витрувианский человек часто используется как представление симметрии в человеческом теле и, в более широком смысле, в естественной вселенной.

Асимметрия определяется как отсутствие или нарушение принципов симметрии. Примеры асимметрии часто встречаются в архитектуре. Хотя досовременные архитектурные стили имели тенденцию делать акцент на симметрии (за исключением тех случаев, когда экстремальные условия местности или исторические события уводят от этого классического идеала), современные и постмодернистские архитекторы часто использовали асимметрию в качестве элемента дизайна.Например, в то время как большинство мостов имеют симметричную форму из-за внутренней простоты проектирования, анализа, изготовления и экономичного использования материалов, ряд современных мостов намеренно отошли от этого, либо в ответ на соображения, связанные с конкретным местом, либо чтобы создать эффектный дизайн. .

Мост через залив Окленд : Замена восточного пролета моста Сан-Франциско-Окленд через залив отражает асимметричный архитектурный дизайн.

Радиальный баланс относится к круглым элементам в композициях.В классической геометрии радиус круга или сферы — это любой отрезок прямой от центра до периметра. В более широком смысле радиус круга или сферы — это длина любого такого сегмента, составляющая половину диаметра. Радиус может быть больше половины диаметра, который обычно определяется как максимальное расстояние между любыми двумя точками фигуры. Внутренний радиус геометрической фигуры — это обычно радиус самого большого круга или сферы, содержащейся в ней. Внутренний радиус кольца, трубки или другого полого предмета — это радиус его полости.Название «радиальный» или «радиус» происходит от латинского radius , что означает «луч», а также спица колеса круговой колесницы.

Ритм

Художники используют ритм как инструмент, чтобы направлять взгляд зрителя через произведения искусства.

Задачи обучения

Распознавать и интерпретировать использование ритма в произведении искусства

Основные выводы

Ключевые точки

• Ритм в целом можно определить как «движение, отмеченное регулируемой последовательностью сильных и слабых элементов или противоположных или различных состояний» (Anon.1971).
• Ритм может также относиться к визуальному представлению как «синхронизированное движение в пространстве» (Jirousek 1995), а общий язык паттернов объединяет ритм с геометрией.
• Например, размещение красной спирали в нижнем левом и верхнем правом углу, например, заставит глаз перемещаться от одной спирали к другой и всему, что находится между ними. Он указывает на движение в произведении посредством повторения элементов и, следовательно, может сделать произведение искусства более активным.

Ключевые термины

• симметрия : точное соответствие по обе стороны от разделительной линии, плоскости, центра или оси.Удовлетворительное расположение сбалансированного распределения элементов целого.

Принципы изобразительного искусства — это правила, инструменты и рекомендации, которые художники используют для организации элементов в произведении искусства. Когда принципы и элементы удачно сочетаются, они помогают создать эстетически приятное или интересное произведение искусства. Хотя между ними есть некоторые вариации, движение, единство, гармония, разнообразие, баланс, ритм, акцент, контраст, пропорции и узор обычно считаются принципами искусства.

(от греческого ритм , «любое регулярное повторяющееся движение, симметрия» (Liddell and Scott 1996)) можно в целом определить как «движение, отмеченное регулируемой последовательностью сильных и слабых элементов, либо противоположных, либо различных состояний». (Аноним. 1971). Это общее значение регулярной повторяемости или закономерности во времени может быть применено к широкому спектру циклических природных явлений, имеющих периодичность или частоту от микросекунд до миллионов лет. В исполнительском искусстве ритм — это хронометраж событий в человеческом масштабе, музыкальных звуков и тишины, шагов танца или метра разговорной речи и поэзии.Ритм может также относиться к визуальному представлению, как «синхронизированное движение в пространстве» (Jirousek 1995), а общий язык паттернов объединяет ритм с геометрией.

В визуальной композиции узор и ритм обычно выражаются согласованностью цветов или линий. Например, размещение красной спирали слева внизу и справа вверху заставит глаз перемещаться от одной спирали к другой, а затем к промежутку между ними. Повторение элементов создает движение глаза зрителя и, следовательно, может сделать произведение активным.Картина Хильмы аф Клинт Svanen (Лебедь) иллюстрирует визуальное представление ритма с использованием цвета и симметрии.

Хильма аф Клинт, Сванен (Лебедь) , 1914 : Цвет и симметрия работают вместе в этой картине, чтобы направлять взгляд зрителя в определенном визуальном ритме.

Пропорции и масштаб

Пропорция — это мера размера и количества элементов в композиции.

Задачи обучения

Применение концепции пропорции к разным произведениям искусства

Основные выводы

Ключевые точки

• Иерархическая пропорция — это техника, используемая в искусстве, в основном в скульптуре и живописи, в которой художник использует неестественные пропорции или масштаб, чтобы показать относительную важность фигур в произведении искусства.
• Математически пропорция — это отношение между элементами и целым. В архитектуре целое — это не просто здание, а обстановка и обстановка участка.
• Среди различных древних художественных традиций гармоничные пропорции, человеческие пропорции, космические ориентации, различные аспекты сакральной геометрии и небольшие целочисленные отношения применялись как часть практики архитектурного дизайна.

Ключевые термины

• золотое сечение : Иррациональное число (приблизительно 1 · 618), обычно обозначаемое греческой буквой φ (фи), которое равно сумме собственной обратной величины и 1, или, что то же самое, такое, что отношение 1 к числу равно отношению его обратной единицы к 1.Некоторые художники и архитекторы двадцатого века составили пропорции своих работ, чтобы приблизиться к этому, особенно в форме золотого прямоугольника, в котором отношение длинной стороны к короткой равно этому числу, полагая, что эта пропорция эстетически приятна.

Пропорция — это мера размера и количества элементов в композиции. Иерархическая пропорция — это техника, используемая в искусстве, в основном в скульптуре и живописи, в которой художник использует неестественные пропорции или масштаб, чтобы показать относительную важность фигур в произведении искусства.Например, в древнеегипетском искусстве боги и важные политические фигуры кажутся намного крупнее обычных людей. Начиная с эпохи Возрождения, художники осознали связь между пропорцией и перспективой и иллюзией трехмерного пространства. Изображения человеческого тела в преувеличенных пропорциях использовались для изображения реальности, которую интерпретировал художник.

Изображение Нармера из палитры Нармера : Нармер, додинастический правитель, в сопровождении людей, несущих знамена различных местных богов.Это произведение демонстрирует использование пропорций древними египтянами, при этом Нармер кажется больше, чем другие изображенные фигуры.

Математически пропорция — это отношение между элементами и целым. В архитектуре целое — это не просто здание, а обстановка и обстановка участка. Вещи, которые делают здание и его участок «правильным», включают все, от ориентации участка и построек на нем до особенностей территории, на которой оно расположено. Свет, тень, ветер, высота и выбор материалов относятся к стандарту архитектурных пропорций.

часто используются пропорциональные системы для создания или ограничения форм, которые считаются подходящими для включения в здание. Практически в каждой строительной традиции существует система математических отношений, которая регулирует отношения между аспектами дизайна. Эти системы пропорций часто довольно просты: целочисленные отношения или несоизмеримые отношения (например, золотое сечение) определялись с использованием геометрических методов. Как правило, цель пропорциональной системы — создать ощущение согласованности и гармонии между элементами здания.

Среди различных древних художественных традиций гармонические пропорции, человеческие пропорции, космические ориентации, различные аспекты сакральной геометрии и малые целочисленные отношения применялись как часть практики архитектурного дизайна. Например, все греческие классические архитектурные порядки являются пропорциональными, а не размерными или измеренными модулями, потому что самые ранние модули основывались не на частях тела и их размахе (пальцы, ладони, кисти и ступни), а на диаметрах колонн и ширине. аркад и окон.

Храм Портана : Греческий храм Портана является примером классической греческой архитектуры с четырехстильным портиком из четырех ионических колонн.

Как правило, один набор модулей диаметра колонн, используемых египтянами и римлянами для корпусных и архитектурных карнизов, основан на пропорциях ладони и пальца, в то время как другой менее деликатный модуль используется для отделки дверей и окон, плитки и кровли. в Месопотамии и Греции — на основе пропорций кисти и большого пальца.

Еще у пифагорейцев была идея, что пропорции должны быть связаны со стандартами, и что чем более общие и шаблонные стандарты, тем лучше. Эта концепция — красота и элегантность, подтверждаемые умелым составом хорошо понятных элементов — лежит в основе математики, искусства и архитектуры. Классические стандарты представляют собой серию парных противоположностей, разработанных для расширения размерных ограничений гармонии и пропорции.

Космос

Пространство в искусстве можно определить как область, которая существует между двумя идентифицируемыми точками.

Задачи обучения

Определите пространство в искусстве и укажите способы его использования художниками

Основные выводы

Ключевые точки

• Организация пространства называется композицией и является важным компонентом любого произведения искусства.
• Пространство художественного произведения включает фон, передний план и средний план, а также расстояние между предметами, вокруг них и внутри них.
• Есть два типа пространства: положительное пространство и отрицательное пространство.
• После сотен лет разработки линейной перспективы западные художественные представления о точном изображении пространства претерпели радикальные изменения в начале 20 века.
• Кубизм и последующие модернистские движения представляют собой важный сдвиг в использовании пространства в западном искусстве, который все еще ощущается сегодня.

Ключевые термины

• пробел : расстояние или пустое пространство между объектами.
• Кубизм : Художественное направление начала 20 века, характеризующееся изображением естественных форм как геометрических структур плоскостей.

Организация пространства в искусстве называется композицией и является важным компонентом любого произведения искусства. Пространство в целом можно определить как область, которая существует между любыми двумя идентифицируемыми точками.

Пространство воспринимается по-разному в каждой среде. Пространство в картине, например, включает фон, передний план и средний план, в то время как трехмерное пространство, такое как скульптура или инсталляция, будет включать расстояние между точками произведения, вокруг и внутри него.Далее пространство подразделяется на положительное и отрицательное. «Позитивное пространство» можно определить как предмет художественного произведения, а «отрицательное пространство» можно определить как пространство вокруг предмета.

На протяжении веков пространство создавалось по-разному. Художники много времени посвятили экспериментам с перспективой и степенью плоскостности живописной плоскости.

Система перспективы была широко распространена в западном искусстве. Визуально это иллюзионистский феномен, хорошо подходящий для реализма и изображения реальности такой, какой она есть.Потратив сотни лет на разработку линейной перспективы, западные художественные представления о точном изображении пространства претерпели радикальные изменения в начале 20-го века. Нововведения кубизма и последующих модернистских движений представляют собой важный сдвиг в использовании пространства в западном искусстве, влияние которого ощущается до сих пор.

Пабло Пикассо, Les Demoiselles d’Avignon , 1907 : Les Demoiselles d’Avignon — это образец искусства кубизма, которое имеет тенденцию сглаживать плоскость изображения, а использование абстрактных форм и неправильных форм предполагает несколько точек зрения на одном изображении.

Двумерное пространство

Двумерное или двумерное пространство — это геометрическая модель плоской проекции физической вселенной, в которой мы живем.

Задачи обучения

Обсудить двумерное пространство в искусстве и физические свойства, на которых оно основано.

Основные выводы

Ключевые точки

• С физической точки зрения, измерение относится к составной структуре всего пространства и его положению во времени.
• Рисование — это форма визуального искусства, в которой используется любое количество инструментов для отметки двухмерного носителя.
• Практически любую размерную форму можно представить в виде некоторой комбинации куба, сферы, цилиндра и конуса. После того, как эти основные формы собраны в подобие, рисунок может быть улучшен до более точной и отшлифованной формы.

Ключевые термины

• измерение : Отдельный аспект данной вещи. Мера пространственной протяженности в определенном направлении, например высота, ширина или ширина или глубина.
• Двумерный : Существуют в двух измерениях.Не создает иллюзии глубины.
• Planar : относится к самолету или относится к нему. Плоский, двухмерный.

Двумерное или двумерное пространство — это геометрическая модель плоской проекции физической вселенной, в которой мы живем. Эти два измерения обычно называют длиной и шириной. Оба направления лежат в одной плоскости. В физике наше двумерное пространство рассматривается как плоское представление пространства, в котором мы движемся.

Математическое изображение двумерного пространства : Двумерная декартова система координат.

В художественной композиции рисунок — это форма визуального искусства, в которой используется любое количество инструментов для рисования для обозначения двухмерной среды (что означает, что объект не имеет глубины). Одно из самых простых и эффективных средств передачи визуальных идей, среда была популярным и фундаментальным средством публичного выражения на протяжении всей истории человечества. Кроме того, относительная доступность основных инструментов для рисования делает рисование более универсальным, чем большинство других средств массовой информации.

Измерение размеров объекта при блокировке на чертеже — важный шаг в создании реалистичного изображения объекта.Для измерения углов с разных сторон можно использовать такие инструменты, как компас. Эти углы можно воспроизвести на поверхности чертежа, а затем перепроверить, чтобы убедиться, что они точны. Другой способ измерения — это сравнение относительных размеров различных частей объекта друг с другом. Палец, помещенный в точку вдоль инструмента для рисования, можно использовать для сравнения этого размера с другими частями изображения. Линейку можно использовать как линейку, так и как устройство для вычисления пропорций. При попытке нарисовать сложную форму, такую ​​как фигура человека, полезно сначала представить форму с помощью набора примитивных форм.

Практически любую размерную форму можно представить в виде некоторой комбинации куба, сферы, цилиндра и конуса. После того, как эти основные формы собраны в подобие, рисунок может быть улучшен до более точной и отшлифованной формы. Линии примитивных форм удаляются и заменяются окончательным подобием. Более изысканное искусство рисования фигур зависит от художника, обладающего глубоким пониманием анатомии и человеческих пропорций. Опытный художник знаком со структурой скелета, расположением суставов, размещением мышц, движением сухожилий и тем, как различные части работают вместе во время движения.Это позволяет художнику создавать более естественные позы, которые не кажутся искусственно жесткими. Художник также знаком с тем, как меняются пропорции в зависимости от возраста объекта, особенно при рисовании портрета.

Рисование человеческих фигур : Анри де Тулуз-Лотрек Мадам Пальмира с собакой , 1897.

Линейная перспектива и трехмерное пространство

Перспектива — это приблизительное представление на плоской поверхности изображения, видимого глазом.

Задачи обучения

Объясните перспективу и ее влияние на художественную композицию

Основные выводы

Ключевые точки

• Считается, что систематические попытки разработать систему перспективы начались примерно в V веке до нашей эры. в искусстве Древней Греции.
• Самые ранние художественные картины и рисунки обычно имели размеры объектов и персонажей иерархически в соответствии с их духовной или тематической важностью, а не их расстоянием от зрителя.
• В средневековой Европе использование и изощренность попыток передать расстояние неуклонно росли, но без систематической теории.
• В эпоху Возрождения почти каждый художник в Италии использовал геометрическую перспективу в своих картинах, как для изображения глубины, так и в качестве нового и «актуального» композиционного метода.

Ключевые термины

• криволинейный : имеющий изгибы; изогнутый; образованы изогнутыми линиями.
• линия горизонта : Горизонтальная линия на перспективном рисунке, расположенная прямо напротив глаза зрителя и часто подразумеваемая, которая представляет объекты бесконечно далекие и определяет угол или перспективу, с которой зритель видит произведение.
• точка схода : точка на перспективном чертеже, в которой параллельные линии, удаляющиеся от наблюдателя, кажутся сходящимися.
• Перспектива : Техника представления трехмерных объектов на двумерной поверхности.

В искусстве перспектива — это приблизительное представление на плоской поверхности изображения, видимое глазом, вычисленное путем предположения конкретной точки схода. Обычно считается, что систематические попытки разработать систему перспективы в искусстве Древней Греции начались примерно в V веке до нашей эры.В более поздние периоды античности художники — особенно представители менее популярных традиций — были хорошо осведомлены о том, что далекие объекты можно показывать меньшими, чем те, которые находятся под рукой, для усиления иллюзионизма. Но действительно ли это соглашение использовалось в работе, зависело от многих факторов. Некоторые из картин, найденных в руинах Помпеи, демонстрируют замечательный для своего времени реализм и перспективу.

Самые ранние художественные картины и рисунки обычно имели размеры объектов и персонажей иерархически в соответствии с их духовной или тематической важностью, а не их расстоянием от зрителя.Наиболее важные фигуры часто показаны как самые высокие в композиции, также из иератических мотивов, что приводит к «вертикальной перспективе», обычной в искусстве Древнего Египта, где группа «более близких» фигур показана под большей фигурой (s ).

В искусстве периода миграции не было традиции попыток составить большое количество фигур, а искусство раннего средневековья было медленным и непоследовательным в переучивании условностей из классических моделей, хотя этот процесс можно наблюдать в искусстве Каролингов.Европейские средневековые художники знали об общем принципе изменения относительного размера элементов в зависимости от расстояния, а использование и изощренность попыток передать расстояние неуклонно увеличивались в течение периода, но без основы в систематической теории.

Однако в эпоху Возрождения почти каждый художник в Италии использовал геометрическую перспективу в своих картинах. Использование перспективы было не только способом изобразить глубину, но и новым методом создания картины.Картины стали изображать одну единую сцену, а не комбинацию нескольких. Какое-то время перспектива оставалась прерогативой Флоренции. Постепенно, отчасти благодаря движению академий искусств, итальянские техники стали частью обучения художников по всей Европе, а позже и в других частях мира.

Перспектива в живописи эпохи Возрождения : Использование перспективы Пьетро Перуджино на этой фреске в Сикстинской капелле (1481–1482 гг.) Помогло перенести эпоху Возрождения в Рим.

Чертеж имеет одноточечную перспективу, если он содержит только одну точку схода на линии горизонта. Этот тип перспективы обычно используется для изображений дорог, железнодорожных путей, коридоров или зданий, просматриваемых так, чтобы передняя часть смотрела прямо на зрителя. Любые объекты, состоящие из линий, либо непосредственно параллельных линии взгляда зрителя, либо перпендикулярных прямой (железнодорожные рейки), могут быть представлены в одноточечной перспективе. Эти параллельные линии сходятся в точке схода.

Двухточечная перспектива может использоваться для рисования тех же объектов, что и одноточечная перспектива, но с поворотом — например, если смотреть на угол дома или смотреть на две раздвоенные дороги, уходящие вдаль. Например, если смотреть на дом из угла, одна стена отступит к одной точке схода, а другая стена отступит к противоположной точке схода.

Трехточечная перспектива используется для зданий, изображенных сверху или снизу. В дополнение к двум точкам схода, по одной для каждой стены, теперь есть третья, указывающая, как эти стены уходят в землю.Эта третья точка схода будет под землей.

Четырехточечная перспектива — криволинейный вариант двухточечной перспективы. Получившийся удлиненный каркас можно использовать как по горизонтали, так и по вертикали. Как и все другие варианты перспективы в ракурсе, четырехточечная перспектива начинается с линии горизонта, за которой следуют четыре равноотстоящих точки схода, очерчивающие четыре вертикальные линии. Поскольку точки схода существуют только тогда, когда в сцене присутствуют параллельные линии, перспектива без точек схода («нулевая точка») возникает, если зритель наблюдает непрямолинейную сцену.Наиболее распространенный пример нелинейной сцены — это естественная сцена (например, горный хребет), которая часто не содержит параллельных линий. Перспектива без точек схода может создать ощущение глубины.

Искажения пространства и ракурса

Искажение используется для создания различных изображений пространства в двумерных произведениях искусства.

Задачи обучения

Определите, как искажение используется и как его избегают в произведениях искусства

Основные выводы

Ключевые точки

• Искажение проекции перспективы — это неизбежное искажение трехмерного пространства при его рисовании или «проецировании» на двумерную поверхность.Невозможно точно изобразить трехмерную реальность на двухмерной плоскости.
• Однако есть несколько доступных конструкций, которые позволяют, казалось бы, точное представление. Перспективную проекцию можно использовать для отражения того, как видит глаз, с помощью одной или нескольких точек схода.
• Хотя искажения могут быть нерегулярными или следовать множеству шаблонов, наиболее часто встречающиеся искажения в композиции, особенно в фотографии, являются радиально-симметричными или приблизительно такими же, возникающими из-за симметрии фотографического объектива.

Ключевые термины

• радиальный : расположены как лучи, исходящие из общего центра или сходящиеся в нем
• проекция : изображение, которое полупрозрачный объект отбрасывает на другой объект.
• ракурс : метод создания внешнего вида, что объект рисунка расширяется в пространство, путем укорачивания линий, с помощью которых этот объект нарисован.

Искажение — это изменение исходной формы (или другой характеристики) объекта, изображения, звука или другой формы информации или представления.Художник может хотеть или нежелать искажения. Искажения обычно нежелательны, когда речь идет о физической деградации произведения. Однако его чаще называют перспективой, где он используется для создания реалистичных представлений пространства в двумерных произведениях искусства.

Искажение проекции перспективы

Искажение проекции перспективы — это неизбежное искажение трехмерного пространства при его рисовании или «проецировании» на двухмерную поверхность.Невозможно точно изобразить трехмерную реальность на двухмерной плоскости. Однако есть несколько доступных конструкций, которые позволяют, казалось бы, точное представление. Самый распространенный из них — перспективная проекция. Перспективную проекцию можно использовать для отражения того, как видит глаз, используя одну или несколько точек схода.

Джотто, Оплакивание (Оплакивание Христа) , 1305–1306 : Джотто — один из самых известных художников до Возрождения, который распознавал искажения на двухмерных плоскостях.

ракурс

Ракурс — это визуальный эффект или оптическая иллюзия, при которой объект или расстояние кажутся короче, чем они есть на самом деле, потому что они расположены под углом к ​​зрителю. Хотя ракурс является важным элементом в искусстве, где изображается визуальная перспектива, ракурс встречается в других типах двумерных представлений трехмерных сцен, таких как наклонные параллельные проекционные рисунки.

Физиологическая основа зрительного ракурса не была определена до 1000 года, когда арабский математик и философ Альхазен в своей книге Perspectiva впервые объяснил, что свет конусно проецируется в глаз.Метод для систематического изображения укороченной геометрии на плоской поверхности был неизвестен в течение следующих 300 лет. Художник Джотто, возможно, был первым, кто осознал, что изображение, видимое глазом, искажено: глазу параллельные линии кажутся пересекающимися (как далекие края тропинки или дороги), тогда как в «неискаженной» природе они пересекаются. нет. Во многих картинах Джотто перспектива используется для достижения различных эффектов искажения.

Ракурс : Эта картина иллюстрирует использование Мелоццо да Форли ракурса вверх в своих фресках в Базилике делла Санта-Каса.

Искажения на фотографии

В фотографии механизм проецирования — это свет, отраженный от объекта. Чтобы выполнить рисунок с использованием перспективной проекции, проекторы исходят из всех точек объекта и пересекаются в точке станции. Эти проекторы пересекаются с воображаемой плоскостью проекции, и изображение создается на плоскости по точкам пересечения. Результирующее изображение на плоскости проекции воспроизводит изображение объекта, наблюдаемое с точки станции.

Радиальное искажение обычно можно разделить на два основных типа: бочкообразное искажение и подушкообразное искажение. Бочкообразное искажение возникает, когда увеличение изображения уменьшается по мере удаления от оптической оси. Очевидный эффект — это изображение, нанесенное на сферу (или бочку). Линзы «рыбий глаз», которые принимают полусферические виды, используют этот тип искажения как способ сопоставления бесконечно широкой плоскости объекта с конечной областью изображения.

С другой стороны, при подушкообразном искажении увеличение изображения увеличивается с увеличением расстояния от оптической оси.Видимый эффект заключается в том, что линии, которые не проходят через центр изображения, изгибаются внутрь, к центру изображения, как подушечка для иголок. Определенное количество подушкообразных искажений часто обнаруживается с помощью оптических инструментов (например, биноклей), где они служат для устранения эффекта глобуса.

Цилиндрическая перспектива — это форма искажения, вызванная «рыбьим глазом» и панорамными линзами, которые воспроизводят прямые горизонтальные линии выше и ниже уровня оси линзы как изогнутые, а прямые горизонтальные линии на уровне оси линзы как прямые.Это также общая черта широкоугольных анаморфных объективов с фокусным расстоянием менее 40 мм в кинематографии. По сути, это просто бочкообразное искажение, но только в горизонтальной плоскости. Это артефакт процесса сжатия, который делают анаморфные линзы, чтобы уместить широкоэкранные изображения на пленку стандартной ширины.

10 фактов о Фернандо Ботеро

• 1
• Художник Фернандо Ботеро начал жизнь нелегко

Ботеро родился в 1932 году в Медельине, Колумбия.Расположенный в долине горного хребта Анд, Медельин в то время был относительно небольшим и изолированным городом. Его отец, Дэвид, был коммивояжером, который внезапно скончался в возрасте 40 лет, оставив четырехлетнего Ботеро, двух его братьев и его мать, которая работала швеей, в нищете.

• 2
• Ботеро был зачислен на тренировку тореадора

Ботеро начал рисовать акварелью еще в раннем детстве.В 1944 году дядя, сыгравший важную роль в семейной жизни после смерти своего отца, записал его в школу тореадоров, только чтобы понять, что его племянник больше интересовался рисованием и раскрашиванием быков, чем борьбой с ними. Первые работы Ботеро — акварели с быками и матадорами — продавал человек, торгующий билетами на корриду. В 1948 году, когда ему было всего 16 лет, его первые иллюстрации были опубликованы в одной из самых важных газет Медельина. Три года спустя у него состоялась его первая персональная выставка в Боготе.

• 3
• Изучение старых мастеров стало настоящим открытием для искусства Ботеро.

В возрасте 20 лет, выиграв вторую премию в Боготе в Национальном салоне художников, Ботеро забронировал поездку на лодке в Европу, путешествуя с группой других художников.В течение года в Мадриде он целыми днями копировал старых мастеров Прадо. Затем он переехал в Париж, а затем во Флоренцию, чтобы изучать мастеров итальянского Возрождения. Это был период откровений для художника, который раньше видел европейское искусство только через репродукции. Хотя Ботеро в эти ранние годы несколько раз учился в художественных школах, он считает себя в основном самоучкой.

• 4
• Момент «эврики» Ботеро наступил с мандолиной.

Раннее художественное вдохновение Ботеро пришло как из Латинской Америки, так и из Европы.Мексиканские художники-монументалисты, а также испанские мастера Пабло Пикассо и Хуан Грис были среди тех, кто первым пробудил творческое воображение Ботеро. В отличие от Пикассо, чей кубистический прорыв произошел после экспериментов с конструкцией гитары, Ботеро имел свой художественный момент «эврики» с мандолиной. В 1956 году, когда он жил в Мехико, Ботеро нарисовал мандолину с необычно крошечным звуковым отверстием, что позволило инструменту внезапно принять преувеличенные пропорции. (Аналогичная работа примерно того же времени была продана на Christie’s в 2019 году.Так началось исследование объема художником на протяжении всей его жизни.

• 5
• Ботеро не рисует «толстых людей» — он рисует объем

Ботеро известен во всем мире своим неповторимым стилем, включающим округлые, причудливые фигуры и предметы, часто пропитанные тонкой сатирой.Управляя пространством и перспективой, он обращает внимание на монументальность своих фигур, показывая их в пространствах, которые кажутся слишком маленькими, чтобы их вместить. Он оставался непреклонным в том, что не рисует «толстых людей»; он настаивает на том, что он пишет «объем» и «чувственность формы». Он исследовал объем и чувственность форм в таких разнообразных предметах, как цирк, переосмысление старых мастеров, обнаженные натуры, латиноамериканские уличные сцены, домашняя жизнь, бордели и портреты политических деятелей.

• 6
• Ботеро собрал и подарил сотни произведений искусства.

В период с 1990 по 2000 год Ботеро пожертвовал более 300 работ, как своих собственных, так и произведений европейских мастеров XIX и XX веков, Музею Антиокии в Медельине, а также Банку Республики в Боготе.Последняя коллекция стала основой того, что сейчас является Музеем Ботеро.

• 7
• Террористы взорвали скульптуру Ботеро

В 1994 году Ботеро стал жертвой неудавшегося похищения, а в 1995 году террористическая группа заложила бомбу под его скульптурой Пахаро (Птица), которую он подарил городу Медельин.В результате теракта, произошедшего во время музыкального фестиваля, 23 человека погибли и еще 200 получили ранения. В ответ Ботеро подарил Медельину скульптуру La Paloma de la Paz (Голубь мира), которая установлена ​​рядом с искореженными останками более ранней работы.

• 8
• Искусство Ботеро может быть политически заряженным

Хотя Ботеро утверждал, что «искусство должно быть оазисом, убежищем от жестокости жизни», его работы иногда носят ярко выраженный политический характер.Начиная с 1990-х, он написал серию, посвященную насилию, связанному с наркотиками в Колумбии. Одна картина, Смерть Пабло Эскобара , изображает колумбийского наркобарона, застреленного полицией. Объясняя свой ответ на насилие над наркотиками в его стране в 2000 году, Ботеро заявил: «Колумбийская драма настолько непропорциональна, что сегодня нельзя игнорировать насилие, тысячи перемещенных и мертвых, процессии гробов. Вопреки всем моим принципам мне пришлось рисовать [насилие] ». Позже он выпустил свою серию« Абу-Грейб », сосредоточив внимание на сообщениях о пытках иракских заключенных.

• 9
• Скульптуры Ботеро украшают общественные места по всему миру.

Наряду с многочисленными скульптурами Ботеро, которые можно увидеть в его родном Медельине, монументальные произведения художника можно увидеть на улицах Нью-Йорка, Парижа, Барселоны, Мадрида, Иерусалима, Бамберга в Германии и Еревана в Армении.Ретроспектива 2015 года, которая началась в Пекине и перешла в Шанхай, свидетельствует о поистине международной привлекательности его работ.

• 10
• Он не показывает никаких признаков замедления

Сейчас, за восемьдесят, художник, который более 40 лет женат на Софии Вари, греческом скульпторе и дизайнере ювелирных украшений, продолжает неустанно работать.Спрос на картины и скульптуры Ботеро остается высоким, о чем свидетельствуют недавние цены на работы Ботеро, проданные на Christie’s.

NFT: Правовые риски от «чеканки» предметов искусства и коллекционирования на блокчейне | Куинн Эмануэль Уркхарт и Салливан, ТОО

Наша фирма представляет интересы клиентов в некоторых из самых значительных мировых споров, касающихся блокчейна, криптовалюты, фильмов, музыки и произведений искусства, и внимательно следит за экспоненциальным ростом рынка произведений искусства и предметов коллекционирования с невзаимозаменяемыми токенами (NFT).В этой статье обсуждаются возможные юридические проблемы в космосе.

Что такое NFT?

NFT — это цифровой файл в цепочке блоков, который показывает, кому принадлежит уникальный фрагмент цифрового контента. [1] Теоретически любой цифровой контент можно чеканить в NFT: фотографии и другие произведения цифрового искусства, песни, твиты и даже мемы. NFT основных видеороликов игроков НБА продаются через онлайн-торговую площадку «Top Shots». NFT также можно использовать для предметов, которые существуют только в видеоиграх (например, скины редких персонажей или одежду, которую можно носить в Fortnite или Pokemon Go).Для целей данного обсуждения каждое из них считается произведением искусства.

NFT не являются взаимозаменяемыми, поскольку в отличие от других криптовалют, таких как токены Bitcoin или Ether, NFT не взаимозаменяемы. Скорее, NFT уникальны, хотя для продажи может быть доступно несколько «изданий» определенных произведений искусства или коллекционирования, каждое из которых подтверждается собственным NFT.

Важное различие между традиционными произведениями искусства и произведениями, подтвержденными и проданными с использованием NFT, заключается в том, что «произведение» должно быть либо произведением, созданным на цифровом носителе (например, цифровым коллажем, который художник Бипл недавно продал за 69 миллионов долларов). или цифровое изображение физического произведения (например, картины или скульптуры).Ожидайте появления новых форм. Nike запатентовала систему, в которой покупатель приобретает виртуальную версию обуви. Таким образом, NFT может быть привязан к физическому объекту, но это не сам объект.

Когда кто-то «чеканит» NFT, он создает файл, который живет в цепочке блоков, и его нельзя редактировать или удалять. Поскольку файл существует в цепочке блоков, его можно просматривать публично, что означает, что происхождение элемента является общедоступным и поддающимся проверке. Обычно NFT чеканятся на блокчейне Ethereum, хотя NFT также могут чекаться в других системах блокчейнов (например, NFT Top Shot чеканятся в блокчейне Flow).

NFT впервые получили внимание в рамках кратковременного увлечения CrypoKitties в 2017 году, которое позволило покупателям покупать и обменивать цифровые версии котят. Рынок цифровых котят резко вырос для некоторых редких предметов, а затем быстро сошел на нет, но NFT остались, и их использование в последнее время резко возросло. Некоторые в области криптовалюты и искусства указали на NFT как на революцию в торговле и искусстве. Другие отрасли, от НБА до производителей кроссовок, также обратили на это внимание.Марк Кьюбан, например, как сообщается, недавно сказал USA Today, что NFT «могут превратиться в 3 основных источника доходов НБА в течение следующих 10 лет».

Важно отметить, что NFT могут включать смарт-контракты, которые могут определять права покупателя и продавца и, в отличие от большинства традиционных продаж произведений искусства в США, могут требовать, чтобы создатель или первый продавец NFT получал определенный процент от перепродажи NFT. , по раз работа перепродана. Для продажи и перепродажи NFT возникли торговые площадки, включая Rarible, OpenSea, SuperRare и Nifty Gateway.Степень существования вторичного рынка зависит от товара и его популярности.

NFT и Art

Рост NFT в искусстве был вызван его уникальными качествами. NFT могут позволить художникам лучше монетизировать свою работу, продавая NFT напрямую в Интернете без посредников. Доступ к легкодоступному онлайн-рынку перепродажи также может означать, что работы быстро приобретают ценность. И в отличие от традиционного арт-рынка США, художники могут извлечь выгоду из роста стоимости своей работы, включив комиссионные требования в смарт-контракты, сопровождающие NFT (например, рынок SuperRare NFT требует, чтобы создатели получали комиссию в размере 10%, когда произведения искусства продолжают поступать торговля на вторичном рынке).[2]

Некоторые надеются, что NFT откроют новый источник дохода для художников, включая недостаточно представленных художников, либо позволяя художникам, которые традиционно не продают в галереях, продавать напрямую покупателям в Интернете, либо разрешая художникам продавать что-то дополнительно к их материальным произведениям. Например, художник может продать NFT цифрового изображения картины или скульптуры одному покупателю, продав физическую работу другому покупателю, что дает художнику дополнительную возможность получать прибыль от работы.

NFT не лишены потенциальных минусов. Поскольку рынок NFT резко вырос, а покупатели проявили аппетит к хвастовству правами собственности на NFT, связанную с популярными или даже знаковыми произведениями, некоторые художники жаловались, что их работы были токенизированы в NFT без их разрешения. Многие предлагаемые к продаже NFT также основаны на других популярных произведениях, таких как персонажи комиксов, и некоторые ставят под сомнение степень, в которой чеканщик NFT получил прибыль от основной работы без разрешения соответствующего художника или правообладателя. .Многие критиковали NFT за огромное количество электроэнергии, потребляемой системой блокчейн.

В то время как художники и другие люди обсуждают эти опасения, рынки NFT резко расширяются и дорожают, особенно в последние месяцы, с участием известных художников и музыкантов, технических лидеров и аукционных домов. Продажа на Christie цифрового коллажа, состоящего из 5000 работ художника, известного как Бипл (он же Марк Винклеманн), стала первой продажей Christie NFT и считается самой высокой ценой за все произведения искусства, которые существуют только в цифровом виде.(Это также было первым случаем, когда Christie’s принял криптовалюту Ether в качестве оплаты.)

Другие недавние громкие NFT включают 10 цифровых работ записывающего художника Граймса, в том числе видео, которое было продано почти за 389 000 долларов. По сообщениям, работы Граймса в целом были проданы примерно за 6 миллионов долларов, большая часть которых пришлась на две работы, разошедшиеся сотнями копий. В этом месяце группа Kings of Leon объявила, что будет продавать свой последний альбом в течение ограниченного периода — двух недель — за 50 долларов в виде набора из винилового альбома и NFT.По истечении двухнедельного периода «Короли Леона» больше не будут печатать копии. Также появился рынок твитов, оформленных как NFT, включая продажу в благотворительных целях снимка экрана первого твита Джека Дорси в 2006 году (торги за который, как сообщается, за несколько дней достигли 2,5 миллиона долларов).

Многие NFT были основаны на другой работе, которая уже существует в другой форме. Например, гравюра уличного художника Бэнкси, которая, как сообщается, была продана на Christie’s в декабре за 33000 долларов, была уничтожена пожаром на видео, а затем видео, как сообщается, было продано на торговой площадке OpenSea NFT более чем в 10 раз больше, чем покупатель заплатил за физический отпечаток. .Продавец утверждал, что после сжигания физического произведения искусства стоимость NFT больше не была привязана к физическому объекту, а находилась исключительно в NFT. Ряд других NFT, вдохновленных Бэнкси, также был продан, хотя Бэнкси сказал, что не имеет отношения к этим товарам или продажам.

Правовые вопросы, возникающие в связи с NFT и ст.

Потенциальные претензии держателей прав на базовые произведения

Художники уже дали понять в социальных сетях, что их работы были «отчеканены» в NFT и выставлены на продажу без их разрешения.На торговых площадках в Интернете, по-видимому, разработаны процедуры для устранения возможности нарушения (например, Условия обслуживания OpenSea приглашают правообладателей подавать жалобы и заявляют, что сайт «прекратит работу в ответ на официальные претензии о нарушении прав и прекратит доступ пользователя к Услуги, если будет установлено, что пользователь неоднократно нарушал авторские права ». [3]

Однако правообладатели могут обратиться в суд. Художник или другие правообладатели могут подать иск против продавцов или создателей NFT за нарушение авторских прав.Кто подаст в суд, будет зависеть от того, кому принадлежат авторские права: художник или владелец физического произведения. Если художник явно не передал авторские права кому-либо еще в подписанном письме, художник является лицом, имеющим право подать иск за нарушение права на подготовку производных работ, таких как цифровые изображения.

Проблема авторских прав может стать еще более сложной. Потенциальные претензии могут возникнуть, когда художники, которые изначально создавали произведение по соглашению о найме с кем-то еще, затем пытаются создать цифровые произведения на основе оригинальной работы с использованием NFT.Оригинальная работа может представлять собой работу по найму, как это определено в 17 U.S.C. § 101, и в этом случае работодатель (или заказчик), а не художник, владеет авторским правом и правом создавать на его основе производные работы. Это часто имеет место при создании персонажей комиксов и связанных с ними произведений искусства, кинофильмов и некоторой записанной музыки. В письме, опубликованном в нескольких СМИ на прошлой неделе, DC Comics предупредила своих фрилансеров не продавать NFT работ, основанных, например, на персонажах DC Comics.В зависимости от условий трудового договора артиста или внештатного контракта правообладатель может подавать иски о нарушении контракта. Это, вероятно, повлечет за собой вопросы защиты авторских прав.

Также будут споры о том, является ли NFT правомерным использованием. Некоторые из вопросов, которые необходимо решить, включают в себя вопрос о том, включает ли NFT творческое самовыражение, копирует ли физическое произведение целиком и может ли лишить правообладателя дохода от использования произведения.Но это не было проверено. Хотя, похоже, что ни один такой случай, касающийся продажи NFT в Соединенных Штатах, еще не решен, правообладатели могут утверждать, что такое присвоение их работы является нарушением авторских прав в соответствии с действующим законодательством. Такие споры будут основываться на стандарте добросовестного использования, сформулированном в таких делах, как Blanch v. Koons , 467 F.3d 244 (2d Cir. 2006).

Такие иски могут также включать сложные споры о том, нарушает ли NFT сама или в ее произведениях права, предоставленные художнику в соответствии с Законом о правах визуальных художников 1990 года, кодифицированным в разделе 106A Закона об авторском праве.Этот статут защищает права художников-художников на атрибуцию своих работ, защищает их от приписывания работ, которые они не создавали, и запрещает любое преднамеренное искажение, искажение или другие модификации любых произведений «признанного авторитета». Например, лица, которые сожгли отпечаток Бэнкси и отчеканили NFT видео, могут быть привлечены к ответственности. Они также могут утверждать, что они защищены защитой добросовестного использования, потому что они преобразовали работу Бэнкси в новую работу или что запись и создание видео представляли собой комментарий к основной работе Бэнкси.

Точно так же художники выразили озабоченность по поводу работ, которые кажутся очень похожими на их работы, даже если они не являются точными копиями. Это неудивительно, учитывая, что цифровые художники часто заимствуют из других источников для создания мемов и других работ. Например, на странице SuperRare с разъяснением авторских прав в Интернете отмечается: «Совершенно очевидно, что движение за крипто-искусство продолжило практику повторного присвоения неоригинального контента, часто с символической, преобразующей или достойной мемов целью». [4] Сайт предупреждает, что «[ Сторонники никогда не должны чеканить произведение, содержащее охраняемые авторским правом элементы чужой работы, если они не авторизованы владельцем авторских прав или не применяются действующие меры защиты добросовестного использования.[5] Как и в деле Cariou v. Prince , которое включало утверждения о том, что присвоенные работы художника Принса были слишком близки к лежащим в основе фотографиям Кариу, художники и другие правообладатели, чьи работы используются для создания аналогичных работ, также могут подать в суд на продавцов или создатели NFT на основании своих произведений за нарушение. Такие споры могут касаться, например, анимации других существующих произведений искусства или коллажей, включающих другие работы. Для определения того, являются ли такие работы NFT добросовестным использованием, потребуется «контекстно-зависимое исследование» установленных законом факторов добросовестного использования, включая рассмотрение того, является ли использование основной работы трансформирующим и есть ли у художника NFT «подлинное творческое обоснование для заимствование »основной работы. Бланч против Кунса , 461 F.3d 244, 251, 255 (2d Cir. 2006).

Права на имя и отображение представляют собой дополнительный набор прав, которые могут быть нарушены при создании и продаже NFT. Спортивные деятели, артисты-исполнители и актеры могли сохранить эти права и иметь возможность ссылаться на законодательные акты штата и общее право для получения судебных запретов и возмещения убытков против тех, кто создает и продает произведения, в которых их имя, изображение или голос используются без их согласия.

Потенциальные претензии покупателей NFT

Поскольку NFT — это едва развитая область торговли, возможно, что некоторые держатели NFT могут заявить, что неправильно поняли степень, в которой они приобрели права при покупке NFT.Объем приобретаемого может быть определен в контракте или условиях обслуживания торговой площадки. Но эти условия могут указывать (или не указывать), что другие могут по-прежнему иметь возможность загружать, просматривать или прослушивать работу, отчеканенную в NFT. Они также могут заявить (или не указать), что покупатель не может получить прибыль от использования лежащего в основе видеоклипа или изображения. Для многих продаж NFT покупатель не приобретает авторских прав на базовую работу. SuperRare, например, предупреждает, что покупатели не заинтересованы в авторском праве на лежащие в основе произведения искусства и что художники не теряют защиту авторских прав в отношении произведений при их продаже, если стороны явно не соглашаются в письменной форме выражать интерес в отношении авторских прав.[6] В зависимости от обстоятельств, условия могут также указывать, что другие версии или выпуски того же NFT могут быть проданы. Если покупатель считает, что объем того, что покупатель приобретал, не был полностью раскрыт или был искажен, и если стоимость упала, покупатель может подать иск о мошенничестве или потребовать расторжения договора. В зависимости от конкретных контрактов покупатель, который считает, что продавец NFT нарушает условия контракта, также может подать иск против продавца или создателя NFT.Например, если были проданы дополнительные копии произведения, хотя в контракте предусматривалось, что произведение должно быть ограниченным тиражом NFT, покупатель может подать на продавца в суд за нарушение контракта.

Покупатели NFT, которые утверждают, что были введены в заблуждение относительно того, покупают ли они у самого художника или покупают подлинные работы конкретного художника, также могут подать иски к продавцу за мошенничество или нарушение контракта. Хотя проверка блокчейна должна значительно снизить риски владения, связанные с покупкой конкретного NFT, она не обязательно устранит типичные проблемы подлинности, связанные с физическими произведениями искусства.Подделка физических произведений возможна, потому что талантливые подделки смогли воспроизвести внешний вид оригинальных работ художников; создатели цифровых технологий попытаются сделать то же самое с NFT. Например, NFT может изображать изображения определенного художника и продаваться как творение этого художника, даже если художник не участвовал в его создании и не разрешал использование изображений. Поэтому покупатели должны провести такую ​​же проверку подлинности и происхождения перед покупкой NFT, что и перед покупкой физического произведения искусства.

Учитывая быстро развивающийся рынок и высокие цены на недавние продажи NFT, покупатели также могут быть обеспокоены манипулированием рынком. «Чистая торговля» — это форма рыночных манипуляций, используемая на рынках взаимозаменяемых токенов, главным образом для увеличения предполагаемого объема торговли криптовалютной биржи, что делает ее более привлекательной для потенциальных трейдеров и пользователей. Как и на других рынках, рынки NFT могут пострадать от схем манипулирования, которые сфабриковывают предполагаемый спрос, что приводит к потенциальному мошенничеству и другим претензиям.

Чтобы защитить себя, покупатели, заинтересованные в выходе на рынок NFT, должны сначала ознакомиться с условиями того, что они покупают, и объемом того, что будет рассказано. Они также должны проявить как можно большую осмотрительность в отношении продавца и сайта. Это включает проверку Условий использования, которые часто могут включать положения об арбитраже.

Возможность взлома учетных записей и потери NFT в результате кражи также вызывает обеспокоенность. В выходные после широко разрекламированной Christie’s продажи работы Бипла пользователи Twitter начали твитнуть, что они потеряли NFT в своих учетных записях Nifty Gateway, а один пользователь Twitter заявил, что потерял коллекционных жетонов на сумму более 150 000 долларов.Nifty Gateway ответил в Твиттере, что его «анализ предыдущих событий по-прежнему показывает, что захват учетной записи был ограничен по влиянию, ни одна из затронутых учетных записей не была включена [двухфакторная аутентификация], и доступ был получен с использованием действительных учетных данных» [7]. Пользователи торговых площадок NFT должны ознакомиться с Условиями использования, чтобы оценить, какие варианты у них могут быть в случае взлома учетной записи и достаточно ли их.

Страхование также станет важным вопросом, особенно в случае взлома блокчейна.Любой покупатель NFT должен ознакомиться с соответствующими полисами страхования активов, такими как полисы страхования домовладельцев и изобразительного искусства, чтобы убедиться, что этот актив покрыт и не подлежит никаким исключениям. Также могут возникать споры с андеррайтером по поводу стоимости актива и того, является ли цена покупки достаточным доказательством страховой стоимости, учитывая незрелость рынка.

Нормативные проблемы с NFT

Несмотря на то, что NFT выходит за рамки данной статьи, они также вызывают вопросы регулирования.Продавцы и покупатели должны знать, что NFT могут подпадать под действие нормативных требований и торговых норм, законов о борьбе с отмыванием денег и взяточничества, а также других правил. Поскольку покупатель или продавец NFT может находиться в любой точке мира, участники рынка NFT должны оценить, соответствуют ли они не только законам США, но и другим глобальным и региональным законам. Сферы, которые следует учитывать, включают, могут ли заблокированные лица пытаться использовать NFT для уклонения от санкций. В октябре 2020 года Управление по контролю за иностранными активами (OFAC) выпустило консультативное предупреждение о том, что транзакции с дорогими произведениями искусства «могут играть роль в заблокированном доступе лиц к U.S. рынка и финансовой системы в нарушение правил OFAC »и заявив, что OFAC не считает, что исключение в отношении произведений искусства в« Поправке Бермана »к Закону о международных чрезвычайных экономических полномочиях (IEEPA) и Законе о торговле с врагами (TWEA)« разрешает [s] заблокировали лиц или их посредников с целью уклонения от санкций путем обмена финансовых активов, таких как наличные деньги, золото или криптовалюта, на дорогостоящие произведения искусства или наоборот ». [8]

Стороны транзакций также должны учитывать правила финансовой отчетности.В конце прошлого года Сеть по борьбе с финансовыми преступлениями (FinCEN) предложила правила для уточнения правил ведения учета и отчетности для финансовых учреждений в отношении криптовалюты, которые снизят порог отчетности с 3000 до 250 долларов для транзакций, которые начинаются или заканчиваются за пределами Соединенных Штатов [9]. 9 марта 2021 года FinCEN выпустил уведомление, в котором финансовые учреждения призывают сообщать о подозрительной деятельности, связанной с торговлей предметами старины и предметами искусства [10].

СНОСКИ:

1. Блокчейн — это список связанных записей, в котором каждый блок содержит криптографический хэш предыдущего блока, временную метку и данные транзакции.
2. https://help.superrare.co/en/articles/4792372-2-4-copvright-on-superrare (по состоянию на 18 марта 2020 г.).
3. Условия использования OpenSea, вступающие в силу 16 марта 2021 г., доступны по адресу https://oDensea.io/tos (последнее обращение 18 марта 2021 г.).
4. https://help.supeiTare.co/en/articles/4792372-2-4-copyright-on-sunerrare (последнее посещение — 18 марта 2020 г.).
5. ид.
6. https://help.supeiTare.co/en/articles/4792372-2-4-copvright-on-superrare (по состоянию на 18 марта 2021 г.).
7. https://twitter.eom/niftygateway/status/l 372533666207916039
8. https://home.treasury.gov/system/files/126/ofac_art_advisory_10302020.pdf.
9. https://liome.treasury.gov/news/press-releases/sm 1216; см. Также https://publicinspection.federalregister.gov/2020-28437.pdf; https://www.federalregister.gov/documents/2020/10/27/2020-23756/threshold-for-therequirement-to-collect-retain-and-transmit-information-on-funds-transfers-and.
10. https: // www. fmcen.gov/sites/default/files/2021 -03 / FinCEN% 20Notice% 20on% 20Antiquities% 20and% 20Art_508C.pdf.

Галерея Пола Брента

Пол Брент — художник из Флориды, чьи работы известны во всем мире. Его картины акварелью и маслом искусно изображают многие аспекты местности, запечатлевая врожденную красоту на бумаге и холсте. Он наиболее известен своими идиллическими акварельными красками прибрежной жизни и часто упоминается как самый известный прибрежный художник Америки.Его работа демонстрирует постоянный прогресс и изменения на протяжении всей его карьеры. Первыми произведениями искусства, которые он продал в 1976 году, были рисунки прибрежной дикой природы, выполненные пером и тушью, которые он подкрашивал легкой акварелью на доске для иллюстраций, а затем на 300-фунтовой акварельной бумаге. К 1978 году он отказался от пера и туши и делал более подробные и объемные картины на те же самые предметы в природе. Его картины по-прежнему использовали белую бумагу для большей части фона.

В 1982 году, после некоторых экспериментов, он запустил новый стиль, в котором использовался окрашенный размытый фон с каплями и брызгами акварели, которые стекали с области изображения.Он экспериментировал с добавлением текстуры и глубины акварели. Поверх этого рыхлого фона Пол Брент рисовал подробные, почти научные изображения тропических рыб, птиц, раковин и цветов наряду с геометрическими формами французских кривых, треугольников, кругов, а иногда и трехмерных форм. Это была смесь его архитектурного образования и акварельных техник, и он назвал этот стиль «Акварельный монтаж». Этот термин означает, что несколько несвязанных изображений и техник составлены вместе, но созданы на одном носителе.Композиция может выглядеть как коллаж, состоящий из серии склеенных изображений. По мере развития этого периода его работы становились более реалистичными, с меньшим количеством брызг и геометрических форм. Белый край бумаги остался, но вместо края капель он перешел к неровному краю, закрывавшему внутренний образ, нарисованный более глубоко. Изображение продолжилось за этот край и растеклось за границу. Он назвал этот стиль «Структурированная виньетка».

На рубеже веков в творчестве Пола Брента произошел еще один поворот, когда он начал писать маслом, сначала на закаленной доске, которую он вручную вылепил, а затем на холсте, а также на картоне.Его первые масла отражали прозрачную традицию акварели, но вскоре он перешел к более богатой многослойной живописи, в которой исследуется глубина цвета, возможная с масляной краской. В его последней работе снова чувствуется коллаж, поскольку он работает как с акварелью, так и с маслом, создавая изображения, графически составленные из старинных гравюр, марок, текстур, каллиграфии и найденных предметов.

Пол Брент родился в Оклахома-Сити в 1946 году. Его отец, Пол Лесли Брент, и его мать, Аледо Рендер Брент, были педагогами.С пяти до тринадцати лет Пол Брент жил на юго-западе Оклахомы. После окончания средней школы он специализировался на искусстве в Калифорнийском государственном университете в Лонг-Бич. Там он проучился два года, прежде чем сменил специализацию на архитектуру и перешел в Калифорнийский университет в Беркли. Он получил степень бакалавра архитектуры в 1968 году и после этого поступил в ВВС, где после обучения в 1969 году находился на базе ВВС Тиндалл в Панама-Сити.

Как профессиональный художник Пол Брент был принят в члены Флоридского общества акварелистов, Юго-восточного общества акварелистов и Национального общества акварелистов. Его работы выставлялись в музейных экспозициях, и у него были персональные выставки в художественных галереях США.

В 1997 году он был принят в Общество иллюстраторов Нью-Йорка. Позже в их галерее была персональная выставка. Статьи о произведениях Пола Брента публиковались в журналах American Artist, Décor , Art World News , Art Business News и Florida Monthly и многих других.В 2003 году он написал и создал обложку для книги «Прекрасные акварели» с Полом Брентом для North Light Publishing. В майском номере журнала «Жизнь на побережье» за 2006 год Пол Брент был упомянут в статье под названием «Акварельные воспоминания». Он также был включен в статью в Wall Street Journal, в которой описывался феномен художников, добивающихся успеха за пределами галерейной сцены Нью-Йорка. Он создал художественные работы для плакатов по сбору средств и печатных изданий ограниченным тиражом для таких организаций, как кампус Панама-Сити бывшего Советского Союза, Аквариум Нового Орлеана и Джазовый фестиваль в Санибеле.В 2005 году его картина маслом «Абстрактная скрипка» была выбрана для включения в публикацию Культура Строит будущее Флориды , созданной Управлением культурных и исторических программ Государственного департамента Флориды. Его попросили создать рождественское украшение для рождественской елки в Белом доме на Рождество 2008 года. Недавно ему было поручено разработать художественное произведение для водонапорной башни Панама-Сити, Флорида, которая заняла второе место в Национальном художественном конкурсе водонапорных башен, а его картина «Тропические листья» была фигурирует в недавнем эпизоде ​​»Гавайи Пять-0″.

Пол активно работал в художественных и проектных организациях как в городе, так и в штате Флорида. Он входил в совет директоров и четыре года был президентом Bay Arts Alliance. Он был членом правления «Друзей библиотек округа Бей» и Ассоциации Большого центра города. Он был членом правления и секретарем Совета по делам искусств Флориды и членом правления Совета по гуманитарным наукам Флориды. Он пожертвовал свое искусство многим местным благотворительным организациям. Он нарисовал двух дельфинов в натуральную величину для благотворительного мероприятия по сбору средств «Всплеск дельфинов» и участвует в параде масок хосписа Ковенанта с момента его основания в 2003 году.В 2009 году он занимал должность председателя Панама-Сити CRA, Агентства по благоустройству населения. В течение последних 20 лет Пол Брент спонсировал и судил Конкурс детского искусства для 4 классов в округе Бэй, посвященный дикой природе, находящейся под угрозой исчезновения.

У Пола и его жены Ланы Джейн двое сыновей, Дженсен и Андерс.

Фотографирование картин с помощью зеркальной камеры

на 2021 год: у меня есть новый (короткий) пост и видео с моими обновленными мыслями о том, как фотографировать произведения искусства с помощью цифровой зеркальной камеры.

Это предыдущий пост:
Когда я писал в прошлый раз о фотографировании картин, я обсуждал найм профессионалов и оборудование, которое они используют. За годы, прошедшие после этого поста, технология цифровых фотоаппаратов сильно развивалась в направлении, которое хорошо подходит для фотографирования картин.

Художнику нужны правильные цвета, значения и цветность произведения, с линзой без искажений, с очень высоким разрешением, которое может показать детали в мазке, а также различные резкость и мягкость краев.В течение многих лет лучшим способом добиться этого была камера среднего формата с цифровой задней панелью. Цена на это оборудование может легко доходить до десятков тысяч долларов. Основное недавнее изменение в потребительской цифровой фотографии состоит в том, что компании, производящие фотоаппараты, участвуют в том, что авторы технологических писателей пренебрежительно называют «войной мегапикселей». Эта гонка за лучшими датчиками с большим количеством пикселей подтолкнула возможности датчиков DSLR к диапазону недорогих цифровых задников, потенциально экономя мастеру-мастеру кучу денег.

Очевидно, что найм профессионального фотографа даст лучшие результаты. У них будет лучшее оборудование и опыт, чтобы знать, как им пользоваться. К тому же они невероятно дорогие (в Италии я платил 100 евро за фотографию или около 1000 евро за час работы). Вы можете купить целую установку за эту цену, а поскольку фотографировать картины — это действительно один трюк, получить достаточно хороший набор не так уж и сложно.

Чтобы хорошо сфотографировать произведения искусства, необходимо следующее оборудование: штатив, подходящее освещение, покрытое поляризованной пленкой, система калибровки цвета и серая карта, приличный корпус зеркальной камеры, которую можно привязать к компьютеру, компьютер с программным обеспечением для привязки, хороший макрос (микро) линза с круговым поляризационным фильтром и программное обеспечение для редактирования и архивирования работы.

Сначала поместите картину на мольберт с двумя яркими, полноспектральными источниками освещения под углом 45 градусов к произведению искусства, поместите камеру на штатив так, чтобы линза была параллельна поверхности картины, как показано ниже. Свет, картина и фотоаппарат должны быть на одной высоте. Не должно быть других источников света, а все белое, что может вызвать блики на картине, должно быть закрыто. Профессиональные студийные фотографы рекомендуют не использовать автоматический баланс белого камеры, поэтому я сначала установил баланс белого в камере на 5400K (что похоже на цветовую температуру света, излучаемого моими лампами).Затем я сделал предустановку в камере, снова и снова сфотографировал группу картин и изменил настройки цвета и контраста, пока моя картина не выглядела в некоторой степени правильной, когда изображение впервые выходит из камеры.

Поместите калибровочную карту перед картиной, сфотографируйте ее, затем запустите ее с помощью прилагаемого программного обеспечения (при необходимости конвертируйте RAW в DNG с помощью бесплатного конвертера DNG от Adobe). Программа находит цветные квадраты, измеряет их и создает предварительную настройку для вашей камеры.Сохраните предустановку. Выньте калибровочную карту и положите серую карту рядом с картиной.

Сфотографируйте картину, сначала переведя камеру в режим подъема зеркала (или установите удаленное соединение для использования режима подъема зеркала). Установите минимальное значение ISO, обычно 100, и рабочий режим должен быть приоритетным или ручным (программный режим тоже будет работать, если вы можете изменить настройку диафрагмы). Установите тип изображения RAW. Установите объектив в режим ручной фокусировки. Поворачивайте поляризатор на линзе до тех пор, пока не исчезнут блики на картине.

Затем включите мониторинг в реальном времени в программном обеспечении модема на вашем компьютере, переведите привязанное изображение в полноэкранный режим, увеличьте изображение до максимального и вручную сфокусируйте снимок. Если ваше программное обеспечение для модема может делать снимки в режиме поднятого зеркала, снимайте с экрана компьютера, в противном случае используйте спусковой тросик затвора или пульт дистанционного управления. Не используйте спусковую кнопку затвора на фотоаппарате, так как она может немного двигаться и размывать снимок. Поэкспериментируйте с различными значениями диафрагмы, чтобы найти самую резкую для вашего объектива, обычно с макрообъективом лучше всего подойдет средний диапазон от f / 4 до f / 11.

Импортируйте фотографию в программу редактирования и примените предустановку калибровки (щелкните пипеткой на серой карточке, если баланс белого выключен). Внесите любые другие корректировки, например, поворот, кадрирование, настройку профиля объектива и т. Д. Затем я помечаю картины годом, местоположением и предметом, чтобы потом легко их найти. Я также сделал настройки экспорта для всех возможных применений фотографий. Это упрощает подготовку изображений.

Несколько советов для больших картин: если у вас нет поляризационных листов, свет может быть под углом более 45 градусов, чтобы уменьшить блики.Если возникают проблемы с получением равномерного света на большой картине, найдите область с равномерным освещением и сделайте несколько снимков, перемещая картину на плоской плоскости на одинаковом расстоянии от камеры, пока не получите фотографии частей всей картины. Затем используйте программное обеспечение для сшивания, такое как Adobe Photoshop, PTGui или бесплатный Microsoft ICE, чтобы соединить отдельные изображения. Этот метод также можно использовать для получения изображений большого размера со сверхвысоким разрешением при использовании камеры с низким разрешением.Немного поработав, вы сможете запечатлеть детали, которые позволят камерам среднего формата работать за свои деньги. Тонкий HDR — еще одна идея, если диапазон значений слишком велик для камеры.

Ниже приведены некоторые из моих мыслей о фотооборудовании для художников. Большая часть расходов на оборудование для фотосъемки заключается в том, чтобы фотографы могли запечатлеть мимолетные моменты. Поскольку фотографирование картин осуществляется в строго контролируемых условиях, нет необходимости покупать самое лучшее и новейшее оборудование.(Я добавил реферальные ссылки Amazon).

• Штатив может быть одним из тех дешевых пластиковых штативов за 20 долларов, которые продают повсюду. У меня есть пара, которую люди бросили в моей студии, которую я использовал в крайнем случае. Проблема в том, что они могут раздражать, когда занимают позицию. Обычно они не рекомендуются, так как они могут раскачиваться, но поскольку фотографировать картины нужно с помощью пульта дистанционного управления и когда камера находится в режиме зеркала вверх, движения нет. Тем не менее, лучше иметь приличный, вроде тех, что сделаны Slik, или Dolica, они стоят от 50 до 100 долларов (я использую шелк).Manfrotto или Vanguard — лучшие бренды, и, хотя они могут стоить дороже, штатив — это то, что нужно покупать только один раз.
• Правильное освещение стоит недорого. В любом случае мне нужно было освещение для рисования после наступления темноты в моей студии, поэтому я выбрал установку освещения софтбокса со следующими характеристиками: 125 Вт (эквивалент 625 Вт), непрерывное освещение, чистые белые лампы дневного света 5400K, общий индекс цветопередачи Ra> 90 Это тот, который у меня есть, чтобы дать представление о том, как они выглядят. Профессиональные фотографы будут использовать вспышки, которые могут дать более сильный и качественный свет, но вы не сможете рисовать со вспышки.Наконец, поляризационные листы должны быть помещены поверх софтбокса, дешевое место для получения поляризованных листов — Polarization.com.
• Что касается того, какую камеру купить, есть сайты получше, чем этот. Обычно рекомендуется тратить больше на объективы и экономить на корпусе камеры. Линзы служат дольше. Я выбрал Nikon, поскольку они, похоже, больше заинтересованы в сенсорах с большим количеством пикселей, а Canon, похоже, больше сосредоточена на своих возможностях видео. В последних моделях Nikon также был удален фильтр нижних частот и антиалиасинг для получения более четких изображений (удаление фильтра нижних частот может подвергнуть камеру риску появления муара, но художественные фотографы, которых я писал, сказали, что это не проблема).Для общего представления, новый Nikon начального уровня (DX) D3500 стоит менее 400 долларов с объективом, он имеет разрешение 24 мегапикселя и позволяет делать отличные фотографии. (Вы можете продать прилагаемый к нему объектив, так как вам понадобится макрообъектив). По мере того, как вы продвигаетесь вверх по линейке предложений Nikon, D5600 получает немного лучшее качество изображения за одну треть дороже. У него также есть множество наворотов, которые не имеют значения при фотографировании произведений искусства в контролируемой студии. То же самое и с фотокамерой D7500, которая защищена от непогоды, делает снимки быстрее, имеет лучший автофокус, делает снимки лучше при слабом освещении и т. Д.Опять же, все вещи, которые на самом деле не имеют значения для фотографирования картин, но которые следует учитывать, если вы планируете использовать камеру для других целей. Покупка поколения, бывшего в употреблении или отремонтированного, может сэкономить деньги. Высококачественные профессиональные Nikon с полноразмерным (FX) сенсором (например, D850) — это 36-мегапиксельные камеры, которые попадают в диапазон чисел пикселей среднего формата, и вы можете найти бывшие в употреблении D800 в наши дни по цене меньше, чем D7500.
• Макро (или микро) объектив обычно предназначен для съемки мелких объектов с близкого расстояния.Причина, по которой они используются для фотографирования картин, заключается в том, что у них плоское поле фокусировки с небольшими геометрическими или цветовыми искажениями. Это также, как правило, очень резкие линзы, способные улавливать мелкие детали. Художникам нужен макрообъектив с фиксированным фокусным расстоянием, а не зум. Поскольку сейчас у меня небольшая студия, я использую недорогой 40-миллиметровый микрообъектив для больших картин и макрообъектив AIS 105 мм для своих набросков. Большинство профессионалов предпочитают 85 мм. Чем больше фокусное расстояние, тем лучше качество и меньше геометрические искажения, но вам нужно больше места для съемки больших картин.Светосильный объектив с диафрагмой f / 1,2 или f / 1,4 (дорогой) не нужен, поскольку студия будет хорошо освещена, а самые резкие настройки диафрагмы находятся в среднем диапазоне (от f / 5,6 до f / 11). Наконец, поскольку при фотографировании картин нужно фокусироваться вручную, автофокусировка не требуется, а старые использованные объективы могут иметь отличную (резкую) оптику за меньшие деньги. Круговой поляризатор должен быть от известного бренда (у меня круговой поляризатор B + WKaesemann).
  
• Система калибровки цвета — один из самых мощных инструментов в художественной фотографии.У меня есть X-Rite ColorChecker Passport, и он на вес золота. Что вы делаете, так это устанавливаете цветовую сетку на мольберте, где будет сфотографирована ваша картина, делаете снимок квадратов при правильном освещении, импортируете его на свой компьютер и запускаете через программное обеспечение X-Rite. Это создаст профиль того, как ваша камера видит цвета при вашей настройке освещения. Оттуда к любой фотографии, которую вы делаете, можно просто применить профиль, и он получит правильные цвета и значения одним щелчком мыши.Я потратил часы, пытаясь возиться с настройками моей картины рядом с экраном, с гораздо худшими результатами. Это действительно того стоит. У меня также есть программное обеспечение для архивирования и исправления фотографий. Я использую Adobe Photoshop и Lightroom по годовой подписке. Когда вы освоитесь, это быстро и эффективно. Библиотека работает очень хорошо, и я могу быстро перемещаться по своему архиву из тысяч фотографий. В нем есть все стандартные инструменты коррекции цвета, а также удаление пятен (часто подразумевается удаление ошибок на пленэрах).В нем также есть профили моих объективов от Nikon, поэтому, если я скажу программе, какой объектив я использовал, он исправит геометрическое искажение, быстро давая мне прямые линии по краям моих картин. Чтобы фотографировать с компьютера, я привязываю камеру к USB-кабелю и управляю ею с помощью бесплатной программы Sofortbild в OSX. Если я использую Windows, я использую ControlMyNikon (30 долларов США).
• Для калибровки монитора возьмите приличный монитор (у меня есть Dell U2413 и дешевый 27 ″ Qnix от Ebay) и получите систему калибровки монитора.У меня есть X-Rite i1Display Pro, который работает с калибровочным программным обеспечением Dell. Это очень важно при просмотре ваших картин на компьютере. TFTCentral.co.uk отлично подходит для обзоров мониторов.

ИСКУССТВО: Создание маэстро

Фернандо Ботеро в беседе с Лоуренсом Риндером, сентябрь 2009 г. (Фото Пег Скорпински)

АРТ

Создание маэстро

Лоуренс Риндер Интервью Фернандо Ботеро

23 сентября 2009 года Центр латиноамериканских исследований и Художественный музей Беркли провели публичное мероприятие, посвященное передаче Фернандо Ботеро своей серии картин и рисунков Абу-Грейб Калифорнийскому университету в Беркли.На мероприятии всемирно известный художник был награжден грамотой канцлера за его жизненные достижения. Затем он начал публичную дискуссию о своей жизни и работе с директором музея Лоуренсом Риндером.

Риндер: Ваше первое выступление в качестве художника было в 1948 году, когда, как мне кажется, вам было всего 16 лет. Вы продали иллюстрацию, если не ошибаюсь.

Ботеро: Ну да. Я начал участвовать в групповых выставках в моем родном городе со старшими художниками региона.Затем я переехал в Боготу, бросил учебу в старшей школе и очень рано стал профессиональным художником. Мне было 17 или 18 лет, когда я начинал как профессионал.

Р: Эта работа 1949 года «Плачущая женщина» была сделана всего через год после того, как вы впервые начали показывать ее публике. Исторически 1948 год стал первым годом того, что стало известно как «Ла Виоленсия» — трагического и чрезвычайно важного момента в истории Колумбии.Сегодня мы все еще наблюдаем последствия. И очень жаль, что ваша собственная карьера началась в тот самый момент, когда Колумбия начала распадаться. Интересно, могли бы вы рассказать о «La violencia», о том, что это было и как это повлияло на ваши ранние годы творческой деятельности.

B: Это оказало большое влияние, потому что, конечно, молодые люди очень чувствительны к этим проявлениям насилия, социальной несправедливости и т. Д. Мы были очень тронуты этой ситуацией. Как вы сказали, насилие началось в Колумбии с убийства Хорхе Гайтана, популярного лидера, который собирался стать президентом.Его убила очень реакционная группа в Колумбии, и тогда реакция масс была тотальной. Они сожгли половину Боготы и Медельина. Ситуация очень тронула каждого молодого интеллектуала, студента, художника и т. Д.

С точки зрения живописи, конечно, в то время у нас было очень мало информации о международном искусстве. В основном мы получали репортажи о мексиканском искусстве. Меня очень интересовал Диего Ривера и особенно Ороско, как вы видите в «Плачущей женщине». В то же время в этой акварели 1949 года есть интересный элемент: уже был особый интерес к объему, который вы можете увидеть в рукаве «Плачущая женщина.«Мои акварели того времени всегда были очень объемными, и я просто не могу объяснить, почему. На самом деле это было необычно. Пару лет спустя, когда я был студентом во Флоренции, я смог осознать важность объема и понять, что в этих акварелях уже была тенденция внутри меня. Вот почему я был так увлечен искусством Quattrocento [искусство Италии 15 века].

R: Вы поехали в Европу в 1952 году. Я полагаю, что отчасти причина заключалась в том, чтобы увидеть великие произведения искусства, а также в том, чтобы выбраться из ухудшающейся политической и социальной ситуации в Колумбии.

B: Это было в основном потому, что я хотел увидеть Великих Мастеров, музеи и т. Д. Я мало знал о Великих Мастерах, потому что информации было очень мало. Я знал, что есть кто-то по имени Микеланджело, Рафаэль, Тициан, Веласкес, но информации было очень мало. Поэтому, когда я приехал в Европу, я обнаружил их фантастические работы, и это искусство было намного важнее, чем я когда-либо думал, более сложным и необычным.

Изначально я планировал поехать в Париж, как стремится каждый молодой художник.Затем я изменил свои планы и уехал в Италию. Вот почему моя работа связана с итальянским искусством, особенно с кватроченто: Уччелло, Пьеро делла Франческа и т. Д. На самом деле, когда я приехал во Флоренцию, я понял, что мексиканское искусство на самом деле было вдохновлено кватроченто и производным от него. Лучше было увидеть источник этого искусства. С тех пор я не смотрел на мексиканское искусство; Я смотрел на Кватроченто.

Р: А потом в 56-м вы действительно поехали в Мехико. Вы встречались в то время с кем-нибудь из художников-монументалистов?

B: Однажды я встретил Диего Риверу, но в группе примерно из десяти человек.Он был здесь; Я был здесь.

Р: А влияние уже было в юности.

B: Ну нет. Вначале на меня очень повлияло мексиканское искусство, потому что это единственное, что вы видели. Затем, когда я поехал в Европу, я увидел разницу — я увидел великих мастеров, которые вдохновили мексиканскую работу. Тогда меня это впечатлило гораздо меньше.

Я считаю, что мексиканские художники были очень важны, потому что они отражали политические проблемы своего времени. Реальность страны была революционной, и, помимо стиля или техники, они столкнулись с очень человеческими проблемами в Мексике.

R: Я хочу вернуться к тому, что вы сказали о громкости. Вы сказали ранее, что объем был проблемой даже в самом начале акварели 1949 года. Интересно, могли бы вы рассказать об этой картине «Натюрморт с мандолиной». Думаю, для вас это было своего рода прозрением.

B: Да, очень ранняя работа. К тому времени я понял важность объема в картинах. Я много читал Бернарда Беренсона, который придавал огромное значение объему. Фактически, он создал шкалу важности, основанную на способности производить то, что он назвал «тактильными ценностями».«Как я уже говорил, в моих ранних работах был элемент объема. Затем вся моя работа становилась все более и более связанной с объемом, но в некоторой степени производной от итальянского объема.

Однажды я рисовал мандолину, и в тот момент, когда я собирался проделать отверстие в инструменте, я сделал это очень маленьким. Там было что-то, с чем я сразу отождествился. Я увидел, что это стало намного важнее, намного радикальнее. Контраст между мелкими деталями и щедрым контуром делает форму более важной, агрессивной, чувственной и многим другим.Люди очень легко узнают мою работу, потому что видят эту экзальтацию, этот экстравагантный или преувеличенный объем.

Том был очень важен на протяжении веков, начиная со времен Джотто и кончая импрессионистами. Объем был более или менее выражен в каждой картине. После импрессионистов и в 20-м веке искусство стало более плоским по размерам, а объем был забыт. Для меня часть волшебства картины заключается в том, что на этой плоской поверхности возникает иллюзия пространства и объема.Это действительно часть тайны живописи. Без объема отсутствует элемент таинственности и чувственности. Вот почему я критически отношусь к этому искусству, которое было исключительно декоративным. Я хотел, чтобы моя работа вновь включала этот элемент, который был каким-то образом забыт или отвергнут в 20-м веке.

«Натюрморт с мандолиной», холст, масло, 67 x 121 см, 1957 г. (© Фернандо Ботеро, любезно предоставлено галереей Мальборо, Нью-Йорк).

R: Итак, вы начали довольно ярко применять объем к фигурам, как в этой работе под названием «Мертвые епископы» 1958 года, действительно замечательной работе, которая фактически предвосхищает одну из работ наверху, в коллекции Абу-Грейб.

B: Да, именно так. Собственно говоря, я думал об этой картине.

R: На картине 1958 года видно, что речь идет о круглом контуре с мелкими деталями. Ясно. В этой картине есть еще один элемент, качество палитры, а также мазок кисти, который на самом деле существовал в вашей работе только около трех или четырех лет, прямо в этот момент с 1958 по 61 или 62 год. Палитра почти фовская: яркие цвета, в некотором роде более экспрессионистские.Я думаю, что это был период, когда вы тоже жили в Нью-Йорке, и мне интересно, было ли вообще влияние абстрактных экспрессионистов или каков был контекст этой работы?

B: Я видел картины абстрактных экспрессионистов, и они меня очень соблазнили. Это было очень соблазнительное движение из-за свободы, щедрости, чувственности нанесения цвета, мазка кисти. Я начал рисовать очевидным мазком кисти.

Искусство Quattrocento всегда имеет очень тонкую поверхность, и исторически сложилось так, что большинство произведений искусства имеют очень гладкие поверхности.Было очень мало художников, таких как Франс Хальс, как Гойя в его «Черных картинах», которые оставляли мазок кисти очень заметным. Но картины абстрактных экспрессионистов были настолько интересны, что я занимался этим несколько лет. Но потом я обнаружил, что это противоречие. Я пытался успокоить свою работу. Я очень восхищаюсь спокойствием Пьеро делла Франческа. Я восхищаюсь спокойствием в египетском и греческом искусстве. Спокойствие придает форме ощущение вечности; этот восторг, этот лихорадочный мазок кисти были противоречием.Поэтому в какой-то момент я остановился.

R: Так, например, эта версия 1965 года — это та же картина, но выполненная в стиле Пьеро делла Франческа.Так к чему куча мертвых епископов?

B: Я действительно не знаю, в чем причина. Но причина, по которой я рисовал людей из церкви, заключается в том, что в эпоху Возрождения люди использовали самые фантастические цвета. Они так красили, потому что тогда модели были полны цвета. В наше время большинство людей носит серое, черное или белое, а прихожане церкви и тореро — единственные, кто использует экстравагантные цвета. Для меня это был предлог использовать цвет.

Р: Это как фруктовый натюрморт, только мертвые епископы.

B: Почему они были в кучу? Я правда не знаю. Я не могу этого объяснить.

R. А что с этими людьми? Это называется «Официальный портрет военной хунты» 1971 года. Я думаю, что речь идет явно не только о группировке цветов. Это действительно социальная, политическая сатира. Композиция здесь очень напоминает картину Гойи «Семья Карла IV». Так расскажи мне об этом. Это особая семья? Что происходило в то время в социальном и политическом плане?

B: Ну, это было время Сомоз, Трухильо и многих военных хунт в Латинской Америке.И, конечно же, против этой нелепости были все, кто был умен. Создавать сатиры было очень легко, когда вы слышали рассказы пятилетних генералов и того, что они делали в Доминиканской Республике, Гватемале и подобных местах. Большая часть Латинской Америки пострадала от такой военной диктатуры. И я написал серию картин, которые были сатирами на этих людей. Конечно, хорошим примером является «Семья Карла IV» Гойи. Я сделал презентацию о латиноамериканской семье, которая была похожа на «Семья Карла IV.”

Р: Итак, в данном случае объемность фигур кажется явно сатирическим элементом. Вы бы сказали, что в данном случае это формальное качество играет роль сатиры?

B: Ну, дело в том, что этот том почему-то внушал людям мысль, что это было забавно. Когда вы видите кого-то очень стройного, вам не кажется, что это смешно. Но вы думаете, что толстый — забавный.

На самом деле, я не пытался заниматься сатирой. Я пытался высмеять костюмы и тот факт, что там были эти маленькие генералы.Я сделал сатирическую презентацию, но в том же духе, что и натюрморты. Всю свою жизнь я рисую натюрморты, потому что процесс рисования ласкает, пытается передать чувственность и покой через форму. Даже если я пишу картину на отвратительную тему, я должен относиться к ней с той же любовью, что и к фруктам. Это противоречие, но так оно и есть.

«Abu Ghraib 89», 171 x 111 см, холст, масло, 2006 г. (© Фернандо Ботеро, любезно предоставлено галереей Marlborough, Нью-Йорк.)

R: Как отреагировали на эту работу в Латинской Америке? Были ли у вас трудности среди правящих классов? Должно быть, они почувствовали, что все не в порядке, или даже не заметили? Они заказывали такие вещи?

B: На самом деле я не встречал ни одного из этих диктаторов. Я жил в Европе и Нью-Йорке. Но картина стала чрезвычайно популярной. Люди воспроизводили это во многих местах. Это был положительный момент. Собственно, именно этого я и хотел, чтобы сатира была посеяна в сознании людей, чтобы они увидели, насколько нелепы эти диктаторы.

R: Итак, серия Abu Ghraib совсем не нова в вашей работе, поскольку она затрагивает тему государственного насилия. Это на самом деле то, что вы представляете десятилетиями. Эта безымянная работа 1978 года является одним из многих примеров. Вы говорили о роли искусства в создании ощущения покоя и о том, что каждая картина, наконец, представляет собой натюрморт, но можете ли вы на минутку поговорить о взаимосвязи между, может быть, не искусством, а практикой художника и насилием со стороны государства? Как, по вашему мнению, должно реагировать искусство? Как вы ответили?

B: Вы не можете оставаться равнодушными к таким отталкивающим ситуациям.В то время полиция очень плохо обращалась с людьми. Эти две картины отражали ситуацию. Позже я отразил насилие в моей стране, в Колумбии. Я написал серию очень драматичных картин…

R:… войны с наркотиками…

B:… резни, парады гробов. Вы могли бы увидеть эти парады из 50 или 60 гробов, спускающихся по главным улицам этих городов. Я видел это по телевизору и рисовал. Собственно говоря, я подарил эту серию Национальному музею Колумбии.

Каждый раз, когда меня что-то впечатляет или шокирует, это проявляется в моей работе. Я был шокирован пытками в Ираке во времена администрации Буша. Против этого был весь мир. Все, кто имел отношение к искусству, из-за чувствительности художника были шокированы больше. Вот почему я пришел в ярость. И однажды я начал визуализировать то, что происходило в этой тюрьме, а затем начал рисовать. Я продолжал работать и работать. Это стало навязчивой идеей, пока я не сказал то, что должен был сказать.И почему-то это было похоже на терапию, потому что чем больше я рисовал, тем спокойнее было в моем сердце. Когда я закончил сериал, я каким-то образом почувствовал покой. На самом деле это была терапия. Но я знал, что мне нужно что-то сделать, потому что это было шокирующим событием. И я сделал.

«Официальный портрет военной хунты», холст, масло, 173 x 218 см, 1971 г. (© Фернандо Ботеро, любезно предоставлено галереей Мальборо, Нью-Йорк).

Р: Я хотел спросить вас о христианстве, потому что это тема, которая довольно много обсуждалась в беседах, которые имели место по случаю вашего последнего визита.Профессор Том Лакер назвал «Страсти Христовы» «парадигматическим примером страдания в западной традиции» и предположил, что эта тема является очень сильной скрытой частью вашей работы.

Как своего рода контрапункт к этому, T.J. Кларк, который также работает здесь на факультете, сказал, что ваша работа могла бы быть лучше, если бы она оставалась «верной мерзкой бессмысленности моментов, запечатленных в фильме». Он хотел бы, чтобы вы исследовали фундаментальную дистанцию ​​Абу-Грейба от повествований, определяющих западную художественную культуру, таких как связь физических страданий с искуплением и священным.

Итак, две разные точки зрения: одна рассматривает связь с христианством как расширение возможностей работы и придает ее посланию дополнительный объем, если хотите, а другая утверждает, что намек на повествование о христианстве и связь между страданием и святостью на самом деле не соответствует действительности. В соответствии с тем, что произошло, в Абу-Грейбе было мало священного. Вы можете об этом поговорить?

B: Люди часто находили связь между религиозным искусством, христианством, страстями Христовыми и моей работой.Правда в том, что в Латинской Америке религиозное искусство показывает очень кровавое представление Христа. Это было то, что вы видели в каждой церкви. Там, где нет музеев, традиций, галерей, искусство, которое вы видите в детстве и подростковом возрасте, находится в церкви.

В то же время в Латинской Америке предмет искусства традиционно был религиозным. Девяносто процентов работ было религиозным. Тогда, в 20 веке, в живописи, в искусстве не было религии. В некотором смысле это было похоже на то, что случилось с объемом; объем был элементом, который исчез.Религия исчезла как предмет искусства ХХ века. Это было чрезвычайно важно на протяжении веков. Затем, поскольку эта традиция существовала в Латинской Америке, мне нравилось больше заниматься этой темой, хотя я не религиозный человек. Но я увидел красоту этих религиозных картин старых мастеров Латинской Америки. И мне нравится идея делать что-то, что каким-то образом запрещено, придавать значение предмету, который является табу в современном искусстве. Большинство искусствоведов считают, что эта тема — табу.Мне нравится делать то, что, по мнению всех, делать не следует. Почему бы нет?

История искусства — это великая традиция религиозного искусства. И для меня история искусства чрезвычайно важна. Я всегда думаю о панорамах искусства. Если что-то было важным тогда, то почему не сейчас? Почему ты не можешь сделать это сейчас? В некотором смысле история искусства дает вам разрешение продавать определенные вещи. Почему — если это было великое искусство — почему не сейчас?

Когда я делал картины Абу-Грейба, весь этот фон проявился.Это нормально. Но как-то многое было прочитано в сериале «Абу-Грейб». Дело не в том, что я пытался творить Христа. Так и случилось. И это пришло на второй план. Не то чтобы я сделал это специально.

(вопрос из аудитории): Почему американские артисты относительное молчание по этому поводу в это время?

B: Я думаю, что единственное логическое объяснение того, почему американцы — которые, я уверен, были лично шокированы и возмущены ситуацией — ничего не сделали, — это то, что американское искусство в основном абстрактно и концептуально.Возможно, некоторые люди сделали что-то, что имело отношение к этой пытке, но это было непонятно. Прямая и ясная презентация была бы нарушением философии художника-концептуалиста. В Америке очень мало известных фигураторов, и они ничего не делали. Но большая часть искусства сегодня в Америке абстрактна и концептуальна, и очень трудно сказать что-то подобное, если вы художник-абстракционист. Это единственное логическое объяснение того, почему этого не было сделано. Но в то же время это невероятно.

Канцлер Калифорнийского университета в Беркли Роберт Дж. Биржено вручает Фернандо Ботеро грамоту канцлера. (Фото Пег Скорпински.)